Σε αυτό το άρθρο θα σας δώσουμε πληροφορίες για τα πιο διάσημα σουρεαλιστικές ζωγραφιές που αποτέλεσαν ορόσημο σε όλη την ιστορία της τέχνης του XNUMXου αιώνα, αφού πολλοί καλλιτέχνες έθεσαν ένα πρότυπο στο σουρεαλιστικό κίνημα φτιάχνοντας έργα που τράβηξαν την προσοχή των θεατών. Συνεχίστε να διαβάζετε και μάθετε τα πάντα!
Σουρεαλιστικές ζωγραφιές
Επί του παρόντος υπάρχουν σουρεαλιστικοί πίνακες που προέκυψαν από την αρχή του κινήματος των καλλιτεχνών που ανέπτυξαν την πολιτιστική τους τεχνική στην ευρωπαϊκή ήπειρο μετά την κορύφωση του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου και την έναρξη του γνωστού πολιτιστικού κινήματος Νταντά. Ότι το κύριο χαρακτηριστικό του ήταν να εναντιώνεται στη σκέψη της λογικής που είχε καθιερώσει τον θετικισμό.
Αν και το σουρεαλιστικό κίνημα γεννήθηκε ακριβώς στις 15 Οκτωβρίου του 1924, ορίστηκε ως ένα πολιτιστικό, καλλιτεχνικό και λογοτεχνικό κίνημα που θέλει να ξεπεράσει την πραγματικότητα και να επικεντρωθεί στην παράλογη σκέψη και το ονειρικό, μέσα από τις διάφορες εκφράσεις που σκέφτηκε αυτόματα το υποσυνείδητο.
Γι' αυτό, όταν κάτι έχει νόημα έξω από κάθε λογική και είναι παράλογο σε σημείο παραλογισμού, είναι γνωστό ως σουρεαλιστικό και αναφέρεται στο γνωστό σουρεαλιστικό κίνημα που γεννήθηκε στη Γαλλία χάρη στον συγγραφέα André Breton που ήταν εμπνευσμένο από την ψυχανάλυση. Μεταξύ των καλλιτεχνών που ξεχώρισαν περισσότερο στο σουρεαλιστικό κίνημα ήταν ο Σαλβαδόρ Νταλί, ο Μαν Ρέι, ο Ζοάν Μιρό και ο Ρενέ Μαγκρίτ.
Με αυτόν τον τρόπο οι σουρεαλιστικοί πίνακες είναι γεμάτοι από πολύ απροσδόκητα στοιχεία και αντιπαραθέσεις. Ως εκ τούτου, οι καλλιτέχνες και οι συγγραφείς που ανήκουν στο σουρεαλιστικό κίνημα θα περιγράψουν τους σουρεαλιστικούς πίνακες ως μια φιλοσοφική έκφραση. Αλλά την ίδια στιγμή οι σουρεαλιστικοί πίνακες ήταν πολύ επαναστατικοί και συνδέονταν με διαφορετικά κινήματα όπως ο αναρχισμός και ο κομμουνισμός.
Όταν ο συγγραφέας και ποιητής André Breton εκδίδει το γνωστό σουρεαλιστικό μανιφέστο στην πόλη του Παρισιού. Είναι όταν αυτή η εμβληματική πόλη τοποθετείται ως έδρα του σουρεαλιστικού κινήματος και επεκτείνεται σε όλη την ευρωπαϊκή ήπειρο. Εκεί άρχισαν να εκτίθενται οι πρώτοι ρεαλιστικοί πίνακες, τραβώντας την προσοχή της μάζας και των κριτικών τέχνης.
Κύριοι ρεαλιστικοί πίνακες ζωγραφικής
Όντας ένα από τα πιο γνωστά κινήματα και αυτό έχει υπάρξει σε αρκετούς καλλιτέχνες γιατί έχουν βασίσει τους ρεαλιστικούς πίνακές τους στη φαντασία, τη φαντασία και τις υποκινήσεις του ονειρικού κόσμου.
Εκτός από το γεγονός ότι πολλοί καλλιτέχνες βασίζουν τα έργα τέχνης τους στον αυτοσχεδιασμό, γι' αυτό σε αυτό το άρθρο θα περιγράψουμε λεπτομερώς μια σειρά από ρεαλιστικούς πίνακες που έχουν μείνει στην καλλιτεχνική ιστορία ως μερικά από τα καλύτερα έργα του σουρεαλιστικού κινήματος, μεταξύ των οποίων ξεχωρίζουν τα εξής:
The Persistence of Memory, Σαλβαδόρ Νταλί
Ένας από τους ρεαλιστικούς πίνακες που έχουν τραβήξει περισσότερο την προσοχή του κοινού είναι το έργο που είναι γνωστό ως «The Persistence of Memory» που έγινε από τον ζωγράφο Salvador Dalí το 1931 και εκτέθηκε στην γκαλερί Pierre Colle στην πόλη του Παρισιού Γαλλία. Στη συνέχεια, το επόμενο έτος το έργο παρουσιάστηκε στις Ηνωμένες Πολιτείες στη Νέα Υόρκη στην γκαλερί Julien Levy.
Το έργο του Σαλβαδόρ Νταλί βρίσκεται αυτή τη στιγμή στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης (MoMA), το οποίο έφτασε σε αυτό το μουσείο το 1934. Είναι ένας από τους μικρότερους σουρεαλιστικούς πίνακες που υπάρχουν αφού οι διαστάσεις του είναι 24 cm ύψος και 33 cm πλάτος. Το τοπίο που παρουσιάζει το έργο είναι πολύ απλό, παρατηρώντας μια θάλασσα και ένα βράχο.
Είναι ένας από τους ρεαλιστικούς πίνακες όπου παρατηρούνται αρκετά ρολόγια που μοιάζουν να λιώνουν, τονίζοντας τη σχετικότητα του χρόνου. Η γνωστή θεωρία του Άλμπερτ Αϊνστάιν που είχε μελετήσει παλαιότερα ο σουρεαλιστής ζωγράφος Σαλβαδόρ Νταλί.
Οι ελέφαντες, Σαλβαδόρ Νταλί
Ας σημειωθεί ότι οι σουρεαλιστικοί πίνακες του Σαλβαδόρ Νταλί είχαν ένα θέμα που επαναλαμβανόταν κάθε στιγμή, το οποίο ήταν η ζωγραφική των ελεφάντων. Γι' αυτό το έτος 1944 ολοκλήρωσε το έργο του γνωστό ως «Οι ελέφαντες» ως ένας από τους ρεαλιστικούς πίνακες που έχουν πολύ νόημα γιατί θα αντιπροσωπεύουν τη δύναμη, τη δύναμη και την κυριαρχία.
Αν και ο ζωγράφος Σαλβαδόρ Νταλί κάνει μια δήλωση για αυτά τα ζώα τοποθετώντας σχεδόν αόρατα πόδια εντόμου επιθυμίας. Ενώ οι οβελίσκοι που φέρουν τα ζώα θα αντιπροσωπεύουν γνώση και δύναμη. Απεικονίστηκαν σε γλυπτό στη Ρώμη από τον Ιταλό Gian Lorenzo Bernini.
Το έργο βρίσκεται επί του παρόντος στο Μουσείο Σαλβαδόρ Νταλί και είναι φτιαγμένο σε λάδι σε καμβά, αν και είναι σουρεαλιστικό σε στυλ, το έργο αναγνωρίζεται ως ένα τοπίο που αναπτύσσει μια φαντασμαγορική ατμόσφαιρα με τις ακόλουθες διαστάσεις: 49 cm ύψος και 60 cm πλάτος.
Ο μεγάλος αυνανιστής, Σαλβαδόρ Νταλί
Είναι ένας από τους πιο διάσημους ρεαλιστικούς πίνακες που υπάρχουν για το θέμα που πραγματεύεται, έργο του ισπανικής καταγωγής ζωγράφου Σαλβαδόρ Νταλί, το οποίο ολοκληρώθηκε το 1929, το έργο αυτό έγινε με την τεχνική του λαδιού σε καμβά από ύφασμα που έχει τα ακόλουθα μέτρα 110 cm ύψος επί 150 cm πλάτος. Το έργο παραμένει εκτεθειμένο στο Μουσείο Reina Sofía στη Μαδρίτη στην Ισπανία.
Είναι ένας από τους σουρεαλιστικούς πίνακες που έχεις πολλές θεωρίες ψυχανάλυσης και ασυνείδητου. Σε αυτό το έργο ο ζωγράφος πρόκειται να εκθέσει πολλά σύμβολα που χρησιμοποιεί επανειλημμένα για να εκφράσει μια περίπλοκη σεξουαλική σκηνή όπου ξεχωρίζουν τα μυρμήγκια, ένας αστακός και ένα πολύ ήρεμο θαλασσινό τοπίο. Εκείνη την εποχή, το έργο επέτρεψε να εκτεθεί μια δραστηριότητα που θεωρούνταν ταμπού.
Μαλακή κατασκευή με βραστά φασόλια (Προμήνυμα του εμφυλίου πολέμου), του Σαλβαδόρ Νταλί
Έργο που έγινε το 1936 και φυλάσσεται σήμερα στο Μουσείο Τέχνης της Φιλαδέλφειας στις Ηνωμένες Πολιτείες, ο πίνακας έχει τις ακόλουθες διαστάσεις: 100 cm ύψος και 99 cm πλάτος. Αυτό το έργο είναι ένας από τους ρεαλιστικούς πίνακες που καταδεικνύουν τη φρίκη του ισπανικού εμφυλίου πολέμου.
Να σημειωθεί ότι είναι ένας από τους σουρεαλιστικούς πίνακες όπου η ιστορία που μπορεί να παρατηρηθεί είναι πολύ επιθετική αφού καταδεικνύει τη φρίκη που υπέστη κατά τη διάρκεια του Ισπανικού Εμφυλίου. Όταν έφτιαξε αυτό το έργο, ο ζωγράφος αφιέρωσε έξι μήνες για να το κάνει και ξεκίνησε πριν ξεκινήσει ο εμφύλιος πόλεμος. Γι' αυτό ο Σαλβαδόρ Νταλί άρχισε να ζωγραφίζει ένα είδος πολυμερούς άμορφου ανθρώπου ή τέρατος που έπνιγε άλλα μέρη του σώματός του.
Αυτή η φιγούρα αποτελούταν από ένα πόδι και από εκεί γεννιούνται άλλα άκρα που προσπαθούν να κομματιάσουν το ένα το άλλο. Στο πάνω μέρος του πίνακα υπάρχει ένα κεφάλι που είναι χαμογελαστό αλλά τυφλωμένο από τον ήλιο. Αυτό το κεφάλι σχετίζεται με τον διάσημο πίνακα του Γκόγια, ο Κρόνος που καταβροχθίζει τα παιδιά του, λόγω του φόβου που προκαλεί στους θεατές.
The Treachery of the Image (This is not a pipe), του René Magritte
Είναι ένα έργο που φιλοτεχνήθηκε το έτος 1929, του καλλιτέχνη René Magritte, το οποίο θεωρείται πίνακας εννοιολογικής τέχνης. Είναι όμως ένας από τους σουρεαλιστικούς πίνακες όπου ο καλλιτέχνης επιθυμεί να αρνηθεί αυτό που είναι εμφανές μπροστά στα μάτια των θεατών. Αφού φτιάχνει ένα έργο τέχνης και τοποθετεί μια επιγραφή αρνούμενη τα όσα παρατηρούνται στον πίνακα.
Είναι ένα έργο φτιαγμένο για να αρνηθεί απλώς με λόγια αυτό που παρατηρείται και με αυτόν τον τρόπο η γλώσσα, η πραγματικότητα και η αναπαράσταση αρχίζουν να αμφισβητούνται. Αφού παρατηρώντας ότι είναι πίπας αλλά δεν χρησιμοποιείται για κάπνισμα, απλά δεν είναι. Γι' αυτό ο σουρεαλιστής καλλιτέχνης René Magritte αποκαλύπτει την άβυσσο που υπάρχει όταν διαχωρίζει αυτό που βλέπουμε από την πραγματικότητα. Γι' αυτό ειπώθηκαν τα εξής για το έργο:
«Ο περίφημος σωλήνας. Πόσο με κατηγορούν οι άνθρωποι για αυτό! Κι όμως, θα μπορούσες να το συμπληρώσεις; Όχι, φυσικά, είναι μια απλή αναπαράσταση. Αν είχα γράψει "This is a pipe" στο κουτί, θα έλεγα ψέματα!"
Με τον ίδιο τρόπο, συμπεραίνεται ότι κατά κάποιο τρόπο θα αντιπροσωπεύουν και μια εξαπάτηση στο βαθμό που θέλουν να αντιπροσωπεύουν κάτι αφού ο καλλιτέχνης δήλωσε τα εξής σε μια από τις συνεντεύξεις που έδωσε:
«Σκοπός μου στη ζωγραφική είναι να κάνω ορατή τη σκέψη»
Αυτό το έργο μπορεί να δει κανείς στο διάσημο Μουσείο Τέχνης της Κομητείας του Λος Άντζελες στις Ηνωμένες Πολιτείες. Ο αρχικός τίτλος του έργου είναι “The trahison des images” Η τεχνική που χρησιμοποιήθηκε για τη ζωγραφική του έργου ήταν λάδι σε καμβά με τις εξής διαστάσεις: 63 εκ. ύψος επί 93 εκ. πλάτος.
The Philosophical Lamp, του René Magritte
Ένας άλλος πίνακας του σουρεαλιστή ζωγράφου René Magritte που ολοκληρώθηκε το 1936 είναι ένας από τους σουρεαλιστικούς πίνακες όπου υπάρχει μια πολύ στενή σχέση ανάμεσα στη φαντασία και τη φιλοσοφία της ζωής, αφού ο ζωγράφος βεβαιώνει ότι το άτομο μέσα στον πίνακα είναι κλεισμένο ανάμεσα στα κακά του και τις σκέψεις του.
Το άλλο σημαντικό στοιχείο στον πίνακα «Το φιλοσοφικό λυχνάρι» είναι ότι το κερί μεταμορφώνεται σε κάτι κουτσό. Αυτό το έργο βρίσκεται αυτή τη στιγμή σε ιδιωτική συλλογή, για την οποία ο καλλιτέχνης δήλωσε τα εξής σχετικά με αυτό το έργο:
«Οι διαλογισμοί του φιλοσόφου και του αποσπασμένου μπορούν να μας κάνουν να σκεφτούμε έναν νοητικό κόσμο κλειστό στον εαυτό του, καθώς εδώ ένας καπνιστής είναι αιχμάλωτος του τσιγάρου του».
Son of Man, του René Magritte
Σύμφωνα με κριτικούς τέχνης, το έργο «Son of Man» είναι ένας από τους πιο γνωστούς σουρεαλιστικούς πίνακες του καλλιτέχνη René Magritte, αφού το ζωγράφισε ως αυτοπροσωπογραφία. Σε αυτόν τον πίνακα μπορείτε να δείτε έναν μεσήλικα ντυμένο με παλτό με κόκκινη γραβάτα και κομψό καπέλο μπόουλερ. Το άτομο στέκεται και στο βάθος μπορείτε να δείτε μια όμορφη θάλασσα και έναν συννεφιασμένο ουρανό.
Αν και αυτό που ξεχωρίζει στο έργο είναι ότι πρόκειται για αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη. Όμως το πρόσωπό του κρύβεται από ένα πράσινο μήλο που αποκαλύπτει μόνο ένα μικρό μέρος των ματιών του. Είναι επίσης ένας από τους σουρεαλιστικούς πίνακες που έχουν γίνει αμέτρητες παρωδίες για τις οποίες έχει αποκτήσει μεγάλη φήμη.
Ο πίνακας βρίσκεται στην κατοχή μιας ιδιωτικής συλλογής. Ο καλλιτέχνης το δημιούργησε το 1964 χρησιμοποιώντας την τεχνική του καμβά και οι διαστάσεις που παρουσιάζει ο πίνακας είναι οι εξής: 116 cm ύψος και 89 cm πλάτος.
The Observatory Hour – The Lovers, του Man Ray
Όντας ένας από τους καλλιτέχνες που ξεκίνησαν στο κίνημα του Νταντά και στη συνέχεια αποτολμήθηκαν στη σουρεαλιστική τέχνη, τα έργα του αποκτούν μεγάλη αξία με αυτό που θέλει να δείξει στο κοινό του τις διαφορετικές απόψεις του για την πραγματικότητα. Γι' αυτό το έτος 1934 ολοκλήρωσε το περίφημο έργο του γνωστό ως Οι Εραστές, το οποίο είναι γνωστό και ως Η Ώρα του Αστεροσκοπείου.
Στους διαφορετικούς ρεαλιστικούς πίνακες του Man Ray, αυτό το έργο ξεχωρίζει για όλα τα ερωτικά του στοιχεία. Διαθέτουν επίσης πολλά χαρακτηριστικά που περιγράφονται στη φροϋδική ψυχανάλυση. Γι' αυτό αυτό το έργο με λάδι σε καμβά φαίνεται στο τοπίο του αστεροσκοπείου της πόλης του Λουξεμβούργου και στον ουρανό υπάρχουν χείλη που απεικονίζουν αυτόν τον αιώνιο εραστή.
Αυτή τη στιγμή το έργο βρίσκεται σε ιδιωτική συλλογή αφού ο αγοραστής του πλήρωσε περίπου 750 χιλιάδες δολάρια για το έργο σε δημοπρασία που πραγματοποιήθηκε σε γκαλερί της Νέας Υόρκης. Το να είσαι ένας από τους πιο ακριβούς σουρεαλιστικούς πίνακες από τον προηγούμενο σουρεαλιστικό πίνακα του Σαλβαδόρ Νταλί είναι τρεις φορές λιγότερο.
Σαιξπηρική εξίσωση, Δωδέκατη νύχτα, του Man Ray
Το έτος 1948, ο σουρεαλιστής καλλιτέχνης Man Ray έφτιαξε έναν πίνακα εμπνευσμένο από τα έργα του Williams Shakespeare, ειδικά στο γνωστό έργο (Twelfth Night) The Twelfth Night, που είναι επίσης γνωστό ως The Night of the Kings.
Το έργο είναι φτιαγμένο με πολλά αντικείμενα που δεν έχουν καμία σχέση μεταξύ τους. Ακριβώς όπως οι χαρακτήρες του έργου, κανένας από τους οποίους δεν σχετίζεται με τον άλλον, και δημιουργούνται σύνθετα και δραματικά νήματα σε όλο το έργο. Στον πίνακα, τα αντικείμενα που ξεχωρίζουν περισσότερο είναι ένα αυγό στρουθοκαμήλου και ένα είδος φαλλικού αντικειμένου που παραπέμπουν στα έργα του σουρεαλιστή καλλιτέχνη Man Ray.
Το έργο έχει ύψος 86 εκατοστά και πλάτος 75 εκατοστά και εκτίθεται μόνιμα στο διάσημο Μουσείο και Κήπο Γλυπτικής Hirshhorn, στο Ίδρυμα Smithsonian.
Εγώ και το χωριό, του Μαρκ Σαγκάλ
Αν και είναι ένα έργο του ζωγράφου Marc Chagall όπου αυτός ο καλλιτέχνης δεν μπορεί να συγκεντρωθεί σε κανένα καλλιτεχνικό κίνημα, αλλά το παρόν έργο είναι ένας από τους πιο διάσημους σουρεαλιστικούς πίνακες που υπάρχουν λόγω του πλήθους των πολύ δημιουργικών και ονειρικών στοιχείων.
Είναι επίσης ένας πίνακας ζωγραφικής που φιλοτεχνήθηκε το έτος 1911 και εφιστά την προσοχή των θεατών γιατί παρατηρείται το πρόσωπο μιας αγελάδας, η οποία είναι μητρικό σύμβολο σε ένα καταπράσινο χωράφι που έχει τη μορφή ενός άλλου προσώπου. Επιπλέον, ο πίνακας συμπληρώνεται με διάφορα σύμβολα καθημερινής προέλευσης σε ένα είδος ατμόσφαιρας με πολλά χρώματα. Το έργο βρίσκεται επί του παρόντος στο διάσημο Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης.
Celebes του Μαξ Ερνστ
Ο καλλιτέχνης Max Ernst είναι επίσης γνωστός ως ένας άλλος από τους καλλιτέχνες που δεν μπορούν να ταξινομηθούν σε ένα ενιαίο καλλιτεχνικό κίνημα αφού χρησιμοποίησε διάφορες τεχνικές από διαφορετικά κινήματα, από τα οποία ξεχωρίζουν ο Ντανταϊσμός και ο Σουρεαλισμός.
Όντας το έργο γνωστό ως εγώ και το χωριό ένας από τους σουρεαλιστικούς πίνακες όπου γίνεται ένα κολάζ στο οποίο μπορείς να ταυτιστείς με διάφορες υφές των διαφορετικών υλικών που χρησιμοποιεί ο καλλιτέχνης. Αν και πολλοί κριτικοί τέχνης έχουν υποστηρίξει ότι ο καλλιτέχνης έχει κάνει αρκετούς τυχαίους συσχετισμούς για να δώσει στον πίνακα μια σουρεαλιστική αναπαράσταση.
Το έργο έχει τις ακόλουθες διαστάσεις 125 εκατοστά ύψος επί 107 εκατοστά πλάτος όπου η κύρια φιγούρα του πίνακα είναι ένα σχήμα που μοιάζει με ελέφαντα αλλά με πολλές σεξουαλικές χροιές. Με τον ίδιο τρόπο εμφανίζεται ένα είδος πύργου που μοιάζει με φαλλικό σύμβολο.
Καταλανικό Τοπίο (Ο Κυνηγός), του Joan Miró
Είναι ένα από τα έργα του σουρεαλιστή ζωγράφου Joan Miró που άρχισε να το ζωγραφίζει το 1923 και το ολοκλήρωσε το 1924. Είναι κατασκευασμένο με την τεχνική του λαδιού σε υφασμάτινο καμβά που έχει τις εξής διαστάσεις: 64 cm ύψος και 100 cm πλάτος.
Όντας ένας από τους σημαντικότερους σουρεαλιστικούς πίνακες λόγω του ύφους με το οποίο ο ζωγράφος Joan Miró είναι ένα από τα πιο λαμπρά έργα και επίσης τονίζει το σύνολο στοιχείων που περιλαμβάνει τον Καταλανό κυνηγό, ένα τρίγωνο με μάτι, μουστάκι και γένια, έναν σωλήνα , μια βαρετίνα και ένα αυτί.
Τα υπόλοιπα στοιχεία που υπάρχουν στο έργο μας δείχνουν ότι πρόκειται για ένα πολύ άνυδρο αλλά καταλανικό τοπίο που παραπέμπει στην ταφή της σαρδέλας. Επί του παρόντος, αυτό το έργο φυλάσσεται στο διάσημο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη (MoMA).
The Invisibles, του Yves Tanguy
Ένας καλλιτέχνης γεννημένος στη Γαλλία Yves Tanguy. Γιος ενός συνταξιούχου καπετάνιου, ο οποίος στο Παρίσι παρατηρεί έναν από τους πίνακες του ζωγράφου Τζόρτζιο ντε Κίρικο και γοητεύτηκε τόσο πολύ που αποφάσισε να αφοσιωθεί στη ζωγραφική, γι' αυτό άρχισε να μελετά ό,τι είχε σχέση με έργα τέχνης και Το 1927, με τη χρωματική του παλέτα, δημιούργησε έναν από τους σουρεαλιστικούς πίνακες που έχουν τραβήξει τη μεγαλύτερη προσοχή στο κοινό, με τίτλο «Μαμά, ο μπαμπάς είναι πληγωμένος!».
Ο σημερινός πίνακας γκριζωπών χρωμάτων που έχει λάμψεις διαφορετικών χρωμάτων είναι ένα εξωγήινο τοπίο γεμάτο αφηρημένες φιγούρες και άλλες γωνιακές φιγούρες που θα μοιάζουν με σπασμένα πρίσματα. Το όλο έργο φαίνεται λίγο ενδιαφέρον.
Ο κάπως μοναχικός κάκτος του έργου και η μάζα καπνού, όλα αυτά είναι προικισμένα με μια σκιά φωτεινής προβολής που θα τονιστεί στο άδειο τοπίο του έργου, δημιουργώντας στο κοινό ένα είδος μυστηρίου για το τι συνέβη στο έργο .
Επί του παρόντος, ο σουρεαλιστικός πίνακας βρίσκεται σε μόνιμη έκθεση στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης (MoMA) στις Ηνωμένες Πολιτείες και έχει τις ακόλουθες διαστάσεις: 92 cm ύψος και 73 cm πλάτος.
The Invisibles, του Yves Tanguy
Ομοίως, ο Γάλλος ζωγράφος ζωγραφίζει έναν άλλον από τους πιο διάσημους σουρεαλιστικούς πίνακες, γνωστούς ως «The Invisibles» το έτος 1951 μετά το τέλος του Β' Παγκοσμίου Πολέμου και αυτός ο ζωγράφος πήγε στις Ηνωμένες Πολιτείες για να ζήσει.
Αν και αυτός ο ζωγράφος εμπνεόταν πάντα από συλλογές άλλων καλλιτεχνών για να φτιάξει τους δικούς του σουρεαλιστικούς πίνακες, αυτό το έργο του ήταν μια ιδέα του ποιητή και συγγραφέα André Breton για μια ιδέα ότι υπάρχουν αόρατα πλάσματα.
Ο Γάλλος ζωγράφος άρχισε να ζωγραφίζει αφηρημένους σχηματισμούς που είχαν μια οργανική εμφάνιση που ήταν προσκολλημένοι σε διάφορες αιχμηρές δομές. Το φόντο του σουρεαλιστικού πίνακα δείχνει έναν ομιχλώδη και απειλητικό ουρανό. Σύμφωνα με τους κριτικούς τέχνης, είναι ένα φαντασμαγορικό έργο που διαδραματίζεται σε ένα αδρανές φόντο που παραπέμπει σε όντα από άλλους κόσμους, αν και δεν υπάρχει λογική εξήγηση.
Αυτό το έργο βρίσκεται αυτή τη στιγμή σε μια μόνιμη έκθεση στο Tate Modern Museum στην πόλη του Λονδίνου, Αγγλία, είναι φτιαγμένο με λάδι σε υφασμάτινο καμβά που έχει τις εξής διαστάσεις: 98 cm ύψος και 81 cm πλάτος.
Αυτοβιογραφία ενός εμβρύου, από την Eileen Agar
Καλλιτέχνης βρετανικής καταγωγής που γεννήθηκε στην πόλη Μπουένος Άιρες της Αργεντινής. Ερμηνεύει το έργο γνωστό ως «Αυτοβιογραφία ενός εμβρύου» βασισμένο σε ένα σύνολο σουρεαλιστικών τεχνικών με τις οποίες αρχίζει να χωρίζει τον καμβά σε τέσσερα μέρη και εφαρμόζει επίσης τεχνικές από την ελληνική τέχνη.
Με τον ίδιο τρόπο, στη σουρεαλιστική ζωγραφική, συγκεντρώνει επίσης υπαινιγμούς για την ελληνική τέχνη και την Αναγέννηση, με λίγα λόγια, αυτό που έκανε ο διάσημος καλλιτέχνης ήταν να αφυπνίσει πολλούς πολιτισμούς, καθιστώντας αυτό το έργο έναν από τους πιο διάσημους σουρεαλιστικούς πίνακες για την ανάκληση της πολιτιστικής κληρονομιάς. όπως ορίζεται.από διάφορους κριτικούς τέχνης.
Ο πίνακας βρίσκεται αυτή τη στιγμή στην Tate Modern στο Λονδίνο στην Αγγλία και έχει τις ακόλουθες διαστάσεις: 91 cm ύψος και 213 cm πλάτος. Σε αυτό το έργο μπορείτε επίσης να δείτε αρκετές φιγούρες που μοιάζουν με κύτταρα και στοιχεία του βιολογικού κόσμου.
Τι μου έφερε το νερό, της Φρίντα Κάλο
Είναι ένα από τα έργα της Μεξικανής και καλλιτέχνιδας Frida Kahlo όπου ζωγραφίζει μια μπανιέρα που είναι λευκή με μπλε σκιές και το νερό γίνεται λίγο θολό λόγω της μεγάλης ποσότητας στοιχείου που τοποθετεί και τι ξεχωρίζει περισσότερο. το έργο είναι τα πόδια του και πώς καθρεφτίζονται στο νερό.
Με τον ίδιο τρόπο, η καλλιτέχνης τοποθετεί ένα μεγάλο βύσμα στη μέση των ποδιών της ή λίγο ψηλότερα, ενώ τα δάχτυλά της είναι βαμμένα κόκκινα, αλλά το μεγάλο δάχτυλο του ποδιού στραγγίζει το αίμα που φτάνει σε ένα νεκρό πουλί. Σε όλα τα έργα θέλουμε να δείξουμε όλα όσα έχει ζήσει ο Μεξικανός καλλιτέχνης.
Αυτή τη στιγμή αυτό το έργο βρίσκεται στην πόλη του Παρισιού και ανήκει στην ιδιωτική συλλογή του Daniel Filipacchi. Να σημειωθεί ότι το έργο φιλοτεχνήθηκε από τον καλλιτέχνη το 1938 και έχει τις εξής διαστάσεις: 91 εκ. ύψος επί 73 εκ. πλάτος.
The Broken Column, της Φρίντα Κάλο
Είναι ένας άλλος από τους πιο διάσημους σουρεαλιστικούς πίνακες που φιλοτέχνησε η μεξικανής καταγωγής ζωγράφος όταν ήταν 37 ετών και προσπαθεί να διηγηθεί όλα όσα συνέβησαν στη ζωή της μετά το ατύχημα που υπέστη όταν ήταν ακόμη έφηβη το έτος 1925.
Σε εκείνο το ατύχημα, η ζωγράφος Φρίντα Κάλο είχε ένα κάταγμα της σπονδυλικής στήλης σε τρία μέρη και αυτό χρειάστηκε να αντιμετωπίσει αρκετές επεμβάσεις τις οποίες χρειάστηκε να υπομείνει πολύ πόνο σε όλη της τη ζωή.
Στο έργο που είναι αυτοπροσωπογραφία της Φρίντα Κάλο, αφηγείται όλα όσα έχει πάθει και γι' αυτό κλαίει, κάνει μια αναπαράσταση μιας ιωνικής στήλης που χωρίζεται σε τρία μέρη και φοράει μια άβολη ραφή. Επιπλέον, τοποθετεί μια σειρά από καρφιά που δείχνουν όλο τον πόνο που υποφέρει σε κάθε σημείο του σώματός του.
Αυτό το έργο μπορεί να δει κανείς στο Μουσείο Dolores Olmedo στην Πόλη του Μεξικού στο Μεξικό. Είναι επίσης ένας από τους μικρότερους σουρεαλιστικούς πίνακες που υπάρχουν, με διαστάσεις 30 cm ύψος και 39 cm πλάτος.
Εξαιρετικό πτώμα
Αυτό το έργο γεννήθηκε από ένα παιχνίδι που έπαιξαν οι καλλιτέχνες του σουρεαλιστικού κινήματος αφού στη δεκαετία του 1920, αυτοί οι καλλιτέχνες συναντήθηκαν για να παίξουν ένα πολύ περίεργο παιχνίδι που το ονόμασαν "Συνέπειες", όπου κάθε καλλιτέχνης ήδη συνεισφέρει ένα στοιχείο στο έργο τέχνης. ακολουθώντας τον κανόνα, πρέπει να τοποθετηθεί ένα ρήμα και μετά ένα επίθετο, και αυτό έδωσε αφορμή για το γνωστό έργο "The Exquisite Corpse"
Κάθε συμμετέχων έκανε ένα σχέδιο και το έκρυψε και το πέρασε στον άλλο συμμετέχοντα στο παιχνίδι στο τέλος του παιχνιδιού το χαρτί αποκαλύφθηκε δίνοντας έτσι τη φιγούρα που έφτιαξαν όλοι οι καλλιτέχνες και αυτό ήταν για να αποκαλύψει τι ήταν κρυμμένο στο υποσυνείδητο.
Τα μάτια στο τραπέζι, του Remedios Varo
Ένας πίνακας που ολοκληρώθηκε το 1935, φιλοτεχνημένος από τον καλλιτέχνη Remedios Varo επηρεασμένος από το σουρεαλιστικό κίνημα. Αυτό το έργο παρουσιάζεται ως παιχνίδι για τη φαντασία αφού χωρίζει τα μάτια από τα γυαλιά που έχουν βλεφαρίδες και όλα αυτά βρίσκονται σε ένα τραπέζι που φαίνεται να επιπλέει.
Με αυτόν τον τρόπο, ο θεατής παρατηρεί έναν σουρεαλιστικό πίνακα όπου τα μάτια φαίνονται να κοιτάζουν έξω από τους φακούς για να διορθώσουν το ελάττωμα. Ενώ το βλέπουν οι θεατές, είναι εξωπραγματικά γυαλιά που έχουν βλεφαρίδες. Το έργο είναι φτιαγμένο με την τεχνική της γκουάς σε χαρτί.
Κεντώντας τον επίγειο μανδύα, του Remedios Varo
Ένα έργο που έγινε το 1961 είναι ένα άλλο έργο του Ισπανού Μεξικανού Remedios Varo όπου ο καλλιτέχνης ερμηνεύει μια σκηνή που είναι γνωστή ως Towards the Tower and the Flight. Αυτή η σκηνή προσωποποιείται όταν ο καλλιτέχνης περνούσε χρόνο υφαίνοντας στο μοναστήρι ενώ κάποιος άλλος διάβαζε κάτι.
Στη σκηνή επιχειρείται να φανεί ότι πολλές γυναίκες ύφαιναν αλλά το νήμα φύτρωσε από μια μυστηριώδη πηγή. Το παρόν σουρεαλιστικό έργο έγινε με λάδι πάνω σε μασονίτη. Το έργο δημιουργείται σε μια πολύ φανταστική πλοκή που άξιζε μεγάλης ευαισθησίας.
Εάν βρήκατε σημαντικό αυτό το άρθρο σχετικά με τους σουρεαλιστικούς πίνακες, σας προσκαλώ να επισκεφτείτε τους παρακάτω συνδέσμους: