Giữa cuối thế kỷ XNUMX và đầu thế kỷ XNUMX, một nhóm nghệ sĩ tài năng nổi lên ở miền Nam Hà Lan, những người được đặt tên là Hồng hạc nguyên thủy, đã mang lại cho lịch sử nhân loại những đóng góp văn hóa vô tận. Do đó tầm quan trọng của việc có kiến thức về nó, vì vậy hãy ở lại với chúng tôi và thưởng thức bài viết đầy thông tin này.
Hồng hạc nguyên thủy là gì?
Những bức tranh được thực hiện giữa thế kỷ XNUMX và XNUMX bởi một nhóm lớn các nghệ sĩ từ miền nam Hà Lan được gọi là Người nguyên thủy Flemish. Một trong những điểm siêu việt nhất trong lịch sử nghệ thuật là do một thời kỳ như vậy.
Nói cách khác, khi đề cập đến hệ phái này, chúng ta đang nói về mặt lịch sử những bậc thầy của trường phái hội họa Flemish trong những thế kỷ đầu tiên của nó, từ Jan van Eyck vào nửa đầu thế kỷ XNUMX, đến Pieter Brueghel the Elder vào giữa thế kỷ thứ mười lăm. của thế kỷ XNUMX.
Trong nhóm này, bao gồm Dieric Bouts, Hans Memling, Rogier van der Weyden, Jan van Eyck và những người khác, các thành viên của nhóm này chủ yếu sống và làm việc ở các thành phố thịnh vượng tạo nên khu vực, chẳng hạn như: Antwerp, Bruges, Brussels , Ghent và Leuven.
Hội họa Flemish được thành lập bởi nhiều trường phái khác nhau: Italianate và phe phản động trong thế kỷ XNUMX và XNUMX, và nhà nghiên cứu về màu sắc hoặc nhà tự nhiên học của Trường Antwerp, thuộc thế kỷ XNUMX. Hai bức đầu tiên là một phần của nghệ thuật Hà Lan, nổi lên vào thời kỳ Phục hưng châu Âu.
Nói chung, đó là một nhóm nghệ sĩ hơi bị cô lập khỏi cuộc cách mạng Phục hưng và đối với một số người, chẳng hạn như những người thuộc trường phái phản động, chống lại những ảnh hưởng nghệ thuật Italianate sắp tới.
Nhờ sự thành thạo được sinh ra từ phương tiện sơn dầu mới, và tầm nhìn của ông về mặt chi tiết, nghệ thuật tượng hình có thể được đẩy lên một điểm chưa từng thấy trước đây, nơi mà tiến trình lịch sử nghệ thuật đã thay đổi mãi mãi.
Đó chỉ đơn giản là thời kỳ mà hoa hồng không chỉ đến từ các tầng lớp xã hội thượng lưu và các tổ chức tôn giáo thời bấy giờ, mà còn từ những công dân bình thường và các thành phố xa thủ đô. Lần đầu tiên sau nhiều năm, họa sĩ được cấp một vị trí quan trọng trong xã hội.
Vào thời điểm đó, các nghệ sĩ vẫn còn lưu giữ một vài nét nguyên bản của phong cách Gothic, cả về kỹ thuật, chẳng hạn như việc sử dụng bảng điều khiển thay vì vải bạt, hoặc chuyên đề, nói chung là tôn giáo và tâm linh. Tuy nhiên, cũng có sự gia tăng về các kỹ năng chi tiết, như đã đề cập.
Những mối quan tâm này đáng chú ý đã thúc đẩy việc điều tra thực nghiệm và khám phá phối cảnh, cũng như minh oan cho phong cảnh là một chủ đề tranh ảnh, và cải tiến kỹ thuật chân dung, mang lại chiều sâu tâm lý ấn tượng và sự minh oan cho phong cảnh như một chủ đề tranh ảnh.
Ngày nay, bạn vẫn có thể chiêm ngưỡng những di sản nghệ thuật tuyệt vời của Người nguyên thủy Flemish. Ví dụ, ở vùng Flanders, chúng tôi tìm thấy các Bảo tàng Mỹ thuật Hoàng gia quan trọng ở Antwerp và Brussels, và Bảo tàng Groeninge ở Bruges. Tương tự như vậy, Bảo tàng Mỹ thuật Ghent, Leuven M, Mayer van den Bergh và Sint-Janshospitaal cũng nằm ở đó.
Tương tự như vậy, ở Tây Ban Nha, chúng tôi cũng tìm thấy vô số tác phẩm, vì các vị vua của nó là những người rất hâm mộ loại tranh này. Tiền gửi của Museo Nacional del Prado nổi bật cho đến nay, nơi bức tranh của Rogier van der Weyden tài năng, "The Descent from the Cross" (1438), được bảo vệ.
Bối cảnh lịch sử-địa lý của người Flemish nguyên thủy
Thông thường, loại tranh này được nhắc đến với cách diễn đạt Nguyên thủy Flemish, gây ấn tượng rằng nó là một trào lưu nghệ thuật khá thô sơ và đơn giản, chưa bao giờ phát huy hết tiềm năng của nó. Thuật ngữ này bắt nguồn từ khi nghệ thuật thời Phục hưng nói chung được lấy làm điểm tham chiếu, thêm vào đó là thời kỳ Trung cổ được coi là thời kỳ tăm tối trong một thời gian dài.
Tất nhiên, không có gì có thể xa hơn sự thật, bởi vì khi ngôi trường tráng lệ này nổi lên, hội họa ở Hà Lan đã có một lịch sử sâu rộng và vững chắc đằng sau nó, bao gồm những khoảnh khắc đặc biệt với các phong cách như Romanesque và International Gothic.
Mặt khác, nó vẫn được gọi là "Flemish", mặc dù thực tế là Vùng Flemish của Bỉ, hay còn được gọi là Flanders, chỉ là, một khu vực nhỏ của Hà Lan. Điều này là do trong suốt thế kỷ XNUMX, có những hoàn cảnh khá thuận lợi đã ảnh hưởng đến việc hình thành một trường phái hội họa siêu việt ở vùng tây bắc châu Âu này.
Sự thịnh vượng kinh tế là đáng chú ý ở Flanders, điều này gắn liền với ngành công nghiệp và thương mại vải, do đó, đã tạo ra một sự phát triển đô thị đặc biệt từ sự gia tăng ngày càng tăng của giai cấp tư sản.
Thời kỳ hoàng kim của toàn bộ xã hội và các giá trị tư sản là yếu tố quyết định sự phát triển mạnh mẽ của một tâm hồn mới và khả năng cảm thụ nghệ thuật. Mắt, nhưng người không bao giờ từ bỏ, đối với phần còn lại, sự tôn sùng sâu sắc của anh ta.
Vào thời điểm đó, các thành phố nổi tiếng nhất trong lãnh thổ là Ghent, Bruges và Ypres, mỗi thành phố tạo thành các nút liên kết giữa các mạng lưới thương mại có nhiệm vụ thống nhất Bắc Âu với phần còn lại của phương Tây. Khu vực Said là một phần của Công quốc Burgundy, với những người cai trị đã đóng vai trò bảo trợ cho nghệ thuật Gothic.
Thêm vào đó, nó có mật độ dân số cao, một trong những mật độ dân số cao nhất ở châu Âu, mức độ tập trung đô thị cũng cao hơn mức trung bình của châu Âu. Trong đó có một số thành phố nổi bật với sự giàu có lớn, các thương nhân quan trọng và nhiều nghệ nhân.
Trên thực tế, đó là sự gắn kết nội bộ của xã hội, nó được dự báo rất nhanh chóng vào một cuộc sống hòa bình và có tổ chức. Xã hội bị thống trị bởi các tầng lớp dân sự: thương gia, nhà sản xuất, chủ ngân hàng, v.v.
Thêm vào đó là thực tế rằng, vào khoảng năm 1380, do hậu quả của Chiến tranh Trăm năm, Paris không còn được coi là thủ đô nghệ thuật của thế giới như cho đến thời điểm đó. Do đó, các nhóm xã hội từng di cư bắt đầu ở lại đất nước của họ và làm việc cho giai cấp tư sản và các thương nhân lớn của lục địa.
Điều này được nhìn thấy nhiều hơn bất cứ điều gì khác trong xã hội Tây Ban Nha và Ý ngày càng đánh giá cao nghệ thuật của họ. Tất cả các tác phẩm đều phục vụ công chúng tư sản, rất nhạy cảm và giàu văn hóa, được tham gia bởi Giáo hội Công giáo và hàng trăm nghệ sĩ bảo trợ.
Khách hàng đã rất lo lắng khi có thể quan sát sự phản chiếu của khuôn mặt và thế giới của họ trong những bức tranh mà họ đặt hàng thực hiện. Ngoài ra, sự phát triển đô thị đã tạo điều kiện cho việc thành lập các trường đại học đầu tiên, cùng với việc phát minh ra báo in, đã trở thành một nguồn truyền bá và sáng tạo văn hóa có giá trị.
Trong thời kỳ đó, tính thực dụng ngày càng được coi trọng, thậm chí tôn giáo còn mang ý nghĩa thực dụng. Đó là lý do tại sao nó được gọi là thời kỳ hoàn toàn thực tế. Từ năm 1420, quan niệm rằng thần linh hiện thân trong mọi vật nhỏ, đã làm cho các hình tượng trưng có được tính siêu việt cao hơn.
Cả thực tế hữu hình và hữu hình đều trở nên phổ biến hơn. Các đối tượng không còn là yếu tố phụ mà trở thành nhân vật chính. Khi điều này xảy ra, tại thành phố Tournai có một họa sĩ gốc Flemish nguyên thủy, Robert Campin.
Đồng thời, thủ phủ của tỉnh East Flanders, Ghent, chứng kiến Hubert van Eyck lớn lên cùng em trai của mình, và Jan van Eyck được công nhận nhiều hơn. Các nghiên cứu lịch sử khẳng định rằng ba người là đại diện vĩ đại nhất của cuộc cách mạng hội họa.
Mỗi người theo cách riêng của mình đã hoàn thiện việc sử dụng dầu với những hậu quả nổi bật về kết quả cuối cùng, sử dụng màu sắc có chất lượng tuyệt vời, thu được hiệu ứng đáng kinh ngạc với men, v.v. Khi bước sang thế kỷ, từ XV đến XVI, tất cả các nghệ sĩ bắt đầu quan niệm những ảnh hưởng của thời kỳ Phục hưng Ý.
Trong thế kỷ này, cụ thể là vào năm 1477, công quốc được đánh giá cao về mức độ phù hợp kinh tế của nó, đã trở thành vương miện của Áo Habsburg. Nhà Habsburg đã có một chi nhánh Tây Ban Nha từ thời Carlos I của Tây Ban Nha, triều đại Habsburg.
Bởi vì điều này, nghệ thuật thời Phục hưng và Baroque của Tây Ban Nha có mối quan hệ chặt chẽ với các hình thức Flemish. Tuy nhiên, bất chấp sự chấp nhận của thời kỳ Phục hưng tiến bộ, các họa sĩ vẫn trung thành với sự phong phú của truyền thống, vì nó là một cái gì đó vẫn còn sống và có khả năng sáng tạo.
Có rất ít người không từ bỏ kỹ năng điêu luyện, sở thích chi tiết, hiện thực trong chân dung và phong cảnh chủ yếu là nhân vật chính trong các tác phẩm của mình. Các bức chân dung, các bức tranh nhóm và bầu không khí costumbrista cùng tồn tại với các chủ đề tôn giáo mà không có vấn đề gì.
Đặc tính kỹ thuật của hồng hạc nguyên thủy
Nhìn chung, tranh Flemish chưa có tiền lệ về các khổ lớn, ngoại trừ kính màu. Tuy nhiên, nó có trong các bức tranh thu nhỏ, trên đó nó có một truyền thống sâu rộng về chất lượng phi thường.
Kết quả là, một số đặc điểm của nghệ thuật Flemish đã được xác định, chẳng hạn như việc sử dụng các màu sắc rất nổi bật để gợi nhớ các sắc tố được sử dụng trong ánh sáng của các tiểu cảnh. Việc áp dụng chi tiết vào các kiệt tác nhỏ cũng được thêm vào, chúng truyền tải đến các bức tranh khổ lớn khác nhau.
Tính năng này phần lớn ủng hộ sự tiến bộ kỹ thuật so với dầu, loại dầu đã được phát hiện, nhưng vẫn có quá trình làm khô cực kỳ chậm và không mang lại nhiều tính thực tế.
Vì lý do này, cần phải nhấn mạnh rằng các họa sĩ Flemish nguyên thủy của thế kỷ XNUMX đã không phát minh ra kỹ thuật sơn dầu mà chỉ là họ chịu trách nhiệm áp dụng nó một cách có hệ thống, điều này đã góp phần củng cố và phổ biến nó trong thế kỷ này và thế kỷ sau.
Để làm được điều này, người ta đã sử dụng mực lỏng và mực trong suốt, dùng tráng men để thu được ánh sáng, bóng mờ tinh tế và sắc thái của màu nền. Các họa sĩ của vùng này đã sử dụng một kỹ thuật pha trộn giữa tempera và dầu.
Lớp đầu tiên được sử dụng là tempera, để xác định bản vẽ và mô hình bằng ánh sáng của nó, cũng như một dấu hiệu nhỏ về màu sắc. Lớp tiếp theo, lớp dầu, có chức năng chính là người nghệ sĩ chỉ dành riêng cho việc thể hiện hiệu ứng màu sắc.
Mặc dù thực tế là ở các khu vực khác như Venice, việc sử dụng vải bạt dần trở nên phổ biến, nhưng bảng điều khiển vẫn luôn được bảo tồn như vật hỗ trợ chính, mà trong suốt thời kỳ Hậu Trung Cổ, nó là vật quan trọng nhất. Một dấu hiệu rõ ràng về sự kết hợp mật thiết mà khái niệm nghệ sĩ và thợ thủ công vẫn còn tồn tại vào thời điểm đó.
Mối quan hệ giữa Trường phái Flemish và thời kỳ Phục hưng
Trường phái hội họa thời Phục hưng Flemish thường được các học giả và nhà phê bình nghệ thuật gọi là “Ars Nova”, được dịch trong tiếng Tây Ban Nha là Arte Nueva. Tuy nhiên, không nên nhầm tên như vậy với tên âm nhạc của nó.
Tên của nó xuất phát từ một tiến bộ kỹ thuật và thủ công không liên quan gì đến đặc tính trí tuệ và phản chiếu của những cách tiếp cận đầu tiên đối với thời kỳ Phục hưng, xảy ra song song ở vùng Tuscany.
Các nghệ sĩ của Trường phái Flemish không lấy Cổ điển Cổ điển làm hình mẫu phục hồi, không lúc nào khái niệm thủ công về thương mại được đặt lên bàn ăn. Những người này, ngoài việc thực hiện công việc cho triều đình, còn có các khách hàng là một phần của giai cấp tư sản và các thương gia cư trú tại các thành phố có ảnh hưởng.
Những người tiền nhiệm chính của ông không có xu hướng lý thuyết hóa về những phát hiện khác nhau của họ, hoặc về tính cách của họ, như những người cùng thời ở Ý đã từng làm. Tương tự như vậy, công việc vẫn tiếp tục trong một số thông số nhất định vào cuối thời trung cổ, ngoại trừ một số họa sĩ như Jan van Eyck.
van Eyck, cùng với các đồng nghiệp khác, bắt đầu có nhận thức rõ ràng hơn nhiều về nghệ thuật cụ thể của họ và tạo ra xu hướng ký tác phẩm. Vào thời điểm đó, không có chuyên luận về hội họa Flemish, cũng như tiểu sử của những người khai sinh chính của nó.
Sự thiếu trau chuốt về mặt lý thuyết nói trên có thể đến từ một ơn gọi thuần túy thuộc linh. Trong khi các tác giả người Ý cố gắng đổi mới tất cả kiến thức về thế giới thông qua sự đo lường của con người, sử dụng khoa học và lý trí, thì đối với người Flemish nguyên thủy, điều đó là đủ để sống khi đối mặt với một thử nghiệm tôn giáo đáng chú ý về cái nhìn thấy được.
Tạo nên góc nhìn của loài hồng hạc nguyên thủy
Theo cùng thứ tự ý tưởng này, thực hiện so sánh đúng giờ giữa Người Ý và người Flemish, cần lưu ý rằng cả hai đều phát hiện đồng thời phối cảnh tuyến tính và phối cảnh trên không, chỉ là phối cảnh sau theo cách thực nghiệm và không tuân theo sự phát triển toán học hoặc quang học. cụ thể.
Nói chung, quá trình bắc cầu từ chủ nghĩa thuyết sang quan điểm tuyến tính của Quattrocento diễn ra khá chậm, là những thế kỷ cuối của thời Trung cổ, trong đó nhiều thử nghiệm, thử nghiệm và thử nghiệm không chính xác đã được thực hiện, với mục tiêu chính là phá vỡ kế hoạch. hình ảnh và quay trở lại chiều thứ ba.
Trong số những nỗ lực khác nhau này là hệ thống biểu diễn sử dụng phép chiếu song song xiên, được gọi là "Phối cảnh hiệp sĩ" hoặc "Chế độ xem mắt chim", về cơ bản bao gồm đại diện cho các cảnh trong đó có vẻ như họa sĩ đang ở một điểm nhìn trên cao, giống như một người đang cưỡi một con ngựa.
Bằng cách này, các đối tượng được cho là gần người xem nhất được đặt ở phần dưới của bố cục ở tiền cảnh, từ đó mọi thứ khác được xếp chồng lên nhau theo chiều dọc vì chúng được cho là ở xa hơn, do đó thu nhỏ bức tranh đến điểm cao nhất nơi đường chân trời thường được vẽ.
Từ đó, gợi ý về chiều không gian thứ ba bắt đầu rất rụt rè, với sự phục hồi của bức tranh về thế giới tự nhiên. Những luận đề về «quan điểm của quý ông» này đã trở nên khái quát trong thời kỳ hội họa Gothic, mà tên gọi Quốc tế hoặc Tòa án Gothic được gán cho.
Mỗi kỹ thuật này cung cấp một đại diện rõ ràng theo chủ nghĩa tự nhiên của thế giới, bão hòa với các biểu tượng tâm linh. Đến thế kỷ XNUMX, cả hai họa sĩ người Đức và Flemish đã thử nghiệm sử dụng tất cả các loại hệ thống phối cảnh, kết hợp với các phương pháp thực nghiệm như gương cầu lồi, được van Eyck sử dụng trong tác phẩm "Cuộc hôn nhân của Arnolfini".
Do đó, chúng được biểu diễn dưới dạng một góc rộng bao phủ một không gian lớn hơn nhiều. Một trong những văn bản lý thuyết biên soạn các hệ thống phối cảnh Bắc Âu là "Phối cảnh De Artificiali" của Jean Pelegrin, được gọi là Viator và được coi là tác phẩm tương đương với Luận thuyết của Alberti về hội họa thời Phục hưng.
Ngoài ra, còn có bộ sưu tập các hệ thống khác như "phối cảnh Cornuta", thường được gọi là phối cảnh góc hoặc xiên, có chức năng là một quy trình được các họa sĩ Flemish nguyên thủy sử dụng trong phần lớn thế kỷ XNUMX.
Tuy nhiên, cách biểu diễn khơi dậy sự quan tâm nhất trong luận thuyết này là cách xử lý hệ thống với một điểm khoảng cách, rất giống với phối cảnh tuyến tính của Albertian, ngoại trừ nó, với một công thức đơn giản hơn với việc thực hiện dễ dàng và rõ ràng, và nó tiền thu được bằng cách giả định thực hành của các xưởng sơn Bắc Âu.
Không giống như các bức tranh thời Phục hưng của Ý, nơi ánh sáng chịu trách nhiệm làm cho các vật thể và kiến trúc có thể nhìn thấy được trong nỗ lực làm nổi bật các giá trị thể tích, trong quan điểm hội họa Flemish gần với tầm nhìn tự nhiên hơn.
Trong đó, không khí có thể sờ thấy một cách nhạy cảm, như thể nó là một thực tại riêng lẻ và một yếu tố nữa có trong thành phần. Tương tự như vậy, các nghệ sĩ chọn sử dụng chuyển màu theo hướng xám xanh hơn một chút cho các vật thể ở xa, như Leonardo da Vinci đã làm trong nghiên cứu của mình về phối cảnh trên không.
Chuyên đề
Cũng như trong các giai đoạn trước, các chủ đề tôn giáo rất được ưa chuộng trong giai đoạn này, trong đó có thể đề cập đến vô số bản tái hiện các đoạn Kinh thánh hoặc các tài liệu tham khảo về cuộc đời của các vị thánh hoặc thánh nhân.
Một số nghệ sĩ như Bosch hay Brueghel the Elder, phụ trách việc vẽ những bức tranh minh họa tội lỗi và hậu quả tương ứng của họ. Tương tự, đây cũng có thể được coi là những quan niệm triết học đơn giản về thế giới dựa trên nhiều niềm tin hoặc những câu nói phổ biến.
Để hiện thực hóa những sáng tạo tuyệt vời này, chúng đã được trợ giúp bởi vô số yếu tố và bố cục tưởng tượng có thể truyền tải thông điệp thông qua một ngôn ngữ tinh vi và mang tính biểu tượng cao. Tuy nhiên, việc sử dụng nó khá phù hợp, nếu tính đến đối tượng cuối cùng của nó là tầng lớp tư sản trong khu vực và các tổ chức tôn giáo.
sự minh oan của cảnh quan
Trong các bức tranh của Flemish, bạn có thể thấy sự quan tâm đến tất cả mọi thứ, bởi vì với độ chính xác và sự cẩn thận giống như một đặc điểm của con người được vẽ, một con vật, một đồ vật và thậm chí cả cây cối được vẽ. Điều khá đáng chú ý là làm thế nào mà cảnh quan có được tầm quan trọng lớn hơn vào thời điểm đó.
Bằng cách này, các nghệ sĩ Flemish nguyên thủy đã phản ánh một cách trung thực môi trường là một phần của môi trường xung quanh họ, chỉ là nó mang lại một đặc tính biểu tượng nhất định cho chủ nghĩa hiện thực đó. Do đó, nó góp phần vào ý nghĩa ngụ ngôn của màu sắc được sử dụng và nhiều đối tượng phụ được mô tả.
Những gì theo phong cách Gothic thông thường, nền vàng và trung tính, biến mất hoàn toàn và được thay thế bằng tất cả các loại cảnh quan tự nhiên. Ánh sáng không còn thất thường và mỗi vật thể bắt đầu có bóng cụ thể của riêng nó, giống như mỗi phòng đều có khung chiếu sáng, mỗi cảnh quan đều có tông màu an toàn và mỗi yếu tố đều có chất lượng đúng giờ.
Tóm lại, mọi bức tranh của Flemish luôn đề cập đến phong cảnh theo cách này hay cách khác, qua cửa sổ hoặc bởi vì nó chắc chắn diễn ra ngoài trời. Những cảnh quan này được tạo ra mà không có dấu hiệu của tự nhiên, vì vậy các yếu tố của chúng rất rập khuôn.
Với điểm này, chúng ta có thể đề cập đến hình dạng của những tảng đá, lởm chởm và không có thảm thực vật, những thành phố nằm ở phía xa, cao chót vót và nhiều màu sắc, những cái cây có hình dáng giống như một chiếc lông vũ, có thân mỏng và dài, trong số những thành phố khác. Các ký tự được phân bố một cách cân bằng, ở trung tâm nếu chỉ có một và đối xứng nếu có nhiều.
Các hành động thường nhằm mục đích hạn chế và hiếm khi được phép di chuyển. Mặc dù những người tham gia có thể chia sẻ với nhau, nhưng họ không bao giờ được phép lấy cắp sự chú ý từ nhân vật chính, phong cảnh.
Nhìn chung, các tác phẩm được làm ở định dạng nhỏ bằng cách sử dụng tấm bảng làm giá đỡ, vì chúng được hình thành nằm bên trong các dinh thự của tư sản và quý tộc lớn, nội thất trong nhà rất dễ dàng khiến bức tranh phản ánh một lòng mộ đạo thân mật và tư sản.
Ngoài ra, các tấm ván thường bao gồm ba tấm, do đó chúng có tên là Triptych, hai mặt có bản lề và đóng trên đầu tấm chính giữa. Về phần mình, mặt ngoài thường được sơn với tông màu xám và sử dụng kỹ thuật grisaille để tạo ra cảm giác như một bức phù điêu điêu khắc.
Bức chân dung
Cần lưu ý rằng Flanders được ghi nhận với danh hiệu là một trong những vùng đi đầu về khả năng làm chân dung với sự thâm nhập tâm lý của người mẫu. Những bức chân dung Flemish truyền thống, sau này được nhiều người áp dụng với thành công vang dội ở Tây Ban Nha, là những bức ảnh chụp nhân vật chính của họ trong một cảnh quay trung bình.
Tuy nhiên, nó không được biết đến từ trước, mà là với một độ cong nhẹ tự bật lên, luôn trên nền trung tính có màu tối và kết hợp khuôn mặt và bàn tay với một số vật tượng trưng.
Thực tế là nhân vật được miêu tả hơi xoay hỗ trợ sự tham gia hoàn toàn vào không gian, do đó, việc thể hiện không được thực hiện thông qua các thủ thuật của đồ nội thất hoặc nền kiến trúc. Chỉ với sự hiện diện của một nhân vật trang trọng, trên một phông nền đã mất, sự tồn tại của khối lượng và không gian bị chiếm đóng mới là điều ẩn ý.
Với thời gian trôi qua, vào thế kỷ XNUMX, tại trường học Antwerp, khi thành phố trở thành pháo đài nghệ thuật của Flemish Baroque, loại chân dung này đã phát triển đến đỉnh cao vinh quang theo phong cách tự nhiên và đầy màu sắc hơn nhiều.
Số mũ chính
Trước khi thành lập Tổ chức nguyên thủy Flemish, đã có những người đi trước nhất định như người thầy tài ba Melchior Broederlam, và các Anh em Limbourg, Anh em, Paul và Johan. Tuy nhiên, những nghệ sĩ đầu tiên nắm bắt được những đổi mới này trong một bức tranh là Robert Campin, Jan và Hubert van Eyck.
Đây được coi là những người chính thức sáng lập ra trường phái Flemish nguyên thủy vào đầu thế kỷ XNUMX. Chúng ta có thể kể đến những tác phẩm quan trọng nhất của ông là "Triptych of the An Communications", "The Mass of Saint Gregory", "Seilern Triptych", "Virgin of Canon Van der Paele và Virgin of Chancellor Rolin", "Portrait of the Arnolfini Marriage" , trong số những người khác.
Như ông đã đề cập, ở đó nền vàng đã bị loại bỏ và kỹ thuật và sơn dầu bắt đầu được sử dụng làm chất liệu chính cho hình ảnh. Tương tự như vậy, phương thức vẽ giá vẽ được tạo ra theo khái niệm hiện đại của nó, để nó được hình thành để có thể nhìn thấy gần.
Hóa đơn của ông cực kỳ tỉ mỉ và chi tiết, với một nhân vật góp phần quan trọng vào sự phát triển mãnh liệt có được nhờ việc thu nhỏ các mã trong triều đình của Công tước Burgundy, để làm ví dụ, những tiểu bang này thuộc về ai trong thế kỷ này.
Điều cần thiết phải nhấn mạnh rằng, khi sử dụng một kỹ thuật tỉ mỉ như vậy, một ý thức quan sát tốt đã được đánh dấu và do đó, một khuynh hướng tự nhiên cố hữu, đó là lý do tại sao một sự hoàn hảo đã đạt được rất khó vượt qua liên quan đến việc giải thích. chất lượng của vải, đồ kim hoàn (kim loại, thủy tinh, da, v.v.) và trong các thể loại như chân dung và phong cảnh.
Thêm vào đó, trong số các họa sĩ đã làm việc trong phần ba thứ hai của thế kỷ XNUMX và đã giúp cụ thể hóa nhiều đặc điểm của Trường Flemish, chúng tôi tìm thấy Rogier van der Weyden nổi bật, còn được gọi đơn giản là Rogier de la Pasture.
Người Bỉ này đã thực hiện những bức tranh rất quan trọng và hùng vĩ như "Dòng chảy từ thập tự giá", "Diptych của Felipe de Croÿ với Trinh nữ và Đứa trẻ", "Sự than khóc và chôn cất của Chúa", "Madonna Medici", "Polyptych của sự phán xét cuối cùng ”,“ San Lucas vẽ Đức mẹ đồng trinh ”và nhiều bức khác.
Vào cuối thế kỷ và đầu thế kỷ XNUMX, các nghệ sĩ Flemish nguyên thủy khác đã nổi bật, những người đã quản lý để đánh giá và làm nổi bật một số tính năng đặc trưng trong tác phẩm của họ, chẳng hạn như phong cảnh. Do đó, theo một cách nào đó, các hình thức và bố cục đã được tạo ra trong quá khứ được lặp lại.
Điểm này có thể được quan sát thấy trong nghệ thuật của Hans Memling và Gerard David, mặc dù cũng có một số người tránh xu hướng này với mong muốn rõ ràng là thể hiện sự độc đáo của chúng, như Bosch đã làm. Trong suốt thế kỷ này, ở đỉnh cao của thời kỳ Phục hưng, tác phẩm của Pieter Bruegel the Elder và Joachim Patinir đã trở nên nổi bật.
Những đóng góp to lớn cho hội họa Flemish còn được thực hiện bởi Hugo van der Goes, Petrus Christus, Dieric Bouts, Ambrosius Benson và Pieter Coecke. Đối với Pháp, Jean Fouquet, Enguerrand Quarton, Nicolas Froment và Master of Moulins. Đối với Đức, Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein the Elder và Michael Wolgemut. Bồ Đào Nha chỉ có sự đóng góp của Nuno Gonçalves.
Trong trường hợp của Tây Ban Nha, các nghệ sĩ được chia theo vương miện của họ. Người đến từ Aragon với Luis Dalmau, Jaume Huguet, Jaume Vergós, Rafael Vergós, Pau Vergós, Jacomart, Joan Reixach, Bertomeu Baró, Pere Nisart và Bartolomé Bermejo. Và đó là của Castile với Jorge Inglés, Bậc thầy của Sopetrán, Juan Rodríguez de Segovia, Sancho de Zamora, Bậc thầy của Quân chủ Công giáo, trong số những người khác.
Nếu bài viết này phù hợp với sở thích của bạn, đừng rời đi mà không đọc trước: