Як тисячолітня культура, Японія демонструвала своє мистецтво за всі ці роки, дізнайтеся з нами через цю цікаву статтю все про тисячоліття Мистецтво японський, розвивався з часом у різних періодах і стилях. Не пропустіть це!
японське мистецтво
Говорячи про японське мистецтво, ми говоримо про те, що сповіщала ця цивілізація з часом у різних фазах і стилях, які були тимчасово розгорнуті разом із соціальним і культурним розвитком японського народу.
Варіації, які зазнає мистецтво в Японії, є наслідками її технологічного розвитку, де ми можемо усвідомити використання сировини країни в її художньому вираженні. Як і так зване західне мистецтво, його найбільш символічні прояви були під впливом релігії та політичної влади.
Однією з головних характеристик японського мистецтва є його еклектизм, що походить від різних народів і культур, які з часом прибули на його береги: перші поселенці, які оселилися в Японії, відомі як айни, належали до північнокавказької гілки та Східної Азії, ймовірно. прибув, коли Японія ще була приєднана до материка.
Походження цих поселенців невідоме, і історики розглядають різні гіпотези, від урало-алтайської раси до можливого індонезійського чи монгольського походження. У будь-якому випадку їхня культура ніби відповідала верхньому палеоліту чи мезоліту.
Згодом різні групи малайської раси з Південно-Східної Азії або тихоокеанських островів прибули до берегів Японії, а також до Кореї та різних частин Китаю, поступово запроваджуючись з півдня, витісняючи айнів. на північ від Японії, тоді як у пізнішій хвилі до Японії прийшли різні одноетнічні групи з Китаю та Кореї.
До цієї расової суміші слід додати вплив інших культур: через свою острівність Японія була ізольована протягом більшої частини своєї історії, але час від часу вона зазнавала впливу материкових цивілізацій, особливо Китаю та Кореї, особливо з V століття.
Таким чином, японська культура предків, яка виникла з послідовних форпостів імміграції, додала іноземний вплив, створивши еклектичне мистецтво, відкрите для інновацій та стилістичного прогресу.
Цікаво також відзначити, що велика частина мистецтва, створеного в Японії, заснована на релігійній основі: до типової для регіону синтоїстської релігії, що сформувалася приблизно в XNUMX столітті, буддизм був доданий приблизно в XNUMX столітті, створивши релігійний злиток, який все ще триває. також залишила своє відображення в мистецтві.
Японське мистецтво є наслідком цих різних культур і традицій, по-своєму інтерпретуючи форми мистецтва, імпортовані з інших країн, яких воно досягає відповідно до своєї концепції життя та мистецтва, вносячи зміни та спрощуючи його особливі характеристики.
Подібно до витончених китайських буддійських храмів, які в Японії пережили метаморфозу необхідності відмовитися від певних елементів свого мистецтва і поєднати їх з іншими, це виражає союзний характер цього мистецтва, тому воно завжди природно бере щось з іншої культури. інших країн.
Японське мистецтво має в японській культурі велике відчуття медитації та взаємозв'язку між людиною і природою, також представлене в предметах, які його оточують, від найбільш витіюватих і яскравих до найпростіших і повсякденних.
Це видно з цінності, яку надають недосконалості, ефемерної природи речей, гуманітарного почуття, яке японці встановлюють у своєму оточення. Так само, як і в чайній церемонії, вони цінують спокій і умиротворення цього стану споглядання, якого досягають за допомогою простого ритуалу, заснованого на простих компонентах і гармонії асиметричного і незавершеного простору.
Для них спокій і рівновага асоціюються з теплом і комфортом, якостями, які, в свою чергу, є справжнім відображенням їх уявлення про красу. Навіть під час їжі важлива не кількість їжі чи її подача, а чуттєве сприйняття їжі та естетичний сенс, який вона надає будь-якій дії.
Так само художники та майстри цієї країни мають високий рівень зв’язку зі своєю творчістю, відчуваючи матеріали як невід’ємну частину свого життя та спілкування з навколишнім середовищем.
Основи японського мистецтва
Японське мистецтво, як і решта його філософії - або, просто, його спосіб бачення життя - підпорядковується інтуїції, відсутності раціональності, емоційного вираження і простоти дій і думок. часто виражається символічно.
Дві відмінні риси японського мистецтва — простота і природність: художні вирази — це відображення природи, тому вони не вимагають ретельного виробництва, все це призводить до того, що художники хочуть, щоб те, що намічено, запропоновано, було розшифровано пізніше. з боку глядача.
Ця простота викликала в живописі тенденцію до лінійного малюнка, без перспективи, з великою кількістю порожніх просторів, які, тим не менш, гармонійно інтегруються в ціле. В архітектурі він матеріалізується в лінійних конструкціях, з асиметричними площинами, у поєднанні динамічних і статичних елементів.
У свою чергу, ця простота в японському мистецтві пов’язана з вродженою простотою у відносинах між мистецтвом і природою, яка є частиною їхньої ідіосинкразії, що відбивається в їхньому житті, і вони переживають це з тонким відчуттям меланхолії, майже смутку.
Як зміна пір року дає їм відчуття швидкоплинності, де можна побачити еволюцію, яка існує в природі завдяки швидкоплинній природі життя. Ця простота відображена передусім в архітектурі, яка гармонійно вписується в оточення, про що свідчить використання природних матеріалів, без роботи, демонструючи її грубий, незавершений вигляд. У Японії природа, життя і мистецтво нерозривно пов’язані, а художні досягнення є символом усього Всесвіту.
Японське мистецтво прагне досягти універсальної гармонії, виходячи за межі матерії, щоб знайти породжуючий принцип життя. Японська орнаментика прагне знайти сенс життя через мистецтво: Краса японського мистецтва є синонімом гармонії, творчості; це поетичний порив, чуттєвий шлях, що веде до усвідомлення твору, що не має самоцілі, а виходить за його межі.
Те, що ми називаємо красою, — це філософська категорія, яка відсилає нас до існування: вона полягає в досягненні сенсу за допомогою цілого. Як сказав Сузукі Дайсецу: «краса не у зовнішній формі, а в тому сенсі, в якому вона виражена».
Мистецтво починається не з його розумного характеру, а з його сугестивних атрибутів; Це не повинно бути точним, але показати дар, який веде до цілісності. Він прагне охопити істотне через ту частину, яка наводить на думку ціле: порожнеча є доповненням до існуючого японця.
У східній думці існує єдність між матерією і духом, яка переважає в спогляданні і спілкуванні з природою, через внутрішню прихильність, інтуїцію. Японське мистецтво (гей) має більш трансцендентне значення, більш нематеріальне, ніж концепція прикладного мистецтва на Заході: це будь-який прояв розуму, що розуміється як життєва енергія, як сутність, що дає життя нашому тілу, що насправді розвивається і розвивається. розвивається, усвідомлюючи єдність між тілом, розумом і духом.
Почуття японського мистецтва розвивалося з часом: від його зародження, де існували перші сліди мистецтва та краси, вони сягають давніх часів, коли вироблялися творчі принципи японської культури та ті, що були виражені у найважливіших творах національної культури. література:
Кодзикі, Ніхоншокі та Ман 'йошу, вищезазначені публікації, перші два – про перші твори історії Японії, а остання – про вірші, написані протягом першого тисячоліття, на той час панувала думка Саясі («чиста, звичайно, свіжо»), що натякає на якусь красу, що характеризується простотою, свіжістю, певною наївністю, яка виникає при використанні легких і природних матеріалів, таких як Haniwa Figure Land або дерево в архітектурі.
Ми можемо зарахувати храм Ісе як найкраще уявлення цього стилю, зроблений з кипарисового дерева, який оновлювався кожні двадцять років, починаючи з XNUMX століття, щоб зберегти його відвертість і свіжість. З цього поняття випливає одна з констант японського мистецтва: цінність, що приписується ефемерній, ефемерній, ефемерній красі, що розвивається з часом.
У Man 'yōshū саякеші проявляється в почуттях вірності й випробування, а також в описі того, як такі компоненти, як небо та море, надають йому відчуття величі, яке переповнює людину.
Саякеші пов'язано з концепцією Нару («становлення»), в якій час цінується як життєва енергія, яка сходить у становленні, в кульмінації всіх дій і всіх життів.
Поміщаючи себе в періоди Нара і Хейан, мистецький аспект мистецтва швидко розвивався завдяки першому контакту з китайською культурою, а також приходу буддизму. Основним поняттям цієї епохи було совість, емоційне почуття, яке переповнює глядача і веде до глибокого почуття співпереживання або жалю.
Це пов’язано з іншими термінами, такими як окаші, той, що приваблює своєю радістю та приємним характером; омоширої — властивість сяючих речей, що привертають увагу своїм блиском і ясністю; юбі, концепція витонченості, елегантності; юга, якість витонченості краси; en, привабливість чарівності; король, краса спокою; ясасі, краса розсудливості; і ушин, глибоке відчуття художнього.
Історія Мурасакі Сікібу про Гендзі, яка втілила нову естетичну концепцію під назвою «моно-не-свідомість» - термін, введений Моторі Норінага-, який передає відчуття меланхолії, споглядального смутку, що походить від швидкоплинності речей, швидкоплинної краси, яка триває мить і залишається в пам'яті.
Але перш за все це відчуття тонкої меланхолії, яке може призвести до глибокого смутку, коли глибоко відчуваєш видихувану красу всіх істот природи.
Ця філософія «ідеального прагнення» до краси, медитативного стану, де зустрічаються думка і світ почуттів, характерна для вродженої японської витонченості краси, і вона проявляється у фестивалі Ханамі, святкуванні вишневого дерева в цвітіння.
У японське середньовіччя, періоди Камакура, Муромачі та Момояма, для яких характерним було військове панування у всьому феодальному суспільстві країни, виникло поняття до («шлях»), що породило розвиток мистецтва того часу. , проявляється в церемоніальній практиці соціальних обрядів, про що свідчать сьодо (каліграфія), чадо (чайна церемонія), кадо або ікебана (мистецтво аранжування квітів) і кодо (церемонія кадила).
Практики мають значення не результат, а скоріше еволюційний процес, еволюція в часі - знову ж таки нару -, а також талант, виявлений у досконалому виконанні обрядів, що означає майстерність, а також духовну відданість у прагнення до досконалості.
Вирішальний вплив на ці нові концепції мав варіант буддизму під назвою дзен, який підкреслює певні «правила життя», засновані на медитації, де людина втрачає самосвідомість. Таким чином, вся повсякденна праця виходить за межі своєї матеріальної сутності, щоб означати духовний прояв, що відображається в русі й ритуальному плині часу.
Ця концепція знайшла своє відображення і в садівництві, яке досягає такого ступеня важливості, де сад є баченням космосу, з великою порожнечею (морем), заповненою предметами (острівцями), втіленими в пісок і скелі. , і де рослинність нагадує плин часу.
Амбівалентність дзен між простотою та глибиною трансцендентного життя наповнює дух «простої елегантності» (вабі) не лише в мистецтві, а й у поведінці, соціальних стосунках та більш повсякденних аспектах життя. . Майстер Сесшу сказав, що «дзен і мистецтво — одне ціле».
Цей дзен представлений у семи декоративних фактах: фукінсей, спосіб заперечення оптимізації для досягнення балансу, наявного в природі; kanso , вийміть те, що залишилося, і те, що ви витягнете, змусить вас відкрити для себе простоту природи.
Коко (самотня гідність), якість, яку люди та предмети набувають з часом і надають їм більшої чистоти їхньої сутності; shizen (природність), яка пов'язана з щирістю, природне є справжнім і нетлінним; yūgen (глибина), справжня сутність речей, яка виходить за межі їхньої простої матеріальності, їх поверхневого вигляду.
Datsuzoku (відстороненість), свобода в практиці мистецтва, місія якого полягає в тому, щоб звільнити розум, а не керувати ним - таким чином, мистецтво обходиться без будь-яких параметрів і правил -; сейяку (внутрішня безтурботність), у ситуації тиші, спокою, необхідного для того, щоб протікали шість попередніх принципів.
Особливо це чайна церемонія, де японське поняття мистецтва та краси майстерно синтезовано, створюючи справжню естетичну релігію: «теїзм». Ця церемонія представляє культ краси в протиставленні вульгарності повсякденності. Його філософія, як етична, так і естетична, виражає цілісне уявлення людини з природою.
Його простота пов’язує дрібниці з космічним порядком: життя – це вираз, а дії завжди відображають думку. Часове дорівнює духовному, мале — велике.Це поняття зустрічається також у чайній кімнаті (сукія), ефемерному будівельному продукті поетичного пориву, позбавленому орнаменту, де шанують недосконале, і завжди залишають щось. незавершені, які доповнять уяву.
Відсутність симетрії характерна, оскільки дзен думає, що прагнення до досконалості важливіше самого себе. Відкрити красу можна лише тим, хто за допомогою своїх міркувань доповнює те, чого не вистачає.
Нарешті, в сучасну епоху, яка почалася з періоду Едо, хоча попередні ідеї зберігаються, вводяться нові художні класи, які пов’язані з появою інших соціальних порядків, що виникають у міру модернізації Японії: суй — це певний духовний делікатес, знайдений переважно в літературі Осаки.
Думка Ікі — це гідна і безпосередня благодать, особливо присутня в кабукі; Карумі — це концепція, яка захищає легкість як щось споконвічне, під яким виходить «глибина» речей, що відображено, зокрема, у поезії хайку, де Шіорі — ностальгічна красуня.
«Ніщо не триває, ніщо не є завершеним і ніщо не є ідеальним». Це були б три ключі, на яких базується «Вабі сабі», японський вираз (або тип естетичного бачення), який відноситься до краси недосконалого, неповного і мінливого, хоча це стосується також і в краса скромне і скромне, нетрадиційне. Філософія «вабі сабі» полягає в тому, щоб насолоджуватися сьогоденням і знаходити мир і гармонію в природі та дрібницях, а також мирно прийняти природний цикл зростання і занепаду.
В основі всіх цих елементів лежить ідея мистецтва як творчого процесу, а не як матеріального досягнення. Окакура Какузо писав, що «лише художники, які вірять у вроджену викривлення своєї душі, здатні створити справжню красу».
Періодизація японського мистецтва
У цій статті ми будемо використовувати сегментацію на великі періоди з точки зору помітних мистецьких змін і політичних рухів. Вибір зазвичай варіюється відповідно до авторських критеріїв, і багато з них також можна розділити. Однак існують також відмінності щодо початку та кінця деяких із цих періодів. Ми візьмемо той, який зробив археолог Чарльз Т. Келлі, а саме:
Японське мистецтво в пластиці
У періоди мезоліту та неоліту він залишався ізольованим від континенту, тому все його виробництво було власним, хоча мало значення. Вони були напівосілими суспільствами, жили в невеликих селах з будинками, вкопаними в землю, добували свої харчові ресурси переважно з лісу (олені, кабани, горіхи) та моря (риба, ракоподібні, морські ссавці).
Ці товариства мали продуману організацію роботи і займалися вимірюванням часу, про що свідчать кілька залишків круглих кам’яних споруд в Ою і Комакіно, які виконували роль сонячних годин. Вони, очевидно, мали стандартизовані одиниці виміру, про що свідчать кілька будівель, побудованих за певними моделями.
У певних місцях, що відповідають цьому періоду, знайдено шліфовані кам’яні та кістяні артефакти, кераміка та антропоморфні фігури. Слід зазначити, що кераміка Джомон є найдавнішою рукотворною керамікою: найдавніші сліди рудиментарної кераміки датуються 11.000 XNUMX р. до н.е., у невеликому, виготовленому вручну посуді з полірованими боками та великими внутрішніми сторонами. , з функціональним змістом і суворим декором.
Ці залишки відповідають періоду, який називається «преджомон» (11000 7500-7500 2500 рр. до н. е.), за яким слідує «архаїчний» або «ранній» Джомон (XNUMX XNUMX-XNUMX XNUMX рр. до н. е.), де виготовляється найтиповіша кераміка Джомон, виготовлена вручну та прикрашена. з надрізами або слідами мотузки, на основі своєрідних глибоких глекоподібних судин. Основне оздоблення складали відбитки, виконані шнурами рослинних волокон, які натискали на кераміку перед випалом.
У кількох областях ці розрізи досягли високого ступеня опрацювання, з ідеально точеними краями, малюючи серію дуже складних абстрактних ліній. У рідкісних випадках були знайдені залишки фігуративних сцен, як правило, антропоморфні та зооморфні малюнки (жаби, змії), що висвітлюють сцену полювання у вазі, знайденій у Хіракубо, на північ від Хонсю.
Нарешті, у «Пізньому Джомон» (2500-400 рр. до н.е.) посудини повернулися до більш природної, менш складної форми, з круглодонними чашами і посудинами, амфорами з вузьким горлом і чашами з ручками, часто з стрижнями. або підняту основу. Орієнтири гончарних виробів Джомон: Тайшакукіо, Торіхама, Тогарі-іші, Мацусіма, Камо та Окінохара на острові Хонсю; Собата на острові Кюсю; і Хаманасуно і Токоро на острові Хоккайдо.
Крім ваз, у кераміці виготовляли різні фігурки у вигляді людей чи тварин, які були виготовлені з кількох частин, тому залишків цілих шматків виявлено небагато. Ті, що знаходяться в антропоморфній формі, можуть мати чоловічі або жіночі ознаки, також були знайдені деякі з андрогінних знаків.
У деяких з них роздувся живіт, тому вони могли бути пов’язані з поклонінням плодючості. Варто відзначити точність деталей, які демонструють деякі фігури, як-от акуратні зачіски, татуювання та декоративні сукні.
Здається, що в цих суспільствах дуже значним було оздоблення тіла, переважно у вухах, керамічними сережками різного виробництва, прикрашеними червонуватими барвниками. У Чіамігайто (острів Хонсю) було знайдено понад 1000 таких прикрас, що свідчить про місцеву майстерню для розробки цих виробів.
Різні маски також датуються цим періодом, що позначає індивідуальну роботу над обличчями. Таким же чином виготовляли різні види зелених намистин з жадеїту, і вони були знайомі з лаковими роботами, про що свідчать кілька застібок, знайдених у Торіхамі. Також знайдено залишки мечів, кісток або рогів зі слонової кістки.
Період Яйой (500 р. до н. е. – 300 р. н. е.)
Цей період означав остаточне становлення аграрного суспільства, що спричинило вирубку лісів на великих площах території.
Ця трансформація призвела до еволюції японського суспільства в технологічній, культурній та соціальній сферах із більшим соціальним розшаруванням і спеціалізацією праці, а також спричинила збільшення збройних конфліктів.
Японський архіпелаг був усіяний невеликими державами, утвореними навколо кланів (удзі), серед яких переважали Ямато, що дало початок імператорській родині. Потім з'явився синтоїзм, міфологічна релігія, яка повалила імператора Аматерасу, богині сонця.
Ця релігія пропагувала справжнє відчуття чистоти та свіжості японського мистецтва, віддаючи перевагу чистим матеріалам і без прикрас, з відчуттям інтеграції з природою (камі або надсвідомістю). З XNUMX століття до н.е. С. почав запроваджувати континентальну цивілізацію, що обумовлено відносинами з Китаєм і Кореєю.
Культура Яйой з'явилася на острові Кюсю приблизно в 400-300 рр. до н.е. C., і переїхав до Хонсю, де поступово замінив культуру Джомон. У цей період було розширено своєрідне велике поховання з камерою та курганом, прикрашеним теракотовими циліндрами з фігурами людей і тварин.
Села були оточені ровами, з’явилися різноманітні сільськогосподарські знаряддя (зокрема кам’яна знаряддя у формі півмісяця, що використовували для збирання врожаю), а також різноманітна зброя, наприклад, луки та стріли з полірованими кам’яними наконечниками.
У гончарному мистецтві спеціально виготовляли такі предмети: глеки, вази, тарілки, чашки та пляшки з певними особливостями. Вони мали поліровану поверхню, з простим оздобленням, здебільшого надрізами, пунктирними та зигзагоподібними розтяжками, найбільш використовуваним предметом було скло, ім’я якого було Цубо.
Він виділяв роботу з металами, переважно з бронзою, такими як так звані дзвони дотаку, які служили обрядовими предметами, прикрашеними спіралями (рюсуй) у вигляді проточної води, або рельєфними тваринами (переважно олені, птахи, комахи та амфібій), а також сцени полювання, рибальства та сільськогосподарських робіт, особливо пов’язаних з рисом.
Здається, олень мав особливе значення, можливо, пов’язане з певним божеством: у багатьох місцях було знайдено безліч оленячих лопаток з надрізами або відмітками, зробленими вогнем, що, як кажуть, пов’язано з типом ритуалу.
Інші декоративні предмети, знайдені на місцях Яйой, включають: дзеркала, мечі, різноманітні намистини та магатама (шматочки нефриту та агату у формі кешью, які служили дорогоцінними каменями родючості).
Період Кофун (300-552)
Ця епоха ознаменувала консолідацію Центральної імперської держави, яка контролювала важливі ресурси, такі як залізо та золото. Архітектура розвивалася переважно на цвинтарі з типовими камерними та прохідними гробницями, які називалися кофун («стара гробниця»), на яких здіймалися великі насипи землі.
Вражають поховання імператорів Одзіна (346-395) і Нінтоку (395-427), де знайдено велику різноманітність предметів, серед яких були; ювелірні вироби, фігурки з різних матеріалів, особливо теракотові фігурки.
Ці статуетки були близько шістдесяти сантиметрів заввишки, практично безвиразні, лише з кількома прорізами в очах і роті, хоча вони є дуже актуальним зразком мистецтва того часу.
За одягом і начинням у цих персонажів виділяються різні ремесла, як-от хлібороби, ополченці, ченці, провінційні жінки, менестрелі тощо.
Наприкінці цього періоду також з'явилися фігури тварин, зокрема оленів, собак, коней, кабанів, кішок, курей, овець і риб, що вказують на важливість тогочасного військового поселення, стильові особливості якого пов'язані з культурою Силла. . з Кореї, а також різновид кераміки під назвою Суекі, яка темна і дуже тонка, з дзвінкими аксесуарами.
Соціальна диференціація призвела до ізоляції правлячих класів у ексклюзивних районах міст, таких як Йосіногарі, і в кінцевому підсумку остаточно відокремилися в ізольованих районах, таких як Міцудера або палацові комплекси Кансай, Ікаруга та Асука-Ітабукі.
Що стосується релігійної архітектури, то ранні синтоїстські храми (джиндзя) були зроблені з дерева, на піднятій основі і відкритих стінах або розсувних перегородках, з основами, які підтримували похилий дах.
Одним з його характерних компонентів є торії, вхідна арка, що позначає вхід до священного місця. Зверніть увагу на храм Ісе, який перебудовували кожні двадцять років з XNUMX століття.
Головна будівля (Шоден) має фальшпол і двосхилий дах, з дев’ятьма базами, до яких можна потрапити зовнішніми сходами. Це в стилі сінмей зукурі, який відображає пізній синтоїстський стиль, до приходу буддизму в Японію.
Іншим міфічним храмом невизначеного походження є Ідзумо Тайша поблизу Мацуе, легендарний храм, заснований Аматерасу. Він у стилі тайша зукурі, вважається найстарішим серед святинь, головною визначною пам'яткою є піднесення будівлі на пілястрах, зі сходами як основним доступом, і проста дерев'яна обробка без фарбування.
Згідно з знайденими рукописами, початкова святиня мала висоту 50 метрів, але через пожежу її відбудували на висоту 25 метрів. Будівлями були Honden («внутрішнє святилище») і Hayden («зовнішнє святилище»). Кінпусен-дзі, головний храм сюгендо, аскетичної релігії, що поєднує синтоїзм, буддизм та анімістичні вірування, також належить до цього періоду.
У цей період ми знаходимо перші зразки живопису, як у королівських похоронах Отсуки та гробницях у формі дольмена Кюсю (V-VI ст.), прикрашених сценами захопленої здобичі, битв, коней, птахів і кораблів або спіралями. і концентричні кола.
Це були настінні розписи, виготовлені з червоного гематиту, сажі, жовтої охри, білого каоліну та хлориту зеленого кольору. Одним із характерних конструкцій цього періоду є так званий чокомон, що складається з прямих ліній і арок, накреслених по діагоналях або хрестах, і присутні на стінах гробниць, саркофагах, статуях Ханіва та бронзових дзеркалах.
Період Аска (552-710)
Ямато задумав централізоване королівство за китайським зразком, втіленим у законах Сотоку-Тайсі (604) і Тайка 646 року. Запровадження буддизму справило великий художній та естетичний вплив в Японії з великим впливом китайського мистецтва.
Потім настало правління принца Сотоку (573-621), який віддавав перевагу буддизму та культурі загалом і був плідним для мистецтва. Архітектура була представлена в храмах і монастирях, вона в основному втрачена, припускаючи заміну простих синтоїстських ліній на пишність, що приходить з материка.
Найвидатнішою спорудою цього періоду слід назвати храм Хорю-дзі (607 р.), представник стилю Кудара (Пекче в Кореї). Він був створений на території храму Вакакусадера, спорудженого Сотоку і спаленого його супротивниками в 670 році.
Побудований за осьовою планіметрією, він складається з набору будівель, де розташовані пагода (То), Юмедоно ("зал мрій")) і Кондо ("золота зала"). Він виконаний в китайському стилі, в якому вперше використана керамічна черепиця.
Однією з особливостей цього надзвичайного прикладу є храм Іцукусіма (593 р.), зроблений на воді в Сето, де відзначаються Годзюното, Тахото та різні хондени. Завдяки своїй красі він був названий об’єктом Всесвітньої спадщини в 1996 році ООН.
Скульптуру на буддійську тематику виготовляли з дерева або бронзи: перші фігури Будди були завезені з материка, але пізніше велика кількість китайських і корейських художників оселилася в Японії.
Образ Каннон, японське ім’я бодхісатви Авалокітешвари (на китайській мові званий Гуань Інь), поширився під назвою Бодхісатви Каннон, твором корейського Торі; Каннон, розташований у храмі Юмедоно Хорю-дзі; і Каннон з Кудари (623 ст.), роботи невідомого художника. Інший важливий твір — «Тріада Сакьямуні» (XNUMX) у бронзі, створена Торі Бусші, встановлена в храмі Хорю-дзі.
Загалом, це були твори суворого, кутастого та архаїчного стилю, натхненні корейським стилем Когурьо, як це видно у творчості Шиба Торі, яка знаменувала «офіційний стиль» періоду Асука: Великий Будда Асука (храм Хоко - дзі, 606), Будда Якуші (607), Каннон Гузе (621), Тріада Шака (623).
Іншим художником, який дотримувався цього стилю, був Ая но Ямагучі но Окучі Атахі, автор книги «Чотирьох небесних охоронців» (шітенно) Золотого залу Хорю-дзі (645), який, незважаючи на дуже старий стиль, представляє більш округлу об’ємну еволюцію з більш виразні обличчя.
Картина під впливом китайських мотивів, виконана чорнилом або мінеральними барвниками, які використовуються на шовку або папері, на пергаментних сувоях або вивішуються на стіні. Воно позначає велике почуття малюнка, з творами великої оригінальності, такими як релікварій Тамамусі (Hōryū-ji), з камфорного та кипарисового дерева, з бронзовими філігранними смугами, що представляють різні сцени олією на лакованому дереві в техніці, яка називається міцуда. -i з Персії та пов'язана з китайським живописом династії Вей.
В основі релікварію знаходиться джатака (розповідь про минулі життя Будди), на якій зображений принц Махасаттва, який присвячує власне тіло голодній тигриці. Приблизно в цей час каліграфія почала набувати популярності, їй приписували той самий художній рівень, що й образні зображення.
Також були відзначені шовкові гобелени, такі як Мандала Тенкоку, виготовлена для Сотоку (622). Кераміка, яка могла бути глазурована чи ні, мала місцеве виробництво, будучи найбільш цінним китайським імпортом.
Період Нара (710-794)
У цей період була заснована столиця Нара (710 р.), перша постійна столиця мікадо. У цей час буддійське мистецтво було на розквіті, продовжуючи китайський вплив з великою інтенсивністю: японці бачили в китайському мистецтві гармонію і досконалість, подібні до європейського смаку до класичного греко-римського мистецтва.
Кілька прикладів архітектури того періоду — монументальні будівлі, такі як пагода Східна Якусі-дзі, храми Тошодай-дзі, Тодай-дзі та Кофуку-дзі, а також імператорський склад Шосо-ін в Нарі, де зберігається багато об’єктів. з мистецтва часів імператора Шому (724-749), з творами Китаю, Персії та Центральної Азії. Місто Нара було побудовано відповідно до сітки за зразком Чанъань, столиці династії Тан.
Імператорському палацу надавалося таке ж значення, як і головному монастиреві, Тодай-дзі (745-752), побудованому за симетричним планом у великому огорожі з подвійними пагодами і з Дайбуцуденом, «великою залою Будди». «. з великою 15-метровою бронзовою статуєю Будди Вайрочани (японською Дайнічі), подарованою імператором Сому в 743 році. Дайбуцуден, перебудований у 1700 році, є найбільшою дерев’яною будівлею у світі.
Іншим важливим храмом є Хоккедо, який може похвалитися ще однією чудовою статуєю, Каннон Фукукенджаку, восьмирукий лакований бодхісаттва заввишки чотири метри. високий і танський вплив, що помітно в безтурботності і невимушеності рис обличчя.
На противагу цьому, Східна пагода Якусі-дзі була спробою японських архітекторів знайти свій власний стиль, відходячи від китайського впливу. Він виділяється своєю вертикальністю, чергуючими кришками різних розмірів, що надає йому вигляд каліграфічного знака.
У своїй структурі виділяються карнизи та балкони, утворені з’єднаними між собою дерев’яними брусками, біло-коричневого кольору. Усередині нього знаходиться зображення Якусі Ньорай («Будда медицини»). Він внесений до списку Всесвітньої спадщини під назвою «Історичні пам'ятники Стародавньої Нари».
Tōshōdai-ji (759) мав такий самий ступінь національної асиміляції, демонструючи явний контраст між Кондо («золотий зал») з його солідністю, симетрією та вертикальністю під китайським впливом та Кодо («лекційний зал»). . ») більшої простоти і горизонтальності, які позначають традицію аборигенів.
Іншим учасником виставки був Kiyomizu-dera (778), головна будівля якого виділяється своїми величезними перилами, підкріпленими сотнями стовпів, які виділяються на пагорбі та відкривають вражаючий вид на місто Кіото. Цей храм був одним із кандидатів у список нових семи чудес світу, хоча не був обраний.
Зі свого боку, Рінно-дзі відомий Санбуцудо, де є три статуї Аміди, Сендзюканнона і Батоканнона. Як синтоїстська святиня виділяється Fushimi Inari-taisha (711), присвячена духу Inari, особливо названа на честь тисяч червоних торій, які позначають шлях уздовж пагорба, на якому стоїть святиня.
Зображення Будди досягло великого розвитку в скульптурі, зі статуями надзвичайної краси: Шо Каннон, Будда з Тачібани, бодхісатва Гакко з Тодай-дзі. У період Хакухо (645-710) придушення клану Сога та консолідація імперії привели до припинення корейського впливу та його заміни китайським (династія Тан), створивши серію робіт більшої пишності та реалізму, з більш круглими та більш витончені форми.
Ця зміна помітна на частині позолочених бронзових статуй Якуші-дзі, утворених сидячим Буддою (Якуші) у супроводі бодхісатв Нікко («Сонячне світло») і Гакко («Місячне світло»), які демонструють більший динамізм у своїй позі контрапосто, і більша виразність обличчя.
У Хорю-дзі продовжувався стиль Торі корейського походження, як у Каннон Юмегатарі та Тріаді Аміда медальйона леді Тачібани. У храмі Тошодай-дзі є низка великих статуй, зроблених з порожнистого висушеного лаку, що підкреслюють центральну Будду Рушану (759), яка має висоту 3,4 метра. Є також уявлення про духів-охоронців (Мейкіра Тайшо), королів (Комокутен) тощо. Це роботи з дерева, бронзи, сирої глини або сухого лаку, великого реалізму.
Картина представлена оздобленням стін Хорю-дзі (кінець XNUMX століття), наприклад фресками Кондо, які мають схожість з фресками Аджанти в Індії. Також виникли різні типології, такі як какемоно («підвісний малюнок») та емакимоно («малюнок на валиках»), історії, написані на рулоні паперу або шовку, з текстами, що пояснюють різні сцени, і називаються сутрами.
У Нара Шосо-ін є ряд картин на світську тематику з різними типами та темами: рослини, тварини, пейзажі та металеві предмети. У середині періоду в моду увійшла школа живопису династії Тан, що можна побачити на розписах гробниць Такамацузука, які датуються приблизно 700 роком.
Указом Тайхо-ріо від 701 року професія маляра регулюється в ремісничих корпораціях. підконтрольний Департаменту живописців (такумі-но-тускаса) при Міністерстві внутрішніх справ. Ці асоціації відповідали за оздоблення палаців і храмів, і їх структура проіснувала до епохи Мейдзі. Кераміка надзвичайно еволюціонувала завдяки різноманітним технікам, імпортованим з Китаю, наприклад, використання яскравих кольорів, нанесених на глину.
Період Хейан (794-1185)
У цей період відбувся уряд клану Фудзівара, який створив централізований уряд, натхненний урядом Китаю, зі столицею в Хейані (нині Кіото). Виникли великі феодали (даймьо) і з'явилася постать самурая.
Приблизно в цей час з’явилася графологія під назвою Хірагана, яка адаптувала китайську каліграфію до багатоскладової мови, яка використовується в Японії, використовуючи китайські ієрогліфи для фонетичних значень складів. Розрив відносин з Китаєм породив більш чітке японське мистецтво, виникло поряд із релігійним мистецтвом світське мистецтво, яке буде вірним відображенням націоналізму імперського двору.
Буддійська іконографія зазнала нового розвитку з імпортом двох нових сект з материка, Тендай і Шінгон, заснованих на тибетському тантричному буддизмі, який включав елементи синтоїзму і створив характерний для цього часу релігійний синкретизм.
Архітектура зазнала зміни в плані монастирів, які зводилися в ізольованих місцях, призначених для медитації. Найважливішими храмами є Енряку-дзі (788), Конгобу-дзі (816) і храм-пагода Муро-дзі. Енряку-дзі, розташований неподалік від гори Хіей, є одним з історичних пам'яток Стародавнього Кіото, оголошеним об'єктом Всесвітньої спадщини в 1994 році.
Він був заснований в 788 році Сайчо, який ввів в Японію буддійську секту Тендай. Енряку-дзі мав близько 3.000 храмів і був великим центром сили свого часу, більшість його будівель було зруйновано Ода Нобунагою в 1571 році.
Із частини, що збереглася, сьогодні виділяється Сайто («західний зал») і Тодо («східний зал»), де знаходиться Конпон чудо, найбільш репрезентативна споруда Енряку дзі, де зберігається статуя Будди. Виліплений самим Сайчо, Якусі Ньорай.
Скульптура зазнала незначного зниження в порівнянні з попередніми часами. Знову ж таки, зображення Будди (Ньойрін-Каннон; Якуші Ньорай з храму Джінго-дзі в Кіото; Аміда Ньорай з монастиря Бьодо-ін), а також деяких синтоїстських богинь (Кічідзётен, богиня щастя, еквівалент Індії) .
Надмірна жорсткість буддійської релігії обмежує спонтанність митця, який обмежується жорсткими художніми канонами, що підривають його творчу свободу. Протягом 859 і 877 років створюється стиль Джоган, який вирізняється зображеннями майже страхітливої гравітації з певним інтроспективним і загадковим виглядом, як-от Шака Ньорай з Муро-дзі.
Під час періоду Фудзівара, школа, заснована Джочо в Бьодо-ін, здобула славу, з більш елегантним і струнким стилем, ніж скульптура Джогана, що виражає ідеальні форми тіла та чудове відчуття руху.
Майстерня Джочо впровадила техніки йосегі та варіхагі, які полягали в поділі фігури на два блоки, які потім з’єднувалися, щоб виліпити їх, таким чином уникаючи подальшого розтріскування, що є однією з головних проблем із великими фігурами. Ці методи також допускають серійний монтаж і були розроблені з великим успіхом у школі Кей періоду Камакура.
Живопис Ямато-е процвітає особливо на рукописних сувоях під назвою емакі, які поєднують живописні сцени з елегантною каліграфією катакана. Ці сувої розповідали історичні чи літературні уривки, наприклад «Повість про Гендзі», роман Мурасакі Сікібу кінця XNUMX століття.
Хоча текст був роботою відомих писарів, зображення зазвичай виконувались куртизанками двору, такими як Кі но Цубоне і Нагато но Цубоне, припускаючи зразок жіночої естетики, який мав би велике значення в сучасному японському мистецтві.
У цей час почалася класифікація картин за гендерною ознакою, що позначало відчутне розмежування між публікою, де чоловіче перебувало під китайським впливом, і жіночим і більш естетичним було художньо японським.
В онна-е, крім «Історії Ґенджі», виділяється «Хейке Ноґьо» («Сутра лотоса»), замовлена кланом Тайра для святині Іцукусіма, де вони втілені в різних сувоях про порятунок душ, проголошених буддизмом.
З іншого боку, це «Отоко-е» було більш розповідним і енергійним, ніж она-е, більш сповненим дії, з більшим реалізмом і рухом, як у сувоях Шигісан Енгі, про чудеса ченця Мьорена; Ban Danigon E-kotoba, про війну між ворогуючими кланами в XNUMX столітті; і Чодзюгіга, сцени тварин із карикатурним знаком і сатиричним тоном, що критикують аристократію.
Період Камакура (1185-1392)
Після кількох суперечок між феодальними кланами було введено Мінамото, що встановило сьогунат — форму правління з військовим судом. У цей час в Японії була представлена секта дзен, яка сильно вплинула на образне мистецтво. Архітектура була простішою, більш функціональною, менш розкішною та багато прикрашеною.
Правління дзен спричинило так званий стиль кара-йо: культові місця дзен дотримувались китайської техніки осьової планіметрії, хоча головною будівлею був не храм, а читальня, а почесне місце не займала статуя. Будди, але біля маленького трона, де абат навчав своїх учнів.
П'ять великих храмових комплексів Санджусанген-до в Кіото (1266), а також монастирі Кеннін-дзі (1202) і Тофуку-дзі (1243) в Кіото, а також Кенчо-дзі (1253) і Енгаку-дзі (1282). ) в Камакурі.
Котоку-ін (1252 р.) відомий своєю великою і важкою бронзовою статуєю Будди Аміди, що робить його другим за величиною Буддою в Японії після Тодай-дзі.
У 1234 році був побудований храм Чіон-ін, осідок буддизму Дзодо шу, який відрізнявся колосальними головними воротами (Санмон), найбільшою спорудою такого роду в Японії.
Одним з останніх представників цього періоду був Хонган-дзі (1321), який складається з двох основних храмів: Нісі Хонган-дзі, до складу якого входять Гоей-до і Аміда-до, а також чайний павільйон і дві сцени. театр Но, один з яких претендує на звання найстарішого, що ще жив; і Хігасі Хонган-дзі, домівка знаменитого Шосей-ен.
Скульптура набула великого реалізму, знайшовши художника більшу свободу творчості, про що свідчать портрети дворян і солдатів, наприклад, портрети Уесугі Сігуса (анонімного художника), військового XIV ст.
Дзенські роботи зосереджені на зображенні їхніх господарів у вигляді статуї, яка називається сіндзо, як-от статуя майстра Мудзі Ічієна (1312, анонімний автор), у поліхромному дереві, яка зображує майстра дзен, що сидить на троні, у ставлення до медитації розслаблене.
Школа Кей в Нарі, спадкоємниця школи Дзочо періоду Хейан, була особливо важливою для якості своїх робіт, де також скульптор Ункей, автор статуй ченців Мучаку і Сесшин (Кофуку-дзі з Нари). як зображення Конго Рікіші (духів-охоронців), як-от дві колосальні статуї, розташовані біля входу у 8-метровий храм Тодай-дзі (1199).
Стиль Ункей, під впливом китайської скульптури династії Сун, був дуже реалістичним, в той же час фіксуючи найдетальніше фізіономічне дослідження з емоційним виразом і внутрішньою духовністю зображуваної особистості.
Темні кристали навіть були вбудовані в очі, для додання більшої виразності. Роботи Ункей поклали початок японському портрету. Його син Танкей, автор Каннон Сенджу для Санджусанген-до, продовжив його роботу.
Для картини характерні підвищений реалізм і психологічний самоаналіз. Ландшафтний дизайн (водоспад Начі) і портрет Монах Мьое в спогляданні, Енічі-бо Джонін; набір портретів із храму Джінго-дзі в Кіото, автор Фудзівара Таканобу; В основному були розроблені портрети Гошина імператора Ханазоно.
Режим ямато-е продовжувався, і зображення пояснювалися сувоями, багато з яких завдовжки кілька метрів. Ці рукописи зображували деталі повсякденного життя, міські чи сільські сцени або ілюстрували історичні події, такі як війна в Кіото 1159 року між ворогуючими гілками імператорської родини.
Вони були представлені безперервними сценами, дотримуючись порядку розповіді, з піднесеною панорамою, по прямій лінії. Виділяються ілюстровані сувої подій епохи Хейдзі (Heiji monogatari) та сувої Кегон Енгі Енічі-бо Джоніна.
Картина, пов’язана з організацією дзен, була під прямим китайським впливом, з технікою, більшою за допомогою простих китайських чорнилових ліній, що слідували сентенції дзен про те, що «занадто багато кольорів закриває очі».
Період Муромачі (1392-1573)
Сьогунат знаходиться в руках Асікага, чия боротьба сприяє зростанню могутності даймьо, який поділяє землю. Архітектура була більш елегантною та по суті японською, з величними особняками, монастирями, такими як Дзуйходзі, і храмами, такими як Шококу-дзі (1382), Кінкаку-дзі або Золотий павільйон (1397) та Гінкаку-дзі. o Срібний павільйон (1489 р.), у Кіото.
Кінкаку-дзі був побудований як село відпочинку для сёгуна Асікага Йошіміцу, як частина його володіння під назвою Кітаяма. Його син перетворив будівлю на храм для секти Рінзай. Це триповерхова будівля, перші два покриті листовим чистим золотом. Павільйон функціонує як шеріден, який охороняє мощі Будди.
Він також містить різні статуї Будди і Бодхісатви, а на даху стоїть золотий фенхуан. Він також має гарний прилеглий сад зі ставком під назвою Кьоко-чі, з безліччю островів і каменів, що представляють історію буддійського створення.
Зі свого боку, Гінкаку-дзі був побудований сьогуном Асікага Йосімаса, який прагнув наслідувати Кінкаку-дзі, побудованому його предком Йошіміцу, але, на жаль, він не зміг покрити будівлю сріблом, як планувалося.
Також характерним для архітектури цього періоду є поява токономи, кімнати, призначеної для споглядання картини або квіткової композиції, що відповідає естетиці дзен. Також було введено татамі – різновид килимка з рисової соломи, що зробило інтер’єр японського будинку більш приємним.
У цей час особливо розвивалося садівництво, закладаючи художньо-естетичні основи японського саду. Виникли два основних режими: цукіяма, навколо пагорба та озера; і хиранива, плоский сад із розгрібаним піском, з камінням, деревами та криницями.
Найбільш поширена рослинність складається з бамбука та різних видів квітів і дерев, або вічнозелених, таких як японська чорна сосна, або листяних, таких як японський клен, також цінуються такі елементи, як папороті та піни.
Бонсай – ще один типовий елемент садівництва та дизайну інтер’єру. У садах часто є озеро чи ставок, різні типи павільйонів (зазвичай для чайної церемонії) та кам’яні ліхтарі. Однією з типових характеристик японського саду, як і решти його мистецтва, є його недосконалий, незавершений і асиметричний вигляд.
Існують різні види садів: «прогулянкові», які можна побачити, гуляючи по доріжці або навколо ставка; «вітальню», яку можна побачити зі фіксованого місця, як правило, павільйон або хатина типу мачія.
Te (rōji), навколо доріжки, що веде до чайної кімнати, з плиткою бакдосін або камінням, що позначають шлях; і «споглядання» (karesansui, «гірський і водний пейзаж»), який є найбільш типовим дзен-садом, який можна побачити з платформи, розташованої в дзен-монастирях.
Хорошим прикладом є так званий безводний пейзаж саду Рьоан-дзі в Кіото, написаний художником і поетом Соамі (1480), який зображує море, зроблене з піску, повне островів, які є скелями. , утворюючи ціле, яке поєднує реальність та ілюзію та закликає до спокою та роздумів.
Відзначається відродження живопису, оформленого в естетику дзен, яка отримала китайський вплив династій Юань і Мін, що відбилося переважно в декоративному мистецтві.
Була введена техніка гуаші, ідеальна транскрипція доктрини дзен, яка прагне відобразити в пейзажах те, що вони означають, а не те, що вони представляють.
Виникла постать бундзінсо, «інтелектуального ченця», який створив власні роботи, дослідників і послідовників китайської техніки монохромним чорнилом, короткими та розсіяними мазками, який відобразив у своїх роботах природні елементи, такі як сосни, очерет, орхідеї, бамбук. , скелі, дерева, птахи та людські фігури, занурені в природу, у медитації.
В Японії ця китайська техніка фарбування отримала назву сумі-е. Базуючись на семи естетичних принципах дзен, сумі-е намагалася відобразити найінтенсивніші внутрішні емоції через простоту та елегантність у простих і скромних лініях, які виходять за межі зовнішнього вигляду, щоб означати стан спілкування з природою.
Сумі-е було засобом (до) знайти внутрішню духовність, цим користувалися ченці. Особливості туші, тонкі й розсіяні, дозволили художнику вловити суть речей у простому й природному враженні, але водночас глибоко й трансцендентно.
Це інстинктивне мистецтво швидкого виконання, яке неможливо ретушувати, факт, що єднає його з життям, де неможливо повернутися до зробленого. Кожен малюнок несе життєву енергію (ki), оскільки це акт творення, де розум вводиться в дію, і процес має більше значення, ніж результат.
Найважливішими представниками сумі-е були: Муто Шуй, Джосецу, Шубун, Сессон Шукей і, перш за все, Сесшу Тойо, автор портретів і пейзажів, перший художник, який малював за життя. Сесшу був гасо, монахом-живописцем, який подорожував до Китаю між 1467 та 1469 роками, де вивчав мистецтво та природний ландшафт.
Його пейзажі складаються з лінійних структур, освітлених раптовим світлом, що відображає дзенську концепцію трансцендентного моменту. Це пейзажі з наявністю анекдотичних елементів, таких як храми вдалині або маленькі людські фігури, обрамлені у віддалених місцях, наприклад, на скелях.
Виник також новий жанр поетичного живопису — сіндзюку, де пейзаж ілюструє натуралістично натхненну поему. Також варто згадати школу Кано, засновану Кано Масанобу, яка застосовує техніку гуаші до традиційних предметів, ілюструючи сакральні, національні та пейзажні теми.
Змивка також була нанесена на пофарбовані екрани та панелі розсувних дверей fusuma, які є ознаками японського дизайну інтер’єру. У кераміці виділяється школа Сето, найпопулярнішою типологією є тенмоку. Лакові та металеві предмети також є яскравими прикладами цього періоду.
Період Адзучі-Момояма (1573–1603)
До цього часу Японію знову об’єднали Ода Нобунага, Тойотомі Хідейоші та Токугава Іеясу, які ліквідували даймьо і прийшли до влади.
Його мандат збігся з прибуттям португальських купців та єзуїтських місіонерів, які запровадили християнство в країні, хоча й охопили лише меншість.
Художня продукція цього часу відійшла від буддійської естетики, підкреслюючи традиційні японські цінності, з вибуховим стилем. Вторгнення в Корею в 1592 році спричинило вимушене переселення багатьох корейських художників до Японії, які жили в ізольованих від решти центрах гончарного виробництва.
Також в цей період були отримані перші західні впливи, відображені в стилі Намбан, розробленому в мініатюристській скульптурі, на світську тематику, декоративних порцелянових предметах і складних ширмах, оформлених у стилі Ямато-е, в яскравих кольорах і сусальним золотом, у сценах, які розповідають про прихід європейців на японське узбережжя.
Техніки перспективи, а також інші варіанти європейського живопису, такі як використання олійного живопису, не мали опори в мистецтві Японії.
В архітектурі виділяється будівництво великих замків (сіро), які посилилися введенням в Японії вогнепальної зброї західного походження. Гарними прикладами є замки Хімедзі, Адзучі, Мацумото, Нідзё та Фушімі-Момояма.
Замок Хімедзі, одна з головних споруд того часу, поєднує в собі масивні фортифікаційні споруди з елегантністю вертикальної конструкції на п’яти поверхах з дерева та гіпсу з м’яко вигнутими формами даху, подібними до традиційних японських храмів.
Сільські села чайної церемонії, що складаються з невеликих вілл або палаців і великих садів, також поширилися, а в деяких містах були побудовані дерев’яні театри для вистав кабукі.
У сфері живопису школа Кано захоплює більшість офіційних доручень, розробляючи фрески головних японських замків, були важливі фігури на ім'я Кано Ейтоку і Кано Санраку.
Для замків, погано освітлених вузькими оборонними отворами, створювали своєрідні перегородки із золотим фоном, які відбивали світло і розсіювали його по кімнаті, з великими фресками, прикрашеними героїчними сюжетами, наприклад, тваринами. наприклад, тигри та дракони, або пейзажі з наявністю садів, ставків і мостів, або в чотири пори року, досить поширена тема того часу.
Трафаретний друк також розвинувся, як правило, зношеними фарбами, дотримуючись стилю сумі-е, як це можна побачити у роботах Хасегави Тохаку (сосновий ліс) і Кайхо Юшо (сосна та слива в місячному світлі). Висвітлювалася також постать Тавараї Сотацу, автора великих динамічних творів, у сувоях рукописів, ширмах і віялах.
Він створив ліричний і декоративний стиль, натхненний сценарієм вака епохи Хейан, який називався рінпа, створюючи твори великої візуальної краси та емоційної інтенсивності, такі як «Історія Генджі», «Шлях Плюща», богів грому та вітру. , тощо
Виробництво кераміки досягло моменту великого розквіту, розробивши продукти для чайної церемонії, натхненні корейською керамікою, чия сільськість і незавершеність ідеально відображають естетику дзен, яка пронизує чайний обряд.
З’явилися нові конструкції, такі як тарілки незумі та глечики для води коган, зазвичай з білим корпусом, облитим шаром польового шпату та прикрашеними простими візерунками, виготовленими із залізного гака. Це була товста кераміка глазурованого вигляду, з незавершеною обробкою, що давало відчуття недосконалості та вразливості.
Сето залишався головним продюсером, тоді як у містечку Міно народилися дві важливі школи: Шино та Орібе. Також відзначено школу Карацу та два оригінальні види гончарного посуду:
Іга, з шорсткою текстурою і товстим шаром глазурі, з глибокими тріщинами; і Bizen, неглазурований червонувато-коричневий глиняний посуд, все ще м’який, знятий з колеса, щоб утворити невеликі природні тріщини та надрізи, які надавали йому крихкого вигляду, що все ще відповідало естетиці дзен недосконалості.
Одним із кращих художників того часу був Хонамі Коецу, який досяг успіху в живописі, поезії, садівництві, лакуванні тощо. Навчаючись у мистецьких традиціях періоду Хейан і в школі каліграфії Шоренін, він заснував ремісничу колонію в Такагаміне, поблизу Кіото, на землі, подарованій Токугава Ієясу.
Поселення утримували майстри буддійської школи Нічірен і виготовили ряд високоякісних робіт. Вони спеціалізувалися на лаковому посуді, переважно офісних аксесуарах, прикрашених золотими та перламутровими інкрустаціями, а також різноманітному посуді та столовому посуді для чайної церемонії, підкреслюючи повну чашу фуджісан. червонуватий, покритий чорними трусиками, а зверху непрозорий крижаний білий, що дає ефект снігопаду.
Період Едо (1603-1868)
Цей художній період відповідає історичному періоду Токугава, коли Японія була закрита для будь-яких зовнішніх контактів. Столиця була заснована в Едо, майбутній Токіо. Християни були переслідувані, а європейські купці вигнані.
Незважаючи на васальну систему, торгівля та ремесла поширилися, що породило буржуазний клас, який зріс у своїй владі та впливові та присвятив себе популяризації мистецтва, особливо гравюр, кераміки, лаку та виробів. текстиль.
Найбільш репрезентативними роботами є палац Кацура в Кіото та мавзолей Тошо-гу в Нікко (1636), який є частиною «Святилищ і храмів Нікко», обидва оголошені ЮНЕСКО об’єктами Всесвітньої спадщини в 1999 році.
Чимось жанровим союзом синто-буддистів, є мавзолей сьогуна Токугава Іеясу. Храм являє собою жорстко симетричну конструкцію з барвистими рельєфами, що покривають всю видиму поверхню. Виділяються його колоритні конструкції та перевантажені орнаменти, які відрізняються від стилів тогочасних храмів.
Інтер’єри прикрашені детальною лаковою різьбою яскравих кольорів та майстерно розписаними панно. Палац Кацура (1615-1662) був побудований за асиметричним планом, натхненним дзеном, де використання прямих ліній на зовнішньому фасаді контрастує з звивистістю навколишнього саду.
Завдяки статусу резиденції, де буде відпочивати імператорська родина, вілла складалася з головного корпусу, кількох прибудов, чайних кімнат і 70000 XNUMX-метрового парку. Головний палац, який має лише один поверх, розділений на чотири прибудови, що зустрічаються по кутах.
Уся будівля має певні характеристики: вона побудована на стовпах, а над ними — ряд кімнат зі стінами та дверима, деякі з картинами Кано Танью.
Також характерними для цього періоду є чайні будиночки (чашіцу), як правило, невеликі дерев'яні будівлі з солом'яними дахами, оточені садами в явно занедбаному стані, з лишайниками, мохом і опалим листям, відповідно до концепції дзен. трансцендентної недосконалості.
Початок художньо-інтелектуального розвитку
Протягом цього періоду Японія поступово вивчала західні методи та наукові досягнення (звані рангаку) за допомогою інформації та книг, отриманих від голландських купців у Дедзімі.
Найбільш вивчені галузі включали географію, медицину, природничі науки, астрономію, мистецтво, мови, фізичні поняття, такі як вивчення електричних і механічних явищ. Був також великий розвиток математики, повністю незалежної від тенденції західного світу. Ця сильна течія отримала назву васан.
Розквіт неоконфуціанства був найбільшим інтелектуальним розвитком того періоду. Вивченням конфуціанства тривалий час займалися буддійські священнослужителі, але в цей період ця система вірувань привернула велику увагу до уявлень про людину і суспільство.
Етичний гуманізм, раціоналізм та історична перспектива конфуціанства розглядалися як соціальна модель. У середині XNUMX століття конфуціанство стало панівною юридичною філософією і безпосередньо сприяло розвитку національної системи навчання — кокугаку.
Його головною гідністю для режиму сьогуна був наголос на ієрархічних відносинах, підпорядкуванні. До вершини. і послух, що поширюється на все суспільство і сприяє збереженню феодального ладу.
Велике значення набуло текстильне мистецтво, переважно з шовку, який досяг найвищої якості, тому в кімнатах часто вішали шовкові сукні (кімоно) яскравих кольорів і вишуканого дизайну. розділені, наче ширми.
Використовувалися різні техніки, такі як фарбування, вишивка, парча, тиснення, аплікація та ручний розпис. Шовк був доступний лише для вищих класів, тоді як люди, одягнені в бавовну, виготовлену за індонезійською технікою ікат, пряли на частини та фарбували індиго, чергуючи з білим.
Іншою технікою меншої якості було плетіння бавовняних ниток різних кольорів із застосуванням саморобних барвників у стилі батик із використанням рисової пасти та варених та агломерованих рисових висівок.
Слід зазначити, що так само, як японське мистецтво зазнало впливу західного мистецтва в XNUMX столітті, на нього також вплинули екзотичність і природність японського мистецтва. Так народився на Заході так званий японізм, що розвивався переважно у другій половині XNUMX ст., особливо у Франції та Великобританії.
Це виявилося в так званих японерах, предметах, натхнених японськими гравюрами, порцеляною, лаком, віялами та бамбуковими предметами, які увійшли в моду як в оздобленні дому, так і в багатьох особистих предметах одягу, що відображають фантазію і декоративність японської культури. Японська естетика. .
У живописі з ентузіазмом сприймався стиль школи укійо-е, високо цінувалися роботи Утамаро, Хіросіге, Хокусая. Західні художники наслідували спрощену просторову побудову, прості контури, каліграфічний стиль і натуралістичну чутливість японського живопису.
Новий час (з 1868 р.)
У період Мейдзі (1868-1912) в Японії почався глибокий культурний, соціальний і технологічний ренесанс, який більше відкрився зовнішньому світу і почав включати нові досягнення, досягнуті на Заході. Статут 1868 скасував феодальні привілеї і станові відмінності, що не призвело до покращення стану збіднілих пролетарських класів.
Розпочався період сильного імперіалістичного експансіонізму, який призвів до Другої світової війни. Після війни Японія пройшла процес демократизації та економічного розвитку, що зробило її однією з провідних економічних держав світу та провідним центром промислового виробництва та технологічних інновацій. За епохою Мейдзі настали ери Тайшо (1912-1926), Сёва (1926-1989) і Хейсей (1989-).
Починаючи з 1930 р., прогресивна мілітаризація та експансія в Китаї та Південній Азії з подальшим збільшенням ресурсів, що виділяються на військовий бюджет, призвели до зниження художнього меценатства. Проте з повоєнним економічним підйомом і новим процвітанням, досягнутим завдяки індустріалізації країни, мистецтво відродилося, вже повністю занурене в міжнародні мистецькі рухи внаслідок процесу культурної глобалізації.
Крім того, економічне процвітання спонукає до колекціонування, створення багатьох музеїв і виставкових центрів, які сприяли поширенню та збереженню японського та міжнародного мистецтва. У релігійній сфері утвердження в епоху Мейдзі синтоїзму як єдиної офіційної релігії (Сінбуцу бунрі) призвело до залишення та знищення буддійських храмів і творів мистецтва, що було б непоправним без втручання Ернеста Феноллоси, професора філософія. з Токійського імперського університету.
Разом з магнатом і меценатом Вільямом Біґелоу він зберіг велику кількість творів, які сприяли розвитку колекції буддійського мистецтва в Музеї образотворчого мистецтва в Бостоні і в Галереї мистецтв Фрір у Вашингтоні, округ Колумбія, дві з найкращих колекцій азіатського мистецтва в світ..
Архітектура має подвійний напрямок: традиційний (храм Ясукуні, храми Хейан Джінгу і Мейдзі в Токіо) і європейський, який інтегрує нові технології (Музей Ямато Бункакан, Ісо Хачі Йошіда, в Нарі).
Вестернізація призвела до будівництва нових будівель, таких як банки, фабрики, залізничні вокзали та громадські будівлі, побудовані із застосуванням західних матеріалів і технологій, спочатку імітуючи англійську вікторіанську архітектуру. Деякі іноземні архітектори також працювали в Японії, наприклад Френк Ллойд Райт (готель Imperial, Токіо).
Архітектура та урбаністика отримали великий поштовх після Другої світової війни, через необхідність відбудови країни. Тоді з'явилося нове покоління архітекторів.
Під керівництвом Кензо Танге, автора таких робіт, як Меморіальний музей миру в Хіросімі, собор Святої Марії в Токіо, Олімпійський стадіон для Олімпійських ігор у Токіо 1964 року тощо.
Студенти та послідовники Танге створили концепцію архітектури, яка розуміється як «метаболізм», розглядаючи будівлі як органічні форми, які повинні бути пристосовані до функціональних потреб.
Рух, заснований у 1959 році, думав створити населений пункт, передумовою якого було створення низки будівель, які змінювалися відповідно до зовнішніх змін, наче організм.
До її складу входили Кішо Курокава, Акіра Сібуя, Юджі Ватанабе та Кійонорі Кікутаке. Іншим представником був Маекава Куніо, який разом з Танге впроваджував старі японські естетичні ідеї в жорсткі сучасні будівлі.
Знову з використанням традиційних технік і матеріалів, таких як килимок татамі та використання стовпів, традиційного елемента конструкції в японських храмах, або інтеграція садів і скульптур у його творіння. Не забуваю використовувати вакуумну техніку, її вивчав Фуміхіко Макі у просторовому співвідношенні будівлі та оточення.
З 1980-х років постмодерністське мистецтво міцно закріпилося в Японії, оскільки з давніх часів характерним є злиття між популярним елементом і витонченістю форм.
Цей стиль в основному представляв Арата Ідзакі, автор Художнього музею Кітакюсю та концертного залу Кіото. Ідзозакі навчався у Танге і в своїй роботі він синтезував західні концепції з просторовими, функціональними та декоративними ідеями, типовими для Японії.
Зі свого боку, Тадао Андо розробив простіший стиль, з великою турботою про внесок світла та відкритих просторів у зовнішнє повітря (Каплиця на воді, Томану, Хоккайдо; Церква Світла, Ібаракі, Осака; Музей Діти, Хімедзі).
Сігеру Бан характеризувався використанням нетрадиційних матеріалів, таких як папір або пластик: після землетрусу в Кобе в 1995 році, який залишив багатьох людей без даху над головою, Бан зробив свій внесок у проект Delo, який став відомий як Паперовий дім і Паперова церква, нарешті, Тойо. Іто досліджував фізичний образ міста в цифрову епоху.
У скульптурі також існує подвійність традиції та авангарду, висвітлюючи імена Йоші Кімучі та Роморіні Тойофуку, на додаток до абстрактних Масакадзу Хоріучі та Ясуо Мідзуї, останнього, який проживає у Франції. Ісаму Ногучі та Нагаре Масаюкі об’єднали багату скульптурну традицію своєї країни у роботах, які вивчають контраст між грубістю та шліфовістю матеріалу.
Живопис також дотримувався двох напрямків: традиційного (ніхонга) та західного (йога), незважаючи на існування обох, постать Томіоки Тессаї залишилася на початку 20 ст. 19 століття мистецтвознавцем Окакурою Какузо та педагогом Ернестом Феноллосою.
Шукаючи в традиційному мистецтві архетипну форму вираження японської чуйності, хоча цей стиль також отримав певний західний вплив, особливо від прерафаелітів і романтизму. Його в основному представляли Хісіда Сюнсо, Йокояма Тайкан, Шімомура Канзан, Маеда Сейсон та Кобаяші Кокей.
Живопис у європейському стилі вперше був виплеканий техніками та темами, які використовувалися в Європі наприкінці XNUMX століття, головним чином пов’язаними з академізмом, як у випадку Куроди Сейкі, який навчався кілька років у Парижі, але потім продовжив. різні течії, що мали місце в західному мистецтві:
Група Хакуба Кай сприйняла вплив імпресіоністів; абстрактним живописом головними героями були Такео Ямагучі та Масанарі Мунай; Художниками-художниками були Фукуда Хейчачіро, Токуока Шінсен і Хігасіяма Кай. Деякі митці оселилися за межами своєї країни, наприклад, Генічіро Інокума в Сполучених Штатах і Цугухару Фудзіта у Франції.
У Тайшо, стиль йоги, який мав найбільший вплив на нихонгу, хоча зростаюче використання світла та європейська перспектива зменшили відмінності між двома течіями.
Подібно до того, як нігонга в значній мірі прийняла інновації постімпресіонізму, йога виявила схильність до еклектики, що виникла з широкого розмаїття різних мистецьких течій.
Для цього етапу була створена Японська академія образотворчих мистецтв (Nihon Bijutsu In). Живопис епохи Сёва був відзначений роботами Ясурі Сотаро та Умехари Рюзабуро, які ввели концепції чистого мистецтва та абстрактного живопису до традиції Ніхонга.
У 1931 році була створена Незалежна художня асоціація (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) для популяризації авангардного мистецтва.
Ще під час Другої світової війни державні нормативно-правові акти чітко підкреслювали патріотичну тематику. Після війни митці знову з’явилися у великих містах, зокрема в Токіо.
Створення міського та космополітичного мистецтва, яке віддано слідувало стилістичним інноваціям, виробленим на міжнародному рівні, особливо в Парижі та Нью-Йорку. Після абстрактних стилів шістдесятих років сімдесяті повернулися до реалізму, який облюбував поп-арт, як це позначають роботи Шинохара Ушіо.
Вражає те, що наприкінці 1970-х сталося щось цікаве, це повернення до традиційного японського мистецтва, в якому бачили більшу виразність і емоційну силу.
Традиція гравюр продовжилась у XNUMX столітті у стилі «творчих гравюр» (сосаку ханга), намальованих і виліплених художниками, переважно в стилі нігонга, такими як Кавасе Хасуї, Йосіда Хіроші та Мунаката Сіко.
Серед останніх тенденцій Gutai Group мала хорошу репутацію в рамках так званого мистецтва дії, яке ототожнювало досвід Другої світової війни через дії, наповнені іронією, з великим почуттям напруженості та прихованої агресивності.
Група Гутай складалася з: Джіро Йошихара, Садамаса Мотонага, Шозо Сімамото та Кацуо Сірага. Пов’язані з постмодерністським мистецтвом, кілька художників, залучених до недавнього явища глобалізації, відзначеного мультикультуралізмом художніх виразів.
Шигео Тоя, Ясумаса Морімура. Серед інших видатних сучасних японських художників: Таро Окамото, Чута Кімура, Лейко Ікемура, Мічіко Нода, Ясумаса Морімура, Яйой Кусама, Йошитака Амано, Сігео Фукуда, Сігеко Кубота, Йошітомо Нара71 та Такаші Муракамі.
Якщо ви знайшли цю статтю цікавою, ми запрошуємо вас насолодитися цими іншими: