En tant que culture ancienne, le Japon a montré son art pendant toutes ces années, apprenez avec nous à travers cet article intéressant, tout sur l'ancien art japonais, développé au fil du temps dans diverses périodes et styles. Ne le manquez pas!
Art japonais
Lorsque nous parlons d'art japonais, nous parlons de ce qui a été notifié par cette civilisation au fil du temps dans diverses phases et styles, qui se sont déroulés temporairement avec le développement social et culturel du peuple japonais.
Les variations que subit l'art au Japon sont des conséquences de son développement technologique, où l'on peut se rendre compte de l'utilisation de la matière première du pays dans ses expressions artistiques. Au même titre que l'art dit occidental, ses expressions les plus emblématiques ont été influencées par la religion et le pouvoir politique.
L'une des principales caractéristiques de l'art japonais est son éclectisme, issu des différents peuples et cultures qui sont arrivés sur ses rives au fil du temps : les premiers colons qui se sont installés au Japon -connus sous le nom d'Ainu- appartenaient à une branche du Caucase du Nord et de l'Asie de l'Est, probablement arrivé alors que le Japon était encore rattaché au continent.
L'origine de ces colons est incertaine et les historiens envisagent diverses hypothèses, allant d'une race ouralo-altaïque à une éventuelle origine indonésienne ou mongole. En tout cas, leur culture semblait correspondre au Paléolithique supérieur ou Mésolithique.
Par la suite, divers groupes de race malaise d'Asie du Sud-Est ou des îles du Pacifique sont arrivés sur les côtes japonaises, ainsi qu'en Corée et dans diverses parties de la Chine, progressivement introduits du sud, déplaçant les Ainu. nord du Japon, tandis que dans une vague ultérieure, divers groupes de même ethnie de Chine et de Corée sont venus au Japon.
A ce brassage racial s'ajoute l'influence d'autres cultures : du fait de son insularité, le Japon a été isolé pendant une grande partie de son histoire, mais par intervalles il a été influencé par les civilisations continentales, notamment la Chine et la Corée, surtout depuis le Ve siècle.
Ainsi, la culture ancestrale japonaise issue des avant-postes successifs de l'immigration a ajouté une influence étrangère, forgeant un art éclectique ouvert à l'innovation et au progrès stylistique.
Il est également intéressant de noter qu'une grande partie de l'art produit au Japon est à base religieuse : à la religion shinto typique de la région, formée vers le XNUMXer siècle, le bouddhisme s'est ajouté vers le XNUMXe siècle, forgeant une fusion religieuse qui perdure encore aujourd'hui et qui a également laissé son reflet dans l'art.
L'art japonais est la conséquence de ces différentes cultures et traditions, interprétant à sa manière les formes d'art importées d'autres pays, qu'il réalise selon sa conception de la vie et de l'art, exécutant des changements et simplifiant ses caractéristiques particulières.
Como los elaborados templos budistas chinos , que en Japón ha pasado por una metamorfosis al tener que abandonar ciertos elementos de su arte y unirlos con otros, esto expresa el carácter unión de este arte, por lo que siempre ha tomado naturalmente algo de otra cultura de autres pays.
L'art japonais a dans la culture japonaise un grand sens de la méditation et de l'interrelation entre l'homme et la nature, également représentée dans les objets qui l'entourent, des plus ornés et emphatiques aux plus simples et quotidiens.
Cela se voit dans la valeur accordée aux imperfections, le caractère éphémère des choses, le sens humanitaire que les Japonais établissent avec leur environnement. Tout comme dans la cérémonie du thé, ils apprécient le calme et la tranquillité de cet état de contemplation qu'ils atteignent avec un rituel simple, basé sur des composants simples et une harmonie d'un espace asymétrique et inachevé.
Pour eux, la paix et l'équilibre sont associés à la chaleur et au confort, des qualités qui reflètent à leur tour leur conception de la beauté. Même au moment des repas, ce n'est pas la quantité de nourriture ou sa présentation qui compte, mais la perception sensorielle de la nourriture et le sens esthétique qu'elle donne à tout acte.
De même, les artistes et artisans de ce pays ont un haut degré de connexion avec leur travail, ressentant les matériaux comme une partie essentielle de leur vie et de leur communication avec l'environnement qui les entoure.
Fondements de l'art japonais
L'art japonais, comme le reste de sa philosophie - ou, simplement, sa façon de voir la vie - est sujet à l'intuition, au manque de rationalité, à l'expression émotionnelle et à la simplicité des actions et des pensées. souvent exprimé symboliquement.
Deux des traits distinctifs de l'art japonais sont la simplicité et le naturel : les expressions artistiques sont le reflet de la nature, elles ne nécessitent donc pas de production élaborée, tout cela conduit au fait que ce que les artistes veulent, c'est que ce qui est esquissé, suggéré, soit déchiffré plus tard. par le spectateur.
Cette simplicité a provoqué dans la peinture une tendance au dessin linéaire, sans perspective, avec une abondance d'espaces vides, qui s'intègrent pourtant harmonieusement à l'ensemble. En architecture, il se matérialise dans des conceptions linéaires, avec des plans asymétriques, dans une combinaison d'éléments dynamiques et statiques.
À son tour, cette simplicité dans l'art japonais est liée à une simplicité innée dans la relation entre l'art et la nature, qui fait partie de leur idiosyncrasie, qui se reflète dans leur vie, et ils la vivent avec une délicate sensation de mélancolie, presque de tristesse.
Comment le passage des saisons leur donne un sentiment de fugacité, où l'on peut voir l'évolution qui existe dans la nature en raison de la nature éphémère de la vie. Cette simplicité se reflète surtout dans l'architecture, qui s'intègre harmonieusement dans son environnement, comme l'indique l'utilisation de matériaux naturels, sans travaux, montrant son aspect brut et inachevé. Au Japon, la nature, la vie et l'art sont inextricablement liés, et la réussite artistique est un symbole de l'univers tout entier.
L'art japonais cherche à atteindre l'harmonie universelle, dépassant la matière pour trouver le principe générateur de la vie. L'ornementation japonaise cherche à trouver le sens de la vie à travers l'art : La beauté de l'art japonais est synonyme d'harmonie, de créativité ; c'est une impulsion poétique, un cheminement sensoriel qui conduit à la réalisation de l'œuvre, qui n'a pas de fin en soi, mais va au-delà.
Ce que nous appelons beauté est une catégorie philosophique qui nous renvoie à l'existence : elle réside dans l'atteinte du sens avec le tout. Comme l'a exprimé Suzuki Daisetsu : "la beauté n'est pas dans la forme extérieure, mais dans le sens dans lequel elle s'exprime."
L'art ne commence pas par son caractère sensible, mais par ses attributs suggestifs ; Il n'a pas besoin d'être exact, mais de montrer un don qui mène à la plénitude. Elle vise à capter l'essentiel à travers cette partie, qui suggère le tout : le vide est un complément à l'existant japonais.
Dans la pensée orientale, il y a une unité entre la matière et l'esprit, qui prévaut dans la contemplation et la communion avec la nature, par l'adhésion intérieure, de l'intuition. L'art japonais (gei) a une signification plus transcendante, plus intangible que le concept d'art appliqué en occident : c'est toute manifestation de l'esprit, compris comme énergie vitale, comme l'essence qui donne vie à notre corps qui en fait se développe et évolue, réalisant une unité entre le corps, l'âme et l'esprit.
Le sens de l'art japonais s'est développé au fil du temps : depuis ses débuts où existaient les premières traces d'art et de beauté, elles remontent aux temps anciens où se sont forgés les principes créatifs de la culture japonaise et ceux qui se sont exprimés dans les œuvres littéraires les plus importantes. du pays:
Kojiki, Nihonshoki et Man 'yōshū, ci-dessus sont des publications, les deux premières concernent les premiers ouvrages de l'histoire du Japon et la dernière concerne des poèmes écrits au cours du premier millénaire, pour cette époque la pensée Sayashi prévalait ("pure, of course, fresh"), faisant allusion à une sorte de beauté caractérisée par la simplicité, la fraîcheur, une certaine naïveté qui vient avec l'utilisation de matériaux légers et naturels comme Haniwa Figure Land ou le bois en architecture.
On peut classer le sanctuaire d'Ise comme la meilleure représentation de ce style, en bois de cyprès, qui a été rénové tous les vingt ans depuis le VIIIe siècle pour conserver sa candeur et sa fraîcheur. De cette notion découle une des constantes de l'art japonais : la valeur attribuée à la beauté éphémère, éphémère, éphémère qui se développe au fil du temps.
Dans Man 'yōshū, sayakeshi se manifeste dans les affections d'être fidèle et éprouvé, ainsi que dans la description de la façon dont les composants tels que le ciel et la mer, ils lui ont donné un sentiment de grandeur qui submerge l'homme.
Sayakeshi est lié au concept de Naru ("devenir"), dans lequel le temps est valorisé comme une énergie vitale qui converge vers le devenir, vers l'aboutissement de toutes les actions et de toutes les vies.
En se situant dans les périodes Nara et Heian, l'aspect artistique de l'art évolue rapidement grâce au premier contact avec la culture chinoise, ainsi qu'à l'arrivée du bouddhisme. Le concept principal de cette époque était la conscience, un sentiment émotionnel qui submerge le spectateur et conduit à un profond sentiment d'empathie ou de pitié.
Il est lié à d'autres termes comme okashi, celui qui attire par sa joie et son caractère agréable ; omoshiroi, propriété des choses rayonnantes, qui attirent l'attention par leur éclat et leur clarté ; le yūbi, concept de grâce, d'élégance ; le yūga, une qualité de raffinement dans la beauté ; le fr, l'attrait du charme ; le roi, la beauté du calme ; yasashi, la beauté de la discrétion ; et l'ushin, le sens profond de l'artistique.
L'histoire de Murasaki Shikibu de Genji, qui incarnait un nouveau concept esthétique appelé mono-non-conscience -un terme introduit par Motōri Norinaga-, qui transmet un sentiment de mélancolie, de tristesse contemplative dérivée de la fugacité des choses, d'une beauté éphémère qui dure un moment et reste en mémoire.
Mais c'est surtout un sentiment de mélancolie délicate qui peut mener à une profonde tristesse lorsqu'on ressent profondément la beauté exhalée de tous les êtres de la nature.
Cette philosophie de la "poursuite idéale" de la beauté, d'un état méditatif où la pensée et le monde des sens se rencontrent, est caractéristique de la délicatesse innée des Japonais pour la beauté, et se manifeste dans le festival Hanami, la célébration du cerisier en fleur.
Au Moyen Âge japonais, les périodes Kamakura, Muromachi et Momoyama, où la caractéristique était la domination militaire dans l'ensemble de la société féodale du pays, le concept de dō ("chemin") a émergé, ce qui a généré un développement de l'art pour cette époque. , se manifeste dans la pratique cérémonielle des rites sociaux, comme en témoignent le shodō (calligraphie), le chadō (cérémonie du thé), le kadō ou ikebana (l'art de l'arrangement floral) et le kōdō (cérémonie de l'encens).
Les pratiques importent peu le résultat, mais plutôt le processus évolutif, l'évolution dans le temps - encore le naru -, ainsi que le talent manifesté dans la parfaite exécution des rites, qui dénote une habileté, ainsi qu'un engagement spirituel dans le poursuite de la perfection.
Une variante du bouddhisme appelée Zen, qui met l'accent sur certaines "règles de vie" basées sur la méditation, où la personne perd la conscience de soi, a eu une influence décisive sur ces nouveaux concepts. Ainsi, tout travail quotidien transcende son essence matérielle pour signifier une manifestation spirituelle, qui se reflète dans le mouvement et le passage rituel du temps.
Ce concept se reflète également dans le jardinage, qui atteint un tel degré d'importance où le jardin est une vision du cosmos, avec un grand vide (mer) qui est rempli d'objets (îles), incarnés dans le sable et les rochers. , et où la végétation évoque le passage du temps.
L'ambivalence zen entre la simplicité et la profondeur d'une vie transcendante imprègne un esprit de "simple élégance" (wabi) non seulement dans l'art, mais aussi dans le comportement, les relations sociales et les aspects plus quotidiens de la vie. . Maître Sesshū a dit que "le zen et l'art ne font qu'un".
Ce Zen est présenté en sept faits ornementaux : fukinsei, une manière de nier l'optimisation pour atteindre l'équilibre présent dans la nature ; kanso , sortez ce qui reste et ce que vous sortez vous fera découvrir la simplicité de la nature.
Kokō (dignité solitaire), une qualité que les personnes et les objets acquièrent avec le temps et leur confèrent une plus grande pureté de leur essence ; shizen (naturel), qui est lié à la sincérité, le naturel est authentique et incorruptible ; yūgen (profondeur), l'essence réelle des choses, qui va au-delà de leur simple matérialité, de leur apparence superficielle.
Datsuzoku (détachement), liberté dans la pratique des arts, dont la mission est de libérer l'esprit, pas de le contrôler – ainsi, l'art se passe de toutes sortes de paramètres et de règles - ; seiyaku (sérénité intérieure), dans une situation d'immobilité, de calme, nécessaire à l'écoulement des six principes précédents.
C'est surtout la cérémonie du thé, où le concept japonais d'art et de beauté est magistralement synthétisé, créant une authentique religion esthétique : le "théisme". Cette cérémonie représente le culte de la beauté en opposition à la vulgarité de l'existence quotidienne. Sa philosophie, à la fois éthique et esthétique, exprime la conception intégrale de l'homme avec la nature.
Sa simplicité relie les petites choses à l'ordre cosmique : la vie est une expression et les actions reflètent toujours une pensée. Le temporel est égal au spirituel, le petit est le grand.Ce concept se retrouve aussi dans le salon de thé (sukiya), construction éphémère issue d'une impulsion poétique, dépourvue d'ornementation, où l'imparfait est vénéré, et laisse toujours quelque chose inachevé, qui achèvera l'imagination.
Le manque de symétrie est caractéristique, car le Zen pense que la poursuite de la perfection est plus importante qu'elle-même. La beauté ne peut être découverte que par ceux qui complètent par leur raisonnement ce qui manque.
Enfin, à l'époque moderne -qui débute avec l'époque d'Edo-, bien que les idées antérieures persistent, de nouvelles classes artistiques sont introduites, qui sont liées à l'émergence d'autres ordres sociaux qui surgissent au fur et à mesure que le Japon se modernise : le sui est une certaine délicatesse spirituelle, que l'on retrouve principalement dans la littérature d'Osaka.
La pensée Iki est une grâce digne et directe, particulièrement présente dans le kabuki ; Le karumi est un concept qui défend la légèreté comme quelque chose de primordial, sous lequel s'obtient la "profondeur" des choses, reflétée notamment dans la poésie du haïku, où Shiori est une beauté nostalgique.
"Rien ne dure, rien n'est complet et rien n'est parfait." Ce seraient les trois clés sur lesquelles se fonde le "Wabi sabi", une expression japonaise (ou un type de vision esthétique) qui fait référence à la beauté de l'imparfait, de l'inachevé et du changeant, bien qu'elle fasse référence à la beauté du modeste et humble, le non conventionnel. La philosophie du "wabi sabi" est de profiter du présent et de trouver la paix et l'harmonie dans la nature et les petites choses, et d'accepter pacifiquement le cycle naturel de croissance et de déclin.
Sous-jacent à tous ces éléments se trouve l'idée de l'art en tant que processus créatif et non en tant qu'accomplissement matériel. Okakura Kakuzō a écrit que "seuls les artistes qui croient en la déformation innée de leur âme sont capables de générer une vraie beauté".
Périodisation de l'art japonais
Dans cet article, nous utiliserons une segmentation en grandes périodes en termes de changements artistiques notables et de mouvements politiques. La sélection varie généralement selon les critères de l'auteur, et nombre d'entre eux peuvent également être subdivisés. Cependant, il existe également des différences concernant le début et la fin de certaines de ces périodes. Nous prendrons celui réalisé par l'archéologue Charles T. Kelly, qui est le suivant :
L'art japonais dans les arts plastiques
Pendant les périodes mésolithique et néolithique, elle est restée isolée du continent, toute sa production lui appartenait donc, quoique de peu d'importance. C'étaient des sociétés semi-sédentaires, vivant dans de petits villages aux maisons creusées dans le sol, tirant leurs ressources alimentaires principalement de la forêt (cerf, sanglier, noix) et de la mer (poissons, crustacés, mammifères marins).
Ces sociétés avaient une organisation élaborée du travail et s'intéressaient à la mesure du temps, comme en témoignent plusieurs vestiges d'arrangements circulaires en pierre à Oyu et Komakino, qui servaient de cadrans solaires. Ils avaient apparemment des unités de mesure standardisées, comme en témoignent plusieurs bâtiments construits selon certains modèles.
Dans certains endroits correspondant à cette période, des artefacts en pierre polie et en os, des céramiques et des figures anthropomorphes ont été trouvés. Il convient de noter que la poterie Jōmon est la plus ancienne poterie fabriquée par l'homme : les premières traces de poterie rudimentaire remontent à 11.000 XNUMX avant JC, dans de petits ustensiles artisanaux aux côtés polis et aux grands intérieurs. , avec un sens fonctionnel et une décoration austère.
Ces vestiges correspondent à une période dite « prejōmon » (11000 7500-7500 2500 av. J.-C.), suivie du Jōmon « archaïque » ou « ancien » (XNUMX XNUMX-XNUMX XNUMX av. J.-C.), où la poterie Jōmon la plus typique est fabriquée, réalisée à la main et décorée. avec des incisions ou des traces de corde, sur une base d'une sorte de vaisseaux profonds en forme de jarre. La décoration de base consistait en des empreintes réalisées avec des cordes de fibres végétales, qui étaient pressées sur la poterie avant de la cuire.
Dans plusieurs zones, ces incisions ont atteint un haut degré d'élaboration, avec des bords parfaitement ciselés, dessinant une série de lignes abstraites très complexes. En de rares occasions, des restes de scènes figuratives ont été retrouvés, généralement des dessins anthropomorphes et zoomorphes (grenouilles, serpents), mettant en évidence une scène de chasse présente dans un vase trouvé à Hirakubo, au nord de Honshū.
Enfin, au "Late Jōmon" (2500-400 av. J.-C.), les récipients revinrent à une forme plus naturelle, moins élaborée, avec des bols et récipients à fond rond, des amphores à col étroit, et des bols à anses souvent à tiges. ou base surélevée. Les points de repère de la poterie Jōmon sont : Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo et Okinohara sur l'île de Honshū ; Sobata sur l'île de Kyūshū ; et Hamanasuno et Tokoro sur l'île d'Hokkaidō.
Hormis les vases, diverses figurines à forme humaine ou animale ont été réalisées en céramique, réalisées en plusieurs parties, si bien que peu de vestiges de pièces entières ont été retrouvés. Ceux sous forme anthropomorphe peuvent avoir des attributs masculins ou féminins, et certains signes androgynes ont également été trouvés.
Certains ont le ventre gonflé, ils peuvent donc avoir été associés au culte de la fertilité. Il convient de noter la précision des détails que certaines figures montrent, comme les coiffures soignées, les tatouages et les robes décoratives.
Il semble que dans ces sociétés la parure du corps était très importante, principalement au niveau des oreilles, avec des boucles d'oreilles en céramique de diverses fabrications, ornées de teintures rougeâtres. A Chiamigaito (île de Honshū) plus de 1000 de ces ornements ont été trouvés, suggérant un atelier local pour l'élaboration de ces produits.
Divers masques datent également de cette période, dénotant un travail individualisé sur les visages. De la même manière, différents types de perles de jadéite verte étaient fabriquées, et elles étaient familiarisées avec le travail de la laque, comme en témoignent plusieurs attaches trouvées à Torihama. Des restes d'épées, d'os ou de bois d'ivoire ont également été retrouvés.
Période Yayoi (500 avant JC-300 après JC)
Cette période signifia l'établissement définitif de la société agraire, ce qui provoqua la déforestation de vastes étendues du territoire.
Cette transformation a conduit à une évolution de la société japonaise dans les domaines technologiques, culturels et sociaux, avec une plus grande stratification sociale et spécialisation du travail, et a provoqué une augmentation des conflits armés.
L'archipel japonais était parsemé de petits États formés autour de clans (uji), parmi lesquels prédominaient les Yamato, qui donnèrent naissance à la famille impériale. Puis est apparu le shintoïsme, une religion mythologique qui a fait tomber l'empereur d'Amaterasu, la déesse du soleil.
Cette religion a promu le véritable sens de la pureté et de la fraîcheur de l'art japonais, avec une préférence pour les matériaux purs et sans décoration, avec un sens de l'intégration avec la nature (kami ou superconscience). Dès le XNUMXer siècle av. C. a commencé à introduire la civilisation continentale, en raison des relations avec la Chine et la Corée.
La culture Yayoi est apparue sur l'île de Kyūshū vers 400-300 av. C., et a déménagé à Honshū, où il a progressivement remplacé la culture Jōmon. Pendant cette période, une sorte de grande sépulture avec une chambre et un tertre décoré de cylindres en terre cuite avec des figures humaines et animales a été agrandie.
Les villages étaient entourés de fossés et divers outils agricoles (dont un outil en pierre en forme de croissant utilisé pour la récolte) sont apparus, ainsi que diverses armes, telles que des arcs et des flèches avec des pointes en pierre polie.
En Poterie, les objets suivants étaient spécialement produits : Pots, Vases, Assiettes, Tasses et Bouteilles avec certaines particularités. Ils avaient une surface polie, avec une décoration simple, principalement des incisions, des serpentins en pointillés et en zigzag, l'objet le plus utilisé était un verre dont le nom était Tsubo.
Il a mis en avant le travail des métaux, principalement le bronze, comme les cloches dites dotaku, qui servaient d'objets d'apparat, décorés de spirales (ryusui) en forme d'eau courante, ou d'animaux en relief (principalement cerfs, oiseaux, insectes et amphibiens), ainsi que des scènes de chasse, de pêche et de travaux agricoles, notamment ceux liés au riz.
Le cerf semble avoir eu une signification particulière, peut-être liée à une certaine divinité : dans de nombreux endroits, une multitude d'omoplates de cerf ont été trouvées avec des incisions ou des marques faites avec le feu, ce qui serait lié à un type de rituel.
Parmi les autres objets décoratifs trouvés sur les sites Yayoi, citons: des miroirs, des épées, diverses perles et des magatama (morceaux de jade et d'agate en forme de noix de cajou, qui servaient de joyaux de fertilité).
Période Kofun (300-552)
Cette époque a marqué la consolidation de l'État central impérial, qui contrôlait d'importantes ressources, telles que le fer et l'or. L'architecture s'est développée de préférence dans le cimetière, avec des tombes à chambre et à couloir typiques appelées kofun ("vieux tombeau"), sur lesquelles de grands monticules de terre ont été élevés.
Les sépultures des empereurs Ōjin (346-395) et Nintoku (395-427) sont frappantes, où une grande variété d'objets ont été trouvés, parmi lesquels il y avait ; bijoux, figurines en divers matériaux, en particulier figurines en terre cuite.
Ces statuettes mesuraient environ soixante centimètres de haut, pratiquement sans expression, juste quelques fentes dans les yeux et la bouche, bien qu'elles soient un exemple très pertinent de l'art de cette époque.
Selon leurs vêtements et leurs ustensiles, divers métiers se distinguent chez ces personnages, tels que fermiers, miliciens, moines, provinciales, ménestrels, etc.
À la fin de cette période, des figures d'animaux sont également apparues, notamment des cerfs, des chiens, des chevaux, des sangliers, des chats, des poulets, des moutons et des poissons, dénotant l'importance de la colonie militaire de l'époque, dont les caractéristiques stylistiques sont liées à la culture Silla. .de Corée, ainsi qu'un type de poterie appelé Sueki, qui est sombre et très fin, avec des accessoires qui tintent.
La différenciation sociale a conduit à l'isolement des classes dirigeantes dans des quartiers exclusifs des villes, comme Yoshinogari, pour se retrouver définitivement ségrégée dans des quartiers isolés comme Mitsudera ou les complexes de palais de Kansai, Ikaruga et Asuka-Itabuki.
Quant à l'architecture religieuse, les premiers temples shinto (jinja) étaient en bois, sur une base surélevée et des murs apparents ou des cloisons coulissantes, avec des bases qui soutenaient le toit en pente.
L'un de ses éléments caractéristiques est le torii, un arc d'entrée qui marque l'entrée d'un lieu sacré. Remarque Ise Shrine, qui a été reconstruit tous les vingt ans depuis le XNUMXème siècle.
Le bâtiment principal (Shoden) a un plancher surélevé et un toit à pignon, avec neuf bases, auquel on accède par un escalier extérieur. Il est dans le style shinmei zukuri, qui reflète le style shinto tardif, avant l'arrivée du bouddhisme au Japon.
Un autre temple mythique d'origine incertaine est l'Izumo Taisha, près de Matsue, un temple légendaire fondé par Amaterasu. C'est dans le style taisha zukuri, il est considéré comme le plus ancien parmi les sanctuaires, l'attraction principale est l'élévation du bâtiment sur des pilastres, avec un escalier comme accès principal, et des finitions en bois simples sans peinture.
Selon les manuscrits trouvés, le sanctuaire d'origine avait une hauteur de 50 mètres, mais en raison d'un incendie, il a été reconstruit avec une hauteur de 25 mètres. Les bâtiments étaient Honden ("sanctuaire intérieur") et Hayden ("sanctuaire extérieur"). Le Kinpusen-ji, temple principal du shugendō, religion ascétique mêlant shinto, bouddhisme et croyances animistes, appartient également à cette période.
C'est à cette période que l'on trouve les premiers échantillons de peinture, comme dans les funérailles royales d'Ōtsuka et les tombes en forme de dolmen de Kyūshū (Ve-VIe siècles), décorées de scènes de proies piégées, de batailles, de coursiers, d'oiseaux et de navires, ou de spirales. et cercles concentriques.
C'étaient des peintures murales, faites de rouge hématite, de noir de carbone, de jaune ocre, de blanc kaolin et de vert chlorite. L'un des dessins caractéristiques de cette période est le soi-disant chokomon, composé de lignes droites et d'arcs dessinés sur des diagonales ou des croix, et présent sur les murs des tombes, des sarcophages, des statues Haniwa et des miroirs en bronze.
Période Asuka (552-710)
Yamato a conçu un royaume centralisé sur le modèle chinois, incarné dans les lois de Shōtoku-Taishi (604) et Taika de 646. L'introduction du bouddhisme a eu un grand impact artistique et esthétique sur le Japon, avec une grande influence de l'art chinois.
Puis vint le règne du prince Shōtoku (573-621), qui favorisa le bouddhisme et la culture en général, et fut fructueux pour l'art. L'architecture était représentée dans les temples et les monastères, elle a été en grande partie perdue, en supposant le remplacement des simples lignes shintoïstes par la magnificence venant du continent.
Comme édifice le plus remarquable de cette période, il faut citer le temple de Hōryū-ji (607), représentatif du style Kudara (Paekche en Corée). Il a été réalisé sur le terrain du temple Wakakusadera, érigé par Shōtoku et incendié par ses adversaires en 670.
Construit avec une planimétrie axiale, il se compose d'un ensemble de bâtiments où se trouvent la pagode (Tō), le Yumedono ("salle des rêves")) et le Kondō ("salle dorée"). Il est de style chinois, utilisant pour la première fois un toit en tuiles de céramique.
L'une des caractéristiques de cet exemple extraordinaire est le sanctuaire d'Itsukushima (593), construit sur l'eau, à Seto, où l'on note le Gojūnotō, le Tahōtō et divers honden. En raison de sa beauté, il a été nommé site du patrimoine mondial en 1996 par l'ONU.
La sculpture sur le thème bouddhiste était en bois ou en bronze : les premières figures de Bouddha ont été importées du continent, mais plus tard, un grand nombre d'artistes chinois et coréens se sont installés au Japon.
L'image de Kannon, nom japonais du bodhisattva Avalokiteśvara (appelé Guan Yin en chinois), a proliféré sous le nom de bodhisattva Kannon, œuvre du coréen Tori ; le Kannon situé dans le temple Yumedono de Hōryū-ji ; et Kannon de Kudara (623ème siècle), par un artiste inconnu. Une autre œuvre importante est la Triade de Sâkyamuni (XNUMX), en bronze, de Tori Busshi installée dans le temple de Hōryū-ji.
En général, il s'agissait d'œuvres de style sévère, anguleux et archaïque, inspirées du style coréen Koguryŏ, comme on le voit dans l'œuvre de Shiba Tori, qui marqua le "style officiel" de la période Asuka : le Grand Bouddha Asuka (temple Hoko - ji, 606), Bouddha Yakushi (607), Kannon Guze (621), Triade Shaka (623).
Un autre artiste qui suivit ce style fut Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, auteur des Quatre Gardiens Célestes (shitenno) de la Salle Dorée du Hōryū-ji (645), qui malgré le style très ancien présente une évolution volumétrique plus arrondie, avec plus visages expressifs.
La peinture influencée par des motifs chinois, réalisée à l'encre ou aux colorants minéraux utilisés sur soie ou papier, sur des rouleaux de parchemin ou accrochée au mur. Il dénote un grand sens du dessin, avec des œuvres d'une grande originalité, comme le reliquaire Tamamushi (Hōryū-ji), en bois de camphrier et de cyprès, avec des bandes en filigrane de bronze, représentant diverses scènes à l'huile sur bois laqué, dans une technique appelée mitsuda -i de Perse et lié à la peinture chinoise de la dynastie Wei.
À la base du reliquaire se trouve un jataka (récit des vies passées du Bouddha), montrant le prince Mahasattva consacrant sa propre chair à une tigresse affamée. À cette époque, la calligraphie a commencé à prendre de l'importance, se voyant accorder le même niveau artistique que les images figuratives.
Des tapisseries en soie ont également été notées, comme le Mandala Tenkoku réalisé pour Shōtoku (622). La céramique, qui pouvait être émaillée ou non, avait peu de production locale, étant les importations chinoises les plus appréciées.
Période Nara (710-794)
Durant cette période, la capitale s'établit à Nara (710), première capitale fixe du mikado. A cette époque, l'art bouddhique est à son apogée, poursuivant avec une grande intensité l'influence chinoise : les Japonais voient dans l'art chinois une harmonie et une perfection semblables au goût européen pour l'art gréco-romain classique.
Les quelques exemples d'architecture de l'époque sont des bâtiments monumentaux, tels que la pagode East Yakushi-ji, les temples Tōshōdai-ji, Tōdai-ji et Kōfuku-ji, et l'entrepôt impérial Shōso-in à Nara, qui conserve de nombreux artefacts. de l'art de l'époque de l'empereur Shōmu (724-749), avec des œuvres de Chine, de Perse et d'Asie centrale. La ville de Nara a été construite selon un plan en damier, inspiré de Chang'an, la capitale de la dynastie Tang.
Le palais impérial se voit accorder la même importance que le monastère principal, le Tōdai-ji (745-752), construit selon un plan symétrique dans une grande enceinte à pagodes jumelles, et comportant le Daibutsuden, la "grande salle du Bouddha". «. avec une grande statue en bronze de 15 mètres de Bouddha Vairocana (Dainichi en japonais), offerte par l'empereur Shōmu en 743. Reconstruit en 1700, le Daibutsuden est le plus grand bâtiment en bois du monde.
Un autre temple important est Hokkedō, qui possède une autre statue magnifique, Kannon Fukukenjaku, un bodhisattva laqué à huit bras mesurant quatre mètres de haut. haute et Tang, qui se remarque dans la sérénité et la placidité des traits du visage.
En revanche, la pagode East Yakushi-ji était une tentative des architectes japonais de trouver leur propre style, s'éloignant de l'influence chinoise. Il se distingue par sa verticalité, avec une alternance de couvertures de différentes tailles, qui lui donne l'apparence d'un signe calligraphique.
Dans sa structure, les avant-toits et les balcons se distinguent, formés par des barres de bois imbriquées, en blanc et marron. À l'intérieur, il abrite l'image du Yakushi Nyorai ("Bouddha de la Médecine"). Il est classé au patrimoine mondial sous le nom de Monuments historiques de l'ancienne Nara.
Le Tōshōdai-ji (759) avait le même degré d'assimilation nationale, montrant un net contraste entre le Kondō ("salle dorée"), avec sa solidité, sa symétrie et sa verticalité d'influence chinoise, et le Kodō ("salle de conférence") . »), d'une plus grande simplicité et horizontalité qui dénotent la tradition aborigène.
Un autre exposant était le Kiyomizu-dera (778), dont le bâtiment principal se distingue par son immense balustrade, soutenue par des centaines de piliers, qui se dresse sur la colline et offre des vues impressionnantes sur la ville de Kyoto. Ce temple était l'un des candidats à la liste des sept nouvelles merveilles du monde, bien qu'il n'ait pas été choisi.
De son côté, Rinnō-ji est célèbre pour le Sanbutsudō, où se trouvent trois statues d'Amida, Senjūkannon et Batōkannon. En tant que sanctuaire shinto, le Fushimi Inari-taisha (711) se distingue, dédié à l'esprit d'Inari, nommé notamment pour les milliers de torii rouges qui marquent le chemin le long de la colline sur laquelle se dresse le sanctuaire.
La représentation du Bouddha a connu un grand développement en sculpture, avec des statues d'une grande beauté : Sho Kannon, Bouddha de Tachibana, Bodhisattva Gakko du Tōdai-ji. Dans la période Hakuhō (645-710), la suppression du clan Soga et la consolidation impériale ont conduit à la fin de l'influence coréenne et à son remplacement par les Chinois (dynastie Tang), produisant une série d'œuvres d'une magnificence et d'un réalisme accrus, avec des formes plus rondes et formes plus gracieuses.
Ce changement est perceptible dans une partie des statues en bronze doré Yakushi-ji, formées par le Bouddha assis (Yakushi) accompagné des bodhisattvas Nikko ("Sunlight") et Gakko ("Moonlight"), qui font preuve d'un plus grand dynamisme dans sa position de contrapposto, et une plus grande expressivité faciale.
Au Hōryū-ji, le style Tori d'origine coréenne s'est poursuivi, comme dans le Kannon Yumegatari et la Triade Amida du médaillon Lady Tachibana. Au temple Tōshōdai-ji, il y a une série de grandes statues, faites de laque séchée creuse, mettant en évidence le Bouddha central Rushana (759), qui mesure 3,4 mètres de haut. On y trouve également des représentations d'esprits gardiens (Meikira Taisho), de rois (Komokuten), etc. Ce sont des oeuvres en bois, en bronze, en terre crue ou en laque sèche, d'un grand réalisme.
Le tableau est représenté par une décoration murale Hōryū-ji (fin du VIIe siècle), comme les fresques de Kondō, qui présentent des similitudes avec celles d'Ajantā en Inde. Diverses typologies ont également émergé, comme les kakemono ("peinture suspendue") et les emakimono ("peinture au rouleau"), des histoires peintes sur un rouleau de papier ou de soie, avec des textes expliquant les différentes scènes, appelées sutras.
Dans le Nara Shōso-in, il existe un certain nombre de peintures à thème profane, avec différents types et thèmes : plantes, animaux, paysages et objets métalliques. Au milieu de la période, l'école de peinture de la dynastie Tang est devenue à la mode, comme en témoignent les peintures murales des tombes de Takamatsuzuka, qui datent d'environ 700.
Par le décret Taiho-ryo de 701, la profession de peintre est réglementée dans les corporations artisanales. contrôlé par le Département des peintres (takumi-no-tuskasa), sous la tutelle du ministère de l'Intérieur. Ces associations étaient chargées de la décoration des palais et des temples, et leur structure perdura jusqu'à l'ère Meiji. La poterie a remarquablement évolué grâce à diverses techniques importées de Chine, comme l'utilisation de couleurs vives appliquées à l'argile.
Période Heian (794-1185)
Dans cette période, le gouvernement du clan Fujiwara a eu lieu, qui a établi un gouvernement centralisé inspiré du gouvernement chinois, avec sa capitale à Heian (aujourd'hui Kyoto). Les grands seigneurs féodaux (daimyō) sont apparus et la figure du samouraï est apparue.
À peu près à cette époque, la graphologie appelée Hiragana a émergé, qui a adapté la calligraphie chinoise à la langue polysyllabique utilisée au Japon, en utilisant des caractères chinois pour les valeurs phonétiques des syllabes. La rupture des relations avec la Chine produit un art plus clairement japonais, faisant émerger à côté de l'art religieux un art profane qui sera le reflet fidèle du nationalisme de la cour impériale.
L'iconographie bouddhiste connaît un nouveau développement avec l'importation de deux nouvelles sectes du continent, Tendai et Shingon, basées sur le bouddhisme tantrique tibétain, qui incorporent des éléments shinto et produisent un syncrétisme religieux caractéristique de cette époque.
L'architecture a subi un changement dans le plan des monastères, qui ont été érigés dans des endroits isolés, destinés à la méditation. Les temples les plus importants sont Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) et la pagode-sanctuaire Murō-ji. Enryaku-ji, situé à proximité du mont Hiei, est l'un des monuments historiques de l'ancienne Kyoto, déclaré site du patrimoine mondial en 1994.
Elle a été fondée en 788 par Saichō, qui a introduit la secte bouddhiste Tendai au Japon. Enryaku-ji comptait quelque 3.000 1571 temples et était un grand centre de pouvoir à son époque, la plupart de ses bâtiments ayant été détruits par Oda Nobunaga en XNUMX.
De la partie qui a survécu, se distingue aujourd'hui le Saitō (« hall occidental ») et le Tōdō (« hall oriental »), où se trouve le Konpon chūdō, la construction la plus représentative de l'Enryaku ji, où est conservée une statue de Bouddha .sculpté par Saichō lui-même, le Yakushi Nyorai.
La sculpture a subi un léger recul par rapport aux époques précédentes. Là encore, des représentations du Bouddha (Nyoirin-Kannon ; Yakushi Nyorai du temple Jingo-ji à Kyoto ; Amida Nyorai du monastère Byōdō-in), ainsi que certaines déesses shintoïstes (Kichijoten, déesse du bonheur, équivalente à Lakshmī India) .
La rigidité excessive de la religion bouddhiste limite la spontanéité de l'artiste, qui se limite à des canons artistiques rigides qui minent sa liberté de création. Au cours de 859 et 877, le style Jogan se produit, se distinguant par des images d'une gravité presque intimidante, avec un certain air introspectif et mystérieux, comme le Shaka Nyorai de Murō-ji.
Pendant la période Fujiwara, l'école fondée par Jōchō à Byōdō-in est devenue célèbre, avec un style plus élégant et élancé que la sculpture de Jogan, exprimant des formes corporelles parfaites et un grand sens du mouvement.
L'atelier de Jōchō a introduit les techniques yosegi et warihagi, qui consistaient à diviser la figure en deux blocs qui étaient ensuite réunis pour les sculpter, évitant ainsi les fissures ultérieures, l'un des principaux problèmes des grandes figures. Ces techniques permettent également le montage en série et ont été développées avec beaucoup de succès dans l'école Kei de la période Kamakura.
La peinture Yamato-e prospère particulièrement sur les rouleaux manuscrits appelés emaki, qui combinent des scènes picturales avec une élégante calligraphie Katakana. Ces rouleaux racontaient des passages historiques ou littéraires, comme Le Dit du Genji, un roman de Murasaki Shikibu de la fin du Xe siècle.
Bien que le texte soit l'œuvre de scribes renommés, les images étaient généralement exécutées par des courtisanes de la cour, telles que Ki no Tsubone et Nagato no Tsubone, en supposant un échantillon d'esthétique féminine qui aurait une grande pertinence dans l'art japonais contemporain.
A cette époque s'amorce une classification des peintures selon le genre, qui marque une distinction sensible entre le public, où le masculin est sous influence chinoise, et le féminin et plus esthétique est artistiquement japonais.
Dans onna-e, outre l'Histoire du Genji, se distingue le Heike Nogyo (Sutra du Lotus), commandé par le clan Taira pour le sanctuaire d'Itsukushima, où ils sont incarnés dans divers rouleaux sur le salut des âmes proclamés par le bouddhisme.
Par contre, ce The otoko-e était plus narratif et énergique que l'ona-e, plus plein d'action, avec plus de réalisme et de mouvement, comme dans les rouleaux Shigisan Engi, sur les miracles du moine Myoren ; le Ban Danigon E-kotoba, sur une guerre entre clans rivaux au IXe siècle ; et les Chōjugiga, scènes d'animaux au signe caricatural et au ton satirique, critiquant l'aristocratie.
Période Kamakura (1185-1392)
Après plusieurs disputes entre les clans féodaux, le Minamoto est imposé, qui établit le shogunat, une forme de gouvernement avec un tribunal militaire. A cette époque, la secte Zen est introduite au Japon, ce qui influencera fortement l'art figuratif. L'architecture était plus simple, plus fonctionnelle, moins luxueuse et ornée.
La règle zen a entraîné le style dit Kara-yo : les lieux de culte zen suivaient la technique de planimétrie axiale chinoise, bien que le bâtiment principal ne soit pas le temple, mais la salle de lecture, et la place d'honneur n'était pas occupée par une statue. Bouddha, mais par un petit trône où l'abbé enseignait ses disciples.
Le complexe de cinq grands temples de Sanjūsangen-dō, à Kyoto (1266), ainsi que les monastères Kennin-ji (1202) et Tōfuku-ji (1243) à Kyoto, et Kenchō-ji (1253) et Engaku-ji (1282 ) à Kamakura.
Le Kōtoku-in (1252) est célèbre pour sa grande et lourde statue en bronze du Bouddha Amida, ce qui en fait le deuxième plus grand Bouddha du Japon après le Tōdai-ji.
En 1234, le temple Chion-in, siège du bouddhisme Jōdo shū, a été construit, se distinguant par sa porte principale colossale (Sanmon), la plus grande structure de ce type au Japon.
L'un des derniers représentants de cette période est le Hongan-ji (1321), qui se compose de deux temples principaux : le Nishi Hongan-ji, qui comprend le Goei-dō et l'Amida-dō, ainsi qu'un pavillon de thé et deux étages de le théâtre Nô, dont l'un prétend être le plus ancien encore vivant ; et Higashi Hongan-ji, la maison du célèbre Shosei-en.
La sculpture acquit un grand réalisme, trouvant à l'artiste une plus grande liberté de création, comme en témoignent les portraits de nobles et de soldats, comme celui d'Uesugi Shigusa (par un artiste anonyme), militaire du XIVe siècle.
Les œuvres zen centrées sur la représentation de leurs maîtres, dans une sorte de statue appelée shinzo, telle celle du maître Muji Ichien (1312, par un auteur anonyme), en bois polychrome, qui représente le maître zen assis sur un trône, dans un attitude de méditation détendue.
L'école Kei de Nara, héritière de l'école Jōchō de la période Heian, était particulièrement importante pour la qualité de ses œuvres, où le sculpteur Unkei, auteur des statues des moines Muchaku et Sesshin (Kōfuku-ji de Nara), comme des images de Kongo Rikishi (esprits gardiens), comme les deux statues colossales situées à l'entrée du temple Tōdai-ji de 8 mètres de haut (1199).
Le style d'Unkei, influencé par la sculpture chinoise de la dynastie Song, était très réaliste tout en capturant l'étude physionomique la plus détaillée avec l'expression émotionnelle et la spiritualité intérieure de l'individu représenté.
Des cristaux sombres ont même été incrustés dans les yeux, pour donner une plus grande expressivité. Le travail d'Unkei a marqué le début du portrait japonais. Son fils Tankei, auteur de Kannon Senju pour Sanjūsangen-dō, poursuit son œuvre.
La peinture était caractérisée par un réalisme accru et une introspection psychologique. Aménagement paysager (cascade de Nachi) et portrait du moine Myoe en contemplation, par Enichi-bo Jonin ; ensemble de portraits du temple Jingo-ji à Kyoto, par Fujiwara Takanobu ; Le portrait de Goshin de l'empereur Hanazono, ont été principalement développés.
Le mode yamato-e a continué et les images ont été expliquées en rouleaux, dont beaucoup faisaient plusieurs mètres de long. Ces manuscrits représentaient des détails de la vie quotidienne, des scènes urbaines ou rurales, ou illustraient des événements historiques, comme la guerre de Kyoto de 1159 entre les branches rivales de la famille impériale.
Ils étaient présentés en scènes continues, suivant un ordre narratif, avec un panorama surélevé, en ligne droite. Les rouleaux illustrés des événements de l'ère Heiji (Heiji monogatari) et les rouleaux Kegon Engi d'Enichi-bo Jonin se distinguent.
La peinture associée à l'organisation zen était plus directement influencée par la Chine, avec une technique plus de simples lignes d'encre chinoise suivant le dicton zen selon lequel «trop de couleurs aveuglent l'œil».
Période Muromachi (1392-1573)
Le shogunat est entre les mains des Ashikaga, dont les luttes intestines favorisent le pouvoir croissant du daimyō, qui divise le pays. L'architecture était plus élégante et typiquement japonaise, avec des manoirs majestueux, des monastères tels que Zuihoji et des temples tels que Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji ou le pavillon d'or (1397) et Ginkaku-ji. o Pavillon d'Argent (1489), à Kyoto.
Kinkaku-ji a été construit comme village de repos pour Shogun Ashikaga Yoshimitsu, dans le cadre de son domaine appelé Kitayama. Son fils a converti le bâtiment en temple pour la secte Rinzai. C'est un bâtiment de trois étages, les deux premiers recouverts de feuilles d'or pur. Le pavillon fonctionne comme un sheriden, qui protège les reliques du Bouddha.
Il contient également diverses statues de Bouddha et de Bodhisattva, et un fenghuang doré se dresse sur le toit. Il possède également un beau jardin attenant, avec un étang appelé Kyōko-chi, avec de nombreuses îles et pierres représentant l'histoire de la création bouddhiste.
De son côté, le Ginkaku-ji a été construit par le shogun Ashikaga Yoshimasa, qui cherchait à imiter le Kinkaku-ji construit par son ancêtre Yoshimitsu, mais il n'a malheureusement pas pu recouvrir le bâtiment d'argent comme prévu.
Caractéristique également de l'architecture de cette période, l'apparition du tokonoma, pièce réservée à la contemplation d'un tableau ou d'une composition florale, s'inscrit dans l'esthétique zen. En outre, le tatami, un type de natte en paille de riz, a été introduit, ce qui a rendu l'intérieur de la maison japonaise plus agréable.
A cette époque, l'art du jardinage se développe notamment, jetant les bases artistiques et esthétiques du jardin japonais. Deux modes principaux ont émergé : tsukiyama, autour d'une colline et d'un lac ; et hiraniwa, un jardin plat de sable ratissé, avec des pierres, des arbres et des puits.
La végétation la plus courante est constituée de bambous et de divers types de fleurs et d'arbres, soit à feuilles persistantes, comme le pin noir du Japon, soit à feuilles caduques, comme l'érable du Japon, des éléments comme les fougères et les mousses sont également valorisés.
Le bonsaï est un autre élément typique du jardinage et de la décoration d'intérieur. Les jardins comprennent souvent un lac ou un étang, divers types de pavillons (généralement pour la cérémonie du thé) et des lanternes en pierre. L'une des caractéristiques typiques du jardin japonais, comme dans le reste de son art, est son aspect imparfait, inachevé et asymétrique.
Il existe différents types de jardins : « à pied », que l'on peut voir se promener le long d'un chemin ou autour d'un étang ; du « salon », visible depuis un lieu fixe, généralement un pavillon ou une hutte de type machiya.
Te (rōji), autour d'un chemin menant au salon de thé, avec des carreaux de bakdosin ou des pierres marquant le chemin ; et la « contemplation » (karesansui, « paysage de montagne et d'eau »), qui est le jardin zen le plus typique, vu depuis une plate-forme située dans les monastères zen.
Un bon exemple est le paysage dit sans eau du jardin Ryōan-ji à Kyoto par le peintre et poète Sōami (1480), qui représente une mer, faite de sable ratissé, pleine d'îles, qui sont des rochers. , formant un tout qui allie réalité et illusion et qui invite au calme et à la réflexion.
On note une résurgence de la peinture, encadrée dans l'esthétique zen, qui reçoit l'influence chinoise des dynasties Yuan et Ming, se reflétant principalement dans l'art décoratif.
La technique de la gouache est introduite, parfaite retranscription de la doctrine zen, qui cherche à refléter dans les paysages ce qu'ils signifient, plutôt que ce qu'ils représentent.
La figure du bunjinso a émergé, le "moine intellectuel" qui a créé ses propres œuvres, érudits et adeptes des techniques chinoises à l'encre monochrome, en coups de pinceau brefs et diffus, qui ont reflété dans ses œuvres des éléments naturels tels que les pins, les roseaux, les orchidées, les bambous. , rochers, arbres, oiseaux et figures humaines immergés dans la nature, dans une attitude de méditation.
Au Japon, cette technique d'encre de Chine s'appelait sumi-e. Basé sur les sept principes esthétiques du Zen, sumi-e a cherché à refléter les émotions intérieures les plus intenses à travers la simplicité et l'élégance, dans des lignes simples et modestes qui transcendent leur apparence extérieure pour signifier un état de communion avec la nature.
Sumi-e était un moyen (dō) pour trouver la spiritualité intérieure, cela était utilisé par les moines. Les particularités de l'encre, subtiles et diffuses, ont permis à l'artiste de capter l'essence des choses, dans une impression simple et naturelle, mais à la fois profonde et transcendante.
C'est un art instinctif d'exécution rapide, impossible à retoucher, un fait qui l'unit à la vie, où il est impossible de revenir sur ce qui a été fait. Chaque chemin est porteur d'énergie vitale (ki), puisqu'il s'agit d'un acte de création, où l'esprit est mis en action et où le processus compte plus que le résultat.
Les représentants les plus importants du sumi-e sont : Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei et, surtout, Sesshū Tōyō, auteur de portraits et de paysages, premier artiste à peindre de son vivant. Sesshū était un Gaso, un moine-peintre, qui voyagea en Chine entre 1467 et 1469, où il étudia l'art et le paysage naturel.
Ses paysages sont composés de structures linéaires, illuminées par une lumière soudaine qui reflète la conception zen de l'instant transcendant. Ce sont des paysages avec la présence d'éléments anecdotiques, comme des temples au loin ou de petites figures humaines, encadrées dans des endroits reculés comme des falaises.
Un nouveau genre de peinture poétique a également émergé, le shinjuku, où un paysage illustre un poème d'inspiration naturaliste. Il convient également de mentionner l'école Kanō, fondée par Kanō Masanobu, qui applique la technique de la gouache à des sujets traditionnels, illustrant des thèmes sacrés, nationaux et paysagers.
Le lavis a également été appliqué sur les écrans peints et les panneaux des portes coulissantes fusuma, caractéristiques du design d'intérieur japonais. En céramique, l'école Seto se démarque, la typologie la plus populaire étant le tenmoku. Les objets en laque et en métal sont également des exemples notables de cette période.
Période Azuchi-Momoyama (1573-1603)
À cette époque, le Japon est à nouveau unifié par Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi et Tokugawa Ieyasu, qui éliminent le daimyō et accèdent au pouvoir.
Son mandat a coïncidé avec l'arrivée de marchands portugais et de missionnaires jésuites, qui ont introduit le christianisme dans le pays, bien qu'ils n'aient atteint qu'une minorité.
La production artistique de cette époque s'éloigne de l'esthétique bouddhique, mettant l'accent sur les valeurs japonaises traditionnelles, avec un style explosif. L'invasion de la Corée en 1592 a provoqué la relocalisation forcée de nombreux artistes coréens au Japon, qui vivaient dans des centres de production de poterie isolés du reste.
Aussi, pendant cette période, les premières influences occidentales ont été reçues, reflétées dans le style Namban, développé dans la sculpture miniaturiste, avec un thème profane, des objets décoratifs en porcelaine et des paravents décorés dans le style Yamato-e, dans des couleurs vives et des feuilles d'or, dans des scènes qui racontent l'arrivée des Européens sur la côte japonaise.
Les techniques de perspective, ainsi que d'autres variantes de la peinture européenne telles que l'utilisation de la peinture à l'huile, n'avaient aucun pied dans la forme d'art au Japon.
En architecture, se distingue la construction de grands châteaux (shiro), qui ont été renforcés par l'introduction au Japon d'armes à feu d'origine occidentale. Les châteaux de Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō et Fushimi-Momoyama en sont de bons exemples.
Le château de Himeji, l'une des constructions majeures de l'époque, associe des fortifications massives à l'élégance d'une structure d'aspect vertical, sur cinq étages de bois et de plâtre, avec des formes de toit légèrement incurvées similaires à celles des temples japonais traditionnels.
Des villages rustiques de cérémonie du thé, composés de petites villas ou de palais et de grands jardins, ont également proliféré, et des théâtres en bois pour les représentations de kabuki ont été construits dans certaines villes.
Dans le domaine de la peinture, l'école Kanō capture la majorité des commandes officielles, élaborant la peinture murale des principaux châteaux japonais, il y avait des personnages importants nommés Kanō Eitoku et Kanō Sanraku.
Pour les châteaux, mal éclairés par leurs étroites ouvertures défensives, on créa des sortes de cloisons à fond doré qui réfléchissaient la lumière et la diffusaient dans toute la pièce, avec de grandes peintures murales décorées de scènes héroïques, comme des animaux. comme des tigres et des dragons, ou des paysages avec la présence de jardins, d'étangs et de ponts, ou encore aux quatre saisons, un thème assez courant à l'époque.
La sérigraphie s'est également remarquablement développée, généralement avec des encres usées, suivant le style sumi-e, comme en témoignent les œuvres de Hasegawa Tōhaku (forêt de pins) et Kaihō Yūshō (pin et prunier au clair de lune). La figure de Tawaraya Sōtatsu, auteur d'œuvres d'un grand dynamisme, en volutes de manuscrits, paravents et éventails, a également été mise en lumière.
Il a créé un style lyrique et décoratif inspiré de l'écriture waka de l'ère Heian, qui s'appelait rinpa, produisant des œuvres d'une grande beauté visuelle et d'une intensité émotionnelle, telles que L'histoire de Genji, Le chemin d'Ivy, les dieux du tonnerre et du vent. , etc
La fabrication de la céramique atteint un moment de grand essor, développant des produits pour la cérémonie du thé, inspirés de la céramique coréenne, dont la rusticité et l'aspect inachevé reflètent parfaitement l'esthétique zen qui imprègne le rite du thé.
De nouveaux modèles ont émergé, tels que des assiettes nezumi et des cruches à eau kogan, généralement avec un corps blanc baigné dans une couche de feldspath et décoré de motifs simples fabriqués à partir d'un crochet en fer. C'était une céramique épaisse d'aspect émaillé, avec un traitement inachevé, qui donnait une sensation d'imperfection et de vulnérabilité.
Seto est resté le principal producteur, tandis que dans la ville de Mino deux écoles importantes sont nées : Shino et Oribe. L'école Karatsu et deux types originaux de poterie ont également été notés:
Iga, avec une texture rugueuse et une épaisse couche de glaçure, avec des fissures profondes ; et Bizen, faïence brun rougeâtre non émaillée, encore molle, retirée de la roue pour produire de petites fissures et incisions naturelles qui lui donnaient un aspect cassant, toujours conforme à l'esthétique zen de l'imperfection.
L'un des meilleurs artistes de cette époque était Honami Kōetsu, qui excellait dans la peinture, la poésie, le jardinage, la laque, etc. Formé à la tradition artistique de l'époque Heian et à l'école de calligraphie Shorenin, il fonde une colonie artisanale à Takagamine, près de Kyoto, sur un terrain donné par Tokugawa Ieyasu.
La colonie a été entretenue par des artisans de l'école bouddhiste de Nichiren et a produit un certain nombre d'œuvres de haute qualité. Ils se sont spécialisés dans la laque, principalement des accessoires de bureau, décorés d'incrustations d'or et de nacre, ainsi que divers ustensiles et vaisselle pour la cérémonie du thé, mettant en valeur le bol fujisan corsé. rougeâtre recouvert d'une culotte noire et, sur le dessus, d'un blanc glacé opaque qui donne l'effet d'une chute de neige.
Période Edo (1603-1868)
Cette période artistique correspond à la période historique Tokugawa, lorsque le Japon était fermé à tout contact extérieur. La capitale est établie à Edo, future Tokyo. Les chrétiens furent persécutés et les marchands européens expulsés.
Malgré le système de vassalité, le commerce et l'artisanat ont proliféré, donnant naissance à une classe bourgeoise qui a grandi en puissance et en influence, et s'est consacrée à la promotion des arts, en particulier des estampes, des céramiques, des laques et des marchandises. textiles.
Les œuvres les plus représentatives sont le palais Katsura à Kyoto et le mausolée Tōshō-gū à Nikkō (1636), qui fait partie des « Sanctuaires et temples Nikkō », tous deux déclarés sites du patrimoine mondial par l'UNESCO en 1999.
Quelque chose genre l'union des shintoïstes-bouddhistes, est le mausolée du shogun Tokugawa Ieyasu. Le temple est une structure à symétrie rigide avec des reliefs colorés couvrant toute la surface visible. Ses constructions colorées et ses ornements surchargés se distinguent, qui diffèrent des styles des temples de cette époque.
Les intérieurs sont ornés de sculptures en laque détaillées dans des couleurs vives et de panneaux magistralement peints. Le palais de Katsura (1615-1662) a été construit sur un plan asymétrique d'inspiration zen, où l'utilisation de lignes droites sur la façade extérieure contraste avec la sinuosité du jardin environnant.
En raison de son statut de siège où reposait la famille impériale, la villa se composait d'un bâtiment principal, de plusieurs annexes, de salons de thé et d'un parc de 70000 XNUMX mètres. Le palais principal, qui n'a qu'un seul étage, est divisé en quatre annexes se rejoignant aux angles.
L'ensemble du bâtiment a certaines caractéristiques d'être construit sur des piliers et au-dessus d'eux une série de pièces avec des murs et des portes, certaines avec des peintures de Kanō Tan'yū.
Également caractéristiques de cette période sont les maisons de thé (chashitsu), généralement de petites constructions en bois aux toits de chaume, entourées de jardins en état d'abandon apparent, avec des lichens, des mousses et des feuilles mortes, suivant le concept zen. d'imperfection transcendante.
Début du développement artistique et intellectuel
Au cours de cette période, le Japon a progressivement étudié les techniques occidentales et les avancées scientifiques (appelées rangaku) grâce aux informations et aux livres reçus des marchands hollandais de Dejima.
Les domaines les plus étudiés comprenaient la géographie, la médecine, les sciences naturelles, l'astronomie, l'art, les langues, les concepts physiques tels que l'étude des phénomènes électriques et mécaniques. Il y eut aussi un grand développement des mathématiques, dans une tendance totalement indépendante de celle du monde occidental. Ce fort courant s'appelait wasan.
La floraison du néo-confucianisme a été le plus grand développement intellectuel de la période. L'étude du confucianisme avait été active pendant longtemps par les clercs bouddhistes, mais pendant cette période ce système de croyance a attiré une grande attention sur la conception de l'homme et de la société.
L'humanisme éthique, le rationalisme et la perspective historique du confucianisme étaient considérés comme un modèle social. Au milieu du XVIIe siècle, le confucianisme est devenu la philosophie juridique dominante et a directement contribué au développement du système national d'apprentissage, le kokugaku.
Sa principale vertu pour le régime shogunal était l'accent mis sur les relations hiérarchiques, la soumission. jusqu'au sommet. et l'obéissance, qui s'étend à l'ensemble de la société et facilite la conservation du système féodal.
L'art textile a acquis une grande importance, principalement dans la soie, qui a atteint des niveaux de la plus haute qualité, c'est pourquoi des robes en soie (kimono) aux couleurs vives et aux motifs exquis étaient souvent accrochées dans les pièces. séparés, comme s'il s'agissait d'écrans.
Diverses techniques ont été utilisées, telles que la teinture, la broderie, le brocart, le gaufrage, l'appliqué et la peinture à la main. La soie n'était disponible que pour les classes supérieures, tandis que les gens s'habillaient de coton, fabriqué selon la technique indonésienne de l'ikat, filé en sections et teint en indigo alternant avec du blanc.
Une autre technique de moindre qualité était le tissage de fils de coton de différentes couleurs, avec des teintures artisanales appliquées à la manière du batik à base de pâte de riz et de son de riz cuit et aggloméré.
Il convient de noter que tout comme l'art japonais a été influencé par l'art occidental au XIXe siècle, il a également été influencé par l'exotisme et le naturel de l'art japonais. C'est ainsi qu'est né en Occident ce qu'on appelle le japonisme, qui s'est développé principalement dans la seconde moitié du XIXe siècle, notamment en France et en Grande-Bretagne.
Cela s'est révélé dans les soi-disant Japoneries, objets inspirés des estampes japonaises, de la porcelaine, de la laque, des éventails et des objets en bambou, qui sont devenus à la mode tant dans la décoration de la maison que dans de nombreux vêtements personnels qui reflètent la fantaisie et le décoralisme de la culture japonaise. .
En peinture, le style de l'école ukiyo-e est accueilli avec enthousiasme et les œuvres d'Utamaro, Hiroshige et Hokusai sont très appréciées. Les artistes occidentaux ont imité la construction spatiale simplifiée, les contours simples, le style calligraphique et la sensibilité naturaliste de la peinture japonaise.
Époque contemporaine (depuis 1868)
Au cours de la période Meiji (1868-1912), une profonde renaissance culturelle, sociale et technologique a commencé au Japon, qui s'est davantage ouvert au monde extérieur et a commencé à intégrer les nouvelles avancées réalisées en Occident. La Charte de 1868 a aboli les privilèges féodaux et les différences de classe, ce qui n'a pas conduit à une amélioration des classes prolétariennes appauvries.
Une période de fort expansionnisme impérialiste a commencé, qui a conduit à la Seconde Guerre mondiale. Après la guerre, le Japon a connu un processus de démocratisation et de développement économique qui en a fait l'une des principales puissances économiques mondiales et un centre de production industrielle et d'innovation technologique de premier plan. L'ère Meiji a été suivie par les ères Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) et Heisei (1989-).
Depuis 1930, la militarisation et l'expansion progressives de la Chine et de l'Asie du Sud, avec l'augmentation conséquente des ressources allouées au budget militaire, ont entraîné une baisse du mécénat artistique. Cependant, avec le boom économique d'après-guerre et la nouvelle prospérité obtenue avec l'industrialisation du pays, les arts renaissent, déjà pleinement immergés dans les mouvements artistiques internationaux en raison du processus de mondialisation culturelle.
De plus, la prospérité économique encourage la collection, créant de nombreux musées et centres d'exposition qui ont contribué à diffuser et à préserver l'art japonais et international. Dans le domaine religieux, l'établissement à l'ère Meiji du shintoïsme comme seule religion officielle (Shinbutsu bunri) a conduit à l'abandon et à la destruction des temples bouddhiques et des œuvres d'art, ce qui aurait été irréparable sans l'intervention d'Ernest Fenollosa, professeur de philosophie. de l'Université impériale de Tokyo.
Avec le magnat et mécène William Bigelow, il a sauvé un grand nombre d'œuvres qui ont nourri la collection d'art bouddhiste du Museum of Fine Arts de Boston et de la Freer Gallery of Art de Washington DC, deux des meilleures collections d'art asiatique du monde. monde. .
L'architecture a une double direction : la traditionnelle (sanctuaire Yasukuni, temples Heian Jingu et Meiji, à Tokyo) et celle d'influence européenne, qui intègre les nouvelles technologies (Musée Yamato Bunkakan, par Iso Hachi Yoshida, à Nara).
L'occidentalisation a conduit à la construction de nouveaux bâtiments tels que des banques, des usines, des gares et des bâtiments publics, construits avec des matériaux et des techniques occidentales, imitant initialement l'architecture victorienne anglaise. Certains architectes étrangers ont également travaillé au Japon, comme Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).
L'architecture et l'urbanisme ont reçu un grand coup de pouce après la Seconde Guerre mondiale, en raison de la nécessité de reconstruire le pays. Puis une nouvelle génération d'architectes a émergé.
Dirigé par Kenzō Tange, auteur d'ouvrages tels que le Hiroshima Peace Memorial Museum, la cathédrale Sainte-Marie de Tokyo, le stade olympique des Jeux olympiques de Tokyo de 1964, etc.
Les étudiants et adeptes de Tange ont créé le concept d'architecture compris comme "métabolisme", considérant les bâtiments comme des formes organiques qui doivent être adaptées aux besoins fonctionnels.
Mouvement fondé en 1959, ils ont pensé à faire un centre de population, dont le principe était de créer une série de bâtiments qui changeaient en fonction des changements externes, comme s'il s'agissait d'un organisme.
Ses membres comprenaient Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe et Kiyonori Kikutake. Un autre représentant était Maekawa Kunio qui, avec Tange, a introduit d'anciennes idées esthétiques japonaises dans des bâtiments contemporains rigides.
Toujours en utilisant des techniques et des matériaux traditionnels tels que le tatami et l'utilisation de piliers, élément de construction traditionnel dans les temples japonais, ou l'intégration de jardins et de sculptures dans ses créations. Je n'oublie pas d'utiliser la technique du vide, elle a été étudiée par Fumihiko Maki dans la relation spatiale entre le bâtiment et son environnement.
Depuis les années 1980, l'art postmoderne s'est fortement implanté au Japon, car depuis l'Antiquité la fusion entre l'élément populaire et la sophistication des formes est caractéristique.
Ce style était principalement représenté par Arata Isozaki, auteur du Musée d'art de Kitakyushu et de la salle de concert de Kyoto. Isozaki a étudié avec Tange et dans son travail, il a synthétisé les concepts occidentaux avec des idées spatiales, fonctionnelles et décoratives typiques du Japon.
De son côté, Tadao Andō a développé un style plus simple, avec un grand souci de l'apport de lumière et d'espaces ouverts à l'air extérieur (Chapelle sur l'eau, Tomanu, Hokkaidō ; Église de la Lumière, Ibaraki, Osaka ; Musée de la Enfants, Himeji).
Shigeru Ban se caractérise par l'utilisation de matériaux non conventionnels, comme le papier ou le plastique : après le tremblement de terre de Kobe en 1995, qui a laissé de nombreuses personnes sans abri, Ban a contribué en concevant Delo qui est devenu connu sous le nom de Paper House et Paper Church, enfin, Toyō Itō a exploré l'image physique de la ville à l'ère numérique.
En sculpture il y a aussi une dualité tradition-avant-garde, mettant en avant les noms de Yoshi Kimuchi et Romorini Toyofuku, en plus de l'abstrait Masakazu Horiuchi et Yasuo Mizui, ce dernier résidant en France. Isamu Noguchi et Nagare Masayuki ont réuni la riche tradition sculpturale de leur pays dans des œuvres qui étudient le contraste entre la rugosité et le poli du matériau.
La peinture suit également deux courants : le traditionnel (nihonga) et le occidental (yōga), malgré l'existence des deux, la figure de Tomioka Tessai demeure au début du XXe siècle. XIXe siècle par le critique d'art Okakura Kakuzō et l'éducateur Ernest Fenollosa.
Se tourner vers l'art traditionnel pour la forme archétypale d'expression de la sensibilité japonaise, bien que ce style ait également reçu une certaine influence occidentale, en particulier du préraphaélite et du romantisme. Il était principalement représenté par Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison et Kobayashi Kokei.
La peinture à l'européenne se nourrit pour la première fois des techniques et des thèmes en usage en Europe à la fin du XIXe siècle, principalement liés à l'académisme, comme dans le cas de Kuroda Seiki, qui étudie plusieurs années à Paris, puis poursuit les différents courants qui se sont produits dans l'art occidental :
Le groupe Hakuba Kai reprend l'influence impressionniste ; la peinture abstraite avait Takeo Yamaguchi et Masanari Munay comme personnages principaux ; Les artistes figuratifs comprenaient Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen et Higashiyama Kaii. Certains artistes se sont installés hors de leur pays, comme Genichiro Inokuma aux États-Unis et Tsuguharu Foujita en France.
Dans le Taishō, le style de yōga qui a eu le plus d'influence sur le nihonga, bien que l'utilisation croissante de la lumière et de la perspective européenne ait atténué les différences entre les deux courants.
Tout comme le nihonga a largement adopté les innovations du postimpressionnisme, le yōga a montré un penchant pour l'éclectisme, émergeant d'une grande variété de mouvements artistiques divergents.
Pour cette étape, l'Académie japonaise des beaux-arts (Nihon Bijutsu In) a été créée. La peinture de l'ère Shōwa a été marquée par le travail de Yasuri Sotaro et Umehara Ryuzaburo, qui ont introduit les concepts d'art pur et de peinture abstraite dans la tradition Nihonga.
En 1931, l'Association d'art indépendant (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) a été créée pour promouvoir l'art d'avant-garde.
Dès la Seconde Guerre mondiale, les réglementations légales gouvernementales mettaient clairement l'accent sur les thèmes patriotiques. Après la guerre, les artistes resurgissent dans les grandes villes, notamment à Tokyo.
Créer un art urbain et cosmopolite, qui a suivi avec dévouement les innovations stylistiques produites à l'international, notamment à Paris et à New York. Après les styles abstraits des années soixante, les années soixante-dix reviennent au réalisme privilégié par le pop-art, comme en témoigne le travail de Shinohara Ushio.
Il est frappant qu'il se soit passé quelque chose d'intéressant vers la fin des années 1970, c'est qu'il y a eu un retour à l'art japonais traditionnel, dans lequel ils voyaient une plus grande expressivité et une plus grande force émotionnelle.
La tradition de la gravure s'est poursuivie au XXe siècle dans un style d '«impressions créatives» (sosaku hanga) dessinées et sculptées par des artistes de préférence dans le style nihonga, tels que Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi et Munakata Shiko.
Parmi les dernières tendances, le groupe Gutai avait une bonne réputation au sein de l'art dit d'action, qui assimilait l'expérience de la Seconde Guerre mondiale à travers des actions chargées d'ironie, à un grand sentiment de tension et d'agressivité latente.
Le groupe Gutai était composé de : Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto et Katsuō Shiraga. Liés à l'art postmoderne, plusieurs artistes, impliqués dans le phénomène récent de la mondialisation, marqué par le multiculturalisme des expressions artistiques.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. D'autres artistes japonais contemporains de premier plan incluent : Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 et Takashi Murakami.
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