İnovasyon, modern dönemin ne olduğunun maksimum ifadesidir. Bu hareket kendi içinde XNUMX. yüzyıl sanatına en büyük katkılardan birini de beraberinde getirdi. İşte bu yüzden sanattaki bu hareketin temel özelliklerini, özellikle de sanat üzerine size bildirmeye karar verdik. modernist resim ve daha fazlası
Modernizm ve modernist resim
Modern sanat, kabaca 1860'lardan 1970'lere kadar uzanan bir sanat tarihi dönemini tanımlamak için kullanılan bir terimdir.Bu dönemde üretilen sanatın tarzını ve felsefesini ifade eder. Kökleri, eğitimleri ve erken kariyerleri geleneksel bir resim stiline dayanan Van Gogh, Cezanne ve Gauguin gibi XNUMX. yüzyılın sonlarında sanatçıların eserlerinde yatmaktadır.
Bununla birlikte, XNUMX. yüzyılın sonlarında birçok sanatçı, konu ve stilde anlatı gerçekçiliğinden uzaklaşmaya, yeni estetik fikirlerine hitap eden daha soyut bir resim stiline geçmeye başladı, bu daha sonra modernist resim olarak bilinecekti. Dolayısıyla "modernist veya modern" terimi, bu sanatsal ifadeyi geleneksel resimden uzaklaştırarak sanatla ilişkilendirilir.
Modern sanatçılar, konularını görmenin keşfedilmemiş yollarıyla ve geleneksel resim malzemelerini kullanmanın yeni yollarıyla oynadılar. Bunlar, artık modernist sanatın ve resmin ayırt edici özelliği olarak kabul edilen renklerin, yeni tekniklerin ve geleneksel olmayan malzemelerin etkileyici kullanımını deneyerek, sanatın dünyayı gerçekçi bir şekilde temsil etmesi gerektiği fikrine meydan okudu.
XNUMX. yüzyılın başlangıcı daha da fazla deney getirdi. Fauve sanatçıları (Fovizm), etkileyici “vahşi” manzaralar çizmeye başladılar ve kübist sanatçılar konuları neredeyse soyut hale getirerek katı biçimlere dönüştürmeye başladılar.
Bu sanat akımları ve onları XNUMX. yüzyıla kadar takip edenler, sanatı görmenin, keşfetmenin ve modern sanatın tanımını yapmanın yeni yollarına dayanıyordu. Modern sanat, bir sanat hareketini ve sanat tarihinin bir dönemini tanımlamak için kullanılan bir terim iken, modernizm aynı zamanda ortaya çıkan felsefi hareketin adıdır.
Sanayi Devrimi, kentsel alanların hızlı büyümesi ve yeni ulaşım biçimleri, geleneksel düşünce, sanat, din ve sosyal davranış biçimlerini reddeden modernizm felsefesinin gelişmesine katkıda bulunmuştur. Modernizm ve modern sanat birbiriyle ilişkilidir ve bir arada var olur: modernizm teorileri sanatçıların düşüncesini besler ve modern sanat felsefeyi fiili uygulamada destekler.
Sanatta modernin özellikleri
"Modern sanatı" tanımlayan tek bir özellik olmamasına rağmen, aşağıdakiler gibi bir dizi önemli özelliği ile ön plana çıkmıştır:
Yeni sanat türleri
Modern sanatçılar, kolaj sanatını, çeşitli montaj biçimlerini, çeşitli kinetik sanatı (mobiller dahil), çeşitli fotoğraf türlerini, animasyonu (çizim artı fotoğraf), arazi sanatını veya setleri ve performans sanatını geliştiren ilk kişilerdi.
Yeni malzemelerin kullanımı
Modern ressamlar, tuvallerine gazete kupürleri ve diğer nesneler gibi nesneler yerleştirdiler. Heykeltıraşlar, Marcel Duchamp'ın "hazır ürünleri" gibi buluntu nesneleri kullandılar ve bunlardan hurda sanat eserleri yarattılar. Montajlar, arabalar, saatler, valizler, tahta kutular ve diğer eşyalar gibi en yaygın günlük eşyalarla üretildi.
renklerin etkileyici kullanımı
Fovizm, renk alanı boyama ve dışavurumculuk gibi modern sanat akımları, renkleri oldukça önemli bir şekilde patlatan ilk akımlardı.
Yeni teknikler
Kromolitografi, poster sanatçısı Jules Cheret tarafından tasarlandı, otomatik çizim, sürrealist sanatçılar tarafından Frottage ve Decalcomania ile aynı şekilde tanımlandı. Hareketli ressamlar aksiyon resmini tasarladılar. Bu arada, pop sanatçıları "Benday noktaları" ve serigrafiyi güzel sanatlara tanıttı. Resmin icrası ve işlenmesinde yeni teknikleri de tanıtan diğer modern sanat akımları ve okulları.
Modernist sanat hareketleri
Modernist resmin başlangıcı sınırlandırılamaz, ancak XNUMX. yüzyıl Fransa'sında başladığına dair genel bir fikir birliği vardır. Gustave Courbet, Edouard Manet ve İzlenimciler'in resimleri, hakim akademik mirasın derinleşen bir reddini ve görsel evrenin daha natüralist bir temsili arayışını temsil ediyor.
Ardıllar, geleneksel uygulamaları ve temaları reddetmelerinde ve daha soyut bir kişisel vizyonu ifade etmelerinde daha modern olarak görülebilir. 1890'lardan başlayarak, çağdaş sanatın merkezinde yer alan ve Batı görsel kültürünün en yüksek noktalarından birini temsil eden bir dizi farklı hareket ve tarz ortaya çıktı. Bu modern hareketler şunları içerir:
- neo-izlenimcilik
- sembolizm
- Fovizm
- kübizm
- Fütürizm
- ekspresyonizm
- Süprematizm
- inşacılık
- metafizik resim
- De Stijl
- Dada
- sürrealizm
- Sosyal gerçekçilik
- Soyut dışavurumculuk
- Pop sanat
- Op sanat
- minimalizm
- yeni dışavurumculuk
Bu hareketlerde görülen muazzam çeşitlilikten bağımsız olarak, birçoğu, XNUMX. yüzyıl ve ötesindeki çeşitli yaşam koşullarına dini bir tepkiyi ifade etmek için resimli ortamın kendisinde bulunan potansiyelleri araştırmalarında karakteristik olarak çağdaştır.
Bu koşullar arasında hızlanan teknolojik değişim, bilimsel bilgi ve anlayışın büyümesi, bazı standart inanç ve değer kaynaklarının görünürdeki alakasızlığı ve Batılı olmayan kültürlerin genişleyen farkındalığı yer alıyor.
Kronoloji ve evrim
Modern sanatın tüm temsiliyle (modernist resim ve daha fazlası) gelişimi, aşağıda kronolojik olarak detaylandırılacak olan farklı biçimler ve nedenlerle dünyada sunuldu ve gelişti:
1870-1900
XNUMX. yüzyılın son üçte biri, yeni İzlenimci resim stilinin bir şekilde hakim olmasına rağmen, aslında modern sanatın ve modernist resmin her biri kendi özel yaklaşımına sahip öncü birkaç kolu vardı. Bunlar dahil:
- İzlenimcilik (güneş ışığının etkilerini almada doğruluk).
- Gerçekçilik (içerik – tema).
- Akademik sanat (klasik tarzın gerçek görüntüleri).
- Romantizm (ruh hali).
- Sembolizm (esrarengiz ikonografi).
- Litografik poster sanatı (kalın motifler ve renkler).
Bu dönemin son on yılında, Secession hareketi biçiminde akademilere ve salonlarına karşı bir dizi isyan görülürken, 1890'ların sonlarında empresyonizm gibi doğa temelli sanatta düşüş görüldü ve bu kısa süre içinde daha fazla sanat akımının yükselmesine yol açacaktı. ciddi mesaj temelli sanat.
1900-14
Hemen hemen her şeyde, bu, modern sanatın en etkileyici zamanıydı, her şeyin hala potansiyel olarak uygulanabilir olduğu ve "gadget"ın hala yalnızca bir insan müttefiki olarak görselleştirildiği zamandı. Parisli sanatçılar, Fovizm, Kübizm ve Orfizm dahil olmak üzere bir dizi yeni stil üretti. Alman sanatçılar kendi modernist dışavurumcu resim okullarını kurdular.
Tüm bu ilerici hareketler, sanata yönelik gelenekçi tutumları reddetti ve kendi modernizm gündemlerini savunmaya çalıştı. Böylece, kübizm resmin biçimsel niteliklerine öncelik vermek isterken, fütürizm makinenin olanaklarını vurgulamayı tercih ederken, dışavurumculuk bireysel algıyı savundu.
1914-24
Büyük Savaş'ın katliamı ve yıkımı işleri tamamen değiştirdi. 1916'da, Verdun ve Somme'u ortaya çıkaran değer sistemini yıkmak için nihilist bir dürtüyle dolu Dada hareketi başlatıldı. Aniden, temsili sanat müstehcen göründü. Hiçbir görüntü, savaşta ölenlerin fotoğraflarıyla rekabet edemezdi. Sanatçılar, bir ifade aracı olarak giderek daha fazla nesnel olmayan sanata yöneldiler. Zamanın soyut sanat hareketleri şunları içeriyordu:
- Kübizm (1908-40)
- Vortisizm (1914-15)
- Süprematizm (1913-18)
- Yapılandırmacılık (1914-32)
- Stil (1917-31)
- Neoplastikizm (1918-26)
- Elementarizm (1924-31)
- Bauhaus'un (1919-33)
- Daha sonra St Ives Okulu
Metafizik resimde (1914-20) gösterildiği gibi, birkaç figüratif hareket bile açıkça avangarddı.
1924-40
Savaşlar arasındaki barış yıllarına siyasi ve ekonomik zorluklar damgasını vurdu. Gerçekliğe özgü sanatın büyük ölçüde modası geçtiği için soyut modernist resim ve heykel öne çıkmaya devam etti.
Dönemin en büyük akımı olan sürrealist akımın realist kanadı bile bir fantezi realite tarzından fazlasını kaldıramadı. Bu arada, kıtada Nazi sanatı ve Sovyet ajit-prop şeklinde daha uğursuz bir gerçeklik ortaya çıkıyordu. Yalnızca, mimariye ve uygulamalı sanata yönelik oldukça zarif bir tasarım stili olan Art Deco, geleceğe olan güvenini dile getirdi.
1940-60
Sanat dünyası, İkinci Dünya Savaşı'nın felaketiyle dönüşüm geçirdi. Başlangıç olarak, ağırlık merkezi Paris'ten o zamandan beri kaldığı New York'a kaydı. Christie's ve Sotheby's'in New York'taki satış odalarında neredeyse tüm dünya rekoru fiyatlarına ulaşılacaktı. Bu arada, Auschwitz'in tarif edilemez fenomeni, etkilenenlerin Holokost sanatı dışında tüm gerçekçi sanatın değerini baltalamıştı.
Bütün bunların bir sonucu olarak, bir sonraki büyük uluslararası hareket olan soyut dışavurumculuk, New York Okulu'nun Amerikalı sanatçıları tarafından yaratıldı. Gerçekten de, önümüzdeki 20 yıl boyunca, yeni hareketler ortaya çıktıkça soyutlama hakim olacaktır. Bunlar dahil:
- Resmi olmayan sanat.
- Aksiyon boyama.
- Hareketlilik.
- Sigara içmek
- Renk alanı boyama.
- lirik soyutlama.
- Sert Kenar Boyası
- COBRA, çocuk ikonografisi ve etkileyici çizgileriyle öne çıkan bir grup.
1950'ler boyunca, kinetik sanat, Nouveau Realism ve Neo-Dada gibi daha cüretkar stil türleri filizlendi ve bunların hepsi dar sanat endüstrisi ile ilerleyici bir huzursuzluk gösterdi.
1960
Popüler müzik ve televizyonun patlaması, Hollywood ünlülerinin ve popüler kültür ikonografisinin resimli temsilleri Amerika Birleşik Devletleri'nde kitlesel tüketiciliğin başarısını kutlayan Pop-Art hareketinde yansıdı. Aynı zamanda, 60 Küba kriziyle bağlantılı 1962'ların başlarındaki kasvetin bir kısmının ortadan kaldırılmasına yardımcı olan taze, modern bir his vardı.
- George maciunas
- Joseph Beuys
- Nam June Paik
- Kurt Vostell
Sade pop art, aynı zamanda, çoktan solmaya başlayan daha bilgili soyut dışavurumculuğa karşı hoş bir kontrpuandı. Ancak 1960'lar aynı zamanda, soyut dışavurumculuğun duygusal olarak yüklü dilinin aksine, tüm dış referanslardan veya jestlerden arındırılmış bir modernist resim ve heykel biçimi olan Minimalizm olarak bilinen başka bir yüksek profilli hareketin yükselişine de tanık oldu.
Grafik sanatlarında modernizm
XNUMX. yüzyılın sonlarına doğru sanatçılar geleneksel ve muhafazakar sanat biçimlerinden bıkmışlardır. Viyana'da, Gustav Klimt liderliğindeki bir grup sanatçı, kendilerine Viyana Secession'u adını verdiler ve kendilerini o sırada Avusturya başkentinin sanat kurumlarından kopardılar.
Grup, şekil, kompozisyon ve ifade açısından keşfedilmemiş bölgeleri keşfederek Fransa ve Almanya gibi diğer yakın ülkelerde benzer deneyleri ateşledi. Zengin modernist boya darbeleri ve gerçekçilik, düz renklere ve stilistik tipografiye, grafik sanatının önünü açacak ifadelere dönüştürülür.
Birinci Dünya Savaşı başladığında, grafik tasarım zaten ticari, kurumsal ve estetik amaçlarla kullanılıyordu. Yeni rolü siyasi olacak, savaş sırasında afişlerde ve propagandalarda kullanılacaktı.
Toplu renkli baskıdaki ilerlemeler, fon toplamak, askere alınmayı teşvik etmek ve morali artırmak için mesajların verimli bir şekilde üretilmesini sağladı. Her iki dünya savaşında da karşılaşılan kargaşa ve zorluklar nihayetinde grafik tasarımda gerçek modernizmin ilk dalgasına ilham verdi.
Avrupa ve Amerika'da grafik tasarımcılar, Kübizm, Fütürizm, De Stijl ve Sürrealizm gibi daha geniş sanat akımlarından ilham aldılar. Almanya'da Bauhaus hareketinin grafik tasarım üzerinde de önemli bir etkisi oldu. Cesur çizgileri, ana renkleri ve rahatsız edici beyaz alanı ile mimaride veya heykelde olduğu kadar 2 boyutlu formatta da dikkat çekiciydi.
Nihayetinde modernist tasarım, soyut ifade, kalın yazı tipi ve ana renkler ve şekillerle tanımlandı. Bu tasarımcılar işe nesnel bir şekilde yaklaştılar, anlamlı olandan çok rasyoneli vurguladılar (ve formun işlevi takip ettiğine dair klasik modernist inancı vurguladılar).
1930'larda Naziler iktidara geldiğinde, tüm pratiklerdeki modernist deneyler kınandı ve birçok sanatçı, mimar ve tasarımcı Amerika Birleşik Devletleri'ne göç etti. Modernist tasarımın büyümesi kesintiye uğrasa da, grafik tasarım tarihindeki en etkili hareketlerden biri olmaya devam ediyor.
Art Nouveau takı, cam eşya, seramik, mobilya ve dövme demir
1930'lardan 1960'lara kadar zanaatlarını uygulayan Amerika Birleşik Devletleri'nin modernist kuyumcuları, daha önce gelen stilleri reddetme konusunda oldukça vurguluydu. Viktorya dönemi takıları fazla dekoratif olduğu için reddedildi, Art Nouveau parçalar fazla talepkar olarak görüldü ve Art Deco estetiği aşırı katı olarak görüldü. Bu kuyumcular, günümüzün modern ressamları, heykeltıraşları ve diğer sanatçılarıyla daha çok ortak noktaları olduğunu hissettiler.
Hırslı hedefi, insanların kullanabileceği benzersiz sanat eserleri yaratmaktı. Formun ilk savunucularından ve uygulayıcılarından biri, çağdaşlarının çoğu gibi New York'un Greenwich Köyü'nde yaşayan, çalışan ve eserlerini satan Sam Kramer'di. Kramer öncelikle gümüşle çalıştı, ancak bakır yüzükler, küpeler ve iğneler yapmakta da ustaydı ve geyik dişleri, düğmeler, fosiller ve antik madeni paralar gibi eserler buldu.
Ara sıra Kramer, gerçeküstü, geometrik veya biyomorfik parçalarında garnet veya opal gibi yarı değerli taşlar kullandı. Modernist mücevher hareketinin resmi olmayan bir başka lideri de Kramer'in komşusu Art Smith idi. Takıları, basit gümüş boyun halkalarından Afrika motiflerine dayanan biyomorfik parçalara kadar uzanıyordu.
Smith kol düğmeleri ve küpeler gibi küçük parçalar yaparken, en iyi eserlerinin çoğu, sanki insan formu sadece yaratımlarının zeminiymiş gibi vücudu saracak kadar büyüktü.
Eski bakır bileklikleri, özellikle dış yüzeylerine notalar yapıştırılmış "caz" kelepçeleri, koleksiyon değeri yüksek. Bumeranglar, kesişen eğriler ve atom çağı şekilleri, Ed Wiener'in çalışmalarını simgeler.
Bazen çarpık kum saatlerine benzeyen bir çift gümüş küpe tek bir inciyle süslenirdi. Diğer zamanlarda, cansız nesnelerine insan yüzü görünümü vermek için bir parçanın ortasına bir kedi gözü akik yerleştirilirdi.
Vintage modernist takıları büyük saygı gören bir diğer Greenwich Köylüsü, sevimli gümüş iğneler ve bileziklerin yanı sıra cam, mobilya ve gümüş eşyalar tasarlayan Paul Lobel'di. New York'un dışında, Baltimore'da Bauhaus modunda çalışan Betty Cooke vardı.
Takıları geometrik şekillerden oluşuyordu ve incilerin, küçük tahta blokların ve hatta kuvars gibi bitmemiş taşların keskin bir şekilde yerleştirilmesiyle kasıtlı olarak bozduğu güçlü bir düzen duygusuyla karakterize edildi.
Bir başka Bauhaus yardımcısı, çalışmaları birlikte çalıştığı Bauhaus ustası László Moholy-Nagy'nin derin etkisini yansıtan Margaret De Patta idi. Bu arada, San Francisco'da Peter Macchiarini ilham almak için Afrika maskelerine ve Kübizme baktı. Pirinç, bakır ve gümüş, opal, akik ve ahşapla birlikte yaygın malzemelerdi.
1940'larda ve 1950'lerde İskandinavya'da paralel bir hareket yaşanıyordu. Henning Koppel ve Nanna Ditzel, gümüş gözyaşı damlası ve amip kolyeleri Danimarka kuyumculuğunun mükemmelliğini doğal, hatta ilkel formlara olan ilgiyle birleştiren Georg Jensen için iki önemli tasarımcıydı.
Daha sonra, XNUMX'larda Finlandiya'da Bjorn Weckstrom, hem uzay çağı hem de organik yüzükler, bilezikler ve kolyeler yaratmak için katı gümüş ve cilalı akrilik parçalarla evlendi. Modernist sanatçılar tarafından keşfedilen diğer alanlar seramik, mobilya, cam eşya ve metalurji üretimiydi. En seçkin sanatçılar arasında aşağıdakilerden bahsedilebilir:
- Louis Comfort Tiffany (tasarımcı)
- Émile Gallé (seramikçi ve cam ustası)
- Antonin Daum (camcı)
- Lluís Masriera (kuyumcu)
- Carlo Bugatti (mobilya tasarımcısı)
- Louis Majorelle (mobilya tasarımcısı)
- Gustave Serrurier-Bovy (mobilya tasarımcısı)
- Jacques Grüber (dekoratör ve ressam)
- Jules Brunfaut (mimar ve dekoratör)
- Auguste Delaherche (seramikçi)
- Georges de Feure (ressam ve dekoratör)
modernist resim
Sanat tarihinin modern dönemi, hem biçim (sanatın görünümü) hem de içerik (konu) açısından geleneksel sınırlamaların çöküşünün büyük bir izleyicisiydi. Bu, resim başta olmak üzere tüm sanat dallarında yaşandı. Gerçekten de, ressamlar antik çağın sonundan beri Avrupa'da estetik yeniliklere öncülük etmişlerdi.
Formdaki en belirgin yenilik, giderek daha fazla çarpıtılmış resim stillerinin yükselişiydi ve soyut sanatın doğuşuyla sonuçlandı. İçerik açısından, modernist resim, geleneksel "yüksek" konuların (İncil, mitolojik, tarihsel) aksine sıradan, günlük sahneleri sunma eğilimindedir.
Modernist resmin doğuşu, genellikle günlük yaşam sahnelerini fiziksel olarak gerçekçi bir şekilde tasvir eden bir Fransız hareketi olan gerçekçiliğe kadar uzanır. Günlük hayatın gerçekçi sahneleri Rönesans Low Country resmine kadar uzanabilse de Modern Gerçekçilik hareketi, yoksulluk, evsizlik ve çalışma koşulları gibi sert gerçeklere odaklanarak yeni bir yaklaşım benimsedi.
Bu hareket, en dikkate değer eserleri "Taş Kıranlar" ve "Entierro de Ornans" olan Gustave Courbet tarafından yönetildi. Modernist resimde gerçekçilik değil, çarpıtma baskın eğilim olacak olsa da, gerçekçi sanat bu güne kadar gelişmeye devam etti. Bu sanatın çoğu, orijinal Fransız hareketi gibi, toplumsal olarak bilinçlidir.
Modernist resmin bir sonraki ana aşaması, bir sahnenin genel izlenimini (kesin ayrıntıların aksine) yakalayan hızlı, kabataslak bir stil olan İzlenimcilikti. Özellikle, İzlenimcilik, ışığın anlık etkilerini, öncelikle parlak, zıt renklerin bitişik fırça darbeleriyle (her iki rengin parlaklığını arttırır, böylece parlayan bir efekt üretir) yakalamaya çalışır.
İzlenimciler, mekan üzerine çizim yapmak ve stüdyoda resim yapmaktan ziyade, öncelikle mekanda resim yapan ilk sanatçı grubuydu. İzlenimciliğin kökleri, oldukça gerçekçi bir tarzda resim yapan Édouard Manet'nin eserlerinde yatmaktadır. Bununla birlikte, Manet, perspektife yalnızca gevşek bir şekilde bağlı kalarak, arka planları basitleştirilmiş bir şematik tarzda işleyerek ve nesnelerin yüzeylerini düz renkli alanlara düzleştirerek (nesneleri düzgün gölgelendirme ile modellemek yerine) tartışmalara neden oldu.
Bu eğilimler ilk olarak Manet'nin en ünlü erken dönem tablosu olan Çimlerde Öğle Yemeği'nde açıkça ortaya çıktı. Daha sonraki çalışmalarında daha belirgin hale geldiler: "Folies-Bergére'de Bir Bar", genellikle başyapıtı olarak kabul edildi. Manet'nin stilinin genişletilmesi, hızlı fırça darbeleri ve düz renk sıçramaları lehine keskin ayrıntılar ve gerçekçi modelleme terk edildiğinden İzlenimciliğe yol açtı.
En önde gelen İzlenimci, öncelikle manzara ve deniz manzaraları üzerinde çalışan Claude Monet'ti. İlk çalışmaları arasında, "Impression, Sun Rising" de dahil olmak üzere, memleketi Le Havre çevresinde birçok sahil resmi yer alıyor. Bu eser “salt izlenim” olarak eleştirilince üslubun adı sağlamlaştırıldı.
Bazen Monet, tüm aydınlatma koşullarını yakalamak için farklı zamanlarda veya mevsimlerde bir konuya birden çok kez dönerdi. Bu yaklaşım, Monet'in emekli olduğu evin dışındaki nilüfer göletinin birçok tedavisini içeren ünlü Nilüfer Serisinde doruğa ulaştı.
İzlenimcilik, resimdeki en tanınmış isimlerin çoğunu kapsar. Monet ile birlikte, Empresyonist manzara resmi Sisley ve Pissarro tarafından yönetildi. Empresyonist üslubun en önde gelen figür ressamları şunlardı:
- Renoir
- morisot
- Gaz.
Gerçeği biraz bulanıklaştıran ve basitleştiren İzlenimcileri, çarpıtmayı çok daha ileri götüren bir grup sanatçı izledi: Gerçekliğin şekilleri ve renkleri daha göz alıcı hale getirildiğinde çarpıcı yeni duygusal etkilerin mümkün olduğunu keşfeden Post-Empresyonistler.
Bazı Post-Empresyonistler (dünyanın bir katılık ve kontrol duygusu yaratarak geometrik şekillere sıkıştırıldığı) geometrik bozulmayı takip ederken, diğerleri (dünyanın akışkan ve organik bir şekilde eğrildiği) akışkan çarpıklığını araştırdı. Her iki tür bozulma (özellikle akışkan) genellikle gerçekçi olmayan renkler sunar.
Geometrik bozulmanın ana öncüsü, bir sahnenin fiziksel özelliklerini geometrik şekillere düzgün bir şekilde basitleştiren Paul Cézanne'dı. Bu, biraz sert, bloklu bir görünüme sahip manzaralar (tercih ettiği konu) ile sonuçlandı.
Akışkan distorsiyonunun en önemli öncüsü Vincent van Gogh'du. (Diğer önemli isimler Gauguin, Munch ve Toulouse-Lautrec'i içerir.) Van Gogh'un stili akıcı ve renklidir, özellikle sarıya vurgu yapılır. Yıldızlı Gece onun en ünlü eseri olabilir.
Georges Seurat çok belirgin bir post-empresyonizm biçimi geliştirirken: sahnelerin tek bir rengin birçok noktasında işlendiği noktacılık. En ünlü noktacı eser, La Grande Jatte adasını yansıtan "Pazar Öğleden Sonra" dır.
modernist heykel
Modern heykel tarihsel olarak Auguste Rodin'in çalışmasıyla başlayan ve 1960'larda pop art ve minimalizmin ortaya çıkışıyla biten heykel olarak tanımlanır. ve önemli sanatçılar tarafından kullanılan yöntemler.
Heykelde modernist hareketi Rodin'in yapıtlarıyla başlatmak artık klişe olarak görülse de, yapıtlarında parçaya, özellikle de bedene yeni bir ilgi gibi modern heykelin karakteristiği olacak eğilimler görülmeye başlar.
Bunun yanı sıra, bir yüzey işleme ve etkileyici yüzey detayı, harekete dikkat, bir figürün iç ifadesi ile dış temsilinin sembolik bir birleşimi veya Constantin Brancusi'nin "öz" dediği şey. Ve heykelsi nesnelerde soyutlama, parçalanma ve temsil edilmeme üzerine daha fazla düşünülmesi, yani gerçekçilik ve akademik idealizmden bilinçli bir ayrılma.
Bu dönemde heykeltıraşlar, belirli bir konunun temsili üzerinde tasarım, biçim ve hacim üzerinde de durmuşlardır. Son heykel konseptlerinde geleneksel olarak kullanılmayan malzemelerin kullanımı, örneğin giyim, tekstil ve diğer karışık ortamların kullanımı gibi daha belirgin hale geldi. Edgar Degas'ın 1878-1881 yılları arasında yaptığı "On dört yaşındaki küçük balerin"de görüldüğü gibi, şu anda Washington, National Gallery'de bulunmaktadır.
İnsan ve mekanik unsurların kaynaşması, Umberto Boccioni ve Jacques Lipschitz'in eserlerinde olduğu gibi Makine Çağı döneminde, iki savaş arası dönemin eserlerinde ortaya çıkan çarpıklık ve kırılganlığa ek olarak gözlemlenir. Medardo Rosso ve Alberto Giacometti.
Batı, yani Avrupa geleneğinin dışındaki sanatın etkisi, yüzyılın başında heykeltıraşlar için çok etkili oldu ve Paul Gauguin ve Pablo Picasso'nun heykellerinde görülebilir. Naum Gabo ve Antoine Pevsner gibi sanatçılar yakın geçmişte güzel sanatlar heykel için kullanılmayan malzemeleri ve plastik gibi yeni icat edilen malzemeleri kullanmaya başladılar.
Geçmişte kullanılan malzemeler modern zamanlarda daha önemli hale geldi, örneğin: Isamu Noguchi ile alüminyum, heykelde ışıklar ve motorlu hareket için elektrik Camille Claudel tarafından, demir Julio González tarafından, Aristide Maillol tarafından yönetildi, çelik ve kaynaklı metaller David Smith ve Julio González tarafından, ahşap Constantin Brancusi tarafından ve buluntu nesneler Louise Nevelson tarafından.
Antonio Canova ve Lorenzo Bartolini gibi önceki heykeltıraşlar tarafından yapılmış hareketli heykel örnekleri olmasına rağmen. Günümüzde kinetik heykel olarak adlandıracağımız heykelde hem hareket önermesi hem de gerçek hareketli heykeller XNUMX. yüzyılın ilk yarısında daha belirgin hale geldi. Alexander Calder ve László Moholy-Nagy, yüzyılın ikinci yarısında işlerinde hareket teknolojisini daha fazla kullandılar.
Bir sanat eserini çevreleyen pozitif görüntü ile negatif boşluk arasındaki gerilim ve tepki de önemli bir rol oynadı ve bu özellikle Giacometti, Picasso ve David Smith'in erken dönem çalışmalarında ve "uzay çizimlerinde" ve ayrıca Jean Arp, Henry Moore ve Barbara Hepworth tarafından heykel.
Aralarında Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens ve Aristide Maillol'un da bulunduğu pek çok diğer sanatçılarla birlikte, yukarıda adı geçen sanatçılar, yakın geçmişin heykeliyle önemli bir kopuş yaptılar, özgürleştiler. anatomiye olan bağımlılıklarından ve mimariye bağlılıklarından kaynaklanıyordu ve ortamı erken Rönesans heykeltıraşlarından bu yana herhangi bir nesilden daha ileri götürdüler.
Modern mimari
Modern mimari, yeniden canlanmaların, klasisizm, eklektizm ve XNUMX. yüzyılın sonlarında ve XNUMX. yüzyılın sonlarında sanayileşmiş toplumun bina türlerine önceki stillerin tüm uyarlamalarının reddedilmesiyle ortaya çıktı. Ayrıca, yapısal demir ve çelik, betonarme ve camdan oluşan yeni mevcut yapı teknolojilerini kullanabilecek ve yansıtabilecek mimari formlar ve stiller yaratma girişimlerinden doğdu.
Postmodernizmin yayılmasına kadar modern yapı, modern öncesi Batı binalarının uygulanan süsleme ve süsleme özelliklerinin reddedilmesini de içeriyordu. Modern mimarinin itici gücü, insanların ve biçimlerin ritmik düzenlemesi ışık ve renkte geometrik bir desen oluşturan binalar üzerinde titiz bir yoğunlaşma olmuştur.
Bu gelişme, kurumsal yönetim veya hükümet yönetimi barındıran ofis binaları gibi sanayileşmiş bir toplumun ihtiyaç duyduğu yeni inşaat türleriyle yakından bağlantılıydı. Modernist mimarinin en önemli trendlerinden ve hareketlerinden biri:
- Chicago Okulu
- işlevselcilik
- art deco
- Art Nouveau
- Bauhaus, De Stijl
- Uluslararası Tarz
- Yeni Brütalizm
- postmodernizm
modern sanatçılar
Modern sanatın tarihi, en büyük sanatçıların ve onların başarılarının tarihidir. Modern sanatçılar, çevrelerindeki dünyaya ilişkin görüşlerini görsel araçlar kullanarak ifade etmeye çaba sarf etmişlerdir. Bazıları çalışmalarını daha önceki hareketlere veya fikirlere bağlamış olsa da, modern çağdaki her sanatçının kapsayıcı hedefi, uygulamalarını saf özgünlük pozisyonuna ilerletmekti.
Bazı sanatçılar, geleneksel devlet akademileri ve görsel sanatların üst sınıf patronları tarafından desteklenen, zamanın kabul edilebilir "yüksek sanat" biçimlerini oluşturanların ötesine geçerek kendilerini bağımsız düşünürler olarak kurdular. Bu yenilikçiler, birçok kişinin açık saçık, tartışmalı ve hatta düpedüz çirkin bulduğu bir konuyu tanımladılar.
Bu anlamda esasen tek başına duran ilk modern sanatçı, 1849. yüzyılın ortalarında kendi ayırt edici stilini geliştirmeye çalışan Gustave Courbet'tir. Bu, büyük ölçüde, bir köylü köyünden sıradan bir adamın cenazesini betimleyerek Fransız sanat dünyasını şok eden 1850-XNUMX tarihli Burial at Ornans adlı tablosuyla başarıldı.
Akademi, böylesine büyük bir tablo için yalnızca klasik mitler veya tarihi sahneler uygun konu olduğundan, kirli tarım işçilerinin açık bir mezarın etrafında tasvir edilmesinden rahatsız oldu. Courbet başlangıçta çalışmaları nedeniyle dışlandı, ancak sonunda sonraki nesil modern sanatçılar için son derece etkili olduğunu kanıtladı. Bu genel reddetme ve müteakip etki modeli, modern çağda yüzlerce sanatçı tarafından tekrarlanmıştır.
Aşağıda, modernist sanatsal ifade biçiminin en önde gelen sanatçılarından bazılarının bir listesi bulunmaktadır:
- Eugène Atget
- Hippolyte blancard
- Paul Cézanne
- Salvador Dalí
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Vincent van Gogh
- Hector Guimard
- Vasily Kandinsky
- Raoul François Larche
- Jacques Henri Lartigue
- Fernand Léger
- Henri Matisse
- Joan Miró
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- franz klein
- Paul Klee
- Frantisek Kupka
- Paul Strand
- charles sheeler
- Toulouse'lu Henry
- Lautrec
- Edouard Vuillard
Modernist resimle ilgili bu makaleyi ilginç bulduysanız, sizi diğerlerinin tadını çıkarmaya davet ediyoruz: