Ang isip ng artista ay may kakayahang lumikha ng mga bagay na hindi maisip, maraming mga uso at istilo sa mundo ang nagpapatunay nito, ngunit para sa marami, marahil wala pati na rin ang Pagpapahayag. Suriin ang kamangha-manghang istilo ng sining na ito na ipinanganak noong huling bahagi ng ikalabinsiyam na siglo.
Ano ang expressionism?
Ang Expressionism ay isang artistikong istilo na naglalayong kumatawan hindi obhetibo na realidad kundi subjective na realidad. Ang layunin ay upang ipakita ang mga damdamin at mga tugon na pinupukaw ng mga bagay at kaganapan sa loob ng isang tao. Nagagawa ng artist na makuha ang subjective na realidad na ito sa pamamagitan ng distortion, exaggeration, primitivism, fantasy, at gayundin sa pamamagitan ng matingkad, nakakagulo, marahas, o dinamikong aplikasyon ng mga pormal na elemento.
Ang Expressionism ay isang napakapersonal at matinding anyo ng sining, kung saan sinusubukan ng manlilikha na ipaalam ang kanyang matalik na damdamin at kaisipan sa kanyang mga produksyon, lumalayo sa tradisyonal na representasyon ng realidad. Ang katangian ng kasalukuyang ito ay ang mapagpasyang impluwensya nito sa pagpipinta, kung saan sinusubukang makamit ang pinakamataas na epekto sa sakripisyo ng manonood o i-distort ang katumpakan ng representasyon, sa pangkalahatan ay pabor sa malakas na mga contour at kapansin-pansing mga kulay, bagaman hindi ito ang panuntunan sa lahat ng kaso .
Ang mga komposisyon ay karaniwang simple at direkta, kung saan ang paggamit ng isang makapal na pastel na pintura ay madalas, gamit ang maluwag na brushstroke na inilapat sa isang napaka-malayang paraan at isang paminsan-minsang simbolismo, ang mensahe ay ang pinakamahalaga.
Ang Expressionism ay isa sa mga pangunahing artistikong agos na nabuo sa pagitan ng katapusan ng ika-XNUMX na siglo at simula ng ika-XNUMX, na may mga katangian ng lubos na subjective, personal at kusang pagpapahayag ng sarili, tipikal ng isang malawak na hanay ng mga modernong artist at paggalaw ng sining.
Ito ay makikita bilang isang permanenteng kalakaran sa Germanic at Nordic na sining mula pa noong European Middle Ages, partikular na sa panahon ng pagbabago sa lipunan o espirituwal na krisis, na sa ganitong kahulugan ay salungat sa uso ang rationalist at classicist, na pinahahalagahan sa Italya at higit pa. gabi mula sa France
Sa simula ng ika-XNUMX siglo, ang artistikong kalakaran na ito ay humampas sa Europa, na hinimok ng paglaban sa burges na kultura at isang taimtim na paghahanap para sa kabataan at sariwang pagkamalikhain. Ang mga artistang ekspresyonista at sining ng ekspresyonista ay binibigyang-diin ang sarili, ang pag-iisip, ang katawan, sekswalidad, kalikasan, at espiritu.
Ang ekspresyonismo bilang isang istilo o kilusang naiiba sa uso ng panahon ay nakatuon sa isang serye ng mga artistang Aleman, Austrian, Pranses at Ruso, na naging tanyag sa mga taon bago ang Unang Digmaang Pandaigdig at nanatili sa gayon sa halos buong panahon sa pagitan ng mga digmaan. .
Sa France, ang Dutchman na si Van Gogh ay lumalalim at nagbubunyag ng kanyang hindi pangkaraniwan, problemado, at makulay na pag-iisip, sa kabilang banda, sa Germany, ang Ruso na si Wassily Kandinsky ay naggalugad ng espiritwalidad sa sining bilang isang antidote sa alienation sa modernong mundo, at sa Austria. , Egon Schiele at Oskar Kokoschka ay lumaban sa moral na pagpapaimbabaw ng lipunan sa pamamagitan ng pagtugon sa mga isyu tulad ng sekswalidad, kamatayan at karahasan.
Edvard Munch ay sa wakas ay gumawa ng isang epekto sa Norway at sa buong Europa sa kanyang ligaw at matinding pagpapahayag ng kapaligiran, ang kanyang sarili at ang kanyang pag-iisip. Sama-sama, tinalakay ng mga artistang ito ang napaka-raw, totoo, at walang hanggang mga tanong, tema, at pakikibaka na umiikot sa ilalim ng balat at pamilyar pa rin sa atin hanggang ngayon.
Iyon marahil ang dahilan kung bakit nagpatuloy ang ekspresyonismo sa sining sa maraming iba't ibang anyo kahit na matapos ang mga artistang ito at ang partikular na yugtong ito sa panahon, na nagpapahintulot sa amin na sabihin na ang ekspresyonismo ay nabubuhay pa ngayon.
Pinagmulan
Sa simula ng ika-XNUMX siglo sa Kanlurang Europa, mabilis na umuunlad ang lipunan, ang matinding industriyalisasyon ay bumagyo sa kontinente, na may mga pagbabago sa mundo ng pagmamanupaktura at komunikasyon, na kadalasang lumilikha ng pakiramdam ng karamdaman sa mundo. pangkalahatan. pampubliko.
Ang nakahihilo na paglago ng teknolohiya at ang urbanisasyon ng malalaking lungsod ay nagdala sa kanila ng mga damdamin ng paghihiwalay at pagkahiwalay mula sa natural na mundo. Naiintindihan na ang mga emosyon at pagkabalisa na ito ay nagsimulang lumabas o sa halip ay dumugo sa sining ng panahon. Ang dalawang grupo ng mga artista na lumikha ng expressionism tulad ng alam natin ngayon: Mamatay Brucke y Ang Blue Reiter, parehong nabuo sa Germany noong simula ng ika-XNUMX siglo.
Apat na mag-aaral sa arkitektura sa Dresden ang lumikha ng isang pangkat ng komunal na sining na tinatawag Mamatay si Brucke (Ang tulay). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, at Ernst Ludwig Kirchner sinubukang maging ang tulay sa hinaharap ng sining, na nagbubunsod ng matinding emosyonal na mga tugon gamit ang hindi natural na mga hugis, kulay at komposisyon, lahat ay inspirasyon ng modernong mundo.
Ang kanyang mga gawa ay nagkaroon ng matinding pagkakahawig sa kilusang Fauvism sa France, na pinamumunuan ni Henri Matisse, lalo na sa paggamit ng maliliwanag na kulay at hindi pangkaraniwang mga hugis, na may layuning maghatid ng maraming emosyon. Mamatay si Brucke nilayon itong maging isang kabataan at makabagong oposisyon at tugon sa mga siglo ng realismo sa sining. Noong 1906, ginawa nila ang kanilang manifesto sa isang woodcut, na nagpahayag ng mga sumusunod:
“Sa pananampalataya sa patuloy na ebolusyon, sa isang bagong henerasyon ng mga creator at appreciator, pinagsasama-sama namin ang lahat ng kabataan. At bilang mga kabataang nagdadala ng kinabukasan, nilalayon nating magtamo ng kalayaan sa paggalaw at buhay para sa ating mga sarili sa pagsalungat sa luma at matatag nang kapangyarihan. Ang sinumang direkta at tunay na nagpapahayag kung ano ang nagtutulak sa kanya na lumikha ay isa sa atin” Kirchner (1906)
Sa pamamagitan ng panawagang ito sa pagkilos, ang mga kabataang artista sa Kanlurang Europa ay binigyan ng mapanghamong gawain ng pagbuo ng isang bagong kilusang sining: Expressionism.
Ang mga kilusang artista Mamatay si Brucke pangunahin nilang pinagtuunan ng pansin ang pagpapakita ng napakalaking kaguluhan ng bagong modernidad, industriyalisasyon, at urbanismo na nakapaligid sa kanila. Ipininta nila ang mga urban landscape na may pinalaking, tulis-tulis na mga taluktok at makulay na mga kulay.
Matapos malampasan ang mga limitasyon, higit pa sa mga Fauves, Mamatay si Brucke isinama niya ang underground German nightclub culture, lower-class decadence, at lahat ng emosyon at discomfort sa kanyang mga performance, nang hindi pinababayaan ang kanyang sariling personal na pananaw at kahulugan.
Ang impormal na asosasyong ito ay naghimagsik laban sa kanilang nakita bilang mababaw na naturalismo ng akademikong impresyonismo. Nais nilang muling itanim ang sining ng Aleman ng espirituwal na lakas na sa tingin nila ay kulang at hinahangad na gawin ito sa pamamagitan ng elemental, lubos na personal at kusang pagpapahayag. Ang mga orihinal na miyembro ng Die Brücke ay sinamahan ng mga German na sina Emil Nolde, Max Pechstein at Otto Müller. Ang mga Expressionist ay naimpluwensyahan ng kanilang mga nauna mula noong 1890s.
Interesado din sila sa African wood carvings at sa mga gawa ng Northern European medieval at Renaissance artist tulad nina Albrecht Dürer, Matthias Grünewald, at Albrecht Altdorfer. Ang mga woodcut, na may makapal na tulis-tulis na linya at malupit na tono, ay isang paboritong medium ng German Expressionists.
Ang mga gawa ng Die Brücke artist ay nagpasigla sa pagpapahayag ng ekspresyon sa ibang bahagi ng Europa. Sina Oskar Kokoschka at Egon Schiele ng Austria ay nagpatibay ng kanyang mga pinahirapang brushstroke at angular na linya, at sina Georges Rouault at Chaim Soutine sa France ay bumuo ng mga estilo ng pagpipinta na minarkahan ng matinding emosyonal na pagpapahayag at ang marahas na pagbaluktot ng matalinghagang paksa.
Ang pintor na si Max Beckmann, ang graphic artist na si Käthe Kollwitz, at ang mga iskultor na sina Ernst Barlach at Wilhelm Lehmbruck, ay nagtrabaho din nang may malakas na impluwensyang ekspresyonista. Marami sa kanilang mga gawa ay nagpapahayag ng pagkabigo, pagkabalisa, pagkasuklam, kawalang-kasiyahan, karahasan at sa pangkalahatan, isang uri ng masindak na tindi ng pakiramdam bilang tugon sa kapangitan, ang magaspang na pagbabawal at ang mga posibilidad at kontradiksyon na kanilang nasilayan sa modernong buhay.
Ang pangalawang grupo, na kilala bilang Ang Blue Reiter (The Blue Rider), nabuo sa Munich noong 1911. Pinangalanan pagkatapos ng pagpipinta ni Wassily Kandinsky, ang kolektibong ito ay binubuo ng mga Russian émigrés Kandinsky, Alexej von Jawlensky at Marianne von Werefkin at mga artistang Aleman na sina Franz Marc, August Macke at Gabriele Munter.
Pinili ang pagpipinta ni Kandinsky bilang pangalan ng grupo dahil sa paglalarawan nito ng isang pigurang nakasakay sa kabayo mula sa realidad patungo sa isang espirituwal at emosyonal na kaharian, at ito ay ang mga artista ng Ang Blue Reiter sila ay nabighani sa paglalarawan ng espirituwal na bahagi kaysa sa pisikal.
Bagama't iba-iba ang kanyang mga istilo, gaya ng ipinapakita ng kanyang mga produksyon, ang mga interes sa primitivism at ang emosyonal na tanawin ay nangingibabaw sa kanyang mga gawa. Iba talaga ni Die Brucke, Ang Blue Rider siya ay isang mahusay na puwersa sa pagbuo ng abstract expressionism.
Ang ekspresyonismo at abstract na sining ay tinatanggihan ang realismo, sinusubukan sa lahat ng oras na ihatid ang mga damdamin, gayunpaman, ang ekspresyonismo ay nagpapanatili ng isang pakiramdam ng anyo at simbolismo habang ang abstract na sining ay iniiwan ang mga nakikilalang larawan.
Ang Blue Reiter pinagsama-sama niya ang mga ideyang ito, na lumikha ng isang ganap na bagong sangay ng expressionism na lubos pa rin ang impluwensya sa modernong sining. Nang magsimula ang Unang Digmaang Pandaigdig, Mamatay si Brucke y Ang Blue Reiter nag-disband sila, ngunit nabubuhay ang kanilang pamana habang ang Expressionism ay patuloy na lumalaki sa katanyagan at ginagawa pa rin hanggang sa ika-XNUMX siglo.
Ang mga ugat ng paaralang German Expressionist ay matatagpuan sa mga gawa ni Vincent van Gogh, Edvard Munch at James Ensor, na bawat isa, sa pagitan ng 1885-1900, ay bumuo ng isang napaka-personal na istilo ng pagpipinta.
Ginamit ng mga artistang ito ang mga nagpapahayag na posibilidad ng kulay at linya, na nag-e-explore ng mga dramatiko at emosyonal na mga tema, na may layuning ihatid ang mga katangian ng takot, kakila-kilabot at kataka-taka, o para lang ipagdiwang ang kalikasan nang may matinding intensidad. Sinira nila ang maraming mga pakana, hindi nila literal na kinakatawan ang kalikasan, upang ipahayag ang higit pang mga subjective na pananaw o mga estado ng kaisipan.
Ang mga German Expressionist sa lalong madaling panahon ay nakabuo ng isang istilo na kapansin-pansin sa pagiging malupit, katapangan, at intensity ng visual. Gumamit sila ng mga tulis-tulis at baluktot na mga linya, mabilis at malupit na pagsisipilyo, hindi pa banggitin ang mga nakakabinging kulay na nakatulong sa kanila na ilarawan ang mga eksena sa kalye sa kalunsuran at iba pang kontemporaryong tema sa abalang, masikip na komposisyon na kilala sa kanilang kawalang-tatag at emosyonal na kapaligiran.
Ang mga artistang kabilang sa pangkat na kilala bilang Der Blaue Reiter ay minsan ay itinuturing na ekspresyonista, bagama't ang kanilang sining ay karaniwang liriko at abstract, hindi gaanong hayagang emosyonal, mas magkakasuwato, at mas nababahala sa mga problemang pormal at nakalarawan kaysa sa mga artista ng Die Brücke.
Ang ekspresyonismo ay isa ring dominanteng istilo sa Alemanya sa mga taon kaagad pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig, kung saan nababagay ito sa kapaligiran ng pangungutya, alienation, at pagkadismaya pagkatapos ng digmaan. Ang ilan sa mga huling nagsasanay ng kilusan, tulad nina George Grosz at Otto Dix, ay nakabuo ng mas matalas, mas kritikal sa lipunan na halo ng ekspresyonismo at realismo na kilala bilang Neue Sachlichkeit (New Objectivity).
noong ika-XNUMX siglo
Tulad ng makikita mula sa mga etiketa tulad ng Abstract Expressionism at Neo-Expressionism, ang kusang-loob, likas, at lubos na emosyonal na mga katangian ng Expressionism ay ibinahagi ng iba't ibang mga kasunod na paggalaw ng sining noong ika-XNUMX siglo.
Ang ekspresyonismo ay itinuturing na higit na isang pang-internasyonal na kalakaran kaysa sa isang magkakaugnay na kilusan ng sining, na partikular na maimpluwensyahan noong unang bahagi ng ika-XNUMX siglo. Sinasaklaw nito ang ilang larangan: sining, panitikan, musika, teatro at arkitektura.
Sinikap ng mga artistang ekspresyonista na ipahayag ang emosyonal na karanasan, sa halip na pisikal na katotohanan. Ang mga sikat na expressionist painting ay Ang hiyawan ni Edvard Munch, Ang Blue Rider ng Wassily Kandinsky at Babaeng nakaupo na nakataas ang kaliwang paa ni Egon Schiele.
Paghina ng kilusan
Ang paghina ng Expressionism ay pinabilis ng malabo ng pananabik nito para sa isang mas mahusay na mundo, sa pamamagitan ng paggamit nito ng mataas na patula na wika, at sa pangkalahatan ng matinding personal at hindi malapitan na katangian ng presentasyon nito. Ilang Expressionist artist ang namatay sa panahon o bilang resulta ng World War I dahil sa trauma at sakit. Ganito ang nangyari kay Franz Marc na pumanaw noong 1916 at Egon Schiele na namatay noong 1918 na epidemya ng trangkaso, marami pang iba ang nagbuwis ng sarili nilang buhay matapos bumagsak sa ilalim ng mga trauma ng digmaan.
Ang bahagyang pagpapanumbalik ng katatagan sa Germany pagkatapos ng 1924 at ang paglaki ng mga tahasang pampulitikang istilo na malakas na naiimpluwensyahan ng panlipunang realismo ay nagpabilis sa paghina ng kilusan noong huling bahagi ng 1920s.
Ekspresiyonismo ay tiyak na namatay sa pag-usbong ng mga Nazi, na dumating sa kapangyarihan noong 1933 at inilarawan ang gawain ng halos lahat ng mga ekspresyonista bilang degenerate at bulgar. Ang kanilang pag-uusig at panliligalig ay matindi at labis, na nagbabawal sa mga exponent na ito na magpakita, maglathala at maging magtrabaho, na karamihan sa kanila ay napadpad sa Estados Unidos at iba pang mga bansa bilang isang mas mahigpit na hakbang.
Iyon ang katapusan ng panahon ng pagpapahayag ng Aleman, na namatay kasama ng diktadurang Nazi at responsable sa pag-label ng hindi mabilang na mga artista noong panahong iyon, kabilang sina Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent van Gogh at Paul Gauguin, bilang mga degenerate na artista, inalis ang kanilang mga expressionist na likhang sining sa mga museo at mapang-abusong kinumpiska ang mga ito.
Gayunpaman, ang ekspresyonismo ay patuloy na nagbigay inspirasyon at nabubuhay sa mga susunod na artista at kilusan ng sining. Halimbawa, nabuo ang Abstract Expressionism bilang isang pangunahing kilusang avant-garde sa postwar America noong 1940s at 1950s. Iniiwasan ng mga artist na ito ang figuration at sa halip ay nag-explore ng kulay, gestural brushwork, at spontaneity sa kanyang sining.
Nang maglaon, sa pagtatapos ng XNUMXs at simula ng XNUMXs, nagsimulang umunlad ang neo-expressionism bilang isang reaksyon laban sa konseptwal at minimalistang sining ng panahong iyon.
Ang Neo-Expressionists ay lubos na nakakuha ng mga exponent ng German Expressionism na nauna sa kanila at madalas na nag-render ng mga paksa nang hindi maganda sa pagpapahayag ng brushwork at matinding kulay. Kabilang sa mga pinaka-iconic na artista ng kilusang ito sina Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl, at David Salle.
Sa mundo
Ang ekspresyonismo ay isang masalimuot at malawak na termino na may iba't ibang kahulugan sa iba't ibang panahon. Gayunpaman, kapag pinag-uusapan natin ang tungkol sa ekspresyonistang sining, marami ang ibinaling ang kanilang pansin sa artistikong kalakaran na lumitaw bilang tugon sa impresyonismo sa France o ang kilusang nakakakita ng liwanag sa Alemanya at Austria sa simula ng ikadalawampu siglo. Ang termino ay napakababanat na kaya nitong tumanggap ng mga artista mula sa Vincent van Gogh hanggang Egon Schiele at Wassily Kandinsky, na nagpapakita sa mga partikular na paraan sa bawat bansa.
ekspresyonismong Pranses
Sa France, ang mga pangunahing artist na madalas na nauugnay sa expressionism ay sina Vincent van Gogh, Paul Gauguin, at Henri Matisse. Bagama't aktibo sina Van Gogh at Gauguin noong mga taon bago ang itinuturing na pangunahing yugto ng ekspresyonismo (1905-1920), tiyak na maituturing silang mga artistang ekspresyonista, na nagpinta sa mundo sa kanilang paligid hindi lamang sa tila, ngunit mula sa isang malalim. pansariling karanasan ng tao.
Gumamit sina Matisse, Van Gogh, at Gauguin ng mga nagpapahayag na kulay at mga istilo ng brushwork upang ilarawan ang mga emosyon at karanasan, lumalayo sa mga makatotohanang paglalarawan ng kanilang mga paksa at tumutuon sa kung ano ang kanilang naramdaman at nadama.
ekspresyonismong Aleman
Sa Germany, partikular na nauugnay ang ekspresyonismo sa mga grupong Brücke at Der Blaue Reiter gaya ng nabanggit sa itaas. Ang kilusang Aleman Expressionist ay inspirasyon ng mistisismo, Middle Ages, ang primitive na panahon, at ang pilosopiya ni Friedrich Nietzsche, na ang mga ideya ay napakapopular at maimpluwensyang noong panahong iyon.
Ang Der Brücke ay nabuo sa Dresden noong 1905 bilang isang bohemian na kolektibo ng mga artistang ekspresyonista na sumasalungat sa burges na kaayusang panlipunan sa Alemanya. Ang apat na founding member ay sina Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel, at Karl Schmidt-Rottluff, wala ni isa man sa kanila ang nakatanggap ng pormal na edukasyon sa sining.
Pinili nila ang pangalan nito, Der Brücke, upang ilarawan ang kanilang pagnanais na bumuo ng isang tulay sa pagitan ng nakaraan at kasalukuyan. Ang pangalan ay hango sa isang sipi mula sa Thus Spoke Zarathustra ni Friedrich Nietzsche. Tinangka ng mga artista na takasan ang nakalulungkot na modernong panggitnang uri ng buhay sa pamamagitan ng paggalugad sa pinaigting na paggamit ng kulay, isang direkta at pinasimpleng diskarte sa porma, at libreng sekswalidad sa kanilang trabaho.
Ang Der Blaue Reiter ay itinatag noong 1911 nina Wassily Kandinsky at Franz Marc at nahaharap sa lumalagong alienation na kanilang naranasan dahil sa modernisasyon ng mundo, hinangad nilang malampasan ang makamundong sa pamamagitan ng pagpupursige sa espirituwal na halaga ng sining.
Bilang karagdagan, ang kanyang layunin ay upang basagin ang mga hangganan at paghaluin ang sining ng mga bata, katutubong sining at etnograpiya. Ang pangalang Der Blaue Reiter ay nauugnay sa paulit-ulit na tema ng Rider on Horseback mula sa panahon ni Kandinsky sa Munich, pati na rin ang pag-ibig nina Kandinsky at Marc sa kulay asul, na para sa kanila ay may mga espirituwal na katangian. Ang mga pangunahing artist na nauugnay sa Der Blaue Reiter ay sina Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin, at Macke.
ekspresyonismo ng Austrian
Sina Egon Schiele at Oskar Kokoschka ang dalawang nangungunang figure sa Austrian Expressionism at lalo na naimpluwensyahan ng kanilang hinalinhan na si Gustav Klimt, na kasangkot din sa paglulunsad ng kanilang mga karera, na may mga eksibisyong ginawa niya na nagpapakita ng pinakamahusay sa kontemporaryong sining ng Austrian.
Parehong ekspresyonistang artista ay nanirahan sa kontradiksyon na lungsod ng Vienna noong huling bahagi ng ikalabinsiyam at unang bahagi ng ikadalawampu siglo, kung saan ang moral na panunupil at seksuwal na pagkukunwari ay may mahalagang papel sa pag-unlad ng ekspresyonismo.
Iniwasan nina Schiele at Kokoschka ang kanilang nakita bilang kasinungalingan at moral na pagkukunwari at ipinakita ang mga tema tulad ng kamatayan, karahasan, pananabik, at kasarian. Nakilala si Kokoschka para sa kanyang mga larawan at sa kanyang kakayahang ihayag ang panloob na kalikasan ng kanyang mga paksa at si Schiele para sa kanyang hilaw, halos malupit na tapat na mga paglalarawan ng sekswalidad, na nakikita bilang malayo at desperado.
ekspresyonismo ng norwegian
Ang isa pang mahalagang artista noong panahong iyon na may malaking epekto sa eksenang ekspresyonista ng Aleman at Austrian ay ang Norwegian na si Edvard Munch, na kilala sa Vienna para sa mga eksibisyon ng Secession at Kunstschau noong 1909.
Siya ay itinuturing na pinakamataas na kinatawan ng kanyang bansa sa kilusang ito at isang pangunahing tagapagpauna dito. Malapit na nauugnay sa simbolismo, ang Munch ay pinakasikat para sa The Scream, ang pagpipinta na ito ng isang pigura sa isang tulay, ang paglubog ng araw sa likod niya at lumilitaw na naglalabas ng nakakapang-dugo, desperado na hiyawan, na nagpapakita ng hindi mapakali na espiritu ng artist.
Iconic Expressionist Artworks
Tulad ng sa iba pang mga artistikong kilusan, ang expressionism ay may mahalagang mga figure na nagmarka ng bago at pagkatapos ng kanilang panahon, na lumilikha ng kakaiba at walang kamatayang artistikong mga sample, tulad ng mga ipinakita sa ibaba:
The Scream ni Edvard Munch (1893)
Ang serye ng mga painting na ito na kilala bilang The Scream (Skrik) ay inspirasyon ng isang panandaliang karanasan na naranasan ng lumikha nito na si E. Munch habang siya ay nasa France, na ang pinakasikat ay kasalukuyang matatagpuan sa National Gallery of Norway at natapos noong 1893. Sa kanyang sariling mga salita:
Naglalakad ako sa kalsada kasama ang dalawang kaibigan. Nagsimulang lumubog ang araw. Nakaramdam ako ng kalungkutan. Biglang namula ang langit. Huminto ako, sumandal sa rehas, patay na pagod, at tumingin sa nag-aalab na ulap na parang dugo at espada sa ibabaw ng asul-itim na fjord at ng lungsod.
Nagpatuloy ang mga kaibigan ko sa paglalakad. Nakatayo ako doon, nanginginig sa takot. At naramdaman ko ang isang malakas at walang katapusang hiyaw na tumatagos sa kalikasan. Expressionism, Ashley Bassie, p.69
Ang pigura ay nagpapadala ng takot, kawalan ng pag-asa, ang sigaw nito ay ganap na pumapalibot dito at dumadaan sa parehong kapaligiran at sa isip ng mga nagmamatyag dito. Sa istilong ekspresyonista, ang pagpipinta ay gawa sa langis, tempera at pastel sa karton, na may sukat na 91 x 74 sentimetro.
Der Blaue Reiter ni Wassily Kandinsky (1903)
Ang Der Blaue Reiter o ang Blue Rider ay isa sa mga unang ekspresyonistang gawa ni Kandinsky na hinahangaan para sa hindi kapani-paniwalang paghawak ng kulay at liwanag, ito ay itinuturing na tulay sa pagitan ng post-impressionism at expressionism. Nagpapakita ito ng isang mangangabayo na nakadamit ng asul na tumatakbo sa mga bukid. Ang pangalan ng gawaing ito ay ginamit din bilang pangalan ng grupo ng mga artistang ekspresyonista, na itinatag noong 1911 ng may-akda nito at si Franz Marc.
Ang Blue Rider ay marahil ang pinakamahalagang artistikong pagpapakita ng Kandinsky noong unang bahagi ng ika-XNUMX siglo, bago niya ganap na binuo ang kanyang abstract na istilo. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang mangangabayo na nakasuot ng asul, na nakasakay sa isang maberdeng kayumanggi.
Ang abstraction ng pagpipinta ay sinadya at pinangungunahan ang maraming art theorists na muling likhain ang kanilang mga personal na representasyon sa pagpipinta, kung saan ang ilan ay nakakita pa ng isang bata sa mga bisig ng asul na mangangabayo. Ang pagpayag sa mga manonood na isama ang kanilang sarili sa likhang sining ay isang pamamaraan na madalas at matagumpay na ginagamit ng pintor sa kanyang mga susunod na gawa, na naging mas abstract habang umuunlad ang kanyang karera.
The Blue Horses ni Franz Marc (1911)
Si Franz Marc ay isa sa mga founding member ng Der Blaue Reiter, isang artist na para sa marami ay nagbigay ng emosyonal at sikolohikal na kahulugan sa mga kulay na ginamit niya sa kanyang trabaho, na gumagawa ng mga gawa na may mahusay na kulay at kayamanan.
Ang asul ay madalas niyang ginagamit, lalo na upang kumatawan sa pagkalalaki at espirituwalidad, nabighani din siya sa mga hayop at sa kanilang panloob na mundo, na tinatrato ang isa't isa sa isang malalim na emosyonal na paraan.
Babaeng Naka-upo na Nakataas ang mga binti (1917) ni Egon Schiele
Ipininta ni Egon Schiele ang kanyang asawang si Edith Harms noong 1917, na naglalarawan sa kanya na nakaupo sa sahig, nakapatong ang kanyang pisngi sa kanyang kaliwang tuhod. Ang kanyang maapoy na pulang buhok ay kapansin-pansing naiiba sa berdeng kulay ng kanyang kamiseta, na itinuturing na isang matapang at nagpapahiwatig na larawan, na may napakahusay na tinukoy at mapangahas na mga erotikong nuances para sa panahong iyon. Ang may-akda ng watercolor na ito ay nailalarawan sa pagkakaroon ng erotismo bilang isa sa mga pangunahing tema sa kanyang trabaho.
mga pioneer ng expressionism
Bagama't maraming mga connoisseurs sa larangan ang nagsasabing walang mas mahusay na pagpapatupad ng Expressionism kaysa sa Germany, noong dekada bago ang World War I, maraming mga artista ang lumikha ng maraming di malilimutang mga imahe at nagpasimuno ng Expressionism, na naaalala hanggang sa ating mga araw:
Van Gogh (1853-90)
Ang kilalang pintor na ito ay naglalaman ng ekspresyonismo, na may malawak na pagkakaiba-iba ng mga autobiographical na gawa, na nagsasabi sa manonood ng kanyang mga ideya, damdamin at higit sa lahat ang kanyang balanse sa isip, sa pamamagitan ng komposisyon, mga kulay at bawat brushstroke. Ang kanyang mga pagpipinta ay salamin ng kanyang mga damdamin habang ginagawa niya ang mga ito at mula noon, kakaunti na ang mga artista na katumbas o lumalapit sa kanyang intensity at originality, sa mga tuntunin ng pagpapahayag ng sarili.
Ipinanganak sa isang napakarelihiyoso na pamilya, ang kanyang ama ay isang ministrong Protestante, mula sa murang edad ay nagpakita siya ng matalas na talento sa pagguhit, ngunit hindi nagtagal, sa mga 27 taong gulang, na sa wakas ay itinuloy niya ang kanyang tunay na tungkulin bilang isang artista.
Noong 1878, ipinakita niya ang kanyang bokasyon bilang isang pari, nagsimulang mag-aral ng teolohiya, ngunit hindi nagtapos dahil sa kanyang labis na mistikal na determinasyon na sundin ang mga yapak ni Kristo. Ang kanyang pagnanais na iligtas ang mga kaluluwa at tulungan ang mga mahihirap ay humantong sa kanya upang magtrabaho bilang isang ebanghelista sa isa sa pinakamahirap na lugar ng pagmimina sa Belgium, kung saan siya ay pinatalsik noong 1880.
Kasabay nito ay nagpasya siyang maging isang pintor, isang karera na nagsimula sa moral at pinansiyal na suporta ng kanyang kapatid na si Theo, kung saan pinananatili niya ang isang tuluy-tuloy na sulat sa buong buhay niya. Ang kanyang pangunahing pinagmumulan ng inspirasyon ay mga sipi mula sa Bibliya at ang mga gawa ni Émile Zola, Victor Hugo at Charles Dickens, pati na rin ang mga pintura ni Honoré Daumier at, higit sa lahat, ang pagiging totoo ni Jean-Francois Mijo. Sinimulan niya ang kanyang buhay sa pagtatrabaho bilang isang empleyado ng Goupil Art Gallery.
Si Van Gogh ay nakaranas ng sakit at kalungkutan, na dulot ng mundong mahal na mahal niya ngunit hindi niya akalaing natanggap niya ito. Bilang isang reaksyon sa patuloy na pakiramdam na ito, ginamit niya ang sining upang lumikha ng kanyang sariling mundo, kung saan ang kulay at paggalaw ay hindi magkukulang, kung saan inilalantad niya ang lahat ng kanyang mga damdamin, na naging isa sa mga mahusay na pintor ng ekspresyonista noong ika-XNUMX na siglo. Ang kanyang kakaibang istilo ng ekspresyonistang pagpipinta ay makikita sa Van Gogh Museum sa Amsterdam at sa Kroller-Muller Museum sa Otterlo.
Paul Gauguin (1848-1903)
Kung binaluktot ni Van Gogh ang anyo at kulay upang ihatid ang kanyang panloob na damdamin, ang Pranses na pintor na ito ay umasa sa kulay upang ipahayag ang kanyang mga damdamin. Gumamit din siya ng simbolismo, ngunit ito ay ang kanyang kulay sa pintura na talagang nagpahiwalay sa kanya. Ipinanganak sa Paris noong 1848 revolution, siya ay anak ng isang liberal na mamamahayag, na tumakas sa pagkatapon pagkatapos ng kudeta noong 1851, kasama ang kanyang pamilya.
Gayunpaman, namatay siya sa paglalakbay, sa Panama, habang ang pamilya ay patungo sa Lima, Peru, kung saan sila nag-aalaga sa kanilang sarili sa loob ng apat na taon. Ang ina ni Gauguin ay anak ng sosyalistang manunulat at aktibistang Pranses na si Flora Tristán, bagaman ang kanyang mga ninuno ay mga maharlikang Peru.
Mahalagang tandaan na ang batang Gauguin ay minarkahan mula sa pagkabata ng mapanlikha at mesyanic na kapaligiran ng kanyang pamilya, na nagpapakita sa kanyang karera na ang mga kulay at imahe ng Peru ay magiging isang malakas na impluwensya. Sa edad na 7, bumalik ang pamilya sa France at lumipat sa Orleans upang manirahan kasama ang kanyang lolo. Sa kanyang kabataan ay nagtrabaho siya bilang isang apprentice pilot sa merchant navy, naglalayag sa pagitan ng South America at Scandinavia, sa Paris at hinimok ng kanyang ninong, nagsimula siya ng isang napaka-matagumpay na karera sa stockbroker na si Bertin.
Ngunit si Gauguin ay naging interesado sa sining mula noong siya ay bata pa at sa kanyang bakanteng oras ay nagsimula siyang magpinta. Ang kanyang ninong, si Arosa, ay isang kolektor ng sining at ang kanyang halimbawa at ang pagkakaibigan na itinatag ni Gauguin sa Impressionist na si Camille Pissarro ay hinikayat ang mahilig na ito na bumisita sa mga art gallery at bumili ng mga gawa ng mga umuusbong na artist, kabilang ang maraming mga Impresyonistang pagpipinta.
Binisita niya ang sikat na ngayon na impresyonistang eksibisyon noong 1874 sa Paris at naging inspirasyon niya na nagpasya siyang maging isang full-time na pintor, kaya nagsimula siyang magpinta at mag-sculpting bilang isang baguhan. Nagtrabaho siya sa Bouillot at nagpinta sa istilo nina Bonvin at Lepine. Noong 1876 nagpakita siya ng isang pagpipinta sa Salon.
Siya ay partikular na naimpluwensyahan ni Pissarro, na tumulong sa kanya sa kanyang simula bilang isang pintor at hinikayat siya na hanapin ang istilo na angkop sa kanyang ugali. Ipinakilala siya ni Pissarro kay Cézanne at nabighani siya sa kanyang istilo kaya natakot si Cézanne na nakawin niya ang kanyang mga ideya.
Nagtrabaho nang magkasama ang tatlong lalaki sa Pontoise, ngunit habang umuunlad ang kanyang sining, nagpasya si Gauguin na lumipat sa kanyang sariling studio at nakibahagi sa mga impresyonistang eksibisyon noong 1881 at 1882. Ang kanilang mga tagumpay at krisis sa pananalapi ay humantong sa kanya upang talikuran ang kanyang karera. negosyo noong 1883 upang ganap na tumutok sa pagpipinta.
Siya ay nanirahan sa Pont-Aven sa Brittany noong 1885 kung saan siya ay gumawa ng isang bagong istilo, dahil hindi siya nasisiyahan sa mga limitasyon ng Impresyonismo at hinahangad na ipahayag ang isang panloob na estado sa halip na isang mababaw na anyo.
Ang bagong istilong ito ay nangangailangan ng higit na pagtatrabaho mula sa memorya at panloob na mga imahe, sa halip na mula sa kalikasan, na sumasalungat sa impresyonistang teorya. Ito ang naging pinakamalaking inobasyon at kontribusyon ni Gauguin sa pagpipinta ng pinong sining, gamit ang isang matingkad na paleta ng kulay upang ipahayag ang damdamin sa halip na magpakita ng natural na tono. Bilang karagdagan sa Expressionism, naimpluwensyahan din niya ang pagbuo ng Synthetism at Cloisonnism sa panahon ng kanyang pananatili sa Pont-Aven.
Edward Munch (1863-1944)
Ang isa pang mahusay na pioneer ng expressionism ay ang temperamental at neurotic na Norwegian na pintor at printmaker na, sa kabila ng pagkakaroon ng matinding emosyonal na peklat sa kanyang maagang buhay, ay nabuhay nang maayos hanggang sa kanyang 80s. Halos lahat ng kanyang pinakamahusay na mga larawan ay ipininta bago ang kanyang pagkasira ng nerbiyos noong 1908.
Ipinanganak sa Loten, Norway, ang anak ng isang doktor, nagkaroon siya ng buhay na puno ng mahihirap na sandali. Noong limang taong gulang ang artista, ang kanyang ina ay namatay sa tuberculosis, isang sakit na kung saan ang kanyang nakatatandang kapatid na babae ay namatay din makalipas ang ilang taon.
Ang mga maagang trahedya na mga kaganapang ito ay ginawa ang kamatayan bilang isang mahalagang bahagi ng kanyang sining sa kalaunan. Ang alaala ng naghihingalong katawan sa ibabaw ng unan, sa tabi ng kama ang isang madilim na liwanag at ang walang buhay na baso ng tubig at isang awtoritaryan na ama na walang katapusang inulit sa kanyang mga anak na kung sila ay magkasala, sila ay hahatulan sa impiyerno nang walang awa, ay sinamahan siya maraming taon..
With this scenario and as expected, grabe ang hirap ng pamilya. Ang isa sa mga nakababatang kapatid na babae ay na-diagnose na may sakit sa pag-iisip sa murang edad at si Munch mismo ay madalas na nakakaramdam ng sakit. Sa kanyang limang kapatid na lalaki, isa lamang ang nag-asawa, ngunit namatay siya ilang buwan pagkatapos ng kasal.
Noong 1881 sumali si Munch sa Royal School of Art and Design sa Kristianind at kumuha ng mga aralin sa pagmomolde at pagguhit. Ang kanyang mga guro at maagang impluwensya ay ang Norwegian na iskultor na si Julius Middelthun at ang naturalistang pintor, may-akda at mamamahayag na si Christian Krohg.
Bagama't ipininta ni Munch ang mga tradisyonal na paksa sa kanyang buhay estudyante, mabilis niyang natuklasan ang kanyang sariling kakaibang istilo. Noong 1882 ay nagrenta siya ng sarili niyang studio kasama ang ilang iba pang mga artista at kahit na hindi na marami sa kanyang mga gawa ang natitira mula sa panahong ito, ang mga kilala ay lubos na pinahahalagahan, halimbawa ang pinamagatang Morning (1884).
Ipinamana ng artistang ito ang lahat ng kanyang gawa sa lungsod ng Oslo, isang koleksyon na binubuo ng higit sa isang libong mga kuwadro na gawa, labinlimang libong mga ukit at apat na libong mga guhit at mga watercolor. Noong 1963, binuksan ang Munch-Museet sa Oslo, isang museo na naglalaman ng lahat ng kanyang gawa at naging unang Western artist na nagpakita ng kanyang mga painting sa National Gallery sa Beijing.
Noong 2004, ang ilan sa mga pinakasikat na painting ng Munch, The Scream at The Virgin, ay ninakaw mula sa Museo ng mga armadong magnanakaw, ngunit natagpuan ng pulisya makalipas ang ilang taon. Bilang karagdagan sa Munch-Museum at National Gallery of Art sa Oslo, marami sa kanyang mga painting at print ang naka-display sa pinakamahusay na mga art museum sa Europe.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
Isang mahusay na exponent ng ekspresyonistang sining, ang Swiss Symbolist na pintor na si Ferdinand Hodler ay isinilang sa Bern noong 1853 sa isang pamilyang lubhang naapektuhan ng kahirapan. Ang kanyang ama ay isang cabinetmaker at nang ang kanyang ina ay pumanaw ay nag-asawa siyang muli ng isang pintor at dekorador, na ginawa siyang kanyang apprentice, pagkatapos ay ipinadala siya sa Thun upang magtrabaho kasama ang isang lokal na artista. Ang kanyang unang specialty ay ang conventional landscape painting, magagandang tanawin ng alpine, na ibinenta niya sa mga turista.
Sa edad na 18, nagpasya siyang palitan ang kanyang tirahan at lumakad sa Geneva, ang lungsod kung saan gugugulin niya ang halos lahat ng kanyang pang-adultong buhay at kung saan nagsimula siyang bumuo ng isang mabagal na karera bilang isang propesyonal na artista. Sa kalaunan, namatay ang mga magulang at kapatid ni Ferdinand Hodler dahil sa mga sakit, mga sitwasyon na may kapansin-pansing impluwensya sa buhay at karera ng artista, na sumasalamin sa kanyang malapit na kaugnayan sa kamatayan sa kanyang mga gawa.
James Ensor (1860-1949)
Pintor na ipinanganak sa Ostend, Belgium, ang anak ng maliliit na mangangalakal na nakaramdam ng pagkahilig sa sining mula sa murang edad. Ang kanyang mga magulang ay nagmamay-ari ng isang tindahan sa palengke kung saan nag-aalok ng mga souvenir sa mga turista, tulad ng mga maskara at maskara ng karnabal, pamaypay, keramika, mga laruan at mga bagay na kakaiba. Ang mga maluho na maskara ng karnabal at mga antiface na ginamit ni Ensor sa kanyang mga pagtatanghal ay karaniwang tampok ng mga lokal na tropa at parada noong Shrove Martes.
Noong labinlimang taong gulang lamang siya, sinimulan niya ang kanyang pag-aaral sa sining kasama ang ilang mga lokal na exponents, nag-aral din siya sa Royal Academy of Fine Arts sa Brussels, kung saan nakilala niya si Fernand Khnopff noong 1877. Nagpakita siya ng isang gawa sa unang pagkakataon noong 1881, kalaunan ay bumalik siya sa kanyang tahanan kung saan siya nakatira hanggang 1917, sa bahay ng kanyang ama. Ang kanyang mga unang gawa ay nagpapakita ng medyo klasiko at medyo madilim na istilo, tulad ng makikita sa Russian Music, The Rower at The Drunkards.
Noong 1887 ang kanyang palette ay kapansin-pansing lumiwanag, isang pagbabago na kasabay ng pagkamatay ng kanyang alkohol na ama, ang kanyang mga nasasakupan ay naging medyo surreal, na pinipiling magpinta ng mga karnabal, maskara, kalansay at puppet, kadalasang nakasuot ng mga costume sa maliwanag at nagpapahayag na mga kulay.
Naimpluwensyahan ng mga gawa ni James Ensor ang kilusang Dadaist at Surrealism, lalo na ang gawain ni Jean Dubuffet. Noong taong 2009, ang Museo ng Makabagong Sining sa New York na kilala bilang MoMA ay nag-organisa ng isang malaking pagbabalik-tanaw sa kanyang trabaho. Ngayon ang kanyang mga pagpipinta ay makikita sa ilan sa mga pinakamahusay na museo ng sining sa mundo, lalo na sa Museum of Fine Arts sa Antwerp.
Expressionism sa ibang mga sining
Ang Expressionism ay isang kultural na kilusan na nagmula sa Germany sa pagtatapos ng ika-XNUMX na siglo at umabot sa tugatog nito noong ika-XNUMX siglo. Bagama't higit na pinahahalagahan ang ekspresyonismo sa pagpipinta, ipinakita rin ito sa iba pang mga disiplina tulad ng panitikan, sinehan, musika, iskultura, litrato, arkitektura, at iba pa.
expressionism sa musika
Bagama't inuuri ng ilan ang kompositor na si Arnold Schoenberg bilang isang expressionist dahil sa kanyang kontribusyon sa almanac der Blaue Reiter, ang musikal na expressionism ay tila natagpuan ang pinaka-natural na outlet nito sa opera. Kabilang sa mga pinakaunang halimbawa ng gayong mga akdang ekspresyonista ay ang mahuhusay na operatikong presentasyon ni Paul Hindemith ng drama ni Kokoschka, Mörder, Hoffnung der Frauen (Murderer, Women's Hope) (1919) at August Stramm's Sancta Susanna (1922), na tumatalakay sa isyu ng sekswalidad.
Gayunpaman, ang pinaka-kilalang expressionist opera ay dalawa ni Alban Berg: Wozzeck, na gumanap noong 1925 at Lulu, hindi gumanap nang buo hanggang 1979, parehong may malalim at katangiang pagkahilig sa drama.
expressionism sa pelikula
Malakas na naiimpluwensyahan ng expressionist stage art, maraming mga artista ang naglalayong ihatid sa pelikula, sa pamamagitan ng dekorasyon, ang subjective na estado ng pag-iisip ng pangunahing tauhan. Ang pinakasikat sa mga pelikulang ito ay ang kay Robert Wiene, Ang Gabinete ni Dr. Caligari (1920), kung saan ikinuwento ng isang baliw ang kanyang ideya at pananaw kung paano siya nakarating sa asylum. Ang mga maling hugis na mga kalye at mga gusali sa set ay mga projection ng sarili nilang uniberso at ang iba pang mga character ay na-abstract sa pamamagitan ng makeup at pananamit sa mga visual na simbolo.
Ito ay isang pelikula kung saan ang horror, banta, pagkabalisa at drama ay napukaw, ang pag-iilaw ng mga anino at kakaibang grupo ay naging isang istilong modelo para sa mga ekspresyonistang pelikula para sa ilang mga pangunahing direktor ng Aleman.
Ang bersyon ni Paul Wegener ng golem (1920), ni F. W. Murnau kasama si Nosferatu: Isang Symphony of Horror (1922) at Fritz Lang kasama ang tahimik na produksyon na Metropolis (1927), bukod sa iba pang mga pelikula, ay nagpapakita ng mga pessimistic na pangitain ng social collapse o tuklasin ang nagbabantang duality ng kalikasan ng tao at ang kapasidad nito para sa napakalaking personal na kasamaan.
expressionism sa iskultura
Sa eskultura ito ay binubuo pangunahin ng mga marahas na pagbabago sa paraan ng tradisyonal na iskultura, sa halip na sa isang partikular at pare-parehong istilo. Ang ekspresyonismo ay popular din sa eskultura, na may mga kilalang exponents ay ang wood carver na sina Ernst Barlach at Wilhelm Lehmbruck. Sa paligid ng 1920 ito ay nagmula ng higit sa anumang bagay sa abstractionism, sa paghahanap ng isang pagpapalaya ng mga anyo na magbibigay ng ganap sa masining na pagpapahayag.
Tulad ng para sa iskultura sa abstract expressionism, ilang mga sculptor ay isang mahalagang bahagi din ng kilusan, kabilang sina David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois at Louise Nevelson, itinuring ding mahahalagang miyembro ng kilusan.
Tulad ng abstract expressionist painting, ang sculptural work ng kilusan ay naimpluwensyahan ng surrealism at ang diin nito sa spontaneous o subconscious na paglikha. Ang abstract expressionist sculpture ay mas interesado sa proseso kaysa sa produkto, na maaaring maging mahirap na makitang makilala ang mga gawa sa aesthetics lamang, kaya mahalagang isaalang-alang kung ano ang sasabihin ng artist tungkol sa kanilang proseso.
Ang isang halimbawa ay ang mga eskultura ni David Smith, na naghangad na ipahayag ang dalawang-dimensional na mga paksa na hanggang ngayon ay hindi pa naipaliwanag sa tatlong dimensyon. Ang kanyang mga gawa ay masasabing lumabo ang mga hangganan sa pagitan ng eskultura at pagpipinta, kadalasang gumagamit ng maganda at maselan na tracery kaysa sa mga solidong anyo, na may dalawang-dimensional na anyo na sinira sa tradisyonal na ideya ng iskultura sa bilog.
ekspresyonismo sa panitikan
Ang ekspresyonismo sa panitikan ay umusbong bilang isang makabagong reaksyon laban sa materyalismo, kampante na burges na kaunlaran, dominasyon ng pamilya sa loob ng lipunang Europeo bago ang World War I, at mabilis na mekanisasyon at urbanisasyon.
Ito ang nangingibabaw na kilusang pampanitikan sa Alemanya sa panahon at kaagad pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig. Sinubukan ng mga manunulat na ekspresyonista na ihatid ang kanilang mga ideya at panlipunang protesta sa pamamagitan ng isang bagong istilo.
Ang kanilang pag-aalala ay tungkol sa mga pangkalahatang katotohanan sa halip na mga partikular na sitwasyon, ginalugad nila sa kanilang mga gawa ang mga paghihirap ng mga kinatawan na simbolikong uri kaysa sa ganap na binuo na mga indibidwal na karakter.
Ang diin ay hindi sa labas ng mundo, na kung saan ay binalangkas lamang at halos hindi tinukoy sa lugar o oras, ngunit sa loob, sa estado ng pag-iisip ng isang indibidwal, kaya nga, sa expressionist drama, ang interes ay sa pagpukaw ng mga mood.
Ang pangunahing tauhan sa isang akdang ekspresyonista ay madalas na nagpapahayag ng kanyang mga paghihirap sa mahahabang monologo na ipinapahayag sa puro, elliptical, at maigsi na wika na nagsasaliksik sa espirituwal na karamdaman ng kabataan, ang kanilang pag-aalsa laban sa mas lumang henerasyon, at ang iba't ibang politikal o rebolusyonaryong solusyon na ginagawa. hinanap.naghaharap sila. Ang panloob na pag-unlad ng pangunahing karakter ay ginalugad sa pamamagitan ng isang serye ng maluwag na naka-link na mga tableau, kung saan siya ay nagrerebelde laban sa mga tradisyonal na halaga at naghahanap ng isang mas mataas na espirituwal na pananaw sa buhay.
Sina August Strindberg at Frank Wedekind ay mga kilalang nangunguna sa dramang ekspresyonista, ngunit ang unang kinikilalang akdang ekspresyonista ay ang kay Reinhard Johannes Sorge, der Bettler (The Beggar), isinulat noong 1912 at unang itinanghal noong 1917. Ang iba pang nangungunang manunulat ng dula sa kilusang ito ay sina Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever, at Reinhard Goering, na pawang mga Aleman.
Ang ekspresyonistang istilo sa tula ay lumitaw nang magkatabi kasama ang dramatikong katapat nito, sa parehong di-referential na istilo at naggalugad sa isang mataas at kamangha-manghang liriko, katulad ng isang himno. Ang pinasimpleng tula na ito, gamit ang isang malaking bilang ng mga pangngalan, ilang adjectives at infinitive verbs, ay nagbago ng salaysay at paglalarawan na sinusubukang makuha ang kakanyahan ng damdamin.
Kabilang sa mga pinaka-maimpluwensyang makatang ekspresyonista ay ang mga German na sina Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl at Else Lasker-Schüler, at ang makatang Czech na si Franz Werfel. Ang tema na pinaka-tinutugunan sa mga ekspresyonistang taludtod ay ang katakutan ng buhay sa kalunsuran at ang apocalyptic na mga pangitain ng pagbagsak ng sibilisasyon.
Ang ilang mga makata ay lubos na pesimistiko at kontento sa mga pagpapahalagang burgis, habang ang iba ay mas nababahala sa repormang pampulitika at panlipunan, na hayagang nagpapahayag ng pag-asa para sa darating na rebolusyon. Sa labas ng Germany, ang mga manunulat ng dula na gumamit ng mga diskarte sa dramatikong ekspresyonista ay kinabibilangan ng mga Amerikanong may-akda na sina Eugene O'Neill at Elmer Rice.
ekspresyonismo sa arkitektura
Ang arkitektura ng expressionist ay ipinaglihi at idinisenyo upang pukawin ang matinding damdamin at emosyon. Ang mga gusaling ginawa sa istilong ito ay gumawa ng pahayag noong panahong iyon at namumukod-tangi sa mga nakapalibot na istruktura.
Ang mga arkitekto ay kadalasang gumagamit ng hindi pangkaraniwang, baluktot na mga hugis at isinama ang ganap na orihinal na mga diskarte sa pagtatayo, na gumagamit ng mga materyales tulad ng ladrilyo, bakal, at salamin. Ang ilan ay nakamit ang mahusay na tagumpay at namumukod-tangi sa kanilang panahon, bukod sa kung saan maaari nating banggitin sina Walter Gropius at Bruno Taut, na nagdisenyo ng mga kahanga-hangang gusaling ekspresyonista.
Sa kasamaang palad, marami sa mga istruktura ay hindi kailanman naitayo at umiiral lamang sa papel. Sa mga nagawang magkatotoo, ang ilan ay pansamantala at ang iba ay hindi nakaligtas hanggang sa kasalukuyan, gayunpaman, maraming mga kamangha-manghang halimbawa ng arkitektura ng ekspresyonista ang makikita ngayon, lalo na sa Alemanya.
Expressionism-inspired na mga istilo
Ang ekspresyonismo ay hindi eksaktong isang pare-parehong kalakaran o kilusan, dahil pinagsama-sama nito ang iba't ibang uri ng mga istilo at siya namang nagbunga o nakaimpluwensya sa marami pang iba, pati na rin ang napakahalagang mga paggalaw sa sining at kultura.
Abstract Expressionism
Habang pinalitan ng New York ang Paris bilang sentro ng inobasyon sa modernong sining, muling isinilang ang istilong ekspresyonista bilang abstract expressionism noong unang bahagi ng XNUMXs.
Sa Estados Unidos, lumakas ito sa mga tinatawag na action painters na pinamumunuan nina Jackson Pollock at Willem De Kooning at ang mga color field painters, tulad nina Mark Rothko, Barnett Newman, at Clyfford Still. Higit na mas abstract kaysa expressionist, ang bagong paaralang ito ay may maliit na nasasalat na koneksyon sa estilo ng ekspresyonista noong unang bahagi ng ika-XNUMX siglo.
matalinghagang ekspresyonismo
Bagama't pinangungunahan ng abstraction ang sining pagkatapos ng digmaang Amerikano at Europa, sikat pa rin ang representasyong ekspresyonismo sa Australia noong 1940s at 1950s, gaya ng ipinakita ng mga gawa ng mga artista tulad nina Russell Drysdale at Sidney Nolan. .
Ito ay malapit na nauugnay sa Nordic at Germanic na mundo, na may mga ugat sa sinaunang mundo ng bansang Aleman at ang romantikong kilusan ng ikalabinsiyam na siglo. Subukang kumatawan sa katotohanan na may ibang at personal na pananaw
neo-ekspresyonismo
Ang huling muling pagbabangon ng kilusang ekspresyonista ay naganap noong dekada 1970 sa Estados Unidos, Great Britain, Germany, Italy at France, sa ilalim ng pangalan ng neo-expressionism. Pangunahing nakikita bilang isang reaksyon sa minimalism at konseptwal na sining noong XNUMXs, ang mga pangunahing exponent nito ay kinabibilangan ng:
- Philip Guston at Julian Schnabel (USA)
- Paula Rego at Christopher Le Brun (Great Britain)
- Ang neo-expressionist na paaralan na kilala bilang Neue Wilden (New Fauves) na kinabibilangan nina: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler at iba pa. (Germany)
- Transavanguardia (Beyond the avant-garde) at mga tampok na artista tulad nina Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria at Mimmo Paladino. (Italy)
- Figuration Libre, nabuo noong 1981 nina Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas at Herve de Rosa. (France)
Kung nagustuhan mo ang artikulong ito, inaanyayahan ka naming kumunsulta sa iba pang mga kawili-wili sa aming blog: