日本艺术的特征、演变、类型等

作为一种古老的文化,日本多年来一直展示其艺术,通过这篇有趣的文章与我们一起学习,所有关于古代 艺术 日本,随着时间的推移在不同时期和风格中发展起来。 别错过!

日本艺术

日本艺术

在谈论日本艺术时,我们谈论的是随着时间的推移,这种文明在不同阶段和风格中所传达的内容,这些内容是随着日本人民的社会和文化发展而暂时展开的。

日本艺术正在经历的变化是其技术发展的结果,我们可以实现在艺术表现中使用该国的原材料。 除了所谓的西方艺术,其最具象征意义的表现形式还受到宗教和政治权力的影响。

日本艺术的主要特征之一是它的折衷主义,来自随着时间的推移到达其海岸的不同民族和文化:第一批定居日本的定居者 - 被称为阿伊努 - 属于北高加索分支和东亚,可能在日本仍依附于大陆时到达。

这些定居者的起源是不确定的,历史学家考虑了各种假设,从乌拉尔-阿尔泰种族到可能的印度尼西亚或蒙古血统。 无论如何,他们的文化似乎与旧石器时代晚期或中石器时代相对应。

随后,来自东南亚或太平洋岛屿的各种马来族群抵达日本海岸,以及韩国和中国各地,逐渐从南方引入,取代了阿伊努人。 日本北部,而在后来的一波中,来自中国和韩国的各民族来到日本。

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除了这种种族混合之外,还必须加上其他文化的影响:由于其与世隔绝,日本在其历史的大部分时间里一直与世隔绝,但它偶尔也受到大陆文明的影响,尤其是中国和韩国,尤其是自五世纪以来。

因此,从连续移民前哨中出现的日本祖传文化增加了外国影响,形成了一种对创新和风格进步开放的折衷艺术。

有趣的是,日本制作的大部分艺术作品都以宗教为基础:该地区典型的神道教形成于 XNUMX 世纪左右,佛教在 XNUMX 世纪左右加入,形成了一种至今仍持续存在的宗教融合。也留下了它在艺术上的反映。

日本艺术是这些不同文化和传统的产物,以自己的方式诠释从其他国家引进的艺术形式,并根据其对生活和艺术的观念,进行变化并简化其特点。

就像精致的中国佛教寺庙在日本经历了不得不放弃某些艺术元素并与其他元素相结合的变形,这表达了这种艺术的联合特征,因此它总是自然地从另一种文化中汲取一些东西其他国家的。

日本艺术

日本艺术在日本文化中具有很强的沉思感和人与自然之间的相互关系,也体现在它周围的物体上,从最华丽、最强调到最简单和日常。

这体现在赋予不完美的价值、事物的短暂性以及日本人在其环境中建立的人道主义意识。 就像在茶道中一样,他们重视这种沉思状态的平静和安宁,这种沉思状态是通过简单的仪式,基于简单的组件和不对称和未完成空间的和谐而实现的。

对他们来说,和平与平衡与温暖和舒适有关,而这些品质又是他们对美的概念的真实反映。 即使在用餐时间,重要的不是食物的数量或其呈现方式,而是食物的感官感知以及它赋予任何行为的审美意义。

同样,这个国家的艺术家和工匠与他们的作品有着高度的联系,将材料视为他们生活的重要组成部分,也是他们与周围环境交流的重要组成部分。

日本艺术的基础

日本艺术,就像它的其他哲学——或者简单地说,它看待生活的方式——受制于直觉、缺乏理性、情感表达以及行动和思想的简单性。 经常象征性地表达。

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日本艺术的两个显着特点是简单和自然:艺术表现形式是自然的反映,因此不需要精心制作,这一切导致艺术家想要的是被勾勒、建议、后来被解读的事实由观众。

这种简单性导致绘画倾向于线性绘画,没有透视,有大量空白空间,但仍和谐地融入整体。 在建筑中,它体现在线性设计中,具有不对称的平面,结合了动态和静态元素。

反过来,日本艺术中的这种朴素与艺术与自然关系中与生俱来的朴素联系在一起,这是他们特质的一部分,反映在他们的生活中,他们以一种微妙的忧郁、几乎是悲伤的感觉来体验它。

四季的流逝给了他们一种转瞬即逝的感觉,在那里您可以看到由于生命的短暂性而存在于自然界中的进化。 这种简单性首先体现在建筑中,它与周围环境和谐地融为一体,正如使用天然材料所表明的那样,没有任何工作,显示出其粗糙、未完成的外观。 在日本,自然、生活和艺术密不可分,艺术成就是整个宇宙的象征。

日本艺术追求宇宙和谐,超越物质,寻找生命的产生原理。 日本纹饰力求通过艺术寻找生活的意义:日本艺术之美是和谐、创意的代名词; 它是一种诗意的冲动,是一条通往作品实现的感官路径,它本身没有终点,而是超越。

我们所说的美是一个哲学范畴,它把我们引向存在:它存在于与整体达成意义。 正如铃木大雪所言:“美不在于外在的形式,而在于表现的意义。”

艺术不是从它的感性特征开始的,而是从它的暗示属性开始的; 它不必是精确的,但显示出一个导致完整性的礼物。 它旨在通过那部分捕捉本质,这暗示了整体:空白是对现有日本人的补充。

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在东方思想中,物质与精神之间存在着一种统一,这种统一在通过内在的依附和直觉的沉思和与自然的交流中盛行。 日本艺术(gei)比西方的实用艺术概念具有更超然的意义,更无形:它是思想的任何表现,被理解为生命能量,是赋予我们身体生命的本质,实际上是发展和发展的。进化,实现身体,思想和精神之间的统一。

日本艺术的意义随着时间的推移而发展:从最初存在艺术和美的痕迹开始,它们可以追溯到古代日本文化的创作原则被锻造并在最重要的国家作品中表达的时代文学:

Kojiki,Nihonshoki和Man'yōshū,以上是出版物,前两个是关于日本历史的第一部作品,最后一个是关于第一个千年所写的诗歌,当时Sayashi思想盛行(“纯,当然,新鲜”),暗指一种以简单、新鲜和某种天真为特征的美,这种美是在建筑中使用轻质和天然材料(如 Haniwa Figure Land 或木材)所带来的。

我们可以将伊势神宫归类为这种风格的最佳代表,由柏木制成,自 XNUMX 世纪以来每 XNUMX 年进行一次翻新,以保持其坦率和清新。 从这个概念中产生了日本艺术的一个常数:随着时间的推移,短暂的、短暂的、短暂的美被赋予了价值。

在《Man 'yōshū》中,sayakeshi表现在忠贞不渝的感情上,也表现在对天空和大海等组成部分的描述中,它们给了他一种压倒人类的伟大感。

Sayakeshi 与 Naru (“成为”)的概念有关,其中时间被视为一种生命能量,它汇聚在成为,在所有行动和所有生命的高潮中。日本艺术

置身于奈良和平安时代,艺术的艺术方面由于与中国文化的首次接触以及佛教的传入而迅速发展。 这个时代的主要概念是良心,一种压倒观众并导致深切同情或怜悯的情感感觉。

它与其他术语有关,例如 okashi,以其快乐和愉快的性格而吸引人; omoshiroi,光芒四射的事物的属性,以其光彩和清晰而引人注目; yūbi,优雅、优雅的概念; yūga,美的精致品质; en,魅力的吸引力; 君王,静谧之美; yasashi,审慎之美; 和ushin,艺术的深刻意义。

Murasaki Shikibu 的源氏故事,体现了一种新的美学概念,称为 Mono-no-awareness(由 Motōri No-awareness 引入的术语),它传达了一种忧郁、沉思的悲伤感,源于事物的转瞬即逝,短暂的美丽持续片刻,留在记忆中。

但最重要的是,它是一种微妙的忧郁感,当深深感受到大自然中所有生物散发出的美丽时,它会导致深深的悲伤。

这种对美的“理想追求”的哲学,一种思想与感官世界相遇的冥想状态,是日本对美与生俱来的美味的特征,这在花见节、樱花的庆祝活动中表现得淋漓尽致。开花。

日本中世纪的镰仓、室町和桃山时代,以军事统治整个国家的封建社会为特征,出现了“道”的概念,推动了当时艺术的发展。 ,体现在社会仪式的礼仪实践中,如 shodō(书法)、chadō(茶道)、kadō 或 ikebana(插花艺术)和 kōdō(香道)。

实践并不重要结果,而是进化的过程,时间的进化 - 再次是 naru - 以及在完美执行仪式中表现出的才能,这表示技能,以及精神上的承诺追求完美。

一种叫做禅宗的佛教变体,它强调基于冥想的某些“生活规则”,在这种情况下,人会失去自我意识,对这些新概念产生了决定性的影响。 因此,所有的日常工作都超越了它的物质本质,象征着一种精神的表现,这反映在时间的运动和仪式的流逝中。

这个概念也反映在园艺中,它达到了如此重要的程度,花园是宇宙的景象,有一个巨大的空隙(海),里面充满了物体(岛屿),体现在沙子和岩石中。 ,以及植被唤起时间流逝的地方。

超然生活的简单与深度之间的禅宗矛盾,不仅在艺术中,而且在行为、社会关系和生活的更多方面,都充满​​了“简单优雅”(wabi)的精神。 . Sesshū 大师说“禅与艺术是一体的”。

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这种禅以七个装饰性事实呈现:fukinsei,一种否认优化以实现自然平衡的方式; kanso,把剩下的拿出来,拿出来的东西会让你发现大自然的简单。

Kokō(孤独的尊严),人与物随着时间的推移而获得的品质,并赋予它们更纯洁的本质; shizen(自然),与真诚相连,自然是真实的,不朽的; yūgen(深度),事物的真正本质,它超越了它们简单的物质性,它们的表面现象。

Datsuzoku(超然),艺术实践中的自由,其使命是解放思想,而不是控制它——因此,艺术摒弃了各种参数和规则——; seiyaku(内心宁静),在静止、平静的情况下,这是前六项流动所必需的。

尤其是茶道,巧妙地融合了日本的艺术和美的概念,创造了一种真正的审美宗教:“有神论”。 这个仪式代表了对美的崇拜,反对日常生活的粗俗。 他的伦理哲学和美学哲学表达了人与自然的整体观念。

它的简单将小事与宇宙秩序联系起来:生活是一种表达,行动总是反映一种思想。 时间等于精神,小即大。这个概念也出现在茶室(sukiya)中,这是一种诗意冲动的转瞬即逝的建筑产品,没有装饰,崇尚不完美,总是留下一些东西未完成,这将完成想象。

缺乏对称性是特征,因为禅认为追求完美比自己更重要。 只有那些通过推理完成缺失的人才能发现美。

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最后,在从江户时代开始的现代时代,尽管以前的想法仍然存在,但引入了新的艺术阶层,这与随着日本现代化而出现的其他社会秩序的出现有关:sui 是一种精神上的美味,发现主要是大阪文学。

壹岐思想是一种庄严而直接的优雅,尤其体现在歌舞伎中; karumi 是一个概念,将轻盈视为原始事物,在此基础上获得事物的“深度”,尤其反映在俳句的诗歌中,诗织是一种怀旧的美。

“没有什么是永恒的,没有什么是完整的,也没有什么是完美的。” 这将是“侘寂”所基于的三个关键,日本表达(或一种审美视觉)指的是不完美、不完整和变化的美,尽管它确实指的是谦虚谦虚,不落俗套。 “侘寂”的哲学是享受当下,在自然和小事中寻找和平与和谐,平和地接受生与死的自然循环。

所有这些元素的基础是艺术作为一种创作过程而不是作为一种物质成就的理念。 冈仓角三写道:“只有相信自己灵魂与生俱来的扭曲的艺术家才能产生真正的美”。

日本艺术的分期

在本文中,我们将根据显着的艺术变化和政治运动将其划分为大时期。 选择一般根据作者的标准而有所不同,其中很多也可以细分。 但是,其中一些时期的开始和结束也存在差异。 我们将采用考古学家查尔斯·T·凯利(Charles T. Kelly)制作的那件,如下:

造型艺术中的日本艺术

在中石器时代和新石器时代,它仍然与大陆隔绝,所以它的所有生产都是它自己的,尽管并不重要。 他们是半定居社会,生活在小村庄里,房屋被挖到地下,主要从森林(鹿、野猪、坚果)和海洋(鱼、甲壳类动物、海洋哺乳动物)中获取食物资源。

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这些社团有一个精心组织的工作,并关心时间的测量,这可以从 Oyu 和 Komakino 的几个圆形石头排列的遗迹中得到证明,这些石头充当了日晷。 他们显然有标准化的测量单位,根据某些模型建造的几座建筑物就证明了这一点。

在与这一时期相对应的某些地点,发现了抛光的石骨制品、陶瓷制品和拟人形象。 应该指出的是,绳纹陶器是最古老的人造陶器:最早的基本陶器痕迹可以追溯到公元前 11.000 年,采用小型手工制作的器皿,侧面抛光,内部空间很大。 ,具有功能感和朴素的装饰。

这些遗迹对应于一个称为“prejōmon”(公元前 11000-7500 年)的时期,然后是“古老”或“早期”的绳纹(公元前 7500-2500 年),在那里制作、手工制作和装饰最典型的绳纹陶瓷。 在一种深罐形容器的底部带有切口或绳索痕迹。 基本装饰包括用植物纤维绳制成的印花,在烧制前将其压在陶器上。

在几个区域,这些切口已经达到了高度的精细化,边缘轮廓分明,勾勒出一系列非常复杂的抽象线条。 在极少数情况下,发现了具象场景的遗迹,通常是拟人化和动物形态的图画(青蛙、蛇),突出了在本州北部平久保发现的一个花瓶中的狩猎场景。

最后,在“绳文晚期”(公元前 2500-400 年)中,器皿恢复到更自然、不那么精致的形式,包括圆底碗和器皿、窄颈双耳瓶和带柄的碗,通常带有杆。 或凸起的底座。 绳纹陶器地标有:本州岛的大石桥、鸟浜、户里石、松岛、加茂、冲之原; 九州岛上的荞麦面; 以及北海道岛上的滨须野和所吕。

除花瓶外,还有各种人形或动物形的陶俑,由陶瓷制成,由几个部分制成,因此很少发现完整的碎片。 拟人形式的人可以具有男性或女性属性,并且还发现了一些雌雄同体的迹象。

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有些人腹部肿胀,因此可能与生育崇拜有关。 值得注意的是,一些数字显示的细节的精确性,例如精心的发型、纹身和装饰性的连衣裙。

在这些社会中,身体的装饰似乎非常重要,主要是在耳朵上,带有各种制造的陶瓷耳环,上面装饰着微红色的染料。 在 Chiamigaito(本州岛)发现了 1000 多件此类装饰品,这表明当地有一个制作这些产品的作坊。

各种面具也可追溯到这一时期,表示脸上的个性化工作。 以同样的方式,制作了不同类型的绿色翡翠珠,他们熟悉漆艺,在鸟滨发现的几个紧固件就证明了这一点。 还发现了剑、骨头或象牙鹿角的遗迹。

弥生时代(公元前500-公元300)

这一时期意味着农业社会的最终建立,这导致了大片领土的森林砍伐。

这种转变导致了日本社会在技术、文化和社会领域的演变,社会分层和工作专业化程度更高,并导致武装冲突增加。

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日本列岛散布着以宗族(uji)为中心的小国,其中以大和族为主,由此产生了皇室。 然后神道教出现了,这是一种神话宗教,它推翻了太阳女神天照大帝的天皇。

这种宗教提倡日本艺术真正的纯洁和新鲜感,偏爱纯粹的材料,没有装饰,具有与自然融为一体的感觉(神或超意识)。 从公元前一世纪开始。 C. 由于与中国和韩国的关系,开始引入大陆文明。

弥生文化出现在公元前 400-300 年左右的九州岛上。 C.,并搬到了本州,在那里它逐渐取代了绳文文化。 在此期间,扩建了一种大型墓葬,其中有一个房间和一个土墩,上面装饰着带有人和动物形象的陶罐。

村庄被沟渠包围,各种农具(包括用于收割的月牙形石器)出现,以及各种武器,如石尖磨光的弓箭。

在陶器中,特别制作了以下物品:具有某些特殊性的罐子、花瓶、盘子、杯子和瓶子。 它们表面光洁,装饰简单,多为切口,点缀曲折的流光,用的最多的是一块名为壶的玻璃。

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他强调了金属作品,主要是青铜,例如所谓的 dotaku 铃铛,用作仪式物品,装饰有流水形式的螺旋(ryusui)或浮雕动物(主要是鹿、鸟类、昆虫和两栖动物),以及狩猎、捕鱼和农业工作的场景,尤其是与水稻有关的场景。

鹿似乎有特殊的含义,可能与某个神灵有关:在许多地方发现了许多鹿肩胛骨,上面有用火做的切口或痕迹,据说与某种仪式有关。

在弥生遗址发现的其他装饰品包括:镜子、剑、各种珠子和 magatama(腰果状的玉石和玛瑙,用作生育宝石)。

古坟时期(300-552)

这个时代标志着帝国中央国家的巩固,它控制着重要的资源,如铁和黄金。 该建筑最好在墓地中发展,典型的墓室和通道墓被称为 kofun (“古墓”),上面有大土堆。

大神(346-395)和仁德(395-427)皇帝的墓葬引人注目,发现了各种各样的物品,其中有; 珠宝,各种材料制成的人物,尤其是兵马俑。

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这些小雕像大约有六十厘米高,几乎没有表情,眼睛和嘴巴上只有几道口子,尽管它们是当时艺术的一个非常相关的例子。

从衣着器具看,这些人物各行各业,有农民、民兵、僧侣、乡女、吟游诗人等。

这一时期末期还出现了动物形象,包括鹿、狗、马、野猪、猫、鸡、羊和鱼,表明当时军事定居的重要性,其风格特征与新罗文化有关. 来自韩国的,还有一种叫Sueki的陶器,颜色很深,很精细,带有叮叮当当的配饰。

社会分化导致统治阶级在城市的专属街区(如吉野里)与世隔绝,最终被永久隔离在光寺等孤立街区或关西、斑鸠和明日香的宫殿建筑群中。

至于宗教建筑,早期的神道寺庙(神社)是用木头建造的,有一个凸起的底座和外露的墙壁或滑动隔板,底座支撑着倾斜的屋顶。

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其特征之一是牌坊,这是一个入口拱门,标志着通往圣地的入口。 请注意伊势神社,自 XNUMX 世纪以来每 XNUMX 年重建一次。

主楼(Shoden)有一个活动地板和一个山墙屋顶,有九个基地,可通过外部楼梯进入。 在佛教传入日本之前,它是反映晚期神道教风格的神明造风格。

另一个起源不明的神话寺庙是松江附近的出云大社,这是一座由天照大神创立的传说中的寺庙。 为大社造式,被认为是神社中最古老的神社,主要看点是柱子上的建筑立面,以楼梯为主要通道,简单的木饰面没有油漆。

根据发现的手稿,原来的圣殿高50米,但因一场大火重建,高25米。 这些建筑是 Honden(“内殿”)和 Hayden(“外殿”)。 金风山寺是修验道的主要寺庙,一种结合了神道、佛教和万物有灵信仰的苦行宗教,也属于这一时期。

在这一时期,我们发现了第一批绘画样本,如在大冢皇家葬礼和九州(XNUMX-XNUMX世纪)的支石墓形墓葬中,装饰着被困的猎物、战斗、骏马、鸟类和船只的场景,或者带有螺旋和同心圆。

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它们是壁画,由赤铁矿红、炭黑、黄赭石、白高岭土和绿泥石绿制成。 这一时期的特色设计之一是所谓的 chokomon,由直线和在对角线或十字架上绘制的拱门组成,出现在坟墓、石棺、埼轮雕像和铜镜的墙壁上。

飞鸟时代(552-710)

大和在中国模式上构想了一个中央集权的王国,体现在圣德太史(604)和646的大化法律中。佛教的传入对日本产生了巨大的艺术和审美影响,中国艺术的影响也很大。

然后是圣德太子(573-621)的统治,他总体上偏爱佛教和文化,并在艺术方面取得了丰硕的成果。 该建筑在寺庙和寺院中有所体现,它已经大部分丢失,假设用来自大陆的壮丽取代简单的神道教线条。

作为这一时期最杰出的建筑,我们必须将其命名为久达拉风格(韩国百济)代表的法隆寺(607年)。 它是在 Wakakusadera 寺庙的场地上建造的,由 Shōtoku 竖立,并于 670 年被他的对手烧毁。

它采用轴向平面法建造,由一组建筑物组成,其中有宝塔(Tō)、梦殿(“梦想殿堂”)和金堂(“黄金殿堂”)。 中式风格,首次使用瓷砖屋顶。

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这个非凡例子的特征之一是严岛神社 (593),它是在濑户的水上建造的,那里有 Gojūnotō、Tahōtō 和各种本殿。 由于它的美丽,它于1996年被联合国命名为世界遗产。

佛教题材的雕塑由木头或青铜制成:最早的佛像是从大陆进口的,但后来大量中韩艺术家定居日本。

观世音菩萨的日文名称观世音菩萨(中文称为观音)的形象在韩国托里的作品观世音菩萨的名称下激增; 位于法隆寺梦殿内的观音; 和Kudara的观音(623世纪),由一位不知名的艺术家创作。 另一件重要的作品是由 Tori Busshi 安装在 Hōryū-ji 寺中的青铜释迦牟尼三合会(XNUMX 年)。

总的来说,它们是受到韩国高句丽风格启发的严肃、棱角和古老风格的作品,如 Shiba Tori 的作品所见,标志着飞鸟时代的“官方风格”:大飞鸟大佛(Hoko Temple -吉,606),药师佛(607),观音谷泽(621),三合会释迦(623)。

另一位遵循这种风格的艺术家是 Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi,他是法隆寺金殿(645)的四天守卫(shitenno)的作者,尽管它非常古老,但呈现出更圆润的体积演变,更多富有表现力的面孔。

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这幅画受中国图案的影响,用墨水或矿物染料制成,用于丝绸或纸张、羊皮纸卷轴或挂在墙上。 它代表了一种伟大的绘画感,具有极大的独创性,例如玉虫圣物箱(Hōryū-ji),用樟木和柏木制成,带有青铜花丝带,在漆木上以油彩代表各种场景,采用称为 mitsuda 的技术-i 来自波斯,与魏朝的中国画有关。

在舍利室的底部是一个本生(记述佛陀的前世),显示王子摩诃萨将自己的肉体供奉给饥饿的母老虎。 大约在这个时候,书法开始受到重视,被赋予了与形象形象同等的艺术水平。

还注意到丝绸挂毯,例如为 Shōtoku (622) 制作的 Mandala Tenkoku。 可以上釉或不上釉的陶瓷几乎没有本地生产,是最有价值的中国进口产品。

奈良时代 (710-794)

在此期间,在天皇的第一个固定首都奈良(710)建立了首都。 此时,佛教艺术正处于鼎盛时期,并以极大的强度延续了中国的影响:日本人在中国艺术中看到了一种和谐与完美,类似于欧洲对古典希腊罗马艺术的品味。

该时期建筑的少数例子是纪念性建筑,如东药师寺塔、东照大寺、东大寺和兴福寺,以及保存许多文物的奈良正仓院来自圣武天皇 (724-749) 时代的艺术作品,作品来自中国、波斯和中亚。 奈良市是按照唐代都城长安的网格布局建造的。

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皇宫与主要寺院东大寺(745-752)同等重要,按照对称计划建造在一个带有双塔的大围墙内,并以“佛陀大殿”大佛殿为特色。 «。 由圣武天皇于 15 年捐赠的 743 米大毗卢遮那佛(日语为大日)铜像。大佛殿于 1700 年重建,是世界上最大的木制建筑。

另一个重要的寺庙是法华堂,它拥有另一尊宏伟的雕像,观音福剑寺,一尊高四米的八臂漆绘菩萨。 高和唐的影响,这在五官的平静和平静中很明显。

相比之下,东药师寺是日本建筑师尝试寻找自己的风格,远离中国的影响。 它以其垂直性而著称,不同大小的封面交替出现,使其具有书法标志的外观。

在其结构中,屋檐和阳台由白色和棕色的互锁木条形成。 里面供奉着药师如来(“药师佛”)的形象。 它以古代奈良历史古迹的名称被列为世界遗产。

Toshōdai-ji (759) 具有相同的民族同化程度,与受中国影响的坚固性、对称性和垂直性的 Kodō(“金殿”)和 Kodō(“讲堂”)形成鲜明对比. ”),更简单和水平,表示原住民传统。

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另一家参展商是清水寺 (778),其主楼以其巨大的栏杆而引人注目,由数百根柱子支撑,从山上脱颖而出,可以欣赏到京都市的壮丽景色。 这座寺庙是世界新七大奇迹名单的候选之一,虽然它没有被选中。

就其本身而言,轮王寺以三佛堂而闻名,那里有阿弥陀佛、千手观音和巴东观音三尊雕像。 作为一座神社,伏见稻荷大社 (711) 非常引人注目,它献身于稻荷的精神,特别以数以千计的红色牌坊命名,这些鸟牌标志着神社所在的山丘上的道路。

佛像在雕刻方面有了很大的发展,造像美轮美奂:胜观音、立花佛、东大寺加光菩萨。 白凤时代(645-710),苏我氏的镇压和帝国的巩固导致朝鲜影响力的终结,取而代之的是中国(唐朝),产生了一系列更加华丽和现实主义的作品,更圆润更优雅的形式。

这种变化在药师寺镀金铜像的一部分中很明显,由坐佛(药师)与日光(“日光”)和加光(“月光”)菩萨一起组成,在他的对立位置上表现出更大的活力,和更大的面部表情。

在 Hōryū-ji,韩国起源的 Tori 风格继续存在,如观音 Yumegatari 和橘夫人挂坠盒的阿弥陀三合会。 在东升台寺有一系列用空心干漆制成的大型雕像,突出了高 759 米的中央佛像 Rushana(3,4)。 还有守护神(Meikira Taisho),国王(Komokuten)等的代表。 它们是用木头、青铜、生粘土或干漆制成的作品,非常逼真。

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这幅画以法隆寺的墙壁装饰(XNUMX 世纪后期)为代表,如近藤壁画,与印度的阿旃陀有相似之处。 还出现了各种类型,例如 kakemono(“挂画”)和 emakimono(“滚筒画”),将故事画在纸或丝绸上,并附有解释不同场景的文字,称为经文。

在奈良正草院,有许多以世俗为主题的画作,种类和主题各不相同:植物、动物、风景和金属物体。 在这个时期的中期,唐代画派开始流行,从高松冢墓壁画中可以看出,这些壁画可以追溯到700年左右。

根据 701 年的大法令,画家的职业在工艺公司中进行了规定。 由内政部下属的画家司(taku​​mi-no-tuskasa)控制。 这些协会负责装饰宫殿和寺庙,其结构一直持续到明治时代。 陶器通过从中国引进的各种技术得到了显着发展,例如在粘土上使用鲜艳的颜色。

平安时代(794-1185)

在这一时期,藤原氏政府成立,该政府在中国政府的启发下建立了一个中央集权政府,首都在平安(现在的京都)。 大领主(大名)兴起,武士形象出现。

大约在这个时候,出现了称为平假名的笔迹学,它将中国书法改编为日本使用的多音节语言,使用汉字作为音节的注音值。 与中国关系的破裂产生了一种更加鲜明的日本艺术,一种世俗艺术与宗教艺术一起出现,这将忠实反映朝廷的民族主义。

佛教图像学有了新的发展,从大陆引进了天台和真言两个新教派,以藏密宗佛教为基础,融入了神道教的元素,产生了当时的宗教融合特征。

该建筑在修道院的平面上发生了变化,这些修道院建在偏僻的地方,用于冥想。 最重要的寺庙是延历寺(788 年)、金刚部寺(816 年)和室朗寺宝塔神社。 延历寺位于比睿山附近,是古代京都的历史古迹之一,于 1994 年被列为世界遗产。

788年,最澄将天台宗传入日本。 延历寺有大约 3.000 座寺庙,在当时是一个伟大的权力中心,其大部分建筑于 1571 年被织田信长摧毁。

在幸存的部分中,西堂(“西堂”)今天脱颖而出,而Konpon chūdō所在的Tōdō(“东堂”)则是保留佛像的延历寺最具代表性的建筑.由Saichō本人雕刻的Yakushi Nyorai。

与以往相比,雕塑略有下降。 再次,佛像(如意林观音;京都神护寺的药师如来;平等院寺院的阿弥陀如来),以及某些神道女神(吉祥天,幸福女神,相当于印度的拉克希米) .

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佛教宗教的过度僵化限制了艺术家的自发性,艺术家将自己限制在僵化的艺术规范中,这破坏了他的创作自由。 在 859 和 877 年间,产生了 Jogan 风格,以几乎令人生畏的重力图像为特征,带有某种内省和神秘的空气,例如 Murō-ji 的 Shaka Nyorai。

藤原时代,由长草在平等院创办的学校声名鹊起,其风格比Jogan的雕塑更加优雅纤细,表现出完美的身形和极好的运动感。

Jōchō 的工作室介绍了 yosegi 和 warihagi 技术,其中包括将人物分成两个块,然后将它们连接在一起以雕刻它们,从而避免随后的开裂,这是大型人物的主要问题之一。 这些技术也允许串行安装,并在镰仓时代的庆学派中取得了巨大的成功。

大和绘尤其在名为 emaki 的手写卷轴上蓬勃发展,它结合了绘画场景和优雅的片假名书法。 这些卷轴讲述了历史或文学段落,例如 XNUMX 世纪后期紫式部的小说《源氏物语》。

虽然文本是著名抄写员的作品,但这些图像通常由宫廷的妓女执行,例如 Ki no Tsubone 和 Nagato no Tsubone,假设在当今日本艺术中具有重要意义的女性美学样本。

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此时,开始按性别对绘画进行分类,这标志着公众之间的明显区别,男性受中国影响,而女性更审美的日本艺术。

在恩纳绘中,除了《源氏史》之外,平家为严岛神社委托制作的《莲花经》也很突出,它们被体现在佛教宣扬的各种关于救度灵魂的经卷中。

另一方面,这 otoko-e 比 ona-e 更具叙事性和活力,更充满动作,更具真实感和动感,就像在 Shigisan Engi 卷轴中一样,关于僧侣妙莲的奇迹; Ban Danigon E-kotoba,关于 XNUMX 世纪敌对部族之间的战争; 还有《超人画》,动物的场景带有漫画符号和讽刺的语气,批评贵族。

镰仓时代(1185-1392)

在封建氏族之间发生了几次争执之后,源元被强加,从而建立了幕府,这是一种带有军事法庭的政府形式。 此时,禅宗传入日本,对具象艺术产生了重大影响。 建筑更简单,更实用,不那么奢华和华丽。

禅宗统治带来了所谓的空阳式:禅宗的礼拜场所沿用了中国的轴测法,虽然主要建筑不是寺庙,而是阅览室,而且圣地也没有被雕像占据。佛陀,不过是靠着一个小宝座,住持在那里教导他的弟子。

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京都(1266年)的三十三间堂的五座大寺庙群,以及京都的建仁寺(1202年)和东福寺(1243年),以及建长寺(1253年)和圆觉寺(1282年) ) 在镰仓。

高德院(1252 年)以其巨大而沉重的阿弥陀佛铜像而闻名,使其成为仅次于东大寺的日本第二大佛。

1234 年,净土宗的所在地知恩院建成,以其巨大的正门(山门)而著称,这是日本同类建筑中最大的。

这一时期的最后代表之一是本愿寺(1321 年),它由两座主要寺庙组成:西本愿寺,包括护荣堂和阿弥陀堂,还有一个茶亭和两个阶段Noh 剧院,其中之一声称是现存最古老的剧院; 还有著名的正生园的所在地东本愿寺。

雕塑获得了极大的现实主义,发现艺术家更大的创作自由,贵族和士兵的肖像就证明了这一点,例如 XNUMX 世纪军人上杉志草(由一位匿名艺术家创作)的肖像。

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禅宗作品专注于代表他们的大师,在一种称为 shinzo 的雕像中,例如大师无极一园(1312 年,匿名作者)的雕像,彩色木头,代表坐在宝座上的禅师,在冥想的态度放松。

奈良基派是平安时代城长派的继承者,其作品的质量尤为重要,其中雕刻家云庆,僧侣木久和雪心(奈良兴福寺)的雕像的作者,也作为金刚力士(守护神)的形象,例如位于 8 米高的东大寺(1199 年)入口处的两尊巨像。

Unkei 的风格受到宋代中国雕塑的影响,高度写实,同时通过描绘个体的情感表达和内在灵性来捕捉最详细的面相研究。

甚至在眼睛中嵌入了深色水晶,以提供更大的表现力。 Unkei 的作品标志着日本肖像画的开始。 他的儿子 Tankei 是 Sanjūsangen-dō 的 Kannon Senju 的作者,继续他的工作。

这幅画的特点是增加了现实主义和心理内省。 美化(那智瀑布)和冥想中的僧人肖像,Enichi-bo Jonin; 一组来自京都神护寺的肖像,由藤原孝信创作; 主要开发了五心的花园天皇肖像。

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大和绘模式继续进行,图像以卷轴的形式进行解释,其中许多卷轴长达数米。 这些手稿描绘了日常生活、城市或乡村场景的细节,或描绘了历史事件,例如 1159 年皇室敌对分支之间的京都战争。

它们以连续的场景呈现,按照叙事顺序,以高高的全景呈现在一条直线上。 平治时代事件的插图卷轴(Heiji monogatari)和Enichi-bo Jonin的华严Engi卷轴脱颖而出。

与禅宗组织相关的绘画更直接受中国影响,其技法更多是简单的中国墨水线条,遵循禅宗“太多颜色使眼睛蒙蔽”的格言。

室町时代(1392-1573)

幕府掌握在足利手中,他们的内讧有利于瓜分土地的大名日益增长的权力。 该建筑更加优雅和典型的日本风格,包括庄严的豪宅、瑞法寺等寺院,以及 Shōkoku-ji (1382)、Kinkaku-ji 或金阁 (1397) 和 Ginkaku-ji 等寺庙。 o 京都银阁(1489 年)。

金阁寺是幕府将军足利义光的休息村,属于他的北山领地。 他的儿子将这座建筑改造成临济宗的寺庙。 这是一幢三层楼的建筑,前两层用纯金箔覆盖。 亭子的功能是保护佛陀的遗物。

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里面还有各种佛菩萨像,屋顶上矗立着一座金色的凤凰。 它还有一个美丽的毗邻花园,有一个名为Kyōko-chi的池塘,有许多岛屿和石头代表佛教创造故事。

银阁寺是由幕府将军足利义政建造的,他试图模仿他的祖先吉光建造的金阁寺,但不幸的是他无法按计划用银覆盖建筑物。

这一时期建筑的另一个特点是壁龛的外观,这是一个为沉思绘画或插花而保留的房间,符合禅宗美学。 此外,还引入了由稻草制成的榻榻米,使日本房屋的内部更加舒适。

此时,造园艺术特别发达,奠定了日本庭园的艺术和审美基础。 出现了两种主要模式:月山,环山环湖; 还有平庭,一个由耙沙组成的平坦花园,有石头、树木和水井。

最常见的植被由竹子和各种花草树木组成,无论是常绿植物,如日本黑松,还是落叶植物,如日本枫树,蕨类植物和泡沫等元素也很受重视。

盆景是园艺和室内设计的另一个典型元素。 花园通常包括湖泊或池塘、各种类型的凉亭(通常用于茶道)和石灯笼。 与其他艺术一样,日本花园的典型特征之一是其不完美、未完成和不对称的外观。

有不同类型的花园:“步行”,可以看到沿着小径或池塘周围行走; 可以从固定的地方看到的“客厅”,通常是凉亭或町屋式小屋。

Te(rōji),在通往茶室的小路上,用bakdosin瓷砖或石头标记小路; 和“沉思”(karesansui,“山水景观”),这是最典型的禅宗花园,从位于禅宗寺院的平台上看到。

一个很好的例子是画家和诗人Sōami(1480)在京都的Ryōan-ji花园中所谓的无水景观,它代表了一个由耙沙构成的大海,上面布满了岛屿,这些岛屿是岩石。 ,形成一个结合现实和幻想的整体,并邀请平静和反思。

注意到绘画的复兴,以禅宗美学为框架,受到元明朝的中国影响,主要体现在装饰艺术上。

引入了水粉画技术,这是对禅宗教义的完美诠释,它试图在风景中反映它们的意思,而不是它们所代表的东西。

文真庄的形象出现了,他是自己创作作品的“知识僧侣”,学者和中国技法的追随者,用单色水墨,笔触简短而散漫,在他的作品中反映了松、芦、兰、竹等自然元素、岩石、树木、鸟类和人物沉浸在大自然中,以一种冥想的态度。

在日本,这种中国墨水技术被称为sumi-e。 以禅的七种美学原则为基础,sumi-e 力求通过简约和优雅来反映最强烈的内在情感,以简单谦虚的线条超越其外观,表示与自然的交流状态。

Sumi-e是一种寻找内在灵性的手段(dō),这是僧侣使用的。 墨的特殊性,含蓄而弥漫,让艺术家捕捉事物的本质,在一种简单自然的印象中,同时又深沉和超越。

这是一种快速执行的本能艺术,无法修饰,这是一个将它与生活结合在一起的事实,在那里不可能回到已经完成的事情。 每幅画都带有生命能量(ki),因为它是一种创造行为,思想付诸行动,过程比结果更重要。

sumi-e 最重要的代表人物是:武藤水、Josetsu、Shūbun、Sesson Shukei,尤其是肖像和风景的作者 Sesshū Toyō,他是第一位在世时作画的艺术家。 Sesshū 是一位僧人画家,于 1467 年至 1469 年间前往中国,在那里他学习艺术和自然景观。

他的风景由线性结构组成,由突如其来的光线照亮,反映了超越时刻的禅宗概念。 这些是带有轶事元素的景观,例如远处的寺庙或小人物,框架在悬崖等偏远地方。

一种新的诗画流派也出现了,新宿,风景描绘了一首自然主义的诗歌。 另外值得一提的是由 Kanō Masanobu 创立的 Kanō School,它将水粉技术应用于传统主题,展示了神圣、民族和风景主题。

水洗还应用于日本室内设计的标志性滑动门的彩绘屏风和面板。 在陶瓷中,濑户派脱颖而出,最受欢迎的类型是天目。 漆器和金属制品也是这一时期的显着例子。

安土桃山时代(1573-1603)

至此,日本再次由织田信长、丰臣秀吉和德川家康统一,他们消灭了大名并上台。

他的任务恰逢葡萄牙商人和耶稣会传教士的到来,他们将基督教介绍给该国,尽管只接触到少数人。

这个时代的艺术创作脱离了佛教美学,强调日本传统价值观,具有爆炸性的风格。 1592 年入侵朝鲜导致许多韩国艺术家被迫迁往日本,他们住在与其他人隔绝的陶器生产中心。

此外,在此期间,收到了第一个西方影响,反映在南蛮风格中,发展为微型雕塑,具有世俗主题,装饰瓷器和屏风以大和风格装饰,色彩鲜艳,金箔,在讲述欧洲人抵达日本海岸的故事的场景中。

透视技术,以及欧洲绘画的其他变体,如油画的使用,在日本的艺术形式中没有立足之地。

在建筑方面,伟大的城堡 (shiro) 的建设脱颖而出,这在日本引入西方起源的枪支后得到了加强。 姬路城、安土城、松本城、二条城和伏见桃山城就是很好的例子。

姬路城是当时的主要建筑之一,将巨大的防御工事与优雅的垂直结构相结合,由木头和灰泥制成,共有五层楼,屋顶形状与传统日本寺庙相似。

由小别墅或宫殿和大花园组成的乡村茶道村也越来越多,一些城市还建造了歌舞伎表演的木制剧院。

在绘画方面,鹿王派占据了官方的大部分委托,精心制作了日本主要城堡的壁画,有重要人物名叫鹿野永德和鹿野山乐。

对于因狭窄的防御开口而光线不足的城堡,创造了一种带有金色背景的隔板,将光线反射并扩散到整个房间,大型壁画装饰着英雄场景,如动物。 如虎与龙,或有园林、池塘、小桥的景观,或在当时相当普遍的四个季节。

丝网印刷也得到了显着的发展,一般采用墨迹磨损的墨迹,遵循 sumi-e 风格,这可以在 Hasegawa Tōhaku(松林)和 Kaihō Yūshō(月光下的松梅树)的作品中看到。 在手稿、屏风和扇子的卷轴中,还突出了具有巨大活力的作品的作者田原谷宗达的形象。

他创作了一种以平安时代的和歌文字为灵感的抒情和装饰风格,被称为 rinpa,创作了极具视觉美感和情感强度的作品,如源氏物语、常春藤之路、雷神和风神等。

陶瓷制造达到了鼎盛时期,开发了茶道产品,灵感来自韩国陶瓷,其质朴和未完成的外观完美地体现了渗透茶道的禅宗美学。

出现了新的设计,例如nezumi盘子和kogan水壶,通常是白色的身体沐浴在一层长石中,并饰有由铁钩制成的简单设计。 那是一块厚实的陶瓷,表面上釉,经过未完成的处理,给人一种不完美和脆弱的感觉。

濑户仍然是主要制作人,而在美浓镇诞生了两所重要的学校:诗乃和织部。 Karatsu 学校和两种原始类型的陶器也被注意到:

伊贺,质地粗糙,釉层厚,裂纹较深; 还有备前,未上釉的红褐色陶器,仍然柔软,从轮子上取下来产生小的自然裂缝和切口,使其外观易碎,仍然符合禅宗的不完美美学。

这个时代最优秀的艺术家之一是在绘画、诗歌、园艺、漆器等方面表现出色的Honami Kōetsu。 他接受了平安时代的艺术传统和少年书法学校的训练,在德川家康捐赠的土地上,在京都附近的高岭建立了一个工匠聚居地。

该定居点由日莲佛学院的工匠维护,并制作了许多高质量的作品。 他们以漆器为主,以办公用品为主,饰以黄金和珍珠母镶嵌,以及茶道的各种器皿和餐具,突出了浓郁的富士山碗。 红色的内裤覆盖着黑色的内裤,上面是一种不透明的冰白色,给人一种降雪的效果。

江户时代(1603-1868)

这个艺术时期对应于德川历史时期,当时日本对所有外部接触都是封闭的。 首都设在江户,即未来的东京。 基督徒受到迫害,欧洲商人被驱逐。

尽管有附庸制度,但贸易和手工业却激增,产生了权力和影响力不断增长的资产阶级,并致力于促进艺术,特别是版画、陶瓷、漆器和器皿。 纺织品。

最具代表性的作品是京都的桂宫和日光的东照宫(1636年),它是“日光神社和寺庙”的一部分,均于1999年被联合国教科文组织列为世界遗产。

神佛联合的某种流派,是幕府将军德川家康的陵墓。 寺庙是一个严格对称的结构,彩色浮雕覆盖整个可见表面。 其色彩缤纷的建筑和超重的装饰脱颖而出,与当时的寺庙风格不同。

内部装饰着色彩鲜艳的精细漆雕和精美的彩绘面板。 桂宫 (1615-1662) 建于禅宗风格的不对称平面上,外立面使用直线与周围花园的蜿蜒形成对比。

由于是皇室休息的地方,别墅由一座主楼、几间附楼、茶室和一个70000万米的公园组成。 主殿只有一层,分为四个附楼,在拐角处汇合。

整座建筑有一定的特点,即建在柱子上,在柱子上方是一系列有墙有门的房间,有些房间还绘有 Kanō Tan'yū 的画作。

这一时期的另一个特点是茶馆(chashitsu),通常是带有茅草屋顶的小型木制建筑,周围环绕着明显被遗弃的花园,有地衣、苔藓和落叶,遵循禅宗的概念。 超越的不完美。

艺术和智力发展的开始

在此期间,日本通过从出岛的荷兰商人那里获得的信息和书籍,逐渐研究了西方的技术和科学进步(称为 rangaku)。

研究最多的领域包括地理、医学、自然科学、天文学、艺术、语言、物理概念,例如对电气和机械现象的研究。 数学也有很大的发展,完全独立于西方世界。 这种强大的电流被称为wasan。

新儒学的蓬勃发展是这一时期最伟大的思想发展。 长期以来,佛教僧侣对儒学的研究一直很活跃,但在这一时期,这种信仰体系引起了人们对人与社会观念的极大关注。

伦理人文主义、理性主义和儒家的历史观被视为一种社会模式。 在 XNUMX 世纪中叶,儒学成为占主导地位的法学哲学,并直接促进了国学制度的发展。

他对幕府政权的主要美德是强调等级关系,服从。 到顶部。 和服从,它延伸到整个社会,有利于封建制度的保存。

纺织艺术获得了极大的重视,主要是丝绸,它达到了最高质量的水平,这就是为什么房间里经常挂着色彩鲜艳、设计精美的丝绸连衣裙(和服)。 分开,好像它们是屏幕。

已经使用了各种技术,例如染色,刺绣,织锦,压花,贴花和手绘。 丝绸只提供给上层阶级,而人们穿着棉布,使用印度尼西亚 ikat 技术制成,分段纺纱并染成靛蓝和白色交替。

另一种质量较差的技术是编织不同颜色的棉线,使用自制染料以蜡染风格使用米糊和煮熟和结块的米糠。

需要注意的是,日本艺术在 XNUMX 世纪受到西方艺术的影响,同时也受到日本艺术的异国情调和自然性的影响。 所谓的日本主义就是这样在西方诞生的,主要发展于 XNUMX 世纪下半叶,尤其是在法国和英国。

这一点在所谓的 Japoneries 中得到了体现,这些物品的灵感来自日本的版画、瓷器、漆器、扇子和竹制品,它们在家居装饰和许多反映日本文化幻想和装饰主义的个人服装中都成为时尚。 .

在绘画上,浮世绘派的风格受到热烈欢迎,歌麾、广重、北斋的作品受到高度评价。 西方艺术家模仿日本绘画的简化的空间结构、简单的轮廓、书法风格和自然感。

当代(自 1868 年以来)

在明治时期(1868-1912 年),日本开始了一场深刻的文化、社会和技术复兴,它更加对外开放,并开始吸收西方取得的新进展。 1868年的宪章废除了封建特权和阶级差异,这并没有导致贫困的无产阶级阶级得到改善。

一个强大的帝国主义扩张主义时期开始了,这导致了第二次世界大战。 战后,日本经历了民主化和经济发展的进程,使其成为世界领先的经济强国之一和领先的工业生产和技术创新中心。 明治时代之后是大正(1912-1926)、昭和(1926-1989)和平成(1989-)时代。

自 1930 年以来,中国和南亚的军事化和扩张,以及随之而来的军事预算资源的增加,导致了艺术赞助的下降。 然而,随着战后经济的繁荣和国家工业化带来的新繁荣,艺术得到了新生,由于文化全球化的进程,已经完全融入了国际艺术运动。

此外,经济繁荣鼓励收藏,创建了许多有助于传播和保存日本和国际艺术的博物馆和展览中心。 在宗教领域,神道教在明治时代确立为唯一官方宗教(Shinbutsu bunri),导致佛教寺庙和艺术品被遗弃和破坏,如果没有教授 Ernest Fenollosa 的干预,这将是无法弥补的。哲学。 来自东京帝国大学。

他与富豪和赞助人威廉·毕格罗一起,在波士顿美术博物馆和华盛顿特区弗里尔美术馆保存了大量的佛教艺术收藏品,这两个亚洲艺术收藏品是美国最好的亚洲艺术收藏品。世界..

该建筑有两个方向:传统的一种(东京的靖国神社、平安神宫和明治寺庙)和融合了新技术的受欧洲影响的一种(大和文化馆,由 Iso Hachi Yoshida 设计,奈良)。

西化导致了银行、工厂、火车站和公共建筑等新建筑的建造,这些建筑都是用西方的材料和技术建造的,最初是模仿英国维多利亚时代的建筑。 一些外国建筑师也曾在日本工作,如弗兰克劳埃德赖特(东京帝国酒店)。

二战后,由于国家重建的需要,建筑和都市主义得到了极大的推动。 然后出现了新一代的建筑师。

以丹下健三为首,着有广岛和平纪念馆、东京圣玛丽大教堂、1964年东京奥运会奥林匹克体育场等作品。

Tange 的学生和追随者创造了被理解为“新陈代谢”的建筑概念,将建筑视为必须适应功能需求的有机形式。

运动创立于1959年,他们想打造一个人口中心,其前提是创造一系列随外部变化而变化的建筑,仿佛它是一个有机体。

其成员包括黑川纪章、涩谷明、渡边洋司和菊竹清典。 另一位代表是前川国男,他与丹下一起将古老的日本美学理念引入了僵硬的当代建筑。

再次使用传统技术和材料,例如榻榻米和柱子的使用,这是日本寺庙的传统建筑元素,或者在他的创作中融合了花园和雕塑。 我没有忘记使用真空技术,它是由 Fumihiko Maki 研究的建筑与周围环境之间的空间关系。

自1980年代以来,后现代艺术在日本站稳脚跟,自古以来流行元素与精致形式的融合是其特色。

这种风格主要以北九州美术馆和京都音乐厅的作者矶崎新为代表。 矶崎新师从丹下,在他的作品中,他将西方概念与日本典型的空间、功能和装饰理念相结合。

就安藤忠雄而言,他开发了一种更简单的风格,非常关注光线和开放空间对室外空气的贡献(水上教堂,Tomanu,北海道;光之教堂,茨城县,大阪;博物馆孩子们,姬路)。

Shigeru Ban 的特点是使用非常规材料,例如纸或塑料:在 1995 年神户地震导致许多人无家可归之后,Bhigeru Ban 设计了后来被称为纸屋和纸教堂的 Delo,最后是东洋伊藤探索了数字时代城市的物理形象。

在雕塑上也有传统-前卫的二元性,除了抽象的堀内正和和后者居住在法国的水井康夫之外,还突出了木内义和丰福罗莫里尼的名字。 Isamu Noguchi 和 Nagare Masayuki 在研究材料粗糙度和抛光度之间对比的作品中融合了他们国家丰富的雕塑传统。

这幅画也遵循传统(nihonga)和西方(yōga)两种趋势,尽管两者都存在,但富冈铁斋的形象仍然保持在20世纪初。 19世纪由艺术评论家冈仓角三和教育家欧内斯特·费诺罗萨创作。

寻找传统艺术来表达日本情感的原型形式,尽管这种风格也受到了一些西方影响,尤其是来自拉斐尔前派和浪漫主义。 代表人物的主要有菱田俊庄、横山大观、下村观山、前田诚尊、小林光景。

欧式绘画最早是由 XNUMX 世纪末在欧洲使用的技法和题材培育出来的,主要与学院派有关,如黑田精机,他曾在巴黎学习数年,但后来继续西方艺术中出现的不同潮流:

白马会团体接受了印象派的影响; 抽象画以山口武雄、宗内正成为主要人物; 具象艺术家包括福田平一郎、德冈神仙和东山魁夷。 一些艺术家已经在国外定居,例如美国的猪熊源一郎和法国的藤田津治。

在大正中,对 nihonga 影响最大的瑜伽风格,尽管越来越多地使用光线和欧洲视角缩小了两种潮流之间的差异。

就像日本画在很大程度上采用了后印象派的创新一样,瑜伽表现出对折衷主义的偏爱,从各种不同的艺术运动中脱颖而出。

为了这个阶段,创建了日本美术学院(Nihon Bijutsu In)。 昭和时代的绘画以 Yasuri Sotaro 和 Umehara Ryuzaburo 的作品为标志,他们将纯艺术和抽象绘画的概念引入日本传统。

1931年,独立艺术协会(Dokuritsu Bijutsu Kyokai)成立,以推广前卫艺术。

早在二战时期,政府法律法规就明确强调爱国主题。 战后,艺术家重新出现在大城市,尤其是东京。

创造城市和国际化的艺术,致力于追随国际上产生的风格创新,特别是在巴黎和纽约。 在六十年代的抽象风格之后,七十年代回到了流行艺术所青睐的现实主义,如筱原牛尾的作品所表明的那样。

令人惊讶的是,在 1970 年代末发生了一件有趣的事情,那就是日本传统艺术的回归,他们看到了更大的表现力和情感力量。

版画传统以“创意版画”(sosaku hanga)的风格延续到 XNUMX 世纪,这些风格由川濑莲水、吉田博和宗像志子等艺术家以日本画风格绘制和雕刻。

在最新的潮流中,具体派在所谓的动作艺术中享有盛誉,将二战的经历等同于带有讽刺意味的动作,具有极大的紧张感和潜在的侵略性。

具体派包括:吉原次郎、元永贞正、岛本正三和白贺胜雄。 与后现代艺术相关的几位艺术家参与了最近以艺术表现形式的多元文化主义为标志的全球化现象。

洞爷重夫,森村康正。 其他著名的当代日本艺术家包括:冈本太郎、木村中太、池村玲子、野田美智子、森村康正、草间弥生、天野喜孝、福田茂夫、久保田茂子、奈良美智 71 和村上隆。

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