Θεωρούμενο από τους δημιουργούς και τους οπαδούς του ως μια ευρεία τάση στην τέχνη που αντανακλά την αναζήτηση νέων νοημάτων από σύγχρονους καλλιτέχνες, η μεταμοντέρνα τέχνη είναι η απάντηση σε αυτή την αναζήτηση στην κρίση του κλασικού πολιτισμού.
μεταμοντέρνα τέχνη
Πιστεύεται ότι τον XNUMXο αιώνα συνέβη ο λεγόμενος «θάνατος των σούπερ θεμελιωδών στοιχείων»: Θεού, ανθρώπου και συγγραφέα. Με άλλα λόγια, η θρησκευτική βάση κλονίστηκε, προέκυψε μια κρίση ουμανιστικών ιδεών και οι δημιουργοί πέρασαν από τη δημιουργία μιας νέας στην επανεξέταση της παλιάς.
Ο μεταμοντερνισμός στην τέχνη είναι μέρος μιας παγκόσμιας τάσης που έχει αγκαλιάσει ο παγκόσμιος πολιτισμός και η φιλοσοφία. Ο μεταμοντερνισμός δεν είναι ένα ενιαίο στυλ, αλλά ένα σύμπλεγμα κατευθύνσεων, που ενώνονται από μια κοινή ιδεολογική βάση. Πολλοί από αυτούς μάλιστα τσακώνονται μεταξύ τους.
Ο μεταμοντερνισμός είναι όρος που προέρχεται από τη γαλλική γλώσσα (postmodernisme). Αυτό το όνομα αντικατοπτρίζει την έννοια της κατεύθυνσης που αντικατέστησε την τέχνη της εποχής του μοντερνισμού (δεν πρέπει να συγχέεται με τον μοντερνισμό). Στα τέλη του XNUMXου και στις αρχές του XNUMXου αιώνα, τα μοντερνιστικά (ή avant-garde) κινήματα έδωσαν ένα βαρύ πλήγμα στην κλασική τέχνη. Σταδιακά όμως οι δημιουργοί έπαψαν να είναι ικανοποιημένοι με τις μοντερνιστικές προσεγγίσεις.
Παράλληλα με ένα πλήθος νέων τεχνολογικών εξελίξεων, ο μεταμοντερνισμός οδήγησε σε καλλιτεχνικά πειράματα με νέα μέσα και νέες μορφές τέχνης για σχεδόν πέντε δεκαετίες, συμπεριλαμβανομένης της εννοιολογικής τέχνης, διαφόρων τύπων παραστάσεων και καλλιτεχνικών εγκαταστάσεων και ρεύματα υπολογιστών όπως ο αποδομισμός και η τεχνολογία προβολής .
Χαρακτηριστικά του μεταμοντερνισμού
Ο Jean-François Lyotard και άλλοι θεωρητικοί περιγράφουν τα πνευματικά θεμέλια της νεωτερικότητας ως μια ακλόνητη πίστη σε μια σταθερή πρόοδο της όλο και πιο λεπτομερούς συμπιεστότητας του κόσμου και σταδιακής προσέγγισης προς την τέλεια γνώση. Τα ολοκληρωτικά συστήματα του XNUMXου αιώνα απαξίωσαν οριστικά τον απόλυτο χαρακτήρα τέτοιων μοντέλων.
Εδώ είναι οι λόγοι για την ανάγκη ορισμού του μεταμοντερνισμού ως συνειδητής ρήξης με τη νεωτερικότητα. Ο μεταμοντερνισμός απορρίπτει όχι μόνο τη σύγχρονη πίστη στην πρόοδο, αλλά και την ύπαρξη μιας κατανοητής αντικειμενικής πραγματικότητας. Η μεταμοντέρνα θεωρία και αισθητική υποθέτει ότι όλη η γνώση, όλη η αντίληψη και κάθε τομέας συνείδησης και ύπαρξης υπόκεινται στη σχετικότητα. Μια βασική έννοια του μεταμοντερνισμού είναι η πολυφωνία.
Η επιθυμία της νεωτερικότητας να δημιουργεί συνεχώς κάτι νέο, και τα καλλιτεχνικά μέσα που χρησιμοποιούνται για την επίτευξή του, θεωρούνται αυτοματοποιημένα, καθιερωμένα και απαρχαιωμένα στον μεταμοντερνισμό. Η αρχή ότι τίποτα καινούργιο δεν μπορεί να δημιουργηθεί καθιστά τη χρήση των παραθέσεων ουσιαστικό υφολογικό χαρακτηριστικό της μεταμοντέρνας τέχνης.
Η απαίτηση για άνοιγμα στην έννοια της τέχνης και του μεμονωμένου έργου τέχνης ανοίγει σχεδόν απεριόριστες δυνατότητες από τη μία: ο μεταμοντερνισμός ανοίγει μια ποικιλία νέων μορφών έκφρασης περνώντας τα όρια των ειδών.
Μια συχνά χρησιμοποιούμενη τεχνική της μεταμοντέρνας εποχής είναι το κολάζ. Αυτός ο όρος, που επινοήθηκε στις αρχές του XNUMXου αιώνα για τα αυτοκόλλητα Dada, είναι πολύ ευρύτερος στη μεταμοντέρνα εποχή. Περιλαμβάνει, για παράδειγμα, εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας, τεχνικές φιλμ ή διαδικασίες μουσικής σύνθεσης.
Συγγραφείς όπως ο Umberto Eco (The Name of the Rose), αρχιτέκτονες όπως ο Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Βιέννη) και καλλιτέχνες όπως ο Keith Haring προσπαθούν να γεφυρώσουν το χάσμα μεταξύ της ελιτιστικής κατανόησης της τέχνης και της μαζικής κουλτούρας. Αυτό, επίσης, είναι μια ουσιαστική πτυχή της μεταμοντέρνας αισθητικής.
Πολλά μεταμοντέρνα έργα, ειδικά στις παραστατικές τέχνες, δεν θέλουν να γίνουν κατανοητά ως τέλειο αποτέλεσμα, αλλά ως πειραματική διασκευή. Η παρουσίαση θα είναι αποσπασματική (λογοτεχνία: Roland Barthes, Fragments of a language of love) ή έργο σε εξέλιξη (χοροθέατρο: William Forsythe, έργο του Scott) σε διάφορα στάδια της ανάπτυξής της.
Οι κριτικοί τέχνης δίνουν διαφορετικές απαντήσεις στο ερώτημα τι είναι ο μεταμοντερνισμός στη ζωγραφική, αφού η μεταμοντέρνα κουλτούρα είναι ένα πολύπλευρο φαινόμενο και δεν έχει σαφή ιδεολογική πλατφόρμα. Οι μεταμοντέρνοι δεν δημιούργησαν έναν καθολικό κανόνα, επιπλέον, αρνήθηκαν να δημιουργήσουν έναν κατ' αρχήν. Ίσως η μόνη βασική αξία που δηλώνουν οι υποστηρικτές αυτής της τάσης είναι η ατελείωτη ελευθερία έκφρασης.
Ο μεταμοντερνισμός δεν είναι κίνημα, αλλά γενικός τρόπος σκέψης. Επομένως, δεν υπάρχει ενιαία λίστα χαρακτηριστικών που να ορίζουν τη «μεταμοντέρνα τέχνη». Ωστόσο, υπάρχουν ορισμένα χαρακτηριστικά που είναι χαρακτηριστικά της μεταμοντέρνας τέχνης:
- Απεριόριστη και απόλυτη ελευθερία του καλλιτέχνη στην επιλογή των μεθόδων αυτοέκφρασης.
- Ξανασκεφτείτε τις παραδοσιακές εικόνες, συμπεριλαμβανομένης τους σε ένα νέο πλαίσιο (εξ ου και η ευρεία διανομή ριμέικ, ερμηνειών, καλλιτεχνικών αποσπασμάτων, δανείων, υπαινιγμών).
- Συγκριτισμός, δηλαδή η συγχώνευση ετερογενών στοιχείων σε ένα ενιαίο σύνολο, που μερικές φορές έρχονται σε αντίθεση μεταξύ τους (για παράδειγμα, η χρήση διαφορετικών τεχνοτροπιών από τον καλλιτέχνη σε έναν πίνακα ή ακόμη και ο συνδυασμός ζωγραφικής με άλλα είδη τέχνης).
- Διάλογος, δηλαδή μια ματιά στο θέμα από διαφορετικές οπτικές γωνίες, από τη θέση διαφορετικών «φωνών», που τελικά δημιουργούν μια πολυφωνική «συμφωνία».
- Μορφή παρουσίασης του έργου, πρόσκληση του θεατή να ενταχθεί στο έργο με νοήματα.
- Συγκλονιστική φύση της δημιουργικότητας.
- Ειρωνεία και αυτοειρωνεία του συγγραφέα. Οι καλλιτέχνες είναι πλέον πολύ πιο δύσπιστοι για τις «μεγάλες ιδέες» (π.χ. ότι κάθε πρόοδος είναι καλή).
- Ο μεταμοντερνισμός είναι μια έκφραση μιας εκτεταμένης απογοήτευσης με τη ζωή και τη δύναμη των υπαρχόντων συστημάτων αξιών ή/και τεχνολογιών να επιφέρουν θετικές αλλαγές. Ως αποτέλεσμα, η εξουσία, η εμπειρία, η γνώση και τα κίνητρα έχουν περιπέσει σε ανυποληψία.
- Η σύγχρονη τέχνη θεωρήθηκε όχι μόνο ως ελιτίστικη, αλλά και ως λευκή (με την έννοια του χρώματος του δέρματος), ανδροκρατούμενη και αδιάφορη για τις μειονότητες. Αυτός είναι ο λόγος που η μεταμοντέρνα τέχνη υποστηρίζει την τέχνη από καλλιτέχνες του τρίτου κόσμου, φεμινίστριες και μειονότητες.
Μεταμοντέρνα, σύγχρονη και ύστερη μοντέρνα τέχνη
Κατά γενικό κανόνα, η μεταμοντέρνα τέχνη και η σύγχρονη τέχνη χρησιμοποιούνται λίγο πολύ ως συνώνυμα. Ωστόσο, από τεχνική άποψη, μεταμοντέρνα τέχνη σημαίνει «μετά τη νεωτερικότητα» και αναφέρεται σε μια σταθερή περίοδο που αρχίζει γύρω στο 1970, ενώ η σύγχρονη τέχνη αναφέρεται κυρίως στη μεταβαλλόμενη περίοδο περίπου πενήντα ετών αμέσως πριν από τη δεκαετία του XNUMX. Σήμερα.
Επί του παρόντος αυτές οι δύο περίοδοι συμπίπτουν. Αλλά το έτος 2050 η μεταμοντέρνα τέχνη (π.χ. από το 1970-2020) μπορεί να έχει αντικατασταθεί από μια άλλη εποχή, ωστόσο η σύγχρονη τέχνη καλύπτει τότε την περίοδο μέχρι εκείνη τη χρονιά.
Στις εικαστικές τέχνες, ο όρος late modern αναφέρεται σε κινήματα ή τάσεις που απορρίπτουν μια πτυχή της μοντέρνας τέχνης αλλά κατά τα άλλα παραμένουν στην παράδοση της νεωτερικότητας. Στυλ όπως ο Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός (1948-65) ασκήθηκαν από αρκετούς ριζοσπαστικούς μοντέρνους καλλιτέχνες, συμπεριλαμβανομένων των Τζάκσον Πόλοκ και Γουίλεμ Ντε Κούνινγκ, οι οποίοι αντιτάχθηκαν σε πολλές από τις επίσημες συμβάσεις της ελαιογραφίας.
Κι όμως, ούτε ο Πόλοκ ούτε ο ντε Κούνινγκ θα μπορούσαν να έχουν δημιουργήσει κάτι παρόμοιο με το Διαγραμμένο σχέδιο του Ράουσενμπεργκ, καθώς και οι δύο πίστευαν έντονα στις έννοιες της αυθεντικότητας και του νοήματος.
Η ιστορία της μεταμοντέρνας τέχνης
Το πρώτο σημαντικό στυλ τέχνης μετά την Αναγέννηση ήταν η ακαδημαϊκή τέχνη, που διδάσκονταν από καθηγητές στις ακαδημίες. Στην ακαδημαϊκή τέχνη, πολλά στυλ και ρεύματα συγκλίνουν, όπως ο κλασικισμός και ο ρομαντισμός. Από το 1870, με την έλευση του ιμπρεσιονισμού, εμφανίστηκε η σύγχρονη τέχνη. Τα πρώτα χαρακτηριστικά εμφανίστηκαν γύρω στο 1970, η οποία τώρα συνοψίζεται ως μεταμοντέρνα τέχνη.
Η σύγχρονη τέχνη συνδέεται κυρίως με τον αιώνα 1870-1970, από τον ιμπρεσιονισμό μέχρι την ποπ τέχνη, για παράδειγμα. Παρά τις διάφορες παγκόσμιες καταστροφές (Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος, γρίπη, το κραχ της Wall Street και η Μεγάλη Ύφεση) που υπονόμευσαν πολλές από τις ηθικές βεβαιότητες της εποχής, οι σύγχρονοι καλλιτέχνες διατήρησαν γενικά μια πίστη στους βασικούς επιστημονικούς νόμους της φύσης. λογική και λογική σκέψη.
Γενικά, όπως οι περισσότεροι Δυτικοί της εποχής, πίστευαν ότι η ζωή είχε νόημα. Ότι η επιστημονική πρόοδος ήταν αυτόματα θετική, ότι η χριστιανική Δύση ήταν ανώτερη από τον υπόλοιπο κόσμο, ότι οι άνδρες ήταν ανώτεροι από τις γυναίκες. Ο μοντερνισμός πίστευε επίσης στο νόημα, τη συνάφεια και την πρόοδο της τέχνης, ιδιαίτερα των καλών τεχνών και της αρχιτεκτονικής.
Ακολουθώντας τα βήματα του Λεονάρντο και του Μιχαήλ Άγγελου, πίστευαν στην υψηλή τέχνη, την τέχνη που εξυψώνει και εμπνέει τον μορφωμένο θεατή και όχι τη «χαμηλή τέχνη» που διασκεδάζει μόνο τις μάζες. Ακολούθησαν μια προοδευτική προσέγγιση και είδαν την τέχνη ως κάτι που θα έπρεπε να εξελίσσεται συνεχώς, καθοδηγούμενοι από μια κορυφαία ομάδα καλλιτεχνών της avant-garde.
Ο Β' Παγκόσμιος Πόλεμος και το Ολοκαύτωμα ανέτρεψαν τα πάντα. Το Παρίσι αντικαταστάθηκε ξαφνικά από τη Νέα Υόρκη ως πρωτεύουσα του κόσμου της τέχνης. Στον απόηχο των φρικαλεοτήτων του πολέμου, όλη η παραστατική τέχνη φάνηκε ξαφνικά άσχετη, έτσι οι σύγχρονοι ζωγράφοι στράφηκαν στην αφηρημένη τέχνη για να εκφραστούν.
Παραδόξως, η Σχολή της Νέας Υόρκης, με τους πίνακες του Τζάκσον Πόλοκ και την πιο ήρεμη έγχρωμη ζωγραφική του Mark Rothko, προώθησε μια προσωρινή αναβίωση της τέχνης και στις δύο πλευρές του Ατλαντικού τη δεκαετία του 1950. Οι ζωγράφοι της avant-garde κατάφεραν να επαναπροσδιορίσουν τα όρια της αφηρημένης ζωγραφική, αλλά παρέμεινε στα όρια της νεωτερικότητας. Πίστευαν στη δημιουργία αυθεντικών, τελειωμένων έργων τέχνης με σημαντικό περιεχόμενο.
Όμως η νεωτερικότητα έφτανε αναπόφευκτα στο τέλος της. Οι αυξανόμενες αποκαλύψεις του Shoah, οι δοκιμές ατομικής βόμβας, η κρίση των πυραύλων της Κούβας και ο πόλεμος του Βιετνάμ άφησαν τους ανθρώπους όλο και περισσότερο απογοητευμένους από τη ζωή και την τέχνη.
Ο Jasper Johns και ο Robert Rauschenberg είχαν ήδη δημιουργήσει τα πρώτα μεταμοντέρνα έργα του Neo-Dada και της Pop Art στα μέσα της δεκαετίας του 1950. Σύντομα η mainstream Pop Art θα εισαγάγει την ίδια τη μεταμοντέρνα τέχνη, καθώς τα αμερικανικά τηλεοπτικά δίκτυα επικεντρώθηκαν στην επίθεση Tet του 1968 και στο χαοτικό Δημοκρατική Εθνική Συνέλευση του 1968.
Από αυτό το πέρασμα του χρόνου στην ιστορία της τέχνης μπορεί να εδραιωθεί και η στάση απέναντι στην τέχνη από την πλευρά του καλλιτέχνη και του κοινού. Οι καλλιτέχνες και οι θεατές του παρόντος δεν καθορίζονται από τις παλιές ιδέες της διδασκαλίας και των χορηγών ιδρυμάτων σχετικά με το τι είναι τέχνη και τι μπορεί να είναι η τέχνη. Οι δυνατότητες και οι εφαρμογές της τέχνης έχουν γίνει πιο διαφορετικές χωρίς να χρειάζεται να πιέσετε τον εαυτό σας σε έναν συγκεκριμένο κορσέ.
Η μοντέρνα αρχιτεκτονική επηρεάστηκε από την επιθυμία να δημιουργήσει ένα εντελώς νέο στυλ για τον σύγχρονο άνθρωπο. Οι αρχιτέκτονες ήθελαν να αφαιρέσουν όλες τις ιστορικές αναφορές και να δημιουργήσουν κάτι εντελώς νέο. Αυτό οδήγησε στο International Style (περίπου 1920-1970), ένα μινιμαλιστικό σχέδιο κανονικότητας.
Ευτυχώς, γύρω στο 1970, οι μεταμοντέρνοι αρχιτέκτονες άρχισαν να αναζωογονούν την αρχιτεκτονική του XNUMXου αιώνα σχεδιάζοντας κατασκευές με ενδιαφέροντα χαρακτηριστικά που προέρχονται από τη λαϊκή κουλτούρα και πιο παραδοσιακά αρχιτεκτονικά στυλ. Οι δομές που φαίνεται να παρακάμπτουν τη βαρύτητα έχουν επίσης καταστεί δυνατές από νέες ελεγχόμενες από υπολογιστή δυνατότητες στο πλαίσιο του αποδομισμού.
Το μεταμοντερνιστικό κίνημα διαμορφώθηκε στις δεκαετίες του 1960 και του 1970, αλλά οι προϋποθέσεις για την εμφάνισή του συνδέονται με μια κοσμοθεωρητική κρίση που προέκυψε πολύ πριν. Μεταξύ αυτών: η θέση του Spengler για την παρακμή της Ευρώπης. κατάρρευση της δημόσιας συνείδησης λόγω του Α' Παγκοσμίου Πολέμου. η εμφάνιση στην επιστήμη ιδεών για την ασυνέπεια και την ασάφεια της παγκόσμιας τάξης (από τη μη Ευκλείδεια γεωμετρία στην κβαντική φυσική).
Ο όρος μεταμοντέρνο χρησιμοποιήθηκε ήδη στα τέλη του 1950ου αιώνα και στη συνέχεια όλο και περισσότερο στις αρχές του 1970ού αιώνα, αλλά μόνο στη δεκαετία του 1979 με την έννοια της σημερινής σημασίας του. Στα τέλη της δεκαετίας του XNUMX, δύο συγγραφείς συνέβαλαν κυρίως στην καθιέρωση του όρου ως μόνιμο προσάρτημα: ο Jean-François Lyotard με το έργο του La Condition postmoderne (Μεταμοντέρνα γνώση, XNUMX) και ο Charles Jencks με το δοκίμιο The Rise of Postmodern Architecture.
Με την εισαγωγή του όρου μεταμοντέρνο, ο μοντερνισμός ορίζεται για πρώτη φορά ως μια κλειστή ιστορική εποχή (όπως η αρχαιότητα ή ο Μεσαίωνας πριν από αυτήν). Το μεταμοντέρνο έχει καθιερωθεί ως υφολογικός όρος, ειδικά στην αρχιτεκτονική.
Οι μεταμοντέρνοι κατέληξαν στο συμπέρασμα ότι ο σύγχρονος κόσμος δεν μπορεί να περιγραφεί στο πλαίσιο των κλασικών προσεγγίσεων της φιλοσοφίας, της επιστήμης και του πολιτισμού. Κατά συνέπεια, οι κλασικές μέθοδοι τέχνης δεν επαρκούν για να την περιγράψουν.
Χρήση της τεχνολογίας
Η εποχή της μεταμοντέρνας τέχνης συνέπεσε με την εισαγωγή αρκετών νέων εικαστικών τεχνολογιών (όπως η τηλεόραση, τα βίντεο, το Διαδίκτυο, μεταξύ άλλων) και τα μεγάλα οφέλη από αυτές. Η νέα γκάμα μορφών βίντεο και φωτογραφίας μείωσε τη σημασία της τέχνης του σχεδίου και η χειραγώγηση των νέων τεχνολογιών επέτρεψε στους καλλιτέχνες να συντομεύσουν τις παραδοσιακές διαδικασίες δημιουργίας τέχνης, αλλά να δημιουργήσουν κάτι νέο.
Μεταμοντέρνα καλλιτεχνικά κινήματα και στυλ
Μέχρι στιγμής δεν έχουν υπάρξει μεγάλα διεθνή καλλιτεχνικά κινήματα στη μεταμοντέρνα τέχνη. Αντίθετα, η εποχή είδε την άνοδο μιας σειράς στενών, τοπικών ροών, καθώς και αρκετών εντελώς νέων μορφών τέχνης, όπως η ζωγραφική βίντεο και λέξεων.
Επιπλέον, υπήρξαν δεκάδες φατρίες τέχνης, καθώς και ένα αντι-μεταμοντέρνο κέντρο ή δύο μέλη του οποίου προσπάθησαν να παράγουν το είδος τέχνης για το οποίο θα ήταν περήφανοι ο Μικελάντζελο ή ο Πικάσο.
Από τον νεο-ντανταϊσμό, στους μεταμοντέρνους άρεσε να ανακατεύουν τα πράγματα ή να φέρνουν νέα στοιχεία σε παραδοσιακές μορφές, για να δημιουργούν νέους συνδυασμούς. Ο Fernando Botero ζωγραφίζει πρωτόγονες εικόνες παχύσαρκων μορφών, ο Georg Baselitz ζωγραφίζει φιγούρες ανάποδα.
Ο Gerhard Richter συνδύασε την τέχνη της κάμερας και τη ζωγραφική στους φωτογραφικούς πίνακές του της δεκαετίας του 1970, ενώ ο Jeff Koons συνδύασε εικόνες προσανατολισμένες στον καταναλωτή με εξελιγμένες τεχνικές γλυπτικής για να δημιουργήσει τα γλυπτά του από ανοξείδωτο χάλυβα.
Ο Andreas Gursky συνδυάζει τη φωτογραφία με εικόνες που δημιουργούνται από υπολογιστή για να δημιουργήσει έργα όπως το Rhein II, ενώ ο Jeff Wall χρησιμοποιεί ψηφιακά επεξεργασμένα φωτογραφικά μοντάζ στις μεταμοντέρνες δημιουργίες εικόνων του.
Δεν υπάρχει συναίνεση μεταξύ των κριτικών τέχνης ως προς το ποια στυλ τέχνης μπορούν να ταξινομηθούν ως μεταμοντέρνα τέχνη: για παράδειγμα, ορισμένα στυλ ταξινομούνται ταυτόχρονα ως avant-garde και postmodern. Ωστόσο, μπορεί να διακριθεί ο ακόλουθος κατάλογος κινημάτων και στυλ του μεταμοντερνισμού:
Dadaism
Οι ντανταϊστές πίστευαν ότι η βαρβαρότητα του Α' Παγκοσμίου Πολέμου που συγκλόνισε την Ευρώπη, προκαλώντας πόνο και βάσανα σε εκατομμύρια ανθρώπους, ήταν προϊόν λογικής και ορθολογισμού. Για το λόγο αυτό προώθησαν με τη δημιουργικότητά τους την καταστροφή των αισθητικών κανόνων, τον κυνισμό, τη συστηματικότητα, τον παραλογισμό.
Το κολάζ έγινε η κύρια δημιουργική μέθοδος των ντανταϊστών καλλιτεχνών. Ο καμβάς ή το χαρτί χρησίμευε ως το σκηνικό πάνω στο οποίο ο καλλιτέχνης δημιούργησε ένα κολάζ χρησιμοποιώντας υπολείμματα υφάσματος, κομμάτια χαρτιού και άλλα υλικά.
Το Dada υπήρξε για σχετικά σύντομο χρονικό διάστημα: από το 1916 έως το 1923. Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι η ιδεολογική του πλατφόρμα ήταν το ειρηνιστικό πάθος που αντιτίθεται στην πραγματικότητα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Στη δεκαετία του 1920, ο Νταντά συγχωνεύτηκε με τον Εξπρεσιονισμό στη Γερμανία και με τον Σουρεαλισμό στη Γαλλία.
Pop Art
Η ποπ αρτ (ποπ αρτ) είναι ένα στυλ που μετέφερε την καταναλωτική κουλτούρα στον χώρο της τέχνης και δίδαξε την ανθρωπότητα να βλέπει ομορφιά σε τριάντα τρία κουτάκια σούπας. Η ποπ αρτ δεν πρέπει να συγχέεται με τη λαϊκή κουλτούρα. Οι συγγραφείς θεωρούσαν τη μαζική κουλτούρα ως αντικείμενο, ακριβώς όπως ένας πορτραιτιστής κοιτάζει ένα μοντέλο ή έναν καλλιτέχνη τοπίων: στους κόλπους της φύσης.
Το θέμα της μαζικής κουλτούρας, πάνω στο οποίο έπεσε το βλέμμα του καλλιτέχνη, μεταμορφώθηκε σε κάτι πρωτότυπο: ένα αντικείμενο τέχνης που διαθλάται μέσα από την ερμηνεία του καλλιτέχνη. Από καλλιτεχνική άποψη, αυτό το στυλ απευθύνθηκε στην υλικότητα, την αντικειμενικότητα, σε αντίθεση με μια άλλη δημοφιλή τάση, την αφαίρεση. Η ποπ αρτ γεννήθηκε στον αγώνα ενάντια στη δημιουργικότητα των αφαιρετικών και προανήγγειλε την επιστροφή στην εμφάνιση συγκεκριμένων αντικειμένων στον καμβά.
Από μόνη της, η έλξη στα καθημερινά πράγματα δεν είναι καινούργια στην ιστορία της ζωγραφικής. Η νεκρή φύση είναι, τελικά, η άποψη ενός καλλιτέχνη για τα γύρω αντικείμενα. Στην πραγματικότητα, δεν υπάρχει μεγάλη διαφορά ανάμεσα στο βάζο του Caravaggio και στα πράσινα μπουκάλια Coca-Cola του Warhol. Όμως η ποπ αρτ είχε τη δική της εννοιολογική ιδιορρυθμία: οι καλλιτέχνες έπαιρναν εμβληματικά αντικείμενα και εικόνες από τη μαζική κουλτούρα, που τώρα θα αποκαλούσαν «μιμίδια».
Επιπλέον, έδωσαν προσοχή όχι μόνο σε αντικείμενα, αλλά και σε εικόνες. χαρακτηριστικό παράδειγμα είναι το Marilyn Diptych του Warhol. Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι η ποπ αρτ βοήθησε στην επιβεβαίωση του αμερικανικού ονείρου, στη νομιμοποίηση της καταναλωτικής κοινωνίας και του αντίστοιχου τρόπου ζωής. Ταυτόχρονα, έθεσε τις βάσεις για μια κριτική στη φιλοσοφία της κατανάλωσης, η οποία αργότερα θα αποκτούσε δύναμη.
Τέχνη του Word
Ο όρος Word Art περιγράφει μια κατηγορία μεταμοντέρνας τέχνης βασισμένης σε κείμενο από διάφορους σύγχρονους καλλιτέχνες που είναι παρόντες από τη δεκαετία του 1950. Ένας απλός ορισμός της τέχνης που βασίζεται σε κείμενο μπορεί να είναι "τέχνη που περιλαμβάνει λέξεις ή φράσεις ως κύρια καλλιτεχνική συνιστώσα".
Εικόνες βασισμένες σε κείμενο που περιέχουν λέξεις και φράσεις έχουν δημοσιευτεί σε διάφορα μέσα, όπως ζωγραφική και γλυπτική, λιθογραφία και μεταξοτυπία, καθώς και εφαρμοσμένες τέχνες (μπλουζάκια, κούπες). Εμφανίζεται επίσης στις πιο πρόσφατες μορφές σύγχρονης τέχνης, όπως η χαρτογράφηση προβολής.
Εννοιολογική τέχνη
Ο εννοιολογισμός (από το λατινικό conceptus: σκέψη, αναπαράσταση) είναι ένα μεταμοντέρνο ρεύμα στην τέχνη, που διακηρύσσει την υπεροχή της ιδέας ενός έργου έναντι της μορφής της καλλιτεχνικής του έκφρασης. Οι οπαδοί του Εννοιολογισμού είναι πεπεισμένοι ότι οι πίνακες, τα γλυπτά, οι εγκαταστάσεις και οι παραστάσεις τους δεν πρέπει να προκαλούν στον θεατή συναισθήματα, αλλά την επιθυμία να ξανασκεφτούν πνευματικά αυτό που είδαν.
Ο εννοιολογισμός δεν είναι μια εμπορική τέχνη, σε αυτόν τα αντικείμενα για δημιουργικότητα μπορεί να είναι οποιαδήποτε είδη οικιακής χρήσης, φυσικά υλικά, ακόμη και μέρη του ανθρώπινου περιβάλλοντος. Ο εννοιολογικός καλλιτέχνης δεν επιδιώκει να δημιουργήσει ένα ολοκληρωμένο έργο, αλλά προσπαθεί να μεταφέρει τις ιδέες του στον θεατή, να ασχοληθεί με ένα είδος πνευματικού παιχνιδιού.
Τα έργα Concept Art έχουν ιδιαίτερα χαρακτηριστικά. Αυτά τα έργα μπορούν να αναγνωριστούν από τα ακόλουθα χαρακτηριστικά: επηρεάζουν όχι τη συναισθηματική, αλλά τη διανοητική αντίληψη του θεατή. συχνή χρήση επεξηγηματικού κειμένου στην εργασία· η συνειδητή απόρριψη του νοήματος της φόρμας από τον καλλιτέχνη προς όφελος της σημασίας του νοήματος (ιδέας) του έργου· δημιουργία αντικειμένων τέχνης από οποιοδήποτε αντικείμενο είναι διαθέσιμο στον συγγραφέα.
Performance Art και Happenings
Το Happenings είναι μια πρωτοποριακή μορφή τέχνης, ένας τύπος δημιουργικής έκφρασης, στενά συνδεδεμένος με την περφόρμανς, που έχει τη βάση του στις θεωρίες της εννοιολογικής τέχνης του 1896ου αιώνα, που προέρχεται σε μεγάλο βαθμό από τις επιδείξεις των εκπροσώπων του Νταντά. , καθώς και του Τριστάν Τζάρα (1963-XNUMX). Στην πράξη, δεν είναι εύκολο να γίνει διάκριση μεταξύ Performance Art και Happenings.
Και οι δύο είναι προσεκτικά σχεδιασμένες μορφές ψυχαγωγίας (αν και με στοιχεία αυθορμητισμού) στις οποίες ο καλλιτέχνης εκτελεί (ή διαχειρίζεται) ένα καλλιτεχνικό θεατρικό δρώμενο. Κάτι πιο εύκολο να το δεις παρά να το περιγράψεις με λέξεις.
Σε κάθε περίπτωση, το Happenings είναι ένα αυθόρμητο έργο performance art που βρίσκεται κάπου ανάμεσα στο δράμα και την εικαστική τέχνη και συνήθως προσκαλεί και πυροδοτεί μια έντονη ανταπόκριση από το κοινό.
Λόγω της παροδικότητας του στυλ Νταντά, αρχικά επινοήθηκε ως μια ριζοσπαστική εναλλακτική λύση στις παραδοσιακές αρχές χειροτεχνίας και ως «μόνιμο αντικείμενο τέχνης». Μια πλήρης εξήγηση αυτής της νέας μεταμοντέρνας μορφής τέχνης μπορεί να διαβαστεί στο βιβλίο του Michael Kirby «Happenings» (1965).
Αυτό το είδος καλλιτεχνικής εκδήλωσης συνδέθηκε ιδιαίτερα με την καλλιτεχνική σκηνή της Νέας Υόρκης γύρω στο 1960 και εξακολουθεί να εμφανίζεται στις καλύτερες γκαλερί σύγχρονης τέχνης σε όλο τον κόσμο.
Αφηρημένη τέχνη
Η αφαίρεση είναι ένα στυλ ζωγραφικής και τέχνης γενικότερα, που απορρίπτει τη ρεαλιστική αναπαραγωγή του γύρω κόσμου. Οι ακόλουθοί του αντιπροσωπεύουν απλά και πολύπλοκα σχήματα, παίζουν με το χρώμα, χρησιμοποιούν γραμμές, επίπεδα και άλλα αντικείμενα, συνδυάζοντάς τα για να δημιουργήσουν ορισμένα συναισθήματα στον θεατή. Έτσι διαφέρει η προσέγγισή του από αυτή που χρησιμοποιούν οι πλοίαρχοι που τηρούν τον κλασικισμό και πολλά άλλα στυλ.
Με την πρώτη ματιά, ένας πίνακας από έναν αφαιρετικό μπορεί να φαίνεται να είναι ένα χαοτικό συνονθύλευμα γραμμών, σχημάτων και κηλίδων. Μετά από πιο προσεκτική εξέταση, γίνεται σαφές ότι ο καλλιτέχνης έχει δημιουργήσει μια ολόκληρη σύνθεση σχεδιασμένη να προκαλεί ορισμένες σκέψεις ή διαθέσεις στον θεατή.
Ο αφαιρετικός, όπως αναπτύχθηκε, διαστρωματώθηκε σε διάφορες κατευθύνσεις, καθεμία από τις οποίες είχε τους δικούς της εκπροσώπους. Υπήρχαν είδη στυλ όπως:
- Γεωμετρικός. Στα έργα καλλιτεχνών που εκτελούνται σε αυτό το στυλ, κυριαρχούν σαφείς φόρμες και γραμμές, πολλά από αυτά δημιουργούν την ψευδαίσθηση του βάθους.
- Οι δάσκαλοι που τηρούν αυτή την κατεύθυνση εργάζονται ενεργά με τα χρώματα και τους συνδυασμούς τους. Είναι μέσω αυτών που μεταφέρουν τα συναισθήματα που θέλουν να δημιουργήσουν στο κοινό.
- Η ουσία αυτής της κατεύθυνσης της ζωγραφικής βρίσκεται στην παντελή απουσία αναφορών σε πραγματικά αντικείμενα και στην εξαιρετικά περιορισμένη χρήση χρωμάτων, σχημάτων και γραμμών.
- Οι καλλιτέχνες που εργάζονται προς αυτή την κατεύθυνση προσπαθούν να φέρουν δυναμική, κίνηση στα έργα τους, μέσω των οποίων μεταφέρουν συναισθήματα και αισθήσεις. Ταυτόχρονα, σκιές, γραμμές και σχήματα ξεθωριάζουν στο βάθος.
Συνέλευση
Το Assemblage είναι μια τεχνική διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης κατά την οποία ο καλλιτέχνης δημιουργεί μια ανάγλυφη εικόνα κολλώντας τρισδιάστατα κομμάτια ή αντικείμενα σε μια επίπεδη βάση. Στην τεχνική της συναρμολόγησης επιτρέπεται επίσης η χρήση χρωμάτων για εικονογραφική προσθήκη σε καλλιτεχνική σύνθεση.
Το Assemblage, σε αντίθεση με το σχετικό του κολάζ, είναι ένας τύπος τεχνικής για την προσάρτηση τρισδιάστατων, αντί δισδιάστατων (επίπεδων) στοιχείων στην μπροστινή επιφάνεια της εικόνας. Χάρη στη χρήση ογκομετρικών λεπτομερειών, η εικόνα είναι όσο το δυνατόν πιο ρεαλιστική και οπτικά αποτελεσματική.
Οι επαγγελματίες καλλιτέχνες συχνά χρησιμοποιούν οικιακά υπολείμματα και σκουπίδια για να δημιουργήσουν τα δικά τους πρωτότυπα έργα τέχνης. Στα χέρια του δασκάλου, ένας μεγάλος αριθμός διάσπαρτων καθημερινών αντικειμένων γίνεται μια καλλιτεχνική σύνθεση γεμάτη βαθύ αισθητικό περιεχόμενο.
Σήμερα, τα έργα που δημιουργούνται με την τεχνική της συναρμολόγησης προσελκύουν πάντα την προσοχή των γνώστες της σύγχρονης τέχνης. Συχνά προκαλούν σφοδρή διαμάχη μεταξύ των κριτικών, αλλά δεν αφήνουν κανέναν αδιάφορο και ως εκ τούτου συμβάλλουν πολύ στην ανάπτυξη του παγκόσμιου πολιτισμού.
Fluxus
Οι Fluxus ήταν μια χαλαρά οργανωμένη ομάδα καλλιτεχνών που κάλυπτε τον κόσμο, αλλά είχε μια ιδιαίτερα έντονη παρουσία στη Νέα Υόρκη. Ο George Maciunas θεωρείται ιστορικά ο κύριος ιδρυτής και οργανωτής του κινήματος, ο οποίος περιέγραψε το Fluxus ως σύντηξη των Spike Jones, Vaudeville, Cage και Duchamp.
Όπως οι φουτουριστές και οι ντανταϊστές πριν από αυτούς, οι καλλιτέχνες του Fluxus αποδοκίμασαν την εξουσία των μουσείων τέχνης να καθορίζουν την αξία της τέχνης. Πρότειναν επίσης ότι δεν είναι απαραίτητο να έχετε ειδική εκπαίδευση για να δείτε και να κατανοήσετε ένα έργο τέχνης.
Ο Fluxus δεν ήθελε απλώς η τέχνη να είναι διαθέσιμη στις μάζες, ήθελε ο καθένας να δημιουργεί τέχνη όλη την ώρα. Είναι συχνά δύσκολο να ορίσουμε το Fluxus, καθώς πολλοί από τους δικούς του καλλιτέχνες έχουν υποστηρίξει ότι η ίδια η πράξη του ορισμού του κινήματος είναι ήδη πολύ περιοριστική και αναγωγική.
Σε αντίθεση με τα προηγούμενα κινήματα τέχνης, ο Fluxus προσπάθησε να αλλάξει την παγκόσμια ιστορία, όχι μόνο την ιστορία της τέχνης. Ο επίμονος στόχος των περισσότερων καλλιτεχνών ήταν να εξαλείψουν κάθε όριο μεταξύ τέχνης και κοινωνίας.
Ένα κεντρικό δόγμα του Fluxus ήταν να απορρίψει και να γελοιοποιήσει τον ελίτ κόσμο της «υψηλής τέχνης» και να βρει κάθε δυνατό τρόπο να φέρει την τέχνη στις μάζες, σύμφωνα με το κοινωνικό κλίμα της δεκαετίας του 1960. Οι καλλιτέχνες του Fluxus χρησιμοποίησαν το χιούμορ για να εκφράσουν την πρόθεσή του και , μαζί με τον Ντάντα, το Fluxus ήταν ένα από τα λίγα κινήματα τέχνης που μπόρεσαν να περπατήσουν σε τεντωμένο σκοινί.
Παρά την παιχνιδιάρικη συμπεριφορά τους, οι καλλιτέχνες του Fluxus ήταν σοβαροί σχετικά με την επιθυμία τους να αλλάξουν την ισορροπία δυνάμεων στον κόσμο της τέχνης. Η ασέβεια του για την υψηλή τέχνη είχε αντίκτυπο στην αντιληπτή αρχή του μουσείου ως αρχή για το ποιος και τι να θεωρεί καλλιτέχνες.
Ο Fluxus προσέλκυσε τον θεατή και βασίστηκε στο στοιχείο της τύχης για να διαμορφώσει το τελικό αποτέλεσμα του έργου τέχνης. Η χρήση της τύχης χρησιμοποιήθηκε επίσης από τον Dada, τον Marcel Duchamp και άλλους περφόρμανς της εποχής. Οι καλλιτέχνες του Fluxus επηρεάστηκαν σε μεγάλο βαθμό από τις ιδέες του John Cage, ο οποίος πίστευε ότι πρέπει να προσεγγίσει κανείς ένα κομμάτι χωρίς να έχει ιδέα για το τελικό αποτέλεσμα. Σημασία είχε η διαδικασία δημιουργίας, όχι το τελικό προϊόν.
video art
Το βίντεο είναι ένα από τα πιο ευέλικτα διαθέσιμα μέσα. Μια ταινία βίντεο μπορεί να είναι το ίδιο το έργο τέχνης ή/και μια καταγραφή του πώς δημιουργήθηκε το έργο τέχνης. μπορεί επίσης να είναι ένα στοιχείο σε μια εγκατάσταση ή/και μέρος μιας διάταξης πολλαπλών βίντεο. Το βίντεο κάνει την τέχνη πιο δυναμική και ζωντανή. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1980, τόσο το βίντεο όσο και το κινούμενο σχέδιο βασίζονται στη χρήση λογισμικού υπολογιστή για τον χειρισμό εικόνων.
φωτορεαλισμός
Ο φωτορεαλισμός είναι ένα είδος ζωγραφικής που εμφανίστηκε στα τέλη της δεκαετίας του 1960 ως απάντηση στην αυξανόμενη δημοτικότητα της αφαίρεσης. Έκτοτε, οι φωτορεαλιστικοί πίνακες με την τεράστια προσοχή τους στη λεπτομέρεια έχουν προσφέρει οπτικές ψευδαισθήσεις που μπορούν να εξακριβωθούν μόνο από κοντά ως ζωγραφισμένες εικόνες του φωτογραφικού πρωτοτύπου.
Αντί να παρατηρεί και να αναπαριστά αυτό που συνέβαινε στην πραγματικότητα, ο φωτορεαλισμός εμπνεύστηκε από τη φωτογραφία. Οι οπτικές πληροφορίες που καταγράφονται από μια κάμερα χρησιμοποιούνται για τη δημιουργία παραισθησιογόνων ζωγραφιών, σχεδίων και άλλων έργων τέχνης. Οι καλλιτέχνες συχνά προβάλλουν φωτογραφίες σε καμβά, ώστε οι εικόνες να μπορούν να αποδοθούν με ακρίβεια και λεπτομέρεια.
Arte Povera
Η Arte Povera (από την ιταλική έκφραση για «φτωχή τέχνη» ή «φτωχή τέχνη») ήταν ένα από τα πιο σημαντικά και εξέχοντα πρωτοποριακά καλλιτεχνικά κινήματα που εμφανίστηκαν στη νότια Ευρώπη στα τέλη της δεκαετίας του XNUMX.
Αυτό περιελάμβανε τη δουλειά δώδεκα Ιταλών καλλιτεχνών των οποίων το κύριο δημιουργικό χαρακτηριστικό ήταν η χρήση καθημερινών υλικών που θύμιζε μια προβιομηχανική εποχή. Η βρωμιά, οι πέτρες και τα ρούχα ήταν ιδιαίτερα δημοφιλή: «απόβλητα» ή φθηνά υλικά που χρησιμοποιούσαν για την τέχνη τους. Αυτή η προσέγγιση στην τέχνη επιτέθηκε στις κυρίαρχες έννοιες της αξίας και της ορθότητας και επέκρινε διακριτικά την εκβιομηχάνιση και τη μηχανοποίηση της νότιας Ευρώπης εκείνη την εποχή.
Το έργο του σηματοδότησε μια αντίδραση στην αφηρημένη ζωγραφική του μοντερνισμού που είχε ελέγξει την ευρωπαϊκή τέχνη την προηγούμενη δεκαετία, από την οποία ξεχώρισε εστιάζοντας περισσότερο στη γλυπτική εργασία παρά στη ζωγραφική.
Μερικά από τα πιο σημαντικά έργα του γκρουπ δημιουργήθηκαν μέσα από την αντίθεση μεταξύ των πρώτων υλών και τις ταυτόχρονες αναφορές στην άνοδο της καταναλωτικής κουλτούρας. Πεπεισμένη ότι η νεωτερικότητα απειλούσε να εξαλείψει τη συλλογική κληρονομιά, η Arte Povera προσπάθησε να αντιπαραβάλει το νέο με το παλιό.
Εκτός από την απόρριψη του τεχνολογικού διαγωνισμού, οι καλλιτέχνες που συνδέονται με την Arte Povera απέρριψαν αυτό που αντιλαμβάνονταν ως επιστημονικό ρεαλισμό. Σε αντίθεση με μια μεθοδική προσέγγιση των χωρικών σχέσεων, προκάλεσαν έναν μύθο του οποίου τα μυστικά δεν ήταν εύκολο να εξηγηθούν.
Οι καλλιτέχνες παρουσίασαν παράλογες και παιχνιδιάρικες αντιπαραθέσεις, συχνά του νέου και του παλιού ή του εξαιρετικά επεξεργασμένου και του προβιομηχανικού. Με αυτόν τον τρόπο, έχουν επεξηγήσει ορισμένα από τα αποτελέσματα του εκσυγχρονισμού που συμβάλλει στην καταστροφή τόπων και αναμνήσεων καθώς προχωρά όλο και πιο μακριά στο μέλλον.
Το ενδιαφέρον της Arte Povera για τα φτωχά υλικά μπορεί να συνδεθεί με πολλά άλλα καλλιτεχνικά κινήματα της δεκαετίας του 1950 και του 1960. Για παράδειγμα, μοιράστηκαν ορισμένες τεχνικές με κινήματα όπως το Fluxus και το Nouveau Réalisme στο συνδυασμό των εύκολα προσβάσιμων υλικών με ένα undercut. επαναστατικό από τα συνηθισμένα λειτουργία.
μεταμινιμαλισμός
Στη μετα-μινιμαλιστική τέχνη, όρος που χρησιμοποιήθηκε για πρώτη φορά από τον κριτικό τέχνης Robert Pincus Witten, η εστίαση μετατοπίζεται από την καθαρότητα της ιδέας στην επικοινωνία της. Ως παράδειγμα μπορείτε να δείτε τα έργα της Γερμανοαμερικανίδας καλλιτέχνιδας Eva Hesse.
φεμινιστική τέχνη
Ένα καλλιτεχνικό κίνημα που πραγματεύεται ειδικά γυναικεία ζητήματα όπως η γέννηση, η βία κατά των γυναικών, οι συνθήκες εργασίας των γυναικών και πολλά άλλα. Οι καλλιτέχνες που συμμετέχουν είναι η Louise Bourgeois και η ιαπωνική καταγωγή καλλιτέχνης performance Yoko Ono.
αποδομισμός
Ο αποδομητισμός είναι μια από τις πιο εντυπωσιακές οπτικά μορφές τέχνης που έχουν δημιουργηθεί ποτέ. Το ιδιόρρυθμο αλλά έντονα δημιουργικό του στυλ αρχιτεκτονικής του 80ου αιώνα εμφανίστηκε στα τέλη της δεκαετίας του XNUMX, κυρίως στο Λος Άντζελες αλλά και στην Ευρώπη.
Ως μέρος της μεταμοντέρνας τέχνης που έγινε δυνατή με τη χρήση λογισμικού σχεδιασμού της αεροδιαστημικής βιομηχανίας, η αποδομιστική αρχιτεκτονική έρχεται σε αντίθεση με τον διατεταγμένο ορθολογισμό της γεωμετρίας και ευνοεί μια εξωγήινη προσέγγιση στο σχεδιασμό που συνήθως παραμορφώνει το εξωτερικό μιας δομής ενώ υπονομεύει τα στοιχεία. αξίες της νεωτερικότητας .
Ορισμένοι ιστορικοί πιστεύουν ότι η αποδομιστική φιλοσοφία είναι επίσης αντίθετη με τη μεταμοντέρνα τέχνη, αν και οι πρακτικές συνέπειες αυτού είναι ασαφείς. Άλλωστε, ένας αποδομιστής αρχιτέκτονας πρέπει να ακολουθεί τους σύγχρονους και μεταμοντέρνους νόμους της επιστήμης, είτε του αρέσει είτε όχι.
Ο πιο διάσημος εκπρόσωπος της αποδομιστικής αρχιτεκτονικής είναι ο Καναδός-Αμερικανός νικητής του βραβείου Pritzker Frank O. Gehry. Άλλοι γνωστοί αποδομιστές είναι οι Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi και Peter Eisenman. Ασυνήθιστα κτίρια αποδομισμού περιλαμβάνουν: Σπίτι Χορού (Πράγα), Μουσείο Γκούγκενχαϊμ (Μπιλμπάο) και Μουσείο Σχεδιασμού Vitra στο Weil am Rhein.
Η αποδομιστική αρχιτεκτονική χαρακτηρίζεται από χειρισμό επιφανειών, κατακερματισμό και μη γραμμικές μορφές που παραμορφώνουν και παρακάμπτουν τις αρχιτεκτονικές συμβάσεις δομής και επιφάνειας. Με αυτόν τον τρόπο, στοιχεία που φαίνονται να έρχονται σε αντίθεση μεταξύ τους αντιπαρατίθενται σκόπιμα για να αμφισβητήσουν τις παραδοσιακές ιδέες της αρμονίας και της συνέχειας.
κυνικός ρεαλισμός
Κίνημα σύγχρονης κινεζικής τέχνης που αναδύθηκε μετά την ήττα της πλατείας Τιενανμέν (1989). Οι κυνικοί ρεαλιστές χρησιμοποίησαν ένα εικονιστικό στυλ ζωγραφικής με μια σκωπτική αφήγηση. Τα επαναλαμβανόμενα μοτίβα είναι φιγούρες, φαλακροί άνδρες και φωτογραφικά πορτρέτα. Το στυλ χλεύαζε την πολιτική και κοινωνική θέση της Κίνας, και δεδομένου ότι αυτό ήταν μια νέα αυγή για τους Κινέζους καλλιτέχνες, έγινε δεκτό από τους δυτικούς συλλέκτες έργων τέχνης.
Μεταμοντέρνα λογοτεχνία και κινηματογράφος
Τα χαρακτηριστικά της μεταμοντέρνας λογοτεχνίας περιλαμβάνουν έναν στοχαστικό χειρισμό του τι είναι διαθέσιμο με τη μορφή παραπομπών και υπαινιγμών και το παιχνίδι με τα λογοτεχνικά είδη. Χαρακτηριστική είναι επίσης η κατασκευή πολυάριθμων επιπέδων δράσης και σχέσεων, συχνά σπασμένων.
Πιθανώς το πιο γνωστό μεταμοντέρνο μυθιστόρημα είναι το The Name of the Rose του Umberto Eco. Με μια πολύ περίπλοκη λογοτεχνική δομή όπως ένα αστυνομικό μυθιστόρημα, ο Eco κατάφερε να γεφυρώσει το χάσμα μεταξύ της λεγόμενης υψηλής κουλτούρας και της μαζικής κουλτούρας. Ιστορικά, λογοτεχνικά και καλλιτεχνικά ιστορικά αποσπάσματα και αναφορές κάνουν το βιβλίο εκπαιδευτικό μυθιστόρημα ή ακόμα και λογοτεχνικό διαγωνισμό. Αλλά ακόμη και όσοι δεν ενδιαφέρονται για αυτό μπορούν να απολαύσουν τη δουλειά του Eco ως ένα συναρπαστικό θρίλερ.
Ομοίως, ο Peter Greenaway συνδύασε το ιστορικό κινηματογραφικό είδος με το θρίλερ στην ταινία του 1982 The Cartoonist's Contract, αλλά σε αντίθεση με την Echo, δεν λύνει τον γρίφο. Αν και η πλοκή παρέχει πολλές κλασικές ενδείξεις, όλες δεν οδηγούν πουθενά.
εικαστικές τέχνες
Η χρήση του όρου μεταμοντέρνο απορρίπτεται από πολλούς θεωρητικούς και καλλιτέχνες, ιδιαίτερα στον τομέα των εικαστικών τεχνών, δεδομένου του ευρέος φάσματος των μορφών έκφρασης. Η απόρριψη της μοντερνιστικής πίστης στην καινοτομία είναι επίσης ένα από τα θεμέλια της μεταμοντέρνας αισθητικής στην εικαστική τέχνη. Ο μεταμοντερνισμός συνδέεται με ιστορικές κατηγορίες τέχνης που απορρίφθηκαν από τη νεωτερικότητα, όπως οι αφηγηματικές και μυθολογικές δομές.
Αυτό ξεκινά ήδη με τις απεικονίσεις των εικόνων του 1950ου αιώνα από τον Άντι Γουόρχολ, από τον Έλβις μέχρι την Τζάκι Ωνάση. Η ποπ αρτ σηματοδότησε επίσης τη ρήξη με τη νεωτερικότητα στη δεκαετία του XNUMX αποχαιρετώντας την αφαίρεση. Στη δεκαετία του XNUMX, οι εικαστικές τέχνες, όπως και η αρχιτεκτονική της εποχής, τόνισαν τη σημασία των αισθησιακών, συναισθηματικών και παραδοσιακών πτυχών έναντι της θεωρίας και της έννοιας.
Στη δεκαετία του XNUMX, η κολεκτίβα New Wild (Neue Wilden) έσπασε την κυριαρχία της μινιμαλιστικής και εννοιολογικά εργατικής avant-garde με την εκφραστική και αντιπροσωπευτική ζωγραφική της. Παρόμοιες τάσεις υπήρξαν στις Ηνωμένες Πολιτείες και την Ιταλία.
Αφού επικράτησε ο ανεμοστρόβιλος γύρω από τους New Savages, επικράτησαν τάσεις που επικεντρώθηκαν στον προβληματισμό για το μέσο της ζωγραφικής και στον αισθησιακό πειραματισμό με εικονικά μέσα (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), ζωγραφική που αναπαριστά την κυριαρχία της μινιμαλιστικής και εννοιολογικής πρωτοπορίας εργασίας. garde. Παρόμοιες τάσεις υπήρξαν στις Ηνωμένες Πολιτείες και την Ιταλία.
Χαρακτηριστικό της εποχής είναι δύο καλλιτέχνες που το έργο τους ενσωματώνει την αισθητική της υποκουλτούρας και της μαζικής κουλτούρας: ο Keith Haring και ο Jeff Koons. Ο Χάρινγκ κατάφερε να συνδυάσει στοιχεία τέχνης γκράφιτι, κόμικς, νοηματική γλώσσα υπολογιστή, παιδικό σχέδιο και ζωγραφική πρώιμης ιστορίας σε μια εξαιρετικά ποιητική νοηματική γλώσσα που είναι κατανοητή σε πολλούς πολιτισμούς. Ο Τζεφ Κουνς έκανε όνομα στις αρχές της δεκαετίας του 1990 με την προκλητική κοινοτοπία των θεμάτων του.
Το υλικό που χρησιμοποιείται είναι συνήθως υψηλής ποιότητας, αλλά ο σχεδιασμός της επιφάνειάς του παραπέμπει στον κόσμο των knick-knacks και kitsch, όπως το μερικώς επιχρυσωμένο, σε φυσικό μέγεθος πορσελάνινο ειδώλιο του Michael Jackson με τους χιμπατζήδες του Bubbles.
Η απαίτηση της μεταμοντέρνας αισθητικής για πλουραλισμό, υποκειμενικότητα, απομάκρυνση από την αφαίρεση, συμπερίληψη των μέσων μαζικής ενημέρωσης, ασάφεια των ορίων του φύλου και αποδοχή της αναφοράς ως καλλιτεχνικού μέσου έχει φέρει χρώμα και κίνηση στο τοπίο, καλλιτεχνικό και μουσειακό.
Η τελική αναγνώριση της φωτογραφίας και του κινηματογράφου ως μέσου τέχνης μπορεί κάλλιστα να θεωρηθεί ως ένα διαρκές αποτέλεσμα των μεταμοντέρνων τάσεων. Προσωρινό highlight: Το καλοκαίρι του 2002, το Μουσείο Λούντβιχ στην Κολωνία θα παρουσιάσει και τις πέντε ταινίες από τον πρόσφατα ολοκληρωμένο "Cremaster Cycle" του Μάθιου Μπάρνεϊ ως μέρος μιας μεγάλης έκθεσης.
Αρχιτεκτονική
Στα μέσα της δεκαετίας του 1970, ο Charles Jencks εισήγαγε τον όρο μεταμοντερνισμός στον αρχιτεκτονικό λόγο. Με αυτόν τον τρόπο, ο μεταμοντέρνος λόγος έφτασε για πρώτη φορά στο ευρύ κοινό. Οι αρχές του στυλ της μεταμοντέρνας αρχιτεκτονικής είχαν ήδη εμφανιστεί ξεκάθαρα σε αυτό το σημείο.
Απαιτήθηκε μια δημοκρατική και επικοινωνιακή αρχιτεκτονική γλώσσα, της οποίας η αισθητική δεν θα έπρεπε να βασίζεται αποκλειστικά στη λειτουργία, αλλά και σε σημαντικό περιεχόμενο. Ζητήθηκε επίσης η συμπερίληψη φανταστικών στοιχείων, όπως το γοτθικό, που έβλεπε μια εικόνα της ουράνιας Ιερουσαλήμ στον καθεδρικό ναό.
Ταυτόχρονα, αυξήθηκε η τάση διατήρησης και επανασχεδιασμού των ιστορικών κτιρίων. Το πιο χαρακτηριστικό παράδειγμα ήταν το Gare d'Orsay στο Παρίσι, το οποίο άνοιξε ως Musée d'Orsay το 1986. Τέτοια ιστορικά κτίρια επηρέασαν τη γλώσσα της μεταμοντέρνας αρχιτεκτονικής, η οποία από την αρχή καθορίστηκε έντονα από παραπομπές.
Για να αποφευχθεί ένας νέος ιστορικισμός, το σύνθημα ήταν ότι ο εκλεκτικισμός, που εκφραζόταν, για παράδειγμα, με τη χρήση κιόνων, παραθύρων και δικτυωτού πλέγματος, έπρεπε να σπάσει ειρωνικά. Το φάσμα της μεταμοντέρνας αρχιτεκτονικής αναπτύχθηκε ιδιαίτερα στο κτίριο του μουσείου της δεκαετίας του XNUMX και του XNUMX.
Εκτός από το Μουσείο Abteiberg του Hans Hollein (Mönchengladbach), η Κρατική Πινακοθήκη του James Stirling (Στουτγάρδη) θεωρείται επιτυχημένο και χαρακτηριστικό προϊόν του μεταμοντερνισμού. Στο σχέδιο του Stirling, πολλές νύξεις στην ιστορική αρχιτεκτονική, από την Αίγυπτο μέχρι τον κλασικό μοντερνισμό, συνδυάζονται με χρώματα της ποπ κουλτούρας και τυπικά τοπικά υλικά από ψαμμίτη και τραβερτίνη για να δημιουργήσουν μια συνεκτική, σύγχρονη μορφή.
Τον τελευταίο καιρό, όσον αφορά την κατασκευή μουσείων, ο χαρακτήρας της εμπειρίας έρχεται στο προσκήνιο όλο και περισσότερο από την εκπαιδευτική απαίτηση.
Αντί να στοχαζόμαστε τη διαλογιστική τέχνη, απαιτείται σκηνοθεσία και η ίδια η αρχιτεκτονική σκηνοθετείται με εκπληκτική θέα και θεατρικά εφέ. Οι πρώτες δημόσιες επισκέψεις γίνονται ολοένα και περισσότερο πριν αναρτηθούν οι πίνακες, ώστε να μπορεί να βιωθεί η αρχιτεκτονική.
Μεταμοντέρνα εστίαση στη λαϊκή κουλτούρα
Οι κριτικοί τέχνης συχνά χρησιμοποιούν τον όρο «υψηλή κουλτούρα» όταν προσπαθούν να διακρίνουν την τέχνη της ζωγραφικής και της γλυπτικής (και άλλες εικαστικές τέχνες) από τη δημοφιλή κουλτούρα των περιοδικών, της τηλεόρασης και άλλων προϊόντων μαζικής παραγωγής. Ο μοντερνισμός και οι οπαδοί του με επιρροή όπως ο Greenberg (1909-94) θεώρησαν αυτές τις μορφές πολιτισμού ως κατώτερες. Αντίθετα, οι μεταμοντερνιστές, που προτιμούν μια πιο δημοκρατική αντίληψη της τέχνης, βλέπουν την «υψηλή κουλτούρα» ως πιο ελιτίστικη.
Η ποπ αρτ, το πρώτο μεταμοντέρνο κίνημα, μετέτρεψε τα συνηθισμένα καταναλωτικά αγαθά σε τέχνη. Οι καλλιτέχνες της ποπ και άλλοι προχώρησαν ακόμη παραπέρα στις προσπάθειές τους να εκδημοκρατίσουν την τέχνη τυπώνοντας την «τέχνη» τους σε κούπες, χάρτινες σακούλες και μπλουζάκια: μια μέθοδος που, παρεμπιπτόντως, αποτελεί παράδειγμα της μεταμοντέρνας επιθυμίας, πρωτοτυπίας και αυθεντικότητας.
Οι μεταμοντέρνοι καλλιτέχνες έχουν εγκαταλείψει την ιδέα ότι ένα έργο τέχνης έχει μόνο ένα εγγενές νόημα. Αντίθετα, πιστεύουν ότι ο θεατής είναι μια εξίσου σημαντική πηγή νοήματος. Η σουρεαλιστική φωτογραφία της Cindy Sherman, για παράδειγμα, υπογραμμίζει την ιδέα ότι ένα έργο τέχνης μπορεί να ερμηνευτεί με πολλούς τρόπους.
Στην πραγματικότητα, ορισμένοι καλλιτέχνες, όπως η καλλιτέχνις της περφόρμανς Μαρίνα Αμπράμοβιτς, επιτρέπουν ακόμη και στους θεατές να συμμετέχουν στην τέχνη τους ή ακόμη και απαιτούν τη συμβολή του κοινού για να ολοκληρώσουν τη δουλειά τους.
Επικεντρωθείτε στην παράσταση
Ελλείψει αληθινού νοήματος στη ζωή, ειδικά όταν υποβάλλουμε διαφημίσεις στο ραδιόφωνο και την τηλεόραση μέρα και νύχτα, οι μεταμοντέρνοι καλλιτέχνες προτίμησαν να περιορίζονται στο στυλ και το θέαμα, χρησιμοποιώντας συχνά εργαλεία και τεχνικές προώθησης για να επιτύχουν μεγαλύτερο αντίκτυπο. Αυτή η προσέγγιση παρουσιάζεται ως παράδειγμα στην εμπορική διαδικασία εκτύπωσης που χρησιμοποιεί εικόνες που μοιάζουν με αφίσα από καλλιτέχνες της ποπ όπως ο Roy Lichtenstein και ο James Rosenquist.
Η εστίαση στην επιφάνεια είναι ένα κοινό χαρακτηριστικό της μεταμοντέρνας τέχνης και μερικές φορές έρχεται στο προσκήνιο με θεατρικές, λαμπερές, εξαιρετικά εντυπωσιακές εικόνες. Από το 1980, η χρήση υπολογιστών και άλλων τεχνολογιών έφερε επανάσταση στην τέχνη των πολυμέσων (π.χ. κινούμενα σχέδια) και δημιούργησε συγκεκριμένες δυνατότητες σε τομείς όπως η αρχιτεκτονική.
Το πόσο σημαντικό είναι να τραβήξουμε την προσοχή του κοινού στον μεταμοντερνισμό φαίνεται από τις τακτικές σοκ μιας ομάδας φοιτητών στο Goldsmiths College, γνωστών ως Young British Artists, στο Λονδίνο στα τέλη της δεκαετίας του XNUMX και του XNUMX. Έγιναν διάσημοι για τρία σόου, οι YBA επικρίθηκαν για το κακό γούστο τους, ωστόσο αρκετοί από αυτούς έγιναν νικητές του βραβείου Turner, ενώ άλλοι πέτυχαν σημαντική φήμη και περιουσία.
Ικανοποιήστε τις ανάγκες των καταναλωτών
Η άνοδος της καταναλωτικής συμπεριφοράς και η άμεση κουλτούρα της απόλαυσης τις τελευταίες δεκαετίες του XNUMXού αιώνα είχαν επίσης ισχυρή επιρροή στις εικαστικές τέχνες. Οι καταναλωτές θέλουν πλέον την καινοτομία. Θέλουν επίσης αναψυχή και διασκέδαση. Πολλοί μεταμοντέρνοι καλλιτέχνες, επιμελητές και άλλοι επαγγελματίες άδραξαν την ευκαιρία να μετατρέψουν την τέχνη σε προϊόν διασκέδασης.
Η εισαγωγή νέων μορφών τέχνης όπως περφόρμανς, εκδηλώσεις και εγκαταστάσεις, καθώς και νέα θέματα, όπως νεκροί καρχαρίες, γιγάντια γλυπτά από πάγο, πολλά γυμνά σώματα, κτίρια που φαίνεται να κινούνται, μια συλλογή τριάντα πέντε χιλιάδων φιγούρες από τερακότα, ζωγραφισμένα σώματα, απόκοσμες προβολές σε δημόσια κτίρια (και πολλά άλλα) - έχουν δώσει στους θεατές μια σειρά από νέες, μερικές φορές συγκλονιστικές, εμπειρίες.
Το αν αυτές οι νέες μορφές τέχνης είναι στην πραγματικότητα «τέχνη» παραμένει ένα ερώτημα που προκαλεί πολλές συζητήσεις. Οι μεταμοντέρνοι εννοιολογιστές υποστηρίζουν ότι είναι, ενώ οι παραδοσιακοί αρνούνται να το θεωρήσουν ως τέτοιο.
αρχές της μεταμοντέρνας τέχνης
Για τους ειδικούς, η μεταμοντέρνα τέχνη αποτελείται από τρεις βασικές αρχές που θα τη διέπουν γενικά χωρίς να είναι απολύτως περιοριστική:
άμεσο νόημα
Τέρμα οι ξεθωριασμένες ελαιογραφίες που απεικονίζουν γεγονότα που ξεσηκώνουν τα μαλλιά από την ελληνική μυθολογία για να προκαλούν ένα συνειδητό χαμόγελο από τον καλλιεργημένο παρατηρητή. Από τις απαρχές της στο κίνημα της Ποπ Αρτ, η μεταμοντέρνα ζωγραφική και γλυπτική ήταν τολμηρή, λαμπρή και άμεσα αναγνωρίσιμη.
Τα θέματα και οι εικόνες ελήφθησαν κυρίως από καταναλωτικά προϊόντα υψηλού προφίλ, περιοδικά, διαφημίσεις, τηλεόραση, ταινίες, κινούμενα σχέδια και κόμικς. Για πρώτη φορά, όλοι κατάλαβαν την τέχνη που εκτίθεται. Αν και ο μεταμοντερνισμός έχει εξελιχθεί από την ποπ αρτ, ένας κύριος στόχος του νοήματος παραμένει αμέσως εμφανής.
Η τέχνη μπορεί να γίνει από οτιδήποτε
Με βάση τις παραδόσεις του Marcel Duchamp, του οποίου το ουρητήριο με τον τίτλο Fountain (1917) ήταν το πρώτο διάσημο παράδειγμα ενός συνηθισμένου αντικειμένου που μετατράπηκε σε έργο τέχνης (άλλο παράδειγμα: The Story of the Ready-made), καλλιτέχνες τέχνης Μεταμοντέρνοι το έφτιαξαν την επιχείρησή τους να δημιουργούν τέχνη από τα πιο ασυνήθιστα υλικά και συντρίμμια. Η ιδέα πίσω από αυτό είναι να εκδημοκρατιστεί η τέχνη και να γίνει πιο προσιτή.
Η ιδέα είναι πιο σημαντική από το ίδιο το έργο τέχνης
Μέχρι τη δεκαετία του 1960, οι καλλιτέχνες πίστευαν γενικά ότι χωρίς ένα τελικό προϊόν δεν θα υπήρχε τίποτα. Μεγάλη προσοχή δόθηκε στην ποιότητα του τελικού έργου τέχνης και στη δεξιοτεχνία που απαιτείται για αυτό. Σήμερα τα πράγματα είναι διαφορετικά.
Οι μεταμοντέρνοι τείνουν να πιστεύουν περισσότερο στην έννοια πίσω από το τελικό προϊόν παρά στο ίδιο το προϊόν, γι' αυτό μεγάλο μέρος της «μεταμοντέρνας τέχνης» ονομάζεται «εννοιολογική τέχνη» ή «εννοιολογισμός». Άλλες μορφές εννοιολογισμού περιλαμβάνουν εγκαταστάσεις, παραστατικές τέχνες, χάπενινγκ, τέχνη προβολής και μερικές άλλες.
Αξιόλογοι μεταμοντέρνοι καλλιτέχνες
Εφόσον είμαστε σύγχρονοι της μεταμοντέρνας τέχνης, είναι δύσκολο να ξεχωρίσουμε τα εμβληματικά ονόματα της εποχής. Μόνο μετά από πάροδο χρόνου θα μπορούμε να πούμε ποιοι καλλιτέχνες άφησαν εκφραστικό σημάδι στην ιστορία της ζωγραφικής και των οποίων η φήμη ήταν απλώς ένας φόρος τιμής στη μόδα. Όμως, εφόσον ο μεταμοντερνισμός αναπτύσσεται για περισσότερο από μισό αιώνα, μπορούμε να ονομάσουμε μερικά από τα ονόματα που έχουν ήδη εγγραφεί στην ιστορία. Αυτά περιλαμβάνουν, για παράδειγμα:
- Ντανταϊστής, σουρεαλιστής και ιδρυτής του εννοιολογισμού Marcel Duchamp
- Ηγέτης της ποπ αρτ Άντι Γουόρχολ
- Ο πρωτοπόρος της συναρμολόγησης César Baldaccini
- Ο διάσημος εννοιολόγος Μπρους Νάουμαν
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Ο Marcel Duchamp (γεννημένος στις 28 Ιουλίου 1887 – πέθανε στις 2 Οκτωβρίου 1968) ήταν δεξιοτέχνης της avant-garde τέχνης, γνωστός για τα εξωφρενικά έργα τέχνης του. Το έργο του Marcel Duchamp αψήφησε τις καθιερωμένες παραδόσεις και συζητήθηκε επανειλημμένα στο σκανδαλώδες χρονικό και στις δύο πλευρές του ωκεανού.
Στην αρχή της καριέρας του, ζωγράφιζε εικόνες σε μετα-ιμπρεσιονιστικό στυλ, αποτίοντας φόρο τιμής στον κυβισμό και τον φωβισμό, αλλά στη συνέχεια εγκατέλειψε τη ζωγραφική και άρχισε να ενδιαφέρεται να δημιουργήσει εγκαταστάσεις όπου ανακάτευε τεχνικές και χρησιμοποιούσε υλικά διαφόρων υφών. Οι επαναστατικές ιδέες του καλλιτέχνη είχαν μεγάλη επίδραση στην ανάπτυξη της εννοιολογικής τέχνης τον XNUMXό αιώνα.
Άντι Γουόρχολ
Ο Άντι Γουόρχολ (γεννήθηκε στις 6 Αυγούστου 1928 – πέθανε στις 22 Φεβρουαρίου 1987) ήταν περιζήτητος Αμερικανός καλλιτέχνης και γκαλερίστας του XNUMXου αιώνα. Συνέβαλε πολύ στην ανάπτυξη της εμπορικής ποπ αρτ. Ο Andy Warhol δικαίως θεωρείται ο ηγέτης μιας τέτοιας τάσης όπως το uomo universale.
Robert Rauschenberg
Ο Robert Rauschenberg (γεννήθηκε στις 22 Οκτωβρίου 1925 – πέθανε στις 12 Μαΐου 2008) ο τιτάνας της αμερικανικής τέχνης του XNUMXου αιώνα σύμφωνα με την εφημερίδα The New York Times, ήταν ένας εξαιρετικός καλλιτέχνης και δημιουργός, εκπρόσωπος του αφηρημένου ιμπρεσιονισμού, του εννοιολογισμού, έτοιμος και ιδρυτής της ποπ αρτ.
Οι πίνακες του Robert Rauschenberg είναι κολάζ και εγκαταστάσεις, οβελίσκοι, είδη σπιτιού και άλλα αντικείμενα που είναι δύσκολο να ταξινομηθούν. Το έργο του πλοιάρχου, όπως και η βιογραφία του, είναι συγκλονιστικό, εκπληκτικό, αηδιαστικό και γοητευτικό, αλλά δεν αφήνει κανέναν αδιάφορο. Φλογερός αμφιφυλόφιλος, απογοητευμένος φαρμακοποιός, αντίπαλος ό,τι είναι κλασικό και συνηθισμένο, προκαλούσε συνεχώς τον εαυτό του και τον κόσμο γύρω του.
Φάρμακα Varo Uranga
Ο Remedios Varo Uranga (γεννήθηκε στις 16 Δεκεμβρίου 1908 – πέθανε στις 8 Οκτωβρίου 1963) είναι Ισπανός και Μεξικανός καλλιτέχνης του XNUMXου αιώνα, πρωτότυπος εκπρόσωπος του σουρεαλισμού. Το έργο του Remedios Varo ξεφεύγει από το πλαίσιο της κλασικής ζωγραφικής: τα όνειρα, οι φιλοσοφικοί στοχασμοί, η μαγεία, η μηχανική, η ιστορία και ο αποκρυφισμός είναι συνυφασμένα στα έργα του σουρεαλιστή.
Ταυτόχρονα, οι πίνακες του Remedios Varo είναι εμφατικά λυρικοί και θηλυκοί, γεμάτοι μεσαιωνική ατμόσφαιρα και παραπέμπουν τον θεατή στις απαρχές του σύμπαντος. Οι πίνακες του Remedios Varo είναι γεμάτοι με εξωφρενικούς χαρακτήρες παραμυθιού, μηχανικές κατασκευές και φύση. Σε αντίθεση με τον κλασικό σουρεαλισμό, σε κάθε έργο του καλλιτέχνη εντοπίζεται ξεκάθαρα μια πλοκή που οδηγεί τον θεατή σε ορισμένα συμπεράσματα.
Francis Bacon
Ο Φράνσις Μπέικον (γεννημένος στις 28 Οκτωβρίου 1909 – πέθανε στις 28 Απριλίου 1992) είναι δεξιοτέχνης του βρετανικού εξπρεσιονισμού, ένας από τους πιο διφορούμενους και βάναυσους καλλιτέχνες του XNUMXού αιώνα. Το έργο του Φράνσις Μπέικον αναγνωρίζεται ως εντυπωσιακό: οι πιο τρομακτικές δημιουργίες της ανθρώπινης φαντασίας ζωντανεύουν στους πίνακές του.
Ο Φράνσις Μπέικον δεν έλαβε ακαδημαϊκή εκπαίδευση. Ταυτόχρονα, είναι απίστευτα περιζήτητο και δημοφιλές. Οι πίνακες του πλοιάρχου είναι το απόλυτο όνειρο τόσο για τις ιδιωτικές γκαλερί όσο και για τα πιο διάσημα μουσεία του κόσμου, τα οποία δεν είναι καθόλου αντίθετα να συμπεριλάβουν το έργο του στη συλλογή. Μερικά από τα αριστουργήματα του καλλιτέχνη αξίζουν δεκάδες εκατομμύρια δολάρια και περιλαμβάνονται στις λίστες με τα πιο ακριβά έργα τέχνης.