Τα ονόματά τους είναι δείγμα ποιότητας και είναι γνωστά ακόμα και σε όσους απέχουν πολύ από τον κόσμο της τέχνης. κάθε ένα από Διάσημοι ζωγράφοι Ήταν ένα ιδιαίτερο φαινόμενο της εποχής του. Κάποιος έχει τον ρόλο του πρωτοπόρου, άλλος ελκύει με το μυστήριο του, αυτός ο άλλος εκπλήσσει με έναν τόσο διαφορετικό ρεαλισμό.
Διάσημοι ζωγράφοι
Οι καλλιτέχνες είναι άνθρωποι που μπορούν να μιλήσουν δημόσια με την κοινωνία στη γλώσσα των εικόνων και των εικαστικών μορφών. Ωστόσο, η δημοτικότητα και η συνάφειά του δεν φαίνεται να εξαρτώνται καθόλου από το ταλέντο μόνο. Ποιοι ήταν οι πιο διάσημοι ζωγράφοι στην ιστορία;
Άλμπρεχτ Ντούρ
Ο Γερμανός ζωγράφος Albrecht Dürer (Albrecht Dürer) ήταν από τους πρώτους που προσέγγισε την κεντρική προοπτική και επέλεξε μια εξαιρετικά σχηματική δομή εικόνας και συμβολικές αναπαραστάσεις για τους πίνακές του, όπως το Φεστιβάλ Ροζάριο. Η αυτοπροσωπογραφία του είναι παγκοσμίως γνωστή. Οι αστραφτερές μπούκλες και η ψευδαίσθηση του υφάσματος του παλτό της εξακολουθούν να εκπλήσσουν εκατομμύρια ανθρώπους σήμερα.
Εκτός από τη ζωγραφική, έκανε πολλά σχέδια και ακουαρέλες της φύσης, όπως ο νεαρός λαγός. Ωστόσο, οφείλει την ανακάλυψη του ως καλλιτέχνης στις ξυλογραφίες και τις χαλκογραφίες του, που διανεμήθηκαν ως εικονογραφήσεις βιβλίων σε όλη την Ευρώπη.
Paul Gauguin
Ο Paul Gauguin γεννήθηκε στο Παρίσι το 1848. Είναι ένας από τους πιο εξωτικούς διάσημους Γάλλους ζωγράφους. Πριν μεταναστεύσει στη Γαλλική Πολυνησία, όπου παρέμεινε μέχρι το θάνατό του, ήταν ένας από τους μεγάλους ζωγράφους της σχολής Ποντ-Αβέν. Το στυλ του είναι εμπνευσμένο από τον ιμπρεσιονισμό και την ιαπωνική χαρακτική, και οι μεγάλοι πίνακές του εκτίθενται τώρα σε μεγάλα μουσεία όπως το Musée d'Orsay. Ο διάσημος ζωγράφος πέθανε στα νησιά Marquesas το 1903.
Michelangelo Μπουρονάρτι
Ο Michelangelo, ή στην πραγματικότητα ο Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, γεννήθηκε στο Caprese το 1475 και πέθανε στη Ρώμη το 1564. Θεωρείται μέρος της ιταλικής Υψηλής Αναγέννησης, αν και διαμόρφωσε αυτή την εποχή. Ο καλλιτέχνης είναι ιδιαίτερα γνωστός για τα θρησκευτικά του έργα, ιδιαίτερα, φυσικά, για τη ζωγραφική του στην οροφή της Καπέλα Σιξτίνα. Στη συνέχεια, η τεχνική και το στυλ του επαναλαμβάνονται, δίνοντας έτσι την αφορμή για την αρχή του μανιερισμού.
Στην εποχή της Αναγέννησης, αντί για αιώνια καταδίκη, ήρθε στο προσκήνιο η ομορφιά της δημιουργίας. Σε αυτό αφιερώθηκε και ο Miguel Ángel Buonarroti, γνωστός όσο ζούσε. Συνδύαζε τις ανατομικές γνώσεις με την αγάπη για την τελειότητα.
Ο ίδιος ο Πάπας παρήγγειλε μια γιγάντια οροφή για τη δημιουργία του κόσμου για την Καπέλα Σιξτίνα στη Ρώμη. Πιθανώς το πιο διάσημο μοτίβο στον κόσμο είναι η Δημιουργία του Αδάμ, στην οποία ο Αδάμ ζωντανεύει με το άγγιγμα των δακτύλων του Θεού.
Ο Μιχαήλ Άγγελος κατάφερε να κάνει το ίδιο και ως γλύπτης, έχοντας τη δυνατότητα να ζωντανέψει σκληρούς μαρμάρινους ογκόλιθους. Όπως ο γενναίος νεαρός Ντέιβιντ, που προσφέρει στον γίγαντα Γολιάθ το σγουρό μέτωπό του. Ως αντίπαλος του Λεονάρντο ντα Βίντσι, ο Μιχαήλ Άγγελος θεωρήθηκε επίσης άνθρωπος της Αναγέννησης για τις δεξιότητές του στη γλυπτική, τη ζωγραφική και την ποίηση. Η επιρροή και η συμβολή του στην ανάπτυξη της δυτικής τέχνης είναι απαράμιλλη μέχρι τώρα.
Έντουαρντ Μανέ
Ο γνωστός πίνακας του «Breakfast on the Grass» είναι γνωστός σήμερα σε όλο τον κόσμο. Ο πατέρας του Εντουάρ Μανέ ήθελε στην πραγματικότητα να σπουδάσει νομικά, αλλά ο Μανέ αρνήθηκε και άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική με τον Thomas Couture. Θέτει τα πρότυπα στο κίνημα των ιμπρεσιονιστών, κυρίως από τα μοτίβα που επιλέγει να ζωγραφίσει: πορτρέτα, τοπία, νεκρές φύσεις ή παριζιάνικη ζωή.
Αν και περιστοιχιζόταν από διανοούμενους (όπως ο Émile Zola ή ο Charles Baudelaire), οι σύγχρονοί του τον επέκριναν για μεγάλο χρονικό διάστημα. Η δημιουργική του διαδρομή, όπως αρμόζει στην πορεία ενός πραγματικού καλλιτέχνη, δεν ήταν η πιο απλή: οι πίνακές του προκάλεσαν διαμάχες και σκάνδαλα, τη δεκαετία του 1860 εκτέθηκε στο λεγόμενο Hall of the Outcast. Ήταν μια εναλλακτική έκθεση για καλλιτέχνες που δεν έγιναν δεκτοί στο επίσημο Salon στο Παρίσι.
Τέτοια ήταν η μοίρα του έργου του Ολυμπία, που συγκλόνισε το κοινό. Έγραψαν ότι η πρωταγωνίστρια του καμβά κοιτάζει τον θεατή με τέτοια περιφρόνηση και κρατά το αριστερό της χέρι σαν να είχε μια τσάντα σε αυτό το χέρι και η ίδια η γυναίκα βαθιά δεν ενδιαφέρεται για το τι σκέφτονται για αυτήν. Η εικόνα θεωρήθηκε πολύ επίπεδη και ότι η πλοκή της ήταν χυδαία. Ποιος θα πίστευε ότι μετά από εκατόν πενήντα χρόνια αυτός ο καμβάς θα γίνει ένας από τους πιο αναγνωρίσιμους στον κόσμο.
Μικελάνελο Μέρισι ντα Καραβάτζιο
Ο Ιταλός καλλιτέχνης του μπαρόκ Καραβάτζιο είναι αναμφίβολα ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους όλων των εποχών. Τα αριστουργήματά του, όπως η κλήση του Αγίου Ματθαίου, χαρακτηρίζονται από έντονες αντιθέσεις φωτός/σκοταδιού και συχνά θεματοποιούν θρησκευτικές ή αλληγορικές σκηνές, ταυτόχρονα αρκετά βάναυσες: από τη μαστίγωση του Χριστού έως την Ιουδήθ, που έκοψε αποφασιστικά το κεφάλι του Ολοφέρνη. .
Βρήκε πολλούς διαδόχους, όπως την εξίσου ταλαντούχα αλλά λιγότερο γνωστή ζωγράφο Artemisia Lomi Gentileschi. Έσπασε την παράδοση των καλλιτεχνών της Αναγέννησης που καθοδηγούνταν από το όμορφο ιδανικό. Τα μοντέλα του δεν ήταν παράνυμφοι, αλλά διαδηλωτές και μεθυσμένοι με βρώμικα πόδια. Αυτό το νέο στυλ ήταν προκλητικό και έτυχε μεγάλης αναγνώρισης.
Πολλοί καλλιτέχνες εμπνέονται από αυτόν (όπως αναφέρθηκε και ο Ρέμπραντ), οπότε από αυτόν προκύπτει ένα δικό του στυλ που φέρει το όνομά του: Καραβαγισμός. Οι πίνακές του, μερικές φορές πολύ ρεαλιστικοί, έχουν διαμορφώσει τους σύγχρονούς του και τις μελλοντικές γενιές.
Paul Cézanne
Ο Paul Cézanne (1839-1906) είναι γνωστός σε πολλούς ως ο πατέρας της μοντέρνας ζωγραφικής, αν και στην πραγματικότητα ξεκίνησε την καριέρα του ως τραπεζίτης. Τέλος, στο Παρίσι, το ταλέντο του ως ζωγράφος έρχεται στο προσκήνιο και αναζητά τη θέση του στον καλλιτεχνικό κόσμο. Ο Πωλ Σεζάν είναι περισσότερο γνωστός για τα τοπία του στην Αιξ-αν-Προβάνς, όπου έζησε τα παιδικά του χρόνια.
Με καταγωγή από την Aix-en-Provence, ο Paul Cézanne ξεχωρίζει ως ένας από τους μεγαλύτερους σύγχρονους καλλιτέχνες. Η τέχνη του συνδέει τα πιο παραδοσιακά στυλ του XNUMXου αιώνα και τα πιο avant-garde στυλ του XNUMXου αιώνα. Ως μέρος του μετα-ιμπρεσιονιστικού κινήματος, ανέπτυξε το δικό του στυλ και επηρέασε, εκτός από πολλούς σύγχρονους καλλιτέχνες, την ανάπτυξη μεταγενέστερων κινημάτων.
Η προσέγγισή του στην εικονογραφική αναπαράσταση βασίζεται σε μια εποικοδομητική μέθοδο που συνίσταται στο συνδυασμό των επιπέδων των αντικειμένων για τη δημιουργία ενός συνόλου μεγάλης πληρότητας. Η ιδέα του θα υιοθετηθεί αργότερα από τον Πικάσο και τον Μπρακ. Ο ίδιος ο Σεζάν εμπνεύστηκε από τους Γάλλους ιμπρεσιονιστές ζωγράφους, κάνοντας αίτηση να δει τα αντικείμενα ως ένα σύνολο σχημάτων. Εμμένει τόσο στην οπτική αντίληψη του έργου του όσο και στο θέμα που πραγματεύεται.
Ζωγραφίζοντας πολλές φορές το ίδιο θέμα (μήλα, πορτοκάλια, βουνά) ο καλλιτέχνης καταφέρνει να τελειοποιήσει την τεχνική του. Μελετήστε τα αποτελέσματα του φωτός και της προοπτικής, παρατηρώντας πώς ξεχωρίζουν οι διαφορετικές όψεις των αντικειμένων. Αυτά αναπαράγονται από χρωματικά επίπεδα που αποκαλύπτουν τα γεωμετρικά στοιχεία των αντικειμένων.
Διαχωρίζοντας τη μορφή μέσα από το παιχνίδι της αφαίρεσης, ο ζωγράφος προσπαθεί να αποτυπώσει την αλλαγή που βιώνουν τα αντικείμενα σε σχέση με τη διαμόρφωσή τους στο χώρο. Οι επαναστατικές ιδέες του Σεζάν στον τρόπο αντιμετώπισης του θέματος και του ενδιάμεσου που είναι ο καλλιτέχνης θα επηρεάσουν τους εξπρεσιονιστές, τους κυβιστές ακόμα και τους φουτουριστές.
Ντιέγκο Βελάκιζ
Το Las Meninas είναι μια από τις πιο διάσημες εικόνες στην ιστορία της τέχνης και το αριστούργημα του Velázquez. Ο Ντιέγκο Βελάσκεθ ζωγράφισε την κόρη του Φιλίππου Δ' με τις κόρες της και απαθανατίστηκε στην άκρη του πίνακα ως αυλικός ζωγράφος της ισπανικής βασιλικής οικογένειας. Παρουσίασε τον Πάπα και μάλιστα έδωσε κάποια αξιοπρέπεια στους νάνους της αυλής.
Ακόμη και στο έργο του Η παράδοση της Μπρέντα, επέδειξε διπλωματική ικανότητα. Αντί για τη νίκη των ισπανικών στρατευμάτων επί της Ολλανδίας, δείχνει μια φιλική παράδοση των κλειδιών της πόλης. Στις συνθέσεις του μπορεί επίσης να συμβεί η πλάτη ενός αλόγου να εκτείνεται προς τον θεατή, σαν να ήταν αυτόπτης μάρτυρας της σκηνής.
Αυτό μπορεί να φανεί ιδιαίτερα όμορφα στο στιγμιότυπο ενός περιστρεφόμενου τροχού στον πίνακα του The Fable of Arachne, πιο γνωστό ως The Spinners.
Auguste Renoir
Ο Auguste Renoir (1841-1919), του οποίου το πλήρες όνομα ήταν Pierre-Auguste Renoir, είναι ένας ζωγράφος που θαυμάζεται για τα έργα του από τα τέλη του XNUMXου αιώνα. Αρχικά, μπορεί να αποδοθεί στο κίνημα των ιμπρεσιονιστών, αλλά απομακρύνθηκε από αυτό και ζωγραφίζει όλο και πιο ρεαλιστικές εικόνες.
Γυμνά, πορτρέτα, τοπία ή ακόμα και νεκρές φύσεις: Ο Ρενουάρ είναι ένας ολοκληρωμένος και ευέλικτος ζωγράφος που δεν αφήνει στον εαυτό του κανένα διάλειμμα. Ακόμη και τα τελευταία χρόνια της ζωής του, όταν έπασχε από σοβαρούς ρευματισμούς και δεν μπορούσε πλέον να κινήσει πολλά σημεία του σώματός του, συνέχιζε να ζωγραφίζει δένοντας τα πινέλα του στους καρπούς του.
Ο Γάλλος καλλιτέχνης είναι γνωστός για τις απεικονίσεις του γυναικείου αισθησιασμού και τη λατρεία του για την ομορφιά. Ένα από τα πιο διάσημα έργα του είναι το Dance at the Moulin de la Galette (1876), το οποίο, με τυπικό ιμπρεσιονιστικό τρόπο, αποτυπώνει την ουσία ενός υπαίθριου πάρτι ένα βράδυ της Κυριακής του Παρισιού, όπου οι κάτοικοι της πόλης μπορούσαν να πιουν, να χορέψουν, να συνομιλήσουν και καλα να περνατε.
Τα μεταγενέστερα έργα του ευνοούν παραδοσιακά θέματα, προσωπογραφίες ή εικονιστικές συνθέσεις. Παρά τις αλλαγές αυτές, ο Ρενουάρ παραμένει πιστός στην αναπαράσταση του γυμνού. Η πολύ αισθησιακή προσέγγισή της στη θηλυκότητα είναι εμπνευσμένη από τον Ρούμπενς. Το τέλος της καριέρας του θα σηματοδοτηθεί από μια αρκετά παραγωγική παραγωγή γυναικείων γυμνών. Η αλλαγή θέματος ανταποκρίνεται σε μια αλλαγή στυλ.
Γιαν Βέρμερ
Τον 2003ο αιώνα, τη λεγόμενη Χρυσή Εποχή, το εμπόριο τέχνης άκμασε στα βόρεια της Ολλανδίας. Ζωγράφοι όπως ο Ρέμπραντ, ο Βαν Ντελφτ και ο Γιαν Βερμέερ (Γιοχάνες Βερμέερ) έγιναν δημοφιλείς πορτραίτες. Ο τελευταίος κατάφερε να καταπλήξει τους θεατές του με το κορίτσι του με το μαργαριταρένιο σκουλαρίκι. Το XNUMX κυκλοφόρησε μάλιστα μια ταινία βασισμένη στο μυστηριώδες πορτρέτο του.
Εικόνες όπως κύριοι και κυρίες που πίνουν κρασί ή η πολυσυζητημένη αλληγορία της ζωγραφικής μπορούν να θεωρηθούν σήμερα ως ιστορικές μαρτυρίες για τα ρούχα και τον κόσμο των ανθρώπων. Δεν πρόκειται μόνο για ανοιχτά και φωτεινά χρώματα, αλλά πάνω απ' όλα για το μάτι για τη λεπτομέρεια και την εστίαση στην καθημερινή ζωή. Τα ιστορικά γεγονότα έπρεπε να μοιράζονται την εικόνα με κανονικούς ανθρώπους, τεχνίτες, υπηρέτριες, ακόμη και μεθυσμένους.
Ο Γιαν Βερμέερ ήταν ένας άλλος Ολλανδός ζωγράφος που ειδικεύτηκε στην απεικόνιση των εσωτερικών χώρων των σπιτιών χαμηλού εισοδήματος και της ζωής της μεσαίας τάξης. Αν και δεν αναγνωρίστηκε κατά τη διάρκεια της ζωής του, το έργο του ανακαλύφθηκε ξανά το 1860. Αργότερα, ορισμένοι από τους πίνακές του αποδόθηκαν εσφαλμένα σε άλλους καλλιτέχνες, αλλά ο αληθινός συγγραφέας αναγνωρίστηκε σύντομα χάρη στο επίπονο έργο ερευνητών τέχνης και ιστορικών.
Μέχρι σήμερα, τριάντα τέσσερα γνωστά έργα, που ανήκουν στο πινέλο του Βερμέερ. Ο πιο διάσημος από τους πίνακές του είναι το «Κορίτσι με μαργαριταρένιο σκουλαρίκι» (1665). Ο πίνακας προσελκύει το άγρυπνο και ανήσυχο βλέμμα μιας κοπέλας ντυμένης με περίεργα ρούχα, καθώς και ένα μεγάλο γυαλιστερό σκουλαρίκι, που συνήθως θεωρείται μαργαριτάρι.
Henri Matisse
Ο Henri Matisse γεννήθηκε στη νότια Γαλλία το 1869. Στην πραγματικότητα, θα έπρεπε να είχε αναλάβει τη γονική φάρμα, αλλά ο Matisse αποφάσισε να σπουδάσει νομικά στο Παρίσι. Το 1889 εργάστηκε για ένα μικρό χρονικό διάστημα ως παρανομικός και παράλληλα παρακολούθησε νωρίς το πρωί μαθήματα σχεδίου στην École Quentin de la Cour.
Το 1890 άρχισε πραγματικά να ζωγραφίζει και ήθελε να προετοιμαστεί για τις εισαγωγικές εξετάσεις στην École des Beaux-Arts, αλλά δεν το πέρασε. Ο Matisse πέρασε το καλοκαίρι του 1905 με τον André Derain και μαζί ανέπτυξαν ένα νέο στυλ που θα μείνει στην ιστορία της τέχνης ως Φωβισμός.
Frida Kahlo
Οι γυναίκες που εργάστηκαν ως καλλιτέχνες είναι ως επί το πλείστον περιθωριακές φιγούρες σε παλαιότερα σχολικά βιβλία. Αυτή που μπήκε στον ανδρικό τομέα είναι η Φρίντα Κάλο. Η Μεξικανή είναι γνωστή για τις ζωηρές και πολύχρωμες αυτοπροσωπογραφίες της.
Οι εικόνες του μιλούν με πάθος και συναισθηματισμό για τον πόνο και τη δύναμη της θέλησης. Επεξεργάστηκε τις τραυματικές της εμπειρίες στους πίνακές της, το σοβαρό ατύχημα με το λεωφορείο (El pilar roto), τις αποβολές και τον πόνο της καρδιάς της (Las dos Fridas) με τον σύζυγό της Ντιέγκο Ριβέρα.
Οι φεμινίστριες τις γιορτάζουν για την απεικόνιση των γυναικείων εμπειριών τους. Στη χώρα καταγωγής του, είναι μια εικόνα που έχει φέρει την τοπική κουλτούρα στην Ευρώπη. Εκεί βρήκε μεγάλο θαυμασμό μεταξύ της σουρεαλιστικής ομάδας γύρω από τον André Breton. Μερικά από τα πιο διάσημα έργα του είναι το Αυτοπροσωπογραφία με ένα κολιέ από αγκάθια και ένα κολίβριο (1940). Είναι πιο αξιοσημείωτα ως παράδειγμα της ελεύθερης χρήσης του συμβολισμού. Το αιχμηρό γιακά και το άψυχο κολίβριο μπορεί να συμβόλιζαν την εσωτερική της αγωνία.
Edvard Munch
Ο Edvard Munch γεννήθηκε στο Loten του Hedmark της Νορβηγίας το 1863 και πέθανε στο Όσλο το 1944. Είναι ένας από τους διάσημους σύγχρονους ζωγράφους και θεωρείται πρωτοπόρος της εξπρεσιονιστικής κατεύθυνσης της ζωγραφικής στην εποχή της μοντέρνας τέχνης. Είναι γνωστός για τα ψυχολογικά του θέματα και αποχρώσεις, που επηρεάστηκαν σε μεγάλο βαθμό από τους συμβολισμούς του XNUMXου αιώνα. Το έργο του επηρέασε πολύ τον γερμανικό εξπρεσιονισμό στις αρχές του XNUMXου αιώνα.
Ο καλλιτέχνης Edvard Munch είναι γνωστός έξω από τον κόσμο της τέχνης κυρίως για τον πίνακα του "The Scream". Ωστόσο, είναι στην πραγματικότητα μια σειρά από διαφορετικές εικόνες που απεικονίζουν το ίδιο μοτίβο. Το Scream (1893-1910) έχει τέσσερις ξεχωριστές εκδοχές σε δύο διαφορετικές εκδοχές: λάδι και παστέλ.
Ο πίνακας είναι εξαιρετικά οδυνηρός και έντονος, αλλά παρόλα αυτά με καλόγουστο χρώμα, και απεικονίζεται σε ένα πολύ απλό πρόσωπο με απολιθωμένο συναίσθημα σε φωτεινό πορτοκαλί φόντο. Η Κραυγή ζωγραφίστηκε αφού ο Μουνκ γύρισε σπίτι μια νύχτα και γύρισε: το κόκκινο ηλιοβασίλεμα είδε τον ξάφνιασε.
Η διαδρομή της επιστροφής του Μουνκ περνούσε από το σφαγείο και το νοσοκομείο ψυχικά ασθενών, όπου διέμενε η αδερφή του καλλιτέχνη. Οι σύγχρονοι έγραψαν ότι οι γκρίνιες των ασθενών και οι κραυγές των νεκρών ζώων ήταν αφόρητες. Το Scream πιστεύεται ότι έχει γίνει ένα είδος προφητείας για την τέχνη του XNUMXου αιώνα, εμποτισμένο με μοτίβα μοναξιάς, απόγνωσης και υπαρξιακού εφιάλτη.
Η εικόνα ή το μοτίβο "The Scream" του Edvard Munch χρησιμοποιήθηκε πολλές φορές, για παράδειγμα πιθανώς και για τη μάσκα της γνωστής σειράς ταινιών "Scream". Κατά συνέπεια, υπάρχουν και διάφορα είδη merchandising που είναι πιθανότατα πιο γνωστά σήμερα από τον ίδιο τον καλλιτέχνη.
Κλοντ Μονέ
Ο Ρενουάρ, ο Ντεγκά, ο Σεζάν, ο Μανέ, ο Πισαρό και πάνω απ' όλα ο Μονέ είναι από τους διάσημους ζωγράφους στον κόσμο. Το ιμπρεσιονιστικό καλλιτεχνικό στυλ του Μονέ δίνει το όνομά του στο νέο καλλιτεχνικό κίνημα των αρχών του δέκατου ένατου αιώνα, τον λεγόμενο «Ιμπρεσιονισμό». Φυσικά τοπία, χρώμα και εντυπώσεις φωτός ήταν πάντα σε πρώτο πλάνο στα έργα του. Αυτό είχε επίσης επίδραση στο παρορμητικό στυλ ζωγραφικής και στην εφαρμογή βαφής που μοιάζει με την αφή.
Ο Claude Monet, που συχνά αναφέρεται ως ένας από τους ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού, ήταν Γάλλος ζωγράφος και ένας από τους πιο λαμπρούς και ταλαντούχους πρωτοπόρους του γαλλικού ιμπρεσιονιστικού κινήματος. Στην πραγματικότητα, ο ίδιος ο όρος «ιμπρεσιονισμός» υιοθετήθηκε αφού παρουσίασε ένα έργο με τίτλο Impression, rising sun.
Ο Μονέ θεωρείται ο πιο επιφανής εκπρόσωπος του ιμπρεσιονισμού. Αφοσιώθηκε σε αυτό το στυλ σε όλη του τη ζωή, όπου οι βασικοί χαρακτήρες είναι το φως και το χρώμα, οι γραμμές εξαφανίζονται και οι σκιές μπορεί να είναι μπλε. Ο καθεδρικός ναός του στη Ρουέν δείχνει πώς αλλάζει ένα αντικείμενο αν το κοιτάξεις μέσα από τις ακτίνες του ήλιου. Ο καθεδρικός ναός τρέμει, ζει στις ακτίνες.
Ο Μονέ πειραματίστηκε πολύ με τα εγκεφαλικά επεισόδια για να μεταφέρει όχι τόσο τη φύση όσο την εντύπωσή της και σε αυτό είδε την αλήθεια.Το πιο διάσημο έργο του είναι το Les nymphéas (Τα νούφαρα) μια σειρά από διακόσιους πενήντα πίνακες που αντιπροσωπεύουν έναν κήπο στο σπίτι του Γάλλου καλλιτέχνη στο Giverny της Γαλλίας. Αυτή η σειρά ήταν η κύρια κατεύθυνση της δουλειάς του καλλιτέχνη τα τελευταία τριάντα χρόνια της ζωής του.
Μπορείτε πραγματικά να δείτε μόνο πολλές εικόνες, όπως τα διάσημα νούφαρα, το πρωινό στην εξοχή ή τη θέα στον καθεδρικό ναό της Ρουέν από απόσταση, όταν τα μεμονωμένα χρωματικά σημεία στο μάτι σας καταλήγουν σε μια εικόνα. Γεννήθηκε στο Παρίσι το 1840 και πέθανε στο Giverny το 1926.
Ρεν Μαγκρίτ
Ο Ρενέ Μαγκρίτ ήταν ένας Βέλγος σουρεαλιστής ζωγράφος που διακρίθηκε για τη χρήση οικιακών ειδών για να μεταφέρει την περίτεχνη αντίληψή του για τον καθημερινό κόσμο. Ήταν επίσης γνωστός για τη δημιουργία έργων που κάνουν τον θεατή να σκεφτεί, ενθαρρύνοντάς τον να σπάσει με προκατασκευασμένες αντιλήψεις για την πραγματικότητα.
Ένα από τα διάσημα έργα του που τηρεί αυτή την αρχή είναι η προδοσία των εικόνων (928-1929), η οποία είναι μια πίπα που καπνίζει με την επιγραφή «Ceci n'est pas une pipe» (Αυτός δεν είναι πίπα). Και δεν είναι πραγματικά ένας σωλήνας απλώς και μόνο επειδή είναι απλώς μια εικόνα του. Αυτή η τεχνική και το στυλ αλλαγής αυτού που γνωρίζουμε ότι είναι πραγματικότητα ήταν κοινά σε όλα τα έργα και τις ιδέες του.
Edgar Degas
Ο Έντγκαρ Ντεγκά (1834 – 1917) σπούδασε αρχικά νομικά κατόπιν επιθυμίας του πατέρα του, αλλά αργότερα επέστρεψε στη μεγάλη του αγάπη: τη ζωγραφική. Δεν έμαθε να ζωγραφίζει σε μάθημα ζωγραφικής σε σχολή τέχνης, αλλά αντιγράφοντας τα σπουδαία έργα του Λούβρου.
Κατά γενικό κανόνα, υπολογίζεται ως μέρος του ιμπρεσιονιστικού κινήματος τέχνης, αλλά αυτή η ταξινόμηση παραμένει αμφιλεγόμενη. Δεν ακολουθεί όλα τα χαρακτηριστικά αυτού του ρεύματος, αλλά επιτρέπει στον εαυτό του κάποιες πρωτοποριακές ελευθερίες. Ο ζωγράφος είναι ιδιαίτερα γνωστός για τα πορτρέτα και τις χορευτικές σκηνές του.
Pablo Picasso
«Δεν μπορούν όλοι να ζωγραφίσουν όπως ο Πικάσο» είναι μια γνωστή έκφραση. Ο ζωγράφος, που γεννήθηκε στην Ισπανία, πήγε στο Παρίσι ως νέος και ανέπτυξε μια αγάπη για τον Φωβισμό μέσω της σχέσης του με τον Ματίς. Αυτό σήμαινε μια απόσυρση καθαρών και δυνατών σχημάτων και χρωμάτων. Το πρώτο του τέτοιο έργο, Les Demoiselles d'Avignon είναι παγκοσμίως γνωστό σήμερα. Στην αρχή, ούτε οι φίλοι του μπορούσαν να καταλάβουν το βαθύτερο νόημα του.
Ο Ισπανός καλλιτέχνης έζησε μια δημιουργική ζωή και αργότερα έγινε ένας από τους πιο σημαντικούς διάσημους ζωγράφους του XNUMXού αιώνα. Δεν ζωγράφιζε μόνο εικόνες, αλλά ήταν και γλύπτης, ποιητής, θεατρικός συγγραφέας. Και όλα αυτά πέρα από μια σειρά από άλλες δραστηριότητες.
Αυτός ο διάσημος άρχοντας των γυναικών έγινε διάσημος όχι μόνο για τη συχνή αλλαγή των μουσών, αλλά και για τη συχνή αλλαγή στις καλλιτεχνικές κατευθύνσεις. Στις αρχές του XNUMXου αιώνα, δημιούργησε πολλά έργα στο «αφρικανικό στυλ», όταν αντί για πρόσωπα ζωγράφισε μάσκες εξωτικών φυλών, μετά υπήρχε ο κυβισμός, αλλά και η αφαίρεση και ο σουρεαλισμός.
Η κορυφή του έργου του μπορεί να ονομαστεί Guernica, αφιερωμένη στην πόλη που καταστράφηκε από τον πόλεμο, σύμβολο του πόνου και της βαρβαρότητας. Ήταν ο Πικάσο που σκέφτηκε να συνδυάσει ολόκληρο το πρόσωπο και το προφίλ σε πορτρέτα, να χωρίσει τα αντικείμενα σε απλές φιγούρες, να τα φέρει κοντά σε εκπληκτικά σχήματα.
Άλλαξε ολόκληρο το τοπίο των καλών τεχνών, εμπλουτίζοντάς το με επαναστατικές ιδέες.Όπως ο Σεζάν, άρχισε να χρησιμοποιεί το χρώμα ως μορφή (κυβισμός), μεταξύ άλλων στις συγκλονιστικές του απεικονίσεις του ισπανικού εμφυλίου πολέμου στη Γκουέρνικα.
Το 1970, το έργο χρησιμοποιήθηκε για μια διαμαρτυρία ενάντια στον πόλεμο του Βιετνάμ και, όπως το περιστέρι της ειρήνης του Πικάσο, που σχεδίασε για το Παγκόσμιο Συνέδριο Ειρήνης στο Παρίσι το 1949, άφησε ένα αποτύπωμα αιωνιότητας. Ο γνωστός ζωγράφος ήταν παγκοσμίως γνωστός όσο ζούσε, ωστόσο δεν έτυχε της μεταθανάτιας αναγνώρισης που του άξιζε.
Άντερς Ζορν
Ο Άντερς Ζορν είναι Σουηδός ζωγράφος και χαράκτης, γεννημένος στη Μόρα. Σπούδασε στη Βασιλική Σουηδική Ακαδημία Τεχνών στη Στοκχόλμη της Σουηδίας από το 1875 έως το 1880. Το 1880, ο Άντερς Ζορν αποκάλυψε ένα πορτρέτο ενός πενθούντος αγοριού κατά τη διάρκεια μιας έκθεσης, η οποία ξεκίνησε την καριέρα του και οδήγησε σε πολλές παραγγελίες. Συνέχισε να απολαμβάνει διεθνή επιτυχία και έγινε ένας από τους πιο αναγνωρισμένους προσωπογράφους της εποχής του.
Στο γύρισμα του XNUMXου αιώνα, η επιτυχία του Άντερς Ζορν συναγωνίστηκε αυτή των πιο διάσημων καλλιτεχνών της εποχής του, συμπεριλαμβανομένου του John Singer Sargent. Μεταξύ των μοντέλων του είναι τρεις πρόεδροι των ΗΠΑ: ο Γκρόβερ Κλίβελαντ, ο Γουίλιαμ Ταφτ (πορτρέτο στον Λευκό Οίκο σήμερα) και τέλος ο Θίοντορ Ρούσβελτ σε έντυπη μορφή. Ο Anders Zorn είναι επίσης διάσημος για τους γυμνούς πίνακές του και τις ζωντανές απεικονίσεις του νερού.
Μερικά από τα σημαντικότερα έργα του μπορείτε να δείτε στο Εθνικό Μουσείο (Εθνικό Μουσείο Καλών Τεχνών) στη Στοκχόλμη. Ανάμεσά τους είναι το Danza de San Juan (1897), μια παράσταση από χορευτές στο βραδινό φως μιας αγροτικής γιορτής της Ημέρας του Αγίου Ιωάννη. Γι' αυτό συγκαταλέγεται στους διάσημους Αμερικανούς ζωγράφους.
Rembrandt van Rijn
Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 – 1669) είναι Ολλανδός καλλιτέχνης της περιόδου του μπαρόκ. Το έργο του τον XNUMXο αιώνα έπεσε κατά τη διάρκεια της Χρυσής Εποχής στις Κάτω Χώρες. Διαμόρφωσε τον κόσμο της τέχνης ιδιαίτερα μέσω της σειράς αυτοπροσωπογραφιών του. Εμπνεύστηκε ιδιαίτερα από την ανοιχτόχρωμη και σκοτεινή ζωγραφική του Καραβάτζιο, ο οποίος δίνει στη ζωγραφική του ιδιαίτερες αντιθέσεις. Λόγω της ευελιξίας του, θεωρείται ευρέως ως ο μεγαλύτερος εικαστικός καλλιτέχνης στην ιστορία της τέχνης.
Η ευελιξία του του επέτρεψε να ζωγραφίζει τα πάντα, από τοπία και πορτρέτα μέχρι ιστορικά γεγονότα και βιβλικές σκηνές. Ένα από τα πιο δημοφιλή έργα του, το The Night Watch (1642), βρίσκεται τώρα στο Κρατικό Μουσείο του Άμστερνταμ. Ο πίνακας έχει ιδιαίτερες ιδιότητες που τον κάνουν να ξεχωρίζει: το μέγεθός του, το παιχνίδι της κίνησης που είναι συνηθισμένο σε εμάς σε ένα στρατιωτικό πορτρέτο και η χρήση φωτός και σκιάς, στα οποία ο διάσημος ζωγράφος ήταν ιδιαίτερα επιδέξιος.
Ο Ρέμπραντ απεικόνιζε τον κόσμο όπως ήταν, χωρίς στολισμό ή βερνίκι, αλλά το έκανε πολύ διανοητικά. Στους καμβάδες του Ρέμπραντ υπάρχει ένα λυκόφως από το οποίο αναδύονται φιγούρες φωτισμένες από ένα χρυσό φως. Όμορφο στη φυσικότητά του, όπως φαίνεται στους χαρακτήρες στον πίνακα του «Η Εβραία Νύφη».
Η μοίρα του μεγαλύτερου Ολλανδού ζωγράφου μοιάζει με εφαλτήριο: από την αφάνεια στην άνοδο στον πλούτο και τη δημοτικότητα, για να πέσει και να πεθάνει στη φτώχεια. Οι σύγχρονοί του δεν τον καταλάβαιναν. Ο Ρέμπραντ αντιπροσώπευε ανθρώπινα συναισθήματα και εμπειρίες, κάτι που δεν ήταν καθόλου της μόδας, ωστόσο σήμερα είναι ένας από τους διάσημους ζωγράφους στον κόσμο.
Leonardo da Vinci
Όταν ονομάζεται Λεονάρντο Ντα Βίντσι, σκέφτεται κανείς απευθείας τη Μόνα Λίζα. Σήμερα είναι ίσως το πιο διάσημο πορτρέτο στον κόσμο. Η κυρία με το μυστηριώδες χαμόγελο, που προσδιορίζεται ως η Λίζα ντελ Τζιοκόντο (σύζυγος του Τζοκόντο), προκαλεί αλλεπάλληλες συζητήσεις και εμπνέει τη φαντασία των κινηματογραφιστών.
Με τις ανατομικές του μελέτες και τα σχέδια της τεχνολογίας όπλων, μπόρεσε ακόμη και να εμπνεύσει τον πιο ισχυρό άνδρα της εποχής του, τον Δούκα Λουδοβίκο Σφόρτσα του Μιλάνου, και να τον κερδίσει ως προστάτη. Πίνακες όπως η Παναγία των Βράχων ή η Κυρία με Ερμίνα δείχνουν την προτίμησή του για μια προσεκτική ματιά στις γυναίκες και τον επιδέξιο χειρισμό του χρώματος.
Μόνο στον Μυστικό Δείπνο θα έπρεπε να έχει ζωγραφίσει σε βρεγμένο γύψο. Τα χρώματα των τοιχογραφιών θα ήταν πιο χλωμά μετά το στέγνωμα, αλλά πιο σταθερά. Τούτου λεχθέντος, είναι μια θαυμάσια απόδειξη για την αριστοτεχνική χρήση της κεντρικής προοπτικής.
Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι ήταν ζωγράφος, γλύπτης, μαθηματικός και εφευρέτης που ασχολήθηκε επίσης με την έρευνα στην αρχιτεκτονική, την επιστήμη, τη μουσική, τη μηχανική, την αστρονομία, τη γεωλογία και πολλούς άλλους τομείς. Γι' αυτό έλαβε το όνομα «Ανθρωπος της Αναγέννησης», αφού κατείχε γνώσεις σε όλους σχεδόν τους τομείς που υπήρχαν τότε.
Χάρη στους πίνακές του, η παγκόσμια ζωγραφική έχει φτάσει σε ένα νέο επίπεδο ποιότητας. Προχώρησε προς τον ρεαλισμό, κατανοώντας τους νόμους της προοπτικής και κατανοώντας την ανατομική δομή ενός ατόμου. Αντιπροσώπευε ιδανικές αναλογίες στο σχέδιο «Vitruvian Man». Σήμερα θεωρείται ταυτόχρονα καλλιτεχνικό αριστούργημα και επιστημονικό έργο. Είναι μακράν μεταξύ των διάσημων ζωγράφων της Αναγέννησης.
Sandro Botticelli
Ο Sandro Di Mariano Filipepi, ή απλά αποκαλούμενος Botticelli, ήταν ένας Ιταλός ζωγράφος που γεννήθηκε το 1445 και πέθανε το 1510. Ο Botticelli ήταν αρχικά ένα χρυσό τηγάνι, αλλά αργότερα έμαθε να ζωγραφίζει σε διάφορα στούντιο Ιταλών καλλιτεχνών.
Το 1481 του ανατέθηκε από τον Πάπα Σίξτο Δ' να διακοσμήσει την Καπέλα Σιξτίνα. Μαζί με τους Cosimo Rosselli, Domenico Ghirlandaio και Perugino, ο Botticelli διαμόρφωσε στη συνέχεια την ιστορία της ιταλικής ζωγραφικής. Τα έργα του εξακολουθούν να θαυμάζονται από χιλιάδες επισκέπτες καθημερινά.
Joaquín Sorolla και Bastida
Ο Joaquín Sorolla y Bastida είναι Ισπανός ζωγράφος, γεννημένος στη Βαλένθια, ο οποίος ξεχωρίζει στη ζωγραφική πορτραίτων, καθώς και τοπία της πατρίδας του, ιδιαίτερα της ακτής, της οποίας το φως και η ανθρώπινη παρουσία διαδραματίζουν προνομιακό ρόλο. Ένα ταξίδι στο Παρίσι το 1894 τον έφερε σε επαφή με την ιμπρεσιονιστική ζωγραφική και έφερε επανάσταση στο στυλ του.
Στο πιο τυπικό στυλ του Sorolla, ο τεχνικός σχεδιασμός είναι τότε ιμπρεσιονιστικός και χαρακτηρίζεται από την παρουσία της ανθρώπινης φιγούρας, παιδιών, γυναικών με φορέματα, σε φόντο παραλίας ή τοπίου, όπου αντανακλάσεις, σκιές, διαφάνειες, την ένταση του το φως και το χρώμα της εικόνας παίζουν θεμελιώδη ρόλο στη βελτίωση των θεμάτων. Ο Joaquín Sorolla είναι ένας πολύ δραστήριος καλλιτέχνης, ο οποίος ζωγράφισε επίσης πολλά πορτρέτα Ισπανών προσωπικοτήτων.
Το ευχάριστο και εύκολο στυλ του του επιτρέπει να δέχεται άπειρα αιτήματα, άρα απολαμβάνει μια άνετη κοινωνική θέση. Η φήμη του πέρασε τα ισπανικά σύνορα και εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου εκθέτει σε πολλές περιπτώσεις.
Μέχρι την αλλαγή του αιώνα, ο Sorolla αναγνωρίστηκε ως ένας από τους μεγαλύτερους εν ζωή διάσημους ζωγράφους στον δυτικό κόσμο, λαμβάνοντας πολλά χρυσά μετάλλια σε πολλές μεγάλες διεθνείς εκθέσεις. Μεγάλο μέρος της δουλειάς του εκτίθεται στο Μουσείο Sorolla στη Μαδρίτη, όπου του είναι αφιερωμένη μια έκθεση.
Άντι Γουόρχολ
Ο Andy Warhol ήταν ένας Αμερικανός εικαστικός καλλιτέχνης που είναι περισσότερο γνωστός για το στυλ του που ονομάζεται Pop Art. Στα έργα του, εξερεύνησε τη σχέση μεταξύ της λαμπερής κινηματογραφικής βιομηχανίας, της διαφήμισης, της λαϊκής κουλτούρας και της καλλιτεχνικής έκφρασης. Ο Γουόρχολ είναι επικεφαλής των διάσημων ζωγράφων της μαζικής κουλτούρας.
Το πιο διάσημο έργο του είναι το Campbell's Soup Cans (1962), το οποίο αποτελείται από 32 κομμάτια, το καθένα 51 εκατοστά ύψος και 41 εκατοστά πλάτος. Κάθε ένα από τα στοιχεία μπορεί να θεωρηθεί ξεχωριστή εικόνα. Τα εξατομικευμένα κομμάτια κατασκευάστηκαν με ημιαυτόματη μεταξοτυπία, η οποία συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη της ποπ αρτ και στη σύγκλιση της λαϊκής κουλτούρας με την εικαστική τέχνη όπως τη γνωρίζουμε σήμερα.
Ο Άντι Γουόρχολ δημιούργησε δεκάδες έργα και ήταν ένας από τους κορυφαίους πολιτιστικούς εμπόρους της δεκαετίας του 50. Ωστόσο, στη μαζική συνείδηση, είναι σχεδόν βέβαιο ότι θα παραμείνει ο συγγραφέας καμβάδων με αναπαραγόμενα πανομοιότυπα αντικείμενα: στη μια περίπτωση, ένα τέτοιο αντικείμενο ήταν μια κονσέρβα με ντοματόσουπα και στην άλλη, το σεξ σύμβολο των ετών XNUMX και του σύμβολο της σεξιστικής εποχής του Χόλιγουντ, η Μέριλιν Μονρόε.
Βίνσεντ βαν Γκογκ
Ο Βίνσεντ Βαν Γκογκ είναι ένας από τους πιο γνωστούς διάσημους ζωγράφους, κάτι που είναι εκπληκτικό, καθώς το εκφραστικό και συναισθηματικό στυλ ζωγραφικής του βρήκε λίγο ενθουσιασμό στην εποχή του. Οι ακατέργαστες πινελιές του μετα-ιμπρεσιονιστή και η εφαρμογή της βαφής impasto, καθώς και η πάντα πολύχρωμη αλλά και πάλι προσεκτική επιλογή χρωμάτων του, εκτιμώνται για άλλη μια φορά σήμερα και διαπραγματεύονται στους πιο ακριβούς οίκους δημοπρασιών του κόσμου.
Η επιλογή των μοτίβων του ήταν εντυπωσιακή, έπιπλα, λουλούδια, τοπία και πλήθος αυτοπροσωπογραφιών. Ωστόσο, κυρίως χάρη στο μάρκετινγκ των Αμερικανών φιλότεχνων που του αρέσουν οι κίτρινες σειρές ηλίανθων, το όραμά του για το Cafe Terrace at Night, το Starry Night και την κρεβατοκάμαρά του βρίσκονται σε αφίσες, καρτ ποστάλ και αφίσες. ακόμη και μπρελόκ .
Είτε πρόκειται για το εκφραστικό πορτρέτο του είτε για το μυστήριο του κομμένου αυτιού του και τον θάνατο που φέρεται να προέκυψε από μια πολυσυζητημένη απόπειρα αυτοκτονίας, το όνομά του βρίσκεται στην κορυφή της λίστας των διάσημων ζωγράφων όλων των εποχών.
Στην αρχή, οι πίνακες του Βαν Γκογκ ήταν σκοτεινοί. Σε αυτά εξέφραζε απεριόριστη συμπάθεια για τους φτωχούς. Και το πρώτο του αριστούργημα ήταν ακριβώς ένα τέτοιο έργο: «Οι πατατοφάγοι». Σε αυτό βλέπουμε ανθρώπους κουρασμένους από τη σκληρή και μονότονη δουλειά. Τόσο κουρασμένοι που οι ίδιοι έγιναν σαν πατάτες. Ο Βαν Γκογκ δεν ήταν ρεαλιστής και υπερέβαλλε τα χαρακτηριστικά των ανθρώπων για να αποδώσει την ουσία.
Αλλά οι θεατές αγαπούν τον Βαν Γκογκ για τα ανοιχτόχρωμα και φωτεινά του χρώματα. Οι πίνακές του έγιναν πολύχρωμες αφού γνώρισε τους ιμπρεσιονιστές, από τότε ζωγράφισε πολλές ανθοδέσμες, καλοκαιρινά χωράφια και ανθισμένα δέντρα.
Κανείς πριν από τον Βαν Γκογκ δεν εξέφρασε τα συναισθήματα και τα συναισθήματά του με τη βοήθεια του χρώματος, αλλά μετά από αυτόν - πολλοί. Άλλωστε είναι ο βασικός εμπνευστής όλων των εξπρεσιονιστών. Προκαλεί μάλιστα έκπληξη πώς ένας δάσκαλος, που βρίσκεται σε βαθιά κατάθλιψη, που θα τον οδηγήσει στην αυτοκτονία με τα χρόνια, ζωγράφισε ένα έργο τόσο εύθυμο όσο τα «Ηλιοτρόπια».
Η Έναστρη Νύχτα (1889) είναι ένα από τα πιο διάσημα έργα του, ζωγραφισμένο κατά τη διάρκεια της παραμονής του σε ψυχιατρείο στη Γαλλία. Απεικονίζει μια όψη παραθύρου μιας φανταστικής πόλης, πάνω από την οποία ανατέλλει ένας λαμπερός κίτρινος ήλιος.
Αυτός είναι ένας από τους πιο αναγνωρίσιμους πίνακες όχι μόνο στον κόσμο της τέχνης, αλλά σε ολόκληρο τον κόσμο. Όμως η αληθινή φήμη ήρθε στον καλλιτέχνη μετά το θάνατό του, στα τέλη της δεκαετίας του 1890. Τώρα το έργο του θεωρείται ένα από τα πιο ακριβά στον κόσμο και συγκαταλέγεται στους πιο διάσημους ζωγράφους.
Jheronimus van Aken – Hieronymus Bosch
Ένας από τους κορυφαίους καλλιτέχνες της Αναγέννησης της Βόρειας Ευρώπης είναι ο Jheronimus van Aken, γνωστός στα ισπανικά ως El Bosco. Η μορφή της ζωγραφικής του είναι σίγουρα αναγνωρίσιμη, παρά το γεγονός ότι έχουν απομείνει μόνο μια ντουζίνα από το σύνολο των πινάκων. Ήταν ένας αληθινός καλλιτέχνης της Αναγέννησης, πολύπλευρος και γεμάτος σύμβολα και υπαινιγμούς.
Οι πίνακές του είπαν πολύ περισσότερα στους συγχρόνους του Bosch παρά στους ανθρώπους του XNUMXου αιώνα, αφού χρησιμοποίησε άφθονα βιβλικά και μεσαιωνικά λαϊκά μοτίβα. Δεν χρειάζεται να είσαι κριτικός τέχνης για να καταλάβεις ότι πρόκειται για πίνακα της Bosch.
Για παράδειγμα, στο πιο διάσημο έργο του Hieronymus Bosch, το τρίπτυχο «Ο κήπος των γήινων απολαύσεων», περιέχει πολλές λεπτομέρειες: περιγράφει τα επτά θανάσιμα αμαρτήματα, που αναπαράγονται πολλές φορές, λέει με μεγάλη λεπτομέρεια για τα κολασμένα μαρτύρια που περιμένουν τους αμαρτωλούς (στο σωστη πλευρα). Εδώ ο κύριος ξεκίνησε να τρομάξει τόσο τον αγρότη όσο και τη σύγχρονη λατρεία με καταπιεστικά οράματα που περίμεναν μετά το θάνατο.
Στα αριστερά το παράθυρο δείχνει την πτώση του Αδάμ και της Εύας. Μισός άνθρωπος, μισός μεταλλαγμένος, τεράστια πουλιά και ψάρια, πρωτόγνωρα φυτά και πλήθη γυμνών αμαρτωλών. Όλα αυτά αναμειγνύονται και συνυφαίνονται σε πολυμορφικές συνθέσεις. Η ιδιοτροπία των μορφών, ο μεγάλος αριθμός μικρών λεπτομερειών και η συγκεκριμένη φαντασία του καλλιτέχνη δεν αφήνουν καμία αμφιβολία για το ποιος είναι ο συγγραφέας του καμβά. Αναμφίβολα ένας από τους διάσημους ζωγράφους όλων των εποχών.
Δεν υπάρχει άλλος καλλιτέχνης που να χρησιμοποιεί τόσες πολλές λεπτομέρειες για να εκφράσει ιδέες. Ποιες ιδέες; Δεν υπάρχει συναίνεση για αυτό το θέμα. Αφιέρωσαν διατριβές και βιβλία στον Ελ Μπόσκο, έψαξαν για ερμηνείες των χαρακτήρων του, αλλά δεν κατέληξαν.
Αλλά ο Bosch εξελίχθηκε σε όλη την καριέρα του. Και μέχρι το τέλος της ζωής του, μεγάλης κλίμακας, πολυμορφικά έργα αντικαταστάθηκαν από μια πολύ στενή προσέγγιση των χαρακτήρων. Έτσι μόλις χωράνε στο πλαίσιο. Αυτό είναι ορατό στον Χριστό με τον Σταυρό στην πλάτη του. Ανεξάρτητα από το αν ο Bosch εξετάζει τους χαρακτήρες του από μακριά ή από κοντά, το μήνυμά του είναι το ίδιο. Δείχνει ανθρώπινες κακίες και δείχνοντάς τις προσπαθεί να μας βοηθήσει να σώσουμε τις ψυχές μας.
Πολ Ρούμπενς
Ο Φλαμανδός ζωγράφος Pieter Paul Rubens (1577-1640) είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους της εποχής του. Καθώς τόσοι πολλοί ζωγράφοι ήθελαν να δουλέψουν γι' αυτόν, ο Ρούμπενς είχε ένα από τα μεγαλύτερα στούντιο ζωγραφικής της εποχής του. Ζωγράφισε πολυάριθμα πορτρέτα και θρησκευτικούς πίνακες όπως η «Κάθοδος από τον Σταυρό» και ενέπνευσε άλλους ζωγράφους σε όλο τον κόσμο. Θεωρείται ο μάστορας της φλαμανδικής ζωγραφικής μπαρόκ και επάξια συγκαταλέγεται στους διάσημους ζωγράφους της Ολλανδίας.
Ραφαήλ Σάντζιο
Ο πιο διάσημος εκπρόσωπος της εποχής της Αναγέννησης εκπλήσσει με αρμονικές συνθέσεις και λυρισμό. Το να ζωγραφίσεις ελκυστικούς ανθρώπους δεν είναι τόσο δύσκολο όσο να τους τοποθετήσεις σωστά στον καμβά. Εδώ ήταν βιρτουόζος ο Ραφαήλ. Ίσως κανένας άλλος δάσκαλος στον κόσμο δεν επηρέασε τόσο τους συναδέλφους του όσο ο Ραφαήλ.
Το στυλ ζωγραφικής σας θα αξιοποιηθεί ανελέητα. Οι χαρακτήρες του περιπλανώνται από τον έναν αιώνα στον άλλο και θα χάσουν τη συνάφειά τους μόνο στις αρχές του XNUMXού αιώνα. Στην εποχή του μοντερνισμού και της πρωτοπορίας που θυμόμαστε τον Ραφαέλ Σάντσιο, σκεφτόμαστε πρώτα τις όμορφες Μαντόνες του.
Κατά τη διάρκεια της σύντομης ζωής του (38 ετών), δημιούργησε είκοσι πίνακες με την εικόνα του, κάτι που δεν ήταν συνηθισμένο. Η πιο διάσημη είναι η Σιξτίνα Μαντόνα (Madonna di San Sisto). Δεν βλέπουμε μια ξερή εικονογραφική παρθένα, αλλά μια τρυφερή μάνα, γεμάτη αξιοπρέπεια και πνευματική αγνότητα. Οι άτακτοι άγγελοι είναι ένα τόσο πιστό πορτρέτο παιδικού αυθορμητισμού, γεμάτο γοητεία.
Το πιο ακριβό έργο του Raphael Sanzio ήταν το εκπληκτικά σχηματικό «Head of a Young Apostle». Πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's για σαράντα οκτώ εκατομμύρια δολάρια. Ο Ιταλός ζωγράφος, που εκτιμάται από τους συγχρόνους του για την απαλότητα και τη φυσικότητά του, είναι ανεκτίμητος σήμερα και είναι ένας από τους πιο πολύτιμους διάσημους ζωγράφους.
Francisco de Goya
Ο Francisco de Goya (1746-1828) είναι ένας σπουδαίος Ισπανός καλλιτέχνης της περιόδου του ροκοκό και ταυτόχρονα ένας από τους πρωτοπόρους στον τομέα της σύγχρονης ζωγραφικής στην Ευρώπη. Είναι γνωστό ότι ο Γκόγια ζωγράφισε την Ισπανία όπως ήταν στην εποχή του, ως αληθινός σύγχρονος μάρτυρας. Τα αγαπημένα του θέματα είναι οι κριτικές αναπαραστάσεις του πολέμου και της αδικίας, καθώς και εικόνες της καθημερινής ζωής στην Ισπανία.
Ο Γκόγια ξεκίνησε την καριέρα του με νεανική ζέση και ιδεαλισμό. Έγινε ακόμη και ζωγράφος στην ισπανική αυλή. Αλλά σύντομα βαρέθηκε αυτή τη ζωή, βλέποντας την απληστία, τη βλακεία, τον φανατισμό του κόσμου. Απλά κοιτάξτε την ομάδα του Portrait of the Royal Family, όπου ο Γκόγια δεν προσπάθησε καν να απαλύνει τις κενές εκφράσεις και την αποκρουστική αλαζονεία της βασιλικής οικογένειας.
Ο Γκόγια δημιούργησε πολλούς καμβάδες που αντικατοπτρίζουν την πολιτική και ανθρώπινη θέση του. Και ο κόσμος τον ξέρει πάνω από όλα ως τολμηρό καλλιτέχνη, λάτρη της αλήθειας. Η απόδειξη είναι απλά το απίστευτο έργο «Ο Κρόνος καταβροχθίζει τον γιο του». Πρόκειται για μια ψυχρή και εξαιρετικά ειλικρινή ερμηνεία της μυθολογικής πλοκής. Έτσι θα έπρεπε να φαίνεται ο παράφρων Κρόνος, που φοβάται ότι θα τον ανατρέψουν οι γιοι του.
Τζιότο ντι Μποντόνε
Ο Giotto di Bondone, θεωρείται ένας από τους πρώτους δασκάλους πριν από την Αναγέννηση, ήταν παγκόσμιο ταλέντο: ζωγράφος, αρχιτέκτονας και γλύπτης. Μαθητής του Cimabue και φίλος του Dante, που θαύμαζε ο Michelangelo, ο Giotto βοήθησε στον εκσυγχρονισμό της ευσεβούς εικόνας απομακρύνοντας τη βυζαντινή παράδοση. Συνδυάζοντας την επιστροφή στην Αρχαιότητα, μια αίσθηση νατουραλισμού και αποκτημένη από τον ύστερο Μεσαίωνα, η τέχνη του είναι θεμελιωδώς προσανατολισμένη στον άνθρωπο.
Ο Τζιότο λέγεται ότι είναι ο συγγραφέας των διάσημων τοιχογραφιών στην Άνω Εκκλησία της Ασίζης αφιερωμένες στη ζωή του Αγίου Φραγκίσκου, αν και δεν υπάρχει κανένα έγγραφο που να το αποδεικνύει. Βρίσκεται επίσης στην αρχή ενός από τα πιο όμορφα επιτεύγματα του Trecento: το παρεκκλήσι Scrovegni στην Πάντοβα.
Η τέχνη του Τζιότο συμβολίζει τον θρίαμβο της νωπογραφίας, μιας τεχνικής που έχει παραμείνει σε απομάκρυνση από το μωσαϊκό. Ξεχωρίζει η ιδιαίτερα κωδικοποιημένη και στατική ζωγραφική βυζαντινού ρυθμού. Ο Τζιότο καινοτομεί αναπαραστώντας τους χαρακτήρες με ρεαλισμό, όχι απαραίτητα σε ανατομικό επίπεδο αλλά σε επίπεδο συναισθημάτων. Το όραμά του για το θείο δεν είναι μυστικιστικό ή υπερφυσικό όπως αυτό του Fra Angelico, αλλά στρέφεται προς το ανθρώπινο και την απλότητα της επίγειας ζωής.
Gustave Courbet
Ο Γκουστάβ Κουρμπέ ήταν Γάλλος ζωγράφος του ρεαλισμού. Κατά τη διάρκεια της δουλειάς του, ο καλλιτέχνης προσπάθησε να αναπαραστήσει τον κόσμο της εποχής του και τους συγχρόνους του και έφτασε στο σημείο να σπάσει ταμπού και να σοκάρει τους ανθρώπους.
Για παράδειγμα, με το έργο του "The Origin of the World", που δείχνει τα γυναικεία γεννητικά όργανα και εκτίθεται τώρα στο Musée d'Orsay. Γρήγορα ξέφυγε από τα ρομαντικά έργα και έκανε τα πάνω κάτω τον κόσμο της τέχνης, ανήκε από τότε η επίλεκτη ομάδα διάσημων ζωγράφων.
Σαλβαντόρ Νταλί
Ο Salvador Dalí (ή Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech), αναμφισβήτητα αναγνωρίσιμος για το ψυχεδελικό του στυλ ζωγραφικής, γεννήθηκε το 1904 και πέθανε το 1989. Ο μεγάλος Ισπανός καλλιτέχνης σαγήνευσε τον κόσμο της τέχνης σε σύντομο χρονικό διάστημα και έγινε η αντιπροσωπευτική φιγούρα του σουρεαλιστικού ρεύματος . Οι πίνακές του δείχνουν τα πιο ποικίλα όνειρα, το καθένα πιο μπερδεμένο από το άλλο. Ο Νταλί είναι αναμφίβολα ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους του XNUMXού αιώνα.
Ο Νταλί είναι περισσότερο γνωστός για την παράλογη ιδιότροπη αισθητική του. Η τέχνη του ήταν προέκταση του εαυτού του, αλλά δεδομένης της ισπανικής εκφραστικότητας και της αγάπης του για προσοχή, φημιζόταν εξίσου για την εκκεντρική συμπεριφορά του. Το πιο διάσημο έργο του είναι το The Persistence of Memory (1931).
Μία από τις ερμηνείες της εικόνας είναι πώς ο χρόνος αρχίζει να λιώνει, μόλις ο άνθρωπος αποκοιμηθεί. Όταν ρωτήθηκε τι ακριβώς ενέπνευσε τον Σαλβαδόρ Νταλί να ζωγραφίσει αυτόν τον πίνακα, απάντησε ότι το σχήμα του ρολογιού που λιώνει ήταν εμπνευσμένο από το τυρί Camembert που λιώνει στον ήλιο.
Ιβάν Αϊβαζόφσκι
Ο Αϊβαζόφσκι δικαίως κατατάσσεται στους διάσημους ζωγράφους του κόσμου. Το «Ένατο Κύμα» του είναι εντυπωσιακό στην κλίμακα του. Το μεγαλείο των στοιχείων, η απελπισία. Θα καταφέρει η χούφτα των επιζώντων της καταιγίδας να ξεφύγει; Ο πρωινός ήλιος με τις ζεστές ακτίνες του φαίνεται να δίνει μια λεπτή ελπίδα.Ο Αϊβαζόφσκι μπορεί να ονομαστεί ο σημαντικότερος θαλάσσιος ζωγράφος όλων των εποχών.
Κανείς δεν έχει ζωγραφίσει τη φύση του θαλάσσιου στοιχείου τόσο διαφορετικά, κανείς δεν έχει απεικονίσει τόσες θαλάσσιες μάχες και ναυάγια. Ταυτόχρονα, ο Aivazovsky ήταν επίσης ντοκιμαντέρ, περιγράφοντας διεξοδικά τον εξοπλισμό του πλοίου. Και λίγο ονειρικό, μάλιστα, επίτηδες, το Ένατο Κύμα είναι ζωγραφισμένο λάθος: στην ανοιχτή θάλασσα, ένα κύμα δεν λυγίζει ποτέ σαν ποδιά. Αλλά για πρόσθετο δράμα, ο Αϊβαζόφσκι τη ζωγράφισε έτσι.
Ανρί ντε Τουλούζ-Λωτρέκ
Ο Henri de Toulouse-Lautrec, γεννημένος στη νότια Γαλλία το 1864 και πέθανε το 1901 σε ηλικία μόλις 36 ετών, είναι ένας σπουδαίος καλλιτέχνης που διαμόρφωσε τη ζωή στο Παρίσι στα τέλη του XNUMXου αιώνα. Ο ζωγράφος και σκιτσογράφος ζει στη διάσημη παρισινή γειτονιά της Μονμάρτρης, την κατ' εξοχήν καλλιτεχνική συνοικία της γαλλικής πρωτεύουσας. Η καθημερινή ζωή στο Παρίσι είναι επίσης ένα από τα πιο δημοφιλή μοτίβα του, είτε πρόκειται για παριζιάνικο καμπαρέ είτε για σκηνές με κόκκινα φανάρια γύρω από το Moulin Rouge.
Marc Chagall
Ο Marc Chagall γεννήθηκε στη Λευκορωσία το 1887 με το όνομα Moïche Zakharovich Shagalov, αλλά έλαβε τη γαλλική υπηκοότητα το 1937. Πέθανε το 1985. Ο Chagall δεν ταιριάζει απόλυτα στις τάσεις του XNUMXου αιώνα, αλλά χρησιμοποιεί στοιχεία σουρεαλισμού και πρωτογονισμού. Σήμερα, ο Marc Chagall συμμετέχει σε πολυάριθμες εκθέσεις για τους μεγάλους ζωγράφους του XNUMXού αιώνα.
Paul Klee
Ο διάσημος καλλιτέχνης Paul Ernst Klee γεννήθηκε στο καντόνι της Βέρνης το 1879 και πέθανε το 1940 στο ιταλόφωνο τμήμα της Ελβετίας, στο Τιτσίνο. Ο πατέρας του ήταν Γερμανός και η μητέρα του Ελβετίδα. Ο ζωγράφος και γραφίστας όχι μόνο ήταν ιδιαίτερα παραγωγικός κατά τη διάρκεια των δημιουργικών του ημερών, αλλά και εξαιρετικά ετερόκλητος στην τέχνη και τη ζωγραφική του.
Έτσι τα έργα του μπορούν να αποδοθούν σε εντελώς διαφορετικά καλλιτεχνικά κινήματα: εξπρεσιονισμός, κονστρουκτιβισμός, κυβισμός, πρωτογονισμός και σουρεαλισμός. Παρεμπιπτόντως, ο Paul Klee ήταν φίλος του Wassily Kandinsky και όπως αυτός, ο Klee δίδαξε στο Bauhaus στη Βαϊμάρη από το 1921 και αργότερα στο Dessau. Μετά την κατάληψη της εξουσίας από τους Ναζί, απολύθηκε και επέστρεψε στη Βέρνη.
Βασίλι Καντίνσκι
Ανάμεσα στους διάσημους ζωγράφους πρέπει να αναφερθεί ο Βασίλι Καντίνσκι. Γεννήθηκε στη Μόσχα το 1866 και πέθανε στο Neuilly-sur-Seine Γαλλίας το 1944. Μαζί με άλλους διάσημους ζωγράφους όπως ο Paul Klee και ο Franz Marc ήταν μέλος της ομάδας καλλιτεχνών "Blauer Reiter" και μάλιστα την είχαν ιδρύσει μαζί με τον Franz Marc, ως αντικίνημα ή παράγωγο του Neue Künstlervereinigung München, (Σύλλογος Καλλιτεχνών Νέου Μονάχου).
Το στυλ του, λοιπόν, μπορεί να αποδοθεί στον εξπρεσιονισμό. Ήταν επίσης ένας από τους πρωτοπόρους της αφηρημένης τέχνης μαζί με άλλους διάσημους ζωγράφους. Όπως ήδη αναφέρθηκε, εργάστηκε επίσης ως δάσκαλος στο Bauhaus στη Βαϊμάρη και επίσης στο Dessau, όπου μαζί με τον Paul Klee ήταν ένας από τους κατοίκους των κατοικιών των δασκάλων του Bauhaus. Αφού οι εθνικοσοσιαλιστές έκλεισαν το Bauhaus (1933), ο Καντίνσκι μετανάστευσε στη Γαλλία με τη γυναίκα του.
Eugène Delacroix
Ο Γάλλος ζωγράφος Eugène Delacroix είδε το φως το 1798 και πέθανε το 1863. Επηρέασε ιδιαίτερα τον ρομαντισμό του XNUMXου αιώνα. Μεταξύ άλλων, το γαλλικό κράτος ανέθεσε στον ζωγράφο να πραγματοποιήσει πολυάριθμα πορτρέτα, αλλά του ανατέθηκαν και αρχιτεκτονικά και διακοσμητικά καθήκοντα. Ο πίνακας του «Η Ελευθερία οδηγεί τους ανθρώπους» είναι ένας από τους πιο διάσημους στη γαλλική ιστορία και τώρα μπορεί κανείς να τον θαυμάσει στο Λούβρο στο Παρίσι.
Τζάκσον Πόλοκ
Ο Τζάκσον Πόλοκ ήταν Αμερικανός ζωγράφος και ηγέτης του αφηρημένου ιμπρεσιονισμού. Είναι μεταξύ των ζωγράφων που φημίζονται για τις ασυνήθιστες τεχνικές του σταγόνας ζωγραφικής, στις οποίες χύνεται ή στάζει μπογιά στον καμβά. Ο Πόλοκ ήταν γνωστός για τον εθισμό του στο αλκοόλ, το οποίο οδήγησε στο αυτοκινητιστικό δυστύχημα που του κόστισε τη ζωή το 1956.
Ένας από τους πιο διάσημους πίνακές του, ο αριθμός 5, 1948, είναι ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο. Ο Τζάκσον Πόλοκ έδειξε εξαιρετικό έλεγχο και σιδερένια πειθαρχία με τον χαοτικό του τρόπο. Ο πίνακας είναι πλέον περισσότερο γνωστός με το όνομα "Bird's Nest", λόγω των χρωμάτων γκρι, καφέ, κίτρινο, λευκό, μπερδεμένα μεταξύ τους.
Γκούσταβ Κλιμτ
Ήταν ένας Αυστριακός συμβολιστής ζωγράφος περισσότερο γνωστός για το έργο του πάνω στον φανερό ερωτισμό, διάφορες τοιχογραφίες, σκίτσα και νεκρές φύσεις. Εκτός από την απεικόνιση του γυναικείου σώματος, ο Κλιμτ ζωγράφιζε επίσης τοπία και σκηνές, εν μέρει επηρεασμένοι από την ιαπωνική τέχνη.
Ένα από τα πιο διάσημα έργα του είναι το φιλί, ένα από τα σπουδαία έργα της χρυσής εποχής του. Αυτή η περίοδος της δουλειάς του διακρίθηκε για τη θεαματική χρήση των αποχρώσεων του χρυσού στους πιο εντυπωσιακούς πίνακές του, χρησιμοποιώντας συχνά αληθινά φύλλα χρυσού.
Καζίμιρ Μαλέβιτς
Είναι ενδιαφέρον ότι ο πιο διάσημος Ρώσος καλλιτέχνης μπορεί να ονομάζεται Kazimir Malevich. Παρά το γεγονός ότι η ρωσική σχολή ζωγραφικής έδωσε στην τέχνη δεκάδες ονόματα (Repin, Aivazovsky, Vereshchagin και πολλά άλλα) στη μνήμη του μαζικού θεατή, παρέμεινε ένα άτομο που ήταν περισσότερο αποδομητής της κλασικής ζωγραφικής παρά διάδοχος των παραδόσεων του. ένας από τους διάσημους ζωγράφους του μέσου του.
Ο Kazimir Malevich ήταν ο ιδρυτής του Suprematism, που σημαίνει, κατά κάποιον τρόπο, ο πατέρας όλης της σύγχρονης τέχνης. Το έργο του Black Square εκτέθηκε το 1915 και έγινε προγραμματικό. Αλλά ο Malevich δεν είναι μεταξύ των διάσημων ζωγράφων όχι μόνο λόγω του Black Square: εργάστηκε ως σχεδιαστής παραγωγής στις γκροτέσκες παραστάσεις του Meyerhold, επικεφαλής ενός στούντιο τέχνης στο Vitebsk, όπου άρχισε να εργάζεται ένας άλλος σπουδαίος καλλιτέχνης, ο Marc Chagall.
Ζαν-Φρανσουά Μιλέ
Το έργο του Γάλλου ζωγράφου Jean-François Millet είναι μέρος του ρεαλιστικού κινήματος. Τα σχέδια και οι καμβάδες του απεικονίζουν την καθημερινή ζωή, κυρίως αγροτικές σκηνές από τη Βόρεια Ευρώπη. Η αγροτική του καταγωγή τον προδιαθέτει να παρουσιάσει την αγροτική ύπαρξη ως καθολικό τρόπο ζωής και να εξιδανικεύσει την ανθρωπότητα. Δείχνει Γάλλους αγρότες να εκπέμπουν μια εσωτερική αρχοντιά.
Οι πίνακές του, λανθασμένα θεωρημένοι ως πολιτική θέση υπέρ του λαού, αντικατοπτρίζουν μόνο την προσωπική του εμπειρία και την προσκόλλησή του στον αγροτικό κόσμο.Το ενδιαφέρον του ζωγράφου για τους απλούς ανθρώπους θα συναρπάσει καλλιτέχνες όπως ο Pissarro, ο Monet και ο Van Gogh.
Το στυλ του, ειδικά η ελαφριά παλέτα του, το ζωηρό του χτύπημα και η προτίμηση στα παστέλ, επηρέασαν βαθιά τον ιμπρεσιονισμό. Ο Jean-François Millet ζούσε σε σχετική φτώχεια και έβγαζε τα προς το ζην ζωγραφίζοντας πορτρέτα. Ο γιος και ο εγγονός του είναι σχεδιαστές τοπίου.
Τζον Σίνγκερ Σάργκεντ
Ο Τζον Σίνγκερ Σάρτζεντ καθιερώθηκε ως ένας από τους μεγαλύτερους Αμερικανούς ζωγράφους πορτρέτων της εποχής του, αναγνωρισμένος επίσης ως ταλαντούχος τοπιογράφος και σπουδαίος υδατογραφιστής. Ο Sargent γεννήθηκε στη Φλωρεντία της Ιταλίας από Αμερικανούς γονείς και σπούδασε στην Ιταλία και τη Γερμανία, μετά στο Παρίσι, υπό την επιρροή του πορτραιτιστή Emile Auguste Carolus-Duran, η επιρροή του οποίου θα είναι θεμελιώδης. Είναι κοντά σε μεγάλους καλλιτέχνες της εποχής όπως ο Claude Monet ή ο Paul Helleu.
Στις αρχές του αιώνα, ο Τζον Σίνγκερ Σάρτζεντ ήταν ο προσωπογράφος των ηγεμόνων και της ανώτερης τάξης στην Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες της Αμερικής. Τα πορτρέτα του, κολακευτικής αληθοφάνειας, αποκαθιστούν την εικόνα μιας κοινωνίας. Τα πιο αντιπροσωπευτικά πορτρέτα του Sargent δείχνουν τη μοναδικότητα και την προσωπικότητα των θεμάτων του. Το στυλ του χαρακτηρίζεται από μια ομοιομορφία αριστείας που εκπλήσσει ακόμη και ορισμένους από τους επικριτές του.
Το 1907 ανακοίνωσε ότι θα σταματήσει να βγάζει πορτρέτα και στη συνέχεια επικεντρώθηκε σε τοπία και σκηνές στρατιωτικής ζωής κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Κατά τη διάρκεια της καριέρας του δημιούργησε περίπου εννιακόσιους καμβάδες και περισσότερες από δύο χιλιάδες ακουαρέλες, καθώς και αναρίθμητα σκίτσα και σχέδια.
Ακολουθούν μερικοί σύνδεσμοι ενδιαφέροντος: