日本作為一個千年文化，這些年來一直在展示著它的藝術，通過這篇有趣的文章和我們一起學習，關於千年的一切 藝術 日本，隨著時間的推移在不同時期和風格中發展起來。 別錯過！
日本藝術
當談論日本藝術時，我們談論的是這個文明隨著時間的推移以不同階段和風格報告的內容，這些內容是隨著日本人民的社會和文化發展而暫時展開的。
日本藝術正在經歷的變化是其技術發展的結果，我們可以在藝術表達中使用來自該國的原材料。 就像所謂的西方藝術一樣，其最具象徵意義的表現形式也受到宗教和政治權力的影響。
日本藝術的主要特徵之一是它的折衷主義，它源自隨著時間的推移來到日本海岸的不同民族和文化：第一批定居日本的定居者——被稱為阿伊努人——屬於北高加索人種。而東亞，可能是這樣的。到達時日本仍依附於大陸。
這些定居者的起源尚不清楚，歷史學家考慮了各種假設，從烏拉爾-阿爾泰種族到可能的印度尼西亞或蒙古起源。 無論如何，他們的文化似乎對應於舊石器時代晚期或中石器時代。
隨後，來自東南亞或太平洋島嶼的馬來人種的各個群體到達了日本海岸以及朝鮮和中國各地，並逐漸從南方傳入，取代了阿伊努人。 到日本北部，而在後來的一波浪潮中，來自中國和韓國的幾批同一種族的人抵達日本。
除了這種種族混合之外，還必須加上其他文化的影響：由於其島國性，日本在其歷史的大部分時間裡一直處於孤立狀態，但有時它也受到大陸文明的影響，特別是中國和韓國，特別是自二戰以來。五世紀。
因此，從連續的移民前哨站中出現的日本祖傳文化受到了外國的影響，形成了一種對創新和風格進步開放的折衷藝術。
有趣的是，日本產生的大部分藝術都是以宗教為基礎的：佛教被添加到該地區典型的神道教中，該宗教形成於公元一世紀左右，五世紀左右，形成了一種宗教融合，這種融合至今仍然存在，並在藝術中留下了反映。
日本藝術是這些不同文化和傳統的產物，它以自己的方式解釋從其他國家引進的藝術形式，並根據其生活和藝術觀念，進行變化和簡化其獨特的特徵。
就像精緻的中國佛教寺廟在日本經歷了一場變形，不得不放棄其藝術的某些元素並將它們與其他元素結合起來，這表達了這種藝術的聯合特徵，因此它總是自然地從其他國家的另一種文化中汲取一些東西。
日本藝術在日本文化中具有很強的冥想意識以及人與自然之間的相互關係，這也體現在它周圍的物體中，從最華麗和最強調的到最簡單和最日常的。
這在日本人對不完美的重視、事物的短暫性以及他們對環境建立的人道主義意識中可見一斑。 就像茶道一樣，他們重視這種沉思狀態的平靜和安寧，這種沉思狀態是通過簡單的儀式、基於簡單的組件以及不對稱和未完成的空間的和諧而實現的。
對他們來說，和平與平衡與溫暖和舒適聯繫在一起，而這些品質又是他們對美的概念的真實反映。 即使在進餐時，重要的也不是食物的數量或其呈現方式，而是食物的感官知覺及其賦予任何行為的美學意義。
同樣，這個國家的藝術家和工匠與他們的工作有著高度的聯繫，他們認為材料是他們生活以及與周圍環境溝通的重要組成部分。
日本藝術的基礎
日本藝術，就像它的其他哲學一樣——或者簡單地說，它看待生活的方式——受制於直覺，缺乏理性、情感表達以及行動和思想的簡單性。 常以像徵性的方式表達。
日本藝術的兩個顯著特點是簡單和自然：藝術表達是自然的反映，因此不需要精心製作，這一切導致藝術家想要的是勾畫、暗示，然後由觀看者解讀。
這種簡單性在繪畫中引發了一種線性繪畫的傾向，沒有透視，有大量的空白空間，但它們仍然和諧地融入整體。 在建築中，它體現在線性設計、不對稱平面、動態和靜態元素的結合中。
反過來，日本藝術的這種簡單性與藝術與自然關係中固有的簡單性相關，這是他們特質的一部分，反映在他們的生活中，他們以一種微妙的憂鬱、近乎悲傷的感覺來體驗它。
四季的流逝給了他們一種轉瞬即逝的感覺，在那裡您可以看到由於生命的短暫性而存在於自然界中的進化。 這種簡單性首先體現在建築中，它與周圍環境和諧地融為一體，正如使用天然材料所表明的那樣，沒有任何工作，顯示出其粗糙、未完成的外觀。 在日本，自然、生活和藝術密不可分，藝術成就是整個宇宙的象徵。
日本藝術追求宇宙的和諧，超越物質尋找生命的生成原理。 日本裝飾力求通過藝術尋找生命的意義：日本藝術之美是和諧、創造力的代名詞； 它是一種詩意的衝動，是一條通往作品實現的感官路徑，作品本身沒有終點，但卻超越了終點。
我們所說的美是一個哲學範疇，它指的是存在：它在於通過整體達到意義。 正如鈴木大雪所言：“美不在於外在形式，而在於表達的意義”。
藝術並非始於其敏感的特性，而是始於其暗示的屬性； 它不必是精確的，而是展示一種導致實現的禮物。 他試圖通過這部分來捕捉本質，這暗示了整體：虛空是對現有日本人的補充。
在東方思想中，物質與精神之間存在著一種統一，這種統一在沉思和與自然的交流中占主導地位，通過內在的堅持和直覺。 日本藝術（gei）比西方的實用藝術概念具有更超然的意義，更無形：它是思想的任何表現，被理解為生命能量，是賦予我們身體生命的本質，實際上是發展和發展的。進化，實現了身體，思想和精神之間的統一。
日本藝術的意義隨著時間的推移而發展：從最初存在藝術和美的痕跡開始，可以追溯到古代，當時日本文化的創作原則已經形成，並在鄉村文學最重要的作品中得到了表達：
Kojiki、Nihonshoki 和 Man 'yōshū，以上是出版物，前兩本是指日本歷史上的第一部作品，最後一本是關於第一個千年期間寫的詩歌，當時的 Sayashi（“純粹”思想）盛行。，清晰，新鮮”），暗指一種以簡單、新鮮、一定的獨創性為特徵的美，這種美是在建築中使用光和天然材料（例如埴輪土或木材）所帶來的。
我們可以將伊勢神宮視為這種風格的最佳代表，它由柏木製成，自八世紀以來每二十年進行一次翻修，以保持其坦率和新鮮。 從這個概念中產生了日本藝術的一個常數：隨著時間的推移而發展的短暫、短暫、短暫的美的價值。
在《萬妖集》中，沙木士表現在忠誠和嘗試的情感，以及對天空和海洋等元素如何給他一種壓倒人類的宏偉感的描述。
Sayakeshi 與 Naru（“成為”）的概念相關，在 Naru（“成為”）的概念中，時間被視為一種重要的能量，它匯聚在“成為”中，在所有行動和所有生命的頂峰中。
以奈良和平安時代為背景，由於與中國文化的首次接觸以及佛教的到來，藝術的藝術方面迅速發展。 這個時代的主要概念是良心，一種壓倒觀眾的情感感覺，使他們產生深深的同理心或憐憫感。
它與其他術語有關，例如“okashi”，即以快樂和愉快的性格吸引人的人；“okashi”，即以快樂和愉快的性格吸引人的人； omoshiroi，光芒四射的事物的屬性，以其光彩和清晰度吸引人們的注意； yūbi，優雅、優雅的概念； yūga，一種美的精緻品質； en，魅力的吸引力； 王者，淡定之美； yasashi，謹慎之美； 還有“ushin”，即藝術的深邃感。
紫式部的《源氏物語》體現了一種新的美學概念，即元無意識（Motōri Norinaga提出的術語），它傳達了一種因事物的轉瞬即逝而產生的憂鬱、沉思的悲傷感，轉瞬即逝的美，持續了片刻，縈繞在記憶中。
但最重要的是，當深深感受到大自然萬物所散發出的美麗時，它會帶來一種微妙的憂鬱感，會導致深深的悲傷。
這種對美的“理想追求”的哲學，即思想與感官世界相遇的冥想狀態，是日本人與生俱來的美癖的特徵，在慶祝櫻花樹的花見節中得到了明顯體現。
在日本中世紀、鎌倉、室町和桃山時期，整個國家封建社會以軍事統治為特徵，道（“道”）的概念出現，促進了當時藝術的發展，體現在社會儀式的禮儀實踐中，如書法、茶道、花道或插花和紅道。 （上香儀式）。
實踐的結果並不重要，重要的是進化的過程，隨著時間的推移的進化——再次是鳴人——以及在儀式的完美執行中所表現出的天賦，這意味著技能，以及對儀式的精神承諾。追求完美。
佛教的一種變體稱為禪宗，它強調基於冥想的某些“生活規則”，使人失去自我意識，對這些新概念產生了決定性的影響。 因此，所有日常工作都超越了其物質本質，意味著一種精神表現，體現在時間的運動和儀式的流逝中。
這個概念也反映在園藝中，園藝達到瞭如此重要的程度，花園是宇宙的願景，有一個巨大的空隙（海洋），裡面充滿了物體（島嶼），體現在沙子和岩石中。 ，以及植被喚起時間流逝的地方。
禪宗在簡單與超越生活的深度之間的矛盾，不僅在藝術中，而且在行為、社會關係和生活的更平凡的方面，都注入了一種“簡單優雅”（侘）的精神。 。 雪舟大師說：“禪與藝術是一體的”。
這種禪宗體現在七個裝飾事實中：fukinsei，一種拒絕優化以實現自然平衡的方式； kanso，去掉多餘的東西，去掉的東西會讓你發現自然的簡單。
Kokō（孤獨的尊嚴），一種人和物體隨著時間的推移而獲得的品質，並賦予它們本質上更加純粹的品質； 自然，與真誠相關，自然的就是真誠的、清廉的； yūgen（深度），事物的真正本質，超越其簡單的物質性和表面現象。
Datsuzoku（超然），藝術實踐中的自由，其使命是解放思想，而不是控制它——因此，藝術免除了各種參數和規則——； Seiyaku（內在的平靜），處於靜止、平靜的狀態，這是前面六個原則流動所必需的。
尤其是茶道，它巧妙地綜合了日本的藝術和美的觀念，創造了一種真正的審美宗教：“有神論”。 這個儀式代表了對美的崇拜，與日常生活的粗俗相對立。 他的倫理哲學和美學哲學表達了人與自然的整體觀念。
它的簡單性將小事與宇宙秩序聯繫起來：生命是一種表達，行動總是反映一種思想。 暫時等於精神，小就是大。這個概念也可以在茶室（sukiya）中找到，茶室是一種詩意衝動的短暫建築產物，沒有裝飾，不完美的地方受到崇敬，並且總是留下一些東西未完成的，這將完成想像。
缺乏對稱性是其特徵，因為禪宗認為追求完美比本身更重要。 只有那些通過推理來補足缺失的部分的人才能發現美。
最後，在從江戶時代開始的現代時代，儘管以前的觀念依然存在，但新的藝術類別被引入，這與日本現代化過程中出現的其他社會秩序的出現有關：水是一種精神上的美味，人們發現主要是大阪文學。
壹岐思想是一種莊嚴而直接的優雅，尤其體現在歌舞伎中； Karumi這個概念將輕盈視為一種原始的東西，在這種觀念下，事物的“深度”得以實現，這一點尤其體現在俳句詩歌中，其中詩織是一種懷舊的美。
“沒有什麼是永恆的，沒有什麼是完整的，也沒有什麼是完美的。” 這將是“侘寂”所基於的三個關鍵，日本表達（或一種審美視覺）指的是不完美、不完整和變化的美，儘管它確實指的是謙虛謙虛，不落俗套。 “侘寂”的哲學是享受當下，在自然和小事中尋找和平與和諧，平和地接受生與死的自然循環。
所有這些元素的基礎是藝術作為一種創造性過程而不是一種物質實現的理念。 岡倉角三寫道：“只有相信靈魂天生變形的藝術家才能夠產生真正的美”。
日本藝術的分期
在本文中，我們將根據顯著的藝術變化和政治運動來劃分大時期。 選擇通常根據作者的標準而有所不同，而且其中許多還可以細分。 然而，其中一些時期的開始和結束也存在差異。 我們將採用考古學家查爾斯·T·凱利 (Charles T. Kelly) 製作的一個，如下所示：
造型藝術中的日本藝術
在中石器時代和新石器時代，它仍然與大陸隔絕，因此它的所有生產都是它自己的，儘管重要性不大。 他們是半定居社會，生活在小城鎮裡，房屋是挖在地下的，主要從森林（鹿、野豬、堅果）和海洋（魚、甲殼類動物、海洋哺乳動物）獲取食物資源。
這些社團有著複雜的工作組織，並且關心時間的測量，奧湯和小牧野的各種圓形石器遺跡就證明了這一點，這些石器充當了日晷的作用。 他們顯然有標準化的測量單位，按照某些模型建造的各種建築物就證明了這一點。
在與這一時期相對應的某些地點，發現了拋光的石器和骨器、陶器和擬人化人物。 值得注意的是，繩文陶器是人類製造的最古老的陶器：第一批原始陶器的遺跡可以追溯到公元前 11.000 年，採用小型手工製作的器皿，側面拋光，內部空間較大。 ，具有功能感和朴素的裝飾。
這些遺跡對應於一個稱為“prejōmon”（公元前 11000-7500 年）的時期，然後是“古老”或“早期”的繩紋（公元前 7500-2500 年），在那裡製作、手工製作和裝飾最典型的繩紋陶瓷。 在一種深罐形容器的底部帶有切口或繩索痕跡。 基本裝飾由植物纖維繩製成的印花組成，這些印花在燒製前被壓在陶器上。
在多個區域，這些切口都達到了高度的精緻程度，邊緣輪廓分明，繪製出一系列高度複雜的抽象線條。 在極少數情況下，人們會發現具象場景的遺跡，通常是擬人化和動物化的圖畫（青蛙、蛇），突出顯示在本州北部平久保發現的花瓶上的狩獵場景。
最後，在“繩文晚期”（公元前 2500-400 年），器皿恢復到更自然、不那麼精緻的形式，包括圓底碗和器皿、窄頸雙耳細頸瓶和帶柄碗，通常帶有桿。 或高架底座。 繩文陶器的代表性產地有：本州島的帝石峽、鳥濱、戶狩石、松島、加茂、沖之原等。 九州島的 Sobata； 以及北海道島上的濱名須野和常呂。
除花瓶外，還有各種陶瓷人形或動物形雕像，由多個部分製成，因此很少發現整件的遺跡。 那些擬人化的人可以具有男性或女性的特徵，並且還發現了一些雌雄同體的跡象。
有的肚子鼓鼓的，可能與生育崇拜有關。 值得注意的是，一些人物所展現的細節的精確性，例如精心設計的髮型、紋身和裝飾性服裝。
在這些社會中，身體的裝飾似乎非常重要，主要是在耳朵上，帶有來自不同製造商的陶瓷耳環，並用淡紅色染料裝飾。 在 Chiamigaito（本州島）發現了 1000 多件此類裝飾品，這表明當地有一個製作這些產品的作坊。
一些代表面部個性化作品的面具也可以追溯到這一時期。 他們以同樣的方式製作了不同類型的綠色翡翠珠，而且他們熟悉漆器工藝，從鳥濱發現的幾個緊固件就可以證明這一點。 還發現了劍、骨頭或像牙鹿角的遺骸。
彌生時代（公元前500-公元300）
這一時期意味著農業社會的徹底建立，導致了大片領土的森林砍伐。
這種轉變導致日本社會在技術、文化和社會領域發生演變，社會分層和工作專業化程度更高，並導致武裝衝突增加。
日本列島星羅棋布地散佈著以氏族（宇治）為中心的小國家，其中大和氏族占主導地位，從而產生了皇室。 然後神道教出現了，這是一種推翻了太陽女神天照天皇的神話宗教。
這種宗教宣揚了日本藝術中真正的純潔和新鮮感，偏愛純粹的材料，沒有任何裝飾，具有與自然（神或超意識）融合的感覺。 從公元前一世紀開始由於與中國和朝鮮的關係，C.開始引入大陸文明。
彌生文化於公元前 400-300 年左右出現在九州島。 C.，並遷移到本州，並逐漸取代了繩文文化。 在此期間，出現了一種大型墓葬，有一個房間和一個土墩，上面裝飾著帶有人物和動物圖案的陶土圓柱體。
村莊被溝渠包圍，出現了各種與農業有關的工具（包括用於收割的月牙形石工具），以及各種武器，例如磨光石尖的弓箭。
在陶器中，專門生產了以下物品：具有某些特殊性的罐子、器皿、盤子、杯子和瓶子。 表面磨光，裝飾簡單，多為切口、點狀、鋸齒狀的飄帶，最常用的器物是玻璃杯，名字叫“壺”。
他強調了金屬（主要是青銅）的作品，例如所謂的“多宅鈴”（作為儀式物品），飾有流水形狀的螺旋（ryusui），或浮雕動物（主要是鹿、鳥類、昆蟲和兩棲動物），以及狩獵、捕魚和農業勞動的場景，特別是與水稻有關的場景。
鹿似乎有特殊的意義，可能與某個神靈有關：在許多地方發現了許多鹿肩胛骨，上面有用火刻出的切口或痕跡，據說這與某種儀式有關。
彌生遺址中發現的其他裝飾元素有：鏡子、劍、各種珠子和勾玉（形狀像腰果的玉石和瑪瑙，用作生育寶石）。
古墳時期（300-552）
這個時代標誌著帝國中央國家的鞏固，它控制著鐵和黃金等重要資源。 這種建築最好是在墓地中發展起來，有典型的墓室和通道墓，稱為古墳（“舊墓”），上面堆砌著大土堆。
大神天皇（346-395 年）和仁德天皇（395-427 年）的墓葬引人注目，其中發現了各種各樣的物品，其中包括： 珠寶、各種材料製成的人物，尤其是兵馬俑。
這些小雕像大約有兩英尺高，幾乎沒有表情，只有眼睛和嘴巴上有幾條縫隙，但它們是這一時期藝術的一個非常相關的展示。
根據他們的服裝和用具，這些人物中突出了各種職業，如農民、民兵、僧侶、省婦、吟遊詩人等。
到了這一時期末期，還出現了動物形象，包括鹿、狗、馬、野豬、貓、雞、羊和魚，表明了當時軍事定居點的重要性，其風格特徵與新羅有關。來自韓國的文化，還有一種叫做 Sueki 的陶器，深色且非常精緻，配有叮噹作響的配件。
社會分化導致統治階級在吉野裡等城市的專屬社區中被孤立，最終在光寺等偏僻的社區或關西、斑鳩和飛鳥板吹的宮殿建築群中永久隔離。
在宗教建築方面，早期的神道寺廟（神社）是用木頭建造的，有凸起的底座和裸露的牆壁或滑動隔斷，底座支撐著傾斜的屋頂。
它的特色組件之一是鳥居，這是一個入口拱門，標誌著神聖場所的入口。 請注意伊勢神宮，自 XNUMX 世紀以來，它每二十年重建一次。
主樓（Shoden）有高架地板和人字形屋頂，有九個基座，可通過外部樓梯進入。 它採用神明造風格，反映了佛教傳入日本之前的晚期神道風格。
另一座起源不明的神話寺廟是出雲大社，位於松江附近，傳說由天照創建。 它採用大社祖庫里風格，被認為是聖所中最古老的，主要景點是建築在壁柱上的立面，以樓梯作為主要通道，並採用簡單的木飾面，沒有油漆。
根據發現的手稿，原來的聖殿高50米，因火災重建，高25米。 這些建築是 Honden（“內部聖所”）和 Hayden（“外部聖所”）。 金峰山寺是修驗道的主要寺廟，修驗道是一種結合了神道、佛教和萬物有靈信仰的苦行宗教，也屬於這個時期。
在這個時期，我們發現了第一批繪畫樣本，如大塚的皇家葬禮和九州的支石墓（XNUMX-XNUMX世紀），裝飾有被困獵物、戰鬥、駿馬、鳥類和船隻的場景，或者螺旋線和同心圓。
它們是壁畫，由赤鐵紅、炭黑、赭黃、高嶺土白和綠泥石綠製成。 這一時期的特色設計之一是所謂的“chokomon”，由在對角線或十字上繪製的直線和弧線組成，出現在墳墓的牆壁、石棺、埴輪雕像和銅鏡上。
飛鳥時代（552-710）
大和設想了一個中國模式的中央集權王國，具體體現在聖德太子（604年）和大化（646年）的法律中。佛教的傳入在日本產生了巨大的藝術和審美影響，深受中國藝術的影響。
隨後聖德太子（573-621）統治時期，他總體上偏愛佛教和文化，在藝術上碩果累累。 該建築在寺廟和修道院中得到體現，但大部分已經消失，假設用來自大陸的宏偉建築取代了簡單的神道線條。
作為這一時期最傑出的建築，我們必須提到法隆寺（607年），它是久多羅風格（韓國百濟）的代表。 它是在若草寺的基礎上建造的，該寺由聖德建立，並於 670 年被他的對手燒毀。
它採用軸向平面法建造，由塔（Tō）、夢殿（“夢殿”）和近堂（“金殿”）所在的一組建築組成。 它是中國風格的，首次使用瓷磚屋頂。
這個非凡例子的特徵之一是位於瀨戶水上的嚴島神社（593），其中有五十能堂、多寶堂和幾座禦本殿。 由於其美麗的景色，1996年被聯合國命名為世界遺產。
佛教主題的雕塑由木頭或青銅製成：第一批佛像是從大陸進口的，但後來大量的中國和韓國藝術家定居在日本。
觀世音菩薩的日本名觀世音菩薩形象，以韓國托里作品《觀世音菩薩》的名義傳播開來； 位於法隆寺夢殿的觀音； 以及來自 Kudara（六世紀）的觀音，由一位不知名的藝術家創作。 另一件重要的作品是托里佛士 (Tori Busshi) 創作的青銅釋迦牟尼三尊 (623)，安裝在法隆寺 (Hōryū-ji)。
總體而言，這些作品風格嚴肅、棱角分明、古樸，受到韓國高句麗風格的啟發，如柴鳥的作品，標誌著飛鳥時代的“官方風格”：飛鳥大佛（法光寺，606年）、藥師佛（607年）、觀世音菩薩（621年）、三尊釋迦（623年）。
另一位遵循這種風格的藝術家是《法隆寺金殿四大天王》（645 年）的作者山口綾大口篤日，儘管風格非常古老，但它呈現出更圓潤的體積演變，表情豐富。
這幅畫受中國圖案的影響，用墨水或礦物染料製成，用於絲綢或紙張、羊皮紙捲軸或掛在牆上。 它代表了一種偉大的繪畫感，具有極大的獨創性，例如玉蟲聖物箱（Hōryū-ji），用樟木和柏木製成，帶有青銅花絲帶，在漆木上以油彩代表各種場景，採用稱為 mitsuda 的技術-i 來自波斯，與魏朝的中國畫有關。
舍利盒的底部有一本本生經（佛陀前世的記述），展示了摩訶薩王子將自己的肉奉獻給一隻飢餓的母老虎。 大約在這個時候，書法開始獲得相關性，並被賦予與具像圖像相同的藝術水平。
絲綢掛毯也很引人注目，例如為聖德製作的曼陀羅天國 (622)。 陶瓷無論是否上釉，本地生產很少，中國進口的陶瓷更有價值。
奈良時代 (710-794)
在此期間，定都奈良（710年），是天皇的第一個固定首都。 此時，佛教藝術正處於鼎盛時期，中國的影響力持續不斷：日本人在中國藝術中看到了和諧與完美，類似於歐洲對古典希臘羅馬藝術的品味。
這一時期的建築為數不多的例子是紀念性建築，例如東藥師寺塔、東招提寺、東大寺和興福寺，以及奈良的正倉院皇家倉庫，其中保存著大量的文物。聖武天皇（724-749）時代的藝術品，包括來自中國、波斯和中亞的作品。 奈良城是仿照唐朝都城長安的模型，按照網格平面法建造的。
皇宮與主寺東大寺（745-752 年）同等重要，東大寺按照對稱規劃建造在一個大型圍牆內，有兩座雙塔，大佛殿（“佛陀大殿”）就位於其中，脫穎而出。 «。 大佛殿內有一尊 15 米高的毘盧遮那佛（日語為大日）銅像，由聖武天皇於 743 年捐贈。大佛殿於 1700 年重建，是世界上最大的木結構建築。
另一座重要的寺廟是法華堂，裡面有另一座宏偉的觀音福賢覺雕像，這是一尊高 XNUMX 米的八臂漆菩薩。 高影響力和唐氏，體現在面部特徵的平靜和平靜。
相比之下，東藥師寺塔是日本建築師試圖擺脫中國影響、尋找自己風格的嘗試。 它以其垂直性而引人注目，不同尺寸的封面交替出現，使其看起來像一個書法符號。
在其結構中，屋簷和陽台非常引人注目，由白色和棕色的木條交織而成。 裡面供奉著藥師如來（“藥師佛”）的雕像。 它以“古代奈良歷史古蹟”的名義被列為世界遺產。
唐招提寺（759）具有相同程度的民族同化，這顯示了受中國影響的堅固、對稱和垂直的近堂（“金色大廳”）與代表原住民傳統的更簡單和水平的Kodo（“會議室”）之間的鮮明對比。
另一個參展商是清水寺（778），其主建築以其巨大的欄杆而引人注目，欄杆由數百根柱子支撐，在山上脫穎而出，可以欣賞到京都市的壯麗景色。 這座寺廟是世界新七大奇蹟名單的候選之一，儘管它沒有被選中。
輪王寺以三佛堂而聞名，那裡有阿彌陀佛、千手觀音和馬頭觀音三尊雕像。 作為一座神道教神社，伏見稻荷大社 (711) 十分引人注目，它專門供奉稻荷神靈，因數千個紅色鳥居而得名，這些鳥居指示著神社所在山上的小路。
佛像的雕刻得到了很大的發展，造像精美絕倫：聖觀音、立花佛、東大寺菩薩等。 白鳳時期（645-710），蘇我氏的鎮壓和帝國的鞏固導致朝鮮影響的結束並被中國（唐代）所取代，產生了一系列更加宏偉和現實主義的作品，具有更加圓潤和圓潤的風格。造型更加優美。
這種變化在藥師寺的鍍金青銅雕像的一部分中很明顯，該雕像由坐佛（藥師）和日光（“日光”）菩薩和月光（“月光”）菩薩組成，他們在對立的位置上表現出更大的活力，以及更強的面部表情。
在法隆寺，源自韓國的鳥居風格得以延續，如觀音夢語和立花女士挂墜的阿彌陀三尊。 唐招提寺內有一系列由空心乾漆製成的大跨度雕像，其中最引人注目的是中央的盧舍那佛（759），高 3,4 米。 還有守護神（明基羅大正）、國王（小木天）等。 它們是用木頭、青銅、生粘土或乾漆製成的高度寫實的作品。
這幅畫以法隆寺牆壁裝飾（七世紀末）為代表，與近藤壁畫相似，與印度阿旃陀壁畫相似。 還出現了各種類型，例如 kakemono（“掛畫”）和 emakimono（“滾筒畫”），這些故事畫在紙或絲綢捲軸上，並附有解釋不同場景的文字，稱為佛經。
奈良正倉院中有一系列世俗主題的繪畫，其類型和主題各不相同：植物、動物、風景和金屬物體。 中期，唐代畫派盛行，高松塚墓壁畫可見一斑，距今約700年。
根據701年的大鳳令，畫家的職業受到工匠團體的監管。 由內政部下屬的畫家部 (takumi-no-tuskasa) 控制。 這些協會負責裝飾宮殿和寺廟，其結構一直持續到明治時代。 通過從中國引進的各種技術，例如在粘土上使用鮮豔的顏色，陶器得到了顯著的發展。
平安時代（794-1185）
這一時期發生了藤原氏的統治，仿照中國政府建立了中央集權政府，定都平安安（現京都）。 大名興起，武士形像出現。
大約在這個時候，出現了一種稱為平假名的筆跡學，它使中國書法適應日本使用的多音節語言，使用漢字作為音節的音值。 與中國關係的決裂產生了一種更明顯的日本藝術，世俗藝術與宗教藝術一起出現，這將是宮廷民族主義的忠實反映。
隨著天台宗和真言宗這兩個新教派從大陸傳入，佛教圖像學有了新的發展，它們以藏傳密宗為基礎，融入了神道元素，形成了這一時期的宗教融合特徵。
寺院的建築規劃發生了變化，寺院建在偏僻的地方，用於冥想。 最重要的寺廟是延歷寺（788 年）、金剛峰寺（816 年）和室生寺神塔。 延歷寺位於比叡山附近，是古京都的歷史古蹟之一，於 1994 年被宣佈為世界遺產。
它由將佛教天台宗傳入日本的最澄於 788 年創立。 延歷寺擁有約 3.000 座寺廟，是當時的權力中心，其大部分建築於 1571 年被織田信長摧毀。
在倖存的部分中，今天最引人注目的是齋藤（“西殿”），以及延歷寺最具代表性的建築——根本中堂所在的東堂（“東殿”），裡面供奉著佛像。 . 由 Saichō 親自雕刻，藥師如來 (Yakushi Nyorai)。
與之前相比，雕塑略有下降。 同樣，佛像（如意輪觀音、京都神護寺的藥師如來、平等院的阿彌陀如來）以及某些神道女神（吉祥天，幸福女神，相當於印度的吉祥天女） ）。
佛教的過度僵化限制了藝術家的自發性，藝術家將自己限制在嚴格的藝術準則中，從而損害了他的創作自由。 859年和877年期間產生了Jogan風格，其特點是圖像幾乎令人生畏的重力，帶有某種內省和神秘的氣氛，例如室生寺的Shaka Nyorai。
藤原時代，平等院城長所創立的流派聲名鵲起，風格比城完的雕塑更為優雅、修長，能夠表現出完美的體態和動感。
Jōchō 的工作室引進了寄木和割萩技術，其中包括將人物分成兩塊，然後將它們連接起來進行雕刻，從而避免了隨後的破裂，這是大型人物的主要問題之一。 這些技術還允許串行組裝，並在鎌倉時代的 Kei 學校中取得了巨大成功。
大和繪尤其發展為稱為繪卷的手寫捲軸，它將繪畫場景與優雅的片假名書法相結合。 這些捲軸講述了歷史或文學段落，例如紫式部 XNUMX 世紀末的小說《源氏物語》。
雖然文字是著名抄寫員的作品，但這些圖像通常是由宮廷妓女繪製的，例如木之坪和長門之坪，呈現出與當今日本藝術密切相關的女性美學樣本。
這時，開始根據性別對繪畫進行分類，這標誌著公眾之間明顯的區別，男性受中國影響，而女性和更審美的藝術則受到日本藝術的影響。
在《恩納繪》中，除了《源氏物語》之外，《平家乃行》（《法華經》）也很引人注目，它是由平氏為嚴島聖地委託製作的，在佛教所宣揚的拯救靈魂的各種捲軸中都有體現。
另一方面，這部《男繪》比《女繪》更具敘事性和活力，更充滿動感，更具現實主義和動感，就像《Shigisan Engi》捲軸中講述妙蓮僧人的奇蹟一樣； 《Ban Danigon E-kotoba》講述了 XNUMX 世紀敵對部族之間的戰爭； 以及《Chōjugiga》，動物的場景帶有諷刺的標誌和諷刺的語氣，批評貴族。
鎌倉時代（1185-1392）
經過封建氏族之間的幾次爭端，源氏佔了上風，建立了幕府，這是一種設有軍事法庭的政府形式。 此時，禪宗傳入日本，對具象藝術產生了強烈影響。 建築更加簡單，更加實用，不那麼奢華和華麗。
禪宗的主導地位造成了所謂的卡拉陽式：禪宗禮拜場所沿用了中國的軸測法，雖然主要建築不是寺廟，而是閱覽室，而且禮拜場所沒有雕像。 ，不過是方丈教導弟子的小寶座旁。
京都三十三間堂五大寺院（1266 年）、京都建仁寺（1202 年）和東福寺（1243 年）、建長寺（1253 年）和圓覺寺的集合（1282）在鎌倉。
高德院（1252 年）以其又大又重的阿彌陀佛銅像而聞名，使其成為繼東大寺之後的日本第二大佛像。
1234 年，淨土宗的聖地知恩院建成，以其巨大的正門（三門）而聞名，是日本同類建築中最大的。
這一時期最後的代表之一是本願寺（1321 年），它由兩座主要寺廟組成：西本願寺，其中包括禦榮堂和阿彌陀堂，以及一個茶亭和兩個舞台。能劇劇場，其中之一號稱是現存最古老的劇場； 以及著名的莊成園所在地東本願寺。
該雕塑獲得了極大的現實主義色彩，賦予了藝術家更大的創作自由，貴族和士兵的肖像就證明了這一點，例如 XNUMX 世紀軍人上杉志草（由一位匿名藝術家創作）的肖像。
禪宗作品側重於以一種名為“真三”的雕像來表現他們的老師，例如老師無二一園（Muji Ichien，1312 年，一位匿名作者）的雕像，採用彩色木材製成，代表坐在寶座上的禪宗大師。冥想的態度放鬆。
奈良慶派是平安時代淨朝派的繼承者，其作品的質量尤為重要，其中雕刻家運慶、無丘和禪心僧侶（奈良興福寺）雕像的作者也金剛力士（守護神）的圖像，例如位於 8 米高的東大寺 (1199 年) 入口處的兩尊巨大雕像。
運慶的風格受到中國宋代雕塑的影響，高度寫實，同時也捕捉到了最細緻的面相研究，以及所描繪的個人的情感表達和內在靈性。
眼睛裡甚至還鑲嵌了深色水晶，以增強表現力。 運慶的作品標誌著日本肖像畫的開端。 他的兒子淡慶（《三十三間堂觀音千手》的作者）繼續他的工作。
這幅畫的特點是更加現實主義和心理內省。 景觀美化（那智瀑布）和沈思中的妙江和尚肖像，由 Enichi-bo Jonin 繪製； 藤原貴信拍攝的京都神護寺肖像集； 主要沖洗禦心的花園天皇肖像。
大和繪模式仍在繼續，圖像以捲軸的形式進行解釋，其中許多捲軸有幾米長。 這些手稿展示了日常生活細節、城市或鄉村場景，或者描繪了歷史事件，例如 1159 年皇室敵對分支之間的京都戰爭。
它們以連續的場景呈現，遵循敘事順序，具有高全景，呈直線。 值得注意的是平次時代事件的插圖捲軸（平次物語）和延日坊上人的華嚴延儀捲軸。
與禪宗組織相關的繪畫更直接地受到中國的影響，其技術更多地採用簡單的印度墨水線條，遵循禪宗的格言“太多的顏色會蒙蔽眼睛”。
室町時代（1392-1573）
幕府掌握在足利家族手中，足利家族的內訌有利於大名不斷增長的權力，從而瓜分了土地。 建築更加優雅，具有典型的日本風格，有莊嚴的宅邸、瑞鳳寺等修道院，以及聖國寺（1382 年）、金閣寺（1397 年）和銀閣寺等寺廟。 或銀閣（1489），在京都。
金閣寺是將軍足利義滿的休息村而建的，是他的領地北山的一部分。 他的兒子將這座建築變成了臨濟宗的寺廟。 這是一座三層建築，前兩層覆蓋著純金箔。 這座亭子的作用是保護佛陀的捨利子。
殿內還供奉著數尊佛菩薩像，天花板上矗立著一隻金色鳳凰。 毗鄰的花園還有一個美麗的花園，花園裡有一個名為“Kyōko-chi”的池塘，裡面有許多島嶼和石頭，描繪了佛教的創世故事。
就其本身而言，銀閣寺是由幕府將軍足利義正建造的，他試圖模仿其祖先義光建造的金閣寺，但不幸的是他無法按計劃用銀覆蓋這座建築。
這一時期建築的另一個特點是壁龕的外觀，這是一個供沉思繪畫或插花的房間，同時尊重禪宗美學。 此外，還引入了榻榻米，一種由稻草製成的地毯，使日本房屋的內部更加舒適。
此時，造園藝術特別發展，奠定了日本園林的藝術和審美基礎。 出現了兩種主要模式：月山，圍繞山和湖； 還有平庭花園（hiraniwa），這是一個平坦的花園，上面有耙過的沙子，裡面有石頭、樹木和水井。
最常見的植被由竹子和各種花木組成，無論是常綠的，如日本黑松，還是落葉的，如日本楓樹，蕨類植物和泡沫等元素也很受重視。
盆景是園藝和室內設計的另一個典型元素。 花園通常包括湖泊或池塘、各種類型的涼亭（通常用於茶道）和石燈籠。 與其他藝術一樣，日本花園的典型特徵之一是其不完美、未完成和不對稱的外觀。
有不同類型的花園：“步行”，可以沿著小路或池塘周圍行走來看到； “房間”的概念，是從一個固定的地方欣賞的，通常是亭子或町屋式的小屋。
Te (rōji)，圍繞一條通往茶室的小路，用 bakdosine 瓷磚或石頭標記路徑； “靜觀”（枯山水，“山水風景”）是最典型的禪宗園林，從禪寺的平台上看去。
一個很好的例子是畫家兼詩人宗阿彌（Sōami，1480 年）創作的所謂京都龍安寺花園的無水景觀，它描繪了一片由耙過的沙子組成的海洋，上麵點綴著一些島嶼，這些島嶼是岩石。 ，形成一個結合現實與虛幻的整體，引發冷靜與反思。
人們注意到繪畫的複興，以禪宗美學為框架，受到中國元明時期的影響，主要體現在裝飾主義上。
水粉畫技術被引入，這是禪宗教義的完美轉錄，它力求在風景中反映它們的含義，而不是它們所代表的東西。
文神莊的形像出現了，他是一位“知識分子僧侶”，他用單色水墨創作了自己的作品，學者和中國技法的追隨者，用簡潔而分散的筆觸，反映了松樹、蘆葦、蘭花、竹子等自然元素，他們的作品中，岩石、樹木、鳥類和人物沉浸在大自然中，以一種冥想的態度。
在日本，這種中國墨水技術被稱為“sumi-e”。 墨繪以禪宗七大美學原則為基礎，力求通過簡潔與優雅來反映最強烈的內心情感，以簡潔樸素的線條超越其外表，象徵著與自然的交流狀態。
墨繪是一種尋找內在靈性的手段（dō），這是僧侶們使用的。 水墨的特殊性，微妙而瀰漫，使藝術家能夠以簡單自然的印象捕捉事物的本質，但同時又深刻而超然。
這是一種快速執行的本能藝術，無法修飾，這一事實將其與生活結合在一起，不可能回到已完成的事情。 每條痕跡都承載著生命能量（ki），因為它是一種創造行為，需要將思想付諸行動，過程比結果更重要。
水墨畫最重要的代表人物有：武藤水、若澤、周文、雪村秋景，尤其是雪周東陽，他是肖像畫和風景畫的作者，也是第一位在世繪畫的藝術家。 雪舟是一位畫僧伽蘇，他於 1467 年至 1469 年間前往中國，學習藝術和自然景觀。
他的風景畫由線性結構組成，被突然的光線照亮，反映了超越時刻的禪宗概念。 這些風景帶有軼事元素，例如遠處的寺廟或在懸崖等偏遠地區拍攝的小人物。
新宿也出現了一種新的詩意繪畫流派，其中的風景描繪了一首受自然主義啟發的詩歌。 另外值得一提的是由嘉納正信創立的嘉納畫派，該畫派將水粉畫技法應用於傳統題材，描繪神聖、民族和風景主題。
這種水洗也適用於隔扇推拉門的屏風和彩繪面板，這是日本室內設計的標誌。 在陶瓷方面，瀨戶流派脫穎而出，其中最受歡迎的類型是天目。 漆器和金屬製品也是這一時期的著名例子。
安土桃山時代（1573-1603）
此時，日本再次被織田信長、豐臣秀吉、德川家康統一，並推翻大名，掌權。
他的任期恰逢葡萄牙商人和耶穌會傳教士的到來，他們將基督教引入了該國，儘管只影響了少數人。
這一時期的藝術創作脫離了佛教審美，強調日本傳統價值觀，風格爆炸。 1592 年入侵朝鮮導致許多韓國藝術家被迫轉移到日本，他們居住在與世隔絕的陶瓷生產中心。
同樣，在這一時期，首先受到西方的影響，反映在南蠻風格中，發展為微型雕塑，具有世俗主題，裝飾瓷器和大和繪風格的屏風裝飾，色彩鮮豔，金箔，講述歐洲人抵達日本海岸的故事的場景。
透視技術以及歐洲繪畫的其他變體（例如油畫的使用）在日本的藝術形式中沒有立足之地。
在建築方面，大型城堡（城樓）的建造尤為突出，這些城堡因西方火器傳入日本而得到加強。 姬路城、安土城、松本城、二條城和伏見桃山城就是很好的例子。
姬路城是這一時期的主要建築之一，它結合了巨大的防禦工事和優雅的垂直結構，共有五層木材和石膏，具有與傳統日本寺廟類似的光滑曲線屋頂形狀。
由小別墅或宮殿和大花園組成的鄉村茶道村也不斷湧現，一些城市還建造了用於歌舞伎表演的木製劇場。
在繪畫領域，嘉納派佔據了大部分官方委託，製作了日本主要城堡的壁畫，重要人物有嘉納榮德和嘉納三樂的名字。
對於城堡，由於其狹窄的防禦開口而光線不足，因此創建了一種帶有金色背景的隔板，可以反射光線並將其擴散到整個房間，並用大型壁畫裝飾著英雄場景，例如動物。 或虎龍，或園林、池塘、橋樑等山水，或四時，都是當時常見的題材。
絲網印刷也得到了顯著的發展，一般採用褪色油墨，遵循墨繪風格，這可以從長谷川東白（松林）和海峰游翔（月光下的松樹和梅樹）的作品中看到。 手稿捲軸、屏風和扇子中，充滿活力的作品作者俵屋宗達的身影也很引人注目。
他受平安時代和歌文字（稱為臨派）的啟發，創造了一種抒情和裝飾風格，創作了極具視覺美感和情感強度的作品，如《源氏物語》、《常春藤之路》、《雷神與風神》等。
陶瓷製造達到繁榮，受韓國陶瓷的啟發，開發出用於茶道的產品，其質樸和未完成的外觀完美地反映了滲透到茶道中的禪宗美學。
新的設計出現了，例如老鼠餐具和高根水壺，通常具有浸有一層長石的白色主體，並裝飾有用鐵掛鉤製成的簡單圖案。 這是一種厚厚的陶瓷，表面有釉，未經處理，給人一種不完美和脆弱的感覺。
瀨戶仍然是主要生產者，而美濃鎮誕生了兩所重要的學校：志野和織部。 唐津流派和兩種原始陶器類型也得到了強調：
伊賀，質地粗糙，釉層較厚，裂紋較深； Bizen，紅棕色無釉陶器，從輪子上取下後仍然柔軟，會產生小裂紋和自然切口，使其呈現易碎的外觀，仍然符合禪宗的不完美美學。
當時最優秀的藝術家之一是保波光悅，他擅長繪畫、詩歌、園藝、漆器等。 他接受了平安時代藝術傳統和青蓮院書法的訓練，並在德川家康捐贈的土地上，在京都附近的高峰建立了一個工匠聚居地。
該聚落由日蓮佛宗的工匠維護，並創作出許多高品質的作品。 他們專門生產漆器，主要是辦公用品，裝飾有黃金和珍珠母貝鑲嵌，以及各種茶道用具和餐具，突出了濃郁的富士山碗。 紅色的裙子上覆蓋著黑色的內褲，上面是暗淡的冰白色，給人一種下雪的效果。
江戶時代（1603-1868）
這個藝術時期與德川歷史時期相對應，當時日本與所有外部接觸關閉。 首都設立於江戶，即未來的東京。 基督徒受到迫害，歐洲商人被驅逐。
儘管存在封臣制度，但貿易和手工藝仍在蓬勃發展，出現了一個權力和影響力不斷增長的資產階級，並致力於推廣藝術，特別是雕刻、陶瓷、漆器和產品。 紡織品。
最具代表性的作品是京都的桂宮和日光的東照宮陵墓（1636年），它們是“日光神社和寺廟”的一部分，均於1999年被聯合國教科文組織宣佈為世界遺產。
它是神道教和佛教聯合體，是將軍德川家康的陵墓。 寺廟是一個嚴格對稱的結構，彩色浮雕覆蓋了整個可見表面。 其色彩繽紛的建築和繁複的裝飾十分引人注目，與當時寺廟的風格不同。
內部裝飾有色彩鮮豔的細緻漆雕和精美的彩繪面板。 桂宮（1615-1662）採用禪宗風格的不對稱平面建造，外立面上直線的使用與周圍花園的蜿蜒曲折形成鮮明對比。
由於其作為皇室休息的場所，別墅由主樓、幾座附屬建築、茶室和一個70000萬米的公園組成。 主宮殿只有一層，分為四個在角落交彙的附屬建築。
整個建築有一定的特點，是在柱子上建造的，柱子上有一系列有牆壁和門的房間，有些房間有嘉納探遊的畫作。
這一時期的另一個特色是茶室（chashitsu），通常是帶有茅草屋頂的小型木結構建築，周圍環繞著明顯被忽視的花園，花園里長滿了地衣、苔蘚和落葉，遵循禪宗的概念。 超越的不完美。
藝術和智力發展的開始
在此期間，日本通過從出島的荷蘭商人那裡獲得的信息和書籍逐漸學習西方技術和科學進步（稱為“rangaku”）。
研究最多的領域包括地理、醫學、自然科學、天文學、藝術、語言、物理概念，例如電氣和機械現象的研究。 數學也取得了巨大的發展，其潮流完全獨立於西方世界。 這種強烈的水流被稱為wasan。
新儒學的全盛時期是這一時期最偉大的思想發展。 佛教僧侶對儒學的研究長期以來一直很活躍，但這一時期的儒學信仰體系引起了對人與社會觀念的高度關注。
倫理人文主義、理性主義和儒家的歷史觀被視為一種社會模式。 XNUMX世紀中葉，儒家思想成為占主導地位的法律哲學，並直接促進了國家學徒制度“國學”的發展。
他對幕府政權的主要美德是強調等級關係和服從。 到頂部。 服從，延伸到全社會，有利於封建制度的保存。
紡織藝術變得非常重要，主要是絲綢，它達到了最高質量的水平，這就是為什麼房間裡經常掛著色彩鮮豔、圖案精美的絲綢連衣裙（和服）。 分開，就好像它們是屏幕一樣。
使用了多種技術，如染色、刺繡、錦緞、壓花、貼花和手繪。 絲綢只供上層階級使用，而人們穿著棉質衣服，採用印度尼西亞紮染技術製成，分段紡成，並染成靛藍色和白色。
另一種質量較差的技術是編織不同顏色的棉線，並使用米糊和煮熟並結塊的米糠以蠟染風格塗上自製染料。
需要指出的是，就像XNUMX世紀一樣，日本藝術受到西方藝術的影響，也受到日本藝術的異國情調和自然性的影響。 所謂的日本主義就是這樣在西方誕生的，主要在XNUMX世紀下半葉發展起來，特別是在法國和英國。
這在所謂的 Japoneries 中得到了體現，這些物品的靈感來自日本版畫、瓷器、漆器、扇子和竹器，這些物品在家居裝飾和許多個人服裝中都變得時尚，反映了日本審美的幻想和裝飾主義。
在繪畫方面，浮世繪派的風格受到熱烈歡迎，歌麻呂、廣重、葛飾北齋的作品受到高度評價。 西方藝術家模仿日本繪畫的簡化空間結構、簡單輪廓、書法風格和自然主義感性。
當代（自 1868 年以來）
明治時期（1868-1912），日本開始了一場深刻的文化、社會和技術復興，它更加對外開放，並開始吸收西方取得的新進步。 1868年的憲章廢除了封建特權和階級差別，但這並沒有給陷入苦難的無產階級帶來改善。
帝國主義強烈擴張主義的時期開始了，導致了第二次世界大戰。 戰後，日本經歷了民主化和經濟發展的進程，使其成為世界主要經濟強國之一以及領先的工業生產和技術創新中心。 明治時代之後是大正時代（1912-1926）、昭和時代（1926-1989）和平成時代（1989-）。
自1930年以來，中國和南亞的逐步軍事化和擴張，以及隨之而來的軍事預算資源的增加，導致了藝術贊助的減少。 然而，隨著戰後經濟的繁榮和國家工業化帶來的新繁榮，藝術獲得新生，並因文化全球化進程而全面融入國際藝術運動。
同樣，經濟繁榮鼓勵收藏，創建了許多有助於傳播和保存日本和國際藝術的博物館和展覽中心。 在宗教領域，神道教在明治時代確立為唯一官方宗教（Shinbutsu bunri），導致佛教寺廟和藝術品被遺棄和破壞，如果沒有教授歐內斯特·費諾洛薩（Ernest Fenollosa）的干預，這將是無法彌補的。哲學。 來自東京帝國大學。
他與大亨兼贊助人威廉·畢格羅 (William Bigelow) 一起保存了大量佛教藝術藏品，為波士頓美術館和華盛頓特區弗利爾美術館這兩個世界上最好的亞洲藝術收藏地收藏了佛教藝術。
該建築具有雙重方向：傳統（東京的靖國神社、平安神宮和明治寺廟）和融合新技術的歐洲風格（奈良的大和文化館，由吉田磯八設計）。
西方化導致了銀行、工廠、火車站和公共建築等新建築的建造，這些建築最初是模仿英國維多利亞時代的建築，採用西方材料和技術建造的。 一些外國建築師也曾在日本工作過，例如弗蘭克·勞埃德·賴特（Frank Lloyd Wright）（東京帝國酒店）。
第二次世界大戰後，由於重建國家的需要，建築和城市化得到了巨大的推動。 然後新一代建築師出現了。
以丹下健三為首，創作了廣島和平紀念資料館、東京聖母大教堂、1964年東京奧運會奧林匹克體育場等作品。
丹下的學生和追隨者創造了被理解為“新陳代謝”的建築概念，將建築視為必須適應功能需求的有機形式。
1959年運動發起，他們想到建立一個人口中心，其前提是創造一系列隨著外部變化而變化的建築，就好像它是一個有機體一樣。
其成員包括黑川紀章、澀谷彰、渡邊洋司和菊竹清典。 另一位代表人物是前川邦男，他與丹下一起將日本古老的審美觀念引入到僵硬的當代建築中。
再次使用傳統技術和材料，如榻榻米和柱子的使用，這是日本寺廟的傳統建築元素，或者將花園和雕塑融入他的創作中。 我沒有忘記使用真空技術，槙文彥在建築與周圍環境的空間關係中研究了它。
自 1980 世紀 XNUMX 年代以來，後現代藝術在日本佔據了強勢地位，因為流行元素與復雜形式的融合自古以來就是其特徵。
這種風格主要以北九州美術館和京都音樂廳的作者磯崎新為代表。 磯崎新跟隨丹下學習，在他的作品中，他將西方概念與日本典型的空間、功能和裝飾理念相結合。
就安藤忠雄而言，他開發了一種更簡單的風格，非常關注光線和開放空間對外部空氣的貢獻（北海道托馬努水上教堂；大阪茨城縣光之教堂；兒童博物館，姬路）。
坂茂的特點是使用非傳統材料，如紙張或塑料：1995 年神戶地震導致許多人無家可歸，坂茂設計了後來被稱為紙屋和教堂的建築，最後，伊藤豐雄探索了數字時代城市的物理形象。
雕塑也具有傳統與前衛的雙重性，突出了木口耀和豐福羅莫里尼的名字，以及抽像人物堀內正和和水井康夫（後者居住在法國）。 野口勇和流正之將本國豐富的雕塑傳統融入到作品中，研究物質的粗糙度和拋光度之間的對比。
繪畫也遵循兩種趨勢：傳統（日本畫）和西方（瑜伽），儘管它們存在，但富岡鐵齋的形象仍然停留在20世紀初；而日本畫風格則在19世紀末由藝術評論家岡倉角三和教育家歐內斯特·費諾洛薩提倡。
在傳統藝術中尋找日本感性的典型表達形式，儘管這種風格也受到了一些西方的影響，特別是來自拉斐爾前派和浪漫主義的影響。 主要代表人物有菱田春曹、橫山大觀、下村觀山、前田聖尊、小林小慶等。
歐式繪畫首先借鑒了XNUMX世紀末歐洲使用的技法和主題，主要與學院派有關，如黑田清輝在巴黎研究了幾年，但隨後又延續了不同的潮流西方藝術中發生的事情：
白馬甲派恢復了印象派的影響； 抽像畫以山口武夫和穆內正成為主角； 具象藝術家有福田平一郎、德岡新泉、東山魁夷等。 一些藝術家已經定居在國外，例如美國的豬熊玄一郎和法國的藤田嗣治。
在大正派中，瑜伽風格對日本瑜伽影響最大，儘管越來越多地使用光和歐洲視角減少了兩種潮流之間的差異。
正如日本瑜伽很大程度上採用了後印象派的創新一樣，瑜伽也表現出對折衷主義的偏好，從各種不同的藝術運動中脫穎而出。
為了這個階段，日本美術學院（Nihon Bijutsu In）成立了。 昭和時代的繪畫以康宗太郎和梅原龍三郎的作品為標誌，他們將純粹藝術和抽象繪畫的概念引入日本傳統。
1931年，獨立藝術協會（Dokuritsu Bijutsu Kyokai）成立，以推廣前衛藝術。
早在二戰時期，從政府法律規定中就可以明顯看出應強調愛國主題。 戰後，藝術家重新出現在大城市，尤其是東京。
他在創作都市和國際化藝術時，熱心追隨國際上產生的風格創新，特別是在巴黎和紐約。 在六十年代的抽像風格之後，七十年代又回到了波普藝術所青睞的現實主義，篠原牛尾的作品就是所代表的。
令人震驚的是，到 1970 世紀 XNUMX 年代末，發生了一些有趣的事情：日本傳統藝術回歸，他們在其中看到了更大的表現力和情感力量。
版畫傳統以“創意版畫”（sosakuhanga）風格延續到 XNUMX 世紀，由川瀨蓮水（Kawase Hasui）、吉田浩（Yoshida Hiroshi）和宗方志子（Munakata Shiko）等藝術家以日本畫風格繪製和雕刻。
在最新的趨勢中，具體派在所謂的“行為藝術”中享有盛譽，它通過充滿諷刺意味的行為將二戰的經歷等同起來，具有極大的緊張感和潛在的攻擊性。
具體派成員包括：吉原二郎、元永貞正、島本昭三和白髮克夫。 與後現代藝術相關的幾位藝術家參與了最近的全球化現象，其特點是藝術表現形式的多元文化主義。
洞爺茂雄、森村康正。 其他著名的日本當代藝術家包括：岡本太郎、木村忠太、池村麗子、野田美智子、森村康正、草間彌生、天野喜孝、福田繁夫、久保田茂子、奈良美智和村上隆。
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