Đặc điểm của nghệ thuật Nhật Bản, sự tiến hóa, các loại hình và hơn thế nữa

Là một nền văn hóa lâu đời, Nhật Bản đã thể hiện nghệ thuật của mình trong ngần ấy năm, hãy cùng chúng tôi tìm hiểu qua bài viết thú vị này, tất tần tật về cổ Nghệ thuật Nhật Bản, được phát triển theo thời gian với nhiều thời kỳ và phong cách khác nhau. Đừng bỏ lỡ!

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Nghệ thuật Nhật Bản

Khi nói về nghệ thuật Nhật Bản, chúng ta đang nói về những gì đã được nền văn minh này thông báo theo thời gian trong nhiều giai đoạn và phong cách khác nhau, những thứ tạm thời không theo sự phát triển xã hội và văn hóa của người Nhật.

Những thay đổi mà nghệ thuật đang trải qua ở Nhật Bản là hậu quả của sự phát triển công nghệ của nó, nơi chúng ta có thể nhận ra việc sử dụng nguyên liệu thô của đất nước trong các biểu hiện nghệ thuật của nó. Cũng như cái gọi là nghệ thuật phương Tây, những biểu hiện tiêu biểu nhất của nó đều bị ảnh hưởng bởi tôn giáo và quyền lực chính trị.

Một trong những đặc điểm chính của nghệ thuật Nhật Bản là chủ nghĩa chiết trung của nó, đến từ các dân tộc và nền văn hóa khác nhau đã đến bờ của nó theo thời gian: những người định cư đầu tiên định cư ở Nhật Bản - được gọi là Ainu - thuộc về một nhánh Bắc Caucasian và Đông Á, có lẽ đến khi Nhật Bản vẫn còn gắn liền với đất liền.

Nguồn gốc của những người định cư này là không chắc chắn, và các nhà sử học xem xét các giả thuyết khác nhau, từ một chủng tộc Ural-Altaic đến một nguồn gốc Indonesia hoặc Mông Cổ. Trong mọi trường hợp, văn hóa của họ dường như tương ứng với Đồ đá cũ hoặc Lưỡng Hà Thượng.

Sau đó, nhiều nhóm khác nhau của chủng tộc Mã Lai từ Đông Nam Á hoặc quần đảo Thái Bình Dương đã đến bờ biển Nhật Bản, cũng như ở Hàn Quốc và các vùng khác nhau của Trung Quốc, dần dần du nhập từ phía nam, thay thế người Ainu. ở phía bắc Nhật Bản, trong khi trong một làn sóng sau đó, nhiều nhóm dân tộc khác nhau từ Trung Quốc và Hàn Quốc đã đến Nhật Bản.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Đối với sự pha trộn chủng tộc này, cần phải thêm vào ảnh hưởng của các nền văn hóa khác: do sự khác biệt của nó, Nhật Bản đã bị cô lập trong phần lớn lịch sử của mình, nhưng đôi khi nó đã bị ảnh hưởng bởi các nền văn minh đại lục, đặc biệt là Trung Quốc và Triều Tiên, đặc biệt là từ thế kỷ V.

Do đó, nền văn hóa tổ tiên của người Nhật xuất hiện từ những cuộc di cư liên tiếp đã tạo thêm ảnh hưởng từ nước ngoài, tạo nên một nghệ thuật chiết trung mở ra cho sự đổi mới và tiến bộ về phong cách.

Cũng rất thú vị khi lưu ý rằng phần lớn nghệ thuật được sản xuất ở Nhật Bản dựa trên tôn giáo: với tôn giáo Shinto điển hình của khu vực, được hình thành vào khoảng thế kỷ XNUMX, Phật giáo được thêm vào khoảng thế kỷ XNUMX, tạo nên một sự kết hợp tôn giáo vẫn tồn tại cho đến ngày nay. cũng đã để lại sự phản ánh của nó trong nghệ thuật.

Nghệ thuật Nhật Bản là kết quả của những nền văn hóa và truyền thống khác nhau này, diễn giải theo cách riêng của nó các loại hình nghệ thuật du nhập từ các quốc gia khác, mà nó đạt được theo quan niệm của mình về cuộc sống và nghệ thuật, thực hiện những thay đổi và đơn giản hóa các đặc điểm cụ thể của nó.

Giống như những ngôi chùa Phật giáo công phu của Trung Quốc, ở Nhật Bản đã trải qua một quá trình biến thái khi phải từ bỏ một số yếu tố nghệ thuật của họ và kết hợp chúng với những người khác, điều này thể hiện tính cách kết hợp của nghệ thuật này, vì vậy nó luôn tự nhiên lấy một thứ gì đó từ nền văn hóa khác. của các quốc gia khác.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Nghệ thuật Nhật Bản trong văn hóa Nhật Bản mang một ý nghĩa thiền định tuyệt vời và mối quan hệ qua lại giữa con người và thiên nhiên, cũng được thể hiện trong các vật thể xung quanh nó, từ những thứ trang trí công phu và nhấn mạnh đến những gì đơn giản và thường ngày nhất.

Điều này có thể nhìn thấy ở giá trị được trao cho sự không hoàn hảo, bản chất phù du của mọi thứ, ý thức nhân đạo mà người Nhật thiết lập với môi trường của họ. Cũng như trong trà đạo, họ coi trọng sự tĩnh lặng và yên bình của trạng thái chiêm nghiệm này mà họ đạt được bằng một nghi lễ đơn giản, dựa trên các thành phần đơn giản và sự hài hòa của một không gian không đối xứng và chưa hoàn thiện.

Đối với họ, hòa bình và cân bằng gắn liền với sự ấm áp và thoải mái, những phẩm chất này phản ánh chân thực quan niệm về cái đẹp của họ. Ngay cả trong bữa ăn, vấn đề không phải là số lượng thức ăn hay cách trình bày, mà là cảm nhận về thức ăn và ý nghĩa thẩm mỹ mà nó mang lại cho bất kỳ hành động nào.

Tương tự như vậy, các nghệ sĩ và thợ thủ công của đất nước này có mối liên hệ cao độ với công việc của họ, cảm nhận các vật liệu như một phần thiết yếu của cuộc sống và giao tiếp của họ với môi trường xung quanh.

Nền tảng của nghệ thuật Nhật Bản

Nghệ thuật Nhật Bản, giống như phần còn lại của triết học - hoặc đơn giản là cách nhìn cuộc sống - phụ thuộc vào trực giác, thiếu tính hợp lý, biểu hiện cảm xúc và sự đơn giản của hành động và suy nghĩ. thường được thể hiện một cách tượng trưng.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Hai trong số những đặc điểm nổi bật của nghệ thuật Nhật Bản là sự đơn giản và tự nhiên: các biểu hiện nghệ thuật là sự phản ánh của tự nhiên, vì vậy chúng không đòi hỏi sản xuất công phu, tất cả điều này dẫn đến thực tế rằng những gì nghệ sĩ muốn là những gì được phác thảo, gợi ý, sẽ được giải mã sau đó. bởi người xem.

Sự đơn giản này đã gây ra trong hội họa xu hướng vẽ tuyến tính, không có phối cảnh, với vô số không gian trống, tuy nhiên lại kết hợp hài hòa vào tổng thể. Trong kiến ​​trúc, nó hiện thực hóa trong các thiết kế tuyến tính, với các mặt phẳng không đối xứng, kết hợp giữa các yếu tố động và tĩnh.

Đổi lại, sự đơn giản này trong nghệ thuật Nhật Bản được liên kết với sự đơn giản bẩm sinh trong mối quan hệ giữa nghệ thuật và thiên nhiên, đó là một phần của phong cách riêng của họ, được phản ánh trong cuộc sống của họ, và họ trải nghiệm nó với một cảm giác tinh tế của u sầu, gần như là nỗi buồn.

Cách các mùa trôi qua mang lại cho chúng cảm giác thoáng qua, nơi bạn có thể thấy sự tiến hóa tồn tại trong tự nhiên do bản chất phù du của cuộc sống. Sự đơn giản này được phản ánh trên tất cả trong kiến ​​trúc, nó kết hợp hài hòa với môi trường xung quanh nó, thể hiện qua việc sử dụng các vật liệu tự nhiên, không có công trình, cho thấy vẻ ngoài thô ráp, chưa hoàn thiện của nó. Ở Nhật Bản, thiên nhiên, cuộc sống và nghệ thuật gắn bó chặt chẽ với nhau, và thành tựu nghệ thuật là biểu tượng của toàn thể vũ trụ.

Nghệ thuật Nhật Bản hướng tới sự hài hòa phổ quát, vượt ra ngoài vật chất để tìm ra nguyên lý tạo ra sự sống. Trang trí Nhật Bản tìm kiếm ý nghĩa cuộc sống thông qua nghệ thuật: Vẻ đẹp của nghệ thuật Nhật Bản đồng nghĩa với sự hài hòa, sáng tạo; nó là một thôi thúc thi ca, một con đường cảm thụ dẫn đến việc nhận thức tác phẩm, tự nó không có hồi kết mà còn vượt ra ngoài.

Cái mà chúng ta gọi là cái đẹp là một phạm trù triết học dùng để chỉ chúng ta về sự tồn tại: nó nằm trong việc đạt tới ý nghĩa với cái toàn thể. Như Suzuki Daisetsu đã bày tỏ: "vẻ đẹp không nằm ở hình thức bên ngoài, mà ở ý nghĩa mà nó được thể hiện."

Nghệ thuật không bắt đầu với đặc điểm cảm tính của nó, mà bằng những thuộc tính gợi hình của nó; Nó không cần phải chính xác, nhưng hãy thể hiện một món quà dẫn đến sự trọn vẹn. Nó nhằm mục đích nắm bắt những điều cốt yếu thông qua phần đó, điều này gợi ý toàn bộ: khoảng trống là một phần bổ sung cho tiếng Nhật hiện có.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Trong tư tưởng phương Đông, có sự thống nhất giữa vật chất và tinh thần, thể hiện ưu thế trong chiêm nghiệm và giao cảm với tự nhiên, thông qua sự tuân thủ nội tâm, trực giác. Nghệ thuật Nhật Bản (gei) có một ý nghĩa siêu việt hơn, phi vật thể hơn so với khái niệm nghệ thuật ứng dụng ở phương Tây: nó là bất kỳ biểu hiện nào của tâm trí, được hiểu là năng lượng quan trọng, là bản chất mang lại sự sống cho cơ thể chúng ta mà trên thực tế, nó phát triển và tiến hóa, hiện thực hóa sự thống nhất giữa cơ thể, tâm trí và tinh thần.

Ý thức về nghệ thuật Nhật Bản đã phát triển theo thời gian: từ thuở sơ khai nơi những dấu vết đầu tiên của nghệ thuật và vẻ đẹp tồn tại, chúng đã có từ thời cổ đại khi các nguyên tắc sáng tạo của văn hóa Nhật Bản được rèn giũa và những nguyên tắc đó đã được thể hiện trong các tác phẩm văn học quan trọng nhất. của đất nước:

Kojiki, Nihonshoki và Man 'yōshū, trên đây là những ấn phẩm, hai cuốn đầu nói về những tác phẩm đầu tiên của lịch sử Nhật Bản và cuốn cuối cùng viết về những bài thơ được viết trong thiên niên kỷ đầu tiên, vào thời điểm đó tư tưởng Sayashi thịnh hành ("thuần khiết, tất nhiên, tươi mới ”), ám chỉ một vẻ đẹp đặc trưng bởi sự đơn giản, tươi mới, một sự ngây thơ nhất định đi kèm với việc sử dụng các vật liệu nhẹ và tự nhiên như Haniwa Figure Land hoặc gỗ trong kiến ​​trúc.

Chúng ta có thể phân loại Đền Ise là đại diện tốt nhất cho phong cách này, được làm bằng gỗ bách, đã được cải tạo hai mươi năm một lần kể từ thế kỷ thứ XNUMX để duy trì sự sáng sủa và tươi mới của nó. Từ quan niệm này nảy sinh ra một trong những hằng số của nghệ thuật Nhật Bản: giá trị được quy cho vẻ đẹp phù du, phù du, phù du phát triển theo thời gian.

Trong Man 'yōshū, sayakeshi được thể hiện qua tình cảm trung thành và cố gắng, cũng như trong việc miêu tả các thành phần như bầu trời và biển cả, chúng mang lại cho anh ta cảm giác vĩ đại áp đảo con người.

Sayakeshi có liên quan đến khái niệm Naru ("trở thành"), trong đó thời gian được coi trọng như một năng lượng quan trọng hội tụ để trở thành, trong đỉnh điểm của mọi hành động và mọi cuộc sống.NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Đặt mình vào thời kỳ Nara và Heian, khía cạnh nghệ thuật của nghệ thuật phát triển nhanh chóng nhờ sự tiếp xúc đầu tiên với văn hóa Trung Quốc, cũng như sự xuất hiện của Phật giáo. Khái niệm chính của thời đại này là lương tâm, một cảm xúc lấn át người xem và dẫn đến cảm giác đồng cảm hoặc thương hại sâu sắc.

Nó liên quan đến các thuật ngữ khác như okashi, một thuật ngữ thu hút với sự vui vẻ và tính cách dễ chịu; omoshiroi, tài sản của những thứ rạng rỡ, thu hút sự chú ý bởi sự rực rỡ và rõ ràng của chúng; yūbi, khái niệm về sự duyên dáng, thanh lịch; yūga, một phẩm chất của sự trau chuốt về vẻ đẹp; the en, sự hấp dẫn của sự quyến rũ; vị vua, vẻ đẹp của sự điềm tĩnh; yasashi, vẻ đẹp của sự tùy ý; và ushin, ý thức sâu sắc của nghệ thuật.

Câu chuyện về Genji của Murasaki Shikibu, thể hiện một khái niệm thẩm mỹ mới được gọi là đơn-không-nhận-thức -một thuật ngữ được giới thiệu bởi Motōri Norinaga-, truyền tải cảm giác u sầu, buồn bã chiêm nghiệm bắt nguồn từ sự thoáng qua của sự vật, vẻ đẹp thoáng qua tồn tại trong chốc lát và vẫn còn trong ký ức.

Nhưng trên tất cả, đó là một cảm giác u sầu tinh tế có thể dẫn đến nỗi buồn sâu sắc khi cảm nhận sâu sắc vẻ đẹp thở ra của tất cả các sinh vật của thiên nhiên.

Triết lý "theo đuổi lý tưởng" cái đẹp, về một trạng thái thiền định nơi suy nghĩ và thế giới của các giác quan gặp nhau, là đặc điểm của vẻ đẹp tinh tế bẩm sinh của người Nhật, và được thể hiện rõ trong lễ hội Hanami, lễ kỷ niệm cây anh đào ở hoa.

Vào thời Trung cổ Nhật Bản, thời kỳ Kamakura, Muromachi và Momoyama, nơi đặc trưng là sự thống trị của quân đội trong toàn bộ xã hội phong kiến ​​của đất nước, khái niệm dō ("con đường") đã xuất hiện, tạo nên sự phát triển của nghệ thuật thời bấy giờ. , được thể hiện trong thực hành nghi lễ của các nghi thức xã hội, bằng chứng là shodō (thư pháp), chadō (trà đạo), kadō hoặc ikebana (nghệ thuật cắm hoa), và kōdō (lễ thắp hương).

Các thực hành không quan trọng kết quả, mà là quá trình tiến hóa, sự tiến hóa theo thời gian - một lần nữa là naru -, cũng như tài năng thể hiện trong việc thực hiện hoàn hảo các nghi thức, biểu thị kỹ năng, cũng như cam kết tinh thần trong theo đuổi sự hoàn hảo.

Một biến thể của Phật giáo được gọi là Zen, nhấn mạnh một số "quy tắc của cuộc sống" dựa trên thiền định, nơi con người mất khả năng tự nhận thức, đã có ảnh hưởng quyết định đến những khái niệm mới này. Vì vậy, tất cả công việc hàng ngày vượt qua bản chất vật chất của nó để biểu thị một biểu hiện tinh thần, được phản ánh trong sự chuyển động và nghi lễ trôi qua của thời gian.

Khái niệm này cũng được phản ánh trong việc làm vườn, đạt đến mức độ quan trọng khi khu vườn là tầm nhìn về vũ trụ, với một khoảng trống lớn (biển) chứa đầy các vật thể (đảo), thể hiện trong cát và đá. , và nơi thảm thực vật gợi lên thời gian trôi qua.

Không gian Thiền giữa sự đơn giản và chiều sâu của một cuộc sống siêu việt thấm nhuần tinh thần “thanh lịch giản dị” (wabi) không chỉ trong nghệ thuật, mà còn trong cách cư xử, các mối quan hệ xã hội và các khía cạnh đời thường hơn nữa. . Sư phụ Sesshū nói rằng "Thiền và nghệ thuật là một."

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Zen này được trình bày trong bảy sự kiện trang trí: fukinsei, một cách từ chối sự tối ưu hóa để đạt được sự cân bằng hiện có trong tự nhiên; kanso, lấy ra những gì còn sót lại và những gì bạn lấy ra sẽ khiến bạn khám phá ra sự đơn giản của thiên nhiên.

Kokō (phẩm cách đơn độc), phẩm chất mà con người và đồ vật có được theo thời gian và mang lại cho họ sự thuần khiết hơn về bản chất của họ; shizen (tự nhiên), được liên kết với sự chân thành, tự nhiên là chân chính và liêm khiết; yūgen (chiều sâu), bản chất thực sự của sự vật, vượt ra ngoài vật chất đơn giản, bề ngoài của chúng.

Datsuzoku (biệt đội), tự do trong việc thực hành nghệ thuật, với nhiệm vụ là giải phóng tâm trí, không kiểm soát nó - do đó, nghệ thuật phân phối với tất cả các loại thông số và quy tắc -; seiyaku (thanh thản bên trong), trong một tình huống tĩnh lặng, bình tĩnh, cần thiết để sáu nguyên tắc trước đó trôi chảy.

Đặc biệt là trà đạo, nơi tổng hợp một cách điêu luyện các khái niệm về nghệ thuật và cái đẹp của người Nhật, tạo nên một tôn giáo thẩm mỹ đích thực: "chủ nghĩa". Nghi lễ này thể hiện sự sùng bái cái đẹp đối lập với sự thô tục của đời thường. Triết học của ông, cả đạo đức và thẩm mỹ, thể hiện quan niệm gắn bó giữa con người với tự nhiên.

Sự đơn giản của nó kết nối những điều nhỏ bé với trật tự vũ trụ: cuộc sống là một biểu hiện và hành động luôn phản ánh một suy nghĩ. Thiên thời ngang bằng với tinh thần, cái nhỏ là cái lớn. Khái niệm này cũng được tìm thấy trong phòng trà (sukiya), một sản phẩm xây dựng phù du của một sự thúc đẩy thơ ca, không có vật trang trí, nơi mà người không hoàn hảo được tôn kính, và luôn luôn để lại một thứ gì đó. chưa hoàn thành, mà sẽ hoàn thành trí tưởng tượng.

Sự thiếu cân xứng là đặc điểm, do Zen nghĩ rằng việc theo đuổi sự hoàn hảo quan trọng hơn bản thân nó. Vẻ đẹp chỉ có thể được khám phá bởi những người hoàn thành thông qua lý luận của họ những gì còn thiếu.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Cuối cùng, trong kỷ nguyên hiện đại - bắt đầu từ thời Edo -, mặc dù những ý tưởng trước đó vẫn tồn tại, nhưng các lớp nghệ thuật mới được giới thiệu, có liên quan đến sự xuất hiện của các trật tự xã hội khác nảy sinh khi Nhật Bản hiện đại hóa: sui là một món ăn tinh thần nhất định, được tìm thấy. chủ yếu trong văn học Osaka.

Iki nghĩ là một ân sủng trang nghiêm và trực tiếp, đặc biệt xuất hiện trong kabuki; Karumi là một khái niệm bảo vệ sự nhẹ nhàng như một cái gì đó nguyên thủy, theo đó "chiều sâu" của sự vật có được, đặc biệt được phản ánh trong thơ haiku, nơi Shiori là một vẻ đẹp hoài cổ.

"Không có gì kéo dài, không có gì là hoàn chỉnh và không có gì là hoàn hảo." Đây sẽ là ba chìa khóa dựa trên «Wabi sabi», một cách diễn đạt trong tiếng Nhật (hoặc một loại nhãn quan thẩm mỹ) đề cập đến vẻ đẹp của cái không hoàn hảo, cái không hoàn thiện và sự thay đổi, mặc dù nó cũng đề cập đến vẻ đẹp của sự khiêm tốn và khiêm tốn, dung dị. Triết lý của "wabi sabi" là tận hưởng hiện tại và tìm thấy sự bình yên và hài hòa trong thiên nhiên và những điều nhỏ bé, và chấp nhận một cách hòa bình chu kỳ tăng trưởng và suy tàn của tự nhiên.

Cơ bản của tất cả những yếu tố này là ý tưởng về nghệ thuật như một quá trình sáng tạo chứ không phải là một thành tựu vật chất. Okakura Kakuzō đã viết rằng "chỉ những nghệ sĩ tin vào sự cong vênh bẩm sinh của tâm hồn họ mới có khả năng làm đẹp thực sự."

Thời kỳ của nghệ thuật Nhật Bản

Trong bài viết này, chúng tôi sẽ sử dụng cách phân chia thành các giai đoạn lớn về những thay đổi nghệ thuật và phong trào chính trị đáng chú ý. Việc lựa chọn thường thay đổi tùy theo tiêu chí của tác giả và nhiều người trong số họ cũng có thể được chia nhỏ. Tuy nhiên, cũng có những khác biệt về sự bắt đầu và kết thúc của một số giai đoạn này. Chúng ta sẽ lấy cái do nhà khảo cổ học Charles T. Kelly thực hiện, cái sau:

Nghệ thuật tạo hình của Nhật Bản

Trong suốt thời kỳ đồ đá mới và thời kỳ đồ đá mới, nó vẫn bị cô lập với lục địa, vì vậy tất cả hoạt động sản xuất của nó là của riêng nó, mặc dù không quan trọng lắm. Họ là những xã hội bán định canh, sống trong những ngôi làng nhỏ với những ngôi nhà được đào sâu xuống đất, lấy nguồn thức ăn chủ yếu từ rừng (hươu, nai, lợn rừng, các loại hạt) và biển (cá, giáp xác, động vật biển có vú).

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Những xã hội này có một tổ chức công việc phức tạp và quan tâm đến việc đo lường thời gian, bằng chứng là một số di tích của các sắp xếp đá tròn ở Oyu và Komakino, chúng hoạt động như đồng hồ mặt trời. Họ rõ ràng đã có các đơn vị đo lường được tiêu chuẩn hóa, bằng chứng là một số tòa nhà được xây dựng theo một số mô hình nhất định.

Tại một số địa điểm tương ứng với thời kỳ này, người ta đã tìm thấy các đồ tạo tác bằng đá và xương được đánh bóng, đồ gốm và các hình nhân bản. Cần lưu ý rằng đồ gốm Jōmon là đồ gốm nhân tạo lâu đời nhất: những dấu vết sớm nhất của đồ gốm thô sơ có niên đại 11.000 năm trước Công nguyên, trong những đồ dùng nhỏ, được làm thủ công với các mặt được đánh bóng và nội thất lớn. , với một ý nghĩa chức năng và trang trí khắc khổ.

Những di tích này tương ứng với thời kỳ được gọi là "prejōmon" (11000-7500 TCN), tiếp theo là Jōmon "cổ xưa" hoặc "sơ khai" (7500-2500 TCN), nơi đồ gốm Jōmon tiêu biểu nhất được làm, làm bằng tay và trang trí. có vết rạch hoặc dấu vết của dây thừng, trên đế của một loại bình sâu hình lọ. Trang trí cơ bản bao gồm các bản in được làm bằng dây sợi thực vật, được ép lên đồ gốm trước khi nung.

Trong một số lĩnh vực, những đường rạch này đã đạt đến mức độ tinh xảo cao, với các cạnh được đục đẽo hoàn hảo, vẽ ra một loạt các đường trừu tượng rất phức tạp. Trong những trường hợp hiếm hoi, người ta đã tìm thấy dấu tích của các cảnh tượng, thường là các bức vẽ nhân hình và phóng to (ếch, rắn), làm nổi bật cảnh săn bắn hiện diện trong một chiếc bình được tìm thấy ở Hirakubo, phía bắc Honshū.

Cuối cùng, trong "Late Jōmon" (2500-400 trước Công nguyên), các bình quay trở lại với hình thức tự nhiên hơn, ít công phu hơn, với bát và bình có đáy tròn, amphorae cổ hẹp, và bát có tay cầm thường bằng que. hoặc cơ sở nâng lên. Các địa danh gốm Jōmon là: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo, và Okinohara trên đảo Honshū; Sobata trên đảo Kyūshū; và Hamanasuno và Tokoro trên đảo Hokkaidō.

Ngoài những chiếc bình, nhiều bức tượng nhỏ hình người hoặc động vật khác nhau được làm bằng gốm, được làm thành một số bộ phận, vì vậy rất ít phần còn lại của các mảnh nguyên vẹn được tìm thấy. Những người ở dạng nhân dạng có thể có các thuộc tính nam tính hoặc nữ tính, và một số dấu hiệu ái nam ái nữ cũng đã được tìm thấy.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Một số có bụng sưng lên, vì vậy chúng có thể được kết hợp với việc tôn thờ khả năng sinh sản. Điều đáng chú ý là độ chính xác của các chi tiết mà một số con số thể hiện, chẳng hạn như kiểu tóc cẩn thận, hình xăm và trang phục trang trí.

Có vẻ như trong những xã hội này, việc trang điểm cho cơ thể là rất quan trọng, chủ yếu là ở đôi tai, với hoa tai bằng gốm của nhiều nhà sản xuất khác nhau, được tô điểm bằng thuốc nhuộm màu đỏ. Ở Chiamigaito (đảo Honshū), hơn 1000 đồ trang trí này đã được tìm thấy, gợi ý một hội thảo địa phương để chế tạo những sản phẩm này.

Nhiều loại mặt nạ khác nhau cũng có niên đại từ thời kỳ này, biểu thị các tác phẩm riêng biệt trên khuôn mặt. Theo cách tương tự, các loại hạt ngọc bích xanh khác nhau đã được tạo ra, và chúng quen thuộc với công việc sơn mài, bằng chứng là một số chốt được tìm thấy ở Torihama. Dấu tích của kiếm, xương hoặc gạc ngà voi cũng đã được tìm thấy.

Thời kỳ Yayoi (500 TCN-300 SCN)

Thời kỳ này có nghĩa là sự thành lập hoàn toàn của xã hội nông nghiệp, đã gây ra nạn phá rừng trên diện rộng lãnh thổ.

Sự chuyển đổi này đã dẫn đến sự phát triển của xã hội Nhật Bản trong các lĩnh vực công nghệ, văn hóa và xã hội, với sự phân tầng xã hội và chuyên môn hóa công việc lớn hơn, đồng thời làm gia tăng các cuộc xung đột vũ trang.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Quần đảo Nhật Bản có rải rác các quốc gia nhỏ được hình thành xung quanh các thị tộc (uji), trong đó Yamato chiếm ưu thế, điều này đã phát sinh ra hoàng tộc. Sau đó, Thần đạo xuất hiện, một tôn giáo thần thoại đã hạ bệ hoàng đế của Amaterasu, nữ thần mặt trời.

Tôn giáo này đề cao ý thức thực sự về sự thuần khiết và tươi mới của nghệ thuật Nhật Bản, với sự ưa thích các vật liệu thuần khiết và không có trang trí, với ý thức hòa nhập với thiên nhiên (kami hoặc siêu ý thức). Từ thế kỷ XNUMX trước Công nguyên. C. bắt đầu du nhập nền văn minh lục địa, do quan hệ với Trung Quốc và Triều Tiên.

Văn hóa Yayoi xuất hiện trên đảo Kyūshū vào khoảng năm 400-300 trước Công nguyên. C., và chuyển đến Honshū, nơi nó dần dần thay thế nền văn hóa Jōmon. Trong thời kỳ này, hình thức chôn cất lớn với một buồng và một gò đất được trang trí bằng các hình trụ đất nung có hình người và động vật đã được mở rộng.

Các ngôi làng được bao quanh bởi các con mương, và nhiều nông cụ (bao gồm cả một công cụ bằng đá hình lưỡi liềm dùng để thu hoạch) đã xuất hiện, cũng như nhiều loại vũ khí khác nhau, chẳng hạn như cung tên có đầu bằng đá mài nhẵn.

Trong đồ gốm, các đồ vật sau đây được sản xuất đặc biệt: Chum, lọ, đĩa, cốc và chai với những đặc điểm cụ thể nhất định. Chúng có bề mặt được đánh bóng, trang trí đơn giản, chủ yếu là các vết rạch, đường chấm và đường ngoằn ngoèo, vật được sử dụng nhiều nhất là một chiếc kính có tên là Tsubo.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Ông làm nổi bật tác phẩm bằng kim loại, chủ yếu là đồng, chẳng hạn như cái gọi là chuông dotaku, được dùng làm vật nghi lễ, được trang trí bằng hình xoắn ốc (ryusui) dưới dạng nước chảy, hoặc động vật phù điêu (chủ yếu là hươu, nai, chim, côn trùng và lưỡng cư), cũng như cảnh săn bắn, đánh cá và công việc nông nghiệp, đặc biệt là những công việc liên quan đến lúa gạo.

Con nai dường như có một ý nghĩa đặc biệt, có lẽ liên quan đến một vị thần nào đó: ở nhiều nơi, người ta đã tìm thấy vô số xương bả vai của con nai với những vết rạch hoặc vết được làm bằng lửa, được cho là có liên quan đến một loại nghi lễ.

Các mặt hàng trang trí khác được tìm thấy tại các địa điểm Yayoi bao gồm: gương, kiếm, các loại hạt khác nhau và magatama (những miếng ngọc bích và mã não hình hạt điều, được dùng như những viên đá quý sinh sản).

Thời kỳ Kofun (300-552)

Thời đại này đánh dấu sự hợp nhất của Nhà nước Đế quốc Trung ương, quốc gia kiểm soát các nguồn tài nguyên quan trọng, chẳng hạn như sắt và vàng. Kiến trúc phát triển tốt nhất là ở nghĩa trang, với những ngôi mộ có buồng và lối đi điển hình được gọi là kofun ("ngôi mộ cũ"), trên đó những gò đất lớn được nâng lên.

Nơi chôn cất các hoàng đế Ōjin (346-395) và Nintoku (395-427) rất nổi bật, nơi có rất nhiều đồ vật được tìm thấy, trong số đó có; đồ trang sức, đồ hình làm bằng các chất liệu khác nhau, đặc biệt là đồ hình bằng đất nung.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Những bức tượng này cao khoảng XNUMX cm, gần như không có biểu cảm, chỉ có một vài vết rạch ở mắt và miệng, mặc dù chúng là một ví dụ rất phù hợp về nghệ thuật thời này.

Theo quần áo và đồ dùng của họ, các nghề khác nhau nổi bật ở những nhân vật này, chẳng hạn như nông dân, dân quân, nhà sư, phụ nữ tỉnh lẻ, diễn viên kịch, v.v.

Vào cuối thời kỳ này, hình tượng của các loài động vật cũng xuất hiện, bao gồm hươu, nai, chó, ngựa, lợn rừng, mèo, gà, cừu và cá, biểu thị tầm quan trọng của việc định cư quân sự vào thời điểm đó, mà các đặc điểm phong cách của chúng có liên quan đến văn hóa Silla. . đến từ Hàn Quốc, cũng như một loại gốm có tên là Sueki, màu sẫm và rất tốt, với các phụ kiện leng keng.

Sự phân hóa xã hội đã dẫn đến sự cô lập của các giai cấp thống trị trong các khu phố độc quyền của các thành phố, chẳng hạn như Yoshinogari, và cuối cùng bị chia cắt vĩnh viễn trong các khu dân cư biệt lập như Mitsudera hoặc các khu phức hợp cung điện của Kansai, Ikaruga và Asuka-Itabuki.

Về kiến ​​trúc tôn giáo, những ngôi đền Shinto (jinja) thời kỳ đầu được làm bằng gỗ, trên một đế nâng và các bức tường hoặc vách ngăn trượt lộ ra, với các chân đế đỡ mái dốc.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Một trong những thành phần đặc trưng của nó là torii, một cổng vòm đánh dấu lối vào một nơi linh thiêng. Lưu ý Đền Ise, được xây dựng lại hai mươi năm một lần kể từ thế kỷ thứ XNUMX.

Tòa nhà chính (Shoden) có sàn nâng và mái có đầu hồi, với chín tầng đế, được dẫn lên bằng cầu thang bên ngoài. Nó theo phong cách shinmei zukuri, phản ánh phong cách Thần đạo muộn, trước khi Phật giáo đến Nhật Bản.

Một ngôi đền thần thoại khác có nguồn gốc không rõ ràng là Izumo Taisha, gần Matsue, một ngôi đền huyền thoại do Amaterasu thành lập. Nó theo phong cách taisha zukuri, nó được coi là lâu đời nhất trong số các đền thờ, điểm thu hút chính là độ cao của tòa nhà trên các cửa, với cầu thang là lối vào chính và hoàn thiện bằng gỗ đơn giản không sơn.

Theo các bản thảo được tìm thấy, khu bảo tồn ban đầu có chiều cao 50 mét, nhưng do hỏa hoạn nên đã được xây dựng lại với chiều cao 25 ​​mét. Các tòa nhà là Honden ("khu bảo tồn bên trong") và Hayden ("khu bảo tồn bên ngoài"). Kinpusen-ji, ngôi đền chính của shugendō, một tôn giáo khổ hạnh kết hợp giữa Thần đạo, Phật giáo và tín ngưỡng vật linh, cũng thuộc thời kỳ này.

Trong thời kỳ này, chúng ta tìm thấy những mẫu tranh đầu tiên, như trong Tang lễ Hoàng gia Ōtsuka và những ngôi mộ hình tượng đom đóm của Kyūshū (thế kỷ XNUMX-XNUMX), được trang trí bằng cảnh con mồi bị mắc kẹt, trận chiến, chiến mã, chim và tàu, hoặc với hình xoắn ốc và các vòng tròn đồng tâm.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Đó là những bức tranh treo tường, làm bằng chất liệu hematit đỏ, đen carbon, vàng đất son, trắng cao lanh và xanh lục clorit. Một trong những thiết kế đặc trưng của thời kỳ này là cái gọi là chokomon, được tạo thành từ các đường thẳng và hình vòm được vẽ trên các đường chéo hoặc chữ thập, hiện diện trên các bức tường của lăng mộ, quan tài, tượng Haniwa và gương đồng.

Thời kỳ Asuka (552-710)

Yamato quan niệm về một vương quốc tập trung theo mô hình Trung Quốc, thể hiện trong luật Shōtoku-Taishi (604) và Taika năm 646. Sự du nhập của Phật giáo đã tạo ra một tác động nghệ thuật và thẩm mỹ lớn ở Nhật Bản, với ảnh hưởng lớn của nghệ thuật Trung Quốc.

Sau đó là triều đại của Thái tử Shōtoku (573-621), người ủng hộ Phật giáo và văn hóa nói chung, và rất thành công cho nghệ thuật. Kiến trúc được thể hiện trong các ngôi đền và tu viện, nó hầu như đã bị mất đi, giả sử có sự thay thế của các đường Shinto đơn giản bằng sự tráng lệ đến từ đất liền.

Là công trình nổi bật nhất của thời kỳ này, chúng ta phải kể đến ngôi đền Hōryū-ji (607), đại diện của phong cách Kudara (Paekche ở Hàn Quốc). Nó được làm trong khuôn viên của ngôi đền Wakakusadera, do Shōtoku dựng lên và bị các đối thủ của ông ta đốt vào năm 670.

Được xây dựng bằng phép đối xứng trục, nó bao gồm một tập hợp các tòa nhà nơi có chùa (Tō), Yumedono ("hội trường của những giấc mơ")) và Kondō ("hội trường vàng"). Nó theo phong cách Trung Quốc, lần đầu tiên sử dụng mái ngói gốm.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Một trong những điểm đặc trưng của ví dụ đặc biệt này là Đền Itsukushima (593), được làm trên mặt nước, ở Seto, nơi ghi nhận các Gojūnotō, Tahōtō và các honden khác nhau. Do vẻ đẹp của nó, nó đã được Liên Hợp Quốc đặt tên là Di sản Thế giới vào năm 1996.

Tác phẩm điêu khắc theo chủ đề Phật giáo được làm bằng gỗ hoặc đồng: những bức tượng Phật đầu tiên được nhập khẩu từ đại lục, nhưng sau đó một số lượng lớn các nghệ sĩ Trung Quốc và Hàn Quốc đã định cư ở Nhật Bản.

Hình tượng Kannon, tên tiếng Nhật của Bồ tát Avalokiteśvara (tiếng Trung là Quan Âm), đã sinh sôi nảy nở dưới tên gọi của Bồ tát Kannon, tác phẩm của Tori Hàn Quốc; Kannon nằm trong ngôi đền Yumedono của Hōryū-ji; và Kannon of Kudara (thế kỷ thứ 623), bởi một nghệ sĩ vô danh. Một tác phẩm quan trọng khác là Bộ tam bảo Sâkyamuni (XNUMX), bằng đồng, của Tori Busshi, được lắp đặt trong chùa Hōryū-ji.

Nhìn chung, chúng là những tác phẩm có phong cách nghiêm túc, góc cạnh và cổ xưa, lấy cảm hứng từ phong cách Koguryŏ của Hàn Quốc, như trong tác phẩm của Shiba Tori, đánh dấu "phong cách chính thức" của thời kỳ Asuka: Đại Phật Asuka (chùa Hoko - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).

Một nghệ sĩ khác theo phong cách này là Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, tác giả của Bốn người bảo vệ thiên thể (shitenno) của Sảnh vàng Hōryū-ji (645), mặc dù phong cách rất cũ nhưng lại thể hiện một sự tiến hóa về thể tích tròn trịa hơn, với nhiều hơn những khuôn mặt biểu cảm.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Bức tranh chịu ảnh hưởng của các họa tiết Trung Quốc, được làm bằng mực hoặc thuốc nhuộm khoáng được sử dụng trên lụa hoặc giấy, cuộn giấy da hoặc treo trên tường. Nó biểu thị một cảm giác vẽ tuyệt vời, với các tác phẩm có tính độc đáo tuyệt vời, chẳng hạn như tượng thờ Tamamushi (Hōryū-ji), bằng gỗ long não và gỗ bách, với các dải chạm khắc bằng đồng, đại diện cho các cảnh khác nhau bằng dầu trên gỗ sơn mài, trong một kỹ thuật gọi là mitsuda -i đến từ Ba Tư và liên quan đến hội họa Trung Quốc thời nhà Ngụy.

Dưới chân tượng thờ là một jataka (tường thuật về các tiền kiếp của Đức Phật), cho thấy hoàng tử Mahasattva dâng thịt của mình cho một con hổ cái đói. Vào khoảng thời gian này, thư pháp bắt đầu trở nên nổi tiếng, được xếp ngang hàng với trình độ nghệ thuật như những bức tranh tượng hình.

Những tấm thảm lụa cũng được chú ý, chẳng hạn như Mandala Tenkoku được làm cho Shōtoku (622). Gốm sứ, có thể tráng men hoặc không, có rất ít sản xuất trong nước, là mặt hàng nhập khẩu có giá trị cao nhất của Trung Quốc.

Thời kỳ Nara (710-794)

Trong thời kỳ này, thủ đô được thành lập tại Nara (710), thủ đô cố định đầu tiên của mikado. Vào thời điểm này, nghệ thuật Phật giáo đang ở đỉnh cao, tiếp tục ảnh hưởng của Trung Quốc với cường độ lớn: người Nhật nhìn thấy trong nghệ thuật Trung Quốc một sự hài hòa và hoàn hảo tương tự như thị hiếu của người Châu Âu đối với nghệ thuật Hy Lạp-La Mã cổ điển.

Một vài ví dụ về kiến ​​trúc từ thời kỳ này là các tòa nhà hoành tráng, chẳng hạn như chùa Đông Yakushi-ji, chùa Tōshōdai-ji, Tōdai-ji, và Kōfuku-ji, và nhà kho Shōso-in Imperial ở Nara, nơi lưu giữ nhiều đồ vật từ nghệ thuật từ thời Hoàng đế Shōmu (724-749), với các tác phẩm từ Trung Quốc, Ba Tư và Trung Á. Thành phố Nara được xây dựng theo bố cục dạng lưới, mô phỏng theo Trường An, kinh đô của triều đại nhà Đường.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Cung điện hoàng gia có tầm quan trọng tương tự như tu viện chính, Tōdai-ji (745-752), được xây dựng theo quy hoạch đối xứng trong một khu bao quanh lớn với các ngôi chùa đôi, và có Daibutsuden, "đại sảnh của Đức Phật". «. với một bức tượng đồng lớn 15 mét của Đức Phật Vairocana (Dainichi trong tiếng Nhật), được tặng bởi Thiên hoàng Shōmu vào năm 743. Được xây dựng lại vào năm 1700, Daibutsuden là tòa nhà bằng gỗ lớn nhất trên thế giới.

Một ngôi đền quan trọng khác là Hokkedō, nơi có một bức tượng tráng lệ khác, Kannon Fukukenjaku, một vị bồ tát sơn mài tám cánh cao bốn mét. ảnh hưởng cao và Tang, điều này dễ nhận thấy ở nét thanh thoát, nhẹ nhàng của nét mặt.

Ngược lại, chùa Đông Yakushi-ji là một nỗ lực của các kiến ​​trúc sư Nhật Bản nhằm tìm kiếm phong cách riêng, tránh xa ảnh hưởng của Trung Quốc. Nó nổi bật với tính thẳng đứng, với các tấm bìa xen kẽ với các kích cỡ khác nhau, tạo cho nó vẻ ngoài của một tấm biển thư pháp.

Trong cấu trúc của nó, mái hiên và ban công nổi bật, được hình thành bởi các thanh gỗ lồng vào nhau, có màu trắng và nâu. Bên trong nó có hình ảnh của Yakushi Nyorai ("Phật Dược Sư"). Nó được liệt kê là Di sản Thế giới với tên gọi Di tích Lịch sử của Nara cổ đại.

Tōshōdai-ji (759) có cùng mức độ đồng hóa dân tộc, cho thấy sự tương phản rõ ràng giữa Kondō ("hội trường vàng"), với sự kiên cố, đối xứng và thẳng đứng chịu ảnh hưởng của Trung Quốc, và Kodō ("giảng đường") . ”), Về sự đơn giản hơn và tính ngang bằng biểu thị truyền thống của thổ dân.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Một nhà triển lãm khác là Kiyomizu-dera (778), với tòa nhà chính nổi bật với lan can khổng lồ, được hỗ trợ bởi hàng trăm cây cột, nổi bật trên ngọn đồi và có tầm nhìn ấn tượng ra thành phố Kyoto. Ngôi đền này là một trong những ứng cử viên cho danh sách Bảy kỳ quan thế giới mới, mặc dù nó không được chọn.

Về phần mình, Rinnō-ji nổi tiếng với Sanbutsudō, nơi có ba bức tượng Amida, Senjūkannon và Batōkannon. Là một ngôi đền Thần đạo, Fushimi Inari-taisha (711) nổi bật, dành riêng cho thần Inari, đặc biệt được đặt tên cho hàng ngàn toriis đỏ đánh dấu con đường dọc theo ngọn đồi mà ngôi đền đứng trên đó.

Tượng trưng cho Đức Phật đã đạt được sự phát triển vượt bậc trong nghệ thuật điêu khắc, với những bức tượng có vẻ đẹp tuyệt vời: Sho Kannon, Phật Tachibana, Bồ tát Gakko của Tōdai-ji. Trong thời kỳ Hakuhō (645-710), sự đàn áp của gia tộc Soga và sự củng cố của triều đình đã dẫn đến sự chấm dứt ảnh hưởng của Hàn Quốc và sự thay thế của nó bởi Trung Quốc (triều đại nhà Đường), tạo ra một loạt các tác phẩm tráng lệ hơn và chủ nghĩa hiện thực hơn, với các hình thức duyên dáng hơn.

Sự thay đổi này có thể nhận thấy ở một phần của các bức tượng đồng mạ vàng Yakushi-ji, được tạo thành bởi Đức Phật ngồi (Yakushi) cùng với các vị bồ tát Nikko ("Sunlight") và Gakko ("Moonlight"), những người thể hiện sự năng động hơn trong tư thế tương phản của mình, và biểu cảm khuôn mặt cao hơn.

Tại Hōryū-ji, phong cách Tori có nguồn gốc từ Hàn Quốc vẫn tiếp tục, như trong Kannon Yumegatari và Amida Triad of the Lady Tachibana mề đay. Tại chùa Tōshōdai-ji có một loạt các bức tượng lớn, làm bằng sơn mài rỗng, làm nổi bật tượng trung tâm của Đức Phật Rushana (759), cao 3,4 mét. Ngoài ra còn có các đại diện của thần hộ mệnh (Meikira Taisho), các vị vua (Komokuten), v.v. Chúng là những tác phẩm bằng gỗ, đồng, đất sét thô hoặc sơn mài khô, có chủ nghĩa hiện thực tuyệt vời.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Bức tranh được thể hiện bằng cách trang trí trên tường Hōryū-ji (cuối thế kỷ thứ XNUMX), chẳng hạn như các bức bích họa Kondō, mang những nét tương đồng với bức vẽ ở Ajantā ở Ấn Độ. Nhiều thể loại khác nhau cũng đã xuất hiện, chẳng hạn như kakemono ("tranh treo") và emakimono ("tranh lăn"), những câu chuyện được vẽ trên một cuộn giấy hoặc lụa, với các văn bản giải thích các cảnh khác nhau, được gọi là kinh.

Trong Nara Shōso-in, có một số bức tranh theo chủ đề thế tục, với các loại và chủ đề khác nhau: thực vật, động vật, phong cảnh và các đồ vật bằng kim loại. Vào giữa thời kỳ này, trường phái hội họa thời nhà Đường trở nên thịnh hành, có thể thấy trong các bức tranh tường ở lăng mộ Takamatsuzuka, có niên đại khoảng năm 700.

Theo sắc lệnh Taiho-ryo năm 701, nghề họa sĩ được quy định trong các tập đoàn thủ công. được kiểm soát bởi Cục Họa sĩ (takumi-no-tuskasa), thuộc Bộ Nội vụ. Các hiệp hội này phụ trách trang trí cung điện và đền thờ, và cấu trúc của chúng kéo dài cho đến thời Minh Trị. Đồ gốm đã phát triển đáng kể thông qua các kỹ thuật khác nhau được du nhập từ Trung Quốc, chẳng hạn như việc sử dụng màu sắc tươi sáng áp dụng cho đất sét.

Thời kỳ Heian (794-1185)

Trong thời kỳ này đã diễn ra chính phủ của gia tộc Fujiwara, họ đã thành lập một chính phủ tập trung lấy cảm hứng từ chính phủ Trung Quốc, với thủ đô của họ là ở Heian (nay là Kyoto). Các lãnh chúa phong kiến ​​vĩ đại (daimyō) xuất hiện và hình bóng của các samurai xuất hiện.

Vào khoảng thời gian này, thuật ngữ chữ có tên là Hiragana đã xuất hiện, nó chuyển thể thư pháp Trung Quốc sang ngôn ngữ đa âm được sử dụng ở Nhật Bản, sử dụng các ký tự Trung Quốc cho các giá trị ngữ âm của âm tiết. Mối quan hệ rạn nứt với Trung Quốc đã tạo ra một nghệ thuật Nhật Bản rõ ràng hơn, nổi lên cùng với nghệ thuật tôn giáo, một nghệ thuật thế tục sẽ phản ánh trung thành chủ nghĩa dân tộc của triều đình.

Biểu tượng Phật giáo đã trải qua một bước phát triển mới với sự du nhập của hai giáo phái mới từ đại lục, Tendai và Shingon, dựa trên Phật giáo Mật tông Tây Tạng, kết hợp các yếu tố Thần đạo và tạo ra một đặc điểm tôn giáo đồng nhất của thời gian này.

Kiến trúc đã trải qua một sự thay đổi trong kế hoạch của các tu viện, được dựng lên ở những nơi biệt lập, nhằm mục đích thiền định. Các ngôi chùa quan trọng nhất là Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816), và chùa-đền Murō-ji. Enryaku-ji, nằm ở vùng lân cận của Núi Hiei, là một trong những Di tích Lịch sử của Cố đô Kyoto, được công bố là Di sản Thế giới vào năm 1994.

Nó được thành lập vào năm 788 bởi Saichō, người đã giới thiệu Giáo phái Phật giáo Tendai đến Nhật Bản. Enryaku-ji có khoảng 3.000 ngôi đền và là một trung tâm quyền lực lớn vào thời của nó, với hầu hết các tòa nhà của nó bị Oda Nobunaga phá hủy vào năm 1571.

Trong số những phần vẫn còn tồn tại, ngày nay Saitō (“sảnh phía tây”) nổi bật và Tōdō (“sảnh phía đông”), nơi đặt Konpon chūdō, công trình tiêu biểu nhất của Enryaku ji, nơi lưu giữ tượng Phật. . do chính Saichō điêu khắc, Yakushi Nyorai.

Nghệ thuật điêu khắc đã bị sa sút một chút so với những lần trước. Một lần nữa, các đại diện của Đức Phật (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai từ chùa Jingo-ji ở Kyoto; Amida Nyorai từ tu viện Byōdō-in), cũng như một số nữ thần Shinto (Kichijoten, nữ thần hạnh phúc, tương đương với Lakshmī Ấn Độ) .

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Sự cứng nhắc quá mức của tôn giáo Phật giáo hạn chế tính tự phát của nghệ sĩ, người tự giới hạn mình trong những quy tắc nghệ thuật cứng nhắc làm suy yếu quyền tự do sáng tạo của anh ta. Trong suốt 859 và 877, phong cách Jogan được tạo ra, được phân biệt bằng những hình ảnh về một lực hấp dẫn gần như đáng sợ, với một khí chất nội tâm và bí ẩn nhất định, chẳng hạn như Shaka Nyorai của Murō-ji.

Trong thời kỳ Fujiwara, trường học do Jōchō thành lập tại Byōdō-in đã trở nên nổi tiếng, với phong cách thanh lịch và mảnh mai hơn tác phẩm điêu khắc của Jogan, thể hiện hình dáng cơ thể hoàn hảo và cảm giác vận động tuyệt vời.

Xưởng của Jōchō đã giới thiệu các kỹ thuật yosegi và warihagi, bao gồm việc chia hình thành hai khối sau đó được ghép lại với nhau để điêu khắc chúng, do đó tránh bị nứt sau này, một trong những vấn đề chính đối với các hình lớn. Những kỹ thuật này cũng cho phép gắn nối tiếp và được phát triển rất thành công trong trường Kei của thời Kamakura.

Tranh của Yamato-e đặc biệt phát triển mạnh trên các cuộn giấy viết tay được gọi là emaki, kết hợp các cảnh tượng với thư pháp Katakana thanh lịch. Những cuộn giấy này kể lại những đoạn văn học hoặc lịch sử, chẳng hạn như Truyện Genji, một cuốn tiểu thuyết của Murasaki Shikibu từ cuối thế kỷ XNUMX.

Mặc dù văn bản là tác phẩm của các nhà chép sử nổi tiếng, nhưng các hình ảnh thường được thực hiện bởi các quan lại của triều đình, chẳng hạn như Ki no Tsubone và Nagato no Tsubone, giả định là một mẫu mỹ học nữ tính sẽ có liên quan lớn trong Nghệ thuật Nhật Bản ngày nay.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Vào thời điểm này, việc phân loại tranh theo giới tính bắt đầu, đánh dấu sự phân biệt dễ nhận thấy giữa công chúng, nơi nam tính chịu ảnh hưởng của Trung Quốc, và nữ tính và thẩm mỹ hơn là nghệ thuật của Nhật Bản.

Trong onna-e, ngoài Lịch sử Genji, Heike Nogyo (Kinh Pháp Hoa) nổi bật, được gia tộc Taira ủy thác cho đền Itsukushima, nơi họ được hiện thân trong nhiều cuộn sách khác nhau về sự cứu rỗi các linh hồn mà Phật giáo tuyên bố.

Mặt khác, The otoko-e này mang tính tự sự và tràn đầy năng lượng hơn ona-e, nhiều hành động hơn, với chủ nghĩa hiện thực và chuyển động hơn, như trong các cuộn Shigisan Engi, về những phép lạ của nhà sư Myoren; Ban Danigon E-kotoba, kể về cuộc chiến giữa các gia tộc đối địch vào thế kỷ thứ XNUMX; và Chōjugiga, cảnh động vật với dấu hiệu biếm họa và giọng điệu trào phúng, chỉ trích tầng lớp quý tộc.

Thời kỳ Kamakura (1185-1392)

Sau một số tranh chấp giữa các thị tộc phong kiến, Minamoto đã được áp đặt, thành lập Mạc phủ, một hình thức chính phủ với tòa án quân sự. Lúc này, thiền phái du nhập vào Nhật Bản, sẽ ảnh hưởng nặng nề đến nghệ thuật tượng hình. Kiến trúc đơn giản hơn, nhiều chức năng hơn, ít sang trọng và trang trí công phu.

Quy tắc Zen mang lại cái gọi là phong cách Kara-yo: Các nơi thờ tự Zen tuân theo kỹ thuật đối xứng trục của Trung Quốc, mặc dù tòa nhà chính không phải là chùa, nhưng phòng đọc sách và nơi tôn nghiêm không có tượng. Đức Phật, nhưng bằng một ngôi nhỏ nơi trụ trì dạy các đệ tử của mình.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Khu phức hợp năm ngôi đền lớn Sanjūsangen-dō, ở Kyoto (1266), cũng như các tu viện Kennin-ji (1202) và Tōfuku-ji (1243) ở Kyoto, và Kenchō-ji (1253) và Engaku-ji (1282 ) ở Kamakura.

Kōtoku-in (1252) nổi tiếng với bức tượng Phật Amida bằng đồng lớn và nặng, trở thành tượng Phật lớn thứ hai ở Nhật Bản sau Tōdai-ji.

Năm 1234, chùa Chion-in, trụ sở của Phật giáo Jōdo shū, được xây dựng, nổi bật bởi cổng chính khổng lồ (Sanmon), công trình kiến ​​trúc lớn nhất của loại hình này ở Nhật Bản.

Một trong những đại diện cuối cùng của thời kỳ này là Hongan-ji (1321), bao gồm hai ngôi đền chính: Nishi Hongan-ji, bao gồm Goei-dō và Amida-dō, cùng với một gian hàng trà và hai sân khấu của nhà hát Noh, một trong số đó được cho là lâu đời nhất vẫn còn sống; và Higashi Hongan-ji, quê hương của Shosei-en nổi tiếng.

Tác phẩm điêu khắc có được một chủ nghĩa hiện thực tuyệt vời, giúp nghệ sĩ tự do sáng tạo hơn, bằng chứng là chân dung của các quý tộc và binh lính, chẳng hạn như chân dung của Uesugi Shigusa (của một nghệ sĩ vô danh), một quân nhân thế kỷ XIV.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Các tác phẩm Zen tập trung vào việc đại diện cho các bậc thầy của họ, trong một loại tượng gọi là shinzo, chẳng hạn như bức tượng của thầy Muji Ichien (1312, bởi một tác giả ẩn danh), bằng gỗ đa sắc, tượng trưng cho thiền sư ngồi trên ngai vàng, trong một thái độ thiền định thư thái.

Trường Kei của Nara, người thừa kế Trường phái Jōchō của thời Heian, đặc biệt quan trọng đối với chất lượng các tác phẩm của nó, nơi nhà điêu khắc Unkei, tác giả của các bức tượng của các nhà sư Muchaku và Sesshin (Kōfuku-ji của Nara), cũng như hình ảnh của Kongo Rikishi (thần hộ mệnh), chẳng hạn như hai bức tượng khổng lồ nằm ở lối vào của ngôi chùa Tōdai-ji cao 8 mét (1199).

Phong cách của Unkei, chịu ảnh hưởng của nghệ thuật điêu khắc Trung Quốc thời Tống, mang tính chân thực cao trong khi ghi lại những nghiên cứu về sinh lý học chi tiết nhất với biểu hiện cảm xúc và tâm hồn bên trong của cá nhân được miêu tả.

Các tinh thể sẫm màu thậm chí còn được gắn vào mắt để mang lại sự biểu cảm cao hơn. Tác phẩm của Unkei đánh dấu sự khởi đầu của nghệ thuật vẽ chân dung Nhật Bản. Con trai của ông là Tankei, tác giả của Kannon Senju cho Sanjūsangen-dō, tiếp tục công việc của mình.

Bức tranh được đặc trưng bởi chủ nghĩa hiện thực gia tăng và nội tâm tâm lý. Cảnh quan (Thác nước Nachi) và chân dung Nhà sư Myoe trong chiêm ngưỡng, của Enichi-bo Jonin; bộ chân dung từ chùa Jingo-ji ở Kyoto, của Fujiwara Takanobu; Bức chân dung của Hoàng đế Hanazono của Goshin chủ yếu được phát triển.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Chế độ yamato-e vẫn tiếp tục và các hình ảnh được giải thích dưới dạng cuộn, nhiều tấm dài vài mét. Những bản thảo này mô tả chi tiết cuộc sống hàng ngày, khung cảnh thành thị hoặc nông thôn, hoặc minh họa các sự kiện lịch sử, chẳng hạn như Chiến tranh Kyoto năm 1159 giữa các chi nhánh đối địch của Hoàng gia.

Chúng được trình bày trong các cảnh liên tục, theo một trình tự tường thuật, với một bức tranh toàn cảnh trên cao, trên một đường thẳng. Các cuộn tranh minh họa về các sự kiện của thời đại Heiji (Heiji monogatari) và cuộn Kegon Engi của Enichi-bo Jonin nổi bật.

Bức tranh gắn liền với tổ chức Thiền mang ảnh hưởng trực tiếp từ Trung Quốc, với kỹ thuật vẽ những đường mực đơn giản của Trung Quốc theo quy tắc của Thiền là "quá nhiều màu sẽ làm mù mắt."

Thời kỳ Muromachi (1392-1573)

Mạc phủ nằm trong tay của Ashikaga, kẻ đấu đá nội bộ ủng hộ quyền lực ngày càng tăng của các daimyō, kẻ phân chia đất đai. Kiến trúc thanh lịch hơn và mang nét tinh túy của Nhật Bản, có các dinh thự, tu viện trang nghiêm như Zuihoji, và các ngôi đền như Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji hoặc Golden Pavilion (1397) và Ginkaku-ji. o Silver Pavilion (1489), ở Kyoto.

Kinkaku-ji được xây dựng như một ngôi làng nghỉ ngơi cho Shogun Ashikaga Yoshimitsu, như một phần của miền đất của ông có tên là Kitayama. Con trai của ông đã chuyển đổi tòa nhà thành một ngôi đền cho giáo phái Rinzai. Đó là một tòa nhà ba tầng, hai tầng đầu được lợp bằng vàng lá nguyên chất. Gian hàng có chức năng như một tấm lưới che chở, bảo vệ xá lợi của Đức Phật.

NGHỆ THUẬT NHẬT BẢN

Nó cũng có nhiều bức tượng khác nhau của Phật và Bồ tát, và một phong thủy bằng vàng đứng trên mái nhà. Nó cũng có một khu vườn liền kề tuyệt đẹp, với một cái ao được gọi là Kyōko-chi, với nhiều hòn đảo và đá tượng trưng cho câu chuyện sáng tạo của Phật giáo.

Về phần mình, Ginkaku-ji được xây dựng bởi Shogun Ashikaga Yoshimasa, người đã tìm cách bắt chước Kinkaku-ji do tổ tiên Yoshimitsu của mình xây dựng, nhưng tiếc là ông ta không thể phủ bạc lên tòa nhà như kế hoạch.

Đặc trưng của kiến ​​trúc thời kỳ này là sự xuất hiện của tokonoma, một căn phòng dành riêng cho việc chiêm ngưỡng tranh hoặc cắm hoa, phù hợp với thẩm mỹ của nhà Thiền. Ngoài ra, tatami, một loại chiếu làm từ rơm rạ, đã được giới thiệu, giúp nội thất ngôi nhà Nhật Bản trở nên dễ chịu hơn.

Vào thời điểm này, nghệ thuật làm vườn đã phát triển đặc biệt, đặt nền móng nghệ thuật và thẩm mỹ cho khu vườn Nhật Bản. Hai chế độ chính nổi lên: tsukiyama, xung quanh đồi và hồ; và hiraniwa, một khu vườn bằng phẳng với cát trắng, với đá, cây và giếng.

Thảm thực vật phổ biến nhất được tạo thành từ tre và nhiều loại hoa và cây khác nhau, hoặc thường xanh, chẳng hạn như thông đen Nhật Bản, hoặc rụng lá, chẳng hạn như phong Nhật Bản, các yếu tố như dương xỉ và bọt cũng được coi trọng.

Cây cảnh là một yếu tố điển hình khác của thiết kế nội thất và sân vườn. Các khu vườn thường bao gồm hồ hoặc ao, nhiều loại gian hàng khác nhau (thường dành cho trà đạo) và đèn lồng bằng đá. Một trong những đặc điểm tiêu biểu của khu vườn Nhật Bản, cũng như phần còn lại của nghệ thuật, là vẻ ngoài không hoàn hảo, chưa hoàn thiện và không đối xứng của nó.

Có nhiều loại vườn khác nhau: “đi bộ”, có thể được nhìn thấy đi dọc theo con đường hoặc quanh ao; của «phòng khách», có thể được nhìn thấy từ một nơi cố định, thường là một gian hàng hoặc một túp lều kiểu machiya.

Te (rōji), xung quanh một lối đi dẫn đến phòng trà, với gạch hoặc đá bakdosin đánh dấu lối đi; và “chiêm ngưỡng” (karesansui, “cảnh quan núi và nước”), là khu vườn thiền điển hình nhất, được nhìn từ một bệ đặt trong các thiền viện.

Một ví dụ điển hình là cái gọi là phong cảnh không nước của khu vườn Ryōan-ji ở Kyoto của họa sĩ kiêm nhà thơ Sōami (1480), đại diện cho một vùng biển, được tạo thành từ cát cào, đầy những hòn đảo là đá. , tạo thành một tổng thể kết hợp giữa thực tế và ảo ảnh, mời gọi sự bình tĩnh và suy ngẫm.

Một sự trỗi dậy của hội họa đã được ghi nhận, đóng khung trong thẩm mỹ Thiền, vốn tiếp nhận ảnh hưởng của Trung Quốc từ các triều đại nhà Nguyên và nhà Minh, được phản ánh chủ yếu trong nghệ thuật trang trí.

Kỹ thuật gouache đã được giới thiệu, một bản sao chép hoàn hảo của học thuyết Thiền, nhằm phản ánh ý nghĩa của chúng trong phong cảnh, thay vì những gì chúng đại diện.

Hình tượng của bunjinso nổi lên, "nhà sư trí thức" người đã tạo ra các tác phẩm của riêng mình, các học giả và tín đồ của kỹ thuật Trung Quốc bằng mực đơn sắc, trong những nét vẽ ngắn gọn và lan tỏa, người đã phản ánh trong các tác phẩm của mình các yếu tố tự nhiên như thông, lau sậy, hoa lan, tre. , đá, cây cối, chim chóc và hình người hòa mình vào thiên nhiên, trong một thái độ thiền định.

Ở Nhật Bản, kỹ thuật mực Trung Quốc này được gọi là sumi-e. Dựa trên bảy nguyên tắc thẩm mỹ của Thiền, sumi-e đã tìm cách phản ánh những cảm xúc nội tâm mãnh liệt nhất thông qua sự đơn giản và trang nhã, trong những đường nét đơn giản và khiêm tốn vượt lên trên hình dáng bên ngoài của chúng để biểu thị trạng thái giao cảm với thiên nhiên.

Sumi-e là một phương tiện (dō) để tìm kiếm tâm linh bên trong, điều này đã được các nhà sư sử dụng. Đặc tính riêng của mực, tinh tế và lan tỏa, cho phép người nghệ sĩ nắm bắt bản chất của sự vật, trong một ấn tượng đơn giản và tự nhiên, nhưng đồng thời sâu sắc và siêu việt.

Đó là một nghệ thuật thực hiện nhanh chóng theo bản năng, không thể sửa lại, một sự thật gắn kết nó với cuộc sống, nơi không thể quay lại những gì đã làm. Mỗi con đường mang theo năng lượng quan trọng (ki), vì nó là một hành động của sự sáng tạo, nơi tâm trí được đưa vào hoạt động và quá trình quan trọng hơn kết quả.

Những đại diện quan trọng nhất của sumi-e là: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei và trên hết, Sesshū Tōyō, tác giả của những bức chân dung và phong cảnh, nghệ sĩ đầu tiên vẽ khi còn sống. Sesshū là một Gaso, một nhà sư-họa sĩ, người đã đến Trung Quốc từ năm 1467 đến năm 1469, nơi ông nghiên cứu nghệ thuật và phong cảnh thiên nhiên.

Phong cảnh của ông được tạo thành từ các cấu trúc tuyến tính, được chiếu sáng bởi một ánh sáng đột ngột phản ánh khái niệm Thiền về khoảnh khắc siêu việt. Đây là những cảnh quan có sự hiện diện của các yếu tố giai thoại, chẳng hạn như những ngôi đền ở phía xa hoặc những hình người nhỏ bé, được đóng khung ở những nơi xa xôi như vách đá.

Một thể loại tranh thơ mới cũng đã xuất hiện, shinjuku, nơi phong cảnh minh họa cho một bài thơ lấy cảm hứng từ thiên nhiên. Cũng đáng nói là Trường phái Kanō do Kanō Masanobu thành lập, áp dụng kỹ thuật bột màu vào các môn học truyền thống, minh họa các chủ đề thiêng liêng, quốc gia và phong cảnh.

Chất tẩy rửa cũng được áp dụng cho các tấm chắn và tấm sơn của cửa trượt fusuma, dấu ấn của thiết kế nội thất Nhật Bản. Trong gốm sứ, trường phái Seto nổi bật, kiểu hình học phổ biến nhất là tenmoku. Sơn mài và các đồ vật bằng kim loại cũng là những ví dụ đáng chú ý từ thời kỳ này.

Thời kỳ Azuchi – Momoyama (1573–1603)

Vào thời điểm này, Nhật Bản một lần nữa được thống nhất bởi Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi và Tokugawa Ieyasu, những người đã loại bỏ các daimyō và lên nắm quyền.

Nhiệm vụ của ông trùng hợp với sự xuất hiện của các thương nhân Bồ Đào Nha và các nhà truyền giáo Dòng Tên, những người đã du nhập Cơ đốc giáo vào đất nước, mặc dù chỉ đạt một thiểu số.

Sản xuất nghệ thuật thời gian này đã rời xa thẩm mỹ Phật giáo, nhấn mạnh vào các giá trị truyền thống của Nhật Bản, với một phong cách bùng nổ. Cuộc xâm lược của Hàn Quốc vào năm 1592 đã khiến nhiều nghệ sĩ Hàn Quốc buộc phải di dời đến Nhật Bản, những người sống trong các trung tâm sản xuất đồ gốm bị cô lập với phần còn lại.

Ngoài ra, trong thời kỳ này, những ảnh hưởng phương Tây đầu tiên đã được tiếp nhận, phản ánh trong phong cách Namban, được phát triển trong điêu khắc thu nhỏ, với chủ đề thế tục, đồ sứ trang trí và màn hình gấp được trang trí theo phong cách Yamato-e, với màu sắc tươi sáng và vàng lá, trong những cảnh kể câu chuyện về sự xuất hiện của những người châu Âu trên bờ biển Nhật Bản.

Kỹ thuật phối cảnh, cũng như các biến thể khác của hội họa châu Âu như sử dụng sơn dầu, không có chỗ đứng trong loại hình nghệ thuật ở Nhật Bản.

Trong kiến ​​trúc, việc xây dựng các lâu đài vĩ đại (shiro) nổi bật, được củng cố bởi sự ra đời của các loại súng có nguồn gốc phương Tây ở Nhật Bản. Các lâu đài Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō và Fushimi-Momoyama là những ví dụ điển hình.

Lâu đài Himeji, một trong những công trình xây dựng lớn vào thời điểm đó, kết hợp những công sự đồ sộ với sự sang trọng của một cấu trúc nhìn thẳng đứng, trên XNUMX tầng bằng gỗ và thạch cao, với những hình dạng mái uốn lượn nhẹ nhàng tương tự như những ngôi đền truyền thống của Nhật Bản.

Các làng trà đạo mộc mạc, bao gồm các biệt thự hoặc cung điện nhỏ và các khu vườn lớn, cũng đã phát triển mạnh mẽ, và các nhà hát gỗ để biểu diễn kabuki đã được xây dựng ở một số thành phố.

Trong lĩnh vực hội họa, trường phái Kanō chiếm được phần lớn các ủy ban chính thức, xây dựng bức tranh tường của các lâu đài chính của Nhật Bản, có những nhân vật quan trọng tên là Kanō Eitoku và Kanō Sanraku.

Đối với các lâu đài, thiếu ánh sáng bởi các lỗ phòng thủ hẹp của chúng, một loại vách ngăn có nền vàng đã được tạo ra để phản chiếu ánh sáng và khuếch tán nó ra khắp căn phòng, với những bức tranh tường lớn được trang trí bằng những cảnh anh hùng, chẳng hạn như động vật. chẳng hạn như hổ và rồng, hoặc phong cảnh với sự hiện diện của vườn, ao và cầu, hoặc trong bốn mùa, một chủ đề khá phổ biến vào thời điểm đó.

Kỹ thuật in lụa cũng đã phát triển đáng kể, nhìn chung với loại mực mòn, theo phong cách sumi-e, có thể thấy trong các tác phẩm của Hasegawa Tōhaku (rừng thông) và Kaihō Yūshō (cây thông và cây mận dưới ánh trăng). Hình ảnh của Tawaraya Sōtatsu, tác giả của những tác phẩm năng động tuyệt vời, trong các cuộn bản thảo, màn hình và người hâm mộ, cũng được làm nổi bật.

Ông đã tạo ra một phong cách trang trí và trữ tình lấy cảm hứng từ văn tự waka của thời Heian, được gọi là rinpa, tạo ra các tác phẩm có vẻ đẹp hình ảnh tuyệt vời và cường độ cảm xúc, chẳng hạn như Câu chuyện của Genji, Con đường của Ivy, các vị thần sấm và gió. , v.v.

Việc sản xuất gốm sứ đạt đến thời điểm phát triển vượt bậc, phát triển các sản phẩm phục vụ trà đạo, lấy cảm hứng từ gốm sứ Hàn Quốc, có vẻ ngoài mộc mạc và chưa hoàn thiện phản ánh hoàn hảo nét thẩm mỹ Thiền trong nghi thức trà.

Các thiết kế mới đã xuất hiện, chẳng hạn như đĩa nezumi và bình đựng nước kogan, thường có thân màu trắng được phủ một lớp fenspat và được trang trí bằng các thiết kế đơn giản làm từ móc sắt. Đó là một loại gốm dày với bề ngoài tráng men, với quá trình xử lý chưa hoàn thiện, mang lại cảm giác không hoàn hảo và dễ bị tổn thương.

Seto vẫn là nhà sản xuất chính, trong khi tại thị trấn Mino, hai trường học quan trọng đã ra đời: Shino và Oribe. Trường phái Karatsu và hai loại gốm nguyên thủy cũng được ghi nhận:

Iga, với một kết cấu thô và một lớp men dày, với những vết nứt sâu; và Bizen, đất nung màu nâu đỏ không tráng men, vẫn còn mềm, được lấy ra khỏi bánh xe để tạo ra các vết nứt và vết rạch nhỏ tự nhiên làm cho nó có vẻ ngoài giòn, vẫn giữ được nét thẩm mỹ không hoàn hảo của Zen.

Một trong những nghệ sĩ xuất sắc nhất thời này là Honami Kōetsu, người rất xuất sắc trong hội họa, thơ ca, làm vườn, sơn mài, v.v. Được đào tạo theo truyền thống nghệ thuật của thời Heian và trong trường dạy thư pháp Shorenin, ông đã thành lập một quần thể thợ thủ công ở Takagamine, gần Kyoto, với đất do Tokugawa Ieyasu tặng.

Khu định cư đã được duy trì bởi các thợ thủ công từ Trường Phật học Nichiren và đã tạo ra một số tác phẩm chất lượng cao. Họ chuyên sản xuất đồ sơn mài, chủ yếu là phụ kiện văn phòng, được trang trí bằng vàng và khảm xà cừ, cũng như các đồ dùng và bộ đồ ăn khác nhau cho trà đạo, làm nổi bật chiếc bát fujisan đầy đặn. màu đỏ được bao phủ trong chiếc quần lót đen và trên cùng là màu trắng đục như băng tạo hiệu ứng của tuyết rơi.

Thời kỳ Edo (1603-1868)

Thời kỳ nghệ thuật này tương ứng với thời kỳ lịch sử Tokugawa, khi Nhật Bản bị đóng cửa với mọi sự tiếp xúc với bên ngoài. Thủ đô được thành lập tại Edo, Tokyo trong tương lai. Những người theo đạo Thiên chúa bị bắt bớ và các thương nhân châu Âu bị trục xuất.

Bất chấp hệ thống chư hầu, thương mại và thủ công đã phát triển mạnh mẽ, làm nảy sinh một tầng lớp tư sản lớn mạnh về quyền lực và ảnh hưởng, và cống hiến hết mình cho việc quảng bá nghệ thuật, đặc biệt là bản in, đồ gốm, đồ sơn mài và đồ gốm. tài liệu.

Các công trình tiêu biểu nhất là Cung điện Katsura ở Kyoto và Lăng Tōshō-gū ở Nikkō (1636), là một phần của "Đền và chùa Nikkō", cả hai đều được UNESCO công nhận là Di sản Thế giới vào năm 1999.

Một cái gì đó thuộc thể loại liên minh của các Phật tử Thần đạo, là lăng mộ của Tướng quân Tokugawa Ieyasu. Ngôi đền là một cấu trúc đối xứng cứng nhắc với những bức phù điêu đầy màu sắc bao phủ toàn bộ bề mặt có thể nhìn thấy được. Các công trình xây dựng đầy màu sắc và đồ trang trí quá tải của nó nổi bật, khác với phong cách của các ngôi đền thời đó.

Nội thất được trang trí bằng các chi tiết chạm khắc sơn mài với màu sắc tươi sáng và các mảng sơn tinh xảo. Cung điện Katsura (1615-1662) được xây dựng trên một quy hoạch không đối xứng lấy cảm hứng từ Zen, nơi việc sử dụng các đường thẳng trên mặt tiền bên ngoài tương phản với vẻ quanh co của khu vườn xung quanh.

Do điều kiện là nơi gia đình hoàng gia sẽ nghỉ ngơi, biệt thự bao gồm một tòa nhà chính, một số khu phụ, phòng trà và một công viên dài 70000 mét. Cung điện chính, chỉ có một tầng, được chia thành bốn khu phụ họp ở các góc.

Toàn bộ tòa nhà có một số đặc điểm là được xây dựng trên các cột trụ và phía trên là một loạt các phòng có tường và cửa, một số có các bức tranh của Kanō Tan'yū.

Đặc trưng của thời kỳ này là những ngôi nhà trà (chashitsu), nói chung là những tòa nhà nhỏ bằng gỗ lợp mái tranh, xung quanh là những khu vườn trong tình trạng bỏ hoang rõ ràng, với địa y, rêu và lá rụng, theo quan niệm Thiền. của sự bất toàn siêu việt.

Bắt đầu phát triển nghệ thuật và trí tuệ

Trong thời kỳ này, Nhật Bản từng bước nghiên cứu các kỹ thuật và tiến bộ khoa học của phương Tây (gọi là rangaku) ​​thông qua thông tin và sách nhận được từ các thương nhân Hà Lan ở Dejima.

Các lĩnh vực được nghiên cứu nhiều nhất bao gồm địa lý, y học, khoa học tự nhiên, thiên văn học, nghệ thuật, ngôn ngữ, các khái niệm vật lý như nghiên cứu các hiện tượng điện và cơ học. Cũng có một sự phát triển vượt bậc của toán học, theo một xu hướng hoàn toàn độc lập với thế giới phương Tây. Dòng điện mạnh này được gọi là wasan.

Sự nở rộ của Tân Nho giáo là sự phát triển trí tuệ lớn nhất trong thời kỳ này. Việc nghiên cứu Nho giáo đã được các giáo sĩ Phật giáo tích cực từ lâu, nhưng trong thời kỳ này, hệ thống tín ngưỡng này đã thu hút sự chú ý lớn đến quan niệm về con người và xã hội.

Chủ nghĩa nhân văn đạo đức, chủ nghĩa duy lý và quan điểm lịch sử của Nho giáo được xem như một hình mẫu xã hội. Vào giữa thế kỷ XNUMX, Nho giáo đã trở thành triết lý pháp lý thống trị và góp phần trực tiếp vào sự phát triển của hệ thống quốc học, kokugaku.

Đức tính chính của ông đối với chế độ Mạc phủ là chú trọng các mối quan hệ thứ bậc, thần phục. đầu trang. và sự phục tùng, mở rộng ra toàn xã hội và tạo điều kiện cho việc bảo tồn chế độ phong kiến.

Nghệ thuật dệt có tầm quan trọng rất lớn, chủ yếu là lụa, đạt đến mức chất lượng cao nhất, đó là lý do tại sao những chiếc váy lụa (kimono) với màu sắc tươi sáng và kiểu dáng tinh tế thường được treo trong phòng. được tách ra, như thể chúng là màn hình.

Nhiều kỹ thuật khác nhau đã được sử dụng, chẳng hạn như nhuộm, thêu, gấm, dập nổi, đính kim sa và vẽ tay. Lụa chỉ dành cho tầng lớp thượng lưu, trong khi những người mặc đồ cotton, được làm bằng kỹ thuật ikat của Indonesia, kéo thành từng đoạn và nhuộm màu chàm xen kẽ với màu trắng.

Một kỹ thuật khác có chất lượng kém hơn là dệt các sợi bông có màu sắc khác nhau, bằng thuốc nhuộm tự chế được áp dụng theo kiểu batik sử dụng bột gạo và cám gạo nấu chín và kết tụ.

Cần lưu ý rằng cũng giống như nghệ thuật Nhật Bản bị ảnh hưởng bởi nghệ thuật phương Tây vào thế kỷ XNUMX, nó cũng bị ảnh hưởng bởi tính kỳ lạ và tính tự nhiên của nghệ thuật Nhật Bản. Đây là cách mà cái gọi là chủ nghĩa Nhật Bản ra đời ở phương Tây, phát triển chủ yếu vào nửa sau của thế kỷ XNUMX, đặc biệt là ở Pháp và Anh.

Điều này đã được tiết lộ trong cái gọi là Nhật Bản, những đồ vật lấy cảm hứng từ tranh in Nhật Bản, đồ sứ, sơn mài, quạt và đồ vật bằng tre, đã trở thành thời trang cả trong trang trí nhà cửa và nhiều quần áo cá nhân phản ánh sự tưởng tượng và chủ nghĩa phân biệt của văn hóa Nhật Bản. .

Trong hội họa, phong cách trường phái ukiyo-e được đón nhận nhiệt tình, các tác phẩm của Utamaro, Hiroshige và Hokusai được đánh giá cao. Các nghệ sĩ phương Tây đã bắt chước cách xây dựng không gian được đơn giản hóa, các đường nét đơn giản, phong cách thư pháp và khả năng cảm thụ tự nhiên của hội họa Nhật Bản.

Thời đương đại (từ năm 1868)

Vào thời kỳ Minh Trị (1868-1912), một thời kỳ phục hưng sâu sắc về văn hóa, xã hội và công nghệ bắt đầu ở Nhật Bản, mở cửa nhiều hơn với thế giới bên ngoài và bắt đầu kết hợp những tiến bộ mới đạt được ở phương Tây. Hiến chương năm 1868 xóa bỏ đặc quyền phong kiến ​​và sự khác biệt giai cấp, điều này không dẫn đến sự cải thiện của các giai cấp vô sản bị bần cùng hóa.

Một thời kỳ bành trướng mạnh mẽ của chủ nghĩa đế quốc bắt đầu, dẫn đến Chiến tranh thế giới thứ hai. Sau chiến tranh, Nhật Bản đã trải qua quá trình dân chủ hóa và phát triển kinh tế, đưa nước này trở thành một trong những cường quốc kinh tế hàng đầu thế giới và là trung tâm hàng đầu về sản xuất công nghiệp và đổi mới công nghệ. Sau thời đại Minh Trị là các thời đại Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) và Heisei (1989-).

Kể từ năm 1930, quá trình quân sự hóa và mở rộng tiến bộ ở Trung Quốc và Nam Á, cùng với sự gia tăng nguồn lực phân bổ cho ngân sách quân sự, đã dẫn đến sự suy giảm sự bảo trợ nghệ thuật. Tuy nhiên, với sự bùng nổ kinh tế sau chiến tranh và sự thịnh vượng mới đạt được cùng với sự nghiệp công nghiệp hóa đất nước, nghệ thuật đã được tái sinh, đã hòa mình hoàn toàn vào các trào lưu nghệ thuật quốc tế do quá trình toàn cầu hóa văn hóa.

Tương tự như vậy, sự thịnh vượng kinh tế khuyến khích việc sưu tầm, tạo ra nhiều bảo tàng và trung tâm triển lãm đã giúp truyền bá và bảo tồn nghệ thuật Nhật Bản và quốc tế. Trong lĩnh vực tôn giáo, việc thành lập Thần đạo vào thời Minh Trị là tôn giáo chính thức duy nhất (Shinbutsu bunri) đã dẫn đến việc bỏ hoang và phá hủy các ngôi đền Phật giáo và các tác phẩm nghệ thuật, điều này sẽ không thể sửa chữa nếu không có sự can thiệp của Ernest Fenollosa, giáo sư của triết học. từ Đại học Hoàng gia Tokyo.

Cùng với ông trùm và người bảo trợ William Bigelow, ông đã lưu giữ một số lượng lớn các tác phẩm nuôi dưỡng bộ sưu tập nghệ thuật Phật giáo tại Bảo tàng Mỹ thuật ở Boston và Phòng trưng bày nghệ thuật Freer ở Washington DC, hai trong số những bộ sưu tập nghệ thuật châu Á tốt nhất trong thế giới.

Kiến trúc có hai hướng: truyền thống (đền Yasukuni, đền Heian Jingu và Meiji, ở Tokyo) và kiến ​​trúc chịu ảnh hưởng của châu Âu, tích hợp công nghệ mới (Bảo tàng Yamato Bunkakan, của Iso Hachi Yoshida, ở Nara).

Phương Tây hóa dẫn đến việc xây dựng các công trình mới như ngân hàng, nhà máy, nhà ga và các công trình công cộng, được xây dựng bằng vật liệu và kỹ thuật phương Tây, ban đầu bắt chước kiến ​​trúc thời Victoria của Anh. Một số kiến ​​trúc sư nước ngoài cũng đã từng làm việc tại Nhật Bản, chẳng hạn như Frank Lloyd Wright (Khách sạn Imperial, Tokyo).

Kiến trúc và đô thị đã nhận được một sự thúc đẩy lớn sau Thế chiến thứ hai, do nhu cầu xây dựng lại đất nước. Sau đó, một thế hệ kiến ​​trúc sư mới xuất hiện.

Được dẫn dắt bởi Kenzō Tange, tác giả của các công trình như Bảo tàng Tưởng niệm Hòa bình Hiroshima, Nhà thờ Thánh Mary ở Tokyo, Sân vận động Olympic cho Thế vận hội Tokyo 1964, v.v.

Các sinh viên và những người theo học Tange đã tạo ra khái niệm kiến ​​trúc được hiểu là "sự trao đổi chất", xem các tòa nhà là những dạng hữu cơ phải được điều chỉnh cho phù hợp với nhu cầu chức năng.

Phong trào thành lập năm 1959, họ nghĩ đến việc tạo ra một trung tâm dân cư, tiền đề là tạo ra một loạt các tòa nhà thay đổi theo những thay đổi bên ngoài, như thể nó là một sinh vật.

Các thành viên của nó bao gồm Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe và Kiyonori Kikutake. Một đại diện khác là Maekawa Kunio, người đã cùng với Tange đưa những ý tưởng thẩm mỹ cũ của Nhật Bản vào những tòa nhà đương đại cứng nhắc.

Một lần nữa sử dụng các kỹ thuật và vật liệu truyền thống như chiếu tatami và sử dụng các cột trụ, một yếu tố xây dựng truyền thống trong các ngôi đền Nhật Bản, hoặc sự tích hợp của các khu vườn và tác phẩm điêu khắc trong các sáng tạo của mình. Tôi không quên sử dụng kỹ thuật chân không, nó đã được Fumihiko Maki nghiên cứu trong mối quan hệ không gian giữa tòa nhà và môi trường xung quanh nó.

Từ những năm 1980, nghệ thuật hậu hiện đại đã có một chỗ đứng vững chắc ở Nhật Bản, vì từ thời cổ đại, sự hòa quyện giữa yếu tố bình dân và sự tinh tế của hình thức là đặc trưng.

Phong cách này chủ yếu được thể hiện bởi Arata Isozaki, tác giả của Bảo tàng Nghệ thuật Kitakyushu và Phòng hòa nhạc Kyoto. Isozaki đã nghiên cứu với Tange và trong công việc của mình, ông đã tổng hợp các khái niệm phương Tây với các ý tưởng không gian, chức năng và trang trí đặc trưng của Nhật Bản.

Về phần mình, Tadao Andō đã phát triển một phong cách đơn giản hơn, với mối quan tâm lớn về sự đóng góp của ánh sáng và không gian mở cho không khí bên ngoài (Nhà nguyện trên mặt nước, Tomanu, Hokkaidō; Nhà thờ ánh sáng, Ibaraki, Osaka; Bảo tàng Trẻ em, Himeji).

Shigeru Ban được đặc trưng bởi việc sử dụng các vật liệu độc đáo, chẳng hạn như giấy hoặc nhựa: sau trận động đất Kobe năm 1995, khiến nhiều người mất nhà cửa, Ban đã đóng góp bằng cách thiết kế Delo được biết đến với tên gọi Nhà giấy và Nhà thờ Giấy, cuối cùng là Toyō Itō khám phá hình ảnh vật lý của thành phố trong thời đại kỹ thuật số.

Trong điêu khắc cũng có tính hai mặt truyền thống - tiên phong, làm nổi bật tên của Yoshi Kimuchi và Romorini Toyofuku, bên cạnh Masakazu Horiuchi và Yasuo Mizui, những cư dân sau này ở Pháp. Isamu Noguchi và Nagare Masayuki đã kết hợp truyền thống điêu khắc phong phú của đất nước họ trong các tác phẩm nghiên cứu sự tương phản giữa độ nhám và độ bóng của vật liệu.

Bức tranh cũng đi theo hai xu hướng: truyền thống (nihonga) và phương tây (yōga), mặc dù có sự tồn tại của cả hai, hình tượng của Tomioka Tessai vẫn được duy trì vào đầu thế kỷ 20. Trong khi phong cách nihonga được đẩy mạnh vào cuối thế kỷ Thế kỷ 19 bởi nhà phê bình nghệ thuật Okakura Kakuzō và nhà giáo dục Ernest Fenollosa.

Hướng đến nghệ thuật truyền thống cho hình thức biểu đạt nguyên mẫu của cảm thụ Nhật Bản, mặc dù phong cách này cũng đã nhận được một số ảnh hưởng của phương Tây, đặc biệt là từ thời Tiền Raphaelite và Chủ nghĩa lãng mạn. Anh chủ yếu được đại diện bởi Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison và Kobayashi Kokei.

Hội họa phong cách châu Âu lần đầu tiên được nuôi dưỡng bởi các kỹ thuật và chủ đề được sử dụng ở châu Âu vào cuối thế kỷ XNUMX, chủ yếu liên quan đến chủ nghĩa hàn lâm, như trường hợp của Kuroda Seiki, người đã học vài năm ở Paris, nhưng sau đó tiếp tục. các trào lưu khác nhau đã xảy ra trong nghệ thuật phương Tây:

Nhóm Hakuba Kai chịu ảnh hưởng của trường phái Ấn tượng; tranh trừu tượng có Takeo Yamaguchi và Masanari Munay làm nhân vật chính; Các nghệ sĩ tượng hình bao gồm Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen và Higashiyama Kaii. Một số nghệ sĩ đã định cư bên ngoài đất nước của họ, chẳng hạn như Genichiro Inokuma ở Hoa Kỳ và Tsuguharu Foujita ở Pháp.

Trong Taishō, phong cách yōga có ảnh hưởng nhiều nhất đến nihonga, mặc dù việc sử dụng ngày càng nhiều ánh sáng và quan điểm châu Âu đã làm giảm sự khác biệt giữa hai dòng điện.

Cũng như nihonga chủ yếu áp dụng những đổi mới của chủ nghĩa Hậu Ấn tượng, yōga thể hiện thiên hướng chủ nghĩa chiết trung, nổi lên từ nhiều phong trào nghệ thuật khác nhau.

Đối với giai đoạn này, Học viện Mỹ thuật Nhật Bản (Nihon Bijutsu In) đã được thành lập. Hội họa thời đại Shōwa được đánh dấu bởi tác phẩm của Yasuri Sotaro và Umehara Ryuzaburo, những người đã đưa ra các khái niệm nghệ thuật thuần túy và hội họa trừu tượng cho truyền thống Nihonga.

Năm 1931, Hiệp hội Nghệ thuật Độc lập (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) được thành lập để quảng bá nghệ thuật tiên phong.

Ngay từ Thế chiến thứ hai, các quy định pháp luật của chính phủ đã nhấn mạnh rõ ràng đến các chủ đề yêu nước. Sau chiến tranh, các nghệ sĩ xuất hiện trở lại ở các thành phố lớn, đặc biệt là Tokyo.

Tạo ra nghệ thuật đô thị và quốc tế, hết sức tuân theo những đổi mới phong cách được sản xuất trên toàn thế giới, đặc biệt là ở Paris và New York. Sau phong cách trừu tượng của những năm sáu mươi, những năm bảy mươi quay trở lại với chủ nghĩa hiện thực được ưa chuộng bởi nghệ thuật đại chúng, như được biểu thị bằng tác phẩm của Shinohara Ushio.

Đáng chú ý là một điều thú vị đã xảy ra vào cuối những năm 1970, đó là sự quay trở lại của nghệ thuật truyền thống Nhật Bản, trong đó họ thấy được sức mạnh biểu cảm và sức mạnh cảm xúc lớn hơn.

Truyền thống sản xuất tranh in tiếp tục vào thế kỷ XNUMX theo phong cách "bản in sáng tạo" (sosaku hanga) được vẽ và điêu khắc bởi các nghệ sĩ tốt nhất là theo phong cách nihonga, chẳng hạn như Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi và Munakata Shiko.

Trong số các xu hướng mới nhất, Gutai Group đã có tiếng tăm trong nghệ thuật hành động, vốn đánh đồng trải nghiệm của Thế chiến thứ hai thông qua các hành động được cho là trớ trêu, với cảm giác căng thẳng và tính hiếu chiến tiềm ẩn.

Nhóm Gutai bao gồm: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto và Katsuō Shiraga. Liên kết với nghệ thuật hậu hiện đại, một số nghệ sĩ, tham gia vào hiện tượng toàn cầu hóa gần đây, được đánh dấu bởi tính đa văn hóa của các biểu hiện nghệ thuật.

Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Các nghệ sĩ đương đại nổi bật khác của Nhật Bản bao gồm: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 và Takashi Murakami.

Nếu bạn thấy bài viết này thú vị, chúng tôi mời bạn thưởng thức những bài viết khác:


Hãy là người đầu tiên nhận xét

Để lại bình luận của bạn

địa chỉ email của bạn sẽ không được công bố. Các trường bắt buộc được đánh dấu bằng *

*

*

  1. Chịu trách nhiệm về dữ liệu: Blog Actualidad
  2. Mục đích của dữ liệu: Kiểm soát SPAM, quản lý bình luận.
  3. Hợp pháp: Sự đồng ý của bạn
  4. Truyền thông dữ liệu: Dữ liệu sẽ không được thông báo cho các bên thứ ba trừ khi có nghĩa vụ pháp lý.
  5. Lưu trữ dữ liệu: Cơ sở dữ liệu do Occentus Networks (EU) lưu trữ
  6. Quyền: Bất cứ lúc nào bạn có thể giới hạn, khôi phục và xóa thông tin của mình.