Їх назви є ознакою якості і знайомі навіть тим, хто далекий від світу мистецтва. кожен з Відомі художники Це було особливе явище свого часу. Хтось має роль першовідкривача, інший приваблює своєю загадковістю, інший дивує таким іншим реалізмом.
Відомі художники
Художники – це люди, які можуть публічно розмовляти з суспільством мовою образів і візуальних форм. Однак його популярність і актуальність, здається, зовсім не залежать від лише таланту. Хто були найвідомішими художниками в історії?
Альбрехт Дюрер
Німецький художник Альбрехт Дюрер (Albrecht Dürer) був одним із перших, хто підійшов до центральної перспективи і обрав для своїх картин високосхематичні структури зображення та символічні уявлення, наприклад, фестиваль Вервиць. Його автопортрет відомий на весь світ. Блискучі локони та ілюзія тканини її пальто досі дивують мільйони людей.
Крім живопису, він зробив численні малюнки та акварелі природи, наприклад, «Юний заєць». Проте своїм проривом як художник він завдячує своїм гравюрам на дереві та міді, які розповсюджувалися як книжкові ілюстрації по всій Європі.
Поль Гоген
Поль Гоген народився в Парижі в 1848 році. Він є одним з найбільш екзотичних відомих французьких художників. До еміграції до Французької Полінезії, де він залишався до самої смерті, він був одним із великих художників школи Понт-Авен. Його стиль натхненний імпресіонізмом та японською гравюрою, а його великі картини зараз демонструються у великих музеях, таких як Musée d'Orsay. Знаменитий художник помер на Маркізських островах в 1903 році.
Мікеланджело Буонароті
Мікеланджело, або насправді Мікеланджело ді Лодовіко Буонарроті Сімоні, народився в Капрезе в 1475 році і помер у Римі в 1564 році. Його вважають частиною італійського Високого Відродження, хоча він сформував цю епоху. Художник особливо відомий своїми релігійними творами, особливо, звичайно, розписом на стелі Сікстинської капели. Згодом його техніка і стиль знову беруться на озброєння, що дає початок маньєризму.
В епоху Відродження замість вічного прокляття на перший план виступила краса творіння. Цьому також присвятив себе Мігель Анхель Буонарроті, відомий за життя. Він поєднував анатомічні знання з любов'ю до досконалості.
Сам Папа замовив для Сікстинської капели в Римі гігантський стельовий розпис створення світу. Мабуть, найвідомішим мотивом у світі є Створення Адама, в якому Адам оживає дотиком Божих пальців.
Мікеланджело також зумів зробити те ж саме, що і скульптор, зумівши оживити тверді мармурові блоки. Як сміливий молодий Давид, який пропонує гіганту Голіафу своє кучеряве чоло. Як суперник Леонардо да Вінчі, Мікеланджело також вважався людиною Відродження за його навички скульптури, живопису та поезії. Його вплив і внесок у розвиток західного мистецтва не мають собі рівних досі.
Едуар Мане
Його відома картина «Сніданок на траві» сьогодні відома всьому світу. Батько Едуара Мане насправді хотів, щоб він вивчав право, але Мане відмовився і почав вивчати живопис у Томаса Кутюра. Він встановлює стандарти в імпресіоністському русі, перш за все, мотивами, які він обирає для малювання: портрети, пейзажі, натюрморти або паризьке життя.
Хоча він оточував себе інтелектуалами (наприклад, Емілем Золя чи Шарлем Бодлером), сучасники його довго критикували. Його творчий шлях, як і належить на шляху справжнього художника, був не найпростішим: його картини викликали суперечки і скандали, у 1860-х роках він виставлявся в так званому Залі ізгоїв. Це була альтернативна виставка для художників, яких не прийняли до офіційного салону в Парижі.
Такою була доля його роботи «Олімпія», яка шокувала громадськість. Вони писали, що головна героїня полотна з таким зухвалом дивиться на глядача і тримає ліву руку так, ніби в цій руці була сумка, а самій жінці глибоко байдуже, що про неї думають. Образ вважали занадто плоским і його сюжет був вульгарним. Хто б міг подумати, що через сто п’ятдесят років це полотно стане одним із найвпізнаваніших у світі.
Мікеланджело Мерісі да Караваджо
Італійський художник-барокко Караваджо, безсумнівно, є одним із найвідоміших живописців усіх часів. Його шедеври, такі як покликання святого Матвія, характеризуються сильними контрастами світло/темря й часто тематизують релігійні чи алегоричні сцени, водночас досить жорстокі: від бичування Христа до Юдіфи, яка рішуче відрізала голову Олоферну. .
Він знайшов багато наступників, таких як не менш талановита, але менш відома художниця Артемісія Ломі Джентілескі. Він порвав із традиціями художників епохи Відродження, які керувалися прекрасним ідеалом. Його моделями були не подружки нареченої, а протестувальники та п’янічки з брудними ногами. Цей новий стиль був провокаційним і отримав широке визнання.
Численні художники надихаються ним (як уже згадувалося, також Рембрандтом), тому від нього виникає власний стиль, що носить його ім’я: каравагізм. Його картини, іноді дуже реалістичні, сформували його сучасників і майбутні покоління.
Поль Сезанн
Поль Сезанн (1839-1906) багатьом відомий як батько сучасного живопису, хоча насправді він починав свою кар'єру як банкір. Нарешті, в Парижі його талант художника виходить на перший план, і він шукає своє місце в художньому світі. Поль Сезанн найбільш відомий своїми пейзажними картинами Екс-ан-Прованса, де він провів своє дитинство.
Родом із Екс-ан-Прованса, Поль Сезанн виділяється як один із найбільших сучасних художників. Його мистецтво поєднує традиційніші стилі XNUMX-го століття з більш авангардними стилями XNUMX-го століття. Будучи частиною постімпресіоністичного руху, він розробив власний стиль і вплинув, крім багатьох сучасних художників, на розвиток пізніших течій.
Його підхід до зображувального зображення заснований на конструктивному методі, який полягає в об'єднанні площин об'єктів для створення набору великої повноти. Пізніше його ідею підхопили Пікассо та Брак. Сам Сезанн був натхненний французькими художниками-імпресіоністами, прагнучи бачити предмети як набір форм. Він дотримується як візуального сприйняття своєї роботи, так і предмета, на який звертається.
Маючи кілька разів одну і ту ж тему (яблука, апельсини, гори), художнику вдається вдосконалити свою техніку. Вивчайте вплив світла та перспективи, спостерігаючи, як виділяються різні грані об’єктів. Вони відтворюються за допомогою колірних площин, які розкривають геометричні компоненти об’єктів.
Відокремлюючи форму через гру абстракції, художник намагається вловити зміну, яку відчувають об’єкти у зв’язку з їх конфігурацією в просторі. Революційні ідеї Сезанна в трактуванні предмета і посередника, яким є художник, вплинуть на експресіоністів, кубістів і навіть футуристів.
Дієго Веласкес
Las Meninas є одним із найвідоміших образів в історії мистецтва та шедевром Веласкеса. Дієго Веласкес намалював дочку Філіпа IV з її дівчатами і увічнив себе на краю картини як придворного художника іспанської королівської родини. Він представив Папу і навіть надав трохи гідності придворним карликам.
Навіть у своїй п’єсі «Капітуляція Бреди» він продемонстрував дипломатичну майстерність. Замість перемоги іспанських військ над Нідерландами вона показує дружню передачу ключів від міста. У його композиціях також буває, що спина коня витягнута до глядача, ніби він був очевидцем сцени.
Особливо добре це можна побачити на знімку прядки в його картині «Байка про Арахну», більш відомій як «Прядки».
Огюст Ренуар
Огюст Ренуар (1841-1919), повне ім'я якого П'єр-Огюст Ренуар, художник, який захоплюється своїми роботами з кінця XNUMX століття. Спочатку його можна віднести до руху імпресіоністів, але він відійшов від нього і малює все більш реалістичні картини.
Оголені тіла, портрети, пейзажі чи навіть натюрморти: Ренуар – досвідчений і різнобічний художник, який не дозволяє собі розриву. Навіть в останні роки свого життя, коли він страждав на важкий ревматизм і вже не міг рухати багатьма частинами тіла, він продовжував малювати, прив’язуючи пензлі до зап’ястя.
Французький художник добре відомий своїми зображеннями жіночої чуттєвості та культом краси. Однією з його найвідоміших робіт є «Танець у Мулен-де-ла-Галет» (1876), який у типовій для імпресіоністів манері передає суть вечірки під відкритим небом у паризький недільний вечір, де міські жителі могли випити, танцювати, спілкуватися та веселись.
Його пізніші роботи віддають перевагу традиційній тематиці, портрету чи фігуративним композиціям. Незважаючи на ці зміни, Ренуар залишається вірним зображенню оголеного тіла. Її дуже чуттєвий підхід до жіночності натхненний Рубенсом. Кінець його кар'єри буде ознаменований досить плідним виробництвом оголених жіночих образів. Зміна теми реагує на зміну стилю.
Ян Вермер
У 2003 столітті, так званому Золотому столітті, на півночі Нідерландів процвітала торгівля мистецтвом. Популярними портретистами стали такі художники, як Рембрандт, Ван Делфт і Ян Вермеєр (Йоханнес Вермеєр). Останній зміг вразити своїх глядачів своєю дівчиною з перлинною сережкою. У XNUMX році навіть вийшов фільм за його загадковим портретом.
Такі образи, як джентльмени та жінки, які п’ють вино, або алегорія живопису, що часто обговорюється, сьогодні можна розглядати як історичні свідчення про одяг і світ людей. Йдеться не тільки про світлі та яскраві кольори, але, перш за все, про те, щоб побачити деталі та зосередитися в повсякденному житті. Історичні події повинні були ділитися своїм образом з нормальними людьми, ремісниками, покоївками, навіть п’яницями.
Ян Вермеєр був ще одним голландським художником, який спеціалізувався на зображенні інтер’єрів будинків з низькими доходами та життя середнього класу. Хоча він не був визнаний за життя, його творчість було відкрито заново в 1860 році. Пізніше деякі з його картин були помилково приписані іншим художникам, але незабаром справжній автор був визначений завдяки кропіткій роботі дослідників мистецтва та істориків.
На сьогоднішній день відомі тридцять чотири роботи, що належать пензлю Вермеєра. Найвідомішою з його картин є «Дівчина з перлинною сережкою» (1665). Картина привертає пильний і тривожний погляд дівчини, одягненої в дивний одяг, а також велика блискуча сережка, яку зазвичай вважають перлиною.
Анрі Матісс
Анрі Матісс народився на півдні Франції в 1869 році. Власне, він і повинен був заволодіти батьківською фермою, але Матісс вирішив вивчати право в Парижі. У 1889 році він недовгий час працював помічником юриста і водночас брав ранкові уроки малювання в Школі Квентена де ла Кур.
У 1890 році він дійсно почав малювати і хотів підготуватися до вступного іспиту в Школу витончених мистецтв, але не склав його. Матісс провів літо 1905 року з Андре Дереном, і разом вони розробили новий стиль, який увійшов в історію мистецтва як фовізм.
Фріда Кало
Жінки, які працювали художницями, здебільшого фігурують у старших підручниках. Фріда Кало - це Фріда Кало. Мексиканка відома своїми яскравими і барвистими автопортретами.
Його образи пристрасно й емоційно говорять про біль і силу волі. Вона обробляла свої травматичні переживання у своїх картинах, її серйозну автобусну аварію (El pilar roto), її викидні та серцевий біль (Las dos Fridas) зі своїм чоловіком Дієго Ріверою.
Феміністки відзначають їх за те, що вони відображають їхній жіночий досвід. У своїй країні походження він є іконою, яка принесла місцеву культуру до Європи. Там він знайшов велике захоплення серед сюрреалістичної групи навколо Андре Бретона. Деякі з його найвідоміших робіт — «Автопортрет з терновим намистом» і «Колібрі» (1940). Вони найбільш помітні як приклад вільного використання ним символізму. Комір із шипами та бездиханне колібрі, можливо, символізували її внутрішню агонію.
Едвард Мунк
Едвард Мунк народився в Лотені, Хедмарк, Норвегія в 1863 році і помер в Осло в 1944 році. Він є одним із відомих сучасних художників і вважається піонером експресіоністичного напрямку живопису в епоху сучасного мистецтва. Він відомий своїми психологічними темами та нюансами, на які сильно вплинула символіка XNUMX-го століття. Його творчість сильно вплинула на німецький експресіонізм на початку XNUMX століття.
Художник Едвард Мунк відомий поза мистецьким світом насамперед своєю картиною «Крик». Однак насправді це серія різних зображень, що зображують один і той же мотив. «Крик» (1893-1910) має чотири окремі версії у двох різних версіях: олійною та пастельною.
Картина надзвичайно болюча і сувора, але, тим не менш, зі смаком за кольором, і зображена на дуже простому обличчі з скам'янілими емоціями на яскраво-помаранчевому тлі. Крик був намальований після того, як Мунк пішов додому одного разу вночі й обернувся: червоний захід сонця він побачив здивував його.
Зворотний шлях Мунка пролягав через бойню та лікарню для душевнохворих, де перебувала сестра художника. Сучасники писали, що стогони хворих і крики мертвих тварин були нестерпними. Вважається, що «Крик» став своєрідним пророцтвом для мистецтва ХХ століття, пронизаним мотивами самотності, відчаю та екзистенційного кошмару.
Образ або мотив «Крик» Едварда Мунка використовувався багато разів, наприклад, імовірно, також для маски відомої серії фільмів «Крик». Отже, існують також різні предмети мерчандайзингу, які сьогодні, мабуть, відоміші, ніж сам художник.
Клод Моне
Ренуар, Дега, Сезанн, Мане, Піссарро і перш за все Моне є одними з відомих художників світу. Імпресіоністичний художній стиль Моне дає назву новому художньому напрямку початку ХІХ століття, так званому «імпресіонізму». Природні пейзажі, колорит і світлові враження завжди були на першому плані в його роботах. Це також вплинуло на імпульсивний стиль малювання та нанесення фарби, схоже на дотик.
Клод Моне, якого часто називають одним із засновників імпресіонізму, був французьким художником і одним із найяскравіших і талановитих піонерів французького руху імпресіонізму. Власне, сам термін «імпресіонізм» був прийнятий після того, як він представив роботу під назвою Impression, rising sun.
Моне вважається найвидатнішим представником імпресіонізму. Цьому стилю він присвятив себе все життя, де головні герої - світло і колір, лінії зникають, а тіні можуть бути блакитними. Його Руанський собор показує, як змінюється об’єкт, якщо дивитися на нього крізь сонячні промені. Собор тремтить, живе в променях.
Моне багато експериментував із штрихами, щоб передати не стільки природу, скільки враження від неї, і саме в цьому він побачив істину.Його найвідоміший твір — «Латаття», серія з двохсот п’ятдесяти картин. які представляють сад у будинку французького художника в Живерні, Франція. Ця серія була основним напрямком творчості художника останні тридцять років його життя.
Ви дійсно можете побачити лише багато зображень, наприклад, знамениті латаття, сніданок на дачі або вид на Руанський собор здалеку, коли окремі кольорові точки у вашому оці утворюють зображення. Він народився в Парижі в 1840 році і помер у Живерні в 1926 році.
Рене Магрітт
Рене Магрітт був бельгійським художником-сюрреалістом, відомим тим, що використовував предмети побуту, щоб передати своє багато прикрашене сприйняття повсякденного світу. Він також був відомий тим, що створював твори, які змушують глядача замислитися, спонукаючи його порвати з упередженими уявленнями про реальність.
Однією з його відомих робіт, що дотримуються цього принципу, є «Зрада образів» (928-1929), що представляє собою курильну трубку з написом «Ceci n'est pas une pipe» (Це не трубка). І це насправді не труба просто тому, що це просто її зображення. Цей прийом і стиль зміни того, що ми знаємо як реальність, був спільним для всіх його робіт та ідей.
Едгар Дега
Едгар Дега (1834 – 1917) спочатку вивчав право за бажанням свого батька, але пізніше повернувся до свого великого кохання: живопису. Він навчився малювати не на курсах живопису в художній школі, а копіюючи великі твори Лувру.
За загальним правилом він вважається частиною руху імпресіоністів, але ця класифікація залишається спірною. Він не відповідає всім характеристикам цієї течії, але дозволяє собі деякі авангардні вольності. Художник особливо відомий своїми портретами та танцювальними сценами.
Пабло Пікассо
«Не всі вміють малювати, як Пікассо» — відомий вираз. Художник, який народився в Іспанії, юнаком поїхав до Парижа і через стосунки з Матіссом розвинув прихильність до фовізму. Це означало відхід від чистих і сильних форм і кольорів. Його перша подібна робота «Авіньйонські демуазелі» сьогодні відома на весь світ. Спочатку навіть його друзі не могли зрозуміти глибшого значення цього.
Іспанський художник вів творче життя, згодом ставши одним з найвпливовіших відомих художників XNUMX століття. Він не тільки писав картини, а й був скульптором, поетом, драматургом. І все це на додаток до безлічі інших заходів.
Цей знаменитий володар жінок прославився не тільки частою зміною муз, а й частою зміною художніх напрямків. На початку XNUMX століття він створив багато робіт в «африканському стилі», коли замість облич малював маски екзотичних племен, тоді був кубізм, а також абстракціонізм і сюрреалізм.
Вершиною його творчості можна назвати Герніку, присвячену зруйнованому війною місту, символу страждань і варварства. Саме Пікассо придумав об’єднати анфас і профіль на портретах, розділити об’єкти на прості фігури, об’єднати їх у дивовижні форми.
Він змінив весь пейзаж образотворчого мистецтва, збагативши його революційними ідеями, як і Сезанн, почав використовувати колір як форму (кубізм), у тому числі в сенсаційних зображеннях громадянської війни в Іспанії в Герніці.
У 1970 році твір був використаний для протесту проти війни у В’єтнамі і, подібно до голуба миру Пікассо, який він створив для Всесвітнього конгресу миру в Парижі 1949 року, залишив відбиток вічності. Відомий художник ще за життя був всесвітньо відомим, але посмертного визнання, якого заслужив, не отримав.
Андерс Зорн
Андерс Цорн — шведський художник і гравер, який народився в Морі. Він навчався в Шведській королівській академії мистецтв у Стокгольмі, Швеція, з 1875 по 1880 рік. У 1880 році Андерс Цорн показав портрет скорботного хлопчика під час виставки, яка почала його кар'єру та призвела до багатьох замовлень. Він користувався міжнародним успіхом і став одним із найвідоміших портретистів свого часу.
На початку XNUMX століття успіх Андерса Цорна зрівнявся з успіхом найвідоміших художників свого часу, включаючи Джона Сінгера Сарджента. Серед його моделей три президенти США: Гровер Клівленд, Вільям Тафт (портрет досі знаходиться в Білому домі) і, нарешті, Теодор Рузвельт у друкованому вигляді. Андерс Цорн також відомий своїми пленерними оголеними картинами та яскравими зображеннями води.
Деякі з його найважливіших робіт можна побачити в Національному музеї (National Museum of Fine Arts) у Стокгольмі. Серед них — Danza de San Juan (1897), виступ танцюристів у вечірньому світлі сільського святкування Дня Святого Івана. Тому він входить до числа відомих американських художників.
Рембрандт ван Рейн
Рембрандт Гарменс ван Рейн (1606 – 1669) – нідерландський художник епохи бароко. Його творчість у XNUMX столітті припала на час золотого віку в Нідерландах. Він сформував світ мистецтва, зокрема, завдяки серії автопортретів. Його особливо надихнула світла і темна картина Караваджо, який надає своїй картині особливі контрасти. Завдяки своїй універсальності він вважається найбільшим візуальним художником в історії мистецтва.
Його універсальність дозволила йому малювати все, від пейзажів і портретів до історичних подій і біблійних сцен. Одна з його найпопулярніших робіт «Нічна варта» (1642) зараз знаходиться в Державному музеї в Амстердамі. Картина має особливі якості, які виділяють її: розмір, гра руху, звичну для нас у військовому портреті, і використання світла і тіні, в чому відомий художник був особливо вправним.
Рембрандт зобразив світ таким, яким він є, без прикрас і лаку, але робив це дуже розумово. На полотнах Рембрандта є сутінки, з яких виходять постаті, освітлені золотим світлом. Прекрасний у своїй природності, як це видно в героях його картини «Єврейська наречена».
Доля найбільшого голландського художника схожа на плацдарм: від невідомості до підняття до багатства і популярності, щоб лише впасти і померти в бідності. Його не розуміли сучасники; Рембрандт представляв людські почуття та переживання, що було зовсім не модно, але сьогодні він є одним із відомих художників у світі.
Леонардо да Вінчі
Коли називають Леонардо да Вінчі, ми думаємо безпосередньо про Мону Лізу. Сьогодні це, мабуть, найвідоміший портрет у світі. Дама з таємничою посмішкою, названа Лізою дель Джокондо (дружиною Джокондо), викликає неодноразові дискусії та надихає уяву режисерів.
Своїми анатомічними дослідженнями та кресленнями техніки зброї він навіть зміг надихнути наймогутнішу людину свого часу, міланського герцога Людовіко Сфорца, і завоювати його як покровителя. Такі картини, як Діва Скелей або Дама з горностаєм, показують його перевагу до обережного погляду на жінок і його вміле поводження з кольором.
Лише на Тайній вечері він мав малювати на мокрій штукатурці. Кольори фресок були б блідішими після висихання, але більш стійкими. Тим не менш, це чудове свідчення його майстерного використання центральної перспективи.
Леонардо да Вінчі був художником, скульптором, математиком і винахідником, який також займався дослідженнями в архітектурі, науці, музиці, інженерії, астрономії, геології та багатьох інших областях. Через це він отримав назву «Людина Відродження», оскільки володів знаннями майже у всіх доступних на той час областях.
Завдяки його картинам світовий живопис вийшов на новий якісний рівень. Він рухався до реалізму, розуміючи закони перспективи та розуміючи анатомічний лад людини. Ідеальні пропорції він зобразив у малюнку «Вітрувіанська людина». Сьогодні він вважається і художнім шедевром, і науковим твором. Він, безперечно, один із відомих художників епохи Відродження.
Сандро Боттічеллі
Сандро Ді Маріано Філіпепі, або просто Боттічеллі, був італійським художником, який народився в 1445 році і помер у 1510 році. Спочатку Боттічеллі був золотою сковородою, але пізніше навчився малювати в майстернях різних італійських художників.
У 1481 році папою Сікстом IV він доручив прикрасити Сікстинську капели. Разом з Козімо Росселлі, Доменіко Гірландайо та Перуджіно Боттічеллі згодом сформував історію італійського живопису. Його роботами й досі щодня захоплюються тисячі відвідувачів.
Хоакін Соролла-і-Бастіда
Хоакін Соролья-і-Бастіда — іспанський художник, народжений у Валенсії, який виділяється у малюванні портретів, а також пейзажів своєї рідної країни, особливо узбережжя, чиє світло і людська присутність відіграють привілейовану роль. Поїздка до Парижа в 1894 році привела його до контакту з імпресіоністським живописом і принесла революцію в його стилі.
У найбільш типовому стилі Sorolla технічний дизайн є імпресіоністичним і відзначається присутністю людської фігури, дітей, жінок у сукнях на тлі пляжу або пейзажу, де відблиски, тіні, прозорі, інтенсивність світло і колір зображення відіграють основну роль у покращенні предметів. Хоакін Соролья – дуже активний художник, який також написав багато портретів іспанських особистостей.
Його приємний і легкий стиль дозволяє йому отримувати нескінченні запити, тому він насолоджується комфортним соціальним становищем. Його слава перетнула кордони Іспанії та поширилася по Європі та США, де він кілька разів виставлявся.
На рубежі століть Соролла був визнаний одним з найбільших нині відомих художників у західному світі, отримавши численні золоті медалі на кількох великих міжнародних виставках. Значна частина його робіт експонується в музеї Соролла в Мадриді, де йому присвячена виставка.
Енді Уорхол
Енді Уорхол був американським художником-візуальним художником, найбільш відомим своїм стилем під назвою поп-арт. У своїх роботах він досліджував взаємозв'язок між гламурною кіноіндустрією, рекламою, популярною культурою та художнім виразом. Уорхол стоїть на чолі відомих художників масової культури.
Його найвідоміший твір — «Супові банки Кемпбелла» (1962), який складається з 32 частин, кожна заввишки 51 сантиметр і шириною 41 сантиметр. Кожен з елементів можна вважати окремим зображенням. Індивідуальні вироби були виготовлені за допомогою напівавтоматичного трафаретного друку, що значною мірою сприяло розвитку поп-арту та зближенню популярної культури з візуальним мистецтвом, яким ми його знаємо сьогодні.
Енді Уорхол створив десятки робіт і був одним із провідних торговців культурою 50-х років. Однак у масовій свідомості він майже напевно залишиться автором полотен із відтвореними ідентичними предметами: в одному випадку таким предметом була банка консервованого томатного супу, а в іншому — секс-символом XNUMX-х років Мерилін Монро, символ сексистської епохи Голлівуду.
Вінсент Ван Гог
Вінсент Ван Гог — один із найвідоміших відомих художників, що вражає, оскільки його виразний та емоційний стиль живопису не викликав у свій час ентузіазму. Грубі мазки постімпресіоніста і нанесення фарби імпасто, а також його завжди барвистий, але все ще обережний вибір кольорів, сьогодні знову високо цінуються і продаються на найдорожчих аукціонних будинках світу.
Його вибір мотивів був невражаючим: меблі, квіти, пейзажі та безліч автопортретів. Проте, головним чином завдяки маркетингу американських любителів мистецтва, йому подобається його серія жовтих соняшників, його бачення нічної тераси кафе, «Зоряної ночі» та його спальні, що вони зустрічаються на плакатах, листівках і плакатах, навіть брелоках.
Незалежно від того, чи то його виразний портрет, чи навіть таємниця його відрізаного вуха та смерті, яка, як повідомляється, сталася внаслідок широко обговорюваної спроби самогубства, його ім’я стоїть на першому місці в списку відомих художників усіх часів.
Спочатку картини Ван Гога були похмурими. У них він висловив безмежне співчуття бідним. І його першим шедевром був саме такий твір: «Картопельники». У ньому ми бачимо людей, які втомилися від важкої і одноманітної роботи. Так втомилися, що самі стали як картопля. Ван Гог не був реалістом і перебільшував риси людей, щоб передати суть.
Але глядачі люблять Ван Гога за його світлі та яскраві кольори. Його картини стали барвистими після знайомства з імпресіоністами, відтоді він написав багато букетів, літніх полів і квітучих дерев.
Ніхто до Ван Гога не висловлював свої емоції і почуття за допомогою кольору, але після нього - багато. Адже він є головним натхненником усіх експресіоністів. Навіть дивно, як учитель, який перебуває в глибокій депресії, яка з роками доведе його до самогубства, намалював твір такий веселий, як «Соняшники».
«Зоряна ніч» (1889) — одна з найвідоміших його робіт, написана під час перебування в психіатричній лікарні у Франції. На ньому зображено вікно на вигадане місто, над яким сходить яскраво-жовте сонце.
Це одна з найбільш впізнаваних картин не тільки в світі мистецтва, а й у всьому світі. Але справжня слава прийшла до художника після його смерті, наприкінці 1890-х рр. Зараз його роботи вважаються одними з найдорожчих у світі і він входить до числа найвідоміших живописців.
Йеронімус ван Акен – Ієронімус Босх
Одним із провідних художників епохи Відродження Північної Європи є Йеронімус ван Акен, відомий іспанською як Ель Боско. Форма його картини, безперечно, впізнавана, незважаючи на те, що від усього корпусу картин залишилося лише десяток. Він був справжнім художником епохи Відродження, багатогранним і сповненим символів та алюзій.
Його картини сказали сучасникам Босха набагато більше, ніж людям XNUMX століття, оскільки він багато використовував біблійні та середньовічні народні мотиви. Щоб зрозуміти, що це картина Босха, не потрібно бути мистецтвознавцем.
Наприклад, у найвідомішому творі Ієроніма Босха триптих «Сад земних насолод» містить багато деталей: описує сім смертних гріхів, відтворених кілька разів, дуже докладно розповідає про пекельні муки, які чекають грішників (на с. права сторона). Тут майстер брався налякати і селянина, і тогочасного культу гнітючими видіннями, які чекали після смерті.
Ліворуч у вікні показано гріхопадіння Адама і Єви. Напівлюди, наполовину мутанти, величезні птахи й риби, небувалі рослини й безліч голих грішників. Все це змішується і переплітається в багатофігурні композиції. Вигадливість фігур, велика кількість дрібних деталей і специфічна фантазія художника не залишають сумнівів у тому, хто є автором полотна. Безсумнівно, один із відомих художників усіх часів.
Немає іншого художника, який використовує так багато деталей для вираження ідей. Які ідеї? Єдиної думки щодо цього питання немає. Вони присвячували Ель Боско дисертації та книги, шукали інтерпретації його героїв, але так і не дійшли висновку.
Але Босх розвивався протягом своєї кар'єри. А до кінця життя на зміну масштабним, багатофігурним творам прийшов дуже близький підхід до персонажів. Тому вони ледве поміщаються в кадрі. Ось що помітно у Христі з хрестом на спині. Незалежно від того, здалеку чи зблизька розглядає Босх своїх героїв, його меседж однаковий. Він показує людські пороки і, показуючи їх, намагається допомогти нам врятувати наші душі.
Пол Рубенс
Фламандський художник Пітер Пауль Рубенс (1577-1640) є одним з найбільших художників свого часу. Оскільки так багато художників хотіли працювати на нього, у Рубенса була одна з найбільших живописних студій свого часу. Він написав численні портрети та релігійні картини, такі як «Зняття з хреста», і надихнув інших художників по всьому світу. Він вважається майстром живопису фламандського бароко і заслужено входить до числа відомих живописців Нідерландів.
Рафаель Санціо
Найвідоміший представник епохи Відродження вражає гармонійними композиціями та ліризмом. Намалювати привабливих людей не так складно, як правильно розмістити їх на полотні. Тут Рафаель був віртуозом. Мабуть, жоден учитель у світі так не вплинув на своїх колег, як Рафаель.
Ваш стиль малювання буде невпинно експлуатуватися. Його герої блукають із століття в століття і втратять свою актуальність лише на початку XNUMX століття. В епоху модернізму та авангарду, згадуючи Рафаеля Санціо, ми вперше думаємо про його прекрасних Мадоннах.
За своє недовге життя (38 років) він створив двадцять картин зі своїм зображенням, це було нечасто. Найвідомішою є Сікстинська Мадонна (Madonna di San Sisto). Ми бачимо не суху іконографічну діву, а ніжну матір, повну гідності й духовної чистоти. Пустотливі ангели — це такий вірний портрет дитячої безпосередності, сповнений чарівності.
Найдорожчим твором Рафаеля Санціо стала напрочуд схематична «Голова молодого апостола». Його продали на Sotheby's за сорок вісім мільйонів доларів. Італійський живописець, якого сучасники цінують за м’якість і природність, сьогодні безцінний і є одним з найцінніших відомих живописців.
Франсіско де Гойя
Франсіско де Гойя (1746-1828) — великий іспанський художник періоду рококо і водночас один із піонерів у галузі сучасного живопису в Європі. Відомо, що Гойя змалював Іспанію такою, якою вона була свого часу, як справжній свідок-сучасник. Його улюблені теми — критичні зображення війни та несправедливості, а також образи повсякденного життя в Іспанії.
Гойя почав свою кар'єру з юнацького запалу та ідеалізму. Він навіть став художником до іспанського двору. Але незабаром йому набридло це життя, побачивши світову жадібність, дурість, фанатизм. Подивіться лише на його групу «Портрет королівської родини», де Гойя навіть не намагався пом’якшити пусті вирази обличчя та огидну зарозумілість королівської родини.
Гойя створив багато полотен, що відображають його громадянську і людську позицію. І світ знає його понад усе як сміливого художника, правдолюбця. Доказом є просто неймовірний твір «Сатурн пожирає сина». Це холоднокровна і надзвичайно чесна інтерпретація міфологічного сюжету. Так мав виглядати божевільний Кронос, який боїться, що сини його повалять.
Джотто ді Бондоне
Джотто ді Бондоне, вважається одним з перших майстрів до епохи Відродження, він був універсальним талантом: живописцем, архітектором і скульптором. Учень Сімабуе і друг Данте, яким захоплювався Мікеланджело, Джотто допоміг модернізувати побожний образ, відійшовши від візантійської традиції. Поєднуючи повернення до античності, відчуття натуралізму та набутого з пізнього середньовіччя, його мистецтво принципово орієнтоване на людину.
Вважається, що Джотто є автором знаменитих фресок у Верхній церкві Ассизі, присвячених життю святого Франциска, хоча немає жодних документів, які б це підтверджували. Він також є джерелом одного з найкрасивіших досягнень Треченто: каплиці Скровеньі в Падуї.
Мистецтво Джотто символізує тріумф фрески, техніки, яка залишилася в відступі від мозаїки. Виділяється високо кодифікований і статичний живопис візантійського стилю. Джотто інновує, представляючи персонажів з реалізмом, не обов’язково на анатомічному рівні, а на рівні почуттів. Його бачення божественного не є містичним чи надприродним, як у Фра Анджеліко, а звертається до людського та простоти земного життя.
Гюстав Курбе
Гюстав Курбе — французький художник-реалізм. У своїй творчості митець намагався представити світ свого часу та своїх сучасників і навіть зайшов так далеко, що порушив табу та шокував людей.
Наприклад, своєю роботою «Походження світу», яка показує жіночі геніталії і зараз виставлена в Музеї д'Орсе, він швидко відірвався від романтичних творів і перевернув світ мистецтва, відтоді належав до вибрана група відомих художників.
Сальвадор Далі
Сальвадор Далі (або Сальвадор Домінго Феліпе Хасінто Далі і Доменек), безпомилково впізнаваний за своїм психоделічним стилем живопису, народився в 1904 році і помер у 1989 році. Великий іспанський художник за короткий час спокусив світ мистецтва і став репрезентативною фігурою сюрреалістичної течії. . Його картини показують найрізноманітніші сни, кожен більш заплутаний, ніж інший. Далі, безсумнівно, один з найвідоміших художників XNUMX століття.
Далі найбільш відомий своєю абсурдною химерною естетикою. Його мистецтво було продовженням його самого, але, враховуючи його іспанську виразність і любов до уваги, він однаково славився своєю ексцентричною поведінкою. Його найвідоміший твір — «Постійність пам’яті» (1931).
Одна з інтерпретацій образу – як час починає танути, як тільки людина засинає. Коли його запитали, що саме надихнуло Сальвадора Далі на написання цієї картини, він відповів, що форма годинника, що плавиться, була натхнена сиром камамбер, який тане на сонці.
Іван Айвазовський
Айвазовський по праву входить до числа відомих художників світу. Його «Дев'ята хвиля» вражає своїми масштабами. Велич стихій, безвихідь. Чи вдасться втекти жменьці тих, хто вижив у штормі? Ранкове сонце своїми теплими променями ніби дає тонку надію.Айвазовського можна назвати найважливішим маринистиком усіх часів.
Ніхто так різноманітно не малював природу морської стихії, ніхто не зображував стільки морських битв і корабельних аварій. У той же час Айвазовський був ще й документалістом, досконало описав обладнання корабля. І трохи мрійливо, власне, навмисне Дев’яту хвилю намальовано невірно: у відкритому морі хвиля ніколи не згинається, як фартух. Але для додаткової драматичності Айвазовський змалював її так.
Анрі де Тулуз-Лотрека
Анрі де Тулуз-Лотрек, який народився на півдні Франції в 1864 році і помер у 1901 році у віці лише 36 років, є великим художником, який сформував життя в Парижі наприкінці XNUMX століття. Художник і карикатурист живе у знаменитому паризькому районі Монмартр, мистецькому районі французької столиці par excellence. Повсякденне життя в Парижі також є одним з його найпопулярніших мотивів, будь то паризьке кабаре або сцени кварталу червоних ліхтарів навколо Мулен Руж.
Марк Шагал
Марк Шагал народився в Білорусі в 1887 році під ім'ям Моіче Захарович Шагалов, але отримав французьке громадянство в 1937 році. Помер у 1985 році. Шагал не зовсім вписується в тенденції XNUMX століття, але використовує елементи сюрреалізму і примітивізму. Сьогодні Марк Шагал є частиною численних виставок про великих художників XNUMX століття.
Пол Кле
Відомий художник Пауль Ернст Клее народився в кантоні Берн в 1879 році і помер в 1940 році в італомовній частині Швейцарії, в Тічіно. Його батько був німцем, а мати - швейцаркою. Живописець і графік був не тільки високопродуктивним у творчі дні, а й надзвичайно різноманітним у мистецтві та живописі.
Тому його роботи можна віднести до абсолютно різних художніх течій: експресіонізму, конструктивізму, кубізму, примітивізму та сюрреалізму. До речі, Пауль Клее був другом Василя Кандинського і, як і він, з 1921 року викладав у Баухаузі у Веймарі, а потім у Дессау. Після захоплення влади нацистами його звільнили з роботи і повернули до Берна.
Василь Кандинський
Серед відомих живописців слід назвати Василя Кандинського. Він народився в Москві в 1866 році і помер у Нейї-сюр-Сен у Франції в 1944 році. Разом з іншими відомими художниками, такими як Поль Кле і Франц Марк, він був частиною групи художників «Блауер Райтер» і навіть разом заснував її з Францом Марком, як контррух або похідне від Neue Künstlervereinigung München (Нова асоціація художників Мюнхена).
Тому його стиль можна віднести до експресіонізму. Він також був одним із піонерів абстрактного мистецтва разом з іншими відомими художниками. Як уже згадувалося, він також працював викладачем у Баухаузі у Веймарі, а також у Дессау, де разом із Паулем Клеє були одним із мешканців Будинку вчителів Баухаузу. Після того, як націонал-соціалісти закрили Баухаус (1933), Кандинський разом із дружиною емігрував до Франції.
Ежен Делакруа
Французький художник Ежен Делакруа побачив світ у 1798 р. і помер у 1863 р. Особливо вплинув на романтизм XNUMX ст. Крім усього іншого, французька держава доручила художнику виконання численних портретів, але йому доручили й архітектурно-декоративні завдання. Його картина «Свобода веде народ» є однією з найвідоміших в історії Франції, і зараз нею можна помилуватися в Луврі в Парижі.
Джексон Поллок
Джексон Поллок — американський художник і лідер абстрактного імпресіонізму. Він входить до числа художників, відомих своїми незвичайними техніками крапельного малювання, в яких фарба ллється або капає на полотно. Поллок був відомий своєю пристрастю до алкоголю, що призвело до автомобільної аварії, яка забрала його життя в 1956 році.
Одна з його найвідоміших картин, номер 5, 1948 рік, є однією з найдорожчих картин у світі. Джексон Поллок продемонстрував чудовий контроль і залізну дисципліну у своїй хаотичній манері. Картина тепер більш відома під назвою «Пташине гніздо», завдяки кольорам сірого, коричневого, жовтого, білого, звивистих один з одним.
Густав Клімт
Він був австрійським художником-символістом, найбільш відомим своїми роботами з відкритої еротики, різноманітними фресками, етюдами та натюрмортами. Крім зображення жіночого тіла, Клімт також писав пейзажі та сцени, частково під впливом японського мистецтва.
Однією з найвідоміших його робіт є «Поцілунок», одне з великих творів його золотого віку. Цей період його творчості відзначався ефектним використанням золотих тонів у своїх найяскравіших картинах, часто використовуючи справжнє сусальне золото.
Казимир Малевич
Цікаво, що найвідомішим російським художником можна назвати Казимира Малевича. Незважаючи на те, що російська школа живопису дала мистецтву десятки імен (Рєпін, Айвазовський, Верещагін та багато інших) в пам'яті масового глядача, залишилася одна людина, яка була радше деконструктором класичного живопису, ніж продовжувачем його традицій, ставши один із відомих художників свого медіум.
Казимир Малевич був основоположником супрематизму, тобто, певною мірою, батьком усього сучасного мистецтва. Його робота «Чорний квадрат» була виставлена в 1915 році і стала програмною. Але Малевич не входить до числа відомих живописців не тільки через «Чорний квадрат»: він працював художником-постановником на гротескних виставах Мейєрхольда, очолював художню студію у Вітебську, де почав працювати інший великий художник Марк Шагал.
Жан-Франсуа Мілле
Творчість французького живописця Жана-Франсуа Мілле є частиною реалістичного руху. Його малюнки та полотна зображують повсякденне життя, переважно сільські сцени Північної Європи. Селянське походження спонукає його представляти сільське існування як універсальний спосіб життя та ідеалізувати людство. На ньому зображені французькі селяни, які випромінюють внутрішнє благородство.
Його картини, які помилково вважаються політичною позицією на користь народу, лише відображають його особистий досвід і його прихильність до сільського світу. Інтерес художника до простих людей зачарує таких художників, як Піссарро, Моне та Ван Гог.
Його стиль, особливо його світла палітра, енергійний мазок і пристрасть до пастелі, глибоко вплинули на імпресіонізм. Жан-Франсуа Мілле жив у відносній бідності і заробляв на життя малюванням портретів. Його син і онук — ландшафтні дизайнери.
Джон Сінгер Сарджент
Джон Сінгер Сарджент зарекомендував себе як один з найбільших американських портретистів свого часу, також визнаний як талановитий пейзажист і великий акварелист. Сарджент народився у Флоренції, Італія, в американських батьків, навчався в Італії та Німеччині, потім у Парижі під впливом портретиста Еміля Огюста Каролуса-Дюрана, вплив якого буде основним. Він близький до великих художників того часу, таких як Клод Моне або Поль Хелле.
На рубежі століть Джон Сінгер Сарджент був художником-портретистом правителів і вищого класу Європи та Сполучених Штатів Америки. Його портрети, улесливої правдоподібності, відновлюють образ суспільства. Найбільш репрезентативні портрети Сарджента показують унікальність і індивідуальність його суб’єктів. Його стиль відзначається однорідністю досконалості, яка дивує навіть деяких його недоброзичливців.
У 1907 році він оголосив, що припинить фотографувати, а потім зосередиться на пейзажах і сценах військового життя під час Першої світової війни. За свою кар'єру він створив близько дев'ятисот полотен і понад дві тисячі акварелей, а також незліченну кількість ескізів і малюнків.
Ось кілька цікавих посилань: