Yaratıcıları ve takipçileri tarafından çağdaş sanatçıların yeni anlam arayışlarını yansıtan geniş bir sanat akımı olarak tasarlanan postmodern sanat bu arayışta klasik kültürün krizine verilen cevaptır.
postmodern sanat
XNUMX. yüzyılda sözde “üst temellerin ölümü”nün gerçekleştiğine inanılıyor: Tanrı, insan ve yazar. Başka bir deyişle, dini temel sarsıldı, hümanist fikirlerin krizi ortaya çıktı ve yaratıcılar yeni bir tane yaratmaktan eskisini yeniden düşünmeye gitti.
Sanatta postmodernizm, dünya kültürü ve felsefesi tarafından benimsenen küresel bir eğilimin parçasıdır. Postmodernizm tek bir tarz değil, ortak bir ideolojik temelde birleştirilen bir yönler kompleksidir. Hatta birçoğu birbiriyle kavga ediyor.
Postmodernizm, Fransız dilinden (postmodernisme) türetilmiş bir terimdir. Bu isim, modernizm çağının sanatının yerini alan yönün anlamını yansıtır (modernizm ile karıştırılmamalıdır). XNUMX. yüzyılın sonlarında ve XNUMX. yüzyılın başlarında modernist (veya avangard) hareketler klasik sanata ağır bir darbe vurdu. Ancak yavaş yavaş yaratıcılar modernist yaklaşımlardan tatmin olmayı bıraktılar.
Çok sayıda yeni teknolojik gelişmeye paralel olarak, postmodernizm, yaklaşık elli yıldır, kavramsal sanat, çeşitli performans ve sanat enstalasyonları ve dekonstrüktivizm ve projeksiyon teknolojisi gibi bilgisayar akımları dahil olmak üzere yeni medya ve yeni sanat biçimleriyle sanatsal deneylere yol açmıştır. .
Postmodernizmin özellikleri
Jean-François Lyotard ve diğer teorisyenler, modernitenin manevi temellerini, dünyanın her zamankinden daha ayrıntılı bir şekilde sıkıştırılabilirliğinin istikrarlı bir ilerlemesine ve mükemmel bilgiye doğru kademeli bir yaklaşıma sarsılmaz bir inanç olarak tanımlarlar. XNUMX. yüzyılın totaliter sistemleri, bu tür modellerin mutlak karakterini kalıcı olarak gözden düşürdü.
İşte postmodernizmi moderniteden bilinçli bir kopuş olarak tanımlama ihtiyacının nedenleri. Postmodernizm, yalnızca ilerlemeye olan modern inancı değil, aynı zamanda anlaşılabilir bir nesnel gerçekliğin varlığını da reddeder. Postmodern teori ve estetik, tüm bilgilerin, tüm algıların, bilincin ve varoluşun her alanının göreliliğe tabi olduğunu varsayar. Postmodernizmin anahtar kavramı çoğulculuktur.
Modernitenin sürekli olarak yeni bir şey yaratma arzusu ve bunu başarmak için kullanılan sanatsal araçlar, postmodernizmde otomatikleştirilmiş, yerleşik ve modası geçmiş olarak görülüyor. Yeni hiçbir şeyin yaratılamayacağı ilkesi, alıntıların kullanımını postmodern sanatın temel bir üslup özelliği haline getirir.
Sanat kavramında ve bireysel sanat eserinde açıklık talebi, bir yandan neredeyse sınırsız olanaklar açar: postmodernizm, türlerin sınırlarını aşarak çeşitli yeni ifade biçimleri açar.
Postmodern dönemin sık kullanılan bir tekniği kolajdır. XNUMX. yüzyılın başlarında Dada çıkartmaları için kullanılan bu terim, postmodern çağda çok daha geniştir. Örneğin, büyük ölçekli kurulumları, film tekniklerini veya müzik besteleme süreçlerini içerir.
Umberto Eco (Gülün Adı) gibi yazarlar, Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Viyana) gibi mimarlar ve Keith Haring gibi sanatçılar elitist sanat anlayışı ile kitle kültürü arasındaki uçurumu kapatmaya çalışırlar; bu da postmodern estetiğin temel bir yönüdür.
Özellikle sahne sanatlarında birçok postmodern eser, mükemmel bir sonuç olarak değil, deneysel bir düzenleme olarak anlaşılmak istemektedir. Sunum, parça parça olacak (edebiyat: Roland Barthes, Fragments of a love of love) veya devam eden bir çalışma (dans tiyatrosu: William Forsythe, Scott'ın oyunu) gelişiminin çeşitli aşamalarında olacaktır.
Postmodern kültürün çok yönlü bir olgu olması ve net bir ideolojik düzleme sahip olmaması nedeniyle resimde postmodernizm nedir sorusuna sanat eleştirmenleri farklı cevaplar vermektedir. Postmodernistler evrensel bir kanon yaratmadılar, ayrıca prensipte bir tane yaratmayı reddettiler. Belki de bu akımın taraftarları tarafından ilan edilen tek temel değer, sonsuz ifade özgürlüğüdür.
Postmodernizm bir hareket değil, genel bir düşünme biçimidir. Bu nedenle, "postmodern sanatı" tanımlayan tek bir özellik listesi yoktur. Bununla birlikte, postmodern sanatın karakteristiği olan bir takım özellikler vardır:
- Kendini ifade etme yöntemlerinin seçiminde sanatçının sınırsız ve mutlak özgürlüğü.
- Geleneksel görüntüleri yeni bir bağlamda dahil ederek yeniden düşünün (bu nedenle yeniden yapılanmaların, yorumların, sanatsal alıntıların, alıntıların, imaların geniş dağılımı).
- Senkretizm, yani heterojen öğelerin bazen birbiriyle çelişen tek bir bütün halinde kaynaşması (örneğin, sanatçının bir resimde farklı stilleri kullanması veya hatta resmin diğer sanat türleriyle bir arada kullanılması).
- Diyalog, yani konuya farklı açılardan, farklı “sesler” konumundan bir bakış, sonunda polifonik bir “senfoni” yaratır.
- Eserin sunum şekli, izleyiciyi anlamlarla esere katılmaya davet etmek.
- Yaratıcılığın şok edici doğası.
- Yazarın ironisi ve kendi kendini ironisi. Sanatçılar artık "büyük fikirlere" (örneğin tüm ilerlemelerin iyi olduğuna) çok daha şüpheyle yaklaşıyorlar.
- Postmodernizm, yaşamla ilgili yaygın bir hayal kırıklığının ve mevcut değer sistemlerinin ve/veya teknolojilerin pozitif değişim yaratma gücüyle ilgili bir ifadedir. Sonuç olarak, otorite, deneyim, bilgi ve motivasyon itibarını yitirdi.
- Modern sanat sadece seçkinci olarak değil, aynı zamanda beyaz (ten rengi anlamında), erkek egemen ve azınlıklara karşı ilgisiz olarak da görülüyordu. Postmodern sanatın üçüncü dünya sanatçılarının, feministlerin ve azınlıkların sanatını savunmasının nedeni budur.
Postmodern, çağdaş ve geç modern sanat
Genel bir kural olarak, postmodern sanat ve çağdaş sanat aşağı yukarı eş anlamlı olarak kullanılmaktadır. Bununla birlikte, teknik açıdan postmodern sanat "modernite sonrası" anlamına gelir ve 1970 civarında başlayan sabit bir dönemi ifade ederken, çağdaş sanat esas olarak XNUMX'lerden hemen önceki yaklaşık elli yıllık değişim dönemini ifade eder.
Şu anda bu iki dönem çakışmaktadır. Ancak 2050 yılında postmodern sanat (örneğin 1970-2020 arası) yerini başka bir döneme bırakmış olabilir, ancak çağdaş sanat o yıla kadar olan dönemi kapsar.
Görsel sanatlarda, geç modern terimi, modern sanatın bir yönünü reddeden, ancak bunun dışında modernite geleneğinde kalan akımları veya eğilimleri ifade eder. Soyut Dışavurumculuk (1948-65) gibi stiller, yağlı boya resmin birçok resmi geleneğine karşı çıkan Jackson Pollock ve Willem De Kooning de dahil olmak üzere bir dizi radikal modern sanatçı tarafından uygulandı.
Yine de, ne Pollock ne de de Kooning, Rauschenberg'in Silinmiş De Kooning Çizimi gibi bir şey üretemezdi, çünkü ikisi de özgünlük ve anlam kavramlarına güçlü bir şekilde inanıyorlardı.
Postmodern sanatın tarihi
Rönesans'tan sonraki ilk önemli sanat tarzı, akademilerde profesörler tarafından öğretilen akademik sanattı. Akademik sanatta, klasisizm ve romantizm gibi birçok stil ve akım bir araya gelir. 1870'den itibaren izlenimciliğin gelişiyle birlikte modern sanat ortaya çıktı. İlk özellikler 1970'lerde ortaya çıktı ve şimdi postmodern sanat olarak özetleniyor.
Modern sanat, örneğin İzlenimcilikten Pop Art'a, çoğunlukla 1870-1970 yüzyıl ile ilişkilendirilir. Günümüzün ahlaki kesinliklerinin çoğunu baltalayan çeşitli küresel felaketlere (I. düşünce.
Genel olarak, zamanın çoğu Batılısı gibi, hayatın bir anlamı olduğuna inanıyorlardı. Bilimsel ilerlemenin otomatik olarak olumlu olması, Hıristiyan Batı'nın dünyanın geri kalanından üstün olması, erkeklerin kadınlardan üstün olması. Modernizm ayrıca sanatın, özellikle de güzel sanatların ve mimarinin anlamı, uygunluğu ve ilerlemesine inanıyordu.
Leonardo ve Michelangelo'nun ayak izlerini takip ederek, sadece kitleleri eğlendiren "düşük sanat"a değil, yüksek sanata, eğitimli izleyiciyi yükselten ve ilham veren sanata inandılar. İlerici bir yaklaşım benimsediler ve sanatı önde gelen bir grup avangard sanatçının rehberliğinde sürekli gelişmesi gereken bir şey olarak gördüler.
İkinci Dünya Savaşı ve Holokost her şeyi alt üst etti. Paris birdenbire sanat dünyasının başkenti olarak New York'un yerini aldı. Savaşın vahşetinin ardından, tüm figüratif sanatlar birdenbire alakasız göründü, bu nedenle modern ressamlar kendilerini ifade etmek için soyut sanata yöneldiler.
Şaşırtıcı bir şekilde, New York Okulu, Jackson Pollock'un resimleri ve Mark Rothko'nun daha sakin renkli alan resmiyle, 1950'lerde Atlantik'in her iki yakasında sanatta geçici bir canlanmayı teşvik etti.Avangart ressamlar, soyutun sınırlarını yeniden tanımlamayı başardılar. ancak modernitenin sınırları içinde kalmıştır. Önemli içeriğe sahip özgün, bitmiş sanat eserleri yaratmaya inanıyorlardı.
Ancak modernite kaçınılmaz olarak sona eriyordu. Shoah'ın artan ifşaatları, atom bombası testleri, Küba Füze Krizi ve Vietnam Savaşı, insanları yaşam ve sanat konusunda giderek daha fazla hayal kırıklığına uğrattı.
Jasper Johns ve Robert Rauschenberg, Neo-Dada ve Pop Art'ın ilk postmodern eserlerini 1950'lerin ortalarında zaten üretmişlerdi. 1968 Demokratik Ulusal Konvansiyonu.
Sanat tarihindeki bu zaman diliminden, sanatçının ve toplumun sanata karşı tutumu da oluşturulabilir. Günümüz sanatçıları ve izleyicileri, sanatın ne olduğuna ve ne olabileceğine ilişkin eski öğretim ve bağışçı kurumlar tarafından belirlenmez. Kendinizi belli bir korseye zorlamak zorunda kalmadan sanatın olanakları ve uygulamaları daha çeşitli hale geldi.
Modern mimari, modern insan için tamamen yeni bir tarz yaratma arzusundan etkilenmiştir. Mimarlar, tüm tarihsel referansları kaldırmak ve tamamen yeni bir şey yaratmak istediler. Bu, minimalist bir düzenlilik tasarımı olan International Style'a (yaklaşık 1920-1970) yol açtı.
Neyse ki, 1970 civarında, postmodern mimarlar, popüler kültürden ve daha geleneksel mimari tarzlardan alınan ilginç özelliklere sahip yapılar tasarlayarak XNUMX. yüzyıl mimarisini canlandırmaya başladılar. Yerçekiminden kaçıyormuş gibi görünen yapılar, dekonstrüktivizm çerçevesinde bilgisayar kontrollü yeni olanaklarla da mümkün kılındı.
Postmodernist hareket 1960'larda ve 1970'lerde şekillendi, ancak ortaya çıkmasının ön koşulları, çok daha önce ortaya çıkan bir dünya görüşü kriziyle ilişkilendirildi. Bunlar arasında: Spengler'in Avrupa'nın gerilemesi üzerine tezi; Birinci Dünya Savaşı nedeniyle kamu bilincinin çöküşü; dünya düzeninin tutarsızlığı ve belirsizliği hakkında fikirlerin bilimde ortaya çıkışı (Öklid dışı geometriden kuantum fiziğine).
Postmodern terimi 1950. yüzyılın sonlarında ve daha sonra 1970. yüzyılın başlarında giderek daha fazla kullanılıyordu, ancak şimdiki anlamıyla sadece 1979'lerde kullanılıyordu. XNUMX'lerin sonlarında, iki yazar esas olarak bu terimin kalıcı bir fikstür olarak kurulmasına katkıda bulundu: Jean-François Lyotard, La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, XNUMX) adlı çalışmasıyla ve Charles Jencks, The Rise of Postmodern Architecture makalesiyle.
Postmodern kavramının kullanılmaya başlanmasıyla birlikte modernizm ilk kez kapalı bir tarihsel çağ (antik çağ ya da ondan önceki Orta Çağ gibi) olarak tanımlanır. Postmodern, özellikle mimaride üslupsal bir terim olarak yerleşmiştir.
Postmodernistler, modern dünyanın felsefe, bilim ve kültüre yönelik klasik yaklaşımlar çerçevesinde tanımlanamayacağı sonucuna vardılar. Sonuç olarak, klasik sanat yöntemleri onu tanımlamak için yeterli değildir.
teknoloji kullanımı
Postmodern sanat dönemi, birkaç yeni görsel teknolojinin (diğerlerinin yanı sıra televizyon, videolar, İnternet gibi) tanıtılması ve bunlardan büyük ölçüde yararlanılmasıyla aynı zamana denk geldi. Yeni video ve fotoğraf formatları yelpazesi, çizim sanatının önemini azalttı ve yeni teknolojilerin manipülasyonu, sanatçıların geleneksel sanat yaratma süreçlerini kısaltmasına, ancak yine de yeni bir şey yaratmasına izin verdi.
Postmodern sanat akımları ve stilleri
Şimdiye kadar postmodern sanatta büyük uluslararası sanat hareketleri olmamıştır. Bunun yerine, çağ, bir dizi dar, yerelleştirilmiş akışın yanı sıra video ve kelime boyama gibi tamamen yeni birkaç sanat formunun yükselişini gördü.
Buna ek olarak, düzinelerce sanat fraksiyonunun yanı sıra, üyeleri Michelangelo veya Picasso'nun gurur duyacağı türden bir sanat üretmeye çalışan bir veya iki anti-postmodern merkez var.
Neo-dadaizmden bu yana postmodernistler, yeni kombinasyonlar yaratmak için bir şeyleri karıştırmayı veya geleneksel biçimlere yeni unsurlar getirmeyi severler. Fernando Botero obez figürlerin ilkel resimlerini, Georg Baselitz ise baş aşağı figürleri boyar.
Gerhard Richter 1970'lerin fotoğraf resimlerinde kamera sanatı ve resmi birleştirirken, Jeff Koons paslanmaz çelik heykellerini oluşturmak için tüketici odaklı görüntüleri sofistike heykel teknikleriyle birleştirdi.
Andreas Gursky, Rhein II gibi eserler yaratmak için fotoğrafçılığı bilgisayarla oluşturulmuş görüntülerle birleştirirken, Jeff Wall postmodern görüntü yaratımlarında dijital olarak işlenmiş fotoğraf montajlarını kullanıyor.
Hangi sanat tarzlarının postmodern sanat olarak sınıflandırılabileceği konusunda sanat eleştirmenleri arasında bir fikir birliği yoktur: örneğin, bazı stiller aynı anda avangard ve postmodern olarak sınıflandırılır. Yine de, aşağıdaki postmodernizm hareketleri ve stilleri listesi ayırt edilebilir:
Dadaizm
Dadaistler, Avrupa'yı sarsan, milyonlarca insana acı ve ıstırap getiren Birinci Dünya Savaşı'nın vahşetinin mantık ve rasyonalizmin ürünü olduğuna inanıyorlardı. Bu nedenle estetik kanonların, sinizmin, sistematikliğin, mantıksızlığın yıkımını yaratıcılıklarıyla desteklediler.
Kolaj, Dadaist sanatçıların ana yaratıcı yöntemi oldu. Tuval veya kağıt, sanatçının kumaş artıkları, kağıt artıkları ve diğer malzemeleri kullanarak bir kolaj oluşturduğu zemin olarak hizmet etti.
Dada nispeten kısa bir süre için var oldu: 1916'dan 1923'e. Bunun nedeni, ideolojik platformunun Birinci Dünya Savaşı gerçeğine karşı pasifist pathos olmasıdır. 1920'lerde Dada, Almanya'da Ekspresyonizm ve Fransa'da Sürrealizm ile birleşti.
Pop sanat
Pop art (pop art), tüketim kültürünü sanat alanına taşıyan ve insanlığa otuz üç kutu çorbada güzelliği görmeyi öğreten bir üsluptur. Pop art, popüler kültürle karıştırılmamalıdır. Yazarlar, tıpkı bir portrecinin bir modele veya bir peyzaj sanatçısına, doğanın koynuna bakması gibi, kitle kültürünü bir nesne olarak değerlendirdi.
Sanatçının bakışlarının üzerine düştüğü kitle kültürü teması özgün bir şeye dönüştü: sanatçının yorumuyla kırılan bir sanat nesnesi. Sanatsal bir bakış açısıyla, bu tarz, başka bir popüler trend olan soyutlamanın aksine, maddeselliğe, nesnelliğe hitap ediyordu. Pop art, soyutlamacıların yaratıcılığına karşı verilen mücadelede doğdu ve belirli nesnelerin tuval üzerinde sergilenmesine geri dönüşü müjdeledi.
Kendi başına, gündelik şeylere başvurmak, resim tarihi için yeni değildir. Natürmort, sonuçta, bir sanatçının çevredeki nesnelere bakışıdır. Aslında Caravaggio'nun vazosu ile Warhol'un yeşil Coca-Cola şişeleri arasında pek bir fark yok. Ancak pop art'ın kendi kavramsal tuhaflığı vardı: sanatçılar kitle kültüründen ikonik nesneler ve görüntüler aldılar ve buna artık "mem" adını vereceklerdi.
Ayrıca sadece nesnelere değil, görüntülere de dikkat ettiler; tipik bir örnek Warhol'un Marilyn Diptych'idir. Pop art'ın Amerikan Rüyasını doğrulamasına, tüketim toplumunu ve buna uygun yaşam tarzını meşrulaştırmasına yardımcı olduğu gerçeği inkar edilemez. Aynı zamanda, daha sonra güçlenecek olan tüketim felsefesinin eleştirisinin temellerini attı.
Word Art
Word Art terimi, 1950'lerden beri mevcut olan çeşitli çağdaş sanatçılar tarafından yapılan postmodern metin tabanlı sanat kategorisini tanımlar.Metin tabanlı sanatın basit bir tanımı, "sanatsal bir bileşen ilkesi olarak sözcükleri veya deyimleri içeren sanat" olabilir.
Sözcükler ve ifadeler içeren metin tabanlı görüntüler, resim ve heykel, litografi ve serigrafi ile uygulamalı sanatlar (t-shirtler, kupalar) dahil olmak üzere çeşitli ortamlarda yayınlanmıştır. Aynı zamanda, projeksiyon haritalama gibi çağdaş sanatın en son biçimlerinde de ortaya çıkıyor.
Kavramsal sanat
Kavramsalcılık (Latince kavramdan: düşünce, temsil), sanatta bir eser fikrinin sanatsal ifadesinin biçimi üzerindeki üstünlüğünü ilan eden postmodern bir akımdır. Kavramsalcılığın takipçileri, resimlerinin, heykellerinin, enstalasyonlarının ve performanslarının izleyicide duygular değil, gördüklerini entelektüel olarak yeniden düşünme arzusu uyandırması gerektiğine inanıyor.
Kavramsalcılık ticari bir sanat değildir, içinde yaratıcılık nesneleri herhangi bir ev eşyası, doğal malzemeler ve hatta insan ortamının parçaları olabilir. Kavramsal sanatçı, bitmiş bir eser yaratmaya çalışmaz, ancak fikirlerini izleyiciye aktarmaya, bir tür entelektüel oyuna katılmaya çalışır.
Konsept sanat eserlerinin kendine has özellikleri vardır. Bu eserler aşağıdaki özelliklerle tanımlanabilir: İzleyicinin duygusal değil, entelektüel algısını etkiler; çalışmaya açıklayıcı metnin sık kullanımı; sanatçının, eserin anlamının (fikrinin) önemi lehine formun anlamını bilinçli olarak reddetmesi; yazarın kullanabileceği herhangi bir nesneden sanat nesneleri oluşturun.
Performans Sanatı ve Olaylar
Happenings, 1896. yüzyılın kavramsal sanat teorilerinde temeli olan, büyük ölçüde Dada temsilcilerinin ve Tristan'ın gösterilerinden türetilen, performans sanatıyla yakından ilişkili, avangard bir sanat formu, bir tür yaratıcı ifadedir. Tzara (1963-XNUMX). Pratikte Performans Sanatı ile Olayları ayırt etmek kolay değildir.
Her ikisi de, sanatçının sanatsal bir tiyatro etkinliğini gerçekleştirdiği (veya yönettiği) dikkatle planlanmış eğlence biçimleridir (kendiliğindenlik unsurlarıyla da olsa). Görmesi kelimelerle tarif etmekten daha kolay bir şey.
Her halükarda, bir Happenings, drama ve görsel sanat arasında bir yere düşen ve genellikle seyirciden güçlü bir tepki davet eden ve tetikleyen kendiliğinden bir performans sanatı parçasıdır.
Dada'nın geçicilik tarzı nedeniyle, başlangıçta geleneksel zanaat ilkelerine radikal bir alternatif ve "kalıcı bir sanat nesnesi" olarak tasarlandı. Bu yeni postmodern sanat biçiminin tam açıklaması Michael Kirby'nin 'Happenings' (1965) kitabında okunabilir.
Bu tür sanat etkinlikleri, 1960'larda New York sanat ortamıyla özellikle ilişkilendirildi ve hala dünyanın en iyi çağdaş sanat galerilerinde sergileniyor.
Soyut sanat
Soyutlamacılık, genel olarak çevreleyen dünyanın gerçekçi yeniden üretimini reddeden bir resim ve sanat tarzıdır. Takipçileri basit ve karmaşık şekilleri temsil eder, renklerle oynar, çizgileri, düzlemleri ve diğer nesneleri kullanır ve bunları birleştirerek izleyicide belirli duygular yaratır. Bu, onun yaklaşımının klasisizm ve diğer birçok stile bağlı ustalar tarafından kullanılandan farklı olmasıdır.
İlk bakışta, bir soyutlamacı tarafından yapılmış bir resim, çizgiler, şekiller ve noktalardan oluşan kaotik bir kargaşa gibi görünebilir. Daha yakından incelendiğinde, sanatçının, izleyicide belirli düşünceleri veya ruh hallerini uyandırmak için tasarlanmış bütün bir kompozisyon oluşturduğu ortaya çıkıyor.
Soyutlamacılık, geliştikçe, her biri kendi temsilcilerine sahip olan çeşitli yönlere ayrıldı. Aşağıdaki gibi stil türleri vardı:
- Geometrik. Bu tarzda icra edilen sanatçıların eserlerinde net formlar ve çizgiler hakimdir, birçoğu derinlik yanılsaması yaratır.
- Bu yöne bağlı kalan ustalar, renkler ve kombinasyonları ile aktif olarak çalışırlar; izleyicide yaratmak istedikleri duyguları onlar aracılığıyla aktarırlar.
- Resmin bu yönünün özü, gerçek nesnelere referansların tamamen yokluğunda ve renklerin, şekillerin ve çizgilerin son derece sınırlı kullanımındadır.
- Bu doğrultuda çalışan sanatçılar, eserlerine duygu ve duyumları aktardıkları dinamikler, hareketler getirmeye çalışırlar. Aynı zamanda gölgeler, çizgiler ve şekiller arka planda kaybolur.
Montaj
Assemblaj, sanatçının üç boyutlu parçaları veya nesneleri düz bir tabana yapıştırarak rölyef bir görüntü oluşturduğu dekoratif ve uygulamalı bir sanat tekniğidir. Montaj tekniğinde, sanatsal bir kompozisyona resimsel bir ekleme için boya kullanımına da izin verilir.
Asamblaj, ilgili kolajından farklı olarak, görüntünün ön yüzeyine iki boyutlu (düz) elemanlar yerine üç boyutlu elemanlar ekleme tekniğidir. Hacimsel detayların kullanılması sayesinde görüntü olabildiğince gerçekçi ve görsel olarak etkilidir.
Profesyonel sanatçılar genellikle kendi orijinal sanat eserlerini yaratmak için evdeki artıkları ve çöpleri kullanırlar. Ustanın elinde, çok sayıda dağınık günlük nesne, derin estetik içerikle dolu sanatsal bir kompozisyon haline gelir.
Bugün, asamblaj tekniği kullanılarak oluşturulan eserler, çağdaş sanat erbabının her zaman ilgisini çekmektedir. Genellikle eleştirmenler arasında şiddetli tartışmalara neden olurlar, ancak kimseyi kayıtsız bırakmazlar ve bu nedenle dünya kültürünün gelişimine büyük katkı sağlarlar.
Fluxus
Fluxus, dünyaya yayılmış, ancak New York'ta özellikle güçlü bir varlığa sahip olan, gevşek bir şekilde organize edilmiş bir sanatçılar grubuydu. George Maciunas, tarihsel olarak, Fluxus'u Spike Jones, Vaudeville, Cage ve Duchamp'ın bir birleşimi olarak tanımlayan hareketin ana kurucusu ve organizatörü olarak kabul edilir.
Kendilerinden önceki Fütüristler ve Dadaistler gibi, Fluxus sanatçıları da sanat müzelerinin sanatın değerini belirleme yetkisini onaylamadılar. Bir sanat eserini görmek ve anlamak için özel bir eğitim almanın gerekli olmadığını da ileri sürmüşlerdir.
Fluxus sadece sanatın kitlelere ulaşmasını istemedi, herkesin her zaman sanat yaratmasını istedi. Kendi sanatçılarının çoğu, hareketi tanımlama eyleminin zaten çok sınırlayıcı ve indirgeyici olduğunu iddia ettiğinden, Fluxus'u tanımlamak genellikle zordur.
Önceki sanat akımlarından farklı olarak Fluxus, sadece sanat tarihini değil, dünya tarihini de değiştirmeye çalıştı. Çoğu sanatçının inatçı hedefi, sanat ve toplum arasındaki herhangi bir sınırı ortadan kaldırmak olmuştur.
Fluxus'un temel ilkelerinden biri, "yüksek sanat"ın seçkin dünyasını atmak ve alay etmek ve 1960'ların sosyal iklimine uygun olarak sanatı kitlelere ulaştırmanın mümkün olan her yolunu bulmaktı. Dada ile birlikte Fluxus, ip üzerinde yürüyebilen birkaç sanat hareketinden biriydi.
Oyuncu tavırlarına rağmen Fluxus sanatçıları, sanat dünyasındaki güç dengesini değiştirme istekleri konusunda ciddiydi. Yüksek sanata saygısızlığı, müzenin, sanatçıları kimin ve neyi dikkate alacağı konusunda otorite olarak algılanan otoritesi üzerinde bir etkisi oldu.
Fluxus izleyiciyi meşgul etti ve sanat eserinin nihai sonucunu şekillendirmek için şans unsuruna güvendi. Şansın kullanımı Dada, Marcel Duchamp ve dönemin diğer performans sanatçıları tarafından da kullanılmıştır. Fluxus sanatçıları, bir parçaya nihai sonucu hakkında hiçbir fikri olmadan yaklaşması gerektiğine inanan John Cage'in fikirlerinden büyük ölçüde etkilendiler. Önemli olan nihai ürün değil, yaratım süreciydi.
Video sanatı
Video, mevcut en çok yönlü medyalardan biridir. Bir video film, sanat eserinin kendisi ve/veya sanat eserinin nasıl yapıldığına dair bir kayıt olabilir; aynı zamanda bir kurulumdaki bir öğe ve/veya çoklu bir video düzenlemesinin parçası olabilir. Video, sanatı daha dinamik ve canlı hale getirir. 1980'lerin sonlarından bu yana, hem video hem de animasyon, görüntüleri işlemek için bilgisayar yazılımının kullanımına dayanıyordu.
fotogerçekçilik
Fotogerçekçilik, 1960'ların sonlarında soyutlamanın artan popülaritesine yanıt olarak ortaya çıkan bir resim türüdür. O zamandan beri, fotogerçekçi resimler, ayrıntılara gösterilen muazzam özenle, yalnızca fotoğrafik orijinalin boyanmış görüntüleri olarak yakından tespit edilebilen optik yanılsamalar sağladı.
Gerçekte olanları gözlemlemek ve temsil etmek yerine, fotogerçekçilik fotoğraftan ilham aldı. Bir kamera tarafından yakalanan görsel bilgiler, illüzyonist tablolar, çizimler ve diğer sanat eserlerini oluşturmak için kullanılır. Sanatçılar genellikle fotoğrafları tuvale yansıtır, böylece görüntüler hassas ve ayrıntılı bir şekilde oluşturulabilir.
Arte Povera
Arte Povera (İtalyanca "yoksul sanat" veya "yoksul sanat" anlamına gelen ifadeden) XNUMX'ların sonlarında Güney Avrupa'da ortaya çıkan en önemli ve önde gelen avangard sanat hareketlerinden biriydi.
Bu, ana yaratıcı özelliği sanayi öncesi çağı anımsatan günlük malzemelerin kullanımı olan bir düzine İtalyan sanatçının çalışmalarını içeriyordu. Kir, taşlar ve giysiler özellikle popülerdi: "atık" ya da sanatlarında kullandıkları ucuz malzemeler. Sanata bu yaklaşım, geçerli değer ve doğruluk kavramlarına saldırdı ve o sırada Güney Avrupa'nın sanayileşmesini ve makineleşmesini ustaca eleştirdi.
Çalışmaları, önceki on yılda Avrupa sanatını kontrol eden soyut modernizm resmine bir tepkiydi ve kendisini resimden çok heykel çalışmalarına odaklanarak ayırdı.
Grubun en önemli işlerinden bazıları, hammaddeler ile tüketim kültürünün yükselişine eşzamanlı göndermeler arasındaki karşıtlık yoluyla yaratıldı. Modernitenin kolektif mirası ortadan kaldırmakla tehdit ettiğine inanan Arte Povera, yeniyi eskiyle karşılaştırmaya çalıştı.
Arte Povera ile bağlantılı sanatçılar, teknolojik yarışmayı reddetmenin yanı sıra, bilimsel gerçekçilik olarak algıladıkları şeyi de reddettiler. Mekânsal ilişkilere metodik bir yaklaşımın aksine, sırlarını açıklamak kolay olmayan bir efsaneyi uyandırdılar.
Sanatçılar, genellikle yeni ve eski ya da son derece işlenmiş ve sanayi öncesi olanın absürt ve eğlenceli yan yana duruşlarını sundular. Bunu yaparken, geleceğe doğru ilerledikçe yerlerin ve hatıraların yok edilmesine katkıda bulunan modernleşmenin bazı etkilerini örneklediler.
Arte Povera'nın zayıf malzemelere olan ilgisi 1950'lerin ve 1960'ların diğer birkaç sanat akımıyla ilişkilendirilebilir.Örneğin, Fluxus ve Nouveau Réalisme gibi hareketlerle bazı teknikleri paylaştılar, kolay erişilebilir malzemeleri bir alttan kesme ile bir araya getirdiler. işlev.
postminimalizm
İlk kez sanat eleştirmeni Robert Pincus Witten tarafından kullanılan bir terim olan post-minimalist sanatta odak, fikrin saflığından onun iletişimine kayar. Örnek olarak Alman-Amerikalı sanatçı Eva Hesse'nin eserlerini görebilirsiniz.
feminist sanat
Doğum, kadına yönelik şiddet, kadınların çalışma koşulları ve çok daha fazlası gibi özellikle kadın sorunlarıyla ilgilenen bir sanatsal hareket. Katılan sanatçılar arasında Louise Bourgeois ve Japon doğumlu performans sanatçısı Yoko Ono yer alıyor.
dekonstrüktivizm
Dekonstrüktivizm, şimdiye kadar tasarlanmış görsel olarak en etkileyici sanat formlarından biridir. 80. yüzyıl mimarisinin ilginç ama yoğun yaratıcı tarzı, XNUMX'lerin sonlarında, özellikle Los Angeles'ta ve aynı zamanda Avrupa'da ortaya çıktı.
Havacılık ve uzay endüstrisi tasarım yazılımının kullanılmasıyla mümkün kılınan postmodern sanatın bir parçası olarak, yapısökümcü mimari, geometrinin düzenli rasyonalitesi ile tezat oluşturur ve tipik olarak bir yapının dışını bozan ve unsurları baltalayan tasarıma yabancı bir yaklaşımı tercih eder. .
Bazı tarihçiler, bunun pratik sonuçları belirsiz olsa da, yapısökümcü felsefenin postmodern sanata da karşı olduğuna inanırlar. Ne de olsa dekonstrüktivist bir mimar, istese de istemese de bilimin modern ve postmodern yasalarını takip etmelidir.
Dekonstrüktivist mimarinin en ünlü temsilcisi Kanadalı-Amerikalı Pritzker Ödülü sahibi Frank O. Gehry'dir. Diğer tanınmış yapıbozumcular Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi ve Peter Eisenman'dır. Olağanüstü yapıbozumcu binalar şunlardır: Dans Eden Ev (Prag), Guggenheim Müzesi (Bilbao) ve Weil am Rhein'daki Vitra Tasarım Müzesi.
Dekonstrüktivist mimari, yapı ve yüzeyin mimari geleneklerini bozan ve geçersiz kılan yüzey manipülasyonu, parçalanma ve doğrusal olmayan formlarla karakterize edilir. Bunu yaparken, birbiriyle çelişiyor gibi görünen unsurlar, geleneksel uyum ve süreklilik fikirlerine meydan okumak için kasıtlı olarak karşıtlaştırılır.
alaycı gerçekçilik
Tiananmen Meydanı'nın (1989) yenilgisinden sonra ortaya çıkan çağdaş Çin sanat hareketi. Alaycı Gerçekçiler alaycı bir anlatımla figüratif bir resim stili kullandılar. Yinelenen motifler figürler, kel adamlar ve fotoğraf portreleridir. Tarz, Çin'in siyasi ve sosyal statüsüyle alay etti ve bu, Çinli sanatçılar için yeni bir şafak olduğu için, Batılı sanat koleksiyoncuları tarafından iyi karşılandı.
Postmodern edebiyat ve sinema
Postmodern edebiyatın özellikleri, alıntılar ve imalar biçiminde mevcut olanın düşünceli bir şekilde ele alınmasını ve edebi türlerle oynamayı içerir. Aynı zamanda, çoğu zaman kopuk olan çok sayıda eylem ve ilişki düzeyinin inşası da karakteristiktir.
Muhtemelen en iyi bilinen postmodern roman, Umberto Eco'nun Gülün Adı'dır.Bir polisiye roman tarzında çok karmaşık bir edebi yapıya sahip olan Eco, sözde yüksek kültür ile kitle kültürü arasındaki uçurumu kapatmayı başardı. Tarihsel, edebi ve sanat tarihi alıntıları ve referansları, kitabı eğitici bir roman ve hatta bir edebi yarışma haline getirir. Ama ilgi duymayanlar bile Eco'nun heyecan verici bir gerilim filmi olarak çalışmasının tadını çıkarabilirler.
Benzer şekilde, Peter Greenaway 1982 tarihli The Cartoonist's Contract adlı filminde tarihi film türünü gerilimle birleştirdi, ancak Echo'nun aksine bu bilmeceyi çözmüyor. Olay örgüsü sayısız klasik ipucu sunsa da, hepsi hiçbir yere götürmez.
görsel Sanatlar
Postmodern teriminin kullanımı, özellikle görsel sanatlar alanında, geniş bir ifade biçimleri yelpazesi göz önüne alındığında, birçok teorisyen ve sanatçı tarafından reddedilmektedir. Yeniliğe olan modernist inancın reddi, aynı zamanda güzel sanatlarda postmodern estetiğin temellerinden biridir. Postmodernizm, anlatı ve mitolojik yapılar gibi modernite tarafından reddedilen tarihi sanat kategorileriyle bağlantılıdır.
Bu, Andy Warhol'un Elvis'ten Jackie Onassis'e kadar 1950. yüzyıl ikonlarını tasvir etmesiyle başlıyor. Pop art aynı zamanda XNUMX'lerde soyutlamaya elveda diyerek moderniteden kopuşun işaretiydi. XNUMX'lerde, görsel sanatlar, zamanın mimarisi gibi, teori ve kavram üzerinde şehvetli, duygusal ve geleneksel yönlerin önemini vurguladı.
XNUMX'lerde New Wild (Neue Wilden) kolektifi, minimalist ve kavramsal olarak çalışkan avangardın egemenliğini, etkileyici ve temsili resmiyle kırdı. ABD ve İtalya'da da benzer eğilimler vardı.
Kasırga Yeni Vahşiler çevresine yerleştikten sonra, resim ortamına yansımaya ve resimsel medyayla (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter) duyusal deneylere odaklanan, resim temsili minimalist ve kavramsal emeğin baskınlığını ön plana çıkaran akımlar hakim oldu. garde. ABD ve İtalya'da da benzer eğilimler vardı.
Çalışmaları alt kültür ve kitle kültürünün estetiğini birleştiren iki sanatçı dönemin karakteristiğidir: Keith Haring ve Jeff Koons. Haring, grafiti sanatı, çizgi romanlar, bilgisayar işaret dili, çocuk çizimi ve erken tarih resminin unsurlarını, birçok kültürde anlaşılabilir olan oldukça şiirsel bir işaret dilinde birleştirmeyi başardı. Jeff Koons 1990'ların başında deneklerinin kışkırtıcı bayağılığıyla adından söz ettirdi.
Kullanılan malzeme genellikle yüksek kalitededir, ancak yüzey tasarımı, Michael Jackson'ın şempanze Kabarcıkları ile kısmen altın kaplama, gerçek boyutlu porselen heykelciği gibi, biblolar ve kitsch dünyasını çağrıştırır.
Postmodern estetiğin çoğulculuk, öznellik, soyutlamadan uzaklaşma, kitle iletişim araçlarının dahil edilmesi, cinsiyet sınırlarının bulanıklaşması ve alıntının sanatsal bir araç olarak kabul edilmesi talebi, manzaraya, sanata ve müzeye renk ve hareket getirmiştir.
Fotoğraf ve filmin bir sanat ortamı olarak nihai olarak tanınması, postmodern eğilimlerin kalıcı bir sonucu olarak görülebilir. Geçici vurgu: 2002 yazında, Köln'deki Ludwig Müzesi, büyük bir serginin parçası olarak Matthew Barney'nin yakın zamanda tamamladığı "Cremaster Döngüsü"nden beş filmin hepsini gösterecek.
Mimari
1970'lerin ortalarında Charles Jencks, postmodernizm terimini mimari söyleme soktu. Bu şekilde postmodern söylem ilk kez kamuoyuna ulaştı. Postmodern mimarinin üslup ilkeleri bu noktada zaten açıkça ortaya çıkmıştı.
Estetiği yalnızca işleve değil, aynı zamanda önemli içeriğe de dayanması gereken demokratik ve iletişimsel bir mimari dil gerekiyordu. Katedralde göksel Kudüs'ün bir görüntüsünü gören Gotik gibi kurgusal unsurların da dahil edilmesi istendi.
Aynı zamanda, tarihi binaları koruma ve yeniden tasarlama eğilimi arttı. En belirgin örnek, 1986'da Orsay Müzesi olarak açılan Paris'teki Gare d'Orsay'dı. Bu tür tarihi binalar, en başından itibaren güçlü bir şekilde alıntılarla belirlenen postmodern mimarinin dilini etkiledi.
Yeni bir tarihselcilikten kaçınmak için, slogan, örneğin sütunların, pencerelerin ve kafes işlerinin kullanımında ifade edilen eklektizmin ironik bir şekilde kırılması gerektiğiydi. Postmodern mimarinin yelpazesi özellikle XNUMX'ler ve XNUMX'ların müze binasında gelişmiştir.
Hans Hollein'ın Abteiberg Müzesi'ne (Mönchengladbach) ek olarak, James Stirling'in Devlet Galerisi (Stuttgart) postmodernizmin başarılı ve karakteristik bir ürünü olarak kabul edilir. Stirling'in tasarımında, Mısır'dan klasik modernizme kadar tarihi mimariye sayısız göndermeler, popüler kültür renkleri ve tipik bölgesel kumtaşı ve traverten malzemeleri ile kaynaşmış, çağdaş bir form oluşturmak için kaynaştırılmıştır.
Son zamanlarda müze yapımı söz konusu olduğunda, eğitim gereksiniminden çok deneyimin karakteri ön plana çıkmıştır.
Meditatif sanatı düşünmek yerine, sahneleme gereklidir ve mimarinin kendisi çarpıcı manzaralar ve teatral efektlerle sahnelenir. İlk halk ziyaretleri, mimarinin deneyimlenebilmesi için tablolar asılmadan önce giderek artıyor.
Popüler kültüre postmodern odak
Sanat eleştirmenleri, resim ve heykel sanatını (ve diğer görsel sanatları) dergilerin, televizyonun ve diğer seri üretilen ürünlerin popüler kültüründen ayırmaya çalışırken sıklıkla "yüksek kültür" terimini kullanırlar. Modernizm ve Greenberg (1909-94) gibi etkili takipçileri, bu kültür biçimlerini aşağılık olarak gördüler. Buna karşılık, daha demokratik bir sanat anlayışını tercih eden postmodernistler, "yüksek kültürü" daha seçkinci olarak görürler.
İlk postmodern hareket olan pop art, sıradan tüketim mallarını sanata dönüştürdü. Pop sanatçıları ve diğerleri, "sanatlarını" kupalara, kağıt torbalara ve tişörtlere basarak sanatı demokratikleştirme girişimlerinde daha da ileri gittiler: Bu arada, postmodern arzuyu, özgünlüğü ve özgünlüğü örnekleyen bir yöntem, sanatı baltalıyor.
Postmodern sanatçılar, bir sanat eserinin yalnızca bir içsel anlamı olduğu fikrini terk ettiler. Bunun yerine, izleyicinin eşit derecede önemli bir anlam kaynağı olduğuna inanırlar. Örneğin Cindy Sherman'ın gerçeküstü fotoğrafçılığı, bir sanat eserinin birçok şekilde yorumlanabileceği fikrinin altını çiziyor.
Aslında, performans sanatçısı Marina Abramovic gibi bazı sanatçılar, izleyicilerin sanatlarına katılmalarına izin veriyor, hatta çalışmalarını tamamlamak için izleyicilerin katılımını gerektiriyor.
Gösteriye odaklan
Hayatın gerçek anlamının yokluğunda, özellikle gece gündüz radyo ve televizyon reklamlarına maruz kaldığımızda, postmodern sanatçılar kendilerini tarz ve gösteri açısından sınırlamayı tercih ettiler, genellikle daha büyük etki elde etmek için tanıtım araçlarını ve tekniklerini kullandılar. Bu yaklaşım, Roy Lichtenstein ve James Rosenquist gibi pop sanatçılarının poster benzeri görüntüleri kullanan ticari baskı sürecinde örneklenmiştir.
Yüzeye odaklanma postmodern sanatın ortak bir özelliğidir ve bazen teatral, parlak, son derece etkili görüntülerle ön plana çıkar. 1980'den beri bilgisayarların ve diğer teknolojilerin kullanımı multimedya sanatında (örneğin animasyon) devrim yarattı ve mimari gibi alanlarda özel olanaklar yarattı.
Postmodernizmde izleyicinin dikkatini çekmenin ne kadar önemli olduğu, XNUMX'lerin sonu ve XNUMX'ların Londra'sında Young British Artists olarak bilinen Goldsmiths College'dan bir grup öğrencinin şok taktikleriyle gösterilir. Üç gösteriyle ünlü olan YBA'lar kötü zevkleri nedeniyle eleştirildi, ancak bazıları Turner Ödülü sahibi olurken, diğerleri hatırı sayılır bir ün ve servet elde etti.
Tüketici ihtiyaçlarını karşılayın
XNUMX. yüzyılın son on yıllarında tüketici davranışının yükselişi ve dolaysız zevk kültürünün görsel sanatlar üzerinde de güçlü bir etkisi oldu. Tüketiciler artık yenilik istiyor. Ayrıca eğlence ve eğlence istiyorlar. Birçok postmodern sanatçı, küratör ve diğer profesyonel, sanatı bir eğlence ürününe dönüştürme fırsatını yakaladı.
Performans, etkinlikler ve yerleştirmeler gibi yeni sanat biçimlerinin yanı sıra ölü köpekbalıkları, dev buz heykelleri, birçok çıplak beden, hareket halinde gibi görünen binalar gibi yeni temaların tanıtımı, otuz beş bin kişilik bir koleksiyon. pişmiş toprak figürler , boyalı gövdeler, kamu binalarındaki ürkütücü projeksiyonlar (ve daha fazlası) - izleyicilere bir dizi yeni, bazen şok edici deneyimler verdi.
Bu yeni sanat biçimlerinin aslında "sanat" olup olmadığı çok tartışılan bir soru olmaya devam ediyor. Postmodern kavramsalcılar böyle olduğunu iddia ederken, gelenekçiler onu böyle düşünmeyi reddederler.
postmodern sanatın ilkeleri
Uzmanlar için postmodern sanat, onu tamamen sınırlamadan genel bir şekilde yönetecek üç temel ilkeden oluşur:
anlık anlam
Yunan mitolojisinden tüyler ürpertici olayları betimleyen, kültürlü bir gözlemcinin bilmiş bir gülümsemesini ortaya çıkarmak için artık solmuş yağlı boya tablolar yok. Pop Art hareketindeki başlangıcından bu yana postmodern resim ve heykel, cesur, parlak ve anında tanınabilir olmuştur.
Temalar ve görseller öncelikle yüksek profilli tüketici ürünlerinden, dergilerden, reklamlardan, televizyondan, filmlerden, çizgi filmlerden ve çizgi romanlardan alınmıştır. İlk kez herkes sergilenen sanatı anladı. Postmodernizm pop sanattan evrilmiş olsa da, anlamın ana hedeflerinden biri hemen göze çarpmaktadır.
Sanat her şeyden yapılabilir
Sanat eserine dönüşen sıradan bir nesnenin ilk ünlü örneği olan Çeşme (1917) başlıklı pisuvarın (başka bir örnek: Hazır Yapımın Öyküsü) Marcel Duchamp geleneklerinden yola çıkarak, sanat sanatçıları Postmodernistler bunu yaptı. işleri en sıra dışı malzemelerden ve enkazdan sanat yaratmaktır. Arkasındaki fikir, sanatı demokratikleştirmek ve daha erişilebilir kılmaktır.
Fikir, sanat eserinin kendisinden daha önemlidir
1960'lara kadar sanatçılar genellikle bitmiş bir ürün olmadan hiçbir şeyin olmayacağına inanıyorlardı. Bitmiş sanat eserinin kalitesine ve bunun için gereken işçiliğe büyük önem verildi. Bugün işler farklı.
Postmodernistler, ürünün kendisinden çok nihai ürünün arkasındaki konsepte inanma eğilimindedir, bu nedenle "postmodern sanat"ın çoğuna "kavramsal sanat" veya "kavramsalcılık" denir. Diğer kavramsalcılık biçimleri arasında enstalasyonlar, sahne sanatları, olaylar, projeksiyon sanatı ve birkaç tane daha var.
Önemli postmodern sanatçılar
Postmodern sanatın çağdaşları olduğumuz için dönemin ikonik isimlerini ayırt etmek zor. Ancak bir süre sonra, hangi sanatçıların resim tarihinde etkileyici bir iz bıraktığını ve şöhretinin sadece modaya bir övgü olduğunu söylemek mümkün olacak. Ancak, postmodernizm yarım yüzyıldan fazla bir süredir gelişmekte olduğundan, tarihte zaten yazılı olan bazı isimleri sayabiliriz. Bunlar, örneğin:
- Dadaist, sürrealist ve kavramsalcılığın kurucusu Marcel Duchamp
- Andy Warhol pop sanat lideri
- Montajın öncüsü César Baldaccini
- Ünlü kavramsalcı Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (28 Temmuz 1887 doğumlu - 2 Ekim 1968'de öldü) abartılı sanat eserleri ile tanınan avangard sanatın ustasıydı. Marcel Duchamp'ın çalışması yerleşik geleneklere meydan okudu ve okyanusun her iki yakasındaki skandal vakayinamesinde defalarca tartışıldı.
Kariyerinin başlangıcında, Kübizm ve Fovizme saygı duyarak Post-Empresyonist tarzda resimler yaptı, ancak daha sonra resim yapmayı bıraktı ve teknikleri karıştırdığı ve çeşitli dokularda malzemeler kullandığı enstalasyonlar yaratmaya ilgi duymaya başladı. Sanatçının devrimci fikirlerinin XNUMX. yüzyılda kavramsal sanatın gelişiminde büyük etkisi oldu.
Andy Warhol
Andy Warhol (6 Ağustos 1928 doğumlu - 22 Şubat 1987'de öldü) XNUMX. yüzyılda aranan bir Amerikalı sanatçı ve galeri sahibiydi. Ticari pop art'ın gelişimine büyük katkı sağladı. Andy Warhol haklı olarak uomo universale gibi bir akımın lideri olarak kabul edilir.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (22 Ekim 1925 doğumlu - 12 Mayıs 2008'de öldü) The New York Times gazetesine göre XNUMX. yüzyılın Amerikan sanatının devi, seçkin bir sanatçı ve yaratıcıydı, soyut izlenimcilik, kavramsalcılık, hazır yapım ve kurucunun temsilcisiydi. pop art.
Robert Rauschenberg'in resimleri kolajlar ve yerleştirmeler, dikilitaşlar, ev eşyaları ve sınıflandırılması zor diğer nesnelerdir. Ustanın eseri, biyografisi gibi, şok edici, şaşırtıcı, iğrenç ve çekicidir, ancak kimseyi kayıtsız bırakmaz. Ateşli biseksüel, hüsrana uğramış eczacı, klasik ve sıradan her şeye muhalif, etrafındaki dünyaya ve kendisine sürekli bir meydan okuma yayınladı.
Çözümler Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (16 Aralık 1908 doğumlu - 8 Ekim 1963'te öldü) sürrealizmin özgün bir temsilcisi olan XNUMX. yüzyıl İspanyol ve Meksikalı bir sanatçı. Remedios Varo'nun çalışmaları klasik resim çerçevesinin ötesine geçer: rüyalar, felsefi yansımalar, sihir, mekanik, tarih ve okült, sürrealistin eserlerinde iç içedir.
Aynı zamanda, Remedios Varo'nun resimleri kesinlikle lirik ve feminendir, ortaçağ atmosferiyle doludur ve izleyiciyi evrenin kökenlerine yönlendirir. Remedios Varo'nun resimleri abartılı masal karakterleri, mekanik yapılar ve doğa ile doludur. Klasik sürrealizmden farklı olarak, sanatçının eserlerinin her birinde, izleyiciyi belirli sonuçlara götüren bir olay örgüsü açıkça izlenir.
Francis Bacon
Francis Bacon (28 Ekim 1909 doğumlu - 28 Nisan 1992'de öldü) XNUMX. yüzyılın en belirsiz ve acımasız sanatçılarından biri olan İngiliz dışavurumculuğunun ustasıdır. Francis Bacon'ın çalışmaları etkileyici olmakla tanınır: insan fantezisinin en korkunç yaratımları onun resimlerinde hayat bulur.
Francis Bacon hiçbir akademik eğitim almadı. Aynı zamanda, inanılmaz derecede talep görüyor ve popüler. Ustanın resimleri, hem özel galerilerin hem de eserlerini koleksiyona dahil etmekten hiç çekinmeyen dünyanın en ünlü müzelerinin en büyük hayalidir. Sanatçının bazı başyapıtları on milyonlarca dolar değerinde ve en pahalı sanat eserleri listelerinde yer alıyor.