Η καινοτομία είναι η μέγιστη έκφραση αυτού που ήταν η σύγχρονη περίοδος. Από μόνο του, αυτό το κίνημα έφερε μαζί του μια από τις μεγαλύτερες συνεισφορές στην τέχνη του XNUMXού αιώνα. Και γι' αυτό αποφασίσαμε να σας ενημερώσουμε για τα κύρια χαρακτηριστικά αυτού του κινήματος για την τέχνη, ειδικά για το μοντερνιστική ζωγραφική και πολλά άλλα
Μοντερνισμός και μοντερνιστική ζωγραφική
Η μοντέρνα τέχνη είναι ένας όρος που χρησιμοποιείται για να περιγράψει μια περίοδο της ιστορίας της τέχνης που διαρκεί περίπου από τη δεκαετία του 1860 έως τη δεκαετία του 1970. Ο όρος υποδηλώνει το ύφος και τη φιλοσοφία της τέχνης που παρήχθη εκείνη την περίοδο. Οι ρίζες του βρίσκονται στο έργο καλλιτεχνών του τέλους του XNUMXου αιώνα όπως ο Βαν Γκογκ, ο Σεζάν και ο Γκωγκέν, των οποίων η εκπαίδευση και η πρώιμη καριέρα βασίστηκαν σε ένα παραδοσιακό στυλ ζωγραφικής.
Ωστόσο, στα τέλη του XNUMXου αιώνα πολλοί καλλιτέχνες άρχισαν να απομακρύνονται από τη ρεαλιστική αφήγηση ως προς το θέμα και το ύφος, προχωρώντας προς ένα πιο αφηρημένο στυλ ζωγραφικής που αντιμετώπιζε τις νέες αισθητικές ιδέες τους, που αργότερα θα ονομαζόταν μοντερνιστική ζωγραφική. Ο όρος λοιπόν «μοντερνιστής ή μοντέρνος» συνδέεται με την τέχνη, αποστασιοποιώντας αυτή την καλλιτεχνική έκφραση από την παραδοσιακή ζωγραφική.
Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες έπαιξαν με ανεξερεύνητους τρόπους να βλέπουν τα θέματά τους και νέους τρόπους χρήσης παραδοσιακών υλικών ζωγραφικής. Αυτά αμφισβήτησαν την ιδέα ότι η τέχνη πρέπει να αντιπροσωπεύει τον κόσμο ρεαλιστικά, πειραματιζόμενος με την εκφραστική χρήση του χρώματος, τις νέες τεχνικές και τα μη παραδοσιακά υλικά που θεωρούνται πλέον το σήμα κατατεθέν της μοντερνιστικής τέχνης και ζωγραφικής.
Οι αρχές του XNUMXου αιώνα έφεραν ακόμη περισσότερους πειραματισμούς. Οι καλλιτέχνες Fauve (Φωβισμός), άρχισαν να ζωγραφίζουν εκφραστικά «άγρια» τοπία και οι κυβιστές καλλιτέχνες άρχισαν να αποδομούν τα θέματα σε συμπαγείς μορφές, καθιστώντας τα σχεδόν αφηρημένα.
Αυτά τα καλλιτεχνικά κινήματα και αυτά που τα ακολούθησαν μέχρι τον XNUMXο αιώνα, βασίστηκαν σε νέους τρόπους σκέψης, θέασης και εξερεύνησης της τέχνης, δίνοντας τον ίδιο τον ορισμό του τι είναι μοντέρνα τέχνη. Όπου η μοντέρνα τέχνη είναι ένας όρος που χρησιμοποιείται για να περιγράψει ένα καλλιτεχνικό κίνημα και μια περίοδο της ιστορίας της τέχνης, ο μοντερνισμός είναι το όνομα του φιλοσοφικού κινήματος που εμφανίστηκε την ίδια εποχή.
Η Βιομηχανική Επανάσταση, η ταχεία ανάπτυξη των αστικών περιοχών και οι νέες μορφές μεταφοράς συνέβαλαν στην ανάπτυξη της φιλοσοφίας του μοντερνισμού που απέρριψε τις παραδοσιακές μορφές σκέψης, τέχνης, θρησκείας και κοινωνικής συμπεριφοράς. Ο μοντερνισμός και η μοντέρνα τέχνη συνδέονται μεταξύ τους και συνυπάρχουν: οι θεωρίες του μοντερνισμού τροφοδοτούν τη σκέψη των καλλιτεχνών και η σύγχρονη τέχνη προωθεί τη φιλοσοφία στην πραγματική πράξη.
Χαρακτηριστικά του μοντέρνου στις τέχνες
Αν και δεν υπάρχει κανένα χαρακτηριστικό που να ορίζει τη «μοντέρνα τέχνη», ξεχώρισε για μια σειρά από σημαντικά χαρακτηριστικά, όπως τα ακόλουθα:
Νέα είδη τέχνης
Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες ήταν οι πρώτοι που ανέπτυξαν την τέχνη του κολάζ, τις διάφορες μορφές συναρμολόγησης, μια ποικιλία κινητικής τέχνης (συμπεριλαμβανομένων των κινητών), διάφορα είδη φωτογραφίας, κινούμενα σχέδια (σχέδιο συν φωτογραφία), τέχνη της γης ή αναχώματα και τέχνη περφόρμανς.
Χρήση νέων υλικών
Οι σύγχρονοι ζωγράφοι φύτεψαν αντικείμενα όπως αποκόμματα εφημερίδων και άλλα αντικείμενα στους καμβάδες τους. Οι γλύπτες χρησιμοποίησαν αντικείμενα που βρέθηκαν, όπως τα «readymades» του Marcel Duchamp, από τα οποία δημιούργησαν έργα άχρηστης τέχνης. Τα συγκροτήματα παράγονταν με τα πιο συνηθισμένα είδη καθημερινής χρήσης, όπως: αυτοκίνητα, ρολόγια, βαλίτσες, ξύλινα κουτιά και άλλα είδη.
εκφραστική χρήση του χρώματος
Τα ρεύματα της μοντέρνας τέχνης όπως ο Φωβισμός, η χρωματική ζωγραφική και ο εξπρεσιονισμός ήταν τα πρώτα που εκτόξευσαν το χρώμα με αρκετά σημαντικό τρόπο.
Νέες τεχνικές
Η χρωμολιθογραφία επινοήθηκε από τον καλλιτέχνη αφίσας Jules Cheret, το αυτόματο σχέδιο ορίστηκε από σουρεαλιστές καλλιτέχνες, με τον ίδιο τρόπο όπως το Frottage και το Decalcomania. Οι ζωγράφοι με χειρονομίες συνέλαβαν τη ζωγραφική δράσης. Εν τω μεταξύ, οι καλλιτέχνες της ποπ εισήγαγαν τις «κουκκίδες Benday» και την μεταξοτυπία στην τέχνη. Άλλα κινήματα και σχολές μοντέρνας τέχνης που εισήγαγαν επίσης νέες τεχνικές στην εκτέλεση και επεξεργασία της ζωγραφικής.
Μοντερνιστικά κινήματα τέχνης
Οι απαρχές της μοντερνιστικής ζωγραφικής δεν μπορούν να περιοριστούν, αλλά υπάρχει γενική συμφωνία ότι ξεκίνησε στη Γαλλία του XNUMXου αιώνα. Οι πίνακες του Gustave Courbet, του Edouard Manet και των ιμπρεσιονιστών αντιπροσωπεύουν μια βαθύτερη απόρριψη της κυρίαρχης ακαδημαϊκής κληρονομιάς και μια αναζήτηση για μια πιο φυσιοκρατική αναπαράσταση του οπτικού σύμπαντος.
Οι διάδοχοι μπορούν να θεωρηθούν πιο σύγχρονοι όσον αφορά την αποκήρυξη των παραδοσιακών πρακτικών και θεμάτων και στην έκφραση ενός πιο αφηρημένου προσωπικού οράματος. Ξεκινώντας από τη δεκαετία του 1890, εμφανίστηκαν μια σειρά από διαφορετικά κινήματα και στυλ, τα οποία βρίσκονται στον πυρήνα της σύγχρονης τέχνης και αντιπροσωπεύουν ένα από τα κορυφαία σημεία της δυτικής οπτικής κουλτούρας. Αυτά τα σύγχρονα κινήματα περιλαμβάνουν:
- νεοϊμπρεσιονισμός
- Συμβολισμός
- Φόβιτς
- Κυβισμός
- Φουτουρισμό
- Εξπρεσιονισμός
- Υπερματισμός
- Ο κονστρουκτιβισμός
- μεταφυσική ζωγραφική
- de Stijl
- Dada
- Σουρεαλισμός
- Κοινωνικός ρεαλισμός
- Αφηρημένος εξπρεσιονισμός
- Pop Art
- Op art
- Μινιμαλισμός
- νεοεξπρεσιονισμός
Ανεξάρτητα από την τεράστια ποικιλία που παρατηρείται σε αυτά τα κινήματα, πολλά από αυτά είναι χαρακτηριστικά σύγχρονα στη διερεύνηση των δυνατοτήτων που ενυπάρχουν στο ίδιο το εικονιστικό μέσο να εκφράσει μια θρησκευτική απάντηση στις ποικίλες συνθήκες ζωής στον XNUMXό αιώνα και μετά.
Αυτές οι συνθήκες περιλαμβάνουν την επιτάχυνση της τεχνολογικής αλλαγής, την ανάπτυξη της επιστημονικής γνώσης και κατανόησης, τη φαινομενική ασχετοσύνη ορισμένων τυπικών πηγών πεποιθήσεων και αξιών και την επέκταση της συνειδητοποίησης των μη δυτικών πολιτισμών.
Χρονολογία και εξέλιξη
Η εξέλιξη της μοντέρνας τέχνης σε όλη της την αναπαράσταση (μοντερνιστική ζωγραφική και όχι μόνο), παρουσιάστηκε και εξελίχθηκε στον κόσμο μέσα από διάφορες μορφές και αιτίες, οι οποίες θα αναλυθούν χρονολογικά παρακάτω:
1870-1900
Αν και το τελευταίο τρίτο του XNUMXου αιώνα κυριαρχήθηκε κάπως από το νέο ιμπρεσιονιστικό στυλ ζωγραφικής, υπήρχαν στην πραγματικότητα αρκετά πρωτοποριακά σκέλη της μοντέρνας τέχνης και της μοντερνιστικής ζωγραφικής, το καθένα με τη δική του ιδιαίτερη προσέγγιση. Αυτά περιελάμβαναν:
- Ιμπρεσιονισμός (ακρίβεια στη λήψη των επιπτώσεων του ηλιακού φωτός).
- Ρεαλισμός (περιεχόμενο – θέμα).
- Ακαδημαϊκή τέχνη (πραγματικές εικόνες κλασικού στυλ).
- Ρομαντισμός (κατάσταση του μυαλού).
- Συμβολισμός (αινιγματική εικονογραφία).
- Λιθογραφική αφίσα (έντονα μοτίβα και χρώματα).
Η τελευταία δεκαετία αυτής της περιόδου είδε μια σειρά εξεγέρσεων κατά των ακαδημιών και των σαλονιών τους με τη μορφή του κινήματος Secession, ενώ στα τέλη της δεκαετίας του 1890 παρατηρήθηκε η παρακμή της τέχνης που βασίζεται στη φύση, όπως ο ιμπρεσιονισμός, που σύντομα θα οδηγήσει σε άνοδο περισσότερων σοβαρή τέχνη βασισμένη στο μήνυμα.
1900-14
Σχεδόν σε όλα, αυτή ήταν η πιο εντυπωσιακή εποχή της μοντέρνας τέχνης, όταν όλα ήταν ακόμη δυνητικά βιώσιμα και όταν το «gadget» εξακολουθούσε να οπτικοποιείται μόνο ως σύμμαχος του ανθρώπου. Οι καλλιτέχνες του Παρισιού δημιούργησαν μια σειρά από νέα στυλ, όπως: Φωβισμός, Κυβισμός και Ορφισμός. Ενώ οι Γερμανοί καλλιτέχνες εγκαινίασαν τη δική τους μοντερνιστική εξπρεσιονιστική σχολή ζωγραφικής.
Όλα αυτά τα προοδευτικά κινήματα απέρριψαν τις παραδοσιακές στάσεις απέναντι στην τέχνη και προσπάθησαν να υπερασπιστούν τη δική τους ιδιαίτερη ατζέντα του μοντερνισμού. Έτσι, ο κυβισμός ήθελε να δώσει προτεραιότητα στις τυπικές ιδιότητες της ζωγραφικής, ενώ ο φουτουρισμός προτιμούσε να τονίσει τις δυνατότητες της μηχανής και ο εξπρεσιονισμός υπερασπιζόταν την ατομική αντίληψη.
1914-24
Η σφαγή και η καταστροφή του Μεγάλου Πολέμου άλλαξαν τα πράγματα εντελώς. Το 1916, ξεκίνησε το κίνημα Νταντά, γεμάτο με μια μηδενιστική παρόρμηση να ανατρέψει το σύστημα αξιών που είχε δημιουργήσει τον Βερντέν και τον Σομ. Ξαφνικά, η αναπαραστατική τέχνη φάνηκε άσεμνη. Καμία εικόνα δεν μπορούσε να ανταγωνιστεί τις φωτογραφίες των νεκρών του πολέμου. Οι καλλιτέχνες είχαν ήδη στραφεί όλο και περισσότερο στη μη αντικειμενική τέχνη ως μέσο έκφρασης. Τα κινήματα της αφηρημένης τέχνης της εποχής περιλάμβαναν:
- Κυβισμός (1908-40)
- Vorticism (1914-15)
- Suprematism (1913-18)
- Κονστρουκτιβισμός (1914-32)
- Stijl (1917-31)
- Νεοπλαστικισμός (1918-26)
- Στοιματισμός (1924-31)
- Bauhaus (1919-33)
- Το μεταγενέστερο σχολείο St Ives
Ακόμη και τα λίγα εικονιστικά κινήματα ήταν ξεκάθαρα πρωτοποριακά, όπως φαίνεται στη μεταφυσική ζωγραφική (1914-20).
1924-40
Τα χρόνια της ειρήνης μεταξύ των πολέμων παρέμειναν χαρακτηρισμένα από πολιτικές και οικονομικές δυσκολίες. Η αφηρημένη μοντερνιστική ζωγραφική και γλυπτική παρέμειναν εξέχουσα θέση, καθώς η τέχνη που ξεχωρίζει από την πραγματικότητα παρέμενε σε μεγάλο βαθμό εκτός μόδας.
Ακόμη και η ρεαλιστική πτέρυγα του σουρεαλιστικού κινήματος, του μεγαλύτερου κινήματος της περιόδου, δεν μπορούσε να χειριστεί κάτι περισσότερο από ένα στυλ πραγματικότητας φαντασίας. Εν τω μεταξύ, μια πιο απαίσια πραγματικότητα αναδυόταν στην ήπειρο, με τη μορφή της ναζιστικής τέχνης και της σοβιετικής agit-prop. Μόνο το Art Deco, ένα αρκετά κομψό στυλ σχεδιασμού που στοχεύει στην αρχιτεκτονική και την εφαρμοσμένη τέχνη, εξέφρασε οποιαδήποτε εμπιστοσύνη για το μέλλον.
1940-60
Ο κόσμος της τέχνης μεταμορφώθηκε από την καταστροφή του Β' Παγκοσμίου Πολέμου. Αρχικά, το κέντρο βάρους του μετατοπίστηκε από το Παρίσι στη Νέα Υόρκη, όπου παραμένει έκτοτε. Σχεδόν όλες οι μελλοντικές τιμές παγκόσμιων ρεκόρ θα επιτυγχάνονταν στις αίθουσες πωλήσεων των Christie's και Sotheby's στη Νέα Υόρκη. Εν τω μεταξύ, το ανείπωτο φαινόμενο του Άουσβιτς είχε υπονομεύσει την αξία όλης της ρεαλιστικής τέχνης εκτός από την τέχνη του Ολοκαυτώματος των πληγέντων.
Ως συνέπεια όλων αυτών, δημιουργήθηκε το επόμενο μεγάλο διεθνές κίνημα, ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός, από Αμερικανούς καλλιτέχνες της Σχολής της Νέας Υόρκης. Μάλιστα για τα επόμενα 20 χρόνια θα κυριαρχεί η αφαίρεση, καθώς αναδύονται νέα κινήματα. Αυτά περιελάμβαναν:
- Άτυπη τέχνη.
- Ζωγραφική δράσης.
- Χειρονομία.
- Κάπνισμα
- Έγχρωμη ζωγραφική πεδίου.
- λυρική αφαίρεση.
- Βαφή σκληρών άκρων
- COBRA, μια ομάδα που διακρίνεται για την παιδική της εικονογραφία και τις εκφραστικές της γραμμές.
Κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1950, φύτρωσαν και άλλοι πιο τολμηροί τύποι στυλ, όπως η κινητική τέχνη, ο νουβό ρεαλισμός και ο νεο-ντάντα, τα οποία εκδήλωσαν μια προοδευτική ανησυχία με τη βιομηχανία των στενών τεχνών.
1960
Η έκρηξη της λαϊκής μουσικής και της τηλεόρασης αντικατοπτρίστηκε στο κίνημα Pop-Art, του οποίου οι εικονογραφικές αναπαραστάσεις διασημοτήτων του Χόλιγουντ και η εικονογραφία της λαϊκής κουλτούρας γιόρτασαν την επιτυχία του μαζικού καταναλωτισμού στις Ηνωμένες Πολιτείες. Είχε επίσης μια φρέσκια, μοντέρνα αίσθηση, η οποία βοήθησε να διαλύσει κάποια από τις αρχές της δεκαετίας του 60 που συνδέονται με την κουβανική κρίση του 1962. Η οποία στην Ευρώπη είχε τροφοδοτήσει την επιτυχία του κινήματος Fluxus με επικεφαλής:
- Γιώργος Μακιούνας
- Τζόζεφ Μπέις
- Nam Nam Paik
- Γουλφ Βόστελ
Η προσγειωμένη ποπ αρτ ήταν επίσης μια ευπρόσδεκτη αντίστιξη στον πιο σοφό αφηρημένο εξπρεσιονισμό, που είχε ήδη αρχίσει να ξεθωριάζει. Αλλά τη δεκαετία του 1960 είδε επίσης την άνοδο ενός άλλου κινήματος υψηλού προφίλ που είναι γνωστό ως Μινιμαλισμός, μια μορφή μοντερνιστικής ζωγραφικής και γλυπτικής που καθαρίζεται από όλες τις εξωτερικές αναφορές ή χειρονομίες, σε αντίθεση με τη συναισθηματικά φορτισμένη γλώσσα του αφηρημένου εξπρεσιονισμού.
Ο μοντερνισμός στις γραφικές τέχνες
Μέχρι το τέλος του XNUMXου αιώνα, οι καλλιτέχνες είχαν βαρεθεί τις παραδοσιακές και συντηρητικές μορφές τέχνης. Στη Βιέννη, μια ομάδα καλλιτεχνών με επικεφαλής τον Gustav Klimt αυτοαποκαλούνταν το Vienna Secession και αποκόπηκαν από τα καλλιτεχνικά ιδρύματα της αυστριακής πρωτεύουσας εκείνη την εποχή.
Η ομάδα εξερεύνησε αχαρτογράφητες περιοχές σε μορφή, σύνθεση και έκφραση, πυροδοτώντας παρόμοια πειράματα σε άλλες κοντινές χώρες όπως η Γαλλία και η Γερμανία. Οι πλούσιες μοντερνιστικές πινελιές και ο ρεαλισμός μεταφράζονται σε επίπεδα χρώματα και στιλιστική τυπογραφία, εκφράσεις που θα άνοιξαν το δρόμο για τη γραφική τέχνη.
Μέχρι την έναρξη του Πρώτου Παγκόσμιου Πολέμου, η γραφιστική είχε ήδη χρησιμοποιηθεί για εμπορικούς, εταιρικούς και αισθητικούς σκοπούς. Ο νέος του ρόλος θα ήταν πολιτικός, χρησιμοποιούμενος σε αφίσες και προπαγάνδα κατά τη διάρκεια του πολέμου.
Η πρόοδος στη μαζική έγχρωμη εκτύπωση επέτρεψε την αποτελεσματική παραγωγή μηνυμάτων για τη συγκέντρωση κεφαλαίων, την ενθάρρυνση της στράτευσης και την τόνωση του ηθικού. Η αναταραχή και οι προκλήσεις που αντιμετωπίστηκαν και στους δύο παγκόσμιους πολέμους ενέπνευσαν τελικά το πρώτο κύμα αληθινού μοντερνισμού στη γραφιστική.
Στην Ευρώπη και την Αμερική, οι γραφίστες άντλησαν έμπνευση από ευρύτερα κινήματα τέχνης όπως ο Κυβισμός, ο Φουτουρισμός, ο De Stijl και ο Σουρεαλισμός. Στη Γερμανία, το κίνημα Bauhaus είχε επίσης σημαντικό αντίκτυπο στη γραφιστική. Με τις έντονες γραμμές, τα βασικά χρώματα και τον ενοχλητικό λευκό χώρο, ήταν τόσο εντυπωσιακό στη μορφή 2-D όσο και στην αρχιτεκτονική ή τη γλυπτική.
Τελικά, ο μοντερνιστικός σχεδιασμός ορίστηκε από την αφηρημένη έκφραση, τον τολμηρό τύπο και τα βασικά χρώματα και σχήματα. Αυτοί οι σχεδιαστές προσέγγισαν τη δουλειά αντικειμενικά, δίνοντας έμφαση στο ορθολογικό έναντι του εκφραστικού (και τονίζοντας την κλασική μοντερνιστική πεποίθηση ότι η μορφή ακολουθεί τη λειτουργία).
Όταν οι Ναζί ήρθαν στην εξουσία τη δεκαετία του 1930, τα μοντερνιστικά πειράματα σε όλες τις πρακτικές καταγγέλθηκαν και πολλοί καλλιτέχνες, αρχιτέκτονες και σχεδιαστές μετανάστευσαν στις Ηνωμένες Πολιτείες. Αν και ο μοντερνιστικός σχεδιασμός διακόπηκε στην ανάπτυξή του, παραμένει ένα από τα πιο εντυπωσιακά κινήματα στην ιστορία της γραφιστικής.
Αρ νουβό κοσμήματα, γυάλινα σκεύη, κεραμικά, έπιπλα και σφυρήλατο σίδερο
Οι μοντερνιστές κοσμηματοπώλες των Ηνωμένων Πολιτειών που άσκησαν την τέχνη τους από τη δεκαετία του 1930 έως τη δεκαετία του 1960 ήταν αρκετά εμφατικοί στην απόρριψη των στυλ που είχαν προηγηθεί. Τα βικτωριανά κοσμήματα απορρίφθηκαν ως υπερβολικά διακοσμητικά, τα κομμάτια Art Nouveau θεωρήθηκαν πολύ απαιτητικά και η αισθητική του Art Deco θεωρήθηκε υπερβολικά άκαμπτη. Αυτοί οι κοσμηματοπώλες ένιωθαν ότι είχαν περισσότερα κοινά με τους σύγχρονους ζωγράφους, γλύπτες και άλλους καλλιτέχνες της εποχής.
Ο φιλόδοξος στόχος του ήταν να δημιουργήσει μοναδικά έργα τέχνης που θα μπορούσαν να χρησιμοποιήσουν οι άνθρωποι. Ένας από τους πρώτους πρωταθλητές και επαγγελματίες της φόρμας ήταν ο Sam Kramer, ο οποίος, όπως πολλοί από τους συγχρόνους του, έζησε, εργάστηκε και πούλησε τις δημιουργίες του στο Greenwich Village της Νέας Υόρκης. Ο Kramer εργαζόταν κυρίως στο ασήμι, αλλά ήταν επίσης ικανός να φτιάχνει χάλκινα δαχτυλίδια, σκουλαρίκια και καρφίτσες και βρήκε αντικείμενα όπως δόντια αλώνας, κουμπιά, απολιθώματα και αρχαία νομίσματα.
Μερικές φορές, ο Kramer χρησιμοποίησε ημιπολύτιμους λίθους όπως γρανάτες ή οπάλια στα σουρεαλιστικά, γεωμετρικά ή βιομορφικά κομμάτια του. Ένας άλλος ανεπίσημος ηγέτης του μοντερνιστικού κινήματος του κοσμήματος ήταν ο γείτονας του Kramer, Art Smith. Τα κοσμήματά της κυμαίνονταν από απλά ασημένια δαχτυλίδια στο λαιμό μέχρι βιομορφικά κομμάτια που βασίζονται σε αφρικανικά μοτίβα.
Ενώ ο Smith έφτιαχνε μικρά κομμάτια όπως μανικετόκουμπα και σκουλαρίκια, πολλά από τα καλύτερα έργα του ήταν αρκετά μεγάλα ώστε να τυλίξουν το σώμα, σαν η ανθρώπινη μορφή να ήταν απλώς το σκηνικό για τις δημιουργίες του.
Τα vintage χάλκινα βραχιολάκια του, ειδικά οι «τζαζ» χειροπέδες με τις μουσικές νότες που εφαρμόζονται στις εξωτερικές τους επιφάνειες, είναι άκρως συλλεκτικά. Μπούμερανγκ, ευθείες γραμμές που τέμνουν καμπύλες και σχήματα ατομικής ηλικίας χαρακτηρίζουν το έργο του Ed Wiener.
Μερικές φορές ένα ζευγάρι ασημένια σκουλαρίκια που έμοιαζαν με στρεβλωμένες κλεψύδρες ήταν στολισμένα με ένα μόνο μαργαριτάρι. Άλλες φορές, ένας αχάτης με μάτι γάτας τοποθετούνταν στο κέντρο ενός κομματιού, σαν να έδιναν στα άψυχα αντικείμενα την εμφάνιση ανθρώπινου προσώπου.
Ένας άλλος Greenwich Villager του οποίου τα vintage μοντερνιστικά κοσμήματα χαίρουν μεγάλης εκτίμησης ήταν ο Paul Lobel, ο οποίος σχεδίασε αξιολάτρευτες ασημένιες καρφίτσες και βραχιόλια, καθώς και γυαλί, έπιπλα και ασημικά. Έξω από τη Νέα Υόρκη υπήρχε η Betty Cooke, που εργαζόταν στο Bauhaus mode στη Βαλτιμόρη.
Τα κοσμήματά της αποτελούνταν από γεωμετρικά σχήματα και χαρακτηρίζονταν από μια έντονη αίσθηση τάξης, την οποία σκόπιμα διέτρεπε με την απότομη τοποθέτηση μαργαριταριών, μικρών τεμαχίων ξύλου ή ακόμα και ημιτελείς πέτρες όπως ο χαλαζίας.
Ένας άλλος συνεργάτης του Bauhaus ήταν η Margaret De Patta, το έργο της οποίας αντικατόπτριζε τη βαθιά επιρροή του δασκάλου του Bauhaus László Moholy-Nagy, με τον οποίο σπούδασε. Εν τω μεταξύ, στο Σαν Φρανσίσκο, ο Peter Macchiarini κοίταξε τις αφρικανικές μάσκες και τον κυβισμό για έμπνευση. Ο ορείχαλκος, ο χαλκός και το ασήμι ήταν κοινά υλικά, μαζί με τα οπάλια, τους αχάτες και το ξύλο.
Στη Σκανδιναβία κατά τις δεκαετίες του 1940 και του 1950, λάμβανε χώρα ένα παράλληλο κίνημα. Ο Henning Koppel και η Nanna Ditzel ήταν δύο αξιόλογοι σχεδιαστές για τον Georg Jensen, του οποίου τα ασημένια δάκρυα και τα κολιέ αμοιβάδας συνδύαζαν την τελειότητα της Δανέζικης χρυσοχοΐας με το ενδιαφέρον για φυσικές, ακόμη και πρωτόγονες μορφές.
Αργότερα, στη Φινλανδία της δεκαετίας του XNUMX, ο Bjorn Weckstrom παντρεύτηκε συμπαγές ασήμι και κομμάτια γυαλισμένο ακρυλικό για να δημιουργήσει δαχτυλίδια, βραχιόλια και μενταγιόν που ήταν τόσο διαστημικής όσο και οργανικά. Άλλοι τομείς που εξερευνήθηκαν από μοντερνιστές καλλιτέχνες ήταν η παραγωγή κεραμικών, επίπλων, γυαλικών και μεταλλουργίας. Μεταξύ των πιο εξαιρετικών καλλιτεχνών, μπορούν να αναφερθούν οι εξής:
- Louis Comfort Tiffany (σχεδιαστής)
- Émile Galle (κεραμικός και υαλουργός)
- Antonin Daum (υαλοπίνακας)
- Lluís Masriera (κοσμηματοπώλης)
- Carlo Bugatti (σχεδιαστής επίπλων)
- Louis Majorelle (σχεδιαστής επίπλων)
- Gustave Serrurier-Bovy (σχεδιαστής επίπλων)
- Jacques Grüber (διακοσμητής και ζωγράφος)
- Jules Brunfaut (αρχιτέκτονας και διακοσμητής)
- Auguste Delaherche (κεραμικός)
- Georges de Feure (ζωγράφος και διακοσμητής)
μοντερνιστική ζωγραφική
Η σύγχρονη περίοδος της ιστορίας της τέχνης ήταν ένας μεγάλος θεατής της κατάρρευσης των παραδοσιακών περιορισμών, τόσο ως προς τη μορφή (εμφάνιση της τέχνης) όσο και ως προς το περιεχόμενο (το θέμα). Αυτό συνέβη σε όλους τους κλάδους της τέχνης, με αιχμή τη ζωγραφική. Πράγματι, οι ζωγράφοι είχαν πρωτοστατήσει στην αισθητική καινοτομία στην Ευρώπη από το τέλος της αρχαιότητας.
Η πιο σημαντική καινοτομία στη μορφή ήταν η άνοδος ολοένα και πιο παραμορφωμένων μορφών ζωγραφικής, με αποκορύφωμα τη γέννηση της αφηρημένης τέχνης. Ως προς το περιεχόμενο, η μοντερνιστική ζωγραφική τείνει να παρουσιάζει συνηθισμένες, καθημερινές σκηνές, σε αντίθεση με τα παραδοσιακά «υψηλά» θέματα (βιβλικά, μυθολογικά, ιστορικά).
Η γέννηση της μοντερνιστικής ζωγραφικής εντοπίζεται συχνά στον ρεαλισμό, ένα γαλλικό κίνημα που απεικόνιζε σκηνές της καθημερινής ζωής με έναν σωματικά ρεαλιστικό τρόπο. Αν και οι ρεαλιστικές σκηνές της καθημερινής ζωής μπορούν να αναχθούν στη ζωγραφική της Αναγέννησης στη Χαμηλή Χώρα, το κίνημα του Μοντέρνου Ρεαλισμού υιοθέτησε μια νέα προσέγγιση εστιάζοντας σε σκληρές πραγματικότητες, όπως: φτώχεια, έλλειψη στέγης και συνθήκες εργασίας. καταπιεστικό
Ηγέτης αυτού του κινήματος ήταν ο Γκουστάβ Κουρμπέ, του οποίου τα πιο αξιόλογα έργα είναι τα «The Stone Breakers» και «Entierro de Ornans». Αν και η παραμόρφωση, όχι ο ρεαλισμός, θα γινόταν η κυρίαρχη τάση στη μοντερνιστική ζωγραφική, η ρεαλιστική τέχνη συνέχισε να ανθίζει μέχρι σήμερα. Μεγάλο μέρος αυτής της τέχνης είναι, όπως το αρχικό γαλλικό κίνημα, κοινωνικά συνειδητό.
Η επόμενη σημαντική φάση της μοντερνιστικής ζωγραφικής ήταν ο ιμπρεσιονισμός, ένα γρήγορο, σχηματικό στυλ που αποτυπώνει τη συνολική εντύπωση μιας σκηνής (σε αντίθεση με ακριβείς λεπτομέρειες). Συγκεκριμένα, ο ιμπρεσιονισμός επιχειρεί να συλλάβει τα στιγμιαία εφέ του φωτός, κυρίως μέσω γειτονικών πινελιών φωτεινών, αντίθετων χρωμάτων (τα οποία ενισχύουν τη λάμψη και των δύο χρωμάτων, παράγοντας έτσι ένα λαμπερό αποτέλεσμα).
Οι ιμπρεσιονιστές ήταν η πρώτη ομάδα καλλιτεχνών που ζωγράφισαν κυρίως στην τοποθεσία, αντί να σχεδιάζουν την τοποθεσία και να ζωγραφίζουν στο στούντιο. Οι ρίζες του ιμπρεσιονισμού βρίσκονται στα έργα του Édouard Manet, ο οποίος ζωγράφιζε με αρκετά ρεαλιστικό στυλ. Ωστόσο, ο Manet προκάλεσε διαμάχη τηρώντας μόνο χαλαρά την προοπτική, αποδίδοντας τα φόντο με απλοποιημένο σχηματικό τρόπο και ισοπεδώνοντας τις επιφάνειες των αντικειμένων σε περιοχές συμπαγούς χρώματος (αντί να μοντελοποιήσει αντικείμενα με ομαλή σκίαση).
Αυτές οι τάσεις έγιναν για πρώτη φορά εμφανείς στο Μεσημεριανό γεύμα στο γρασίδι, τον πιο διάσημο πρώιμο πίνακα του Μανέ. Έγιναν πιο έντονες στα μεταγενέστερα έργα του, όπως: «A Bar at the Folies-Bergére», που συχνά θεωρείται το αριστούργημά του. Η επέκταση του στυλ του Manet οδήγησε στον ιμπρεσιονισμό, καθώς οι αιχμηρές λεπτομέρειες και η ρεαλιστική μοντελοποίηση εγκαταλείφθηκαν υπέρ των γρήγορων πινελιών και των πιτσιλιών μονόχρωμων χρωμάτων.
Ο πιο σημαντικός ιμπρεσιονιστής ήταν ο Κλοντ Μονέ, ο οποίος εργάστηκε κυρίως σε τοπία και θαλασσινά. Τα πρώτα του έργα περιλαμβάνουν πολλούς παραθαλάσσιους πίνακες γύρω από τη γενέτειρά του τη Χάβρη, συμπεριλαμβανομένου του "Impression, Sun Rising". Όταν αυτό το έργο επικρίθηκε ως «απλή εντύπωση», το όνομα του στυλ κατοχυρώθηκε.
Μερικές φορές ο Monet επέστρεφε σε ένα θέμα πολλές φορές, σε διαφορετικές χρονικές στιγμές ή εποχές, για να καταγράψει ένα πλήρες φάσμα συνθηκών φωτισμού. Αυτή η προσέγγιση κορυφώθηκε με τη διάσημη σειρά Water Lily, η οποία περιλαμβάνει πολλές περιποιήσεις της λίμνης των νούφαρων έξω από το σπίτι στο οποίο αποσύρθηκε ο Monet.
Ο ιμπρεσιονισμός περιλαμβάνει πολλά από τα πιο αναγνωρισμένα ονόματα στη ζωγραφική. Μαζί με τον Μονέ, η ιμπρεσιονιστική ζωγραφική τοπίων ηγήθηκε από τους Σίσλεϋ και Πισάρο. Οι πιο εξέχοντες ζωγράφοι του ιμπρεσιονιστικού στυλ ήταν:
- Renoir
- Μορισό
- Του αερίου.
Τους ιμπρεσιονιστές, που θόλωσαν ελαφρώς και απλοποίησαν την πραγματικότητα, ακολουθήθηκαν από μια ομάδα καλλιτεχνών που προχώρησαν πολύ περισσότερο στην παραμόρφωση: οι μετα-ιμπρεσιονιστές, οι οποίοι ανακάλυψαν ότι τα νέα εντυπωσιακά συναισθηματικά εφέ ήταν δυνατά εάν τα σχήματα και τα χρώματα της πραγματικότητας μεταμορφώνονταν πιο θεαματικά.
Μερικοί μετα-ιμπρεσιονιστές επιδίωξαν τη γεωμετρική παραμόρφωση (στην οποία ο κόσμος συμπιέζεται σε γεωμετρικά σχήματα, δημιουργώντας μια αίσθηση ακαμψίας και ελέγχου), ενώ άλλοι εξερεύνησαν τη ρευστή παραμόρφωση (στην οποία ο κόσμος είναι λοξός με ρευστό και οργανικό τρόπο). Και οι δύο τύποι παραμόρφωσης (ειδικά υγρά) συχνά παρουσιάζουν εντυπωσιακά μη ρεαλιστικά χρώματα.
Ο κύριος πρωτοπόρος της γεωμετρικής παραμόρφωσης ήταν ο Paul Cézanne, ο οποίος απλοποίησε ομαλά τα φυσικά χαρακτηριστικά μιας σκηνής σε γεωμετρικά σχήματα. Αυτό είχε ως αποτέλεσμα τοπία (το αντικείμενο της προτίμησής του) με μια κάπως άκαμπτη, μπλοκαρισμένη εμφάνιση.
Ο σημαντικότερος πρωτοπόρος της παραμόρφωσης ρευστών ήταν ο Βίνσεντ Βαν Γκογκ. (Άλλες σημαντικές προσωπικότητες περιλαμβάνουν τον Γκωγκέν, τον Μουνκ και τον Τουλούζ-Λωτρέκ.) Το στυλ του Βαν Γκογκ είναι ρευστό και πολύχρωμο, με ιδιαίτερη έμφαση στο κίτρινο. Η Έναστρη Νύχτα μπορεί να είναι το πιο διάσημο έργο του.
Ενώ ο Georges Seurat ανέπτυξε μια πολύ χαρακτηριστική μορφή μετα-ιμπρεσιονισμού: τον πουαντιλισμό, στον οποίο οι σκηνές αποδίδονται σε πολλές κουκκίδες ενός μόνο χρώματος. Το πιο διάσημο έργο του pointillist είναι το «Sunday Afternoon» που αντανακλά το νησί La Grande Jatte.
μοντερνιστική γλυπτική
Η σύγχρονη γλυπτική ορίζεται ιστορικά ως γλυπτική που ξεκινά με το έργο του Auguste Rodin και τελειώνει με την έλευση της ποπ αρτ και του μινιμαλισμού στη δεκαετία του 1960. Η συζήτηση του 2001 του Alex Potts για την ιστοριογραφία της σύγχρονης γλυπτικής είναι περιεκτική για την κατανόηση των μέσων, περίοδος, και μεθόδους που χρησιμοποιούνται από βασικούς καλλιτέχνες.
Ενώ τώρα θεωρείται κλισέ να ξεκινήσει το μοντερνιστικό κίνημα στη γλυπτική με το έργο του Ροντέν, στο έργο του αρχίζει κανείς να βλέπει τάσεις που θα γίνουν χαρακτηριστικές της σύγχρονης γλυπτικής, όπως ένα νέο ενδιαφέρον για το κομμάτι, ιδιαίτερα το σώμα.
Καθώς επίσης, μια επεξεργασία επιφάνειας και εκφραστική λεπτομέρεια επιφάνειας, μια προσοχή στην κίνηση, μια συμβολική συγχώνευση της εσωτερικής έκφρασης μιας φιγούρας και της εξωτερικής αναπαράστασής της, ή αυτό που ο Constantin Brancusi ονόμασε «ουσία». Και μεγαλύτερη θεώρηση της αφαίρεσης, του κατακερματισμού και της μη αναπαράστασης στα γλυπτικά αντικείμενα, δηλαδή μια συνειδητή απομάκρυνση από τον ρεαλισμό και τον ακαδημαϊκό ιδεαλισμό.
Οι γλύπτες κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου έδωσαν επίσης έμφαση στο σχέδιο, τη μορφή και τον όγκο έναντι της αναπαράστασης ενός συγκεκριμένου θέματος. Η χρήση υλικών που δεν χρησιμοποιούνται παραδοσιακά στις τελικές γλυπτικές έννοιες έγινε πιο εμφανής, όπως η χρήση: ενδυμάτων, υφασμάτων και άλλων μικτών μέσων. Όπως φαίνεται στη «Μικρή δεκατετράχρονη μπαλαρίνα» που έφτιαξε ο Έντγκαρ Ντεγκά μεταξύ των ετών 1878-1881, αυτή τη στιγμή βρίσκεται στην Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσιγκτον.
Η συγχώνευση ανθρώπινων και μηχανικών στοιχείων παρατηρείται κατά την περίοδο της Μηχανικής Εποχής, όπως στα έργα των Umberto Boccioni και Jacques Lipschitz, εκτός από την παραμόρφωση και την ευθραυστότητα που εμφανίζονται στα έργα του Μεσοπολέμου, όπως στα έργα του Medardo. Rosso και Alberto Giacometti.
Η επιρροή της τέχνης έξω από τη δυτική, δηλαδή την ευρωπαϊκή, παράδοση έγινε πολύ σημαντική για τους γλύπτες στις αρχές του αιώνα και μπορεί να φανεί στα γλυπτά του Paul Gauguin και του Pablo Picasso. Καλλιτέχνες όπως ο Naum Gabo και ο Antoine Pevsner άρχισαν να χρησιμοποιούν υλικά που δεν είχαν χρησιμοποιηθεί για γλυπτική τέχνης στο άμεσο παρελθόν και πρόσφατα εφευρεθέντα υλικά όπως τα πλαστικά.
Τα υλικά που είχαν χρησιμοποιηθεί στο παρελθόν έγιναν πιο σημαντικά στη σύγχρονη εποχή, όπως: αλουμίνιο με τον Isamu Noguchi, ηλεκτρισμός για φώτα στη γλυπτική και για μηχανοκίνητη κίνηση από την Camille Claudel, σίδερο από τον Julio González, μόλυβδος από τον Aristide Maillol, ατσάλι και συγκολλημένα μέταλλα των David Smith και Julio González, ξύλο Constantin Brancusi και αντικείμενα που βρέθηκαν από τη Louise Nevelson.
Αν και υπάρχουν παραδείγματα κινούμενων γλυπτών που κατασκευάστηκαν από προηγούμενους γλύπτες όπως οι: Antonio Canova και Lorenzo Bartolini. Το οποίο θα θεωρούσαμε ως κινητική γλυπτική σήμερα, τόσο η πρόταση της κίνησης στη γλυπτική όσο και τα πραγματικά κινούμενα γλυπτά έγιναν πιο εμφανή κατά το πρώτο μισό του XNUMXού αιώνα. Ο Alexander Calder και ο László Moholy-Nagy εφάρμοσαν μεγαλύτερη χρήση της τεχνολογίας κίνησης στα έργα τους στο δεύτερο μισό του αιώνα.
Η ένταση και η αντίδραση μεταξύ της θετικής εικόνας και του αρνητικού χώρου που περιβάλλει ένα έργο τέχνης έπαιξε επίσης σημαντικό ρόλο, και αυτό μπορεί να φανεί ιδιαίτερα στα πρώτα έργα και «διαστημικά σχέδια» των Giacometti, Picasso και David Smith, καθώς και σε γλυπτική των Jean Arp, Henry Moore και Barbara Hepworth.
Οι παραπάνω καλλιτέχνες, μαζί με πολλούς άλλους, όπως οι: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens και Aristide Maillol, έκαναν μια σημαντική ρήξη με τη γλυπτική του πρόσφατου παρελθόντος, απελευθέρωση από την εξάρτησή τους στην ανατομία και την υποτέλεια τους στην αρχιτεκτονική, και πήγαν το μέσο πιο μακριά από κάθε γενιά από τους γλύπτες της πρώιμης Αναγέννησης.
Μοντέρνα αρχιτεκτονική
Η μοντέρνα αρχιτεκτονική αναπτύχθηκε από την απόρριψη των αναβιώσεων, του κλασικισμού, του εκλεκτικισμού και όλων των προσαρμογών των προηγούμενων μορφών στους κτιριακούς τύπους της βιομηχανοποιημένης κοινωνίας στα τέλη του XNUMXου και του XNUMXου αιώνα. Επιπλέον, προέκυψε από προσπάθειες δημιουργίας αρχιτεκτονικών μορφών και στυλ που θα μπορούσαν να χρησιμοποιούν και να αντικατοπτρίζουν τις πρόσφατα διαθέσιμες τεχνολογίες κτιρίων από δομικό σίδηρο και χάλυβα, οπλισμένο σκυρόδεμα και γυαλί.
Μέχρι την εξάπλωση του μεταμοντερνισμού, η μοντέρνα δομή περιλάμβανε επίσης την απόρριψη της εφαρμοσμένης διακόσμησης και διακόσμησης που χαρακτηρίζουν τα προμοντέρνα δυτικά κτίρια. Η ώθηση της σύγχρονης αρχιτεκτονικής ήταν μια αυστηρή συγκέντρωση σε κτίρια των οποίων η ρυθμική διάταξη ανθρώπων και μορφών καθιερώνει ένα γεωμετρικό σχέδιο στο φως και το χρώμα.
Αυτή η εξέλιξη συνδέθηκε στενά με τους νέους τύπους κατασκευών που απαιτούνται από μια βιομηχανοποιημένη κοινωνία, όπως τα κτίρια γραφείων που στεγάζουν εταιρική διαχείριση ή κυβερνητική διαχείριση. Μία από τις σημαντικότερες τάσεις και κινήματα της μοντερνιστικής αρχιτεκτονικής είναι:
- Η Σχολή του Σικάγο
- λειτουργικότητα
- διακοσμητική τέχνη
- Art Nouveau
- De Stijl, το Bauhaus
- Το Διεθνές Στυλ
- Ο Νέος Μπρουταλισμός
- Μεταμοντερνισμός
σύγχρονους καλλιτέχνες
Η ιστορία της σύγχρονης τέχνης είναι η ιστορία των μεγαλύτερων καλλιτεχνών και των επιτευγμάτων τους. Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες έχουν κάνει προσπάθειες να εκφράσουν τις απόψεις τους για τον κόσμο γύρω τους χρησιμοποιώντας οπτικά μέσα. Ενώ ορισμένοι έχουν συνδέσει τη δουλειά τους με προηγούμενα κινήματα ή ιδέες, ο πρωταρχικός στόχος κάθε καλλιτέχνη στη σύγχρονη εποχή ήταν να προωθήσει την πρακτική του σε μια θέση καθαρής πρωτοτυπίας.
Ορισμένοι καλλιτέχνες καθιερώθηκαν ως ανεξάρτητοι στοχαστές, επιχειρώντας πέρα από αυτό που αποτελούσε αποδεκτές μορφές «υψηλής τέχνης» εκείνη την εποχή, υποστηριζόμενες από παραδοσιακές κρατικές ακαδημίες και προστάτες της ανώτερης τάξης των εικαστικών τεχνών. Αυτοί οι καινοτόμοι περιέγραψαν ένα θέμα που πολλοί θεώρησαν πρόστυχο, αμφιλεγόμενο ή ακόμα και εντελώς άσχημο.
Ο πρώτος σύγχρονος καλλιτέχνης που στάθηκε ουσιαστικά μόνος με αυτή την έννοια ήταν ο Gustave Courbet, ο οποίος στα μέσα του 1849ου αιώνα προσπάθησε να αναπτύξει το δικό του ξεχωριστό στυλ. Αυτό επιτεύχθηκε σε μεγάλο βαθμό από τον πίνακα του 1850-XNUMX, Burial at Ornans, ο οποίος συγκλόνισε τον γαλλικό κόσμο της τέχνης απεικονίζοντας την κηδεία ενός απλού ανθρώπου από ένα χωριό των χωριών.
Η Ακαδημία έτρεξε στην απεικόνιση βρώμικων εργατών φάρμας γύρω από έναν ανοιχτό τάφο, καθώς μόνο οι κλασικοί μύθοι ή οι ιστορικές σκηνές ήταν το κατάλληλο θέμα για έναν τόσο μεγάλο πίνακα. Ο Κουρμπέ αρχικά εξοστρακίστηκε για το έργο του, αλλά τελικά αποδείχθηκε ότι είχε μεγάλη επιρροή στις επόμενες γενιές σύγχρονων καλλιτεχνών. Αυτό το γενικό πρότυπο απόρριψης και της επακόλουθης επιρροής έχει επαναληφθεί από εκατοντάδες καλλιτέχνες στη σύγχρονη εποχή.
Ακολουθεί μια λίστα με μερικούς από τους πιο εξέχοντες καλλιτέχνες της μοντερνιστικής μορφής καλλιτεχνικής έκφρασης:
- Eugène Atget
- Μπλακάναρ ιππόλυ
- Paul Cézanne
- Σαλβαντόρ Νταλί
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Βίνσεντ βαν Γκογκ
- Hector Guimard
- Βασίλι Καντίνσκι
- Raoul Francois Larche
- Jacques-Henri Lartigue
- Fernand Léger
- Henri Matisse
- Joan Miró
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- Φραντς Κλάιν
- Paul Klee
- Φράντισεκ Κούπκα
- Πολ Στράντ
- Τσαρλς Σίλερ
- Ερρίκος της Τουλούζης
- Lautrec
- Ouντουαρντ Βουγιάρ
Εάν βρήκατε ενδιαφέρον αυτό το άρθρο για τη μοντερνιστική ζωγραφική, σας προσκαλούμε να απολαύσετε αυτά τα άλλα: