Задумана його творцями та послідовниками як широка тенденція в мистецтві, що відображає пошук нових смислів сучасними художниками, постмодерністське мистецтво є відповіддю в цих пошуках на кризу класичної культури.
постмодерністське мистецтво
Вважається, що в XNUMX столітті відбулася так звана «смерть суперфундаментів»: Бога, людини та автора. Тобто розхиталася релігійна база, виникла криза гуманістичних ідей, і творці від створення нового перейшли до переосмислення старого.
Постмодернізм у мистецтві є частиною глобальної тенденції, яку охопила світова культура та філософія. Постмодернізм – це не єдиний стиль, а комплекс напрямів, об’єднаних спільною ідейною основою. Багато з них навіть борються між собою.
Постмодернізм — термін, що походить від французької мови (postmodernisme). Ця назва відображає значення напрямку, що прийшов на зміну мистецтву епохи модернізму (не плутати з модернізмом). Наприкінці XNUMX — початку XNUMX століть модерністські (або авангардні) рухи завдали важкого удару класичному мистецтву. Але поступово творці перестали задовольнятися модерністськими підходами.
Паралельно з безліччю нових технологічних розробок, постмодернізм привів до художніх експериментів з новими медіа та новими формами мистецтва протягом майже п’яти десятиліть, включаючи концептуальне мистецтво, різні види перформансу та арт-інсталяції, а також комп’ютерні течії, такі як деконструктивізм і технології проекції. .
Характеристика постмодернізму
Жан-Франсуа Ліотар та інші теоретики описують духовні основи сучасності як непохитну віру в неухильне прогресування все більш детальної стисливості світу і поступове наближення до досконалого знання. Тоталітарні системи XNUMX століття остаточно дискредитували абсолютний характер таких моделей.
Ось причини необхідності визначення постмодернізму як свідомого розриву з сучасністю. Постмодернізм відкидає не тільки сучасну віру в прогрес, але й існування зрозумілої об'єктивної реальності. Постмодерністська теорія та естетика припускають, що все знання, усе сприйняття та кожна область свідомості та існування підпорядковані відносності. Ключове поняття постмодернізму — множинність.
Прагнення сучасності постійно створювати щось нове та художні засоби, які використовуються для цього, у постмодернізмі розглядаються як автоматизовані, усталені та застарілі. Принцип, що нічого нового не можна створити, робить використання цитат суттєвою стилістичною ознакою постмодерністського мистецтва.
Вимагання відкритості в концепції мистецтва та окремого мистецтва відкриває з одного боку майже безмежні можливості: постмодернізм відкриває безліч нових форм вираження, перетинаючи межі жанрів.
Часто використовуваною технікою епохи постмодерну є колаж. Цей термін, придуманий на початку XNUMX-го століття для наклейок дадаїстів, набагато ширший в епоху постмодерну. Він включає, наприклад, масштабні інсталяції, кінотехніку або процеси музичної композиції.
Такі автори, як Умберто Еко (Ім’я троянди), архітектори, такі як Фріденсрайх Хундертвассер (Хундертвассерхаус, Відень) і художники, як Кіт Харінг, намагаються подолати розрив між елітарним розумінням мистецтва та масовою культурою; це також є суттєвим аспектом постмодерністської естетики.
Багато постмодерністських робіт, особливо в сценічному мистецтві, хочуть сприймати не як ідеальний результат, а як експериментальну аранжування. Презентація буде фрагментарною (література: Ролан Барт, Фрагменти мови кохання) або незавершеною (театр танцю: Вільям Форсайт, п’єса Скотта) на різних етапах свого розвитку.
Мистецтвознавці дають різні відповіді на питання, що таке постмодернізм у живописі, оскільки постмодерністська культура є багатогранним явищем і не має чіткої ідеологічної платформи. Постмодерністи не створили універсального канону, більш того, від його створення вони принципово відмовилися. Мабуть, єдина базова цінність, яку декларують прихильники цієї тенденції, — нескінченна свобода самовираження.
Постмодернізм – це не рух, а загальний спосіб мислення. Тому єдиного переліку характеристик, які визначають «постмодерністське мистецтво», не існує. Проте існує ряд характеристик, які характерні для постмодерністського мистецтва:
- Необмежена і абсолютна свобода митця у виборі способів самовираження.
- Переосмислити традиційні образи, включивши їх у новий контекст (звідси широке поширення ремейків, інтерпретацій, художніх цитат, позик, алюзій).
- Синкретизм, тобто злиття різнорідних елементів в єдине ціле, які іноді навіть суперечать один одному (наприклад, використання художником у картині різних стилів або навіть поєднання живопису з іншими видами мистецтва).
- Діалог, тобто погляд на предмет під різними кутами, з позиції різних «голосів», що врешті створює поліфонічну «симфонію».
- Форма подання твору, запрошення глядача долучитися до твору зі змістами.
- Шокуюча природа творчості.
- Іронія та самоіронія автора. Зараз художники набагато скептичніше ставляться до «великих ідей» (наприклад, що будь-який прогрес є хорошим).
- Постмодернізм є вираженням широкого розчарування життям і силою існуючих систем цінностей та/або технологій, що сприяють позитивним змінам. В результаті авторитет, досвід, знання та мотивація втратили репутацію.
- Сучасне мистецтво вважалося не лише елітарним, а й білим (у сенсі кольору шкіри), де домінують чоловіки та незацікавленим меншинами. Ось чому постмодерністське мистецтво відстоює мистецтво митців третього світу, феміністок і меншин.
Мистецтво постмодерну, сучасного та пізнього модерну
Як правило, постмодерністське мистецтво і сучасне мистецтво вживаються більш-менш як синоніми. Проте з технічної точки зору постмодерністське мистецтво означає «після сучасності» і відноситься до фіксованого періоду, що починається приблизно з 1970 року, тоді як сучасне мистецтво відноситься в основному до періоду змін, який триває близько п’ятдесяти років безпосередньо перед XNUMX-ми.
Нині ці два періоди збігаються. Але в 2050 році постмодерністське мистецтво (наприклад, 1970-2020) могло бути замінене іншою епохою, проте сучасне мистецтво охоплює період до цього року.
У візуальному мистецтві термін «пізній модерн» відноситься до рухів або тенденцій, які відкидають один аспект сучасного мистецтва, але в іншому випадку залишаються в традиціях сучасності. Такі стилі, як абстрактний експресіонізм (1948-65), практикували ряд радикальних сучасних художників, включаючи Джексона Поллока та Віллема Де Кунінга, які виступали проти багатьох формальних умов олійного живопису.
І все ж ні Поллок, ні де Кунінг не могли створити нічого подібного до «Стертого малюнка де Кунінга» Раушенберга, оскільки обидва вони були твердо вірили в концепції автентичності та значення.
Історія постмодерністського мистецтва
Першим значущим стилем мистецтва після Відродження було академічне мистецтво, яке викладали професори в академіях. В академічному мистецтві сходяться багато стилів і течій, наприклад класицизм і романтизм. З 1870 року, з приходом імпресіонізму, виникло сучасне мистецтво. Перші риси з’явилися приблизно в 1970 році, що тепер узагальнено як постмодерністське мистецтво.
Сучасне мистецтво в основному асоціюється з 1870-1970 століттями, наприклад, від імпресіонізму до поп-арту. Незважаючи на різноманітні глобальні катастрофи (Перша світова війна, грип, крах на Уолл-стріт і Велика депресія), які підірвали багато моральних принципів того часу, сучасні художники загалом зберігали віру в основні наукові закони природи. Розум і раціональність думав.
Взагалі, як і більшість жителів Заходу того часу, вони вірили, що життя має сенс. Що науковий прогрес був автоматично позитивним, що християнський Захід переважав решту світу, що чоловіки переважали жінок. Модернізм також вірив у значення, актуальність і прогрес мистецтва, особливо образотворчого мистецтва та архітектури.
Наслідуючи Леонардо і Мікеланджело, вони вірили у високе мистецтво, мистецтво, яке піднімає і надихає освіченого глядача, а не «низьке мистецтво», яке лише розважає маси. Вони скористалися прогресивним підходом і бачили мистецтво як те, що має постійно розвиватися, керуючись провідною групою художників-авангардистів.
Друга світова війна та Голокост перевернули все з ніг на голову. Париж раптово замінив Нью-Йорк як столицю світу мистецтва. Після звірств війни все фігуративне мистецтво раптом видалося неактуальним, тому сучасні художники звернулися до абстрактного мистецтва, щоб самовиразитися.
Дивно, але нью-йоркська школа з картинами Джексона Поллока та більш спокійним кольоровим живописом Марка Ротко сприяла тимчасовому відродженню мистецтва по обидва боки Атлантики в 1950-х роках. Художникам-авангардистам вдалося заново визначити межі абстрактного живопису, але залишився в межах сучасності. Вони вірили в створення автентичних закінчених творів мистецтва зі значним змістом.
Але сучасність неминуче підходила до кінця. Зростання одкровень Шоа, випробувань атомної бомби, кубинської ракетної кризи та війни у В’єтнамі все більше розчаровували людей у житті та мистецтві.
Джаспер Джонс і Роберт Раушенберг вже створили перші постмодерністські твори нео-дада і поп-арту в середині 1950-х років. Незабаром мейнстрім поп-арт прийде до самого постмодерністського мистецтва, оскільки американські телевізійні мережі зосередилися на Тет-офензиві 1968 року і хаотичному Національний з'їзд Демократичної партії 1968 року.
З цього плину часу в історії мистецтва також можна встановити ставлення до мистецтва з боку митця та публіки. Митці й глядачі сьогодення не визначаються старими уявленнями вчительських і донорських установ щодо того, що таке мистецтво і яким воно може бути. Можливості та застосування мистецтва стали різноманітнішими, не змушуючи себе надягати певний корсет.
На сучасну архітектуру вплинуло бажання створити абсолютно новий стиль для сучасної людини. Архітектори хотіли видалити всі історичні згадки і створити щось абсолютно нове. Це призвело до міжнародного стилю (приблизно 1920-1970), мінімалістичного дизайну регулярності.
На щастя, приблизно в 1970 році архітектори-постмодерністи почали відроджувати архітектуру XNUMX-го століття, проектуючи споруди з цікавими рисами, почерпнутими з популярної культури та більш традиційних архітектурних стилів. Структури, які, здається, ухиляються від гравітації, також стали можливими завдяки новим комп’ютерним можливостям в рамках деконструктивізму.
Постмодерністський рух склався в 1960-1970-х роках, але передумови його виникнення пов’язані зі світоглядною кризою, що виникла задовго до цього. Серед них: теза Шпенглера про занепад Європи; крах суспільної свідомості внаслідок Першої світової війни; поява в науці уявлень про неузгодженість і неоднозначність світоустрою (від неевклідової геометрії до квантової фізики).
Термін постмодерн уже використовувався наприкінці 1950 століття, а потім все частіше на початку 1970 століття, але лише в 1979-х роках у сенсі його теперішнього значення. Наприкінці XNUMX-х років два автори в основному внесли свій внесок у те, щоб термін утвердився як постійно діючий: Жан-Франсуа Ліотар з його роботою La Condition postmoderne (Постмодерні знання, XNUMX) і Чарльз Дженкс з есе «Піднесення постмодерністської архітектури».
Із введенням терміна постмодерн модернізм вперше визначається як закрита історична епоха (як античність чи середньовіччя до неї). Постмодерн утвердився як стилістичний термін, особливо в архітектурі.
Постмодерністи дійшли висновку, що сучасний світ не можна описати в рамках класичних підходів до філософії, науки та культури. Отже, класичні методи мистецтва недостатньо для його опису.
використання технології
Епоха постмодерністського мистецтва збіглася із запровадженням кількох нових візуальних технологій (таких як телебачення, відео, Інтернет та ін.) та отримання від них значної вигоди. Новий діапазон форматів відео та фотографії зменшив значення мистецтва малювання, а маніпуляції з новими технологіями дозволили художникам скоротити традиційні процеси створення мистецтва, але все ж створити щось нове.
Постмодерністські напрямки та стилі
Поки що в постмодерністському мистецтві не було великих міжнародних мистецьких рухів. Замість цього в епоху з'явилася низка вузьких локалізованих потоків, а також кілька абсолютно нових форм мистецтва, таких як відео та живопис.
Крім того, існують десятки мистецьких фракцій, а також антипостмодерністський центр або два, члени яких намагалися створити мистецтво, яким би пишався Мікеланджело чи Пікассо.
Починаючи з неодадаїзму, постмодерністи любили змішувати речі або вносити нові елементи в традиційні форми, щоб створювати нові комбінації. Фернандо Ботеро малює примітивні картини огрядних фігур, Георг Базеліц малює фігури догори ногами.
Герхард Ріхтер поєднував камерне мистецтво та живопис у своїх фотографічних картинах 1970-х років, а Джефф Кунс поєднував орієнтовані на споживача образи зі складними техніками ліплення, щоб створити свої скульптури з нержавіючої сталі.
Андреас Гурскі поєднує фотографію з комп’ютерними зображеннями, щоб створити такі роботи, як Rhein II, а Джефф Волл використовує цифрово оброблені фотомонтажі у своїх постмодерністських творах зображень.
Серед мистецтвознавців немає єдиної думки щодо того, які стилі мистецтва можна віднести до постмодерністського мистецтва: наприклад, деякі стилі одночасно відносять до авангардних і постмодерних. І все-таки можна виділити наступний перелік напрямів і стилів постмодернізму:
дадаїзм
Дадаїсти вважали, що жорстокість Першої світової війни, яка сколихнула Європу, принісши біль і страждання мільйонам людей, була продуктом логіки та раціоналізму. З цієї причини вони своєю творчістю сприяли руйнуванню естетичних канонів, цинізму, системності, ірраціональності.
Колаж став основним творчим методом художників-дадаїстів. Полотно або папір служили фоном, на якому художник створював колаж із клаптиків тканини, клаптиків паперу та інших матеріалів.
Дадаїстство проіснувало відносно недовго: з 1916 по 1923 рр. Це пов'язано з тим, що його ідеологічною платформою був пацифістський пафос, протиставлений реальності Першої світової війни. У 1920-х роках дадаизм злився з експресіонізмом у Німеччині та сюрреалізмом у Франції.
Поп -арт
Поп-арт (поп-арт) — стиль, який переніс споживчу культуру в сферу мистецтва і навчив людство бачити красу в тридцяти трьох банках супу. Поп-арт не слід плутати з масовою культурою. Масову культуру автори розглядали як об’єкт, як портретист дивиться на модель чи пейзажист: на лоні природи.
Тема масової культури, на яку впав погляд митця, трансформувалася в щось оригінальне: арт-об’єкт, переломлений через інтерпретацію митця. З художньої точки зору цей стиль апелював до матеріальності, об’єктивності, на відміну від іншого популярного напряму — абстракціонізму. Поп-арт народився в боротьбі з творчістю абстракціоністів і сповіщав повернення до відображення конкретних об’єктів на полотні.
Сам по собі звернення до повсякденних речей не є новим для історії живопису. Натюрморт – це, зрештою, погляд художника на навколишні предмети. Насправді, між вазою Караваджо і зеленими пляшками кока-коли Уорхола немає великої різниці. Але у поп-арту була своя концептуальна особливість: художники брали знакові предмети та образи з масової культури, які вони тепер назвали б «мемами».
Крім того, звертали увагу не тільки на предмети, а й на зображення; типовим прикладом є диптих Мерилін Уорхола. Не можна заперечувати той факт, що поп-арт допоміг утвердити американську мрію, легітимізувати суспільство споживання та відповідний спосіб життя. Водночас воно заклало підвалини для критики філософії споживання, яка згодом набере сили.
Word Art
Термін Word Art описує категорію постмодерністського мистецтва на основі тексту, створеного різними сучасними художниками з 1950-х років. Просте визначення мистецтва на основі тексту може бути «мистецтво, яке включає слова чи фрази як основний художній компонент».
Текстові зображення, що містять слова та фрази, опубліковані в різних засобах масової інформації, включаючи живопис і скульптуру, літографію та трафаретний друк, а також прикладне мистецтво (футболки, кухлі). Він також з’являється в новітніх формах сучасного мистецтва, таких як проекційне маппінг.
Концептуальне мистецтво
Концептуалізм (від лат. conceptus: думка, уявлення) — постмодерністська течія в мистецтві, яка проголошує перевагу ідеї твору над формою його художнього вираження. Послідовники концептуалізму впевнені, що їх картини, скульптури, інсталяції та перформанси мають викликати у глядача не емоції, а бажання інтелектуально переосмислити побачене.
Концептуалізм не є комерційним мистецтвом, у ньому об’єктами для творчості можуть бути будь-які предмети побуту, природні матеріали і навіть частини людського середовища. Художник-концептуал не прагне створити готову роботу, а намагається донести свої ідеї до глядача, включитися в своєрідну інтелектуальну гру.
Твори концепт-арту мають відмінні риси. Ці роботи можна ідентифікувати за такими характеристиками: впливають не на емоційне, а на інтелектуальне сприйняття глядача; часте використання пояснювального тексту до твору; свідоме неприйняття митцем значення форми на користь важливості сенсу (ідеї) твору; створювати арт-об’єкти з будь-якого доступного автору об’єкта.
Перформанс і хепенінги
Хеппенінги — це авангардний вид мистецтва, вид творчого самовираження, тісно пов’язаний з мистецтвом перформансу, який бере свій початок у теоріях концептуального мистецтва 1896 століття, значною мірою походить від демонстрацій представників дадаїзму, а також Трістана. Цара (1963-XNUMX). На практиці нелегко відрізнити мистецтво перформансу від хепенінгів.
Обидва є ретельно спланованими формами розваги (хоча й з елементами спонтанності), в яких митець виконує (або керує) мистецьку театральну подію. Щось легше побачити, ніж описати словами.
У будь-якому випадку, Happenings — це спонтанний твір перформансу, який знаходиться десь між драмою та візуальним мистецтвом і зазвичай запрошує та викликає сильний відгук у глядачів.
Завдяки своєму дадаїстському стилю швидкоплинності, він спочатку був задуманий як радикальна альтернатива традиційним ремісничим принципам і як «постійний арт-об’єкт». Повне пояснення цієї нової постмодерністської форми мистецтва можна прочитати в книзі Майкла Кірбі «Happenings» (1965).
Цей тип мистецьких подій став особливо пов’язаним із мистецькою сценою Нью-Йорка приблизно в 1960 році і досі представлений у найкращих галереях сучасного мистецтва по всьому світу.
Абстрактне мистецтво
Абстракціонізм — стиль живопису та мистецтва в цілому, який відкидає реалістичне відтворення навколишнього світу. Його послідовники зображують прості та складні форми, грають кольором, використовують лінії, площини та інші об’єкти, комбінуючи їх, щоб створити певні емоції у глядача. Цим його підхід відрізняється від підходу майстрів, які дотримуються класицизму та багатьох інших стилів.
На перший погляд картина абстракціоніста може здатися хаотичним змішанням ліній, форм і плям. При уважному розгляді стає зрозуміло, що художник створив цілу композицію, покликану викликати у глядача певні думки чи настрої.
Абстракціонізм у міру свого розвитку розшаровувався на кілька напрямків, кожен з яких мав своїх представників. Були такі типи стилів, як:
- Геометричні. У роботах художників, виконаних у цьому стилі, переважають чіткі форми та лінії, багато з них створюють ілюзію глибини.
- Майстри, які дотримуються цього напрямку, активно працюють з кольорами та їх поєднаннями; саме через них вони передають емоції, які хочуть створити в аудиторії.
- Суть цього напряму живопису полягає в повній відсутності відсилань до реальних предметів і вкрай обмеженому використанні кольорів, форм і ліній.
- Художники, що працюють у цьому напрямку, прагнуть привнести у свої роботи динаміку, рух, через який вони передають емоції та відчуття. При цьому тіні, лінії та форми відходять на задній план.
Збірка
Асамблеж – декоративно-прикладна художня техніка, в якій художник створює рельєфне зображення шляхом наклеювання об’ємних частин або предметів на плоску основу. У техніці асамблежу допускається також використання фарб для живописного доповнення до художньої композиції.
Асамблеж, на відміну від спорідненого йому колажу, є різновидом техніки прикріплення об’ємних, а не двовимірних (плоских) елементів до лицьової поверхні зображення. Завдяки використанню об’ємних деталей зображення виходить максимально реалістичним і візуально ефектним.
Професійні художники часто використовують побутові обрізки та сміття для створення власних оригінальних творів мистецтва. В руках майстра велика кількість розкиданих предметів побуту стає художньою композицією, сповненою глибокого естетичного змісту.
Сьогодні роботи, створені в техніці асамблежу, незмінно привертають увагу поціновувачів сучасного мистецтва. Вони часто викликають запеклі суперечки серед критиків, але нікого не залишають байдужим, а тому вносять великий внесок у розвиток світової культури.
Fluxus
Fluxus була слабо організованою групою художників, яка охопила весь світ, але була особливо сильною в Нью-Йорку. Історично головним засновником і організатором руху вважається Джордж Мачунас, який описав Fluxus як злиття Спайка Джонса, Водевіля, Кейджа і Дюшана.
Подібно до футуристів і дадаїстів до них, митці Fluxus не схвалювали повноваження художніх музеїв визначати цінність мистецтва. Вони також припустили, що для того, щоб побачити і зрозуміти твір мистецтва, не обов’язково мати спеціальну освіту.
Fluxus не просто хотів, щоб мистецтво було доступним для мас, вони хотіли, щоб усі створювали мистецтво весь час. Часто важко визначити Fluxus, оскільки багато його власних художників стверджують, що сам акт визначення руху вже є занадто обмежуючим і редукційним.
На відміну від попередніх мистецьких течій, Fluxus намагався змінити світову історію, а не лише історію мистецтва. Наполегливою метою більшості художників було знищити будь-яку межу між мистецтвом і суспільством.
Основним принципом Fluxus було відкинути та висміяти елітарний світ «високого мистецтва» та знайти всі можливі способи донести мистецтво до мас відповідно до соціального клімату 1960-х. Художники Fluxus використовували гумор, щоб висловити свої наміри та поряд з дадаїстом, Fluxus був одним із небагатьох мистецьких рухів, які могли ходити по канату.
Незважаючи на свою грайливу поведінку, художники Fluxus серйозно ставилися до свого бажання змінити баланс сил у світі мистецтва. Його неповага до високого мистецтва вплинула на уявлення музею як авторитету щодо того, кого і що вважати художниками.
Fluxus зацікавив глядача і покладався на елемент випадковості, щоб сформувати кінцевий результат твору мистецтва. Використання випадковості використовували також дадаїсти, Марсель Дюшан та інші перформанси того часу. Художники Fluxus перебували під значним впливом ідей Джона Кейджа, який вважав, що потрібно підходити до твору без уявлення про кінцевий результат. Важливим був процес створення, а не кінцевий продукт.
відеоарт
Відео є одним з найбільш універсальних доступних медіа. Відеофільм може бути самим твором мистецтва та/або записом того, як створювався твір; він також може бути елементом інсталяції та/або частиною композиції з кількома відео. Відео робить мистецтво більш динамічним і живим. З кінця 1980-х і відео, і анімація покладалися на використання комп’ютерного програмного забезпечення для маніпулювання зображеннями.
фотореалізм
Фотореалізм — жанр живопису, який виник наприкінці 1960-х років у відповідь на зростання популярності абстракції. Відтоді фотореалістичні картини з їх величезною увагою до деталей створили оптичні ілюзії, які можна визначити лише зблизька, як намальовані зображення фотографічного оригіналу.
Замість того, щоб спостерігати і представляти те, що відбувається в реальності, фотореалізм був натхненний фотографією. Візуальна інформація, отримана камерою, використовується для створення ілюзіоністичних картин, малюнків та інших творів мистецтва. Художники часто проектують фотографії на полотно, щоб зображення можна було відображати з точністю та деталізації.
Арте Повера
Arte Povera (від італійського виразу «погане мистецтво» або «збіднене мистецтво») було одним із найважливіших і найвидатніших авангардних мистецьких течій, які виникли в південній Європі наприкінці XNUMX-х років.
Сюди входили роботи десятка італійських художників, головною творчою особливістю яких було використання повсякденних матеріалів, що нагадують доіндустріальну епоху. Особливою популярністю користувалися бруд, каміння та одяг: «відходи» або дешеві матеріали, які вони використовували для свого мистецтва. Такий підхід до мистецтва атакував панівні уявлення про цінність і правильність і тонко критикував індустріалізацію та механізацію тогочасної південної Європи.
Його творчість знаменувала собою реакцію на абстрактний живопис модернізму, який контролював європейське мистецтво в попереднє десятиліття, від якого він відрізнявся тим, що більше зосередив увагу на скульптурній роботі, ніж на живописі.
Деякі з найбільш значущих робіт групи були створені завдяки контрасту між сировиною та одночасними посиланнями на зростання споживчої культури. Переконавшись, що сучасність загрожує знищити колективну спадщину, Арте Повера намагався протиставити нове зі старим.
Окрім відмови від технологічного конкурсу, художники, пов’язані з Arte Povera, відкинули те, що вони сприймали як науковий реалізм. На відміну від методичного підходу до просторових відносин, вони викликали міф, таємниці якого було нелегко пояснити.
Художники представили абсурдні та грайливі зіставлення, часто нового і старого або високообробленого та доіндустріального. Роблячи це, вони проілюстрували деякі наслідки модернізації, яка сприяє руйнуванню місць і спогадів, коли вона рухається все далі в майбутнє.
Інтерес Arte Povera до поганих матеріалів може бути пов’язаний з кількома іншими течіями мистецтва 1950-х і 1960-х років. Наприклад, вони поділилися деякими техніками з такими рухами, як Fluxus і Nouveau Réalisme, у поєднанні легкодоступних матеріалів з підрізом. функція.
постмінімалізм
У постмінімалістичному мистецтві, термін, який вперше використав мистецтвознавець Роберт Пінкус Віттен, фокус зміщується з чистоти ідеї на її комунікацію. Як приклад можна побачити роботи німецько-американської художниці Єви Гессе.
феміністичне мистецтво
Мистецький рух, який займається виключно жіночими проблемами, такими як народження, насильство над жінками, умови праці жінок та багато іншого. Серед артистів-учасників є Луїза Буржуа та художниця японського походження Йоко Оно.
деконструктивізм
Деконструктивізм є однією з найбільш вражаючих візуально форм мистецтва, коли-небудь створених. Його химерний, але інтенсивно творчий стиль архітектури 80-го століття з’явився наприкінці XNUMX-х, насамперед у Лос-Анджелесі, але також і в Європі.
Як частина постмодерністського мистецтва, що стало можливим завдяки використанню програмного забезпечення для проектування аерокосмічної промисловості, деконструктивістська архітектура контрастує з впорядкованою раціональністю геометрії та віддає перевагу чужорідному підходу до дизайну, який зазвичай спотворює зовнішній вигляд конструкції, підриваючи елементи. .
Деякі історики вважають, що деконструктивістська філософія також протистоїть постмодерністському мистецтву, хоча практичні наслідки цього неясні. Зрештою, архітектор-деконструктивіст, хоче він того чи ні, мусить слідувати сучасним і постмодерним законам науки.
Найвідомішим представником деконструктивістської архітектури є канадсько-американський лауреат Прітцкерівської премії Френк О. Гері. Серед інших відомих деконструктивістів – Даніель Лібескінд, Заха Хадід, Бернард Чумі та Пітер Айзенман. До екстраординарних деконструктивістських будівель належать: Танцювальний будинок (Прага), Музей Гуггенхайма (Більбао) і Музей дизайну Vitra у Вайлі-на-Рейні.
Архітектура деконструктивізму характеризується маніпулюванням поверхнею, фрагментацією та нелінійними формами, які спотворюють та перекривають архітектурні конвенції структури та поверхні. При цьому елементи, які нібито суперечать один одному, навмисно протиставляються, щоб кинути виклик традиційним уявленням про гармонію та безперервність.
цинічний реалізм
Техніка сучасного китайського мистецтва, що виникла після розгрому площі Тяньаньмень (1989). Цинічні реалісти використовували образний стиль живопису з глузливим оповіданням. Мотивами, що повторюються, є фігури, лисини та фотопортрети. Цей стиль висміював політичний та соціальний статус Китаю, і оскільки це був новий світанок для китайських художників, він був добре прийнятий західними колекціонерами мистецтва.
Постмодерністська література і кіно
Характеристики постмодерної літератури включають продумане поводження з тим, що доступне у вигляді цитат і алюзій, і гру з літературними жанрами. Також характерна побудова численних рівнів дій і відносин, часто порушених.
Мабуть, найвідомішим постмодерністським романом є «Ім’я троянди» Умберто Еко. Маючи дуже складну літературну структуру на манер кримінального роману, Еко зумів подолати розрив між так званою високою культурою та масовою культурою. Історичні, літературні та мистецтвознавчі цитати та посилання роблять книгу навчальним романом чи навіть літературним конкурсом. Але навіть ті, кому це нецікаво, можуть насолодитися роботою Еко як захоплюючим трилером.
Так само Пітер Грінуей поєднав жанр історичного фільму з трилером у своєму фільмі 1982 року «Контракт мультфільму», але на відміну від Еха, він не розгадає загадку. Хоча сюжет містить численні класичні підказки, усі вони нікуди не ведуть.
образотворче мистецтво
Використання терміну постмодерн відкидається багатьма теоретиками та митцями, особливо у сфері візуального мистецтва, враховуючи широкий спектр форм вираження. Відмова від модерністської віри в новаторство також є однією з основ постмодерністської естетики в образотворчому мистецтві. Постмодернізм пов’язаний з історичними категоріями мистецтва, які були відкинуті сучасністю, такими як наративні та міфологічні структури.
Це вже починається з зображень Енді Уорхола ікон 1950-го століття, від Елвіса до Джекі Онассіс. Поп-арт також ознаменував розрив із сучасністю в XNUMX-х роках, попрощавшись з абстракцією. У XNUMX-х роках візуальне мистецтво, як і архітектура того часу, підкреслювало важливість чуттєвих, емоційних і традиційних аспектів над теорією та концепцією.
У XNUMX-х роках колектив New Wild (Neue Wilden) своїм виразним і репрезентативним живописом зламав панування мінімалістичного та концептуально працьовитого авангарду. Подібні тенденції спостерігалися в США та Італії.
Після того, як вихор влаштувався навколо Нових Дикунів, утвердилися тенденції, які зосереджувалися на рефлексії живопису та чуттєвих експериментах із графічними медіа (Зігмар Польке, Ансельм Кіфер, Герхард Ріхтер), малювання репрезентації переважання мінімалістичного та концептуального трудового авансу- сад. Подібні тенденції спостерігалися в США та Італії.
Характерними для того часу є два художники, чия творчість поєднує в собі естетику субкультури та масової культури: Кіт Харінг та Джефф Кунс. Харінгу вдалося поєднати елементи мистецтва графіті, коміксів, комп’ютерної мови жестів, дитячого малюнка та раннього історичного живопису в дуже поетичну мову жестів, зрозумілу в багатьох культурах. Джефф Кунс зробив собі ім'я на початку 1990-х через провокаційну банальність своїх підданих.
Використовується матеріал, як правило, високої якості, але дизайн його поверхні нагадує світ дрібниць і кітчу, як-от частково позолочена порцелянова статуетка Майкла Джексона в натуральну величину з його бульбашками шимпанзе.
Вимоги постмодерністської естетики щодо плюралізму, суб’єктивності, відходу від абстракції, включення мас-медіа, розмивання гендерних кордонів і прийняття цитати як художнього засобу принесли колір і рух у пейзаж, художній та музейний.
Зрештою визнання фотографії та кіно як засобу мистецтва цілком можна розглядати як стійкий результат постмодерністських тенденцій. Тимчасовий момент: влітку 2002 року музей Людвіга в Кельні покаже всі п’ять фільмів Метью Барні з нещодавно завершеного «Cremaster Cycle» в рамках великої виставки.
Архітектура
У середині 1970-х років Чарльз Дженкс ввів термін постмодернізм в архітектурний дискурс. Таким чином постмодерністський дискурс вперше досяг широкої публіки. Стильові принципи постмодерністської архітектури вже чітко виявилися в цей момент.
Потрібна була демократична та комунікативна архітектурна мова, естетика якої повинна базуватися не лише на функції, а й на значному змісті. Також вимагалося включення вигаданих елементів, таких як готика, яка бачить зображення небесного Єрусалиму в соборі.
Водночас посилилася тенденція до збереження та перепланування історичної забудови. Найяскравішим прикладом був Gare d'Orsay в Парижі, який відкрився як Musée d'Orsay у 1986 році. Такі історичні будівлі вплинули на мову постмодерністської архітектури, яка з самого початку була сильно визначена цитатами.
Щоб уникнути нового історизму, девізом було те, що еклектизм, який виражався, наприклад, у використанні колон, вікон і ґрат, слід іронічно зламати. Спектр постмодерністської архітектури особливо розвинувся в будівлі музею XNUMX-XNUMX-х років.
Крім музею Абтайберга Ганса Холлейна (Менхенгладбах), вдалим і характерним продуктом постмодернізму вважається Державна галерея Джеймса Стірлінга (Штутгарт). У дизайні Стірлінга численні натяки на історичну архітектуру, від Єгипту до класичного модернізму, злиті з кольорами поп-культури та типовими регіональними матеріалами пісковику та травертину, щоб створити цілісну, сучасну форму.
Останнім часом, коли йдеться про музейне будівництво, характер досвіду виходить на перший план все більше, ніж освітня вимога.
Замість споглядання медитативного мистецтва потрібна постановка, а сама архітектура інсценується з приголомшливими краєвидами та театральними ефектами. Перші відвідування громадськості все частіше відбуваються до того, як картини будуть вивішені, щоб можна було відчути архітектуру.
Орієнтація постмодерну на масову культуру
Мистецтвознавці часто використовують термін «висока культура», намагаючись відрізнити мистецтво живопису та скульптури (та інші візуальні види мистецтва) від масової культури журналів, телебачення та іншої продукції масового виробництва. Модернізм і його впливові послідовники, такі як Грінберг (1909-94), вважали ці форми культури неповноцінними. Навпаки, постмодерністи, які віддають перевагу більш демократичній концепції мистецтва, вважають «високу культуру» більш елітарною.
Поп-арт, перший постмодерністський напрям, перетворив звичайні споживчі товари на мистецтво. Поп-художники та інші пішли ще далі у своїх спробах демократизувати мистецтво, друкуючи своє «мистецтво» на кухлях, паперових пакетах та футболках: метод, який, до речі, є прикладом постмодерністського бажання, оригінальності та автентичності. Підриває мистецтво.
Художники постмодерну відмовилися від уявлення про те, що твір мистецтва має лише одне притаманне значення. Натомість вони вважають, що глядач є не менш важливим джерелом сенсу. Сюрреалістична фотографія Сінді Шерман, наприклад, підкреслює ідею, що твір мистецтва можна інтерпретувати різними способами.
Насправді, деякі митці, як-от художниця-перформанс Марина Абрамович, навіть дозволяють глядачам брати участь у їхньому мистецтві або навіть вимагають участі глядачів, щоб завершити свою роботу.
Зосередьтеся на шоу
У зв’язку з відсутністю справжнього сенсу життя, особливо коли вдень і вночі ми піддані радіо- та телевізійній рекламі, постмодерні художники вважають за краще обмежуватися в стилі та видовищності, часто використовуючи рекламні інструменти та методи, щоб досягти більшого впливу. Прикладом цього підходу є процес комерційного друку, який використовує зображення, схожі на плакати, таких поп-виконавців, як Рой Ліхтенштейн та Джеймс Розенквіст.
Зосередженість на поверхні є загальною рисою постмодерністського мистецтва і іноді виходить на перший план за допомогою театральних, блискучих, дуже ефектних образів. Починаючи з 1980 року використання комп’ютерів та інших технологій здійснило революцію в мультимедійному мистецтві (наприклад, анімації) і створило особливі можливості в таких областях, як архітектура.
Наскільки важливо привернути увагу аудиторії в постмодернізмі, показує шокова тактика групи студентів Голдсмітського коледжу, відомого як Young British Artists, у Лондоні наприкінці XNUMX-х і XNUMX-х. Прославившись трьома шоу, YBA критикували за поганий смак, але деякі з них стали лауреатами премії Тернера, а інші здобули значну популярність і багатство.
Задовольнити потреби споживачів
Зростання споживчої поведінки та безпосередньої культури насолоди в останні десятиліття XNUMX-го століття також справили сильний вплив на візуальне мистецтво. Зараз споживачі хочуть інновацій. Вони також хочуть відпочинку та розваг. Багато постмодерністських художників, кураторів та інших професіоналів скористалися можливістю перетворити мистецтво на продукт розваги.
Впровадження нових форм мистецтва, таких як перформанс, події та інсталяції, а також нові теми, зокрема мертві акули, гігантські крижані скульптури, багато оголених тіл, будівлі, які здаються в русі, колекція з тридцяти п’яти тисяч теракотових фігури, намальовані тіла, моторошні проекції на громадські будівлі (і багато іншого) - вони подарували глядачам масу нових, часом шокуючих, вражень.
Чи є ці нові форми мистецтва насправді «мистецтвом», залишається питанням, яке викликає багато дискусій. Постмодерністські концептуалісти стверджують, що це так, а традиціоналісти відмовляються вважати це таким.
принципи постмодерністського мистецтва
Для фахівців постмодерністське мистецтво складається з трьох основних принципів, які будуть керувати ним у цілому, не будучи повністю обмежуючими:
безпосереднє значення
Більше жодних вицвілих картин маслом, що зображують події, від яких піднімається волосся, з грецької міфології, щоб викликати розумну посмішку у культурного спостерігача. З моменту свого початку в русі поп-арту постмодерністський живопис і скульптура були сміливими, блискучими і миттєво впізнаваними.
Теми та зображення в основному були взяті з резонансних споживчих товарів, журналів, рекламних роликів, телебачення, фільмів, мультфільмів та коміксів. Вперше всі зрозуміли виставлене мистецтво. Хоча постмодернізм розвинувся з поп-арту, одна головна мета сенсу залишається відразу очевидною.
Мистецтво можна зробити з чого завгодно
Спираючись на традиції Марселя Дюшана, чий пісуар із назвою «Фонтан» (1917) був першим відомим прикладом звичайного предмета, перетвореного на твір мистецтва (інший приклад: «Історія готового»), художники постмодерністи зробили його їхня справа — створювати мистецтво з самих незвичайних матеріалів і сміття. Ідея полягає в тому, щоб демократизувати мистецтво та зробити його більш доступним.
Ідея важливіша за сам твір
До 1960-х років художники взагалі вважали, що без готового продукту нічого не буде. Велика увага приділялася якості готового твору мистецтва та необхідному для нього майстерності. Сьогодні все інакше.
Постмодерністи схильні більше вірити в концепцію кінцевого продукту, ніж у сам продукт, тому більшу частину «постмодерністського мистецтва» називають «концептуальним мистецтвом» або «концептуалізмом». Інші форми концептуалізму включають інсталяції, виконавське мистецтво, хепенінг, проекційне мистецтво та деякі інші.
Видатні митці постмодернізму
Оскільки ми є сучасниками постмодерністського мистецтва, важко розрізнити знакові імена того часу. Лише через деякий час можна буде сказати, які художники залишили виразний слід в історії живопису, а чия слава була лише даниною моді. Але оскільки постмодернізм розвивався більше півстоліття, можна назвати деякі з імен, які вже вписані в історію. До них належать, наприклад:
- Дадаїст, сюрреаліст і засновник концептуалізму Марсель Дюшан
- Лідер поп-арту Енді Уорхол
- Піонер складання Сезар Бальдаччіні
- Відомий концептуаліст Брюс Науман
- Роберт Раушенберг, Ремедіос Варо Уранга, Френсіс Бекон, Демієн Херст, Джефф Кунс.
Марсель Дюшан
Марсель Дюшан (нар. 28 липня 1887 — пом. 2 жовтня 1968) — майстер авангардного мистецтва, відомий своїми екстравагантними витворами мистецтва. Творчість Марселя Дюшана суперечила усталеним традиціям і неодноразово обговорювалася в скандальній хроніці по обидва боки океану.
На початку своєї кар’єри він писав картини в стилі постімпресіонізму, віддаючи данину кубізму та фовізму, але потім кинув живопис і захопився створенням інсталяцій, де змішував техніки та використовував матеріали різної фактури. Революційні ідеї митця справили великий вплив на розвиток концептуального мистецтва XNUMX століття.
Енді Уорхол
Енді Ворхол (народився 6 серпня 1928 р. – помер 22 лютого 1987 р.) був популярним американським художником XNUMX-го століття і власником галереї. Він зробив великий внесок у розвиток комерційного поп-арту. Енді Уорхол по праву вважається лідером такого напряму, як uomo universale.
Роберт Раушенберг
Роберт Раушенберг (нар. 22 жовтня 1925 р. – пом. 12 травня 2008 р.) титан американського мистецтва XNUMX-го століття за версією газети The New York Times, був видатним художником і творцем, представником абстрактного імпресіонізму, концептуалізму, готовий і засновник. поп-арту.
Картини Роберта Раушенберга – це колажі та інсталяції, обеліски, предмети побуту та інші предмети, які важко класифікувати. Роботи майстра, як і його біографія, шокують, дивують, огидні та чарівні, але нікого не залишають байдужим. Запальний бісексуал, розчарований фармацевт, противник усього класичного і звичайного, він постійно кидав виклик собі і навколишньому світу.
Ремедіос Варо Уранга
Ремедіос Варо Уранга (нар. 16 грудня 1908 — пом. 8 жовтня 1963) — іспанський та мексиканський художник XNUMX століття, оригінальний представник сюрреалізму. Творчість Ремедіоса Варо виходить за рамки класичного живопису: сни, філософські роздуми, магія, механіка, історія та окультизм переплітаються у творчості сюрреаліста.
У той же час картини Ремедіоса Варо підкреслено ліричні та жіночні, наповнені середньовічною атмосферою і відсилають глядача до витоків Всесвіту. Картини Ремедіоса Варо наповнені екстравагантними казковими персонажами, механічними конструкціями та природою. На відміну від класичного сюрреалізму, в кожному творі митця чітко простежується сюжет, який підводить глядача до певних висновків.
Френсіс Бекон
Френсіс Бекон (нар. 28 жовтня 1909 — пом. 28 квітня 1992) — майстер британського експресіонізму, один із найбільш неоднозначних і жорстоких художників XNUMX століття. Роботи Френсіса Бекона визнані вражаючими: на його картинах оживають найжахливіші витвори людської фантазії.
Френсіс Бекон не отримав академічної освіти. При цьому він неймовірно затребуваний і популярний. Картини майстра — мрія як для приватних галерей, так і для найвідоміших музеїв світу, які зовсім не проти включити його роботи до колекції. Деякі з шедеврів художника коштують десятки мільйонів доларів і входять до списків найдорожчих творів мистецтва.