Ảnh hưởng của Hy Lạp có mặt trong tất cả các tác phẩm nghệ thuật của ông, nhưng dấu ấn riêng của ông đã tạo nên những phong cách rất đặc trưng cho tranh la mã: cảnh cuộc sống, cảnh thần thoại, phong cảnh, tĩnh vật hoặc thậm chí là đồ trang trí trompe l'oeil. Trang trí kiến trúc rất phổ biến với người La Mã.
tranh la mã
Cũng giống như nghệ thuật Hy Lạp được giới thiệu bởi các nền văn minh tiền Hy Lạp ở Crete và Mycenae, nghệ thuật La Mã cũng tìm thấy nơi sinh sôi nảy nở trong nền văn minh Etruscan và Hy Lạp. Vào khoảng những năm 1000/800, họ đến từ khu vực phía đông Địa Trung Hải, có thể là từ Lydia, ở Tiểu Á, các bộ lạc Etruscan ở Ý bên trong. May mắn thay, chúng do đó đã bổ sung dân số bản địa; đến trung tâm của Ý, họ mang theo một phần di sản văn hóa từ phương Đông.
Khi người Etruscans chinh phục gần như toàn bộ bán đảo Ý, họ đã đóng góp rất nhiều vào việc xây dựng nền văn minh La Mã: tính thực tiễn và kỹ thuật điêu luyện của họ để lại dấu ấn sâu sắc cho nghệ thuật La Mã. Người Hy Lạp cũng có ảnh hưởng đáng kể đến nghệ thuật và nền văn minh La Mã.
Trong thời kỳ đại thuộc địa, 800-550, họ tràn sang bờ Địa Trung Hải. Họ cũng định cư ở Sicily? và miền nam nước Ý, do đó được gọi là Đại Hy Lạp. Những người Hy Lạp này mang nền văn minh Hy Lạp về mọi mặt của nó đến đất Italic và ảnh hưởng đến nghệ thuật La Mã hơn bất kỳ ai khác.
Với sự trỗi dậy của văn hóa La Mã, thời kỳ cổ đại bước vào giai đoạn cuối cùng. Nghệ thuật ở La Mã đóng một vai trò hoàn toàn khác với ở Hy Lạp, ở đó nó gắn bó chặt chẽ với cuộc sống.
Các họa sĩ, nhà điêu khắc, kiến trúc sư, nhà triết học và nhà thơ Hy Lạp đã tự mình làm nên lịch sử. Ở La Mã cổ đại, nhiệm vụ này được thực hiện bởi những người cai trị các thành phố, các tướng lĩnh, các nhà hùng biện. Tên của họ đã được ghi vào biên niên sử của lịch sử, nhưng tên của các họa sĩ và nhà điêu khắc La Mã vẫn chưa đến với chúng ta, mặc dù họ cũng tài năng như người Hy Lạp.
Sự kết thúc của nền văn hóa Etruscan là sự khởi đầu của nghệ thuật La Mã. Có lẽ, trước thời điểm đó đã có các nghệ sĩ và nhà điêu khắc ở La Mã cổ đại, nhưng không có thông tin về họ đã được lưu giữ. Nó cũng ảnh hưởng đến thực tế là gần như cho đến cuối sự tồn tại của Cộng hòa, Rome liên tục tiến hành các cuộc chiến tranh chinh phục các nước láng giềng của mình, và chiến tranh, như bạn biết, không đóng góp vào sự phát triển của nghệ thuật.
Đất nước cũng bị rung chuyển bởi cuộc đấu đá nội bộ: thường dân chiến đấu chống lại quý tộc, bảo vệ quyền lợi của họ; Các thành phố (thành phố tự trị) của Ý yêu cầu bình đẳng với công dân của Rome. Các cuộc chiến kéo dài hàng thế kỷ, không dừng lại trong một năm. Có lẽ vì những lý do này mà nghệ thuật La Mã như vậy đã không tồn tại cho đến thế kỷ IV-III trước Công nguyên.
Người ta thường nói rằng người La Mã không phải là nghệ sĩ thực thụ. Người ta có thể có ấn tượng đó khi so sánh những thành tựu nghệ thuật của người La Mã với, chẳng hạn như của người Hy Lạp hay Ai Cập. Trong những thế kỷ đầu của lịch sử La Mã, chúng ta thấy rất ít để chỉ ra những khát vọng thẩm mỹ hoặc nghệ thuật; người La Mã chắc chắn đã không tạo ra nghệ thuật nguyên bản.
Tuy nhiên, nếu La Mã chiếm một vị trí nổi bật trong lịch sử nghệ thuật suốt nhiều thế kỷ, đó là bởi vì người La Mã sau khi chinh phạt quân sự trên toàn thế giới, họ cũng đã nhận ra những giá trị tinh thần và loại hình nghệ thuật của các dân tộc khác, đặc biệt là người Hy Lạp. , có khả năng đồng hóa tuyệt vời và biết cách xử lý theo cách cá nhân.
Đặc điểm chung của hội họa La Mã cổ đại
Tranh La Mã đã đến với chúng ta hầu như chỉ ở dạng tranh treo tường. Về mặt này, hầu hết các tác phẩm nghệ thuật vẫn nằm ở nơi chúng được tạo ra và nơi chúng được bảo quản trong những điều kiện thường xuyên khó khăn. Bằng chứng quan trọng của hội họa La Mã là đồ trang trí của các lăng mộ và nhà riêng, của các ngôi đền và khu bảo tồn trên khắp đế chế.
Ảnh hưởng của Hy Lạp ban đầu cũng chiếm ưu thế trong hội họa La Mã. Một địa điểm đặc biệt của La Mã đã được tìm thấy từ thế kỷ thứ XNUMX trước Công nguyên. C. trong cái gọi là tranh khải hoàn môn. Để tôn vinh các vị tướng chiến thắng, các bức tranh đã được thực hiện như một báo cáo phổ biến trong lễ rước khải hoàn và sau đó được trưng bày trước công chúng. Thật không may, những bức tranh này đã không còn tồn tại và chỉ được chứng thực trong văn học cổ đại.
Phong tục sơn tường bên trong ngôi nhà du nhập vào các thành phố La Mã vào thế kỷ thứ XNUMX trước Công nguyên từ các thành phố Hy Lạp ở miền nam nước Ý, nhưng các họa sĩ trang trí La Mã, vẽ theo kỹ thuật Hy Lạp, đã phát triển một cách sáng tạo hệ thống trang trí tường phong phú của họ.
Trong bức tranh tường La Mã vào thế kỷ thứ XNUMX trước Công nguyên, người ta thường phân biệt giữa bốn phong cách trang trí, đôi khi được gọi là "Pompeian" (vì những bức tranh tường như vậy được phát hiện lần đầu tiên trong kỹ thuật bích họa trong cuộc khai quật ở Pompeii).
Nhà khoa học người Đức August May, người chịu trách nhiệm xác định bốn phong cách của bức tranh Pompeian đã có một đóng góp to lớn trong việc nghiên cứu các bức vẽ trên tường ở La Mã cổ đại.
Sự phân chia thành các phong cách hội họa khá tùy tiện và không trùng lặp với quy luật chung của quá trình phát triển của hội họa La Mã nói chung.
Bức tranh tường La Mã có thể được nhìn thấy từ các vị trí khác nhau: Thứ nhất, như một tác phẩm hình ảnh đơn lẻ trang trí cơ sở này hoặc cơ sở khác có kích thước và mục đích nhất định. Thứ hai, như một tiếng vang của các sáng tác Hy Lạp và Hy Lạp hóa.
Thứ ba, như một cuộc tìm kiếm tiêu chuẩn văn hóa này hay tiêu chuẩn văn hóa kia, một tiêu chuẩn về thị hiếu nghệ thuật La Mã từ các thời đại khác nhau. Thứ tư, như một đại diện cho các trào lưu nghệ thuật khác nhau của hội họa La Mã, chính là kỹ năng kỹ thuật của những người tạo ra nó.
Kỹ thuật và phong cách vẽ tranh La Mã
Nội thất của các tòa nhà La Mã thường được trang trí xa hoa với màu sắc và kiểu dáng táo bạo. Những bức tranh tường, những bức bích họa và việc sử dụng vữa để tạo hiệu ứng phù điêu đã được thực hiện vào thế kỷ XNUMX trước Công nguyên
Nó được sử dụng trong các tòa nhà công cộng, nhà riêng, đền thờ, lăng mộ, và thậm chí cả các cơ sở quân sự trên khắp thế giới La Mã.
Các thiết kế đa dạng, từ các chi tiết phức tạp, chân thực đến các kết xuất ấn tượng cao thường bao phủ toàn bộ phần tường có sẵn, bao gồm cả trần nhà.
Việc chuẩn bị thạch cao quan trọng đến mức Pliny và Vitruvius giải thích, trong các tác phẩm của họ, kỹ thuật được các họa sĩ sử dụng để vẽ các bức tường: trước hết, thạch cao chất lượng tốt phải được tạo ra và cũng có thể được tạo thành từ bảy lớp kế tiếp nhau. thành phần khác nhau.
Cái đầu tiên thô hơn, sau đó ba cái khác được làm bằng vữa và cát và ba cái cuối cùng bằng vữa và bụi đá cẩm thạch; Nói chung, các lớp thạch cao được làm với độ dày khoảng XNUMX cm, lớp đầu tiên được đặt trực tiếp lên tường để nó bám dính tốt, và lớp dày nhất (XNUMX đến XNUMX cm) được làm bằng cát và vôi.
Các họa sĩ vẽ tường La Mã ưa thích màu đất tự nhiên, cũng có thể là màu đỏ sẫm, vàng và quặng. Các sắc tố xanh và đen cũng được sử dụng rộng rãi cho các thiết kế đơn giản hơn, nhưng bằng chứng từ một cửa hàng sơn ở Pompeii cho thấy có rất nhiều tông màu.
Vào thế kỷ thứ XNUMX và thứ XNUMX trước Công nguyên, những hình ảnh không được vẽ trực tiếp lên tường. Bằng thạch cao sơn, người ta bắt chước các phiến đá cẩm thạch hình chữ nhật, đứng và nằm, với nhiều loại màu sắc khác nhau, được dùng để che các bức tường ở độ cao. Trên cùng phần trang trí này được đóng bằng một khung thạch cao, những khung này có lẽ chứa các tấm rời. Một số ví dụ về hệ thống trang trí này đã được bảo tồn ở Campania, bao gồm cả Ngôi nhà của Sallust ở Pompeii.
Điều này kéo theo mốt lan rộng khắp thế giới Hy Lạp. Chỉ vào đầu thế kỷ XNUMX trước Công nguyên, một nền nghệ thuật La Mã thực sự mới xuất hiện. Các tấm này không còn được làm bằng vữa nhựa, mà thay vào đó được sơn và hình dạng gợi ý bởi các sọc ánh sáng và bóng tối.
Sau đó, phần trung tâm của bức tường được sơn như thể nó hơi lùi lại và các cột được mô tả đều đặn trông giống như đang đứng trên bục và có vẻ như đỡ mái nhà. Phần trên cùng của bức tường gợi ý cho bạn một tầm nhìn ra một căn phòng khác hoặc một sân trong. Các công trình kiến trúc cũng được bố trí đối xứng xung quanh một khe hở bằng sơn, với cửa hoặc cổng ở trung tâm, như trong biệt thự của Publius Fannius Sinistor tại Boscoreale, 50-40 trước Công nguyên.
Các chủ thể là chân dung, cảnh trong thần thoại, kiến trúc trompe l'oeil, hệ thực vật, động vật và thậm chí cả khu vườn, phong cảnh và toàn bộ thị trấn để tạo ra những bức tranh toàn cảnh ngoạn mục đưa người xem từ không gian hẹp vào thế giới vô hạn của trí tưởng tượng mà họa sĩ bị cướp.
Những ví dụ điển hình nhất của hội họa La Mã đến từ các bức bích họa ở khu vực Vesuvius (Pompeii và Herculaneum), từ các bảng Fayum của Ai Cập và từ các mô hình La Mã, một số có nguồn gốc từ thời Paleo-Christian (các bức tranh từ hầm mộ). Chúng tôi có bằng chứng về hội họa La Mã trong ba kỹ thuật:
- Vẽ tranh tường: được thực hiện bằng bích họa, trên vôi tươi, do đó bền hơn; màu được trộn với trứng hoặc sáp để giúp chúng bám chặt;
- Tranh trên gỗ hoặc bảng điều khiển: do tính chất hỗ trợ, các ví dụ nhận được rất hiếm. Một ngoại lệ nổi tiếng đến từ các bia mộ ở Fayum (Ai Cập), may mắn được bảo tồn nhờ vào tình hình môi trường và khí hậu đặc biệt;
- Tranh trừu tượng, áp dụng cho các đối tượng, cho mục đích trang trí. Nó thường được đặc trưng bởi sự tóm tắt và đột quỵ nhanh chóng.
Nhìn chung, những bức tranh trước đó và những bức vẽ của những ngôi nhà giàu có thể hiện nhiều tầng lớp hơn những bức tranh sau này và những bức về những tòa nhà dân cư kém hơn. Bắt đầu từ trên cùng, các lớp thạch cao và sau đó sơn được phủ lên tường và cuối cùng là hoàn thiện ở dưới cùng.
Mặc dù có sự khác biệt lớn về các chi tiết, các bức tường được xây dựng theo cùng một sơ đồ. Luôn luôn có một khu cơ sở, một khu giữa và một khu trên. Khu nền thường khá đơn giản, có thể là đơn sắc, nhưng cũng có thể có giả đá cẩm thạch hoặc các bức tranh thực vật đơn giản. Các mẫu hình học cũng rất phổ biến.
Tuy nhiên, ở khu vực giữa, trọng tâm của bức tranh mở ra. Tùy thuộc vào phong cách, bạn sẽ tìm thấy kiến trúc cầu kỳ hoặc các lĩnh vực đơn giản, với trung tâm của bức tường thường đặc biệt nặng và được trang trí bằng một bức tranh.
Tranh vẽ trên cánh đồng, đặc biệt phổ biến ở phong cách thứ ba (trang trí), bao gồm sự xen kẽ của các cánh đồng rộng, đơn sắc và hẹp, thường được trang trí phong phú bằng thực vật, kiến trúc phi thực hoặc các mẫu khác.
Hội họa đã được người Etruscans (tranh lăng mộ) thực hành, nhưng bằng chứng lâu đời nhất về hoạt động vẽ tranh ở La Mã có từ nửa đầu thế kỷ XNUMX trước Công nguyên: đặc biệt là bức vẽ của Fabius Pictor nổi tiếng (cuối thế kỷ XNUMX trước Công nguyên). được nhớ đến, người trang trí của Đền thờ Salus.
Giả thuyết được đặt ra rằng trong giai đoạn cổ nhất này, hội họa La Mã đã thể hiện xu hướng đặc biệt cho tính cách lễ hội của những thế kỷ sau, được thể hiện qua một cách tường thuật uyển chuyển và rõ ràng, như trong các bức phù điêu điêu khắc đương thời. Rất nổi tiếng là bức tranh được gọi là Pompeian, được đặt tên theo các bức tranh được tìm thấy ở Pompeii, Herculaneum và các quốc gia khác được chạm vào vụ phun trào của Vesuvius (79 SCN). Nó được chia thành bốn kiểu khác nhau:
phong cách đầu tiên
Thế kỷ thứ XNUMX đến thế kỷ thứ XNUMX trước Công nguyên, còn được gọi là "đồ khảm". Nó tương ứng với cuộc sống của người La Mã vào thế kỷ thứ hai trước Công nguyên. Phong cách này là sự bắt chước của khối xây bằng đá cẩm thạch màu. Trên các bức tường của các phòng bên trong, tất cả các chi tiết kiến trúc đều được tạo thành các mảnh ba chiều: phào chỉ, gờ, phào chỉ, các khung xây riêng lẻ, và sau đó mọi thứ được sơn, bắt chước các viên đá hoàn thiện về màu sắc và hoa văn.
Bột trét, trên đó sơn đã được áp dụng, được chuẩn bị từ nhiều lớp, trong đó mỗi lớp tiếp theo sẽ mỏng hơn.
Phong cách "khảm" là sự bắt chước nội thất của các cung điện và nhà giàu ở các thành phố Hy Lạp, nơi các sảnh được xếp bằng đá nhiều màu (bi). Phong cách trang trí đầu tiên không còn phong cách vào những năm 80 trước Công nguyên Một ví dụ về phong cách "khảm" là Ngôi nhà của Faun ở Pompeii. Các màu được sử dụng, đỏ sẫm, vàng, đen và trắng, được phân biệt bằng độ tinh khiết của tông màu.
Các bức bích họa trong Ngôi nhà của Griffins ở Rome (100 trước Công nguyên) có thể đóng vai trò như một giai đoạn chuyển tiếp giữa phong cách trang trí thứ nhất và thứ hai.
Sự kết hợp của các màu xanh lam, hoa cà, nâu nhạt, sự chuyển màu tinh tế của bức tranh hoàng gia và lừng lẫy, hình ảnh phẳng và thể tích, giữa trang trí tường bảng và các cột, như nó vốn có, nhô ra khỏi tường, cho phép làm nổi bật bức tranh của House of Griffins như một cách chuyển tiếp từ một cách bắt chước nhỏ của khối xây sang cách giải quyết bức tường trong không gian tích cực.
phong cách thứ hai
Thế kỷ XNUMX - XNUMX trước Công nguyên Được gọi là 'phối cảnh kiến trúc', nó trái ngược với phong cách phẳng trước đó, mang tính chất không gian hơn. Các bức tường cho thấy các cột, phào chỉ, hoa văn và thủ đô với ảo ảnh hoàn toàn về thực tế, thậm chí bao gồm cả sự lừa dối. Phần giữa của bức tường được bao phủ bởi hình ảnh của pergolas, porticos, được trình bày dưới dạng phối cảnh, sử dụng chiaroscuro. Với sự trợ giúp của bức tranh trang trí, một không gian ảo diệu đã được tạo ra, những bức tường thực như tách rời nhau, căn phòng như rộng hơn.
Đôi khi những hình người riêng lẻ, hoặc toàn bộ những cảnh hoặc phong cảnh có nhiều hình người, được đặt giữa các cột và cột buồm. Đôi khi ở giữa bức tường có những bức tranh lớn với những hình nhân lớn. Cốt truyện của các bức tranh chủ yếu là thần thoại, ít thường xuyên hơn hàng ngày. Thường thì các bức tranh của phong cách thứ hai là bản sao của các tác phẩm của các họa sĩ Hy Lạp cổ đại vào thế kỷ thứ XNUMX trước Công nguyên.
Một ví dụ về hội họa theo phong cách trang trí thứ hai là phong cách trang trí đẹp như tranh vẽ của Biệt thự Bí ẩn ở Pompeii. Trong một căn phòng nhỏ có cột cao như đá cẩm thạch, trên nền tường màu đỏ tươi với hoa văn màu xanh lá cây, hai mươi chín nhân vật được xếp thành nhóm với kích thước như người thật.
Hầu hết các thành phần được dành riêng cho những bí ẩn để tôn vinh thần Dionysus. Bản thân Dionysus cũng được miêu tả ở đây, đang dựa vào đầu gối của Ariadne (vợ). Các trưởng lão, satyrs trẻ, maenads và phụ nữ được hiển thị ở đây.
Rất thú vị là cảnh một người đàn ông già mạnh mẽ, được mô tả trên một bức tường của căn phòng, hướng ánh mắt của mình về phía bà mẹ trẻ, người được mô tả trên bức tường bên kia. Cùng lúc đó, Silenus chế nhạo một satyr trẻ tuổi với chiếc mặt nạ sân khấu trên tay.
Một cảnh vẽ khác cũng rất thú vị, cho thấy một nữ thần ghê gớm dùng roi dài quất vào một cô gái đang quỳ trên lưng trần đang cố gắng trở thành người tham gia đầy đủ vào những bí ẩn. Tư thế của cô gái, biểu cảm trên khuôn mặt, đôi mắt đờ đẫn, những sợi tóc đen rối bời thể hiện sự đau khổ về thể xác và thống khổ về tinh thần. Nhóm này cũng bao gồm hình dáng xinh đẹp của một vũ công trẻ còn trống đã vượt qua các bài kiểm tra bắt buộc.
Thành phần của bức bích họa không dựa nhiều vào tỷ lệ thể tích trong không gian, mà dựa vào sự đặt cạnh nhau của các bóng trên một mặt phẳng, mặc dù các hình thể hiện rất đồ sộ và năng động. Toàn bộ bức bích họa được kết nối thành một tổng thể duy nhất bằng cử chỉ và tư thế của các nhân vật được khắc họa trên các bức tường khác nhau. Tất cả các nhân vật được chiếu sáng bởi ánh sáng dịu từ trần nhà.
Những cơ thể trần trụi được tô vẽ lộng lẫy, cách phối màu của quần áo vô cùng đẹp mắt. Mặc dù nền có màu đỏ tươi, không có chi tiết nào biến mất trên nền tương phản này. Những người tham gia vào những bí ẩn được đại diện để tạo ra ảo giác về sự hiện diện của họ trong phòng.
Một tính năng đặc biệt của phong cách thứ hai là các hình ảnh phong cảnh: núi, biển, đồng bằng, được làm sống động bởi nhiều hình tượng con người được thực hiện kỳ cục khác nhau, được thực hiện theo sơ đồ. Không gian ở đây không đóng cửa, nhưng miễn phí. Trong hầu hết các trường hợp, cảnh quan bao gồm hình ảnh của kiến trúc.
Vào thời Cộng hòa La Mã, một bức tranh chân dung bằng giá vẽ rất phổ biến. Ở Pompeii có một bức chân dung của một phụ nữ trẻ với máy tính bảng viết, cũng như hình ảnh của Pompeian Terentius với vợ của ông. Cả hai bức chân dung đều được vẽ theo một cách họa sĩ vừa phải. Chúng được phân biệt bởi sự chuyển giao tốt của nhựa mặt. chân dung sâu sắc.
phong cách thứ ba
Phong cách Pompeian thứ ba (cuối thế kỷ XNUMX trước Công nguyên - đầu thế kỷ XNUMX sau Công nguyên) tương ứng với phong cách trang trí, thay vì trang trí bằng tranh, với mục đích ngăn cách và thay thế các bức tường hoàng gia, có những bức tranh trang trí bức tường mà không phá vỡ mặt phẳng của nó.
Ngược lại, các bức tranh nhấn mạnh mặt phẳng của bức tường, trang trí nó bằng những đồ trang trí tinh tế, trong đó những chiếc cột rất duyên dáng chiếm ưu thế, giống như đèn chùm kim loại. Không phải ngẫu nhiên mà phong cách trang trí thứ ba còn được gọi là “đèn chùm”.
Ngoài lối trang trí kiến trúc nhẹ nhàng này, những bức tranh nhỏ với nội dung thần thoại đã được đặt ở trung tâm của bức tường. Tranh tĩnh vật, tiểu cảnh và cảnh sinh hoạt đời thường được đưa vào trang trí tiểu cảnh một cách tài tình.
Những chiếc vòng hoa lá vẽ trên nền trắng rất đặc trưng. Đồ trang sức bằng hoa sơn, đồ trang trí, cảnh thu nhỏ và tĩnh vật yêu cầu quan sát gần. Bức tranh của phong cách thứ ba nhấn mạnh sự thoải mái và thân mật của căn phòng.
Bảng màu của các nghệ sĩ theo phong cách thứ ba rất thú vị và đa dạng: nền màu đen hoặc tím sẫm, trên đó các bụi cây nhỏ, hoa hoặc chim từng được khắc họa. Ở phần trên, các tấm màu xanh lam, đỏ, vàng, lục hoặc đen xen kẽ được trình bày, trên đó đặt các bức tranh nhỏ, huy chương tròn hoặc các hình riêng lẻ nằm rải rác.
Các nghệ sĩ La Mã đã xây dựng giải pháp Hy Lạp cho các cảnh thần thoại phù hợp với phong cách thịnh hành. Nét mặt nghiêm túc, tư thế điềm tĩnh và cử chỉ điều độ, dáng người đẹp như tượng.
Người ta chú ý nhiều hơn đến một đường viền rõ ràng mô tả rõ ràng các nếp gấp của quần áo. Một ví dụ về phong cách thứ ba là Biệt thự của Cicero ở Pompeii. Phong cảnh mục đồng bình dị đã tồn tại ở Pompeii và Rome. Thường là những bức tranh khổ nhỏ, có phần sơ sài, đôi khi được vẽ bằng một hoặc hai màu.
phong cách thứ tư
Phong cách trang trí thứ tư phát triển vào nửa sau thế kỷ XNUMX. Phong cách thứ tư tinh vi và hoa lệ, kết hợp các công trình kiến trúc đầy hứa hẹn của phong cách thứ hai với trang trí trang trí của phong cách thứ ba.
Phần trang trí của các bức tranh mang đặc điểm của các bố cục kiến trúc tuyệt vời, và các bức tranh nằm ở phần trung tâm của các bức tường có đặc điểm không gian và năng động.
Phạm vi màu sắc thường đa dạng. Cốt truyện của các bức tranh chủ yếu là thần thoại. Vô số các hình chiếu sáng không đều, được mô tả trong chuyển động nhanh, làm tăng thêm ấn tượng về sự rộng rãi. Bức tranh kiểu thứ tư một lần nữa phá vỡ mặt phẳng của bức tường, mở rộng ranh giới của căn phòng.
Các bậc thầy của phong cách thứ tư, tạo ra các bức tranh tường, mô tả trên tường một cánh cổng tráng lệ tuyệt vời của cung điện, hoặc các bức tranh tường thuật, xen kẽ với các "cửa sổ" qua đó có thể nhìn thấy các bộ phận của các cấu trúc kiến trúc khác.
Đôi khi, ở phần trên của bức tường, các nghệ sĩ vẽ các phòng trưng bày và ban công với hình người, như thể đang nhìn vào những người có mặt trong phòng. Đối với bức tranh theo phong cách này, việc lựa chọn loại sơn cũng là một đặc điểm. Đặc biệt tại thời điểm này, chúng đại diện cho các tác phẩm có động hoặc hành động sắc nét
Trong các bức tranh tường ở Pompeii và một tinh thần La Mã thuần túy đã được bảo tồn. Ví dụ, trên Calle de la Abundancia, ở lối vào xưởng của thợ nhuộm Verecundo, trên bức tường bên ngoài có một bức tranh được làm với độ chính xác và cẩn thận, miêu tả tất cả các quy trình của người thợ nhuộm và các trợ lý của anh ta. Một ví dụ của phong cách thứ tư là bức vẽ cung điện của Nero ở Rome (Ngôi nhà vàng), lối trang trí đẹp như tranh vẽ của nó được chỉ đạo bởi nghệ sĩ La Mã Fabullus.
Đó là phong cách xa hoa nhất, kết hợp kiến trúc tuyệt vời và ảo tưởng của phong cách thứ hai, các tấm đá cẩm thạch giả và các yếu tố trang trí của phong cách thứ ba (Nhà của Vettii ở Pompeii, Nhà của Dioscuri). Trong thời kỳ này, có những ví dụ hùng vĩ về kiến trúc với hiệu ứng sân khấu và phong cảnh, tuy nhiên, nó được làm lại và kết hợp các yếu tố được rút ra từ các phong cách trước đó.
Nhiều biệt thự ở Pompeian đã được trang trí theo phong cách này từ khi tái thiết sau trận động đất năm 62 sau Công nguyên Một ví dụ trong số đó là Ngôi nhà của Vettii, được trang trí bằng những cảnh sinh hoạt hàng ngày (ví dụ như cuộc chiến giữa những con gà trống) và trên hết, là những cảnh có một chủ đề thần thoại.
Sự độc đáo của bức tranh tường La Mã thế kỷ II-III
Sau sự biến mất của Pompeii, Herculaneum và Stabiae vào năm 79 SCN Rất khó để lần ra con đường phát triển của hội họa La Mã cổ đại, vì những di tích có niên đại từ thế kỷ II-IV còn rất ít. Chúng ta chắc chắn có thể nói rằng vẽ tranh tường vào thế kỷ thứ XNUMX đã trở nên thịnh hành hơn. Ngược lại với phong cách trang trí thứ tư, nơi tạo ra ảo giác về một không gian rộng lớn, mặt phẳng của bức tường lúc này lại được nhấn mạnh. Bức tường được giải thích một cách tuyến tính bởi các kiến trúc riêng lẻ.
Ngoài việc sơn khi trang trí phòng, các loại đá cẩm thạch khác nhau đã được sử dụng cũng như các bức tranh ghép đặt trên sàn và trên tường. Một ví dụ là bức vẽ biệt thự của Hoàng đế Hadrianus tại Tivoli, gần Rome. Vào cuối thế kỷ XNUMX và nửa đầu thế kỷ XNUMX, kỹ thuật vẽ trang trí được đơn giản hóa hơn nữa.
Mặt phẳng của tường, trần nhà, bề mặt vòm của lăng mộ được chia cắt bởi các sọc sẫm màu thành các hình chữ nhật, hình thang hoặc hình lục giác, bên trong (như trong khung) một đầu nam hoặc nữ, hoặc một mô-típ, được sơn trang trí của thực vật, chim và động vật.
Trong suốt thế kỷ thứ XNUMX, một cách vẽ tranh đã được phát triển, được đặc trưng bởi các nét vẽ chỉ nhấn mạnh vào các tập chính và làm theo hình thức nhựa. Các đường đậm nhạt, mắt, lông mày, mũi rõ ràng. Tóc thường được xử lý hàng loạt. Các số liệu là sơ đồ. Phong cách này trở nên đặc biệt phổ biến khi sơn các hầm mộ của Cơ đốc giáo và lăng mộ La Mã.
Vào cuối thế kỷ thứ XNUMX tranh ghép đặc biệt phổ biến. Các hình khảm được phân biệt bởi độ cứng của các tư thế, đường vẽ của các nếp gấp của quần áo, vị trí của bảng màu và mặt phẳng chung của hình thức. Khuôn mặt của các nhân vật được đại diện thiếu các nét riêng biệt.
Giới quý tộc thường trang trí những bức tường trong biệt thự và nhà riêng của họ và đó là lý do tại sao hầu hết các bằng chứng hình ảnh mà chúng ta có được đều xuất phát từ bối cảnh này. Rất quan trọng đối với hội họa La Mã là ảnh hưởng của Hy Lạp, bắt nguồn từ kiến thức về tác phẩm điêu khắc và hội họa của Hy Lạp, nhưng trên hết là từ sự truyền bá của các họa sĩ Hy Lạp ở La Mã. Từ khối cầu Hy Lạp, hội họa La Mã không chỉ kế thừa các chủ đề trang trí mà còn mang tính tự nhiên và chủ nghĩa hiện thực đại diện.
Chân dung danh dự Fayum
Cùng với bức tranh La Mã và chuông, có bức Chân dung Fayum nổi tiếng (thế kỷ XNUMX trước Công nguyên - thế kỷ XNUMX sau Công nguyên), là một loạt các bảng của Ai Cập tương tự như các bức chân dung được đặt trên người quá cố trong quá trình chôn cất. Các đối tượng được miêu tả sống động, với độ chân thực mạnh mẽ của các khuôn mặt, được thể hiện trực diện và thường trên nền trung tính. Đặc điểm của những chiếc máy tính bảng này là hình ảnh hoạt bát đặc biệt.
Một trường hợp điển hình về sự tích hợp giữa các nền văn hóa khác nhau, nhóm tranh này được gọi là Chân dung Fayum vì nơi chúng được tìm thấy. Có khoảng sáu trăm bức chân dung danh dự, được làm trên các tấm gỗ bằng kỹ thuật encaustic hoặc tempera giữa thế kỷ thứ XNUMX và thứ XNUMX, và được bảo quản trong điều kiện tuyệt vời nhờ khí hậu khô hạn của nơi này. Dân cư sống ở đây có nguồn gốc Hy Lạp và Ai Cập nhưng đã được La Mã hóa mạnh mẽ trong việc sử dụng, điều chỉnh chúng cho phù hợp với truyền thống của riêng mình.
Loại tranh trên bàn này là tranh thật của người đã khuất và là một phần của nghi lễ tang lễ địa phương: chi phí cũng có thể rất cao vì bức chân dung có thể được trang trí bằng vàng lá để bắt chước đồ trang sức và đồ quý giá, nó được đặt ở giữa băng của xác ướp trong vài ngày trong cuộc triển lãm thi thể tại quê nhà trước khi chôn cất.
Nghi thức Ai Cập, Phong tục Hy Lạp nhưng Phong cách La Mã: Cộng đồng này bị ảnh hưởng bởi nghệ thuật La Mã và sao chép các chủ đề và xu hướng của nó; tất cả các bức chân dung đều có nền trung tính, nhưng rất hợp lý trong việc thể hiện các đặc điểm khuôn mặt và các chi tiết của quần áo và kiểu tóc.
Trong tác phẩm này, có những nhân vật lặp lại cũng phổ biến ở Rome: đôi mắt to, cái nhìn cố định và sự đơn giản hóa thể tích (loại bỏ các mặt phẳng đường viền và cơ thể) cũng được tìm thấy trong một số bức chân dung La Mã của thời kỳ Khắc nghiệt và một thời gian ngắn sau đó.
Có thể phân loại như ví dụ đầu tiên về hội họa trong Kinh thánh là các bức tranh của Dura Europos (Syria), có niên đại vào nửa đầu thế kỷ thứ ba. Việc phát minh ra nghệ thuật biểu tượng mới của Cơ đốc giáo được cho thấy ở đây chịu ảnh hưởng lớn của truyền thống biểu tượng Hy Lạp-Do Thái: trên thực tế, phần trích dẫn các hình ảnh minh họa Cơ đốc giáo đầu tiên, trên thực tế, các yếu tố và hình tượng từ các tiết mục của người Do Thái và ngoại giáo, mang lại cho chúng một ý nghĩa tôn giáo mới.
Với mối quan hệ gần gũi về hình tượng và phong cách, người ta tin rằng các nghệ sĩ đã làm việc đồng thời cho các khách hàng là người ngoại giáo và Cơ đốc giáo. Chủ nghĩa hiện thực luôn đặc trưng cho hội họa La Mã đã dần mất đi vào cuối thời cổ đại khi, với sự lan rộng của nghệ thuật cấp tỉnh, các hình thức bắt đầu được đơn giản hóa và thường được tượng trưng hóa.
Đó là sự ra đời của hội họa Cơ đốc giáo thời kỳ đầu, được biết đến trên tất cả thông qua các bức tranh về hầm mộ kết hợp các cảnh trong Kinh thánh, đồ trang trí, các nhân vật từ bối cảnh vẫn còn ngoại giáo và một kho biểu tượng phong phú ám chỉ đến các nhân vật và nội dung Cơ đốc giáo (ví dụ, con cá, The Good Shepherd). Các ví dụ nổi tiếng nhất đến từ các hầm mộ của Priscilla, Callisto và SS. Pietro và Marcellino (Rome).
Khảm La Mã
Ngoài bức tranh khảm Alexander, những cảnh nhỏ hơn, chủ yếu là hình vuông, được cấu tạo từ những viên đá nhiều màu, đã được tìm thấy tại Pompeii và được kết hợp làm trung tâm của các tầng được làm đơn giản hơn. Cái gọi là biểu tượng có niên đại từ thế kỷ XNUMX trước Công nguyên. Các bức tranh khảm Hy Lạp tương tự đã được tìm thấy ở Delos. Những hình ảnh, thường có Bacchus trên một con báo hoặc tĩnh vật làm chủ đề của chúng, giống như tranh vẽ.
Nó khác với sàn màu đen và trắng, xuất hiện ở Ý vào thế kỷ XNUMX trước Công nguyên. Chúng được thực hiện bằng đá cẩm thạch và có các họa tiết hình học, cây và hoa cách điệu, và các hình đại diện đơn giản của con người và động vật làm chủ đề của chúng, và hoàn toàn phù hợp với kiến trúc của chúng chức năng. Bức tranh khảm đen trắng này, đặc trưng của Ý, chỉ thực sự phát triển vào thế kỷ thứ XNUMX sau Công nguyên, đặc biệt là ở Ostia, nơi các tác phẩm lớn của sinh vật biển được tạo ra.
Ở phía tây bắc của đế chế, ban đầu họ tham gia truyền thống đen trắng của Ý, nhưng từ giữa thế kỷ thứ XNUMX sau Công nguyên, người ta bắt đầu sử dụng màu ngày càng nhiều. Sự phân chia thành các bề mặt hình vuông và hình bát giác, trên đó có nhiều hình ảnh khác nhau được sắp xếp, rất phổ biến ở đó.
Nghệ thuật khảm phát triển mạnh mẽ ở Bắc Phi, nơi những cảnh thần thoại và cảnh đời thường được miêu tả bằng nhiều màu sắc trên các tầng (biệt thự Piazza Armerina ở Sicily). Tranh ghép đa sắc cũng được bảo tồn ở Antioch. Vào thế kỷ XNUMX sau Công nguyên, tranh ghép tường chủ yếu được sử dụng ở những nơi ít thích hợp hơn (ví dụ như trên các tòa nhà giếng). Các bức tranh ghép trên tường và vòm từ thế kỷ thứ XNUMX và XNUMX hầu như đã bị thất truyền.
Tranh khảm trên tường chỉ phát triển đầy đủ trong các nhà thờ Thiên chúa giáo (thế kỷ thứ XNUMX). Ngoài khảm, một kỹ thuật gọi là opus sectile cũng được sử dụng, trong đó các hình và họa tiết được tạo thành từ các mảnh lớn được cắt từ các loại đá cẩm thạch khác nhau. Kỹ thuật này không chỉ được sử dụng cho sàn nhà mà còn cho các bức tường.
Sự tò mò
- Theo Pliny, màu sắc được chia thành 'hoa' (minium, armenium, cinnabaris, chrysocolla, indicum và purposorum) phải được khách hàng mua trực tiếp và "khắc khổ", thay vào đó, nghệ sĩ đã đưa vào giá cuối cùng của tác phẩm. và thường bao gồm màu vàng và đỏ đất son, đất và xanh Ai Cập
- Người ta phát hiện ra rằng trong Biệt thự Hoàng gia của Pompeii, các bức tranh trên hành lang, tất cả đều thuộc phong cách thứ ba, đã được phục hồi vài năm trước khi vụ phun trào xảy ra và chỉ XNUMX năm sau khi xây dựng, điều này chứng tỏ giá trị to lớn vốn có của thời cổ đại.
- Thiên nhiên được thể hiện trong hội họa La Mã luôn luôn và chỉ là của những khu vườn: trong tâm lý của thời đó, thiên nhiên tự phát được kết hợp với phong tục man rợ và sự vắng mặt của nền văn minh, những hình ảnh đại diện duy nhất được chấp nhận là động vật hoang dã trong các cảnh săn bắn thần thoại.
- Vào thế kỷ 64 ở Rome, một "hang động" với những bức tường sơn hoàn toàn đã vô tình được phát hiện: đó là Domus Aurea của Hoàng đế Nero. Họa sĩ cung đình Fabullus hoặc Amulius từ năm 68 đến năm XNUMX sau Công nguyên làm việc ở Domus Aurea, vẽ tranh hầu hết các phòng theo phong cách Pompeian thứ tư.
Màu sắc
Màu sắc được tạo ra từ các chất màu có nguồn gốc thực vật hoặc khoáng chất và Vitruvio ở De Architectura nói về tổng cộng XNUMX màu bao gồm hai màu hữu cơ, năm màu tự nhiên và chín màu nhân tạo. Đầu tiên là màu đen, thu được bằng cách nung nhựa với các mảnh gỗ nhựa hoặc bã đậu đốt trong lò và sau đó kết dính với bột mì, và màu tím, có nguồn gốc từ murex, được sử dụng nhiều hơn trong kỹ thuật ủ.
Các màu có nguồn gốc khoáng sản (trắng, vàng, đỏ, xanh lục và các tông màu sẫm) thu được bằng cách gạn hoặc nung. Gạn là một kỹ thuật tách bao gồm tách hai chất từ hỗn hợp rắn-lỏng bằng tác dụng của trọng lực (trong thực tế, chất rắn lắng xuống dưới đáy của một bình chứa cho đến khi tất cả chất lỏng ở trên sạch).
Quá trình nung là một quá trình nung ở nhiệt độ cao được tiếp tục trong thời gian dài để loại bỏ tất cả các chất dễ bay hơi khỏi một hợp chất hóa học và đã được sử dụng từ thời cổ đại để sản xuất bột màu sơn, bao gồm cả cerulean. Chín loại nhân tạo thu được từ chế phẩm với các chất khác nhau và trong số này được sử dụng nhiều nhất là chu sa (đỏ tươi) và cerulean (xanh Ai Cập).
Cinnabar, có nguồn gốc từ kim loại, rất khó thi công và bảo dưỡng (nó sẫm lại khi tiếp xúc với ánh sáng) và rất đắt tiền và được săn lùng nhiều. Nó được nhập khẩu từ các mỏ gần Ephesus ở Tiểu Á và từ Sisapo ở Tây Ban Nha. Cerulean được làm từ cát nitro fleur nghiền nhỏ trộn với mạt sắt ướt được sấy khô và sau đó nung thành viên.
Màu này được nhập khẩu đến Rome bởi một chủ ngân hàng, Vestorius, người đã bán nó với tên Vesterianum và có giá khoảng XNUMX denarii. Luật quy định rằng khách hàng cung cấp màu sắc "hoa mỹ" (đắt nhất) trong khi màu sắc "khắc khổ" (rẻ nhất) được bao gồm trong hợp đồng. Xưởng, có lẽ, được tạo nên bởi một bậc thầy với các trợ lý của ông ta.
Những người thợ thủ công được đánh giá cao này đã trở thành một phần của dụng cụ của cửa hàng, và khi cửa hàng được bán cho các chủ sở hữu khác, họ cũng như các công cụ lao động (mức, dây dọi, hình vuông, v.v.) và công cụ, đã đổi chủ. Công việc của ông bắt đầu vào lúc bình minh và kết thúc vào lúc hoàng hôn, và mặc dù các tác phẩm của ông đã được mọi người đến thăm và chiêm ngưỡng, chúng không được quan tâm.
Dưới đây là một số liên kết quan tâm: