Le sujet n'est pas nouveau dans l'histoire de l'art, mais les sculpteurs ne l'ont jamais abordé. Avec Apollon et Daphné du Bernin, l'artiste a osé faire ce qui semblait jusque-là impossible : représenter en marbre un corps humain qui se transforme en plante.
Apollon et Daphné du Bernin
Apollon poursuit Daphné parce qu'il est amoureux d'elle. La nymphe, en revanche, ne correspond pas au vœu du dieu. Alors elle s'enfuit vers la rivière et son père Pénée la transforme en laurier. Apollo a atteint Daphné et est sur le point d'attraper la nymphe. Le dieu est nu et recouvert d'un tissu serré autour de son épaule droite et de sa hanche. Ses cheveux sont longs et se balancent élégamment au vent.
Apollo saisit Daphné avec sa main droite. Avec sa main gauche, au contraire, le dieu garde son équilibre tout en courant. Apollon porte des chaussures aux pieds. Le dieu se tient sur sa jambe droite tandis que la gauche se penche en arrière. Leurs lèvres sont entrouvertes et haletantes à cause de la précipitation et de la luxure. Les deux corps se frôlent mais ne se touchent pas.
Daphné court pour échapper à Apollon. La nymphe arque son corps pour obtenir un avantage sur le dieu. Dafne est nue et son corps se transforme. En fait, ses pieds deviennent des racines. La nymphe essaie de soulever son pied droit déjà attaché au sol. L'écorce s'enroule autour de son corps et ses mains montent vers le ciel en se transformant en feuilles. Le visage de la nymphe a une expression effrayée et sa bouche est grande ouverte dans la peur et la course. Son manteau, qui tombe, flotte au vent. Elle est confuse et haletante.
Dans un instant, la transformation sera complète, l'écorce dure couvrira complètement son beau corps de femme, les bras et les cheveux, déjà partiellement changés, seront des frondes. De nombreux peintres et sculpteurs du XVIIe siècle ont tenté d'émerveiller le spectateur, mais aucun n'a réussi autant que Bernini, qui est en fait devenu un maître incontestable, une référence obligée pour des générations d'artistes.
L'œuvre, dont les figures sont à échelle réelle, est conçue pour offrir de nombreux points de vue différents. Le Bernin a voulu le positionner de manière à ce qu'en entrant dans la pièce, on ne puisse d'abord voir qu'Apollon de dos et deviner le crescendo de la métamorphose de Daphné. En effet, sous cet angle on pouvait voir l'écorce qui recouvre déjà le corps de la nymphe mais aussi la main du dieu qui, selon les vers d'Ovide, sentait encore battre son cœur sous le bois. Ce n'est qu'en se promenant autour de la sculpture que l'on découvrirait les détails de la transformation.
Interprétation d'Apollon et Daphné par le Bernin
Un cartouche, placé sur la base, montre une phrase en latin de Maffeo Barberini, le futur Pape Paul V : "Celui qui aime poursuivre les joies de la manière fugitive, tourne sa main vers les branches pour récolter des fruits, à la place il récolte l'amertume". Ainsi, cet écrit montre comment le sujet mythologique est utilisé pour exprimer un concept moral : Daphné, transformée en buisson pour échapper à la persécution d'Apollon, devient un symbole de vertu ; en même temps, le groupe de sculptures veut avertir de ne pas s'arrêter uniquement aux beautés terrestres.
On lit dans les Métamorphoses : « Il prie encore, qu'un profond engourdissement envahisse ses membres, sa douce poitrine s'enveloppe de fines fibres, ses cheveux s'épandent en feuilles, ses bras en branches ; les pieds, autrefois si rapides, s'enlisent dans des racines paresseuses, le visage s'évanouit dans un cheveu : il ne conserve que sa splendeur ».
Le style de la statue
L'Apollon et Daphné du Bernin est l'un des résultats les plus représentatifs de toute la sculpture baroque : attitudes dynamiques ; torsion des corps; expressivité gestuelle et physionomique; brillant de surface en marbre; vision circulaire et multiple de l'œuvre ; l'implication sentimentale et spatiale de l'œuvre.
Les statues sculptées par Gian Lorenzo Bernini expriment le mouvement grâce à leurs postures dynamiques. Apollon et Daphné courent en avant et leurs expressions sont intenses. Les muscles d'Apollon se distinguent pour représenter l'effort de la course. Au lieu de cela, le corps de Daphné est lisse et gracieux. La surface du marbre est sculptée de différentes manières. Tosco pour représenter l'écorce. Parfaitement lisse pour faire la peau des deux protagonistes.
Avec Apollon et Daphné du Bernin (et les autres sculptures de Scipione Borghese), il atteint l'expression la plus haute et la plus complète de la représentation du mouvement. Il n'a pu fixer qu'un seul moment de l'action, le moment crucial. En fait, ses figures ne représentent plus un fait mais l'occurrence de ce fait, non plus une réalité mais la transformation de cette réalité. Apollon et Daphné se retrouvent pris dans la course, au moment précis où la jeune femme se transforme en arbre : un instant avant elle était encore une femme, un instant plus tard elle ne le serait plus.
Les deux jeunes hommes sont dans un équilibre précaire, ils semblent déséquilibrés, ils semblent devoir tomber à tout instant. Apollon a la jambe gauche tendue vers l'arrière (le seul point d'appui au sol est toujours sa jambe droite). Dafne, quant à elle, est littéralement soulevée par les racines qui jaillissent de ses pieds. En fait, la représentation du mouvement se situe dans les deux arcs décrits par les figures qui s'entrelacent avec la spirale idéale formée par le tronc, le manteau et les bras.
Le Bernin rivalise avec Ovide, et tous deux sont gagnants, car s'il est vrai que la poésie est maîtresse du temps tandis que l'art figuratif est maître de l'espace, il est vrai aussi que le sculpteur napolitain subvertit cet état de fait, profitant du pouvoir de mouvement.
Dans Apollon et Daphné du Bernin, le traitement minutieux du marbre, de la représentation détaillée du feuillage et des strates soulevées par le vent à l'écorce du tronc, des cheveux dénoués des protagonistes au regard ahuri et surpris de Daphné, contribue à capter parfaitement l'action qui se déroule sous l'œil attentif de l'observateur.
Dans l'ensemble, l'Apollon et Daphné du Bernin représente certainement l'un des moments les plus réussis de la sculpture baroque en raison de sa fabrication et de sa tension psychologique palpable. La dextérité de Bernini, en effet, offre une sculpture qui n'a pas de point de vue privilégié, mais donne au spectateur la possibilité de capturer dans les moindres détails la beauté classique, typique de l'art hellénistique, et en même temps la sensualité et la richesse de la détails typiques de la poétique baroque.
structure de composition
La statue d'Apollon et de Daphné du Bernin est très équilibrée. En fait, certaines parties se dilatent dans l'espace tandis que d'autres se contractent. De plus, les lignes de force créent deux courbes. L'un court le long du corps d'Apollon. La seconde coïncide avec l'arc dessiné par le corps de Dafne. Bernini a créé un ensemble de façons dont l'espace crée des vides qui rendent la sculpture légère. Les deux personnages sont projetés vers le haut comme s'ils flottaient.
Bernini a su résoudre le problème complexe de la relation entre les poussées et les contre-poussées à travers un jeu d'équilibre très raffiné : les corps, les jambes et les bras des deux personnages s'étendent dans l'espace, défiant les lois de la gravité, mais toujours en quelque sorte équilibrés par d'autres parties qui s'étendent dans la direction opposée.
Bernini a également su porter la question du marbre à ses extrêmes possibilités d'expression. L'artiste a été un engagement continu envers les limites statiques du matériau, un défi qui semblait ignorer la fragilité du marbre et qui l'a poussé à la recherche de plus en plus audacieuse de positions et de virages à la limite de leur dû, d'idées, de dispositifs, de camouflages. , a permis de défier la force de gravité.
Un tel résultat ne peut être obtenu que grâce à un contrôle technique extraordinaire. Et ce n'est pas un hasard si Bernini était un excellent technicien, célébré pour ses incroyables compétences. L'Apollon et Daphné du Bernin, en particulier, semble être un véritable miracle de la technologie.
Les deux figures sont obtenues à partir d'un seul bloc énorme et les feuilles atteignent des épaisseurs minimales, à tel point qu'elles pourraient se rompre à la simple pression des doigts. L'artiste a également été magistrale dans la représentation du soyeux de la peau nue de Daphné contrastant avec la rugosité de sa nouvelle écorce. Tout cela suscite émerveillement et admiration.
Franco Borsi, l'un des érudits les plus importants du baroque italien, a écrit :
« Les fondements d'une esthétique de l'émerveillement ne sont pas spécifiques au monde de Bernini en un sens circonscrit […] mais ils sont certainement répandus dans le monde culturel dans lequel Bernini évolue, attentif et instinctivement déterminé à capter les voix sur lesquelles chanter puis ses recherche de consensus »
Le mythe d'Apollon et de Daphné dans les métamorphoses
Le mythe d'Apollon et de la nymphe Daphné raconte que le dieu Apollon, fils de Zeus, se vantant de savoir manier l'arc et les flèches comme nul autre, s'attire les foudres de Cupidon. Ce dernier, pour punir l'orgueil du jeune dieu, le frappe d'une flèche qui tombe amoureux de la belle nymphe Daphné (dont le nom signifie « laurier » en grec), fille du dieu fleuve Pénée et de Gaïa, la Terre.
Cependant, Daphné a consacré sa vie à la sœur d'Apollon, la déesse Artémis, vouée à la chasteté et au maintien de la virginité, valeurs dont elle est si favorable qu'elle oblige les nymphes de son entourage à suivre son exemple, sous peine de punition exemplaire.
Apollon, amoureux, tente désespérément de rejoindre sa bien-aimée Daphné, qui demande de l'aide à son père pour protéger son innocence. Pénée donc, pour empêcher les deux jeunes hommes de s'unir, fait en sorte que la forme humaine de la fille se dissolve au contact du dieu. Apollon, en effet, poursuit Daphné jusqu'à ce que, tendant la main et la touchant, il la voie se transformer en laurier (la couronne de laurier est l'un des symboles du dieu Apollon).
d'autres aspects
La sculpture d'Apollon et de Daphné du Bernin a été commandée au Bernin par le cardinal Scipione Caffarelli Borghese. Ce fut aussi la dernière demande que le célèbre collectionneur fit à l'artiste. Le sculpteur commence les travaux très jeune, à peine âgé de vingt-deux ans, en 1622. Il est alors contraint d'interrompre les travaux à l'été 1623.
Il devait d'abord terminer El David commandé par le cardinal Alessandro Pedretti. Le Bernin reprit ainsi l'exécution d'Apollon et de Daphné en 1624 avec l'aide du sculpteur Giuliano Finelli, qui s'occupa des racines et des feuilles. En 1625, la sculpture est achevée et rencontre immédiatement un grand succès.
L'artiste
Grâce au génie extraverti de Gian Lorenzo Bernini (1598-1680, il est universellement considéré comme l'artiste le plus important du XVIIe siècle européen : sculpteur, architecte, peintre, scénographe, urbaniste, il a toujours atteint, et dans tous les domaines, les niveaux d'excellence absolue.
En 1615, alors qu'il n'avait que dix-sept ans, il était déjà un brillant professionnel qui travaillait, avec son père Pietro, sculpteur comme lui, au service du pape régnant, Paul V, du cardinal Maffeo Barberini, futur pape Urbain VIII, et surtout de Scipione Borghese (1576-1633). Scipione, neveu du pontife, était l'un des hommes les plus puissants de Rome. Grand mécène et ancien partisan du Caravage, il s'est distingué par son extraordinaire culture et sa passion irrépressible pour la collection.
Le cardinal Borghèse lui-même offrit au jeune Bernin la première grande opportunité de sa carrière : les quatre groupes sculpturaux qui le rendraient célèbre en tant qu'artiste. Commandées par Scipione en 1618 pour sa Villa Borghese, et connues sous le nom de Galerie Borghese, ces œuvres ont enrichi la collection d'art déjà célèbre du Cardinal (qui se vantait du beau Caravage) et sont toujours conservées à Rome aujourd'hui dans la Galerie Borghese. Ce sont Enée, Anchise et Ascagne, l'enlèvement de Proserpine, Apollon et Daphné et David.
Gian Lorenzo Bernini est né à Naples en 1598, sa mère était napolitaine, son père Pietro Bernini est sculpteur, il travaille à Naples, Florence et Rome. Pietro a déménagé à Rome avec sa famille en 1605, et Gian Lorenzo a passé la majeure partie de sa vie à Rome, à l'exception d'un long séjour à Paris en 1665, appelé par le roi Louis XIV.A Rome, sa carrière s'est déroulée dans une longue série de succès , et Bernini a dirigé les entreprises les plus importantes en tant que sculpteur, scénographe et architecte, en particulier pour les papes qui se sont succédé au cours des cinquante années de son activité.
La scène artistique romaine de cette période est dominée par Gian Lorenzo, avant lui seul Michel-Ange était tenu en si haute estime par les papes, les intellectuels et les artistes. Il y a beaucoup de similitudes avec Michel-Ange : même le Bernin considère la sculpture comme sa grande passion, depuis qu'il est enfant il est dans une famille où le marbre est travaillé et il devient son matériau de prédilection. Comme Michel-Ange, c'est un artiste complet : il est peintre, sculpteur, architecte, poète, scénographe et devant chaque œuvre il sait se consacrer avec une grande concentration et une profonde participation à l'œuvre.
Le dessin représente pour lui un moyen fondamental de toute son activité créative, à travers lequel il écrit chaque impression, idée et solution, des brefs croquis aux projets les plus précis et aux caricatures amusantes. Le talent et la créativité extraordinaires avec lesquels il s'attaque à n'importe quelle tâche sont également indéniables. Les différences avec Michel-Ange concernent plutôt la sphère humaine et sociale : Le Bernin est un homme très sociable, ingénieux et brillant, dévoué à la famille et un habile organisateur.
En 1611, Gian Lorenzo se trouva comme assistant de son père Pietro Bernini, qui travaillait sur les reliefs de la chapelle de Paul V à Santa Maria Maggiore à Rome. Cette occasion marque le début de sa carrière et aussi de sa fortune, puisque pendant les travaux il fut prévenu par le pape et le cardinal Scipione Borghese, qui lui confièrent la décoration de sa villa. Bernini, dix-neuf ans, crée une série de groupes mythologiques et de statues exécutés entre 1619 et 1624, qui se trouvent toujours à la Villa Borghese à Rome. Il resta au service du cardinal jusqu'en 1624.
Avec l'élection du pape Urbain VIII Barberini, le Bernin, encore très jeune, devient un chef de file de la vie artistique de Rome et occupera cette fonction toute sa vie, se consacrant avant tout aux œuvres religieuses. Après la mort de Carlo Maderno, en 1629 Gian Lorenzo fut nommé "architecte de San Pietro".
Dans sa jeunesse, au début des années XNUMX, son travail de portraitiste est très demandé, mais avec la multiplication des commandes monumentales, Bernini n'a plus le temps de se consacrer au portrait. Déjà à la fin des années vingt et dans la décennie suivante pour remplir tous les engagements qu'il a dû embaucher des assistants et les portraits réalisés à un âge mûr sont moins nombreux que les œuvres d'un plus grand engagement comme les statues, les tombes, les chapelles, les fontaines, les places , églises, construites sous les pontificats d'Urbain VIII, d'Innocent X et d'Alexandre VII.
Même la peinture se concentre principalement dans les années vingt, plus tard il préfère se consacrer à la sculpture, alors que la plupart des entreprises architecturales appartiennent surtout à la dernière étape de sa carrière, correspondant à la période d'Alexandre VII. Le Bernin est mort à Rome en 1680.
Voici quelques liens d'intérêt :