V tomto článku vám přinášíme všechny relevantní informace o Vlastnosti barvy, povíme vám o tom, jaký význam měla malba v dějinách světa, protože zanechala mnoho stop a mnoho příběhů, proto při pozorování cenného obrazu musíte myslet na různé vlastnosti malby. tento článek, který se vám bude líbit!
Vlastnosti barvy
Umění reprezentovat grafiku pomocí pigmentů smíchaných s různými syntetickými nebo organickými pojivy je to, co známe jako malba. Chcete-li použít umění malby, musíte mít mnoho znalostí o teorii barev a obrazové kompozici. různé vlastnosti barvy, která má být použita.
Aby bylo možné provádět umění malby a kresby, musí být malba neustále prováděna, a to spočívá ve využívání určitého povrchu, jako je list papíru, plátno, kus látky, kus dřevo, stěna, do které se bude malovat, za použití určité techniky, aby se získalo složení barev, tvarů, kreseb, textur, mimo jiné, čímž vznikne design uměleckého díla splňující některé estetické zásady.
Architekt a teoretik francouzského původu André Félibien tak v XNUMX. století na jedné ze svých přednášek na Francouzské akademii potvrdil hierarchii žánrů, které existují v klasickém malířství, tj. „Příběh, portrét, krajina, moře, květiny a ovoce“
Ve výtvarném umění je malba jedním z nejstarších uměleckých projevů, které existují ze sedmi existujících, ve vědě o teorii umění a v estetice je malba považována za univerzální kategorii a zahrnuje všechny umělecké výtvory vytvořené na povrchy. Jednou z kategorií, které se používají v různých charakteristikách malby, je typ použitého nosiče nebo použitý materiál a aktuálně nosiče nebo různé digitální techniky.
Je důležité poznamenat, že v dějinách malby na čas dominovalo náboženství nebo náboženské umění. Existuje mnoho příkladů tohoto typu malby, od děl, která byla namalována s důrazem na mytologické a náboženské postavy, až po scény popsané v Bibli, jako je strop Sixtinské kaple ve Vatikánu v Římě. Dokonce stejné malované výjevy ze života Buddhy, stejně jako různé malované obrazy odrážející orientální náboženskou tematiku.
Definice malby
Abychom definovali malbu a mluvili o jejích hlavních charakteristikách malby, lze říci, že se jedná o grafickou reprezentaci pomocí řady pigmentů kombinovaných s dalšími látkami, ať už organickými nebo syntetickými, k provedení uměleckého vyjádření. Ale je dobře známo, že umění malby je trochu složité, protože vyžaduje mnoho malířských technik a metod, stejně jako kresbu a vizuální kompozici umělce a to, jak využívá teorii barev.
Pomocí těchto technik může malíř použít metody malby fresky nebo metody olejomalby. Obraz však může splňovat různá tematická kritéria, stejně jako různé charakteristiky historické malby nebo různé výše uvedené žánry.
Najdete zde také různé styly malby, jako je pravěká a gotická malba a v jakémkoli období malby, na které se odkazuje. Ale obrazy jsou umělecká díla, jak říká Ernst Hans Josef Gombrich, britský historik umění rakouského původu:
„Není nic špatného na tom, když si uděláme radost krajinomalbou, protože nám připomíná náš domov, nebo portrétem, protože nám připomíná přítele, protože jako muži jsme, když se díváme na umělecké dílo, vystaveni vzpomínka na množství věcí, které v dobrém i ve zlém ovlivňují náš vkus.
Gombrich, Dějiny umění (2002)“
Stejným způsobem Arnold Hauser, historik umění maďarského původu, který celý život studoval mezi Německem a Itálií, definuje pojem malba a uvádí následující:
"Interpretujeme je (obrazy) podle našich vlastních záměrů a tužeb, přenášíme do nich význam, jehož původ je v našem životním stylu a duševních návycích."
Filosof německého původu Ernst Bloch ve své knize napsané v roce 1918 nazvané duch utopie, ukazuje svou inteligenci k obraně nefigurativního umění a vytváří vztah s koncepcí utopického člověka, který má neodhalený osud, ale je nevědomě přítomen v hlubinách lidské bytosti a ve své knize přichází potvrdit následující:
"Pokud by úkolem malby bylo postavit se před zraky vzduchu a vzácné rozlehlosti prostoru a všeho ostatního, bylo by lepší jít přímo a svobodně si to všechno užít."
Pro další historiky a zejména pana Erwina Panofského zkoumali obsah několika obrazů prostřednictvím jejich formy a obsahu, který představovali, provedli několik studií, ve kterých se snažili porozumět tomu, co obraz představuje pro společnost, pak význam, který měl tento obraz pro společnost. pozorovatele a konečně vysvětlí význam, který měla malba pro kulturu a náboženství.
dějiny malby
V tomto článku s názvem Charakteristika malby vám povíme něco málo o historii malby. Abyste měli potřebné znalosti, protože když mluvíme o historii, musíme se vrátit do doby pravěku a dosáhnout současné doby, která zahrnuje všechna zobrazení, která jsou vyrobena různými technikami používanými v malbě a umělecké kresbě.
To vše se shoduje s historií umění v kulturním a historickém kontextu, když se pokoušíme analyzovat historii malířství, musíme se vrátit k malbám, které byly vytvořeny jako nástěnné malby v různých jeskyních, které lze nalézt v pyrenejských oblastech, které patří k zemím Španělska a Francie a část pobřeží Středozemního moře v tom, co se nazývalo levantské umění.
V jiných částech Evropy jsou ještě o něco nižší malby, které se nacházejí v těchto zemích: Portugalsko, Itálie, část východní Evropy a severní Afrika. Existují další velmi důležité malby v dějinách malířství, jako jsou jeskynní malby a jsou nejstarší, které člověk zná.
V dějinách malby je jeskyně Chauvet nacházející se ve Francii, podle historiků prostřednictvím průzkumů provedených v uvedené jeskyni je stará více než 32 tisíc let a nachází se v období aurignacienu a gravettienu. Charakteristickým znakem malby vytvořené v této jeskyni bylo, že umělci použili okrovou hlínu, červený oxid železitý a černý oxid manganičitý.
V dalších jeskyních, které také vynikají různými malbami, jsou obrazy Altamira a Lascaux, na těchto malbách jsou nakresleni nosorožci, mamuti, lvi, buvoli, koně nebo lidé v loveckém postoji s odkazem na zvířata. Také obrazy, které se nacházejí v papyrech a v různých zdech egyptských hrobek pocházejících z doby 5 tisíc let před Kristem, jsou výjevy z každodenního života této populace a také z jejich mytologie a víry.
Bude také symbolizovat vlastnosti a rysy této společnosti tím, že použije velikost postav jako hodnost společnosti. Stejně jako ve starověkém Římě bylo normální zdobit nebo malovat stěny domů a paláců, v současnosti je v nejlepším stavu památkové péče starověké město Pompeje a město Herculaneum.
Po příchodu do paleochristánské éry v katakombách je začali zdobit malováním výjevů z Nového zákona a představujících Ježíše jako postavu dobrého pastýře, namalovali postavy s velkýma očima, čímž vytvořili iluzi, že se dívají na diváka. Tento styl se stal velmi obdivovaným a nadále byl prováděn v byzantské škole v Konstantinopoli.
Poté se mezi XNUMX. a XNUMX. stoletím rozvíjí romantická malba v nejzajímavějších oblastech Evropy na jihu Francie a v oblastech Katalánska, i když obrazy, které byly vytvořeny, byly s různými náboženskými náměty, vytvořené v nejvyšší části kostela a na velké stěny, aby je lidé mohli pozorovat, jedním z nejpoužívanějších zobrazení byl pantokrator, což je obraz Ježíše Nazaretského a obraz Panny Marie.
Začali také dělat obrazy ukazující životy svatých. V gotickém malířství se vyskytovala i náboženská malba, reprezentující témata světského původu, ale větší zastoupení měla v zemích Itálie a Francie, kde nejvýznamnější osobností byl malíř Giotto, který působil jako muralista a architekt florentského původu.
V době renesance hrála klasická malba velkou roli v ovlivňování pokroku společnosti, v té době se rozvíjela lineární perspektiva a studovala se lidská anatomie pomocí malby jako opěrného bodu, jedné z nejdůležitějších charakteristik malba byla použití techniky oleje.
V této době existovali skvělí malíři, kteří byli uznáváni pro své znalosti a malířské techniky, které používali, mezi nejvýznamnější patřili Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael Sanzio a Tizian. V charakteristice obrazu vynikají v práci Leonarda Da Vinciho při tvorbě Mona Lisa, který je také známý jako Mona Lisa, No, já používám metodu šerosvit a sfumato.
Architekt a sochař Michelangelo vytvořil jedno z nejvýznamnějších děl malováním stropu Sixtinské kaple, známé jako jedno z velkých děl renesance, kromě toho mnoho umělců využilo symbolických námětů, mezi nimiž jsou ti ze severní Evropy. patří bratři Jan van Eyck a Hubert van Eyck. V Německu vynikl malíř a humanista Dürer.
Zatímco tzv. protireformační církev neboli reforma katolické církve, kterou chtěl čelit protestantismu, se snaží využít náboženského umění a k tomu využíval umělé konvence manýristů, kteří umění ovládali. mezi XNUMX. a XNUMX. stoletím, ale v této době charakteristika obrazu, který používali, spočívala v odmítnutí pravidel a svobody kompozice tvarů a barev, ale byla použita novost caravaggistů.
Tito využili radikálního naturalismu, kdy využili kombinace fyzického pozorování k detailu všeho, co bylo potřeba zvýraznit, a dodali malbě divadelní a dramatické umění mediální využití techniky šerosvitu. Inu, využil stínu a světla, v tomto umění vynikají Caravaggio a Annibale Carracci, dva malíři, kteří byli současní a velmi důležití v obrazové konformaci barokního umění.
Jednou z nejvýraznějších charakteristik barokní malby je dynamika kompozic malířů Rubense Rembrandta a Velázqueze. V první polovině XNUMX. století se prosazovalo umělecké hnutí rokoko, které bylo slavnostnější a veselejší než barokní umění a bylo široce přijímáno v zemích Francie a Německa.
Kulturní hnutí romantismu, které začalo na počátku XNUMX. století, vyjadřovalo nálady a velké intenzivní pocity, ale ve Francii byl nejvýznamnějším malířem Delacroix, ve Spojených státech byl vynikajícím malířem Thomas Cole, zatímco ve Spojeném království United zastupovali Constable a Turner a ve Španělsku byl malíř Francisco de Goya.
V polovině devatenáctého století byla vynalezena fotografie a malba začala ztrácet historický cíl, který do té doby měla poskytováním nejrealističtějších obrazů, v té době se objevilo umělecké hnutí impresionismu reprezentované malířem francouzského původu jménem Edouard Manet. který byl předchůdcem tohoto hnutí, který to umožnil na základě svých volných tahů štětcem a poměru barev, které použil k vytvoření realističtějšího obrazu, aniž by věnoval velkou pozornost nejkonkrétnějším detailům.
Ve XNUMX. století vlastnosti malby vynikají více díky rozmanitosti obrazových proudů, mezi nimiž máme fauvismus, který je také známý jako fauvismus a je obrazovým hnutím, které se zrodilo ve Francii a poté se rozšířilo do několika zemí a bylo charakterizované odmítáním tradičních barev a používáním násilných nebo velmi nápadných barev.
Kulturní hnutí zvané expresionismus se také zrodilo, ale v Německu, ale bylo ztělesněno v různých oblastech výtvarného umění, jako je výtvarné umění, architektura, literatura, hudba, kino, divadlo, tanec, fotografie atd. A vyznačovalo se tím, že pocity byly cítit víc než věrný produkt reality.
Podobně se v letech 1907 až 1924 zrodil kubismus jako umělecké hnutí, které vytvořili Pablo Picasso a Georges Braque a po něm následovali umělci Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard a Guillaume. byla založena na vytváření obrazů ve formě malých kostek. Z trojrozměrných obrazů se stávají dvojrozměrné obrazy.
Abstraktní malba je zděděna od tohoto kulturního hnutí kubismu, což je forma abstraktního expresionismu vyvinutého v New Yorku mezi 1940. a 1950. lety XNUMX. století.
Poté se ve Spojeném království objevuje Pop art, umělecké hnutí, které je inspirováno estetikou každodenního života a spotřebním zbožím používaným v té době. No, dělaly se reklamy propagující nějaký druh pití nebo jídla. Být jejím hlavním představitelem Andy Warhol.
Konečně se ve XNUMX. století objevuje minimalismus, což je trend, kdy se vše redukuje na to nejpodstatnější nebo se zbavuje nadbytečných prvků a vytváří charakteristiky obrazů s využitím minimálních estetických prostředků. Zatímco v XNUMX. století vznikla myšlenka pluralismu a dnes se používá velké množství stylů a estetiky.
Umělecké žánry používané v malbě
Mezi umělecké žánry, které existují a budou řazeny podle témat, která se zase zařadila do historie malby, která měla vliv na techniku, rozměry, styl a výraz, který tvoří umělecké dílo. Autoři jako Platón (427–347 př. n. l.), Aristoteles (384–322 př. n. l.) a Horaceus (65–8 př. n. l.) přišli na to, že umění je mimesis.
„Koncept, který používají tito autoři, a nazývají tak napodobování přírody základním účelem umění“
U tohoto konceptu se zasluhuje využití didaktické hodnoty, kterou má a dobře znázorňuje, ale nemělo by dělat rozdíly mezi portrétem vytvořeným imaginací a skutečným portrétem. Architekt Marco Vitruvio Polión v polovině XNUMX. století, který začal zdobit jídelny, kde byly pozorovány obrazy s různými jídly a v dalších místnostech byly vytvářeny krajiny a mytologické výjevy.
V renesanci měl architekt Leon Battista Alberti myšlenku povýšit úroveň malířského řemeslníka na úroveň liberálního umělce, dokonce uvedl, že nejdůležitější prací, kterou malíř má, je historie, ale architekt používá slovo historie. odkazoval na narativní malbu provádějící epické nebo náboženské scény, pak řekl následující:
"Ten, který zobrazuje velké činy velkých mužů, které stojí za připomenutí, se liší od toho, který popisuje zvyky soukromých občanů, od toho, který zobrazuje život rolníků. První má majestátní charakter, měl by být vyhrazen pro veřejné budovy a sídla velikánů, zatímco druhý bude vhodný do zahrad.“
V XNUMX. století se objevila olejomalba a sběratelství, i když se neztratila skutečnost vytváření velkých výpravných nástěnných maleb, dala vzniknout i komerční malbě a různým lépe zvládnutelným formátům. Tímto způsobem se začaly třídit různé obrazové žánry a specializace každého umělce.
V Itálii pokračuje historická malba a malíři, kteří byli v severní části Itálie, dělali portréty, zatímco malíři, kteří byli v Nizozemsku, začali kromě zátiší malovat žánrové obrazy, ale v malém měřítku malovat díla rolnického života. a krajina.
Architekt a teoretik André Félibien tak v roce 1667 jistým způsobem seřadil žánry klasické malby, kterými jsou historie, portrét, krajina, moře, květiny a ovoce.
Žánr malby: Tento obraz, nazývaný také žánrová scéna, je založen na soukromých zvycích lidí v jejich každodenních a současných scénách umělce, je také známý jako kostumbristická malba. Nejpopulárnější obrazy tohoto žánru byly vytvořeny v Nizozemsku na začátku XNUMX. století.
Mezi nejvýznamnější umělce v tomto žánru patří Pieter Brueghel starší a Vermeer. I když není s jistotou známo, zda byly vytvořeny tak, aby znázorňovaly realitu, nebo s cílem odvést pozornost pozorovatelů od maleb, které byly někdy velmi komické. Možná měli moralizující účel prostřednictvím různých příkladů, které dělali z diváků.
Není však pochyb, že v žánrové malbě XNUMX. století měli na mysli všechny satirické či moralizující záměry situace v různých dílech malířů Williama Hogartha nebo Jean-Baptista Greuze, zatímco ve Španělsku malíř Diego Velázquez kultivoval žánrovou malbu provedením svého díla Stařena smažící vejce a nosič vody ze Sevilly, tímto způsobem malíř Francisco Goya.
Portrét: V hierarchii žánrů používaných v malbě zaujímá portrét důležitou, ale nejednoznačnou pozici, protože na jedné straně představujete lidi v podobě Boha a na druhé straně se snaží oslavovat člověka pro jeho ješitnost a to, co historicky udělal. , protože vždy byli zastoupeni bohatí a nejvlivnější lidé.
Ale postupem času si střední třídy najímaly malíře, aby ztvárnili všechny lidi, kteří tvořili rodinu, dnes existují portréty, které vznikají mezi rodinami těch, kteří vládnou, korporacemi, spolky a jednotlivci.
Když malíř dělá portrét sebe sama, říká se tomu autoportrét, jedním z nejslavnějších malířů v tomto byl Rembrandt, který vytvořil více než sedmdesát autoportrétů. Obecně vzato, umělec vytváří jeho reprezentativnější autoportrét, jak uvedl Edward Burne-Jones, anglický umělec a designér, který tvrdí, že:
"Jediný výraz, který lze připustit ve velkém portrétování, je vyjádření charakteru a morální kvality, nic dočasného, pomíjivého nebo náhodného."
V olejové technice, kterou používal jeden z nejlepších malířů severní Evropy XNUMX. století jménem Jan Van Eyck, který byl jedním z těch, kdo propagovali umění pořídit autoportrét, byl důležitý příklad, když umělec namaloval Arnolfini Marriage, na tomto obraze je malíř zobrazen se svou těhotnou manželkou v celém těle.
Během renesance byl reprezentován jako společenský status a jako s velkým osobním úspěchem lidí, kteří byli portrétováni, tímto způsobem mezi nimi vyniklo mnoho umělců Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio a Durero.Ve Španělsku Zurbarán, Velázquez a Francisco de Goya.
K těmto skupinám se přidávají i francouzští impresionisté, kteří také provozovali tento žánr, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne atd., a ve XNUMX. století Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon nebo Andy Warhol.
Historická malba: Další charakteristikou malby je historická malba, která je považována za velký žánr v náboženských, mytologických, historických, literárních a alegorických obrazech. V tomto typu malby demonstrovali osobní a intelektuální nebo morální život člověka, který byl namalován. V jednom ze svých projevů pan Sir Joshua Reynolds, který přijel vystavovat na Královskou akademii umění v letech 1769 až 1790, tvrdil následující:
„Velkým smyslem umění je probouzet fantazii... Podle zvyku této části umění říkám historická malba, ale mělo by se říci poetická. (...) Při hledání velikosti svého díla se někdy musí odchýlit od vulgární a přísné historické pravdy.“
Tehdy byl umělec jménem Nicolás Poussin francouzského původu prvním malířem, který vytvořil žánr historické malby v menším formátu, ale tato inovace nebyla tak úspěšná. Zatímco malíř Diego Velázquez v roce 1656 dokončil své dílo s názvem Las Meninas, kde popisuje rodinu Filipa IV., na velkém obraze, kde je symbolicky znázorněno, že jde o portrét královské rodiny v rámci žánru historické malby.
Poté as odstupem času malíř Pablo Picasso v roce 1937 dokončil své slavné dílo s názvem Guernica, aby tomuto obrazu dal velký rozměr v žánru historické malby.
Krajina: V XNUMX. století našeho letopočtu se obrazy s žánrem nebo tématem krajiny nacházejí v zemích Číny a Japonska, protože v Evropě se objevují krajiny, ale s důrazem na výpravné scény nebo pojednání o farmacii a botanice.
Toto téma ale skutečně začíná v XNUMX. století našeho letopočtu, kdy se začaly žádat o sběratelskou podobu a různá témata věnovaná venkovské malbě a malíři severní Evropy byli označeni za specialisty v oboru, tímto způsobem , byl žánr holandských krajin propagován konkrétněji. Že jsem se soustředil na malování nízkého horizontu a oblohy zatížené mraky.
Kromě toho byly v tomto žánru namalovány typické holandské větrné mlýny, dobytek a různé rybářské lodě. V benátských krajinách v Itálii, které namaloval Giorgio Barbarelli da Castelfranco a jeho žáci, byly tyto obrazy vytvořeny s lyrickým vzhledem a mají krásné barevné zpracování.
Tento typ malby se vyvinul během osmnáctého století, ale nazýval se také vedutismem, protože to byl italský žánr, který se rozvinul v Benátkách, kde jsou městské pohledy na město zastoupeny podobně jako kartografický styl, protože obrazy jsou vytvářeny panoramaty město.
Jsou zde popsány kanály, památky a nejtypičtější místa Benátek, někdy byly malovány samostatně nebo s lidskými postavami, nejvýznamnějšími představiteli tohoto žánru byli Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi a Luca Carlevarijs.
V barbizonské škole, kde se místu, kde se krajináři nacházejí, se říká, protože to byli první postavy, které malovaly v exteriéru a dělaly studii, jak pracovat v exteriéru, a základem tohoto žánru je světlo a jeho mnoho variant, zejména ovlivnil impresionistickou malbu.
Stálý život: Jde o reprezentativnější žánr imitace přírody a neživých předmětů, které jsou zastoupeny v každodenním životě jako ovoce, květiny, jídlo, kuchyňské náčiní, nádobí, knihy, šperky atd. Ale jednou z charakteristik malby o tomto žánru je, že je méně literární.
Počátek žánru zátiší se vyskytuje ve starověku, kde se používal k výzdobě velkých sálů pro zvláštní události, jako jsou římské fresky v Pompejích, spisovatel Plinius starší uvedl, že umělci řeckého původu minulých staletí byli nejzručnější v portrétování a zátiší.
Tento žánr malby byl velmi důležitý v západním umění v XNUMX. století našeho letopočtu. Důležitým příkladem tohoto žánru je obraz s názvem Řeznictví Vytvořil španělský malíř Joachim Beuckelaer. Ve stejném století vytvořili malíři Caravaggio a Annibale Carracci díla představující velkolepá zátiší.
V sedmnáctém století našeho letopočtu se v C. v Nizozemsku rozvinul typ vinařství, které se nazývá marnost, Začaly se tam vystavovat všemožné věci jako hudební nástroje, sklo, stříbro a nádobí, ale i šperky a symboly jako knihy, lebky nebo přesýpací hodiny, které sloužily jako moralizující poselství pomíjivých smyslových požitků.
Zatímco Francouzská akademie kvalifikovala toto místo s posledním místem obrázkové hierarchie. Ale příchod uměleckého hnutí impresionismu spolu s mnoha charakteristikami malby, zátiší je opět normálním tématem mezi malíři i společností, obrazy Van Goghových Slunečnic jsou jedním z nejrozšířenějších obrazů tohoto žánru.
Kubističtí umělci také začali skládat zátiší, mezi nimiž vynikají následující Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard a Juan Gris.
akty: v tomto námětu jde o umělecký žánr, kde vynikne zobrazení lidského těla a je to také jedna z charakteristik malby, v aktu. Je považována za jednu z akademických klasifikací uměleckých děl. Někteří intelektuálové to ale mají tendenci spojovat s erotikou.
Ale žánr aktu má vždy různé interpretace a mnoho významů, od mytologie po náboženství a zdůrazňující anatomické studium nebo jako reprezentaci krásy a estetického ideálu dokonalosti, jak tomu bylo ve starověkém Řecku.
V umělecké oblasti bylo studium dokonalosti a zobrazení lidského těla vždy stálicí v dějinách umění, od pravěku s plastikou Willendorfské Venuše až po současnost. Téma aktů se stalo reprezentativnějším ve starověkém Řecku, kde byl akt pojímán jako dokonalost a absolutní krása.
Toto pojetí přetrvalo v klasicistním umění až do současnosti a je do značné míry podmíněno vnímáním aktu a umění západní společností. Ve středověku jejich vliv dosáhl náboženství, protože byly založeny na náboženských tématech a biblických scénách, což dalo tomuto žánru opodstatnění.
V renesanci byla nová kultura zvaná humanistická a byla více antropocentrická, stavěla člověka jako střed všech věcí, a s touto novou doktrínou znovu oživil návrat žánru nahého do umění, ale založeného na historické a mytologické témata.. Vytrvalost v náboženských otázkách.
V XNUMX. století našeho letopočtu začal žánr aktu ztrácet svůj ikonografický charakter v důsledku nástupu kulturního hnutí impresionismu a měl být svými estetickými kvalitami reprezentován jako smyslný a erotický obraz, ale plně referenční.
malířské techniky
Abychom vysvětlili vlastnosti barev, musíme vycházet z nejpoužívanějších technik, protože jak se pigmenty ředí a usazují na povrchu, kde budou natřeny, protože pokud pigmenty nejsou rozpustné v použitém pojivu zůstávají v něm rozptýleni. Mezi nejdůležitější techniky patří:
Olej: Jednou z charakteristik malby je použití oleje, protože k fixaci pigmentu se používají různé druhy olejů a rozpouštědlo zvané terpentýn, aby byl jasnější, protože jde o velmi těkavou kapalinu. Olejomalba se v zásadě provádí pomocí pigmentů rozmělněných na sucho a poté smíchaných s vhodnou viskozitou s rostlinným olejem, který se má použít, protože existují oleje, které schnou pomaleji než jiné, a to oxidací, nikoli odpařováním.
Při této technice se tvoří vrstvy pigmentů, které jsou zapuštěny do povrchu, a proto je třeba velmi pečlivě kontrolovat doby schnutí, aby se barva správně zafixovala v každé vrstvě barvy, která je na dílo nanesena.
Oxidační proces dává uměleckému dílu bohatost a hloubku barev, které jsou použity z použitého suchého pigmentu, a umělec bude moci měnit použité oleje i rozpouštědlo, takže kvalita barvy může ukázat rozsah. barev a kvalit od neprůhledných po vysoce transparentní nebo od matných po lesklé.
Z tohoto a mnoha dalších důvodů se umělci snaží používat ty nejlepší oleje a je to nejflexibilnější médium, které je vždy používá tím nejpohodlnějším způsobem, protože olejová barva se během schnutí téměř nemění, ale z dlouhodobého hlediska se začíná obracet. nažloutlý, pokud není řádně udržován pro prováděnou práci.
Přestože olejomalba snese mnoho po sobě jdoucích vrstev, což umožňuje umělci realizovat obrazový koncept vytvořený v několika vrstvách, například malíř Hilaire-Germain-Edgar de Gas tento proces nazval jako dobře běží ale pomalá doba schnutí umožňuje umělcům odstranit přebytečnou barvu a přejít přes celé plochy.
V testech, které byly provedeny na různých obrazech s rentgenovým zářením, nám umožnily pozorovat, že velcí mistři malby provedli během procesu uměleckého díla mnoho změn.
Vosk: U této techniky, která se téměř vždy používá za tepla, také nazývaná enkaustika, což znamená rytí v ohni, je to technika, která se používá při použití vosku jako pojiva pigmentů, při smíchání s tímto materiálem má více krycích účinků od r. vosk je hutnější a krémovější.
Vosková malba se nanáší špachtlí nebo horkým štětcem, po dokončení uměleckého díla se musí vyleštit tahy lněným hadříkem na již rozetřenou vrstvu vosku.
Této operaci se říká, že v tomto případě nebude fungovat jako pojivo, ale pro ochranu uměleckého díla v kaustifikacia tuto techniku popisuje Marco Vitruvio Polión, který byl za svého života architektem a malířem, který žil mezi lety 75 př. n. l. a 25 n. l., který podle toho, co přišel potvrzovat následující:
"Na barvu musíte nanést vrstvu horkého vosku a poté ji musíte vyleštit suchými lněnými hadry"
Vodové barvy: Je to malba, která se dělá na papíře nebo kartonu, ale jednou z vlastností akvarelové malby je, že se ředí vodou a barvy se stávají průhlednějšími nebo světlejšími v závislosti na množství použité vody. Navíc přestanete vidět pozadí papíru, pokud je bílé.
Tento typ malby je složen z aglutinovaných pigmentů a arabské gumy nebo s medem, při tomto postupu je malba použita několika transparentními vrstvami, aby se dosáhlo co největší brilantnosti a lehkosti kompozice, která je pro návrh malby vytvořena. .
K použití této techniky se od umělce vyžaduje, aby měl velkou jistotu v tahech, které dělá, a hodně spontánnosti při provádění tahů štětcem, protože tato technika má jako hlavní charakteristiku malby svou průhlednost a svěžest barev. které se používají.
K dispozici je také hyperrealistický akvarel, který bude v rozporu s předchozím postulátem, a používají se laky, aby bylo možné odstranit první vrstvy a vytvořit následné glazury, a díky tomu bude v uměleckém díle dosaženo velmi specifického šerosvitu, ale s malou průsvitností. klasické akvarelové techniky.
Tempera: také známý jako kvaš Je to technika velmi podobná akvarelu, ale liší se tím, že nese nálož průmyslového mastku, který je záměrně přidáván tak, aby pigment byl v temperách trochu více krycí a neprůsvitný, což z něj dělá jednu z hlavních charakteristik malby temperou. a proto se liší od akvarelu.
Tímto způsobem lze nanášet různé odstíny od nejtmavšího po nejsvětlejší a tento postup u akvarelu je považován za nesprávný, tempera je velmi výborným prostředkem k nanášení na různé kresby a k tomu, aby bylo možné dělat suché nebo pastózní tahy.
Stejně jako akvarel by se tempery měly lepit arabskou gumou, ale v současné době se mnoho temper dává do plastu, protože je snazší a levnější.
Technikou tempery vytvořil francouzský malíř François Boucher velká mistrovská díla a umělci XNUMX. století našeho letopočtu pomocí tempery spolu s akvarelem dokázali rozlišit konkrétní oblasti v uměleckém díle, které bylo vyrobeno akvarelem. Proto malíř Paul Signac Francouzský malíř, který se proslavil prováděním divizní techniky, přišel potvrdit toto:
"Určité nafialovělé růžové na Turnerově nebi, určité zelené na akvarelech Johana Jongkinda by nebylo možné dosáhnout bez trochy kvaše."
Akryl: použití akrylové barvy jako techniky vlastnosti barvy byly vysoce ceněny současnými umělci díky jejímu velmi rychlému schnutí, protože pigmenty jsou obsaženy v polymerní emulzi, která je obecně vinylovým lepidlem, i když je lze snadno odstranit nebo ředit vodou, po zaschnutí jsou velmi odolné vůči vodě.
To, co na této technice vyniká nejvíce, je její snadnost a rychlost schnutí, ale když zaschne, barevný tón se mění jen málo, někdy se stává tmavším nebo světlejším v závislosti na použité barvě. Malba akrylem je relativně nová, má svůj původ ve XNUMX. století našeho letopočtu.
Akrylová technika vyvinutá ve Spojených státech a Německu, ale současně malíř amerického původu Jackson Pollock používal akrylovou barvu, jak se dodává v nádobách, aby dosáhl nových textur a udělal je silnější. Zatímco malíř Morris Louis, také ze stejné země, použil akrylovou barvu, ale zředil ji vodou, aby maloval velká plátna a dal jim barevný efekt místo malby.
Koláč: Technikou velkého významu v malbě je technika pastelu, protože spočívá v použití barevných pruhů, ve kterých se pigmenty nacházejí v prášcích smíchaných s kaučukem nebo pryskyřicí, aby se mohly slepit a vytvořit suchou a velmi kompaktní pastu.
Proto slovo pastel zdůrazňuje slovo pasta, protože se jedná o pastu a jsou vymodelovány ve formě pruhu, které jsou silné přibližně jeden prst a lze je použít přímo na povrch, kde má být umělecké dílo navrženo. aniž byste museli používat štětce nebo špachtle a ani žádné rozpouštědlo.
Pro práci s pastelovou technikou se jako povrch používá velmi kvalitní papír, který má dobrou gramáž, je bílý nebo neutrální barvy, která neovlivňuje barvu, navíc má malou drsnost, i když pastelová technika je velmi flexibilní a zároveň všestranný, protože může být použit na různé povrchy, jako je dřevo nebo plast.
I když použité barvy mohou být velmi silné a neprůhledné, mají potíže s přilnavostí pigmentu k povrchu, který má být natřen, takže na konci pro vylepšení umělecké práce a fixátor kresby se aplikuje pomocí atomizérů ( sprej), které jsou pro tuto techniku speciální.
Obecně ale pastelovou techniku známe jako pastelky, jejím nejpoužívanějším zdrojem je linka, kde lze vytvořit řadu rámečků, další způsob použití je přeměnit ji na prášek, protože pastel má tendenci uvolňovat hodně barevného prášku.
Mnoho umělců používá tuto techniku používání barevného prášku ke kreativitě jejich uměleckého díla, mezi nimi je Leonardo da Vinci, který byl jedním z prvních umělců, kteří použili tuto techniku v kresbě, kterou vytvořil pro Isabel de Este a také další. jako Hans Holbein mladší, Correggio, Fragonard nebo Degas.
Chrám: Při použití techniky malby temperou se jako pojivo používá roztok, který se vyrábí z vody, bílku a speciálního oleje. Nejprve smícháme bílek s olejem, dokud nevznikne homogenní pasta. , poté přidávejte vodu, dokud nezískáte emulzi nebo médium temperové techniky.
Použitý poměr je část celého vejce plus totéž v oleji plus tři díly vody, ale to závisí na tekutosti, které si malíř přeje dosáhnout, existuje mnoho umělců, kteří přidávají trochu laku, aby mohli nahraďte většinou používaný lněný olej. Při provádění tohoto postupu nabízí technika temperování větší pevnost a lepší přilnavost a také rychlejší schnutí.
Po zaschnutí je ale výsledný vzhled u nových glazur nepropustnější.Jsou jiní umělci, kteří místo vody používají odstředěné mléko nebo latex nebo vosk z fíkovníku, ale vždy spojený s vodou.
Italský malíř a architekt Giorgio Vasari také použil slovo tempera, aby mohl vyrobit lakový olej, s použitím této techniky byla vyrobena velká mistrovská díla, například Sandro Botticelli vyniká, když vytvořil Zrození Venuše, Jak vysvětlil DV Thompson:
„Dobře udělaná malba na vajíčka patří mezi nejodolnější formy malování, jaké člověk vynalezl. Pod špínou a laky je mnohá středověká díla s vaječnou temperou svěží a zářivá, jako když byla namalována. Normálně se temperové malby za pět set let změnily méně než olejomalby za třicet“
Inkoust: v tomto článku o vlastnostech malby pomocí inkoustové techniky nebo také známé jako čínský inkoust je tento inkoust obecně tekutý, i když se také dodává v pevném pruhu, ale pro použití je třeba jej rozemlít a naředit. téměř vždy se používá na papíře a nejpoužívanějšími barvami jsou sépiová a černá, ale v dnešní době existuje několik barev.
Čínský inkoust lze nanášet různými způsoby, ale jedním z nejčastějších je použití hrotu nebo pera, které jsou praktičtější na kresbu nebo nějakou kaligrafii, na pero se používají různé hroty a jsou zatíženy inkoustem. dělat čáry a s nimi umět psát nebo kreslit, ale ne malovat.
Dalším způsobem nebo zdrojem, jak používat čínský inkoust, je štětec, ale bude se používat jako akvarel a nazývá se kvaš, což je smíchání čínského inkoustu s vodou a alkoholem a barvou, která se má použít. Tato technika je podobná starověké technice používané v Japonsku, kde vytvořili svou japonskou kaligrafii, která byla také založena na inkoustu a papíru.
Další možností využití je pomocí kreslícího pera, což je nabíječka inkoustu nebo tzv. rapidograf, ale tato technika je spolu s grafitem spíše na kreslení než na malování.
Chladný: tato technika je malířská technika, která je moderní, protože je založena na chemické změně mletých zemních pigmentů, které jsou smíchány s čistou vodou, lze ji nanést na maltu, která má uvnitř vápno a písek, zatímco vápno je v ve formě hydroxidu vápenatého. Vzhledem k tomu, že oxid uhličitý se nachází v atmosféře, vápno se přemění na uhličitan vápenatý.
Tímto způsobem bude pigment krystalizovat ve stěně. Techniky malování freskou jsou velmi jednoduché, ale velmi pracné a při přípravě směsi to trvá dlouho. Tato technika se vyznačuje tím, že malba je velmi odolná v průběhu času.
Bývá však poškozen fyzikálními, chemickými nebo bakteriologickými příčinami, jednou z hlavních příčin bude vlhkost, která bude mít jako hlavní poškození změnu barev v důsledku rozpouštění uhličitanu vápenatého a práce má tendenci vyvíjet to, co říkají plíseň .
Grisaille: další z technik používaných v malbě, ale vychází z monochromatické malby v tom, čemu se říká šerosvit nebo světlo a stín, jak prohlásil malíř Giorgio Vasari italského původu, barva je vyrobena směsí oxidů železa a s je přidáno malé množství mědi a tavidla, což vytváří pocit sochařského reliéfu v uměleckých dílech.
Ve čtrnáctém století našeho letopočtu byla tato technika použita pro přípravné skici, které sochaři používají k dosažení tohoto reliéfního efektu vytvářením různých rytin stejné barvy. Za vlády Karla V. Francouzského se technika grisaille používala ve vitrážích a malbě miniatur.
Jeho použití bude jednou z hlavních charakteristik vlámského malířství, protože na zadní straně stájí je vyobrazení a Zvěstování s technikou grisaille. Španělský malíř Josep Maria Sert použil tuto techniku, ale místo její monochromatické evoluce.
Použil ji opřenou o zlatou monochromii, protože tento malíř použil širokou škálu chromatických barev, kde využil kovy jako zlato, stříbro, měď, praženou hlínu, s nádechem karmínu, jako pozadí použil bohatou preparaci kovu, stříbro a chléb.ze zlata.
Pointilismus: Je to jedna z technik, která se objevila v neoimpresionismu, protože ji studoval a praktikoval malíř Georges Seurat, ale tato technika spočívá v umístění malých sférických teček čistých barev namísto provádění techniky tahu štětcem na požadovaný povrch.
Protože mezi různými barvami existují fyzické vztahy, dochází k interakci mezi primárními a doplňkovými barvami, čímž je pro pozorovatele dosaženo skvělé směsi barev.
Tuto směs vidí pozorovatel v určité vzdálenosti od malby a je schopna na pozorovatele vyvolat velký účinek, když jsou různé body spojeny.
Kapající: Je to technika k automatické malbě, pro surrealisty lze této techniky dosáhnout i ležérní malbou, provádí se kapkami a cákanci různých barev, je to technika, které se také říká americká akční malba (akční malba ).
Technika se provádí, když umělec chodí po povrchu, který má být natřen, s velkými štětci nebo se stejnou nádobou na barvu. A upustí kapající barvu, kterou postava dělá, to se provádí smaltem, což jsou skvrny, které zůstaly na podložce, kterou umělec používá.
grafiti: Tato technika se používá u barev, které jsou balené a mají velmi výrazné vlastnosti. Proto se tomu říká aerosoly a používá se, když umělec stiskne tlačítko na horní části, kterým barva vystřeluje ve formě spreje, touto technikou je možné malovat na velké plochy.
Obvykle tuto techniku používají lidé, kteří malují zdi a ulice, tento typ malby se nazývá graffiti. Koncem 70. let začali městští umělci vytvářet svá graffiti na všech zdech, která se jim dostala, a se zkušenostmi vytvářeli opravdová umělecká díla.
Pro tyto umělce se v současné době vyrábí aerosolové barvy a někteří již mají vlastní šablony, aby si mohli svým uměleckým dílem vymezit povrch, který chtějí označit, samozřejmě šablony různých modelů a písmen již na trhu najdete se kterou budou moci zkoušet i méně zkušení umělci.
Smíšené techniky: Při realizaci uměleckých děl někteří umělci využívají různé charakteristiky obrazu v rámci stejného díla, aby přitáhli pozornost pozorovatele. Někteří umělci například používají to, čemu se říká koláž, což bude umělecká technika, která není obrazová, protože není malovaná, ale stává se smíšenou technikou, když umělec používá nějakou techniku, jako je akvarel, tempera nebo tuš.
Ale nakonec se umělec musí rozhodnout pro rozdíl mezi obrazovou procedurou a obrazovou technikou, protože se rozumí, že obrazová procedura má vytvořit spojení několika prvků v jednom díle. Zatímco způsob, jakým to umělec aplikuje, vytvoří obrazovou techniku.
Materiály použité v obrazech
Abyste se mohli věnovat malbě, existuje nekonečně mnoho materiálů, které umělci používají prostřednictvím písemných dokumentů a poznámek adresovaných různým umělcům, a dalším zdrojem je provedení technického a vědeckého zkoumání uměleckého díla. Některé z těchto zkoušek jsou určeny k posílení listinných důkazů o dílech, aby se potvrdilo, zda jsou originální nebo ne.
Protože musí být zásadní, že materiály, které umělec v současnosti používá, jsou různé a ve XNUMX. století vám sestavíme skvělý seznam materiálů, které lze použít k vytvoření uměleckého díla. Mezi které máme:
Podporuje: Tento materiál má funkci podpory pozadí a různých vrstev barvy použité malířem, ale je třeba mít na paměti, že v charakteristice malby jsou na výběr velmi odlišné modely, nejpoužívanější jsou ty z papíru, karton, dřevo, plátno a zdi města. Ale můžete přidat také kov, sklo, plast a kůži a mnohem více.
Všechny podpěry ale budou potřebovat speciální základní nátěr, který má připravit povrch tak, aby malíř mohl zhotovit své umělecké dílo a všechny měly jiný postup pro materiál, který bude použit.
Dřevěné prkno: Je to jedna z nejpoužívanějších podpěr od počátků malby, kdy to bylo v egyptské éře, umělci již používali dřevěné desky jako sarkofágy a ve středověku se oltářní obrazy používaly k výrobě oltářů a jejich základování bylo velmi snadné. naneste na něj pouze jednu vrstvu lepidla.
A pokud muselo být dřevo pozlaceno, použijte základní nátěr s plátkovým zlatem, který je charakteristický pro barvu, ale před umístěním plátkového zlata na něj by měl být vytvořen další základní nátěr s vrstvou lepidla a další vrstvou omítky nebo jílů. silnější dotek dřevěné desky.
V patnáctém století našeho letopočtu se evropský stojan začal používat jako hlavní podpěra, protože masivní dřevo, které se používalo v minulosti, bylo pokryto pruhy lněné látky slepené tak, aby nebylo vidět, že jsou pohromadě. Dřevo muselo být v dobrém stavu a vyhnout se případným prasklinám, které by mohly mít.
Poté se začala používat v překližkách a dřevotřískových deskách jako dřevěná deska. Dřevěné desky se začaly prefabrikovat a nabízely skvělou vlastnost malby, mohly být hladké a nebyly vidět spoje, stejně jako takzvaná deska. tabulka, že byl velmi lehký a snadno se s ním manipulovalo, navíc ho umělec mohl nosit stále s sebou a měl dvě strany, hladkou a hrubou a desky jsou velmi důležité v charakteristice obrazu.
Plátno: Podle spisovatele a vojáka Plinia Staršího se římský císař Nero nechal namalovat na plátno o rozměrech 36,5 metru dlouhé a 12 metrů široké, filozof Hérakleitos ve svém rukopise s názvem From Coloribus et Artibus Romanorum z r. XNUMX. století př. n. l. popsal, jak by se mělo lněné plátno připravovat, aby bylo možné jej ozdobit a namalovat.
Napsal i přesný způsob natahování a přípravu látky s lepidlem, aby byla výborná jako pergamen. Barva, která byla umístěna na plátno, se začala používat v severní Evropě a později v Itálii pro svou velkou lehkost a mnoho způsobů použití.
V XNUMX. století n. l. se začal velmi často používat v zákulisí a začátkem XNUMX. století n. l. se začal vyrábět sériově. Nejpoužívanějšími plátnami byla plátna z rostlinných vláken jako konopí, len, jemně tkaná juta nebo bavlna, což je také jedna z charakteristik malby.
Všechna tato plátna byla vyrobena s hrubým nebo jemným zrnem, v závislosti na výsledku, kterého chtěl umělec dosáhnout v práci, kterou chtěl dělat, existuje také dokumentace, že bylo použito polyesterové plátno.
V současné době lze všechna plátna zakoupit v počtu metrů, který si umělec přeje, a lze je namontovat na rám, který si přeje, protože na trhu jsou různé modely, typy a formáty. Ale samozřejmě existuje mezinárodní číslování pro rozměry šířky a délky rámu v závislosti na vlastnostech obrazu, který se bude malovat na plátno.
V současné době byly pro každý vytvořeny tři různé formáty, aby měly vlastnosti malby, kterou si umělec přeje provést, jako je postava, krajina a moře. Na jedné straně má vždy stejnou velikost a na druhé se bude zmenšovat, přičemž zůstane takto:
- Ten na obrázku bude mít rozměry 100 cm x 81 cm
- Rozměry krajiny jsou 100 cm x 73 cm.
- Námořnická bude mít tyto rozměry: 100 cm x 64 cm.
Toto jsou dohody, kterých bylo dosaženo v mezinárodním měřítku, ale protože umělci znají, nejsou těmito opatřeními řízeni a svá umělecká díla provádějí s opatřeními, o kterých se domnívají, že by jejich práce měla být, na většině pláten nalezených na trhu. na prodej je připravují s lněným olejem a plničem pórů.
Existují ale i takové, které se připravují na bázi emulzí, které jsou nejvhodnější pro použití s olejovými barvami nebo s akrylovými barvami, tímto způsobem je základní nátěr pláten zjednodušen pro různé vlastnosti barvy, která se bude používat. umělce a získat tak očekávaný výsledek s nejlepší kvalitou.
Měď: Jedním z nejdůležitějších materiálů při využití charakteristik malby je měď, která se používá již od XNUMX. století n. l. Ve velmi tenkých tabulích ji používali malíři ze severu evropského kontinentu. Umělec německého původu Adam Elsheimer. Musel jsem je použít, ale v malé velikosti, a to vedlo výzkumníky k domněnce, že staré rytiny je používaly způsobem k jejich recyklaci.
Sklenka: dalším médiem, které bylo široce používáno různými umělci k malování, bylo sklo, bylo také vyrobeno nespočet předmětů, jako jsou sklenice, sklenice, nádoby, čtverce, trojúhelníky a mnoho dalších, kde umělec vytvořil svůj smalt a jakmile je ozdobil za studena, byl představen v tepelná pec s teplotou nižší, než je bod tání skla, tvořící velká a krásná umělecká díla.
V sedmnáctém století našeho letopočtu se začaly používat jako podpěry pro vitrážová okna, protože jsou velmi důležitou podporou pro charakteristiky malby v různých kostelech a velkých katedrálách, začaly se tam umisťovat velké barevné krystaly a malba na skle s náboženskými obrazy a četnými výjevy převzatými z bible.
Použitím techniky grisaille, jedné z charakteristik malby, bylo dosaženo toho, že na jedné straně byla jednobarevná a na druhé byla zdobena nějakým náboženským uměleckým dílem zdůrazňujícím světce nebo výjev z Bible. Bylo také vytvořeno mnoho tváří světců.
Papír: Podle údajů, které mají badatelé k dispozici, a zjištěných zjištění, papír, který byl použit k výrobě uměleckých děl, pocházel z Číny kolem roku 200 př. n. l. a vynálezcem tohoto materiálu je Číňan nazývaný Cai Lun mezi v letech 50 a, C. a ve 121 d, C.
Který sloužil jako císařský eunuch, protože vylepšil papírový vzorec a udělal z něj lepší alternativu než papyrus a pergamen. Že v té době byly nejpoužívanější alternativou pro psaní a pro zhotovení charakteristických uměleckých děl malby.
Vzhledem k tomu, že tento znak přidal škrob, který měl zvláštnost v ochraně rostlinných vláken, byl papír materiálem velmi dobře používaným umělci, protože se používá v mnoha malířských technikách a nejběžnějšími byly akvarel, tempera, pastel a čínský inkoust a jeho různé barvy. ale nejpoužívanější je černá a sépiová.
Pokud jde o papír, existuje velká rozmanitost textur, gramáží a barev, což je jedna z nejdůležitějších vlastností malby, a pro výběr typu papíru je nutné, aby umělec měl představu o tom, co chce. dělat mezi typy papíru. najít:
- Hot-Press Paper: Má tvrdý, hladký povrch, mnoho umělců jej považuje za příliš kluzký pro malování akvarelem.
- Papír lisovaný za studena: je strukturovaný, polodrsný, vhodný pro široké a hladké mytí.
- Hrubý papír: Se zrnitým povrchem se při použití mytí získá strakatý efekt z dutin v papíru.
Každý umělec musí také zvážit gramáž papíru, aby si ji mohl vybrat, protože velmi těžký papír nelze tak snadno zvlnit a musí být natažen a pro použití techniky akvarelu musí být gramáž papíru mezi 120 gramy čtverečních a s aukcí 850 gramů na druhou.
Štětce: Jsou to velmi důležité nástroje nebo nástroje pro umělce, jsou také velmi důležité pro charakteristiku malby, protože je malíř ve své práci používá k provádění uměleckého díla různými způsoby.
Štětce, které jsou velmi užitečným nástrojem pro umělce, jsou navrženy v různých velikostech, šířkách a v požadované kvalitě, protože materiály, ze kterých jsou štětce vyrobeny, mohou být organické nebo syntetické.
Štětec je strukturován do tří částí a to jsou vlasy, objímka nebo viola a kouzelník, aby jej bylo možné držet, odlišují se spíše vlasy a způsobem výroby, některým se říká štětce na plochý nebo kočičí jazyk . Štětce jsou také obvykle vyrobeny s tvrdým vlasem a ty, které jsou kulaté, se téměř vždy hodí s rovnými vlasy.
Štětce si vybírají různí umělci podle práce, kterou zamýšlejí dělat, a způsobu, jakým použijí barvu, kterou mají. Pokud bude umělec používat k provedení díla velké plochy, použije místo štětců štětce.
Ve štětcích mají téměř vždy prázdný vnitřek, aby mohly v okamžiku tahu nasbírat více barvy, menší štětce nemají takovou středovou prázdnotu, jsou také štětce, které mají štětiny a jsou štětce, které je také mají a ty jsou vždy obvykle přírodního původu organického původu a pocházejí z různých zvířat, jako jsou mimo jiné koně, kuny a prasata.
Funkce Comma paint jsou také vyrobeny z umělé hřívy a syntetického materiálu. Péče o štětce je velmi důležitá, aby bylo možné prodloužit jejich životnost, je nutné je po použití kromě průběžného čištění vyčistit, čištění je extrémně snadné, stačí na ně nanést mýdlo a vodu.
Po umytí je lze sušit vlhkem nebo flanelem, poté by se měly skladovat ve vodorovné poloze bez tlaku na vlasy, aby se nedeformovaly. Další využití, které se dává štětcům, je jako prostředek pro tisk maleb válečkem, které jsou vyrobeny z různých velikostí a materiálů.
Mezi materiály patří vlna, pěnová nebo vláknitá pryž, přírodní nebo umělé houby a v neposlední řadě jsou to palety, nože a špachtle jako další možnost v charakteristice malby, protože se jedná o nástroje vyrobené z extrémně lehkého a pružného plechu popř. plast, který lze použít různými způsoby a barvami, mohou spojovat a malovat ti nejzkušenější umělci.
Peníze: V různých podpěrách, které existují, si umělci zvyknou na úpravu pozadí před zahájením uměleckého díla, je to kvalita, která má vlastnosti malby. Ošetření základním nátěrem se provádí, protože pozadí je povrch, který umělec maluje barvou a texturou, kterou si přeje, aby tam začalo své umělecké dílo.
Předtím se pozadí dělalo organickým olejem nebo lepidlem a pak se to míchalo s bílou nebo s barevným tónem, který měl rád umělec, který se chystal práci dělat. Ačkoli tím lepicím prostředkem byly ocasy různých zvířat a ryb.
Používají se také emulze na bázi vajec, oleje nebo pryskyřice, k zabarvení se dříve používalo vápno a pemza a také okrová zemina. Záleží na použitém materiálu, ten definoval, jak bude vypadat vizuální efekt uměleckého díla. Také barva pozadí, která byla použita jako podpora, jí dala jiný odstín.
Z tohoto důvodu umělci hledali bílé pozadí, které by odráželo různé vrstvy barvy, které použili, ale pokud byla barva pozadí tmavá, měla tendenci snižovat odstín barvy, čímž byla tmavší.
Architekt italského původu Giorgio Vasari dokonce uvedl, že olejová pozadí měla výhodu v zachování pružnosti pláten, která byla vyrobena ve velkých rozměrech a dala se srolovat a přemístit na různá místa.
Jejich nevýhodou však bylo, že bylo potřeba delší dobu schnutí. Mezi XNUMX. a XNUMX. stoletím se nejvíce používalo pozadí, které bylo natřeno načervenalou zeminou, takže některé prostory mohly zůstat bez nátěru, ale dílo získalo naprostou jednotnost. V současné době jsou prostředky, které jsou připravovány v obchodních společnostech, vyráběny průmyslově s bílým olůvkem a blotrem.
Pigmenty: pigmenty, které jsou velmi základní charakteristikou malby, mají tendenci se dělit na anorganické a ty se zase odvozují od minerálů, zeminy, solí a oxidů, s nimiž se dosahuje barev okru a sieny. Používají se také organické pigmenty, které pocházejí z rostlin a některých zvířat, která se získávají vařením některých semen nebo proto, že některé části zvířat jsou kalcinovány.
Existují další, které se získávají syntetickou cestou, jako jsou aniliny a také organické sloučeniny. Organické pigmenty jsou obecně méně nebezpečné než anorganické pigmenty. Použitý pigment spolu s pojivy tvoří to, čemu říkáme barva, a pojivo umožňuje, aby pigment byl tekutý a dosáhl tak přilnavosti povrchu barvy k podkladu.
I když se někdy může stát vodnatým a může být také mastný, vše závisí na tom, jak je připraven, rozpouštědlo je důležitým faktorem pro vlastnosti barvy, protože má za úkol ředit nebo rozpouštět typ pojiva použitého k jeho výrobě. hra.
Používá se také rozpouštěcí kapalina zvaná terpentýn, je to velmi těkavé a bezbarvé rozpouštědlo, které se mísí a ředí s olejem a s pryskyřicí má tendenci se rozpouštět, stejně jako s vodou, protože se také rozpouští ve stejném používá se s kaučukem, který se také rozpouští a může tímto způsobem dále ředit vlastnosti barvy.
Musíte si být vědomi indexů krytí barvy, která má být použita, protože v průběhu let můžete lépe zachytit pozadí malby a umělcovy výčitky během provádění díla.
Na malbách, které vznikly před XNUMX. stoletím, lze pod mikroskopem pozorovat částice použitých pigmentů a to vedlo k závěru, že čím hrubší je zrno pigmentu, tím nižší je kvalita barvy.
V devatenáctém století začali vědci syntetizovat barviva, která se používala jako pigmenty, mezi ně patřila kobaltová modř, zinková žluť a umělci nejpoužívanější oxid chromový. A v dnešní době počet pigmentů velmi rychle roste, existuje velká rozmanitost barev a všechny pigmenty mají vynikající kvalitu.
Pokud považujete tento článek o vlastnostech barvy za důležitý, zvu vás k návštěvě následujících odkazů: