Bin yıllık bir kültür olarak Japonya, tüm bu yıllar boyunca sanatını gösterdi, bu ilginç makale aracılığıyla bizimle birlikte bin yıl hakkında her şeyi öğrenin. Sanat Japon, zaman içinde çeşitli dönemlerde ve tarzlarda gelişmiştir. Kaçırma!
Japon sanatı
Japon sanatından bahsetmişken, bu uygarlığın zaman içinde çeşitli aşamalarda ve tarzlarda bildirdiği, Japon halkının sosyal ve kültürel gelişimi ile geçici olarak ortaya çıkan şeylerden bahsediyoruz.
Japonya'da sanatın yaşadığı varyasyonlar, ülkenin hammaddesinin sanatsal ifadelerinde kullanımını gerçekleştirebildiğimiz teknolojik gelişiminin sonuçlarıdır. Sözde Batı sanatının yanı sıra, en sembolik ifadeleri din ve siyasi güçten etkilenmiştir.
Japon sanatının temel özelliklerinden biri, zamanla kıyılarına gelen farklı halklardan ve kültürlerden gelen eklektizmdir: Japonya'ya yerleşen ilk yerleşimciler -Ainu olarak bilinirler- bir Kuzey Kafkas koluna ve muhtemelen Doğu Asya'ya aittiler. Japonya hala anakaraya bağlıyken geldi.
Bu yerleşimcilerin kökeni belirsizdir ve tarihçiler Ural-Altay ırkından olası bir Endonezya veya Moğol kökenine kadar çeşitli hipotezler üzerinde dururlar. Her halükarda, kültürleri Üst Paleolitik veya Mezolitik'e tekabül ediyor gibiydi.
Daha sonra, Güneydoğu Asya veya Pasifik Adaları'ndan çeşitli Malay ırkı grupları Japon kıyılarına, ayrıca Kore'ye ve Çin'in çeşitli bölgelerine geldi ve yavaş yavaş güneyden tanıtılarak Ainu'nun yerini aldı. Japonya'nın kuzeyinde, daha sonraki bir dalgada, Çin ve Kore'den çeşitli aynı etnik gruplar Japonya'ya geldi.
Bu ırk karışımına diğer kültürlerin etkisini de eklemek gerekir: Japonya, tecrit edilmiş olması nedeniyle tarihinin büyük bölümünde izole olmuştur, ancak aralıklarla özellikle V. yüzyıldan beri anakara uygarlıklarından, özellikle Çin ve Kore'den etkilenmiştir.
Böylece, birbirini izleyen göç karakollarından ortaya çıkan Japon ata kültürü, yeniliğe ve üslupsal ilerlemeye açık eklektik bir sanat oluşturarak yabancı bir etki ekledi.
Japonya'da üretilen sanat eserlerinin çoğunun dini temellere dayandığını belirtmek de ilginçtir: XNUMX. yüzyılda oluşan bölgenin tipik Şinto dinine, Budizm XNUMX. yüzyılda eklenerek hala devam eden dini bir kaynaşma oluşturulmuştur. sanatta da yansımasını bırakmıştır.
Japon sanatı, bu farklı kültürlerin ve geleneklerin bir sonucudur, diğer ülkelerden ithal edilen sanat biçimlerini kendi yaşam ve sanat anlayışına göre yorumlayarak, değişiklikler yaparak ve kendine özgü özelliklerini basitleştirerek ortaya çıkar.
Japonya'da sanatlarının belirli unsurlarını terk etmek ve onları başkalarıyla birleştirmek zorunda kalmanın bir başkalaşımından geçen ayrıntılı Çin Budist tapınakları gibi, bu sanatın birlik karakterini ifade eder, böylece her zaman doğal olarak başka bir kültürden bir şeyler almıştır. diğer ülkelerden.
Japon sanatı, Japon kültüründe büyük bir meditasyon duygusuna ve insan ile doğa arasındaki karşılıklı ilişkiye sahiptir ve aynı zamanda onu çevreleyen nesnelerde, en süslü ve vurguludan en basit ve günlük olana kadar temsil edilir.
Bu, kusurlara verilen değerde, şeylerin geçici doğasında, Japonların çevreleriyle kurdukları insani anlayışta görülebilir. Tıpkı çay seremonisinde olduğu gibi, sade bileşenlere dayalı, asimetrik ve bitmemiş bir mekanın uyumuyla sade bir ritüelle elde ettikleri bu tefekkür halinin dinginliğine ve dinginliğine değer verirler.
Onlar için barış ve denge, sıcaklık ve rahatlık ile ilişkilendirilir, bu nitelikler de güzellik kavramlarının gerçek bir yansımasıdır. Yemek saatinde bile, önemli olan yemeğin miktarı veya sunumu değil, yemeğin duyusal algısı ve herhangi bir eyleme verdiği estetik anlamdır.
Aynı şekilde, bu ülkenin sanatçıları ve zanaatkarları, çalışmalarıyla, malzemeleri hayatlarının önemli bir parçası olarak hissederek ve kendilerini çevreleyen çevre ile iletişimlerinin yüksek derecede bir bağlantısına sahiptir.
Japon sanatının temelleri
Japon sanatı, felsefesinin geri kalanı gibi -ya da basitçe, hayatı görme biçimi- sezgiye, rasyonellikten yoksunluğa, duygusal ifadeye ve eylem ve düşüncelerin basitliğine tabidir. genellikle sembolik olarak ifade edilir.
Japon sanatının ayırt edici özelliklerinden ikisi sadelik ve doğallıktır: sanatsal ifadeler doğanın bir yansımasıdır, bu nedenle ayrıntılı üretim gerektirmezler, tüm bunlar sanatçıların istediği şeyin ana hatlarıyla çizilen, önerilen, daha sonra deşifre edilmesi olduğu gerçeğine yol açar. izleyici tarafından.
Bu sadelik, resimde perspektifsiz, yine de bütünle uyumlu bir şekilde bütünleşen çok sayıda boş alanla doğrusal çizim eğilimine neden oldu. Mimaride, dinamik ve statik unsurların bir kombinasyonunda, asimetrik düzlemlerle doğrusal tasarımlarda gerçekleşir.
Buna karşılık Japon sanatındaki bu sadelik, sanat ve doğa arasındaki ilişkide doğuştan gelen bir sadelikle bağlantılıdır ki bu onların kendine has özelliklerinin bir parçasıdır ve hayatlarına yansır ve onlar bunu hassas bir melankoli, neredeyse hüzün duygusuyla yaşarlar.
Hayatın geçici doğası gereği doğada var olan evrimi görebileceğiniz mevsimlerin geçişi onlara nasıl bir geçicilik duygusu veriyor. Bu sadelik, her şeyden önce, kaba, bitmemiş görünümünü gösteren, doğal malzemelerin kullanımıyla belirtildiği gibi, çevresiyle uyumlu bir şekilde bütünleşen mimariye yansır. Japonya'da doğa, yaşam ve sanat ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır ve sanatsal başarı tüm evrenin bir simgesidir.
Japon sanatı, yaşamın yaratıcı ilkesini bulmak için maddenin ötesine geçerek evrensel bir uyum sağlamaya çalışır. Japon süsleme sanatı hayatın anlamını bulmaya çalışır: Japon sanatının güzelliği uyum ve yaratıcılıkla eş anlamlıdır; şiirsel bir dürtüdür, eserin gerçekleşmesine götüren, kendi içinde bir sonu olmayan, ancak ötesine geçen duyusal bir yoldur.
Güzellik dediğimiz şey, bizi varoluşa yönlendiren felsefi bir kategoridir: bütünle birlikte anlama ulaşmakta yatar. Suzuki Daisetsu'nun ifade ettiği gibi: "Güzellik dışsal biçimde değil, ifade edildiği anlamdadır."
Sanat, duyulur karakteriyle değil, düşündürücü nitelikleriyle başlar; Kesin olmak zorunda değil, ama bütünlüğe götüren bir hediye göster. Bütünü çağrıştıran bu parça aracılığıyla özü yakalamayı amaçlar: boşluk, mevcut Japonların bir tamamlayıcısıdır.
Doğu düşüncesinde madde ve ruh arasında, sezginin içsel uyumu yoluyla, tefekkür ve doğa ile bütünleşmede hüküm süren bir birlik vardır. Japon sanatının (gei) Batı'daki uygulamalı sanat kavramından daha aşkın, daha soyut bir anlamı vardır: Yaşam enerjisi olarak anlaşılan zihnin herhangi bir tezahürüdür, vücudumuza hayat veren öz olarak aslında gelişir ve gelişir. beden, zihin ve ruh arasında bir birlik gerçekleştirerek gelişir.
Japon sanatı duygusu zamanla gelişmiştir: sanat ve güzelliğin ilk izlerinin var olduğu başlangıcından bu yana, Japon kültürünün yaratıcı ilkelerinin oluşturulduğu ve edebiyatın en önemli eserlerinde ifade edilen eski zamanlara kadar uzanır. Ülkenin:
Kojiki, Nihonshoki ve Man 'yōshū, yukarıdakiler yayınlardır, ilk ikisi Japonya tarihinin ilk eserleri hakkındadır ve sonuncusu ilk binyılda yazılmış şiirler hakkındadır, o zaman için Sayashi düşüncesi hüküm sürdü ("saf, emin, taze”), mimaride Haniwa Figure Land veya ahşap gibi hafif ve doğal malzemelerin kullanımıyla gelen sadelik, tazelik, belirli bir naiflik ile karakterize edilen bir tür güzelliğe atıfta bulunur.
XNUMX. yüzyıldan bu yana her yirmi yılda bir yenilenen servi ağacından yapılan bu üslubun en iyi temsili olan Ise Tapınağı'nı, samimiyetini ve tazeliğini korumak için sınıflandırabiliriz. Bu düşünceden Japon sanatının değişmezlerinden biri doğar: zamanla gelişen geçici, geçici, geçici güzelliğe atfedilen değer.
Man 'yōshū'da sayakeshi, sadık ve denenmiş olma duygularında ve ayrıca gökyüzü ve deniz gibi bileşenlerin ona insanı ezen bir büyüklük duygusu vermesinde kendini gösterir.
Sayakeshi, zamanın, tüm eylemlerin ve tüm yaşamların zirvesinde, oluşta birleşen hayati bir enerji olarak değerlendirildiği Naru ("oluş") kavramıyla ilişkilidir.
Kendimizi Nara ve Heian dönemlerine yerleştiren sanatın sanatsal yönü, Çin kültürüyle ilk temas ve Budizm'in gelişi sayesinde hızla gelişti. Bu çağın ana konsepti, izleyiciyi bunaltan ve derin bir empati veya acıma duygusuna yol açan duygusal bir duygu olan vicdandı.
Sevinç ve hoş karakteriyle cezbeden okashi gibi diğer terimlerle ilişkilidir; omoshiroi, parlaklıkları ve netlikleri ile dikkat çeken parlak şeylerin özelliği; yūbi, zarafet, zarafet kavramı; yūga, güzellikte bir incelik kalitesi; tr, çekiciliğin çekiciliği; kral, sakinliğin güzelliği; yasashi, takdirin güzelliği; ve ushin, sanatsal olanın derin duygusu.
Murasaki Shikibu'nun mono-no-awareness (Motōri Norinaga tarafından ortaya atılan bir terim) adlı yeni bir estetik kavramı somutlaştıran ve bir melankoli duygusu, şeylerin geçiciliğinden türetilen düşünceli hüzün, bir an süren uçucu güzellik ve hafızada kalır.
Ama her şeyden önce, doğanın tüm varlıklarının nefesle dışarı verilen güzelliğini derinden hissedince derin bir üzüntüye yol açabilen hassas bir melankoli duygusudur.
Güzelliğin "ideal arayışı"nın, düşüncenin ve duyuların dünyasının buluştuğu meditatif bir durumun bu felsefesi, Japonların doğuştan gelen güzellik inceliğinin özelliğidir ve Hanami festivalinde, kiraz ağacının kutlanmasında belirgindir. çiçek
Japon Orta Çağı, Kamakura, Muromachi ve Momoyama dönemlerinde, ülkenin feodal toplumunun tamamında askeri egemenliğin özelliği olduğu, o zaman için bir sanat gelişimini oluşturan dō ("yol") kavramı ortaya çıktı. , shodō (kaligrafi), chadō (çay töreni), kadō veya ikebana (çiçek düzenleme sanatı) ve kōdō (tütsü töreni) tarafından kanıtlandığı gibi, sosyal ayinlerin tören uygulamasında gösterilir.
Uygulamaların sonucu değil, daha ziyade evrimsel süreç, zaman içindeki evrim - yine naru - ve ayrıca ayinlerin mükemmel bir şekilde uygulanmasında gösterilen yetenek, ki bu beceriyi ifade eder ve aynı zamanda ruhani bir bağlılıktır. mükemmellik peşinde.
Kişinin öz farkındalığını kaybettiği meditasyona dayalı belirli "yaşam kurallarını" vurgulayan Zen adlı Budizm'in bir çeşidi, bu yeni kavramlar üzerinde belirleyici bir etkiye sahipti. Böylece, tüm günlük işler, zamanın hareketinde ve ritüel geçişinde yansıyan manevi bir tezahürü belirtmek için maddi özünü aşar.
Bu kavram, bahçenin kozmosun bir görüntüsü olduğu, kum ve kayalarda somutlaşan nesneler (adalar) ile dolu büyük bir boşluk (deniz) ile böyle bir önem derecesine ulaşan bahçeciliğe de yansır. ve bitki örtüsünün zamanın geçişini çağrıştırdığı yer.
Aşkın bir hayatın sadeliği ve derinliği arasındaki Zen müphemliği, sadece sanatta değil, aynı zamanda davranışta, sosyal ilişkilerde ve hayatın daha günlük yönlerinde de bir "basit zarafet" (wabi) ruhunu aşılar. . Usta Sesshū, "Zen ve sanat birdir" dedi.
Bu Zen yedi dekoratif olguda sunulmaktadır: fukinsei, doğada mevcut dengeyi elde etmek için optimizasyonu reddetmenin bir yolu; kanso, arta kalanları çıkar, çıkardığınlar doğanın sadeliğini keşfetmeni sağlayacak.
Kokō (yalnız haysiyet), insanların ve nesnelerin zamanla kazandıkları ve onlara özlerinin daha büyük bir saflığını veren bir nitelik; samimiyetle bağlantılı olan shizen (doğallık), doğal olan hakiki ve bozulmaz; yūgen (derinlik), şeylerin basit maddeselliklerinin, yüzeysel görünümlerinin ötesine geçen gerçek özü.
Datsuzoku (ayrılma), görevi zihni kontrol etmek değil özgürleştirmek olan sanat pratiğinde özgürlük -böylece sanat her türlü parametre ve kuraldan vazgeçer-; seiyaku (içsel dinginlik), dinginlik durumunda, sakin, önceki altı ilkenin akması için gerekli.
Özellikle, Japon sanat ve güzellik kavramının ustaca sentezlendiği, otantik bir estetik din yaratan çay törenidir: "teizm". Bu tören, gündelik varoluşun bayağılığına karşı güzellik kültünü temsil eder. Hem etik hem de estetik olan felsefesi, insanın doğa ile bütünleyici anlayışını ifade eder.
Basitliği küçük şeyleri kozmik düzene bağlar: hayat bir ifadedir ve eylemler her zaman bir düşünceyi yansıtır. Zamansal olan manevi olana eşittir, küçük olan büyüktür.Bu kavram aynı zamanda şiirsel bir dürtünün geçici bir yapı ürünü olan çay odasında (sukiya) bulunur, süslemeden yoksun, kusurlu olana saygı duyulur ve her zaman bir şeyler bırakır. bitmemiş, bu da hayal gücünü tamamlayacak.
Zen'in mükemmellik arayışının kendisinden daha önemli olduğunu düşünmesi nedeniyle simetri eksikliği karakteristiktir. Güzellik ancak eksik olanı akıl yürüterek tamamlayanlar tarafından keşfedilebilir.
Son olarak, Edo dönemiyle başlayan modern çağda, önceki fikirler devam etse de, Japonya modernleşirken ortaya çıkan diğer toplumsal düzenlerin ortaya çıkmasıyla bağlantılı yeni sanatsal sınıflar ortaya çıkar: sui, belirli bir manevi inceliktir. esas olarak Osaka literatüründe.
İki düşünce, özellikle kabuki'de bulunan, onurlu ve doğrudan bir lütuftur; Karumi, özellikle Shiori'nin nostaljik bir güzellik olduğu haiku şiirinde yansıtılan, şeylerin "derinliği"nin elde edildiği ilkel bir şey olarak hafifliği savunan bir kavramdır.
"Hiçbir şey sürmez, hiçbir şey tam değildir ve hiçbir şey mükemmel değildir." Bunlar, "Wabi sabi"nin dayandığı üç anahtar olacaktır; kusurlu, eksik ve değişenin güzelliğini ifade eden bir Japon ifadesi (ya da bir tür estetik görüş). mütevazı ve mütevazi güzelliğin, alışılmamışın. "Wabi sabi" felsefesi, anın tadını çıkarmak ve doğada ve küçük şeylerde huzur ve uyum bulmak ve doğal büyüme ve düşüş döngüsünü barışçıl bir şekilde kabul etmektir.
Tüm bu unsurların altında, maddi bir başarı olarak değil, yaratıcı bir süreç olarak sanat fikri yatmaktadır. Okakura Kakuzō, "yalnızca ruhlarının doğuştan gelen çarpıklığına inanan sanatçılar gerçek güzelliği üretebilir" diye yazdı.
Japon sanatının dönemlendirilmesi
Bu yazıda, önemli sanatsal değişimler ve siyasi hareketler açısından büyük dönemlere ayırma kullanacağız. Seçim genellikle yazarın kriterlerine göre değişir ve birçoğu alt bölümlere ayrılabilir. Ancak bu dönemlerin bazılarının başlangıcı ve bitişi konusunda da farklılıklar bulunmaktadır. Arkeolog Charles T. Kelly tarafından yapılmış olanı alacağız, ki bu aşağıdaki gibidir:
Plastik sanatlarda Japon sanatı
Mezolitik ve Neolitik dönemlerde, kıtadan izole kaldı, bu nedenle çok az önemli olmasına rağmen tüm üretimi kendine aitti. Yere kazılmış evleri olan küçük köylerde yaşayan, besin kaynaklarını esas olarak ormandan (geyik, yaban domuzu, fındık) ve denizden (balık, kabuklular, deniz memelileri) sağlayan yarı yerleşik toplumlardı.
Bu toplumların ayrıntılı bir çalışma düzeni vardı ve Oyu ve Komakino'da güneş saati işlevi gören birkaç dairesel taş düzenleme kalıntısının kanıtladığı gibi, zamanın ölçümüyle ilgileniyorlardı. Belli modellere göre inşa edilmiş birkaç bina tarafından kanıtlandığı gibi, görünüşe göre standart ölçü birimlerine sahiptiler.
Bu döneme tekabül eden bazı yerlerde cilalı taş ve kemik eserler, seramikler ve antropomorfik figürler bulunmuştur. Jōmon çanak çömleklerinin en eski insan yapımı çanak çömlek olduğuna dikkat edilmelidir: ilkel çanak çömleklerin en eski izleri, cilalı kenarlara ve geniş iç mekanlara sahip küçük, el yapımı mutfak eşyalarında MÖ 11.000'e kadar uzanır. , işlevsel bir anlayış ve sade bir dekorasyon ile.
Bu kalıntılar, "prejōmon" (MÖ 11000-7500) olarak adlandırılan bir döneme, ardından en tipik Jōmon çanak çömleklerinin elle yapıldığı ve süslendiği "arkaik" veya "erken" Jōmon (MÖ 7500-2500) dönemine tekabül etmektedir. bir tür derin kavanoz şeklindeki kapların tabanında kesikler veya ip izleri ile. Temel dekorasyon, pişirmeden önce çömlek üzerine preslenen bitkisel liflerden yapılmış iplerle yapılan baskılardan oluşuyordu.
Birkaç alanda bu kesikler, bir dizi çok karmaşık soyut çizgi çizerek, mükemmel şekilde yontulmuş kenarlarla yüksek derecede detaylandırmaya ulaştı. Nadir durumlarda, Honshū'nun kuzeyindeki Hirakubo'da bulunan bir vazoda bulunan bir av sahnesini vurgulayan, genellikle antropomorfik ve zoomorfik çizimler (kurbağalar, yılanlar) olan figüratif sahnelerin kalıntıları bulunmuştur.
Son olarak, "Geç Jōmon"da (MÖ 2500-400), kaplar, yuvarlak dipli kaseler ve kaplar, dar boyunlu amforalar ve kulplu, genellikle çubuklu kaseler ile daha doğal, daha az ayrıntılı bir forma dönmüştür. veya yükseltilmiş taban. Jōmon çanak çömlek yapıları şunlardır: Honshū Adası'ndaki Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo ve Okinohara; Kyūshū adasında Sobata; ve Hokkaidō adasında Hamanasuno ve Tokoro.
Vazolar dışında, seramikten insan veya hayvan formunda çeşitli figürinler, birkaç parça halinde yapılmış, bu nedenle tam parçalardan çok az kalıntı bulunmuştur. Antropomorfik formda olanlar eril veya dişil özelliklere sahip olabilir ve androjen işaretin bir kısmı da bulunmuştur.
Bazılarının karınları şişmiştir, bu nedenle doğurganlık ibadetiyle ilişkilendirilmiş olabilirler. Dikkatli saç modelleri, dövmeler ve dekoratif elbiseler gibi bazı figürlerin gösterdiği detayların hassasiyetini belirtmekte fayda var.
Görünüşe göre bu toplumlarda vücudun süslenmesi, özellikle kulaklarda, çeşitli imalatların kırmızımsı boyalarla süslenmiş seramik küpeleriyle çok önemliydi. Chiamigaito'da (Honshū Adası) 1000'den fazla bu süs eşyası bulundu, bu da bu ürünlerin işlenmesi için yerel bir atölye olduğunu düşündürüyor.
Yüzlerde bireyselleştirilmiş çalışmayı ifade eden çeşitli maskeler de bu döneme aittir. Aynı şekilde, farklı türlerde yeşil jadeit boncuklar yapıldı ve Torihama'da bulunan birkaç tutturucunun kanıtladığı gibi, cila işine aşinaydılar. Kılıç, kemik veya fildişi boynuz kalıntıları da bulunmuştur.
Yayoi Dönemi (MÖ 500-MS 300)
Bu dönem, toprakların büyük uzantılarının ormansızlaşmasına neden olan tarım toplumunun kesin olarak kurulması anlamına geliyordu.
Bu dönüşüm, Japon toplumunun teknolojik, kültürel ve sosyal alanlarda, daha fazla sosyal tabakalaşma ve işin uzmanlaşmasıyla evrimleşmesine yol açtı ve silahlı çatışmalarda artışa neden oldu.
Japon takımadaları, Yamato'nun baskın olduğu ve imparatorluk ailesini doğuran klanlar (uji) etrafında kurulan küçük devletlerle bezenmişti. Ardından, güneş tanrıçası Amaterasu'nun imparatorunu deviren mitolojik bir din olan Şintoizm ortaya çıktı.
Bu din, Japon sanatının gerçek saflık ve tazelik duygusunu, doğayla bütünleşme duygusuyla (kami ya da süperbilinç) saf malzemeler ve dekorasyon olmadan tercih ederek destekledi. MÖ XNUMX. yüzyıldan. C. Çin ve Kore ile olan ilişkileri nedeniyle kıta medeniyetini tanıtmaya başladı.
Yayoi kültürü, MÖ 400-300 yıllarında Kyūshū adasında ortaya çıktı. C. ve yavaş yavaş Jōmon kültürünün yerini aldığı Honshu'ya taşındı. Bu dönemde, insan ve hayvan figürlü pişmiş toprak silindirlerle süslenmiş bir oda ve bir höyük ile bir tür büyük mezar genişletilmiştir.
Köyler hendeklerle çevriliydi ve çeşitli tarım aletlerinin (hasat için kullanılan hilal biçimli bir taş alet dahil) yanı sıra cilalı taş uçlu yay ve ok gibi çeşitli silahlar ortaya çıktı.
Çömlekçilikte şu objeler özel olarak üretilmiştir: Belirli özelliklere sahip Kavanozlar, Vazolar, Tabaklar, Bardaklar ve Şişeler. Cilalı bir yüzeye sahiplerdi, basit bir süslemeye sahiptiler, çoğunlukla kesikler, noktalı ve zikzak flamalar vardı, en çok kullanılan nesne adı Tsubo olan bir camdı.
Akan su şeklinde spirallerle (ryusui) veya kabartma hayvanlarla (çoğunlukla geyikler, kuşlar, böcekler ve amfibiler) ve özellikle pirinçle ilgili olanlar olmak üzere avcılık, balıkçılık ve tarım işleri sahneleri.
Geyiğin özel bir anlamı varmış gibi görünüyor, belki de belirli bir tanrıyla bağlantılı: birçok yerde, bir tür ritüelle bağlantılı olduğu söylenen, ateşle yapılmış kesikler veya işaretlerle çok sayıda geyik kürek kemiği bulunmuştur.
Yayoi sitelerinde bulunan diğer dekoratif öğeler şunlardır: aynalar, kılıçlar, çeşitli boncuklar ve magatama (doğurganlık mücevherleri olarak kullanılan kaju şeklindeki yeşim ve akik parçaları).
Kofun dönemi (300-552)
Bu dönem, demir ve altın gibi önemli kaynakları kontrol eden Imperial Central State'in konsolidasyonunu işaret ediyordu. Mimari tercihen mezarlıkta, üzerinde büyük toprak yığınlarının yükseldiği, kofun ("eski mezar") adı verilen tipik oda ve geçit mezarlarıyla geliştirildi.
İmparatorlar Ōjin (346-395) ve Nintoku (395-427)'nin mezarları dikkat çekicidir, burada aralarında şunlar da bulunan çok çeşitli nesneler bulunur; takılar, çeşitli malzemelerden yapılmış figürler, özellikle pişmiş toprak figürler.
Bu heykelcikler yaklaşık altmış santimetre boyundaydı, pratik olarak ifadesizdi, bu zamanın sanatıyla çok ilgili bir örnek olmalarına rağmen, sadece gözlerinde ve ağzında birkaç yarık vardı.
Giysi ve kap-kacaklarına göre bu karakterlerde çiftçiler, milisler, keşişler, taşra kadınları, âşıklar vb. çeşitli esnaflar göze çarpmaktadır.
Bu dönemin sonunda üslup özellikleri Silla kültürüyle bağlantılı olan geyik, köpek, at, yaban domuzu, kedi, tavuk, koyun ve balık gibi dönemin askeri yerleşiminin önemini ifade eden hayvan figürleri de ortaya çıkmıştır. Kore'den, ayrıca çınlayan aksesuarlarla koyu renkli ve çok ince olan Sueki adlı bir çömlek türü.
Sosyal farklılaşma, yönetici sınıfların Yoshinogari gibi şehirlerin seçkin mahallelerinde tecrit edilmesine, Mitsudera gibi izole mahallelerde veya Kansai, Ikaruga ve Asuka-Itabuki saray komplekslerinde kalıcı olarak ayrılmalarına yol açtı.
Dini mimariye gelince, erken Şinto tapınakları (jinja) ahşaptan, yükseltilmiş bir taban üzerinde ve açıkta kalan duvarlar veya kayar bölmeler üzerinde, eğimli çatıyı destekleyen tabanlarla birlikte yapılmıştır.
Karakteristik bileşenlerinden biri, kutsal bir yerin girişini gösteren bir giriş kemeri olan torii'dir. XNUMX. yüzyıldan beri her yirmi yılda bir yeniden inşa edilen Ise Mabedi'ne dikkat edin.
Ana bina (Shoden) yükseltilmiş bir zemine ve bir dış merdivenle erişilen dokuz tabanlı üçgen çatıya sahiptir. Budizm'in Japonya'ya gelmesinden önceki geç Şinto tarzını yansıtan shinmei zukuri tarzındadır.
Kökeni belirsiz bir başka efsanevi tapınak, Amaterasu tarafından kurulan efsanevi bir tapınak olan Matsue yakınlarındaki Izumo Taisha'dır. Taisha zukuri tarzındadır, türbeler arasında en eskisi olarak kabul edilir, ana cazibe, ana giriş olarak bir merdiven ve boyasız basit ahşap kaplamalar ile binanın pilastrlar üzerindeki yüksekliğidir.
Bulunan el yazmalarına göre orijinal kutsal alan 50 metre yüksekliğe sahipti, ancak bir yangın nedeniyle 25 metre yüksekliğe yeniden inşa edildi. Binalar Honden ("iç kutsal alan") ve Hayden ("dış kutsal alan") idi. Şinto, Budizm ve animist inançları birleştiren çileci bir din olan shugendō'nun ana tapınağı olan Kinpusen-ji de bu döneme aittir.
Bu dönemde, Ōtsuka Kraliyet Cenazesi ve Kyūshū'nun (XNUMX.-XNUMX. yüzyıllar) dolmen şeklindeki mezarlarında olduğu gibi, tuzağa düşürülen av, savaşlar, atlar, kuşlar ve gemiler veya spirallerle süslenmiş ilk resim örneklerini buluyoruz. ve eşmerkezli daireler.
Bunlar hematit kırmızısı, karbon siyahı, hardal sarısı, kaolin beyazı ve klorit yeşilinden yapılmış duvar resimleriydi. Bu dönemin karakteristik tasarımlarından biri, mezar duvarlarında, lahitler, Haniwa heykelleri ve bronz aynalarda yer alan ve köşegenler veya haçlar üzerine çizilmiş düz çizgiler ve kemerlerden oluşan sözde chokomon'dur.
Asuka dönemi (552-710)
Yamato, Çin modeli üzerinde, Shōtoku-Taishi (604) ve 646 Taika yasalarında somutlaşan merkezi bir krallık tasarladı. Budizm'in tanıtılması, Çin sanatının büyük etkisi ile Japonya'da büyük bir sanatsal ve estetik etki yarattı.
Ardından, Budizm'i ve genel olarak kültürü destekleyen ve sanat için verimli olan Prens Shotoku'nun (573-621) saltanatı geldi. Mimari, tapınaklarda ve manastırlarda temsil edildi, basit Şinto çizgilerinin anakaradan gelen ihtişamla yer değiştirdiği varsayılarak çoğunlukla kayboldu.
Bu dönemin en seçkin binası olarak, Kudara stilinin (Kore'de Paekche) temsilcisi olan Hōryū-ji (607) tapınağını adlandırmalıyız. Shōtoku tarafından dikilen ve 670 yılında muhalifleri tarafından yakılan Wakakusadera tapınağının gerekçesiyle yapılmıştır.
Eksenel planimetri ile inşa edilmiş, pagodanın (Tō), Yumedono'nun ("rüyalar salonu") ve Kondō'nun ("altın salon") bulunduğu bir dizi binadan oluşur. Çin tarzında olup, ilk kez seramik kiremit çatı kullanılmıştır.
Bu olağanüstü örneğin özelliklerinden biri, Gojūnotō, Tahōtō ve çeşitli hondenlerin bulunduğu Seto'da su üzerinde yapılan Itsukushima Mabedi (593)'dür. Güzelliğinden dolayı 1996 yılında BM tarafından Dünya Mirası Alanı olarak seçilmiştir.
Budist temalı heykeller ahşap veya bronzdan yapılmıştır: İlk Buda figürleri anakaradan ithal edilmiştir, ancak daha sonra çok sayıda Çinli ve Koreli sanatçı Japonya'ya yerleşmiştir.
Bodhisattva Avalokiteśvara'nın (Çince'de Guan Yin olarak adlandırılır) Japonca adı olan Kannon'un görüntüsü, Koreli Tori'nin eseri olan Bodhisattva Kannon adı altında çoğalmıştır; Hōryū-ji'nin Yumedono tapınağında bulunan Kannon; ve Kudaralı Kannon (623. yüzyıl), bilinmeyen bir sanatçı tarafından. Bir diğer önemli eser, Hōryū-ji tapınağına kurulan Tori Busshi'nin bronz Sâkyamuni Triad'ıdır (XNUMX).
Genel olarak, Asuka döneminin "resmi stilini" belirleyen Shiba Tori'nin çalışmasında görüldüğü gibi, Kore Koguryŏ tarzından esinlenen şiddetli, köşeli ve arkaik tarzda eserlerdi: Büyük Asuka Buda (Hoko tapınağı - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Bu stili takip eden bir diğer sanatçı, Hōryū-ji'nin Altın Salonunun (645) Dört Gök Muhafızı (shitenno)'nun yazarı olan Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi'dir. etkileyici yüzler
Çin motiflerinden etkilenmiş, ipek veya kağıt, parşömen tomarları üzerinde kullanılan veya duvara asılan mürekkep veya mineral boyalarla yapılmış tablo. Mitsuda adı verilen bir teknikle, kafur ve servi ağacında Tamamushi rölyefi (Hōryū-ji) gibi büyük özgünlükteki eserlerle, mitsuda adı verilen bir teknikle, bronz telkari bantlarla, vernikli ahşap üzerine yağda çeşitli sahneleri temsil eden, büyük bir çizim anlayışını ifade eder. -i İran'dan ve Wei hanedanının Çin resmiyle ilgili.
Kutsal emanetin temelinde, prens Mahasattva'nın kendi etini aç bir kaplana adadığını gösteren bir jataka (Buda'nın geçmiş yaşamlarının hesabı) bulunur. Bu zaman zarfında, kaligrafi, figüratif görüntülerle aynı sanatsal seviyeye atfedilerek önem kazanmaya başladı.
Shōtoku'ya (622) yapılan Mandala Tenkoku gibi ipek halılar da kaydedildi. Sırlı olsun ya da olmasın seramikler, Çin'in en değerli ithalatı olan çok az yerel üretime sahipti.
Nara dönemi (710-794)
Bu dönemde mikado'nun ilk sabit başkenti Nara'da (710) başkent kurulmuştur. O sıralarda Budist sanatı, Çin etkisini büyük bir yoğunlukla sürdüren zirvesindeydi: Japonlar, Çin sanatında, Avrupa'nın klasik Greko-Romen sanatı zevkine benzer bir uyum ve mükemmellik gördüler.
Dönemin birkaç mimari örneği, Doğu Yakushi-ji Pagodası, Tōshōdai-ji, Tōdai-ji ve Kōfuku-ji tapınakları ve Nara'daki Shōso-in İmparatorluk Deposu gibi birçok eseri koruyan anıtsal yapılardır. Çin, İran ve Orta Asya'dan eserler ile İmparator Shōmu (724-749) zamanından sanattan. Nara şehri, Tang hanedanlığının başkenti Chang'an'dan sonra modellenen bir ızgara düzenine göre inşa edildi.
İmparatorluk sarayına, ikiz pagodalı büyük bir çevre içinde simetrik bir plana göre inşa edilmiş ve "Buda'nın büyük salonu" olan Daibutsuden'i içeren ana manastır olan Tōdai-ji (745-752) ile aynı öneme sahipti. «. 15'te İmparator Shōmu tarafından bağışlanan 743 metrelik büyük bir bronz Buddha Vairocana (Japonca Dainichi) heykeli ile. 1700'de yeniden inşa edilen Daibutsuden, dünyanın en büyük ahşap binasıdır.
Bir diğer önemli tapınak, dört metre boyunda duran sekiz kollu lake bodhisattva olan Kannon Fukukenjaku adlı bir başka muhteşem heykele sahip olan Hokkedō'dir. yüz özelliklerinin dinginliği ve sakinliğinde farkedilen yüksek ve Tang etkisi.
Buna karşılık, Doğu Yakushi-ji Pagodası, Japon mimarların Çin etkisinden uzaklaşarak kendi tarzlarını bulma girişimiydi. Kaligrafik bir işaret görünümü veren farklı boyutlarda değişen kapakları ile dikeyliği ile dikkat çekiyor.
Yapısında beyaz ve kahverengi renklerde birbirine geçen ahşap çubuklardan oluşan saçak ve balkonlar öne çıkıyor. İçinde Yakushi Nyorai'nin ("Tıp Buda") görüntüsü bulunur. Antik Nara'nın Tarihi Anıtları adı altında bir Dünya Mirası Alanı olarak listelenmiştir.
Tōshōdai-ji (759) aynı derecede ulusal asimilasyona sahipti ve Çin'den etkilenen sağlamlığı, simetrisi ve dikeyliği ile Kondō ("altın salon") ile Kodō ("ders salonu") arasında açık bir karşıtlık gösteriyordu. . ”), yerli geleneği ifade eden daha fazla basitlik ve yataylık.
Diğer bir katılımcı, ana binası yüzlerce sütunla desteklenen devasa korkuluğuyla öne çıkan, tepede öne çıkan ve Kyoto şehrinin etkileyici manzarasını sunan Kiyomizu-dera (778) idi. Bu tapınak, seçilmemesine rağmen Dünyanın Yeni Yedi Harikası listesine adaylardan biriydi.
Rinnō-ji, Amida, Senjūkannon ve Batōkannon'un üç heykelinin bulunduğu Sanbutsudō ile ünlüdür. Bir Şinto tapınağı olarak, Fushimi Inari-taisha (711) göze çarpar ve Inari'nin ruhuna adanmıştır ve özellikle tapınağın üzerinde durduğu tepe boyunca yolu işaretleyen binlerce kırmızı toriis adını almıştır.
Buda'nın temsili, büyük güzellikteki heykellerle heykelde büyük bir gelişme kaydetmiştir: Sho Kannon, Tachibana'lı Buda, Tōdai-ji'den Bodhisattva Gakko. Hakuhō döneminde (645-710), Soga klanının bastırılması ve imparatorluk konsolidasyonu, Kore etkisinin sona ermesine ve onun yerini Çin'in (Tang hanedanlığı) almasına yol açarak, daha büyük ihtişam ve gerçekçiliğe sahip bir dizi eser üretti. daha zarif formlar.
Bu değişiklik, oturan Buda'nın (Yakushi) eşlik ettiği bodhisattvalar Nikko ("Güneş Işığı") ve Gakko'nun ("Ay Işığı") oluşturduğu Yakushi-ji yaldızlı bronz heykellerin bir kısmında göze çarpmaktadır. ve daha fazla yüz ifadesi.
Hōryū-ji'de, Kore kökenli Tori tarzı, Kannon Yumegatari ve Lady Tachibana madalyonunun Amida Üçlüsü'nde olduğu gibi devam etti. Tōshōdai-ji Tapınağı'nda, 759 metre yüksekliğindeki merkezi Buddha Rushana'yı (3,4) vurgulayan, içi boş kuru lakeden yapılmış bir dizi büyük heykel vardır. Ayrıca koruyucu ruhların (Meikira Taisho), kralların (Komokuten) vb. Ahşap, bronz, ham kil veya kuru ciladan yapılmış, büyük gerçekçilikteki eserlerdir.
Resim, Hindistan'daki Ajantā ile benzerlikler taşıyan Kondō freskleri gibi bir Hōryū-ji duvar dekorasyonu (XNUMX. yüzyılın sonları) ile temsil edilmektedir. Kakemono ("asılı resim") ve emakimono ("rulo boyama") gibi çeşitli tipolojiler, bir rulo kağıt veya ipek üzerine boyanmış hikayeler ve sutralar olarak adlandırılan farklı sahneleri açıklayan metinler de ortaya çıkmıştır.
Nara Shōso-in'de bitkiler, hayvanlar, manzaralar ve metal nesneler gibi farklı tür ve temalara sahip bir dizi laik temalı resim vardır. Dönemin ortasında, yaklaşık 700 yılına tarihlenen Takamatsuzuka mezar duvar resimlerinde görülebileceği gibi, Tang Hanedanlığı resim okulu moda oldu.
701 tarihli Taiho-ryo kararnamesi ile ressamın mesleği zanaat şirketlerinde düzenlenmiştir. İçişleri Bakanlığı'na bağlı Ressamlar Dairesi (takumi-no-tuskasa) tarafından kontrol edilir. Bu dernekler sarayların ve tapınakların dekorasyonundan sorumluydu ve yapıları Meiji dönemine kadar sürdü. Çömlekçilik, kile uygulanan parlak renklerin kullanımı gibi Çin'den ithal edilen çeşitli tekniklerle önemli ölçüde gelişmiştir.
Heian dönemi (794-1185)
Bu dönemde, başkenti Heian (şimdi Kyoto) olan Çin hükümetinden esinlenerek merkezi bir hükümet kuran Fujiwara klanının hükümeti gerçekleşti. Büyük feodal beyler (daimyō) ortaya çıktı ve samuray figürü ortaya çıktı.
Bu sıralarda, hecelerin fonetik değerleri için Çince karakterler kullanarak Çin kaligrafisini Japonya'da kullanılan çok heceli dile uyarlayan Hiragana adlı grafoloji ortaya çıktı. Çin ile ilişkilerin çöküşü, emperyal sarayın milliyetçiliğinin sadık bir yansıması olacak dini sanatın yanında ortaya çıkan seküler bir sanatla, daha belirgin bir Japon sanatı üretti.
Budist ikonografisi, anakaradan iki yeni mezhebin, Tendai ve Shingon'un, Şinto unsurlarını birleştiren ve bu döneme özgü dini bir senkretizm üreten Tibet Tantrik Budizmine dayanan, ithal edilmesiyle yeni bir gelişme geçirdi.
Meditasyon amaçlı ıssız yerlere dikilen manastırların planında mimari bir değişiklik oldu. En önemli tapınaklar Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) ve Murō-ji pagoda tapınağıdır. Hiei Dağı civarında bulunan Enryaku-ji, 1994 yılında Dünya Mirası ilan edilen Antik Kyoto'nun Tarihi Anıtlarından biridir.
788'de Tendai Budist Tarikatını Japonya'ya tanıtan Saichō tarafından kuruldu. Enryaku-ji'nin yaklaşık 3.000 tapınağı vardı ve binalarının çoğu 1571'de Oda Nobunaga tarafından tahrip edildiğinden, zamanında büyük bir güç merkeziydi.
Günümüze ulaşan kısımdan Saitō ("batı salonu") ve Konpon chūdō'nun bulunduğu Tōdō ("doğu salonu"), Buda heykelinin tutulduğu Enryaku ji'nin en temsili yapısı öne çıkıyor. Yakushi Nyorai, Saichō'nin kendisi tarafından yontulmuş.
Heykel önceki zamanlara göre hafif bir düşüş yaşadı. Yine Buda'nın (Nyoirin-Kannon; Kyoto'daki Jingo-ji tapınağından Yakushi Nyorai; Byōdō-in manastırından Amida Nyorai) ve ayrıca belirli Şinto tanrıçalarının (Kichijoten, mutluluk tanrıçası, Lakshmī Hindistan'a eşdeğer) temsilleri .
Budist dininin aşırı katılığı, kendisini yaratıcı özgürlüğünü baltalayan katı sanatsal kurallarla sınırlayan sanatçının kendiliğindenliğini sınırlar. 859 ve 877 yıllarında, Jogan stili, Murō-ji'nin Shaka Nyorai'si gibi, belirli bir içe dönük ve gizemli hava ile, neredeyse göz korkutucu bir yerçekimi görüntüleri ile ayırt edilir.
Fujiwara döneminde, Jōchō tarafından Byōdō-in'de kurulan okul, Jogan'ın heykelinden daha zarif ve ince bir stille, mükemmel vücut şekillerini ve harika bir hareket duygusunu ifade ederek ün kazandı.
Jōchō'nun atölyesi, figürü iki bloğa bölmek ve daha sonra onları yontmak için birleştirmek ve böylece büyük figürlerin ana sorunlarından biri olan sonraki çatlamaları önlemekten oluşan yosegi ve warihagi tekniklerini tanıttı. Bu teknikler aynı zamanda seri montaja izin verir ve Kamakura döneminin Kei okulunda büyük başarı ile geliştirilmiştir.
Yamato-e resmi, özellikle resimsel sahneleri zarif Katakana kaligrafisi ile birleştiren emaki adı verilen el yazısıyla yazılmış parşömenlerde gelişir. Bu parşömenler, Murasaki Shikibu'nun XNUMX. yüzyılın sonlarından kalma bir romanı olan Genji'nin Hikayesi gibi tarihi veya edebi pasajları anlattı.
Metin ünlü yazarların eseri olmasına rağmen, görüntüler tipik olarak Ki no Tsubone ve Nagato no Tsubone gibi sarayın fahişeleri tarafından, çağdaş Japon sanatında büyük bir öneme sahip olacak bir kadın estetiği örneği olduğu varsayılarak idam edildi.
Şu anda, resimlerin cinsiyete göre sınıflandırılması başladı; bu, erilin Çin etkisi altında olduğu halk ile kadınsı ve daha estetik olanın sanatsal olarak Japon olduğu halk arasında algılanabilir bir ayrım yaptı.
Onna-e'de, Genji Tarihine ek olarak, Taira klanı tarafından Itsukushima tapınağı için görevlendirilen Heike Nogyo (Lotus Sutra), Budizm tarafından ilan edilen ruhların kurtuluşu üzerine çeşitli parşömenlerde somutlaştırıldıkları öne çıkıyor.
Öte yandan, bu otoko-e, Shigisan Engi parşömenlerinde olduğu gibi, keşiş Myoren'in mucizeleri hakkında daha fazla gerçekçilik ve hareketle, ona-e'den daha anlatı ve enerjikti, daha fazla eylemle doluydu; XNUMX. yüzyılda rakip klanlar arasındaki bir savaşı konu alan Ban Danigon E-kotoba; ve Chōjugiga, aristokrasiyi eleştiren karikatürize bir işaret ve hiciv bir tonla hayvan sahneleri.
Kamakura dönemi (1185-1392)
Feodal klanlar arasındaki birkaç anlaşmazlıktan sonra, askeri mahkemeye sahip bir hükümet biçimi olan şogunluğu kuran Minamoto empoze edildi. Şu anda, Zen mezhebi, figüratif sanatı büyük ölçüde etkileyecek olan Japonya'ya tanıtıldı. Mimari daha basit, daha işlevsel, daha az lüks ve süslüydü.
Zen kuralı Kara-yo tarzı denilen şeyi getirdi: Ana bina tapınak değil, okuma odası olmasına rağmen, Zen ibadethaneleri Çin eksenel planimetri tekniğini takip etti ve şeref yeri bir heykel tarafından işgal edilmedi. Buda, ancak başrahibin öğrencilerine öğrettiği küçük bir tahtın yanında.
Kyoto'daki (1266) Sanjūsangen-dō beş büyük tapınak kompleksinin yanı sıra Kyoto'daki Kennin-ji (1202) ve Tōfuku-ji (1243) ve Kenchō-ji (1253) ve Engaku-ji (1282) manastırları. ) Kamakura'da.
Kōtoku-in (1252), Amida Buddha'nın büyük ve ağır bronz heykeli ile ünlüdür ve bu da onu Tōdai-ji'den sonra Japonya'daki en büyük ikinci Buda yapar.
1234 yılında, Jōdo shū Budizminin merkezi olan Chion-in Tapınağı inşa edildi ve türünün Japonya'daki en büyük yapısı olan devasa ana kapısı (Sanmon) ile ayırt edildi.
Bu dönemin son temsilcilerinden biri, iki ana tapınaktan oluşan Hongan-ji'dir (1321): Goei-dō ve Amida-dō'yu içeren Nishi Hongan-ji, bir çay pavyonu ve iki etap. biri hala yaşayan en eskisi olduğu iddia edilen Noh tiyatrosu; ve ünlü Shosei-en'in evi Higashi Hongan-ji.
Heykel, on dördüncü yüzyıldan kalma bir asker olan Uesugi Shigusa'nın (anonim bir sanatçı tarafından) yaptığı gibi, soyluların ve askerlerin portrelerinin kanıtladığı gibi, sanatçıya daha fazla yaratma özgürlüğü sağlayarak büyük bir gerçekçilik kazandı.
Zen eserleri, usta Muji Ichien'in (1312, anonim bir yazar tarafından) heykeli gibi shinzo adı verilen bir tür heykelde, bir tahtta oturan Zen ustasını temsil eden çok renkli ahşapta, ustalarının temsiline odaklanmıştır. meditasyon tutumu gevşedi.
Heian döneminin Jōchō Okulu'nun varisi olan Nara Kei Okulu, eserlerinin kalitesi açısından özellikle önemliydi; burada keşişler Muchaku ve Sesshin (Naralı Kōfuku-ji) keşişlerinin heykellerinin yazarı olan heykeltıraş Unkei de buradaydı. 8 metre yüksekliğindeki Tōdai-ji tapınağının (1199) girişinde bulunan iki devasa heykel gibi Kongo Rikishi'nin (koruyucu ruhlar) görüntüleri gibi.
Song hanedanı Çin heykelinden etkilenen Unkei'nin stili, tasvir edilen bireyin duygusal ifadesi ve içsel maneviyatı ile en ayrıntılı fizyonomi çalışmasını yakalarken oldukça gerçekçiydi.
Daha fazla ifade vermek için gözlere bile koyu kristaller yerleştirildi. Unkei'nin çalışması Japon portreciliğinin başlangıcı oldu. Sanjūsangen-dō için Kannon Senju'nun yazarı olan oğlu Tankei, çalışmalarına devam etti.
Resim, artan gerçekçilik ve psikolojik iç gözlem ile karakterize edildi. Peyzaj (Nachi Şelalesi) ve Portre Keşiş Myoe In Tefekkür, Enichi-bo Jonin; Fujiwara Takanobu'nun Kyoto'daki Jingo-ji Tapınağı'ndan bir dizi portre; Goshin'in İmparator Hanazono portresi esas olarak geliştirildi.
Yamato-e modu devam etti ve görüntüler, çoğu birkaç metre uzunluğunda olan parşömenlerle açıklandı. Bu el yazmaları, günlük yaşamın ayrıntılarını, kentsel veya kırsal manzaraları veya İmparatorluk Ailesinin rakip kolları arasındaki 1159 Kyoto Savaşı gibi resimli tarihi olayları tasvir ediyordu.
Düz bir çizgide, yükseltilmiş bir panorama ile anlatı düzenini takip eden sürekli sahneler halinde sunuldular. Heiji dönemi (Heiji monogatari) olaylarının resimli parşömenleri ve Enichi-bo Jonin'in Kegon Engi parşömenleri dikkat çekiyor.
Zen organizasyonuyla ilişkilendirilen resim, daha çok doğrudan Çin etkisindeydi ve Zen'in "çok fazla renk gözü kör eder" sözünü takip eden daha basit Çin mürekkep çizgilerinden oluşan bir teknikle.
Muromachi dönemi (1392-1573)
Şogunluk, iç çatışmaları ülkeyi bölen Daimyo'nun artan gücünü destekleyen Aşıkağa'nın elinde. Görkemli konaklar, Zuihoji gibi manastırlar ve Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji veya Altın Köşk (1397) ve Ginkaku-ji gibi tapınaklar içeren mimari daha zarif ve özünde Japon idi. o Gümüş Köşk (1489), Kyoto'da.
Kinkaku-ji, Kitayama adlı etki alanının bir parçası olarak Shogun Ashikaga Yoshimitsu için bir dinlenme köyü olarak inşa edildi. Oğlu binayı Rinzai tarikatı için bir tapınağa dönüştürdü. Üç katlı bir yapıdır, ilk ikisi saf altın varakla kaplıdır. Pavyon, Buda'nın kalıntılarını koruyan bir sheriden işlevi görür.
Ayrıca çeşitli Buda ve Bodhisattva heykelleri içerir ve çatıda altın bir fenghuang bulunur. Aynı zamanda, Kyōko-chi adlı bir gölet ile Budist yaratılış hikayesini temsil eden birçok ada ve taş ile güzel bir bitişik bahçeye sahiptir.
Ginkaku-ji kendi adına, atası Yoshimitsu tarafından inşa edilen Kinkaku-ji'yi taklit etmeye çalışan shogun Ashikaga Yoshimasa tarafından inşa edildi, ancak ne yazık ki binayı planlandığı gibi gümüşle kaplayamadı.
Bu dönemin mimarisinin bir özelliği de, Zen estetiğine uygun olarak bir tablo veya çiçek aranjmanı için ayrılmış bir oda olan tokonoma'nın görünümüdür. Ayrıca, Japon evinin içini daha keyifli hale getiren pirinç samanından yapılmış bir mat türü olan tatami tanıtıldı.
Bu zamanda, özellikle bahçe sanatı gelişti ve Japon bahçesinin sanatsal ve estetik temellerini attı. İki ana mod ortaya çıktı: tsukiyama, bir tepenin ve bir gölün etrafında; ve taşlar, ağaçlar ve kuyularla dolu düz bir bahçe olan hiraniwa.
En yaygın bitki örtüsü bambudan ve çeşitli çiçek ve ağaç türlerinden oluşur, ya Japon karaçamı gibi yaprak dökmeyen ya da Japon akçaağacı gibi yaprak döken, eğrelti otları ve köpükler gibi elementler de değerlidir.
Bonsai, bahçe ve iç tasarımın bir başka tipik öğesidir. Bahçelerde genellikle bir göl veya gölet, çeşitli tipte pavyonlar (genellikle çay töreni için) ve taş fenerler bulunur. Japon bahçesinin diğer tüm sanat dallarında olduğu gibi tipik özelliklerinden biri de kusurlu, tamamlanmamış ve asimetrik görünümüdür.
Farklı bahçe türleri vardır: bir patika boyunca veya bir gölet çevresinde yürürken görülebilen “yürüme”; Sabit bir yerden görülebilen oturma odasının, genellikle bir köşk veya machiya tipi bir kulübe.
Te (rōji), çay odasına giden bir yolun etrafında, yolu işaretleyen bakdosin çinileri veya taşları; ve Zen manastırlarında bulunan bir platformdan görülen en tipik Zen bahçesi olan “tefekkür” (karesansui, “dağ ve su manzarası”).
İyi bir örnek, ressam ve şair Sōami'nin (1480) Kyoto'daki Ryōan-ji bahçesinin sözde susuz manzarasıdır. gerçekliği ve yanılsamayı birleştiren, sakinliği ve yansımayı davet eden bir bütün oluşturur.
Yuan ve Ming hanedanlarının Çin etkisini alan ve esas olarak dekoratif sanata yansıyan Zen estetiğinde çerçevelenen resmin yeniden canlanması kaydedildi.
Manzaralara temsil ettikleri şeyden çok ne anlama geldiklerini yansıtmaya çalışan Zen doktrininin mükemmel bir kopyası olan guaj tekniği tanıtıldı.
Bunjinso figürü ortaya çıktı, kendi eserlerini yaratan "entelektüel keşiş", bilim adamları ve Çin tekniklerinin takipçileri tek renkli mürekkeple, kısa ve dağınık fırça darbeleriyle, eserlerine çam, saz, orkide, bambu gibi doğal unsurları yansıtan , kayalar, ağaçlar, kuşlar ve doğaya dalmış insan figürleri, bir meditasyon tavrıyla.
Japonya'da bu Çin mürekkebi tekniğine sumi-e adı verildi. Zen'in yedi estetik ilkesine dayanan sumi-e, en yoğun içsel duyguları sadelik ve zarafet yoluyla, dış görünüşlerini aşan basit ve mütevazı çizgilerle, doğa ile bir bütünlük durumunu belirtmek için yansıtmaya çalıştı.
Sumi-e, içsel maneviyatı bulmak için bir araçtı (dō), bu keşişler tarafından kullanılıyordu. Mürekkebin ince ve dağınık özellikleri, sanatçının nesnelerin özünü basit ve doğal bir izlenimle, ama aynı zamanda derin ve aşkın bir şekilde yakalamasına izin verdi.
Bu, içgüdüsel bir hızlı uygulama sanatıdır, rötuşlanması imkansızdır, onu yaşamla birleştiren, yapılana geri dönmenin imkansız olduğu bir gerçektir. Her yol hayati enerjiyi (ki) taşır, çünkü zihnin harekete geçirildiği ve sürecin sonuçtan daha önemli olduğu bir yaratma eylemidir.
Sumi-e'nin en önemli temsilcileri şunlardı: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei ve hepsinden öte, portre ve manzaraların yazarı, hayattayken resim yapan ilk sanatçı olan Sesshū Tōyō. Sesshū, 1467 ve 1469 yılları arasında Çin'e seyahat eden bir keşiş ressam olan Gaso'ydu ve burada sanat ve doğal peyzaj okudu.
Manzaraları, aşkın anın Zen konseptini yansıtan ani bir ışıkla aydınlatılan doğrusal yapılardan oluşur. Bunlar, uçurumlar gibi uzak yerlerde çerçevelenmiş, uzaktaki tapınaklar veya küçük insan figürleri gibi anekdot öğelerinin bulunduğu manzaralardır.
Yeni bir şiirsel resim türü de ortaya çıktı, bir manzaranın natüralist olarak ilham alan bir şiiri resmettiği shinjuku. Ayrıca Kanō Masanobu tarafından kurulan ve guaj tekniğini geleneksel konulara uygulayan, kutsal, ulusal ve peyzaj temalarını gösteren Kanō Okulu'ndan bahsetmeye değer.
Yıkama, Japon iç tasarımının ayırt edici özelliği olan fusuma sürgülü kapıların boyalı ekranlarına ve panellerine de uygulandı. Seramikte, en popüler tipoloji tenmoku olan Seto okulu öne çıkıyor. Lake ve metal objeler de bu döneme ait dikkate değer örneklerdir.
Azuchi-Momoyama dönemi (1573-1603)
Bu zamana kadar Japonya, Daimyo'yu ortadan kaldıran ve iktidara gelen Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi ve Tokugawa Ieyasu tarafından bir kez daha birleştirildi.
Görev süresi, yalnızca bir azınlığa ulaşsa da, ülkeye Hristiyanlığı tanıtan Portekizli tüccarlar ve Cizvit misyonerlerin gelişiyle aynı zamana denk geldi.
Bu dönemin sanatsal üretimi, patlayıcı bir üslupla geleneksel Japon değerlerini vurgulayarak Budist estetiğinden uzaklaştı. 1592'de Kore'nin işgali, birçok Koreli sanatçının, diğerlerinden izole edilmiş çanak çömlek üretim merkezlerinde yaşayan Japonya'ya zorla taşınmasına neden oldu.
Ayrıca, bu dönemde, minyatür heykelde geliştirilen, laik bir tema, dekoratif porselen nesneler ve Yamato-e tarzında dekore edilmiş katlanır paravanlar, parlak renkler ve altın varak ile Namban tarzına yansıyan ilk batı etkileri alındı. Avrupalıların Japon kıyılarına gelişinin hikayesini anlatan sahnelerde.
Perspektif teknikleri ve Avrupa resminin yağlı boya kullanımı gibi diğer çeşitleri, Japonya'daki sanat formunda hiçbir dayanağı yoktu.
Mimaride, Japonya'da Batı kökenli ateşli silahların tanıtılmasıyla güçlendirilen büyük kalelerin (shiro) inşası öne çıkıyor. Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō ve Fushimi-Momoyama kaleleri buna iyi örneklerdir.
Zamanın en önemli yapılarından biri olan Himeji Kalesi, geleneksel Japon tapınaklarına benzer hafif kıvrımlı çatı şekilleri ile beş katlı ahşap ve sıva üzerinde masif tahkimatları dikey görünümlü bir yapının zarafetiyle birleştiriyor.
Küçük villalar veya saraylar ve büyük bahçelerden oluşan rustik çay töreni köyleri de çoğaldı ve bazı şehirlerde kabuki gösterileri için ahşap tiyatrolar inşa edildi.
Resim alanında, Kanō okulu resmi komisyonların çoğunu ele geçirerek, ana Japon kalelerinin duvar resmini detaylandırıyor, Kanō Eitoku ve Kanō Sanraku adında önemli figürler vardı.
Dar savunma açıklıklarıyla yetersiz aydınlatılan kaleler için, ışığı yansıtan ve odaya yayan, hayvanlar gibi kahramanca sahnelerle süslenmiş büyük duvar resimleriyle altın bir arka plana sahip bir tür bölme oluşturuldu. kaplanlar ve ejderhalar gibi veya bahçelerin, göletlerin ve köprülerin bulunduğu manzaralar veya dört mevsimde oldukça yaygın bir tema.
Serigrafi, Hasegawa Tōhaku (çam ormanı) ve Kaihō Yūshō (ay ışığında çam ve erik ağacı) eserlerinde görülebileceği gibi, sumi-e stilini izleyerek, genellikle aşınmış mürekkeplerle dikkat çekici bir şekilde gelişmiştir. El yazmaları, ekranlar ve hayranlardan oluşan tomarlardaki büyük dinamizm eserlerinin yazarı Tawaraya Sōtatsu'nun figürü de vurgulandı.
The Story of Genji, The Path of Ivy, şimşek ve rüzgar tanrıları gibi büyük görsel güzelliğe ve duygusal yoğunluğa sahip eserler üreten, rinpa olarak adlandırılan Heian döneminin waka senaryosundan esinlenerek lirik ve dekoratif bir tarz yarattı. , vb.
Seramik üretimi büyük bir patlama anına ulaştı ve çay töreni için, rustikliği ve bitmemiş görünümü çay törenine nüfuz eden Zen estetiğini mükemmel bir şekilde yansıtan Kore seramiklerinden ilham alan ürünler geliştirdi.
Nezumi tabaklar ve kogan sürahiler gibi, genellikle beyaz bir gövdeye sahip, bir feldispat tabakasına batırılmış ve demir bir kancadan yapılmış basit tasarımlarla süslenmiş yeni tasarımlar ortaya çıktı. Sırlı bir görünüme sahip, tamamlanmamış bir işleme sahip, kusur ve kırılganlık hissi veren kalın bir seramikti.
Seto ana yapımcı olarak kalırken, Mino kasabasında iki önemli okul doğdu: Shino ve Oribe. Karatsu okulu ve iki orijinal çanak çömlek türü de not edildi:
Kaba bir dokuya ve kalın bir sır tabakasına sahip, derin çatlaklara sahip İga; ve Bizen, hala yumuşak, sırsız kırmızımsı-kahverengi çanak çömlek, çarktan çıkarılarak küçük doğal çatlaklar ve ona kırılgan bir görünüm veren kesikler oluşturmak için, yine de Zen kusurlu estetiğine uygun.
Bu zamanın en iyi sanatçılarından biri, resim, şiir, bahçecilik, lake eşya vb. alanlarda mükemmel olan Honami Kōetsu'ydu. Heian döneminin sanatsal geleneğinde ve Shorenin hat okulunda eğitim gördü, Kyoto yakınlarındaki Takagamine'de Tokugawa Ieyasu tarafından bağışlanan topraklarla bir zanaatkarlar kolonisi kurdu.
Yerleşim, Nichiren Budist Okulu'ndan ustalar tarafından sürdürüldü ve bir dizi yüksek kaliteli eser üretti. Altın ve sedef kakmalarla süslenmiş ofis aksesuarları başta olmak üzere lake eşyalarda ve ayrıca tam gövdeli fujisan kasesini vurgulayan çay töreni için çeşitli mutfak eşyaları ve sofra takımlarında uzmanlaştılar. siyah külotla kaplı kırmızımsı ve üstte kar yağışı etkisi veren opak buzlu beyaz.
Edo dönemi (1603-1868)
Bu sanatsal dönem, Japonya'nın tüm dış ilişkilere kapalı olduğu Tokugawa tarihi dönemine karşılık gelir. Başkent, geleceğin Tokyo'su olan Edo'da kuruldu. Hıristiyanlara zulmedildi ve Avrupalı tüccarlar kovuldu.
Vasallık sistemine rağmen, ticaret ve zanaat çoğaldı, güç ve nüfuzu artan ve kendilerini sanatın, özellikle de baskı, seramik, lake eşya ve eşyaların tanıtımına adayan bir burjuva sınıfına yol açtı. tekstil.
En temsili eserler, Kyoto'daki Katsura Sarayı ve Nikkō'deki Tōshō-gū Mozolesi (1636), her ikisi de 1999'da UNESCO tarafından Dünya Mirası Alanları ilan edilen “Nikkō Mabetleri ve Tapınakları”nın bir parçası.
Şinto-Budistlerin birliği tarzında bir şey, shogun Tokugawa Ieyasu'nun mozolesidir. Tapınak, tüm görünür yüzeyi kaplayan renkli kabartmalara sahip, katı simetrik bir yapıdır. O dönemin tapınaklarından farklı olarak renkli yapıları ve aşırı yüklü süslemeleri dikkat çekiyor.
İç mekanlar, parlak renklerde detaylı lake oymalar ve ustaca boyanmış panellerle süslenmiştir. Katsura Sarayı (1615-1662), dış cephede düz çizgilerin kullanılmasının çevredeki bahçenin kıvrımlılığı ile tezat oluşturduğu Zen'den ilham alan asimetrik bir plan üzerine inşa edilmiştir.
İmparatorluk ailesinin oturacağı yer olması nedeniyle villa bir ana bina, birkaç ek bina, çay salonları ve 70000 metrelik bir parktan oluşuyordu. Tek katlı olan ana saray, köşelerde birleşen dört eke bölünmüştür.
Tüm bina, sütunlar üzerine inşa edilmiş belirli özelliklere sahiptir ve bunların üzerinde, bazılarında Kanō Tan'yū'nun resimleri olan, duvarları ve kapıları olan bir dizi oda vardır.
Çay evleri (chashitsu), genellikle sazdan çatılı, bahçelerle çevrili, görünüşte terk edilmiş durumda, likenler, yosunlar ve dökülen yapraklar ile Zen konseptini takip eden küçük ahşap binalardır. aşkın kusurdan.
Sanatsal ve entelektüel gelişimin başlangıcı
Bu dönemde Japonya, Dejima'daki Hollandalı tüccarlardan alınan bilgiler ve kitaplar aracılığıyla Batı tekniklerini ve bilimsel gelişmeleri (rangaku olarak adlandırılır) yavaş yavaş inceledi.
En çok çalışılan alanlar coğrafya, tıp, doğa bilimleri, astronomi, sanat, diller, elektrik ve mekanik olayların incelenmesi gibi fiziksel kavramları içeriyordu. Batı dünyasından tamamen bağımsız bir eğilim içinde matematikte de büyük bir gelişme vardı. Bu güçlü akıma wasan denirdi.
Neo-Konfüçyüsçülüğün çiçek açması, dönemin en büyük entelektüel gelişimiydi. Konfüçyüsçülük çalışması Budist din adamları tarafından uzun süredir aktifti, ancak bu dönemde bu inanç sistemi insan ve toplum anlayışına büyük ilgi gördü.
Etik hümanizm, rasyonalizm ve Konfüçyüsçülüğün tarihsel perspektifi bir sosyal model olarak görülüyordu. XNUMX. yüzyılın ortalarında, Konfüçyüsçülük baskın hukuk felsefesi haline geldi ve ulusal öğrenme sistemi olan kokugaku'nun gelişimine doğrudan katkıda bulundu.
Şogun rejimi için ana erdemi, hiyerarşik ilişkilere, boyun eğmeye olan vurgusuydu. Başa. ve toplumun tümüne yayılan ve feodal sistemin korunmasını kolaylaştıran itaat.
Tekstil sanatı, en yüksek kalite seviyelerine ulaşan başta ipek olmak üzere büyük önem kazanmış, bu nedenle parlak renklerde ve zarif tasarımlarda ipek elbiseler (kimono) sıklıkla odalara asılmıştır. ekranlar gibi ayrılmışlar.
Boyama, nakış, brokar, kabartma, aplike ve el boyaması gibi çeşitli teknikler kullanılmıştır. İpek sadece üst sınıflar tarafından kullanılabilirken, insanlar Endonezya ikat tekniği kullanılarak yapılan pamuklu giysiler giymiş, bölümler halinde eğrilmiş ve beyazla dönüşümlü olarak çivit rengine boyanmıştı.
Daha düşük kaliteli bir başka teknik, farklı renklerde pamuk ipliklerinin, pirinç ezmesi ve pişmiş ve aglomere pirinç kepeği kullanılarak batik tarzında uygulanan ev yapımı boyalarla dokunmasıydı.
Japon sanatının XNUMX. yüzyılda Batı sanatından etkilendiği gibi, Japon sanatının egzotizminden ve doğallığından da etkilendiğini belirtmek gerekir. Batı'da sözde Japonizm böyle doğdu, esas olarak XNUMX. yüzyılın ikinci yarısında, özellikle Fransa ve Büyük Britanya'da gelişti.
Bu, hem ev dekorasyonunda hem de Japon kültürünün fantezisini ve dekoralizmini yansıtan birçok kişisel giyside moda haline gelen Japon baskılarından esinlenen nesneler, porselen, cila, yelpazeler ve bambu nesneler olan Japoneries'de ortaya çıktı. .
Resimde, ukiyo-e okulunun tarzı coşkuyla karşılandı ve Utamaro, Hiroshige ve Hokusai'nin eserleri büyük beğeni topladı. Batılı sanatçılar Japon resminin basitleştirilmiş mekansal yapısını, basit konturlarını, kaligrafi stilini ve natüralist duyarlılığını taklit ettiler.
Çağdaş zamanlar (1868'den beri)
Meiji döneminde (1868-1912) Japonya'da derin bir kültürel, sosyal ve teknolojik rönesans başladı ve bu rönesans dış dünyaya daha fazla açıldı ve Batı'da yapılan yeni gelişmeleri bünyesine katmaya başladı. 1868 Şartı, yoksul proleter sınıfların iyileşmesine yol açmayan feodal ayrıcalıkları ve sınıf farklılıklarını ortadan kaldırdı.
İkinci Dünya Savaşı'na yol açan güçlü bir emperyalist yayılmacılık dönemi başladı. Savaştan sonra Japonya, onu dünyanın önde gelen ekonomik güçlerinden biri ve önde gelen bir endüstriyel üretim ve teknolojik yenilik merkezi yapan bir demokratikleşme ve ekonomik gelişme sürecinden geçti. Meiji dönemini Taishō (1912-1926), Showa (1926-1989) ve Heisei (1989-) dönemleri izledi.
1930'dan bu yana, Çin ve Güney Asya'daki ilerici militarizasyon ve genişleme, buna bağlı olarak askeri bütçeye ayrılan kaynakların artması, sanatsal patronajda bir düşüşe yol açtı. Bununla birlikte, savaş sonrası ekonomik patlama ve ülkenin sanayileşmesiyle elde edilen yeni refah ile sanat yeniden doğdu, kültürel küreselleşme süreci nedeniyle zaten tamamen uluslararası sanat hareketlerine daldı.
Ayrıca ekonomik refah, Japon ve uluslararası sanatın yayılmasına ve korunmasına yardımcı olan birçok müze ve sergi merkezi oluşturarak koleksiyonculuğu teşvik eder. Dini alanda, Meiji döneminde Şintoizm'in tek resmi din (Shinbutsu bunri) olarak kurulması, Budist tapınaklarının ve sanat eserlerinin terkedilmesine ve yıkılmasına yol açtı. Felsefe. Tokyo İmparatorluk Üniversitesi'nden.
Büyük patron ve patron William Bigelow ile birlikte, Boston'daki Güzel Sanatlar Müzesi'ndeki Budist sanat koleksiyonunu ve Washington DC'deki Freer Sanat Galerisi'ni besleyen çok sayıda eseri kurtardı. dünya..
Mimarinin çift yönlü bir yönü vardır: geleneksel yön (Tokyo'daki Yasukuni tapınağı, Heian Jingu ve Meiji tapınakları) ve yeni teknolojileri entegre eden Avrupa'dan etkilenen (Nara'daki Yamato Bunkakan Müzesi, Iso Hachi Yoshida tarafından).
Batılılaşma, bankalar, fabrikalar, tren istasyonları ve kamu binaları gibi Batılı malzeme ve tekniklerle inşa edilmiş, başlangıçta İngiliz Viktorya mimarisini taklit eden yeni binaların inşasına yol açtı. Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo) gibi bazı yabancı mimarlar da Japonya'da çalışmıştır.
Mimari ve şehircilik, ülkeyi yeniden inşa etme ihtiyacı nedeniyle II. Dünya Savaşı'ndan sonra büyük bir ivme kazandı. Ardından yeni nesil mimarlar ortaya çıktı.
Hiroşima Barış Anıtı Müzesi, Tokyo'daki St. Mary Katedrali, 1964 Tokyo Olimpiyatları için Olimpiyat Stadı gibi eserlerin yazarı Kenzō Tange tarafından yönetilmektedir.
Tange'nin öğrencileri ve takipçileri, binaları işlevsel ihtiyaçlara uyarlanması gereken organik formlar olarak görerek "metabolizma" olarak anlaşılan mimari kavramını yarattı.
1959'da kurulan hareket, önceliği bir organizma gibi, dış değişimlere göre değişen bir dizi bina yaratmak olan bir nüfus merkezi yapmayı düşündüler.
Üyeleri arasında Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe ve Kiyonori Kikutake vardı. Diğer bir temsilci, Tange ile birlikte eski Japon estetik fikirlerini katı çağdaş binalara sokan Maekawa Kunio'ydu.
Yine Japon tapınaklarında geleneksel bir yapı elemanı olan tatami hasır ve sütun kullanımı gibi geleneksel teknik ve malzemeleri kullanmak ya da kreasyonlarında bahçe ve heykelleri bütünleştirmek. Vakum tekniğini kullanmayı unutmuyorum, Fumihiko Maki tarafından bina ve çevresi arasındaki mekansal ilişkide çalışıldı.
1980'lerden bu yana, postmodern sanat Japonya'da güçlü bir dayanağa sahipti, eski zamanlardan beri popüler unsur ve formların karmaşıklığı arasındaki füzyon karakteristiktir.
Bu tarz esas olarak Kitakyushu Sanat Müzesi ve Kyoto Konser Salonu'nun yazarı Arata Isozaki tarafından temsil edildi. Isozaki Tange ile çalıştı ve çalışmalarında Japonya'ya özgü mekansal, işlevsel ve dekoratif fikirlerle batı kavramlarını sentezledi.
Tadao Andō ise ışığın ve açık alanların dış havaya katkısı konusunda büyük bir endişeyle daha basit bir tarz geliştirmiştir (Sudaki Şapel, Tomanu, Hokkaidō; Işık Kilisesi, Ibaraki, Osaka; Deniz Müzesi). Çocuklar, Himeji).
Shigeru Ban, kağıt veya plastik gibi geleneksel olmayan malzemelerin kullanımı ile karakterize edildi: 1995 yılında birçok insanı evsiz bırakan Kobe depreminden sonra, Ban, Kağıt Ev ve Kağıt Kilise olarak bilinen Delo'yu tasarlayarak katkıda bulundu, son olarak Toyō Dijital çağda şehrin fiziksel imajını araştırdı.
Heykelde ayrıca, Fransa'da ikamet eden soyut Masakazu Horiuchi ve Yasuo Mizui'ye ek olarak, Yoshi Kimuchi ve Romorini Toyofuku adlarını vurgulayan bir gelenek-avangard ikiliği vardır. Isamu Noguchi ve Nagare Masayuki, malzemenin pürüzlülüğü ve cilası arasındaki karşıtlığı inceleyen çalışmalarında ülkelerinin zengin heykel geleneğini bir araya getirdi.
Resim aynı zamanda iki eğilimi de takip etti: geleneksel (nihonga) ve batılı (yōga), her ikisinin de varlığına rağmen, Tomioka Tessai figürü 20. yüzyılın başında kaldı. 19. yüzyıl sanat eleştirmeni Okakura Kakuzō ve eğitimci Ernest Fenollosa tarafından.
Japon duyarlılığının arketipsel ifadesi için geleneksel sanata bakmak, ancak bu tarz özellikle Pre-Raphaelite ve Romantizm'den bazı Batı etkisi almış olsa da. Esas olarak Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison ve Kobayashi Kokei tarafından temsil edildi.
Avrupa tarzı resim ilk kez XNUMX. yüzyılın sonunda Avrupa'da kullanılan teknikler ve temalarla beslendi, Paris'te birkaç yıl eğitim görmüş ancak daha sonra devam eden Kuroda Seiki örneğinde olduğu gibi ağırlıklı olarak akademiklikle ilgiliydi. Batı sanatında meydana gelen farklı akımlar:
Hakuba Kai grubu, Empresyonist etkiyi benimsedi; soyut resimde ana karakterler olarak Takeo Yamaguchi ve Masanari Munay vardı; Figüratif sanatçılar arasında Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen ve Higashiyama Kaii vardı. Amerika Birleşik Devletleri'ndeki Genichiro Inokuma ve Fransa'daki Tsuguharu Foujita gibi bazı sanatçılar ülkelerinin dışına yerleşti.
Taishō'de, nihonga üzerinde en fazla etkiye sahip olan yoga stili, ancak artan ışık kullanımı ve Avrupa perspektifi iki akım arasındaki farklılıkları azalttı.
Nihonga'nın Post-Empresyonizmin yeniliklerini büyük ölçüde benimsemesi gibi, yoga da çok çeşitli farklı sanat hareketlerinden ortaya çıkan eklektizm için bir eğilim sergiledi.
Bu aşama için Japon Güzel Sanatlar Akademisi (Nihon Bijutsu In) kuruldu. Showa dönemi resmi, Nihonga geleneğine saf sanat ve soyut resim kavramlarını tanıtan Yasuri Sotaro ve Umehara Ryuzaburo'nun çalışmalarıyla damgasını vurdu.
1931'de, avangard sanatı teşvik etmek için Bağımsız Sanat Derneği (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) kuruldu.
İkinci Dünya Savaşı gibi erken bir tarihte, hükümetin yasal düzenlemeleri açıkça vatansever temaları vurguladı. Savaştan sonra, sanatçılar büyük şehirlerde, özellikle Tokyo'da yeniden ortaya çıktı.
Özellikle Paris ve New York'ta uluslararası olarak üretilen stilistik yenilikleri özveriyle takip eden kentsel ve kozmopolit sanat yaratmak. Altmışların soyut stillerinden sonra, yetmişler, Shinohara Ushio'nun çalışmalarının gösterdiği gibi, pop-art tarafından tercih edilen gerçekçiliğe geri döndü.
1970'lerin sonlarına doğru ilginç bir şeyin olması dikkat çekicidir, o da daha fazla ifade ve duygusal güç gördükleri geleneksel Japon sanatına geri dönülmesidir.
Baskıresim geleneği, XNUMX. yüzyılda Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi ve Munakata Shiko gibi sanatçılar tarafından tercihen nihonga tarzında çizilen ve yontulan "yaratıcı baskılar" (sosaku hanga) tarzında devam etti.
En son trendler arasında, Gutai Grubu, İkinci Dünya Savaşı deneyimini, büyük bir gerilim duygusu ve gizli saldırganlık ile ironi yüklü eylemlerle eşitleyen sözde aksiyon sanatı içinde iyi bir üne sahipti.
Gutai grubu şunlardan oluşuyordu: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto ve Katsuō Shiraga. Postmodern sanatla bağlantılı, son zamanlardaki küreselleşme olgusuna dahil olan ve sanatsal ifadelerin çok kültürlülüğünün damgasını vurduğu birkaç sanatçı.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Diğer önde gelen çağdaş Japon sanatçılar şunlardır: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 ve Takashi Murakami.
Bu makaleyi ilginç bulduysanız, sizi diğerlerinin keyfini çıkarmaya davet ediyoruz: