其創作者和追隨者將其視為反映當代藝術家尋求新意義的廣泛藝術趨勢， 後現代藝術 是尋找古典文化危機的答案。
後現代藝術
人們相信，在 XNUMX 世紀，發生了所謂的“超級基礎之死”：上帝、人和作者。 換言之，宗教基礎動搖了，人文思想危機出現了，創作者從創造新觀念到重新思考舊觀念。
藝術中的後現代主義是世界文化和哲學所接受的全球趨勢的一部分。 後現代主義不是單一的風格，而是一個由共同的意識形態基礎聯合起來的方向的複合體。 他們中的許多人甚至互相爭鬥。
後現代主義是一個源自法語（postmodernisme）的術語。 這個名稱反映了取代現代主義時代藝術的方向的含義（不要與現代主義混淆）。 在 XNUMX 世紀末和 XNUMX 世紀初，現代主義（或前衛）運動對古典藝術造成了沉重的打擊。 但漸漸地，創作者不再滿足於現代主義的方法。
在眾多新技術發展的同時，後現代主義在近 XNUMX 年的時間裡引發了新媒體和新藝術形式的藝術實驗，包括概念藝術、各種類型的表演和藝術裝置，以及解構主義和投影技術等計算機潮流。 .
後現代主義的特徵
讓-弗朗索瓦·利奧塔 (Jean-François Lyotard) 和其他理論家將現代性的精神基礎描述為一種不可動搖的信念，即對世界更加詳細的可壓縮性和逐步接近完美知識的穩步發展。 XNUMX 世紀的極權主義制度永久地抹黑了這種模式的絕對特徵。
以下是需要將後現代主義定義為有意識地與現代性決裂的原因。 後現代主義不僅拒絕現代對進步的信念，而且拒絕可以理解的客觀現實的存在。 後現代理論和美學假設所有的知識、所有的知覺以及意識和存在的每一個領域都服從於相對論。 後現代主義的一個關鍵概念是多元化。
現代性不斷創造新事物的願望，以及用於實現它的藝術手段，在後現代主義中被視為自動化的、既定的和過時的。 不能創造新事物的原則使得引用語錄的使用成為後現代藝術的基本風格特徵。
一方面，對藝術概念和個人藝術品開放性的需求開啟了幾乎無限的可能性：後現代主義通過跨越流派的界限開闢了各種新的表達形式。
後現代時代常用的一種技術是拼貼畫。 這個術語是在 XNUMX 世紀初為達達貼紙創造的，在後現代時代更為廣泛。 例如，它包括大型裝置、電影技術或音樂創作過程。
像 Umberto Eco（玫瑰的名字）這樣的作家，像 Friedensreich Hundertwasser（維也納 Hundertwasserhaus）這樣的建築師和像 Keith Haring 這樣的藝術家試圖彌合精英主義對藝術的理解與大眾文化之間的鴻溝； 這也是後現代美學的一個重要方面。
許多後現代作品，尤其是表演藝術方面的作品，並不希望被理解為完美的結果，而是一種實驗性的安排。 演示文稿將是零碎的（文學作品：羅蘭·巴特，愛的語言的片段）或正在進行的作品（舞劇：威廉·福賽思，斯科特的戲劇）在其發展的不同階段。
對於什麼是繪畫中的後現代主義這個問題，藝術評論家給出了不同的答案，因為後現代文化是一個多方面的現象，沒有一個明確的意識形態平台。 後現代主義者沒有創造一個普遍的經典，而且，他們原則上拒絕創造一個。 也許這一趨勢的支持者所宣稱的唯一基本價值就是無休止的言論自由。
後現代主義不是一場運動，而是一種普遍的思維方式。 因此，定義“後現代藝術”的特徵並沒有一個單一的列表。 但是，後現代藝術具有許多特徵：
- 藝術家在選擇自我表達方式方面擁有無限和絕對的自由。
- 重新思考傳統圖像，包括它們在新的背景下（因此翻拍、解釋、藝術引用、借用、典故廣泛分佈）。
- 融合，即異種元素融合為一個整體，有時甚至相互矛盾（例如，藝術家在繪畫中使用不同的風格，甚至繪畫與其他類型的藝術相結合）。
- 對話，即從不同的角度，從不同的«聲音»的位置看主題，最終創造出和弦的«交響曲»。
- 作品的呈現形式，邀請觀眾以有意義的方式加入作品。
- 令人震驚的創造力。
- 作者的諷刺和自嘲。 藝術家們現在對“大創意”持懷疑態度（例如，所有進展都是好的）。
- 後現代主義是對生活以及現有價值體系和/或技術帶來積極變化的力量的普遍覺醒的表現。 結果，權威、經驗、知識和動機都聲名狼藉。
- 現代藝術不僅被視為精英，而且被視為白人（在膚色的意義上），男性占主導地位，對少數群體不感興趣。 這就是為什麼後現代藝術提倡第三世界藝術家、女權主義者和少數族裔的藝術。
後現代、當代和晚期現代藝術
作為一般規則，後現代藝術和當代藝術或多或少是同義詞。 但是，從技術角度來看，後現代藝術的意思是“現代性之後”，是指從1970年左右開始的固定時期，而當代藝術主要是指緊接在XNUMX年代之前的五十年左右的變化時期。
目前這兩個時期重合。 但是在 2050 年，後現代藝術（例如從 1970-2020 年）可能已經被另一個時代所取代，然而當代藝術則涵蓋了直到那一年的時期。
在視覺藝術中，晚期現代一詞是指拒絕現代藝術的一個方面但在其他方面保持現代性傳統的運動或趨勢。 諸如 抽象表現主義 （1948-65）等風格由許多激進的現代藝術家實踐，包括傑克遜波洛克和威廉德庫寧，他們反對許多油畫的正式慣例。
然而，波洛克和德庫寧都無法創作出像勞森伯格的擦除德庫寧畫那樣的作品，因為他們都是真實性和意義概念的堅定信徒。
後現代藝術史
文藝復興後第一個重要的藝術風格是學院藝術，由學院的教授教授。 在學院派藝術中，古典主義和浪漫主義等多種風格和潮流交匯。 從1870年開始，隨著印象派的到來，現代藝術應運而生。 第一個特徵出現在 1970 年左右，現在被概括為後現代藝術。
現代藝術主要與 1870-1970 世紀有關，例如從印象派到波普藝術。 儘管各種全球性災難（第一次世界大戰、流感、華爾街崩盤和大蕭條）破壞了當時的許多道德確定性，但現代藝術家普遍保持對自然基本科學規律的信仰。理性和理性想法。
總的來說，像當時的大多數西方人一樣，他們相信生活是有意義的。 科學進步自然是積極的，基督教西方優於世界其他地區，男性優於女性。 現代主義還相信藝術的意義、相關性和進步，尤其是美術和建築。
追隨萊昂納多和米開朗基羅的腳步，他們相信高雅藝術，即提升和啟發受過教育的觀眾的藝術，而不是只取悅大眾的“低級藝術”。 他們採取了一種進步的方法，並將藝術視為應該不斷發展的東西，由一群前衛藝術家領導。
第二次世界大戰和大屠殺徹底顛覆了一切。 巴黎突然被紐約取代，成為藝術界的首都。 在戰爭的暴行之後，所有的具象藝術突然變得無關緊要，因此現代畫家轉向抽象藝術來表達自己。
令人驚訝的是，1950年代，紐約畫派以傑克遜·波洛克的畫作和馬克·羅斯科較為平靜的色域畫推動了大西洋兩岸的藝術暫時復興。前衛畫家成功地重新定義了抽象的界限。繪畫，但仍然在現代性的範圍內。 他們相信創作具有重要內容的真實、完整的藝術作品。
但現代性不可避免地走到了盡頭。 浩劫、原子彈試驗、古巴導彈危機和越南戰爭的不斷披露使人們對生活和藝術越來越失望。
Jasper Johns 和 Robert Rauschenberg 已經在 1950 年代中期製作了第一批新達達主義和波普藝術的後現代作品。很快，主流波普藝術將迎來後現代藝術本身，因為美國電視網絡專注於 1968 年春節攻勢和混亂的 1968 年民主黨全國代表大會。
從這段藝術史上的時間流逝，也可以確立藝術家和公眾對藝術的態度。 現在的藝術家和觀眾不受教育機構和捐贈機構關於什麼是藝術和什麼是藝術的舊觀念所決定的。 藝術的可能性和應用變得更加多樣化，而不必強迫自己穿上某種緊身胸衣。
現代建築受到為現代人創造全新風格的願望的影響。 建築師想要刪除所有的歷史參考並創造一些全新的東西。 這導致了國際風格（大約 1920-1970 年），一種簡約的規則設計。
幸運的是，大約在 1970 年左右，後現代建築師開始通過設計具有流行文化和更傳統建築風格的有趣特徵的結構來振興 XNUMX 世紀的建築。 在解構主義的框架內，計算機控制的新可能性也使看似逃避重力的結構成為可能。
後現代主義運動形成於 1960 年代和 1970 年代，但其出現的先決條件與很久以前出現的世界觀危機有關。 其中：斯賓格勒關於歐洲沒落的論文； 第一次世界大戰導致公眾意識崩潰； 關於世界秩序的不一致性和模糊性（從非歐幾里得幾何到量子物理學）在科學中的出現。
後現代一詞在 1950 世紀末已經在使用，然後在 1970 世紀初越來越多，但僅在 1979 年代就其當前含義而言。 在 XNUMX 年代後期，兩位作者主要促成了將該術語確立為永久固定裝置：讓-弗朗索瓦·利奧塔 (Jean-François Lyotard) 的作品 La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, XNUMX) 和查爾斯·詹克斯 (Charles Jencks) 的《後現代建築的興起》一文。
隨著後現代一詞的引入，現代主義首次被定義為一個封閉的歷史時代（如古代或之前的中世紀）。 後現代已成為一個文體術語，尤其是在建築中。
後現代主義者得出結論，現代世界不能在哲學、科學和文化的經典方法的框架內描述。 因此，經典的藝術方法不足以描述它。
技術的使用
後現代藝術的時代恰逢幾種新的視覺技術（如電視、視頻、互聯網等）的引入，並從中受益匪淺。 新的視頻和攝影格式降低了繪畫藝術的重要性，新技術的運用使藝術家能夠縮短傳統的藝術創作過程，但仍能創造出新的東西。
後現代藝術運動和風格
迄今為止，後現代藝術還沒有發生過重大的國際藝術運動。 取而代之的是，這個時代出現了一些狹窄的本地化流，以及幾種全新的藝術形式，例如視頻和文字繪畫。
此外，還有數十個藝術派系，以及一兩個反後現代中心，其成員致力於創作米開朗基羅或畢加索會引以為豪的那種藝術。
自新達達主義以來，後現代主義者喜歡將事物混合起來，或為傳統形式帶來新元素，以創造新的組合。 費爾南多·博特羅（Fernando Botero）描繪了肥胖人物的原始圖片，喬治·巴塞利茨（Georg Baselitz）則將人物顛倒過來。
Gerhard Richter 在他 1970 年代的攝影畫中結合了相機藝術和繪畫，而 Jeff Koons 則將面向消費者的圖像與復雜的雕刻技術相結合，創造了他的不銹鋼雕塑。
Andreas Gursky 將攝影與計算機生成的圖像相結合，創作了 Rhein II 等作品，而 Jeff Wall 在他的後現代圖像創作中使用了數字處理的照片蒙太奇。
藝術評論家對於哪些藝術風格可以歸類為後現代藝術沒有達成共識：例如，一些風格同時被歸類為前衛和後現代。 儘管如此，可以區分以下後現代主義運動和風格的列表：
達達主義
達達主義者認為，震撼歐洲、給數百萬人帶來痛苦和苦難的第一次世界大戰的殘暴是邏輯和理性主義的產物。 出於這個原因，他們用他們的創造力推動了審美經典的破壞、犬儒主義、系統性、非理性。
拼貼成為達達主義藝術家的主要創作方式。 畫布或紙作為背景，藝術家使用布片、紙片和其他材料創作了一幅拼貼畫。
達達存在的時間相對較短：從 1916 年到 1923 年。這是因為它的意識形態平台是反對第一次世界大戰現實的和平主義情緒。 1920年代，達達與德國的表現主義和法國的超現實主義融合。
流行藝術
波普藝術（pop art）是一種將消費文化轉移到藝術領域，教會人類在三十三罐湯中看到美的風格。 波普藝術不應與流行文化相混淆。 作者將大眾文化視為一個對象，就像肖像畫家看著模特或風景畫家一樣：在大自然的懷抱中。
藝術家目光所及的大眾文化主題被轉化為原創的東西：通過藝術家的詮釋折射出的藝術品。 從藝術的角度來看，這種風格訴諸物質性、客觀性，與另一種流行趨勢抽象主義不同。 波普藝術誕生於反對抽象派創造力的鬥爭中，預示著回歸到在畫布上展示特定對象。
就其本身而言，對日常事物的訴求對繪畫史來說並不新鮮。 畢竟，靜物是藝術家對周圍物體的看法。 事實上，卡拉瓦喬的花瓶和沃霍爾的綠色可口可樂瓶並沒有太大的區別。 但波普藝術有其自身的概念怪癖：藝術家從大眾文化中汲取標誌性物品和圖像，他們現在將其稱為“模因”。
此外，他們不僅關注對象，還關注圖像； 一個典型的例子是沃霍爾的瑪麗蓮雙聯畫。 不可否認，波普藝術幫助確認了美國夢，使消費社會和相應的生活方式合法化。 同時，它也為後來的消費哲學批判奠定了基礎。
藝術字
文字藝術一詞描述了自 1950 年代以來出現的各種當代藝術家的一類後現代基於文本的藝術。基於文本的藝術的簡單定義可能是“將單詞或短語作為藝術組件主體的藝術”。
包含單詞和短語的基於文本的圖像已在各種媒體上發布，包括繪畫和雕塑、平版印刷和絲網印刷，以及應用藝術（T 卹、馬克杯）。 它也出現在最新的當代藝術形式中，例如投影映射。
概念藝術
觀念主義（來自拉丁文conceptus：思想，表現）是一種後現代藝術潮流，它宣稱作品的觀念高於其藝術表現形式。 觀念主義的追隨者相信，他們的繪畫、雕塑、裝置和表演應該喚起觀眾的不是情感，而是一種重新思考他們所見事物的願望。
觀念主義不是一門商業藝術，它的創作對象可以是任何家居用品、天然材料甚至是人類環境的一部分。 觀念藝術家並不尋求創作完成的作品，而是試圖將他的想法傳達給觀眾，參與一種智力遊戲。
概念藝術作品具有鮮明的特點。 這些作品可以通過以下特徵來識別：影響觀眾的不是情感，而是智力； 經常在作品中使用解釋性文字； 藝術家有意識地拒絕形式的意義，支持作品意義（想法）的重要性； 從作者可用的任何對象創建藝術對象。
表演藝術和事件
Happenings是一種前衛的藝術形式，一種創造性的表達方式，與行為藝術密切相關，其基礎是1896世紀的觀念藝術理論，主要來源於達達代表的示範，以及特里斯坦扎拉 (1963-XNUMX)。 在實踐中，很難區分行為藝術和事件。
兩者都是精心策劃的娛樂形式（儘管有自發性的元素），藝術家在其中表演（或管理）藝術戲劇活動。 比用語言描述更容易看到的東西。
無論如何，發生的事情是一種自發的表演藝術，介於戲劇和視覺藝術之間，通常會引起觀眾的強烈反應。
由於其短暫的達達風格，它最初被認為是傳統工藝原理的激進替代品和“永久藝術品”。 關於這種新的後現代藝術形式的完整解釋，可以在 Michael Kirby 的《發生的事情》（1965 年）一書中讀到。
這種類型的藝術活動在 1960 年左右與紐約藝術界特別相關，並且仍然在世界各地最好的當代藝術畫廊中展出。
抽象主義
抽象主義是一種一般的繪畫和藝術風格，它拒絕對周圍世界的現實再現。 他的追隨者代表簡單和復雜的形狀，玩弄色彩，使用線條、平面和其他物體，將它們結合起來，在觀看者中創造一定的情感。 這就是他的方法與堅持古典主義和許多其他風格的大師所使用的方法不同的地方。
乍一看，抽象主義者的畫作似乎是由線條、形狀和斑點組成的混亂混雜。 經過仔細檢查，很明顯藝術家創造了一個完整的作品，旨在喚起觀眾的某些想法或情緒。
隨著抽象主義的發展，它被分為幾個方向，每個方向都有自己的代表。 有多種風格，例如：
- 幾何的。 在以這種風格表演的藝術家的作品中，清晰的形式和線條占主導地位，其中許多創造了深度的錯覺。
- 堅持這個方向的大師們積極使用顏色及其組合； 正是通過他們，他們傳達了他們想要在觀眾中創造的情感。
- 這種繪畫方向的本質是完全沒有對真實物體的參考以及對顏色、形狀和線條的極其有限的使用。
- 朝這個方向工作的藝術家努力為他們的作品帶來動態和動感，通過它們傳達情感和感覺。 與此同時，陰影、線條和形狀逐漸淡入背景。
集會
組裝是一種裝飾性和應用藝術技術，藝術家通過將三維碎片或物體粘合到平面底座上來創建浮雕圖像。 在組合技術中，也允許使用顏料為藝術作品添加圖畫。
與其相關的拼貼相比，組合是一種將三維而不是二維（平面）元素附加到圖像前表面的技術。 由於使用了體積細節，圖像盡可能逼真和視覺效果。
專業藝術家經常使用生活垃圾和垃圾來創作自己的原創藝術作品。 在大師的手中，大量零散的日常用品，變成了充滿深邃審美內涵的藝術構圖。
今天，使用組合技術創作的作品總是吸引當代藝術鑑賞家的注意。 它們常常在批評家中引起激烈的爭論，但沒有人無動於衷，為世界文化的發展做出了巨大貢獻。
通量
Fluxus 是一個組織鬆散的藝術家團體，遍布全球，但在紐約市的影響力特別大。 George Maciunas 在歷史上被認為是該運動的主要創始人和組織者，他將 Fluxus 描述為 Spike Jones、Vaudeville、Cage 和 Duchamp 的融合。
與他們之前的未來主義者和達達主義者一樣，激浪派藝術家不贊成藝術博物館確定藝術價值的權威。 他們還建議，沒有必要接受特殊教育來觀看和理解藝術品。
激浪派不只是希望大眾可以使用藝術，他們希望每個人都一直在創作藝術。 通常很難定義 Fluxus，因為它自己的許多藝術家都聲稱，定義運動的行為本身就已經過於局限和簡化。
與以往的藝術運動不同，激浪派試圖改變世界歷史，而不僅僅是藝術史。 大多數藝術家的頑強目標是消除藝術與社會之間的任何界限。
激浪派的一個核心宗旨是摒棄和嘲笑“高雅藝術”的精英世界，並想方設法將藝術帶給大眾，以符合 1960 年代的社會風氣。激浪派藝術家用幽默來表達其意圖和與達達一樣，激浪派是少數能夠走鋼絲的藝術運動之一。
儘管他們的舉止很頑皮，但激浪派藝術家們對改變藝術界力量平衡的願望是認真的。 他對高雅藝術的不尊重對博物館的權威產生了影響，因為它是關於誰和什麼考慮藝術家的權威。
Fluxus 吸引了觀眾，並依靠機會元素來塑造藝術品的最終結果。 達達、馬塞爾·杜尚和當時的其他表演藝術家也使用了機會。 激浪派藝術家深受約翰凱奇思想的影響，他認為人們應該在不知道最終結果的情況下處理一件作品。 重要的是創作過程，而不是最終產品。
視頻藝術
視頻是可用的最通用的媒體之一。 視頻電影可以是藝術品本身和/或藝術品製作過程的記錄； 它也可以是裝置中的一個元素和/或多視頻安排的一部分。 視頻使藝術更加生動活潑。 自 1980 年代後期以來，視頻和動畫都依賴於使用計算機軟件來處理圖像。
寫實主義
寫實主義是 1960 年代後期出現的一種繪畫流派，以應對抽象主義的日益普及。 從那時起，照片寫實繪畫對細節的極大關注提供了視覺錯覺，只能在照片原件的繪畫圖像中近距離觀察。
照片寫實主義不是觀察和表現現實中發生的事情，而是受到攝影的啟發。 相機捕捉到的視覺信息被用來創作幻覺繪畫、素描和其他藝術作品。 藝術家經常將照片投影到畫布上，以便可以精確和詳細地渲染圖像。
Povera藝術
Arte Povera（來自意大利對“貧窮藝術”或“貧困藝術”的表達）是 XNUMX 年代後期在南歐出現的最重要和最突出的前衛藝術運動之一。
這包括十幾位意大利藝術家的作品，他們的主要創作特點是使用讓人想起前工業時代的日常材料。 泥土、石頭和衣服特別受歡迎：他們用於藝術的“廢物”或廉價材料。 這種對藝術的態度抨擊了當時流行的價值觀念和正確性，並巧妙地批評了當時南歐的工業化和機械化。
他的作品標誌著對過去十年控制歐洲藝術的現代主義抽象繪畫的反應，他通過更多地關注雕塑作品而不是繪畫而脫穎而出。
該集團的一些最重要的作品是通過原材料之間的對比和同時提及消費文化的興起而創作的。 深信現代性威脅要消滅集體遺產，貧窮藝術試圖將新舊對比。
除了拒絕技術競賽之外，與貧窮藝術有關的藝術家還拒絕了他們認為的科學現實主義。 與空間關係的有條不紊的方法相反，他們喚起了一個神話，其秘密不容易解釋。
藝術家們展示了荒謬而有趣的並置，通常是新舊或高度加工和前工業化。 在這樣做的過程中，他們展示了現代化的一些影響，這些影響正在破壞地方和記憶，因為它越來越遠地進入未來。
Arte Povera 對劣質材料的興趣與 1950 年代和 1960 年代的其他幾個藝術運動有關。例如，他們與 Fluxus 和 Nouveau Réalisme 等運動分享了一些技巧，將現成的材料與底切相結合。功能。
後極簡主義
在後極簡主義藝術中，藝術評論家羅伯特·平卡斯·威滕首先使用的術語，焦點從想法的純粹性轉移到了它的交流。 例如，您可以看到德裔美國藝術家 Eva Hesse 的作品。
女權主義藝術
一項專門處理女性問題的藝術運動，例如出生、對女性的暴力行為、女性的工作條件等等。 參與的藝術家包括 Louise Bourgeois 和日本出生的行為藝術家 Yoko Ono。
解構主義
解構主義是有史以來最令人印象深刻的藝術形式之一。 他的 80 世紀建築古怪但極具創意的風格出現在 XNUMX 年代後期，主要出現在洛杉磯，但也出現在歐洲。
作為通過使用航空航天工業設計軟件實現的後現代藝術的一部分，解構主義建築與幾何的有序理性形成對比，並傾向於採用一種外來的設計方法，這種方法通常會扭曲結構的外部，同時破壞元素。現代性的價值觀.
一些歷史學家認為，解構主義哲學也反對後現代藝術，儘管其實際後果尚不清楚。 畢竟，解構主義建築師必須遵循現代和後現代的科學規律，不管他喜歡與否。
解構主義建築最著名的代表是加拿大裔美國普利茲克獎得主弗蘭克·O·蓋里。 其他著名的解構主義者包括 Daniel Libeskind、Zaha Hadid、Bernard Tschumi 和 Peter Eisenman。 非凡的解構主義建築包括：舞蹈之家（布拉格）、古根海姆博物館（畢爾巴鄂）和萊茵河畔魏爾的維特拉設計博物館。
解構主義建築的特點是表面操縱、碎片化和非線性形式，這些形式扭曲和超越了結構和表面的建築慣例。 這樣做時，看似相互矛盾的元素被故意對比，以挑戰傳統的和諧和連續性觀念。
憤世嫉俗的現實主義
天安門廣場戰敗後興起的中國當代藝術運動（1989）。 憤世嫉俗的現實主義者使用帶有嘲諷敘述的具象繪畫風格。 反復出現的主題是人物、禿頭男人和攝影肖像。 這種風格嘲弄了中國的政治和社會地位，這對中國藝術家來說是一個新的曙光，受到西方藝術收藏家的好評。
後現代文學與電影
後現代文學的特徵包括對引文和典故形式的可用內容進行深思熟慮的處理，以及玩弄文學體裁。 另一個特點是許多層次的行動和關係的構建，經常被打破。
最著名的後現代小說可能是翁貝托·艾柯的《玫瑰之名》，艾柯以犯罪小說的方式非常複雜的文學結構，設法彌合了所謂的高雅文化和大眾文化之間的鴻溝。 歷史、文學和藝術的歷史引述和參考資料使這本書成為一部教育小說，甚至是一場文學競賽。 但即使是那些對它不感興趣的人，也可以將艾柯的作品當作一部激動人心的驚悚片來欣賞。
同樣，彼得·格林納威在 1982 年的電影《漫畫家的合同》中將歷史電影類型與驚悚片結合起來，但與 Echo 不同的是，它並沒有解開謎團。 雖然情節提供了許多經典線索，但它們都無處可尋。
視覺藝術
鑑於表達形式的廣泛性，許多理論家和藝術家拒絕使用後現代一詞，特別是在視覺藝術領域。 拒絕現代主義對創新的信念，也是美術後現代美學的基礎之一。 後現代主義與被現代性拒絕的歷史藝術類別有關，例如敘事和神話結構。
這已經從安迪·沃霍爾（Andy Warhol）對 1950 世紀偶像的描繪開始，從貓王到傑基·奧納西斯（Jackie Onassis）。 波普藝術也標誌著 XNUMX 年代與現代性的決裂，告別了抽象。 在 XNUMX 年代，視覺藝術與當時的建築一樣，強調感官、情感和傳統方面的重要性，而不是理論和概念。
XNUMX年代，新野（Neue Wilden）集體以其富有表現力和代表性的繪畫打破了極簡主義和概念上勤奮的前衛主義的主導地位。 美國和意大利也有類似的趨勢。
在旋風席捲新野蠻人之後，專注於對繪畫媒介的反思和對繪畫媒介的感性實驗（Sigmar Polke，Anselm Kiefer，Gerhard Richter）的趨勢佔據了上風，繪畫代表了極簡主義和概念性勞動先鋒派的主導地位。前衛。 美國和意大利也有類似的趨勢。
當時的特徵是兩位藝術家，他們的作品融合了亞文化和大眾文化的美學：基思·哈林和傑夫·昆斯。 哈林設法將塗鴉藝術、漫畫書、計算機手語、兒童繪畫和早期歷史繪畫的元素結合成一種高度詩意的手語，這種語言在許多文化中都可以理解。 傑夫昆斯在 1990 年代初期憑藉其題材的挑釁性平庸而聲名鵲起。
使用的材料通常質量上乘，但其表面設計讓人聯想到小擺設和媚俗的世界，例如邁克爾杰克遜的部分鍍金、真人大小的瓷雕像和他的黑猩猩泡泡。
後現代美學對多元主義、主體性、遠離抽象、大眾媒體的包容、性別界限的模糊以及將引用作為藝術媒介的接受為景觀、藝術和博物館帶來了色彩和運動。
攝影和電影最終被認可為一種藝術媒介很可能被視為後現代趨勢的持久結果。 臨時亮點：2002 年夏天，科隆路德維希博物館將展出馬修·巴尼最近完成的“懸絲循環”的所有五部電影，作為大型展覽的一部分。
建築
在 1970 年代中期，查爾斯·詹克斯將後現代主義一詞引入建築話語中。 就這樣，後現代話語第一次接觸到了大眾。 後現代建築的風格原則在這一點上已經清晰地顯現出來。
需要一種民主和交流的建築語言，其美學不應僅基於功能，還應基於重要內容。 還要求包含虛構元素，例如哥特式，它在大教堂中看到了天堂耶路撒冷的形象。
與此同時，保護和重新設計歷史建築的趨勢有所增加。 最突出的例子是巴黎的奧賽火車站，它於 1986 年作為奧賽博物館開放。這些歷史建築影響了後現代建築的語言，從一開始就強烈地由引用決定。
為了避免新的歷史主義，其座右銘是折衷主義，例如在柱子、窗戶和格子的使用中表現出來的，應該被諷刺地打破。 後現代建築的譜系尤其在 XNUMX 年代和 XNUMX 年代的博物館建築中得到發展。
除了 Hans Hollein 的 Abteiberg 博物館（門興格拉德巴赫）之外，James Stirling 的國家美術館（斯圖加特）也被認為是後現代主義的成功和特色產品。 在斯特林的設計中，從埃及到經典現代主義的眾多歷史建築典故與流行文化色彩和典型的砂岩和石灰華地區材料融合在一起，創造出一種具有凝聚力的現代形式。
近來，在博物館建設方面，體驗的特點越來越突出，而不是教育要求。
不需要考慮冥想藝術，而是需要舞台，而建築本身則具有令人驚嘆的景色和戲劇效果。 第一次公眾參觀越來越多地發生在掛畫之前，以便體驗建築。
後現代對流行文化的關注
藝術評論家在試圖將繪畫和雕塑藝術（以及其他視覺藝術）與雜誌、電視和其他大量生產的產品的流行文化區分開來時，經常使用“高雅文化”一詞。 現代主義及其有影響力的追隨者，如格林伯格（1909-94）認為這些文化形式是低等的。 相比之下，喜歡更民主的藝術概念的後現代主義者認為“高雅文化”更精英化。
波普藝術是第一個後現代運動，將普通消費品變成了藝術。 波普藝術家和其他人更進一步試圖通過將他們的“藝術”印在杯子、紙袋和 T 恤上來使藝術民主化：這種方法順便體現了後現代的慾望、原創性和真實性。破壞了藝術。
後現代藝術家已經摒棄了藝術作品只有一個內在意義的觀念。 相反，他們認為觀眾是同樣重要的意義來源。 例如，Cindy Sherman 的超現實主義攝影強調了藝術作品可以以多種方式詮釋的理念。
事實上，一些藝術家，比如表演藝術家瑪麗娜·阿布拉莫維奇，甚至允許觀眾參與他們的藝術創作，甚至需要觀眾輸入來完成他們的作品。
專注於節目
在生活中沒有真正意義的情況下，尤其是當我們日夜受制於廣播電視廣告時，後現代藝術家更傾向於將自己限制在風格和景觀上，經常使用宣傳工具和技術來達到更大的影響。 這種方法在商業印刷過程中得到了例證，該過程使用波普藝術家（如 Roy Lichtenstein 和 James Rosenquist）的海報式圖像。
對錶面的關注是後現代藝術的一個共同特徵，有時會以戲劇性的、精彩的、極具影響力的圖像脫穎而出。 自 1980 年以來，計算機和其他技術的使用徹底改變了多媒體藝術（例如動畫），並在建築等領域創造了特定的可能性。
XNUMX 年代末和 XNUMX 年代倫敦金史密斯學院的一群學生（被稱為年輕的英國藝術家）採取了令人震驚的策略，這表明在後現代主義中吸引觀眾的注意力是多麼重要。 YBA 因三場演出而聞名，他們因品味低劣而受到批評，但其中有幾個成為特納獎得主，而另一些則獲得了相當大的名聲和財富。
滿足消費者需求
XNUMX 世紀最後幾十年消費者行為的興起和直接的享受文化也對視覺藝術產生了強烈的影響。 消費者現在想要創新。 他們還想要娛樂和樂趣。 許多後現代藝術家、策展人和其他專業人士抓住了這個機會，將藝術變成了一種有趣的產品。
引入表演、活動和裝置等新藝術形式，以及新主題，包括死鯊魚、巨型冰雕、許多裸體、似乎在運動的建築物，收藏三萬五千件兵馬俑、彩繪屍體、公共建築上的怪異投影（以及更多）——給觀眾帶來了許多新的、有時是令人震驚的體驗。
這些新的藝術形式是否真的是“藝術”仍然是一個引起很多討論的問題。 後現代概念主義者堅持認為它是，而傳統主義者拒絕這樣認為。
後現代藝術原則
對於專家來說，後現代藝術包含三個基本原則，它們將以一般方式管理它，而不是完全限制：
直接意義
不再有描繪希臘神話中令人毛骨悚然的事件的褪色油畫來引起有教養的觀察者會心的微笑。 從波普藝術運動的開始，後現代繪畫和雕塑就大膽、輝煌、一眼就能認出來。
主題和圖像主要取自備受矚目的消費品、雜誌、廣告、電視、電影、卡通和漫畫。 第一次，每個人都了解了展出的藝術品。 儘管後現代主義是從波普藝術演變而來的，但意義的一個主要目標仍然顯而易見。
藝術可以由任何東西製成
建立在馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp）的傳統之上，他的小便池標題為噴泉（1917）是第一個將普通物體變成藝術品的著名例子（另一個例子：現成品的故事），藝術藝術家後現代主義者創造了它他們的業務是用最不尋常的材料和碎片創造藝術。 它背後的想法是使藝術民主化並使其更容易獲得。
想法比藝術品本身更重要
直到 1960 年代，藝術家們普遍認為沒有成品就什麼都沒有。 對完成的藝術作品的質量和所需的工藝給予了極大的關注。 今天情況有所不同。
後現代主義者傾向於相信最終產品背後的概念而不是產品本身，這就是為什麼很多“後現代藝術”被稱為“概念藝術”或“概念主義”的原因。 其他形式的概念主義包括裝置、表演藝術、事件、投影藝術等等。
著名的後現代藝術家
由於我們是後現代藝術的同時代人，很難區分那個時代的標誌性名稱。 久而久之，才能說哪些藝術家在繪畫史上留下了富有表現力的印記，哪些藝術家的名聲只是對時尚的致敬。 但是，由於後現代主義已經發展了半個多世紀，我們可以說出一些已經載入歷史的名字。 這些包括，例如：
- 達達主義者、超現實主義者和概念主義創始人馬塞爾·杜尚
- 安迪沃霍爾波普藝術領袖
- 組裝的先驅 César Baldaccini
- 著名概念學家布魯斯·瑙曼
- 羅伯特·勞森伯格、雷梅迪奧斯·瓦羅·烏蘭加、弗朗西斯·培根、達米恩·赫斯特、傑夫·昆斯。
馬塞爾杜尚
馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp）（生於 28 年 1887 月 2 日 - 死於 1968 年 XNUMX 月 XNUMX 日）是一位前衛藝術大師，以其奢華的藝術作品而聞名。 馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp）的作品違背了既定傳統，並在大洋兩岸的醜聞編年史中反复討論。
在他的職業生涯之初，他以後印象派風格繪畫，向立體主義和野獸派致敬，但後來他放棄了繪畫，開始對創作裝置產生興趣，他混合了各種技術和使用各種紋理的材料。 藝術家的革命思想對XNUMX世紀觀念藝術的發展產生了重大影響。
Nine Marylin 《瑪麗蓮・夢露九宮格》
安迪·沃霍爾（Andy Warhol）（生於 6 年 1928 月 22 日 - 死於 1987 年 XNUMX 月 XNUMX 日）是一位備受追捧的 XNUMX 世紀美國藝術家和畫廊老闆。 他為商業波普藝術的發展做出了巨大貢獻。 安迪·沃霍爾理所當然地被認為是 uomo universale 這樣一種趨勢的領導者。
羅伯特勞森伯格
羅伯特·勞森伯格（Robert Rauschenberg）（生於 22 年 1925 月 12 日 - 卒於 2008 年 XNUMX 月 XNUMX 日）《紐約時報》報導的 XNUMX 世紀美國藝術巨擘，是一位傑出的藝術家和創作者，抽像印象主義、概念主義、現成品的代表和創始人的流行藝術。
羅伯特·勞森伯格的畫作是拼貼和裝置、方尖碑、家居用品和其他難以分類的物品。 大師的作品，就像他的傳記一樣，震撼、驚奇、噁心和迷人，卻沒有讓人無動於衷。 火熱的雙性戀，失意的藥劑師，一切經典與平凡的反對者，他不斷地向周圍的世界和自己發出挑戰。
雷梅迪奧斯·瓦羅·烏蘭加
Remedios Varo Uranga（生於 16 年 1908 月 8 日 - 死於 1963 年 XNUMX 月 XNUMX 日）是 XNUMX 世紀西班牙和墨西哥藝術家，超現實主義的原始代表。 Remedios Varo 的作品超越了古典繪畫的框架：夢想、哲學反思、魔法、機械、歷史和神秘在超現實主義的作品中交織在一起。
同時，Remedios Varo 的畫作強調抒情和女性化，充滿中世紀的氣息，讓觀者了解宇宙的起源。 Remedios Varo 的畫作充滿了奢華的童話人物、機械結構和自然。 與古典超現實主義不同，藝術家的每一部作品都清楚地描繪了一個情節，引導觀眾得出某些結論。
法式培根
弗朗西斯·培根（Francis Bacon，28 年 1909 月 28 日出生 - 1992 年 XNUMX 月 XNUMX 日逝世）是英國表現主義大師，XNUMX 世紀最模棱兩可、最野蠻的藝術家之一。 弗朗西斯·培根 (Francis Bacon) 的作品以令人印象深刻而著稱：人類幻想中最可怕的創作在他的畫作中栩栩如生。
弗朗西斯培根沒有接受過學術教育。 同時，它的需求和受歡迎程度令人難以置信。 大師的畫作是私人畫廊和世界上最著名的博物館的終極夢想，他們並不反對將他的作品納入收藏。 這位藝術家的一些傑作價值數千萬美元，並被列入最昂貴的藝術品名單。