รู้ว่าศิลปะหลังสมัยใหม่ประกอบด้วยอะไร

คิดค้นโดยผู้สร้างและผู้ติดตามว่าเป็นกระแสศิลปะในวงกว้างที่สะท้อนการค้นหาความหมายใหม่โดยศิลปินร่วมสมัย ศิลปะหลังสมัยใหม่  คือคำตอบในการค้นหาวิกฤตวัฒนธรรมคลาสสิกครั้งนี้

ศิลปะหลังสมัยใหม่

เป็นที่เชื่อกันว่าในศตวรรษที่ XNUMX สิ่งที่เรียกว่า "ความตายของปัจจัยพื้นฐานขั้นสูง" เกิดขึ้น: พระเจ้า มนุษย์ และนักประพันธ์ กล่าวอีกนัยหนึ่ง ฐานทางศาสนาสั่นสะเทือน เกิดวิกฤตทางความคิดที่เห็นอกเห็นใจ และผู้สร้างเปลี่ยนจากการสร้างสิ่งใหม่มาเป็นการคิดทบทวนสิ่งเก่า

ลัทธิหลังสมัยใหม่ในงานศิลปะเป็นส่วนหนึ่งของกระแสโลกที่ได้รับการยอมรับจากวัฒนธรรมและปรัชญาโลก ลัทธิโปสตมอเดร์นิซึมไม่ใช่รูปแบบเดียว แต่เป็นทิศทางที่ซับซ้อน ซึ่งรวมกันเป็นหนึ่งโดยพื้นฐานทางอุดมการณ์ร่วมกัน หลายคนถึงกับทะเลาะกัน

Postmodernism เป็นคำที่มาจากภาษาฝรั่งเศส (postmodernisme) ชื่อนี้สะท้อนให้เห็นถึงความหมายของทิศทางที่แทนที่ศิลปะแห่งยุคสมัยใหม่ (เพื่อไม่ให้สับสนกับสมัยใหม่) ในช่วงปลายศตวรรษที่ XNUMX และต้นศตวรรษที่ XNUMX ขบวนการสมัยใหม่ (หรือเปรี้ยวจี๊ด) ได้ส่งผลกระทบต่อศิลปะคลาสสิกอย่างมาก แต่ผู้สร้างก็ค่อยๆ เลิกพอใจกับแนวทางสมัยใหม่

ขนานกับการพัฒนาทางเทคโนโลยีใหม่ ๆ มากมาย ลัทธิหลังสมัยใหม่ได้นำไปสู่การทดลองทางศิลปะกับสื่อใหม่และรูปแบบศิลปะใหม่ ๆ มาเกือบห้าทศวรรษรวมถึงศิลปะแนวความคิด การแสดงประเภทต่างๆ และการติดตั้งงานศิลปะ และกระแสคอมพิวเตอร์เช่น deconstructivism และเทคโนโลยี ของการฉายภาพ .

ลักษณะของลัทธิหลังสมัยใหม่

Jean-François Lyotard และนักทฤษฎีอื่น ๆ อธิบายรากฐานทางจิตวิญญาณของความทันสมัยว่าเป็นความเชื่อที่ไม่สั่นคลอนในความก้าวหน้าอย่างต่อเนื่องของการอัดแน่นรายละเอียดของโลกและแนวทางทีละน้อยสู่ความรู้ที่สมบูรณ์แบบ ระบบเผด็จการของศตวรรษที่ XNUMX ทำให้เสื่อมเสียชื่อเสียงอย่างถาวรของแบบจำลองดังกล่าว

ต่อไปนี้คือเหตุผลของความจำเป็นในการนิยามลัทธิหลังสมัยใหม่ว่าเป็นการหยุดพักอย่างมีสติกับความทันสมัย ลัทธิโปสตมอเดร์นิซึมไม่เพียงปฏิเสธความเชื่อสมัยใหม่ที่กำลังก้าวหน้า แต่ยังรวมถึงการมีอยู่ของความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์ที่เข้าใจได้ ทฤษฎีและสุนทรียศาสตร์หลังสมัยใหม่ถือว่าความรู้ทั้งหมด การรับรู้ทั้งหมด และทุกด้านของจิตสำนึกและการดำรงอยู่อยู่ภายใต้สัมพัทธภาพ แนวคิดหลักของลัทธิหลังสมัยใหม่คือพหุนิยม

ความปรารถนาของความทันสมัยในการสร้างสรรค์สิ่งใหม่ ๆ อย่างต่อเนื่อง และวิธีการทางศิลปะที่ใช้ในการบรรลุเป้าหมายนั้น ถูกมองว่าเป็นแบบอัตโนมัติ เป็นที่ยอมรับ และล้าสมัยในลัทธิหลังสมัยใหม่ หลักการที่ว่าไม่มีอะไรใหม่สามารถสร้างขึ้นได้ทำให้การใช้ใบเสนอราคาเป็นคุณลักษณะโวหารที่สำคัญของศิลปะหลังสมัยใหม่

ความต้องการความเปิดกว้างในแนวความคิดของศิลปะและงานศิลปะแต่ละชิ้นทำให้เกิดความเป็นไปได้ที่แทบจะไร้ขีดจำกัดในด้านหนึ่ง: ลัทธิหลังสมัยใหม่เปิดกว้างของรูปแบบการแสดงออกใหม่ๆ ที่หลากหลายโดยการข้ามขอบเขตของประเภท

เทคนิคที่ใช้บ่อยในยุคหลังสมัยใหม่คือการจับแพะชนแกะ คำนี้ประกาศเกียรติคุณในช่วงต้นศตวรรษที่ XNUMX สำหรับสติกเกอร์ Dada นั้นกว้างกว่ามากในยุคหลังสมัยใหม่ ซึ่งรวมถึงตัวอย่างเช่น การติดตั้งขนาดใหญ่ เทคนิคภาพยนตร์ หรือกระบวนการแต่งเพลง

ผู้เขียนอย่าง Umberto Eco (ชื่อแห่งดอกกุหลาบ) สถาปนิกอย่าง Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Vienna) และศิลปินอย่าง Keith Haring พยายามเชื่อมช่องว่างระหว่างความเข้าใจของชนชั้นสูงในศิลปะและวัฒนธรรมมวลชน สิ่งนี้ก็เช่นกันเป็นส่วนสำคัญของสุนทรียศาสตร์หลังสมัยใหม่

งานหลังสมัยใหม่จำนวนมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในศิลปะการแสดง ไม่ต้องการถูกเข้าใจว่าเป็นผลลัพธ์ที่สมบูรณ์แบบ แต่เป็นการจัดเรียงแบบทดลอง การนำเสนอจะไม่เป็นชิ้นเป็นอัน (วรรณกรรม: Roland Barthes, Fragments of a language of love) หรืองานที่กำลังดำเนินการ (โรงละครเต้นรำ: William Forsythe, บทละครของ Scott) ในขั้นตอนต่างๆ ของการพัฒนา

นักวิจารณ์ศิลปะให้คำตอบที่แตกต่างกันสำหรับคำถามว่าลัทธิหลังสมัยใหม่คืออะไรในการวาดภาพ เนื่องจากวัฒนธรรมหลังสมัยใหม่เป็นปรากฏการณ์ที่มีหลายแง่มุมและไม่มีรากฐานทางอุดมการณ์ที่ชัดเจน ลัทธิหลังสมัยใหม่ไม่ได้สร้างศีลสากล นอกจากนี้ พวกเขาปฏิเสธที่จะสร้างตามหลักการ บางทีค่านิยมพื้นฐานเพียงอย่างเดียวที่ประกาศโดยผู้สนับสนุนแนวโน้มนี้คือเสรีภาพในการแสดงออกที่ไม่สิ้นสุด

ลัทธิหลังสมัยใหม่ไม่ใช่การเคลื่อนไหว แต่เป็นวิธีคิดทั่วไป ดังนั้นจึงไม่มีรายการลักษณะเฉพาะที่กำหนด "ศิลปะหลังสมัยใหม่" อย่างไรก็ตาม มีคุณลักษณะหลายประการที่เป็นลักษณะของศิลปะหลังสมัยใหม่:

• อิสระที่ไม่จำกัดและแน่นอนของศิลปินในการเลือกวิธีการแสดงออก
• คิดทบทวนภาพแบบดั้งเดิม รวมทั้งภาพเหล่านั้นในบริบทใหม่ (ด้วยเหตุนี้จึงมีการเผยแพร่ภาพที่สร้างขึ้นใหม่ การตีความ คำพูดเชิงศิลปะ เงินกู้ การพาดพิงอย่างกว้างขวาง)
• Syncretism กล่าวคือ การผสมผสานขององค์ประกอบต่าง ๆ เข้าด้วยกันเป็นชิ้นเดียว ซึ่งบางครั้งก็ขัดแย้งกันเอง (เช่น การใช้สไตล์ที่แตกต่างกันโดยศิลปินในภาพวาด หรือแม้แต่การผสมผสานระหว่างภาพวาดกับศิลปะประเภทอื่น)
• บทสนทนา กล่าวคือ การดูตัวแบบจากมุมที่ต่างกัน จากตำแหน่งของ «เสียง» ที่แตกต่างกัน ซึ่งในที่สุดก็สร้าง «ซิมโฟนี» แบบโพลีโฟนิก
• แบบการนำเสนอผลงาน ขอเชิญผู้ชมร่วมงานอย่างมีความหมาย
• ธรรมชาติที่น่าตกใจของความคิดสร้างสรรค์
• ประชดและประชดตัวเองของผู้เขียน ศิลปินเริ่มสงสัยใน "แนวคิดที่ยิ่งใหญ่" มากขึ้น (เช่น ความก้าวหน้าทั้งหมดนั้นดี)
• ลัทธิโปสตมอเดร์นิซึมเป็นการแสดงออกถึงความผิดหวังในวงกว้างเกี่ยวกับชีวิตและพลังของระบบค่านิยมและ/หรือเทคโนโลยีที่มีอยู่เพื่อนำมาซึ่งการเปลี่ยนแปลงในเชิงบวก ส่งผลให้อำนาจ ประสบการณ์ ความรู้ และแรงจูงใจเสื่อมเสียชื่อเสียง
• ศิลปะสมัยใหม่ไม่เพียงแต่มองว่าเป็นชนชั้นสูงเท่านั้น แต่ยังมองว่าเป็นสีขาว (ในแง่ของสีผิว) ที่ครอบงำโดยผู้ชาย และไม่สนใจชนกลุ่มน้อย นี่คือเหตุผลที่ศิลปะหลังสมัยใหม่สนับสนุนศิลปะโดยศิลปินระดับโลกที่สาม สตรีนิยม และชนกลุ่มน้อย

ศิลปะสมัยใหม่หลังสมัยใหม่ ร่วมสมัย และตอนปลาย

ตามกฎทั่วไปแล้ว ศิลปะหลังสมัยใหม่และศิลปะร่วมสมัยถูกใช้ในความหมายเดียวกันไม่มากก็น้อย อย่างไรก็ตาม จากมุมมองทางเทคนิค ศิลปะหลังสมัยใหม่หมายถึง "หลังความทันสมัย" และหมายถึงช่วงเวลาคงที่ที่เริ่มต้นราวๆ ปี 1970 ในขณะที่ศิลปะร่วมสมัยหมายถึงช่วงเวลาที่เปลี่ยนแปลงไปประมาณห้าสิบปีก่อนปี XNUMX เป็นหลัก ปัจจุบัน

ปัจจุบันสองช่วงเวลานี้ตรงกัน แต่ในปี 2050 ศิลปะหลังสมัยใหม่ (เช่น ระหว่างปี 1970-2020) อาจถูกแทนที่ด้วยยุคอื่น อย่างไรก็ตาม ศิลปะร่วมสมัยก็ครอบคลุมระยะเวลาจนถึงปีนั้น

ในทัศนศิลป์ คำว่า late modern หมายถึงการเคลื่อนไหวหรือแนวโน้มที่ปฏิเสธแง่มุมหนึ่งของศิลปะสมัยใหม่ แต่อย่างอื่นยังคงอยู่ในประเพณีของความทันสมัย รูปแบบต่างๆ เช่น Abstract Expressionism (1948-65) ได้รับการฝึกฝนโดยศิลปินสมัยใหม่หัวรุนแรงจำนวนหนึ่ง รวมทั้ง Jackson Pollock และ Willem De Kooning ซึ่งต่อต้านธรรมเนียมปฏิบัติที่เป็นทางการของภาพเขียนสีน้ำมันหลายแบบ

ถึงกระนั้น ทั้ง Pollock และ de Kooning ก็ไม่สามารถทำอะไรเช่น Erased De Kooning Drawing ของ Rauschenberg ได้ เนื่องจากทั้งคู่ต่างก็เชื่อมั่นในแนวคิดเรื่องความถูกต้องและความหมาย

ประวัติศาสตร์ศิลปะหลังสมัยใหม่

รูปแบบศิลปะที่สำคัญรูปแบบแรกหลังยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือศิลปะเชิงวิชาการ สอนโดยอาจารย์ในสถานศึกษา ในงานศิลปะเชิงวิชาการ รูปแบบและกระแสน้ำมากมายมาบรรจบกัน เช่น ความคลาสสิกและความโรแมนติก ตั้งแต่ปี พ.ศ. 1870 ด้วยการมาถึงของอิมเพรสชั่นนิสม์ศิลปะสมัยใหม่ก็เกิดขึ้น ลักษณะแรกเกิดขึ้นราวปี 1970 ซึ่งปัจจุบันสรุปเป็นศิลปะหลังสมัยใหม่

ศิลปะสมัยใหม่ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับศตวรรษที่ 1870-1970 ตั้งแต่อิมเพรสชั่นนิสม์ไปจนถึงป๊อปอาร์ตเป็นต้น แม้จะมีภัยพิบัติระดับโลกหลายครั้ง (สงครามโลกครั้งที่ XNUMX, ไข้หวัดใหญ่, Wall Street Crash และ Great Depression) ที่บ่อนทำลายความแน่นอนทางศีลธรรมหลายประการของวัน ศิลปินสมัยใหม่มักยังคงเชื่อในกฎทางวิทยาศาสตร์พื้นฐานของธรรมชาติ เหตุผลและเหตุผล คิด.

โดยทั่วไป เช่นเดียวกับชาวตะวันตกส่วนใหญ่ในสมัยนั้น พวกเขาเชื่อว่าชีวิตมีความหมาย ความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์นั้นเป็นไปในเชิงบวกโดยอัตโนมัติ ว่าคริสเตียนตะวันตกเหนือกว่าส่วนอื่นๆ ของโลก ผู้ชายเหนือกว่าผู้หญิง ลัทธิสมัยใหม่ยังเชื่อในความหมาย ความเกี่ยวข้อง และความก้าวหน้าของศิลปะ โดยเฉพาะอย่างยิ่งงานวิจิตรศิลป์และสถาปัตยกรรม

ตามรอยเท้าของเลโอนาร์โดและไมเคิลแองเจโล พวกเขาเชื่อในศิลปะชั้นสูง ศิลปะที่ยกระดับและสร้างแรงบันดาลใจให้กับผู้ชมที่มีการศึกษา ไม่ใช่ "ศิลปะระดับต่ำ" ที่สร้างความบันเทิงให้คนทั่วไปเท่านั้น พวกเขาใช้แนวทางที่ก้าวหน้าและมองว่าศิลปะเป็นสิ่งที่ควรมีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง โดยได้รับคำแนะนำจากกลุ่มศิลปินแนวหน้า

สงครามโลกครั้งที่สองและความหายนะทำให้ทุกอย่างกลับหัวกลับหาง จู่ๆ ปารีสก็ถูกแทนที่โดยนิวยอร์กในฐานะเมืองหลวงของโลกศิลปะ ผลพวงของความโหดร้ายของสงคราม ทันใดนั้นศิลปะเชิงเปรียบเทียบทั้งหมดก็ดูเหมือนไม่เกี่ยวข้อง ดังนั้นจิตรกรสมัยใหม่จึงหันไปใช้ศิลปะนามธรรมเพื่อแสดงความเป็นตัวของตัวเอง

น่าแปลกที่โรงเรียนนิวยอร์กซึ่งมีภาพเขียนของแจ็คสัน พอลล็อค และภาพเขียนสีที่สงบกว่าของมาร์ค รอธโก ได้ส่งเสริมการฟื้นคืนชีพชั่วคราวในงานศิลปะทั้งสองด้านของมหาสมุทรแอตแลนติกในปี 1950 จิตรกรล้ำสมัยประสบความสำเร็จในการกำหนดขอบเขตของนามธรรม จิตรกรรม แต่ยังอยู่ในขอบเขตของความทันสมัย พวกเขาเชื่อในการสร้างผลงานศิลปะที่แท้จริงและเสร็จสิ้นพร้อมเนื้อหาที่สำคัญ

แต่ความทันสมัยกำลังจะสิ้นสุดลงอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ การเปิดเผยที่เพิ่มขึ้นของ Shoah การทดสอบระเบิดปรมาณู วิกฤตการณ์ขีปนาวุธคิวบา และสงครามเวียดนาม ทำให้ผู้คนไม่แยแสกับชีวิตและศิลปะมากขึ้น

Jasper Johns และ Robert Rauschenberg ได้ผลิตผลงานชิ้นแรกในยุคหลังสมัยใหม่ของ Neo-Dada และ Pop Art ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ในไม่ช้า Pop Art กระแสหลักก็จะนำไปสู่ศิลปะหลังสมัยใหม่ด้วยเช่นกัน เนื่องจากเครือข่ายโทรทัศน์ของอเมริกามุ่งเน้นไปที่ Tet Offensive ในปี 1968 และความวุ่นวาย อนุสัญญาแห่งชาติประชาธิปไตย พ.ศ. 1968.

จากกาลเวลาในประวัติศาสตร์ศิลปะนี้ ทัศนคติต่อศิลปะของศิลปินและสาธารณชนก็สามารถสร้างขึ้นได้ ศิลปินและผู้ชมในปัจจุบันไม่ได้ถูกกำหนดโดยแนวคิดเก่าของสถาบันสอนและบริจาคว่าศิลปะคืออะไรและศิลปะเป็นอย่างไร ความเป็นไปได้และการประยุกต์ใช้งานศิลปะมีความหลากหลายมากขึ้นโดยไม่ต้องบังคับตัวเองให้เป็นเครื่องรัดตัว

สถาปัตยกรรมสมัยใหม่ได้รับอิทธิพลจากความปรารถนาที่จะสร้างรูปแบบใหม่ที่สมบูรณ์แบบสำหรับผู้ชายสมัยใหม่ สถาปนิกต้องการลบการอ้างอิงทางประวัติศาสตร์ทั้งหมดและสร้างสิ่งใหม่ทั้งหมด สิ่งนี้นำไปสู่รูปแบบสากล (ประมาณ พ.ศ. 1920-1970) การออกแบบที่เรียบง่ายและสม่ำเสมอ

โชคดีที่ประมาณปี 1970 สถาปนิกหลังสมัยใหม่เริ่มฟื้นฟูสถาปัตยกรรมสมัยศตวรรษที่ XNUMX โดยการออกแบบโครงสร้างที่มีคุณลักษณะที่น่าสนใจซึ่งมาจากวัฒนธรรมสมัยนิยมและรูปแบบสถาปัตยกรรมแบบดั้งเดิมมากขึ้น โครงสร้างที่ดูเหมือนจะหลบเลี่ยงแรงโน้มถ่วงยังเกิดขึ้นได้ด้วยความเป็นไปได้ใหม่ๆ ที่ควบคุมด้วยคอมพิวเตอร์ภายในกรอบของ deconstructivism

ขบวนการหลังสมัยใหม่เริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในปี 1960 และ 1970 แต่เงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการเกิดขึ้นนั้นเกี่ยวข้องกับวิกฤตโลกทัศน์ที่เกิดขึ้นเมื่อนานมาแล้ว ในหมู่พวกเขา: วิทยานิพนธ์ของ Spengler เกี่ยวกับความเสื่อมโทรมของยุโรป; การล่มสลายของจิตสำนึกสาธารณะเนื่องจากสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง การปรากฎในศาสตร์แห่งความคิดเกี่ยวกับความไม่สอดคล้องและความคลุมเครือของระเบียบโลก (ตั้งแต่เรขาคณิตที่ไม่ใช่แบบยุคลิดไปจนถึงฟิสิกส์ควอนตัม)

คำว่าหลังสมัยใหม่ถูกใช้ไปแล้วในปลายศตวรรษที่ 1950 และจากนั้นก็เพิ่มมากขึ้นในต้นศตวรรษที่ 1970 แต่เฉพาะในทศวรรษ 1979 เท่านั้นในแง่ของความหมายในปัจจุบัน ในช่วงปลายทศวรรษ XNUMX ผู้เขียนสองคนมีส่วนสำคัญในการสร้างคำนี้ให้เป็นคำประจำ: Jean-François Lyotard กับผลงาน La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, XNUMX) และ Charles Jencks พร้อมบทความเรื่อง The Rise of Postmodern Architecture

ด้วยการแนะนำของคำว่าหลังสมัยใหม่ ความทันสมัยถูกกำหนดเป็นครั้งแรกว่าเป็นยุคประวัติศาสตร์แบบปิด (เช่นสมัยโบราณหรือยุคกลางก่อนหน้านั้น) ยุคหลังสมัยใหม่ได้กลายเป็นศัพท์โวหาร โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านสถาปัตยกรรม

ลัทธิหลังสมัยใหม่สรุปว่าโลกสมัยใหม่ไม่สามารถอธิบายได้ภายในกรอบของแนวทางคลาสสิกในด้านปรัชญา วิทยาศาสตร์ และวัฒนธรรม ดังนั้นวิธีศิลปะแบบคลาสสิกจึงไม่เพียงพอต่อการอธิบาย

การใช้เทคโนโลยี

ยุคของศิลปะหลังสมัยใหม่ใกล้เคียงกับการนำเทคโนโลยีภาพใหม่ๆ มาใช้ (เช่น โทรทัศน์ วิดีโอ อินเทอร์เน็ต และอื่นๆ) และได้รับประโยชน์อย่างมากจากเทคโนโลยีเหล่านี้ รูปแบบวิดีโอและการถ่ายภาพแบบใหม่ลดความสำคัญของศิลปะการวาดภาพลง และการดัดแปลงเทคโนโลยีใหม่ทำให้ศิลปินสามารถร่นขั้นตอนดั้งเดิมในการสร้างสรรค์งานศิลปะได้ แต่ยังคงสร้างสรรค์สิ่งใหม่ๆ

การเคลื่อนไหวและรูปแบบศิลปะหลังสมัยใหม่

จนถึงขณะนี้ยังไม่มีการเคลื่อนไหวทางศิลปะระหว่างประเทศที่สำคัญในศิลปะหลังสมัยใหม่ ในยุคนั้นเห็นกระแสน้ำที่แคบและแปลเป็นภาษาท้องถิ่นจำนวนเพิ่มขึ้น ตลอดจนรูปแบบศิลปะใหม่ทั้งหมด เช่น วิดีโอและการวาดภาพคำ

นอกจากนี้ยังมีกลุ่มศิลปะหลายสิบกลุ่ม เช่นเดียวกับศูนย์ต่อต้านหลังสมัยใหม่หรือสองแห่ง ซึ่งสมาชิกได้พยายามสร้างงานศิลปะประเภทที่ Michelangelo หรือ Picasso ภาคภูมิใจ

ตั้งแต่ neo-dadaism ลัทธิหลังสมัยใหม่ชอบที่จะผสมผสานสิ่งต่าง ๆ หรือนำองค์ประกอบใหม่มาสู่รูปแบบดั้งเดิมเพื่อสร้างการผสมผสานใหม่ เฟอร์นันโด โบเตโรวาดภาพดั้งเดิมของร่างอ้วน เกออร์ก เบสลิทซ์ วาดภาพร่างกลับหัว

Gerhard Richter ผสมผสานศิลปะของกล้องเข้ากับภาพวาดในภาพวาดจากภาพถ่ายของเขาในปี 1970 ในขณะที่ Jeff Koons ผสมผสานภาพที่เน้นผู้บริโภคเข้ากับเทคนิคการแกะสลักที่ซับซ้อนเพื่อสร้างงานประติมากรรมสแตนเลสของเขา

Andreas Gursky ผสมผสานการถ่ายภาพกับภาพที่สร้างด้วยคอมพิวเตอร์เพื่อสร้างผลงานเช่น Rhein II ในขณะที่ Jeff Wall ใช้การตัดต่อภาพแบบดิจิทัลในการสร้างสรรค์ภาพหลังสมัยใหม่ของเขา

ไม่มีความเห็นเป็นเอกฉันท์ในหมู่นักวิจารณ์ศิลปะว่ารูปแบบศิลปะใดที่สามารถจัดเป็นศิลปะหลังสมัยใหม่ได้ ตัวอย่างเช่น บางรูปแบบถูกจัดประเภทพร้อมกันเป็นเปรี้ยวจี๊ดและหลังสมัยใหม่ อย่างไรก็ตาม รายการการเคลื่อนไหวและรูปแบบของลัทธิหลังสมัยใหม่สามารถแยกแยะได้ดังต่อไปนี้:

ลัทธิดาดานิยม

Dadaists เชื่อว่าความโหดร้ายของสงครามโลกครั้งที่ XNUMX ที่ทำให้ยุโรปสั่นสะเทือน นำความเจ็บปวดและความทุกข์มาสู่ผู้คนนับล้าน เป็นผลผลิตของตรรกะและเหตุผลนิยม ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงส่งเสริมความคิดสร้างสรรค์ในการทำลายศีลสุนทรียศาสตร์ความเห็นถากถางดูถูกระบบความไร้เหตุผล

Collage กลายเป็นวิธีการสร้างสรรค์หลักของศิลปิน Dadaist ผ้าใบหรือกระดาษทำหน้าที่เป็นฉากหลังที่ศิลปินสร้างภาพตัดปะโดยใช้เศษผ้า เศษกระดาษ และวัสดุอื่นๆ

Dada ดำรงอยู่ได้ในเวลาอันสั้น: จากปี 1916 ถึง 1923 นี่เป็นเพราะข้อเท็จจริงที่ว่าแพลตฟอร์มเชิงอุดมการณ์ของมันเป็นสิ่งที่น่าสมเพชผู้สงบสุขซึ่งต่อต้านความเป็นจริงของสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ในปี ค.ศ. 1920 Dada ได้รวมเข้ากับ Expressionism ในเยอรมนีและ Surrealism ในฝรั่งเศส

ป๊อปอาร์ต

ป๊อปอาร์ต (pop art) เป็นสไตล์ที่ถ่ายทอดวัฒนธรรมของผู้บริโภคไปสู่สาขาศิลปะ และสอนให้มนุษย์มองเห็นความงามในซุปสามสิบสามกระป๋อง ศิลปะป๊อปไม่ควรสับสนกับวัฒนธรรมสมัยนิยม ผู้เขียนถือว่าวัฒนธรรมมวลชนเป็นวัตถุ เช่นเดียวกับที่นักวาดภาพเหมือนกำลังดูนางแบบหรือศิลปินภูมิทัศน์ นั่นคือในอ้อมอกของธรรมชาติ

แก่นของวัฒนธรรมหมู่ซึ่งศิลปินต้องเพ่งมอง ถูกเปลี่ยนให้เป็นสิ่งที่แปลกใหม่ นั่นคือวัตถุทางศิลปะที่หักเหผ่านการตีความของศิลปิน จากมุมมองทางศิลปะ สไตล์นี้ดึงดูดความเป็นรูปธรรม ความเที่ยงธรรม ซึ่งแตกต่างจากเทรนด์นิยมอื่น ๆ ที่เป็นนามธรรมนิยม ป๊อปอาร์ตถือกำเนิดขึ้นในการต่อสู้กับความคิดสร้างสรรค์ของนักนามธรรม และประกาศการกลับมาแสดงวัตถุเฉพาะบนผืนผ้าใบ

โดยตัวมันเองแล้ว การดึงดูดสิ่งของในชีวิตประจำวันไม่ใช่เรื่องใหม่สำหรับประวัติศาสตร์การวาดภาพ ท้ายที่สุด ชีวิตคือมุมมองของศิลปินต่อสิ่งของรอบๆ อันที่จริง แจกันของคาราวัจโจกับขวดโคคา-โคลาสีเขียวของวอร์ฮอลแทบไม่ต่างกันมาก แต่ศิลปะป๊อปอาร์ตก็มีแนวความคิดที่แปลกแยกออกไป ศิลปินนำวัตถุและรูปภาพที่เป็นสัญลักษณ์จากวัฒนธรรมมวลชน ซึ่งปัจจุบันเรียกว่า "มีม"

นอกจากนี้พวกเขาให้ความสนใจไม่เพียง แต่กับวัตถุ แต่ยังรวมถึงรูปภาพด้วย ตัวอย่างทั่วไปคือ Marilyn Diptych ของ Warhol ปฏิเสธไม่ได้ว่าป๊อปอาร์ตช่วยยืนยัน American Dream ทำให้สังคมผู้บริโภคถูกต้องตามกฎหมายและไลฟ์สไตล์ที่สอดคล้องกัน ในเวลาเดียวกัน มันวางรากฐานสำหรับการวิพากษ์วิจารณ์ปรัชญาของการบริโภค ซึ่งภายหลังจะได้รับความเข้มแข็ง

ศิลปะของ Word

คำว่า Word Art อธิบายหมวดหมู่ของศิลปะแบบข้อความหลังสมัยใหม่โดยศิลปินร่วมสมัยหลายคนที่มีมาตั้งแต่ปี 1950 คำจำกัดความง่ายๆ ของศิลปะแบบข้อความอาจเป็น "ศิลปะที่มีคำหรือวลีเป็นองค์ประกอบหลักทางศิลปะ"

รูปภาพแบบข้อความที่มีคำและวลีได้รับการตีพิมพ์ในสื่อต่างๆ รวมทั้งภาพวาดและประติมากรรม การพิมพ์หินและการพิมพ์สกรีน ตลอดจนศิลปะประยุกต์ (เสื้อยืด แก้วน้ำ) นอกจากนี้ยังปรากฏในศิลปะร่วมสมัยรูปแบบล่าสุด เช่น การทำแผนที่การฉายภาพ

ศิลปะแนวความคิด

Conceptualism (จากแนวคิดภาษาละติน: ความคิด, การเป็นตัวแทน) เป็นกระแสหลังสมัยใหม่ในงานศิลปะซึ่งประกาศถึงอำนาจสูงสุดของความคิดในการทำงานในรูปแบบของการแสดงออกทางศิลปะ ผู้ติดตามแนวความคิดเชื่อว่าภาพวาด ประติมากรรม สิ่งปลูกสร้าง และการแสดงควรเกิดขึ้นในตัวผู้ชม ไม่ใช่อารมณ์ แต่เป็นความปรารถนาที่จะคิดใหม่อย่างมีสติปัญญาในสิ่งที่พวกเขาเห็น

แนวความคิดไม่ใช่ศิลปะเชิงพาณิชย์ ในนั้นวัตถุสำหรับความคิดสร้างสรรค์สามารถเป็นของใช้ในครัวเรือน วัสดุธรรมชาติ และแม้กระทั่งบางส่วนของสภาพแวดล้อมของมนุษย์ ศิลปินแนวความคิดไม่ได้พยายามสร้างงานที่เสร็จแล้ว แต่พยายามถ่ายทอดความคิดของเขาไปยังผู้ชมเพื่อมีส่วนร่วมในเกมทางปัญญา

งานศิลปะแนวความคิดมีลักษณะเฉพาะที่โดดเด่น ผลงานเหล่านี้สามารถระบุได้ด้วยลักษณะดังต่อไปนี้: อิทธิพลไม่ใช่อารมณ์ แต่เป็นการรับรู้ทางปัญญาของผู้ชม การใช้ข้อความอธิบายในการทำงานบ่อยครั้ง การปฏิเสธความหมายของรูปแบบอย่างมีสติของศิลปินเพื่อสนับสนุนความสำคัญของความหมาย (ความคิด) ของงาน สร้างงานศิลปะจากวัตถุใด ๆ ที่มีให้ผู้เขียน

ศิลปะการแสดงและเหตุการณ์ต่างๆ

Happenings เป็นรูปแบบศิลปะแนวหน้า ซึ่งเป็นประเภทของการแสดงออกเชิงสร้างสรรค์ที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับศิลปะการแสดงซึ่งมีรากฐานมาจากทฤษฎีศิลปะแนวความคิดของศตวรรษที่ 1896 ซึ่งส่วนใหญ่มาจากการสาธิตของตัวแทน Dada เช่นเดียวกับ Tristan ซาร่า (1963-XNUMX) ในทางปฏิบัติ การแยกความแตกต่างระหว่างศิลปะการแสดงกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นไม่ใช่เรื่องง่าย

ทั้งสองเป็นรูปแบบความบันเทิงที่วางแผนไว้อย่างรอบคอบ (แม้ว่าจะมีองค์ประกอบของความเป็นธรรมชาติ) ซึ่งศิลปินดำเนินการ (หรือจัดการ) การแสดงละครศิลปะ สิ่งที่มองเห็นได้ง่ายกว่าการอธิบายเป็นคำพูด

ไม่ว่าในกรณีใด A Happenings เป็นงานศิลปะการแสดงที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติซึ่งอยู่ระหว่างการละครและทัศนศิลป์และมักจะเชิญชวนและกระตุ้นการตอบสนองที่แข็งแกร่งจากผู้ชม

เนื่องจากรูปแบบ Dada ของความคงเส้นคงวา เดิมทีมันถูกมองว่าเป็นทางเลือกที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงกับหลักงานฝีมือแบบดั้งเดิมและเป็น "วัตถุศิลปะถาวร" คำอธิบายแบบเต็มของรูปแบบศิลปะหลังสมัยใหม่นี้สามารถอ่านได้ในหนังสือ 'Happenings' (1965) ของ Michael Kirby

งานศิลปะประเภทนี้มีความเกี่ยวข้องโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับงานศิลปะในนิวยอร์กราวปี 1960 และยังคงมีอยู่ในหอศิลป์ร่วมสมัยที่ดีที่สุดทั่วโลก

ศิลปะนามธรรม

ลัทธินามธรรมนิยมเป็นรูปแบบหนึ่งของการวาดภาพและศิลปะโดยทั่วไป ซึ่งปฏิเสธการสร้างซ้ำของโลกรอบข้างที่สมจริง ผู้ติดตามของเขาเป็นตัวแทนของรูปร่างที่เรียบง่ายและซับซ้อน เล่นกับสี ใช้เส้น เครื่องบิน และวัตถุอื่น ๆ รวมกันเพื่อสร้างอารมณ์บางอย่างในตัวแสดง นี่คือวิธีที่แนวทางของเขาแตกต่างจากที่ใช้โดยผู้เชี่ยวชาญที่ยึดมั่นในความคลาสสิกและรูปแบบอื่น ๆ อีกมากมาย

เมื่อมองแวบแรก ภาพวาดโดยนักวาดภาพนามธรรมอาจดูเหมือนเป็นเส้น รูปร่าง และจุดสับสนวุ่นวาย เมื่อตรวจสอบอย่างละเอียดถี่ถ้วนแล้ว จะเห็นได้ชัดว่าศิลปินได้สร้างองค์ประกอบทั้งหมดที่ออกแบบมาเพื่อกระตุ้นความคิดหรืออารมณ์บางอย่างในตัวผู้ดู

ลัทธินามธรรมนิยมในขณะที่พัฒนานั้นแบ่งออกเป็นหลายทิศทางซึ่งแต่ละแห่งมีตัวแทนของตัวเอง มีประเภทของสไตล์เช่น:

• เรขาคณิต ในผลงานของศิลปินที่แสดงในรูปแบบนี้ รูปแบบและเส้นที่ชัดเจนเหนือกว่า หลายคนสร้างภาพลวงตาของความลึก
• อาจารย์ที่ยึดมั่นในทิศทางนี้ทำงานอย่างแข็งขันกับสีและการผสมผสาน ผ่านพวกเขาที่พวกเขาถ่ายทอดอารมณ์ที่พวกเขาต้องการสร้างต่อผู้ชม
• สาระสำคัญของทิศทางของการวาดภาพนี้คือการขาดการอ้างอิงถึงวัตถุจริงโดยสิ้นเชิง และการใช้สี รูปร่าง และเส้นอย่างจำกัด
• ศิลปินที่ทำงานในทิศทางนี้มุ่งมั่นที่จะนำพลวัต การเคลื่อนไหวมาสู่ผลงาน โดยถ่ายทอดอารมณ์และความรู้สึก ในขณะเดียวกัน เงา เส้น และรูปร่างก็ค่อยๆ จางลงในพื้นหลัง

การชุมนุม

Assemblage เป็นเทคนิคการตกแต่งและศิลปะประยุกต์ซึ่งศิลปินสร้างภาพนูนโดยการติดชิ้นหรือวัตถุสามมิติเข้ากับฐานแบน ในเทคนิคการประกอบ อนุญาตให้ใช้สีเพื่อเพิ่มรูปภาพในองค์ประกอบทางศิลปะได้เช่นกัน

การประกอบ ตรงกันข้ามกับภาพตัดปะที่เกี่ยวข้อง เป็นเทคนิคประเภทหนึ่งสำหรับการติดองค์ประกอบสามมิติ แทนที่จะเป็นองค์ประกอบสองมิติ (แบน) กับพื้นผิวด้านหน้าของภาพ ด้วยการใช้รายละเอียดเชิงปริมาตร รูปภาพจึงดูสมจริงและมีประสิทธิภาพมากที่สุด

ศิลปินมืออาชีพมักใช้เศษของใช้ในครัวเรือนและขยะเพื่อสร้างผลงานศิลปะของตนเอง ในมือของอาจารย์ วัตถุในชีวิตประจำวันจำนวนมากที่กระจัดกระจายกลายเป็นองค์ประกอบทางศิลปะที่เต็มไปด้วยเนื้อหาที่สวยงามอย่างลึกซึ้ง

ทุกวันนี้ ผลงานที่สร้างขึ้นโดยใช้เทคนิคการประกอบจะดึงดูดความสนใจของผู้ที่ชื่นชอบศิลปะร่วมสมัยอย่างสม่ำเสมอ พวกเขามักก่อให้เกิดการโต้เถียงอย่างรุนแรงในหมู่นักวิจารณ์ แต่พวกเขาไม่ปล่อยให้ใครเฉยเมย ดังนั้นจึงมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อการพัฒนาวัฒนธรรมโลก

Fluxus

Fluxus เป็นกลุ่มศิลปินที่กระจายตัวอยู่ทั่วโลก แต่มีสถานะที่แข็งแกร่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งในนิวยอร์กซิตี้ George Maciunas ถือเป็นผู้ก่อตั้งและผู้จัดงานหลักในอดีต ซึ่งอธิบายว่า Fluxus เป็นการผสมผสานระหว่าง Spike Jones, Vaudeville, Cage และ Duchamp

เช่นเดียวกับพวก Futurists และ Dadaists ก่อนหน้าพวกเขา ศิลปิน Fluxus ไม่เห็นด้วยกับอำนาจของพิพิธภัณฑ์ศิลปะในการกำหนดคุณค่าของศิลปะ พวกเขายังแนะนำว่าไม่จำเป็นต้องมีการศึกษาพิเศษเพื่อดูและเข้าใจงานศิลปะ

Fluxus ไม่ได้ต้องการแค่ให้งานศิลปะเข้าถึงผู้คนได้ แต่พวกเขาต้องการให้ทุกคนสร้างสรรค์งานศิลปะอยู่ตลอดเวลา มักเป็นการยากที่จะนิยาม Fluxus เนื่องจากศิลปินหลายคนได้อ้างว่าการกำหนดการเคลื่อนไหวนั้นจำกัดและลดลงเกินไปแล้ว

ต่างจากขบวนการศิลปะก่อนหน้านี้ Fluxus พยายามเปลี่ยนประวัติศาสตร์โลก ไม่ใช่แค่ประวัติศาสตร์ศิลปะ เป้าหมายที่แน่วแน่ของศิลปินส่วนใหญ่คือการขจัดพรมแดนระหว่างศิลปะกับสังคม

หลักการสำคัญของ Fluxus คือการละทิ้งและเยาะเย้ยโลกชั้นยอดของ "ศิลปะชั้นสูง" และค้นหาทุกวิถีทางที่จะนำศิลปะไปสู่มวลชนโดยสอดคล้องกับสภาพสังคมในทศวรรษที่ 1960 ศิลปิน Fluxus ใช้อารมณ์ขันเพื่อแสดงเจตจำนงและ ร่วมกับดาด้า Fluxus เป็นหนึ่งในศิลปะการเคลื่อนไหวไม่กี่อย่างที่สามารถเดินไต่เชือกได้

แม้จะมีท่าทางขี้เล่น แต่ศิลปิน Fluxus ก็จริงจังกับความปรารถนาที่จะเปลี่ยนสมดุลของพลังในโลกศิลปะ การดูหมิ่นศิลปะชั้นสูงของเขามีผลกระทบต่อการรับรู้ของพิพิธภัณฑ์ในฐานะผู้มีอำนาจว่าใครและสิ่งที่ต้องพิจารณาศิลปิน

Fluxus ดึงดูดผู้ชมและอาศัยองค์ประกอบของโอกาสที่จะกำหนดผลลัพธ์สุดท้ายของงานศิลปะ การใช้โอกาสยังถูกใช้โดย Dada, Marcel Duchamp และศิลปินการแสดงคนอื่นๆ ในสมัยนั้น ศิลปิน Fluxus ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแนวคิดของ John Cage ซึ่งเชื่อว่าควรเข้าหาชิ้นงานโดยไม่รู้ผลลัพธ์สุดท้าย สิ่งที่สำคัญคือกระบวนการสร้าง ไม่ใช่ผลิตภัณฑ์ขั้นสุดท้าย

วิดีโออาร์ต

วิดีโอเป็นหนึ่งในสื่อที่หลากหลายที่สุดที่มีอยู่ ภาพยนตร์วิดีโอสามารถเป็นงานศิลปะได้เองและ/หรือบันทึกวิธีการสร้างงานศิลปะ นอกจากนี้ยังสามารถเป็นองค์ประกอบในการติดตั้งและ/หรือส่วนหนึ่งของการจัดเรียงวิดีโอหลายรายการ วิดีโอทำให้งานศิลปะมีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวามากขึ้น ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1980 ทั้งวิดีโอและแอนิเมชั่นต่างอาศัยการใช้ซอฟต์แวร์คอมพิวเตอร์ในการจัดการภาพ

ความเหมือนจริง

Photorealism เป็นประเภทของการวาดภาพที่เกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1960 เพื่อตอบสนองต่อความนิยมที่เพิ่มขึ้นของนามธรรม ตั้งแต่นั้นมา ภาพวาดเสมือนจริงที่มีความใส่ใจในรายละเอียดอย่างมหาศาลได้ทำให้เกิดภาพลวงตาที่สามารถระบุได้ในระยะใกล้เท่านั้น เนื่องจากเป็นภาพที่ทาสีจากต้นฉบับด้วยภาพถ่ายเท่านั้น

แทนที่จะสังเกตและนำเสนอสิ่งที่เกิดขึ้นในความเป็นจริง photorealism ได้รับแรงบันดาลใจจากการถ่ายภาพ ข้อมูลภาพที่ถ่ายโดยกล้องจะใช้เพื่อสร้างภาพวาด ภาพวาด และงานศิลปะอื่นๆ ที่ลวงตา ศิลปินมักฉายภาพลงบนผืนผ้าใบเพื่อให้สามารถแสดงภาพได้อย่างแม่นยำและละเอียด

ศิลปะ Povera

Arte Povera (จากสำนวนภาษาอิตาลีสำหรับ "ศิลปะที่ไม่ดี" หรือ "ศิลปะที่ยากจน") เป็นหนึ่งในขบวนการศิลปะแนวหน้าที่สำคัญและโดดเด่นที่สุดที่จะเกิดขึ้นในยุโรปตอนใต้ในช่วงปลายทศวรรษ XNUMX

รวมถึงผลงานของศิลปินชาวอิตาลีหลายสิบคนที่มีลักษณะสร้างสรรค์หลักคือการใช้วัสดุในชีวิตประจำวันที่ชวนให้นึกถึงยุคก่อนอุตสาหกรรม สิ่งสกปรก หิน และเสื้อผ้าเป็นที่นิยมโดยเฉพาะ: "ขยะ" หรือวัสดุราคาถูกที่ใช้สำหรับงานศิลปะของพวกเขา แนวทางศิลปะนี้โจมตีแนวความคิดที่แพร่หลายเกี่ยวกับคุณค่าและความถูกต้อง และวิพากษ์วิจารณ์อุตสาหกรรมและการใช้เครื่องจักรของยุโรปตอนใต้ในขณะนั้นอย่างละเอียด

งานของเขาแสดงให้เห็นถึงปฏิกิริยาต่อภาพวาดนามธรรมของสมัยใหม่ที่ควบคุมศิลปะยุโรปในทศวรรษที่ผ่านมา ซึ่งเขาสร้างความแตกต่างในตัวเองโดยเน้นไปที่งานประติมากรรมมากกว่าการวาดภาพ

ผลงานที่สำคัญที่สุดของกลุ่มนี้เกิดขึ้นจากความแตกต่างระหว่างวัตถุดิบและการอ้างอิงถึงการเพิ่มขึ้นของวัฒนธรรมผู้บริโภคพร้อมๆ กัน ด้วยความเชื่อมั่นว่าความทันสมัยกำลังคุกคามการขจัดมรดกส่วนรวม Arte Povera พยายามเปรียบเทียบระหว่างสิ่งใหม่กับสิ่งเก่า

นอกเหนือจากการปฏิเสธการแข่งขันทางเทคโนโลยี ศิลปินที่เกี่ยวข้องกับ Arte Povera ปฏิเสธสิ่งที่พวกเขามองว่าเป็นความสมจริงทางวิทยาศาสตร์ ตรงกันข้ามกับแนวทางที่มีระเบียบเพื่อความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ พวกเขาทำให้เกิดตำนานที่ความลับไม่สามารถอธิบายได้ง่าย

ศิลปินนำเสนอการตีข่าวที่ไร้สาระและขี้เล่น บ่อยครั้งของสิ่งใหม่และของเก่าหรือการประมวลผลขั้นสูงและก่อนอุตสาหกรรม ในการทำเช่นนั้น พวกเขาได้แสดงให้เห็นถึงผลกระทบบางอย่างของความทันสมัยที่เอื้อต่อการทำลายสถานที่และความทรงจำในขณะที่มันเคลื่อนต่อไปในอนาคต

ความสนใจในวัสดุที่ไม่ดีของ Arte Povera สามารถเชื่อมโยงกับขบวนการศิลปะอื่น ๆ อีกหลายอย่างในทศวรรษ 1950 และ 1960 ตัวอย่างเช่น พวกเขาแบ่งปันเทคนิคบางอย่างกับการเคลื่อนไหว เช่น Fluxus และ Nouveau Réalisme ร่วมกับวัสดุที่หาได้ง่ายพร้อมการตัดราคา การทำงาน.

ลัทธิหลังมินิมอล

ในงานศิลปะหลังแนวมินิมอล คำที่ใช้ครั้งแรกโดยนักวิจารณ์ศิลปะ Robert Pincus Witten จุดสนใจเปลี่ยนจากความบริสุทธิ์ของแนวคิดไปสู่การสื่อสาร ตัวอย่างเช่น คุณสามารถชมผลงานของศิลปินชาวเยอรมัน-อเมริกันชื่อ Eva Hesse

ศิลปะสตรีนิยม

ขบวนการศิลปะที่เกี่ยวข้องกับประเด็นของผู้หญิงโดยเฉพาะ เช่น การเกิด ความรุนแรงต่อผู้หญิง สภาพการทำงานของผู้หญิง และอื่นๆ อีกมากมาย ศิลปินที่เข้าร่วมได้แก่ Louise Bourgeois และศิลปิน Yoko Ono ที่เกิดในญี่ปุ่น

deconstructivism

Deconstructivism เป็นหนึ่งในรูปแบบศิลปะที่น่าประทับใจที่สุดเท่าที่เคยมีมา สถาปัตยกรรมสมัยศตวรรษที่ 80 ที่แหวกแนวแต่สร้างสรรค์อย่างเข้มข้นของเขาปรากฏขึ้นในปลายทศวรรษ XNUMX โดยเฉพาะอย่างยิ่งในลอสแองเจลิส แต่ยังรวมถึงในยุโรปด้วย

เป็นส่วนหนึ่งของศิลปะหลังสมัยใหม่ที่เป็นไปได้โดยการใช้ซอฟต์แวร์การออกแบบอุตสาหกรรมการบินและอวกาศ สถาปัตยกรรม deconstructivist ขัดแย้งกับความสมเหตุสมผลของเรขาคณิตและสนับสนุนแนวทางการออกแบบที่แปลกใหม่ซึ่งโดยทั่วไปจะบิดเบือนโครงสร้างภายนอกในขณะที่ทำลายองค์ประกอบต่างๆ .

นักประวัติศาสตร์บางคนเชื่อว่าปรัชญาเดคอนสตรัคติวิสต์ไม่เห็นด้วยกับศิลปะหลังสมัยใหม่ แม้ว่าผลที่ตามมาในทางปฏิบัติจะไม่ชัดเจนก็ตาม ท้ายที่สุด สถาปนิก deconstructivist ต้องปฏิบัติตามกฎหมายวิทยาศาสตร์สมัยใหม่และหลังสมัยใหม่ ไม่ว่าเขาจะชอบหรือไม่ก็ตาม

ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของสถาปัตยกรรมดีคอนสตรัคติวิสต์คือ Frank O. Gehry ผู้ชนะรางวัล American Pritzker Prize จากแคนาดา-อเมริกัน deconstructivists ที่รู้จักกันดีอื่น ๆ ได้แก่ Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi และ Peter Eisenman อาคารดีคอนสตรัคติวิสต์ที่ไม่ธรรมดาประกอบด้วย: บ้านเต้นรำ (ปราก), พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (บิลเบา) และพิพิธภัณฑ์การออกแบบ Vitra ใน Weil am Rhein

สถาปัตยกรรม Deconstructivist มีลักษณะเฉพาะโดยการปรับพื้นผิว การแยกส่วน และรูปแบบไม่เชิงเส้นที่บิดเบือนและแทนที่แบบแผนทางสถาปัตยกรรมของโครงสร้างและพื้นผิว ในการทำเช่นนั้น องค์ประกอบที่ดูขัดแย้งกันจะจงใจเปรียบเทียบเพื่อท้าทายแนวคิดดั้งเดิมของความสามัคคีและความต่อเนื่อง

ความสมจริงถากถาง

ขบวนการศิลปะจีนร่วมสมัยที่เกิดขึ้นหลังจากการพ่ายแพ้ของจัตุรัสเทียนอันเหมิน (1989) Cynical Realists ใช้รูปแบบการวาดภาพที่เป็นรูปเป็นร่างพร้อมการเล่าเรื่องเยาะเย้ย ลวดลายที่เกิดซ้ำๆ คือ หุ่น คนหัวล้าน และภาพถ่ายบุคคล สไตล์ดังกล่าวล้อเลียนสถานะทางการเมืองและสังคมของจีน และเนื่องจากนี่เป็นรุ่งอรุณใหม่ของศิลปินจีน จึงได้รับการตอบรับอย่างดีจากนักสะสมงานศิลปะชาวตะวันตก

วรรณกรรมและภาพยนตร์หลังสมัยใหม่

ลักษณะของวรรณคดีหลังสมัยใหม่รวมถึงการจัดการอย่างรอบคอบในสิ่งที่มีอยู่ในรูปแบบของการอ้างอิงและการพาดพิงถึงและการเล่นกับประเภทวรรณกรรม ลักษณะเด่นอีกอย่างคือการสร้างการกระทำและความสัมพันธ์หลายระดับซึ่งมักจะพังทลาย

อาจเป็นนวนิยายหลังสมัยใหม่ที่รู้จักกันดีที่สุดคือ The Name of the Rose โดย Umberto Eco ด้วยโครงสร้างวรรณกรรมที่ซับซ้อนมากในลักษณะของนวนิยายอาชญากรรม Eco สามารถเชื่อมช่องว่างระหว่างสิ่งที่เรียกว่าวัฒนธรรมชั้นสูงและวัฒนธรรมมวลชน คำพูดและการอ้างอิงทางประวัติศาสตร์ วรรณกรรม และศิลปะทำให้หนังสือเล่มนี้เป็นนวนิยายเพื่อการศึกษาหรือแม้แต่การประกวดวรรณกรรม แต่แม้แต่ผู้ที่ไม่สนใจก็สามารถเพลิดเพลินกับงานของ Eco ในฐานะหนังระทึกขวัญที่น่าตื่นเต้นได้

ในทำนองเดียวกัน ปีเตอร์ กรีนอะเวย์ผสมผสานประเภทภาพยนตร์ประวัติศาสตร์กับภาพยนตร์ระทึกขวัญในภาพยนตร์ปี 1982 ของเขาเรื่อง The Cartoonist's Contract แต่ไม่เหมือนกับ Echo ตรงที่มันไม่ได้ไขปริศนาได้ แม้ว่าโครงเรื่องจะให้เบาะแสแบบคลาสสิกมากมาย แต่ก็ไม่มีที่ไหนเลย

ทัศนศิลป์

การใช้คำว่าหลังสมัยใหม่ถูกปฏิเสธโดยนักทฤษฎีและศิลปินจำนวนมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านทัศนศิลป์ เนื่องจากรูปแบบการแสดงออกที่หลากหลาย การปฏิเสธความเชื่อสมัยใหม่ในนวัตกรรมยังเป็นหนึ่งในรากฐานของสุนทรียศาสตร์หลังสมัยใหม่ในวิจิตรศิลป์ ลัทธิโปสตมอเดร์นิซึมเชื่อมโยงกับหมวดหมู่ทางประวัติศาสตร์ของศิลปะที่ถูกปฏิเสธโดยความทันสมัย ​​เช่น โครงสร้างการเล่าเรื่องและในตำนาน

เรื่องนี้เริ่มต้นด้วยการแสดงภาพไอคอนของศตวรรษที่ 1950 ของ Andy Warhol ตั้งแต่ Elvis ไปจนถึง Jackie Onassis ศิลปะป๊อปยังเป็นจุดเริ่มต้นของความทันสมัยในทศวรรษ XNUMX ด้วยการบอกลาสิ่งที่เป็นนามธรรม ในปี XNUMX ทัศนศิลป์ เช่นเดียวกับสถาปัตยกรรมในยุคนั้น ได้เน้นย้ำถึงความสำคัญของแง่มุมที่เย้ายวน อารมณ์ และดั้งเดิมเหนือทฤษฎีและแนวคิด

ในช่วงทศวรรษ XNUMX กลุ่ม New Wild (Neue Wilden) ได้ทำลายการครอบงำของเปรี้ยวจี๊ดแนวมินิมอลและมีความอุตสาหะในแนวความคิดด้วยการวาดภาพที่แสดงออกและเป็นตัวแทน มีแนวโน้มที่คล้ายกันในสหรัฐอเมริกาและอิตาลี

หลังจากลมบ้าหมูตกลงไปรอบๆ New Savages เทรนด์ต่างๆ ก็เริ่มยึดติดอยู่ที่การสะท้อนของสื่อในการวาดภาพและการทดลองกระตุ้นความรู้สึกด้วยสื่อภาพ (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter) การวาดภาพเป็นตัวแทนของความเหนือกว่าของแรงงานแนวหน้าแบบมินิมัลลิสต์และแนวความคิด จี๊ด มีแนวโน้มที่คล้ายกันในสหรัฐอเมริกาและอิตาลี

ลักษณะของเวลาคือศิลปินสองคนที่มีผลงานผสมผสานสุนทรียศาสตร์ของวัฒนธรรมย่อยและวัฒนธรรมมวลชน ได้แก่ Keith Haring และ Jeff Koons Haring สามารถผสมผสานองค์ประกอบของศิลปะกราฟฟิตี้ หนังสือการ์ตูน ภาษามือของคอมพิวเตอร์ ภาพวาดของเด็ก และการวาดภาพประวัติศาสตร์ยุคแรกๆ ให้เป็นภาษาสัญลักษณ์เชิงบทกวีที่เข้าใจได้ในหลายวัฒนธรรม เจฟฟ์ คูนส์ สร้างชื่อให้กับตัวเองในช่วงต้นทศวรรษ 1990 โดยมีความซ้ำซากจำเจของอาสาสมัคร

วัสดุที่ใช้มักจะมีคุณภาพสูง แต่การออกแบบพื้นผิวทำให้โลกของ knick-knacks และ kitsch ปรากฏ เช่น ตุ๊กตาพอร์ซเลนชุบทองบางส่วนขนาดเท่าของจริงของ Michael Jackson พร้อมชิมแปนซี Bubbles ของเขา

ความต้องการสุนทรียศาสตร์หลังสมัยใหม่สำหรับพหุนิยม, อัตวิสัย, การย้ายออกจากนามธรรม, การรวมสื่อมวลชน, ความไม่ชัดเจนของขอบเขตทางเพศ, และการยอมรับคำพูดเป็นสื่อทางศิลปะได้นำสีสันและการเคลื่อนไหวมาสู่ภูมิทัศน์ ศิลปะและพิพิธภัณฑ์

ในที่สุดการรับรู้ของภาพถ่ายและภาพยนตร์เป็นสื่อศิลปะอาจมองว่าเป็นผลที่ยั่งยืนของแนวโน้มหลังสมัยใหม่ ไฮไลท์ชั่วคราว: ในช่วงฤดูร้อนปี 2002 พิพิธภัณฑ์ลุดวิกในเมืองโคโลญจน์จะแสดงภาพยนตร์ทั้งห้าเรื่องจาก "Cremaster Cycle" ของ Matthew Barney ที่เพิ่งเสร็จสิ้นไปโดยเป็นส่วนหนึ่งของนิทรรศการใหญ่

สถาปัตยกรรม

ในช่วงกลางทศวรรษ 1970 Charles Jenks ได้แนะนำคำว่า postmodernism เข้าไปในวาทกรรมทางสถาปัตยกรรม ด้วยวิธีนี้ วาทกรรมหลังสมัยใหม่ถึงประชาชนทั่วไปเป็นครั้งแรก หลักการของรูปแบบสถาปัตยกรรมหลังสมัยใหม่ได้ปรากฏชัดแล้ว ณ จุดนี้

ต้องใช้ภาษาสถาปัตยกรรมที่เป็นประชาธิปไตยและการสื่อสาร ซึ่งสุนทรียศาสตร์ไม่ควรอยู่บนพื้นฐานของการทำงานเพียงอย่างเดียว แต่รวมถึงเนื้อหาที่มีนัยสำคัญด้วย นอกจากนี้ยังมีการร้องขอให้รวมองค์ประกอบที่แต่งขึ้นเช่นแบบโกธิกซึ่งเห็นภาพของเยรูซาเล็มสวรรค์ในมหาวิหาร

ในขณะเดียวกัน แนวโน้มในการอนุรักษ์และออกแบบอาคารประวัติศาสตร์ใหม่ก็เพิ่มขึ้น ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดคือ Gare d'Orsay ในปารีส ซึ่งเปิดในชื่อ Musée d'Orsay ในปี 1986 อาคารประวัติศาสตร์ดังกล่าวมีอิทธิพลต่อภาษาของสถาปัตยกรรมหลังสมัยใหม่ ซึ่งถูกกำหนดโดยการอ้างอิงตั้งแต่แรกเริ่ม

เพื่อหลีกเลี่ยงลัทธิประวัติศาสตร์นิยมใหม่ คติประจำใจคือความผสมผสานซึ่งแสดงออก เช่น ในการใช้เสา หน้าต่าง และโครงตาข่าย ควรจะหักอย่างแดกดัน สเปกตรัมของสถาปัตยกรรมหลังสมัยใหม่พัฒนาขึ้นโดยเฉพาะในอาคารพิพิธภัณฑ์ในช่วงทศวรรษ XNUMX และ XNUMX

นอกจากพิพิธภัณฑ์ Abteiberg ของ Hans Hollein (Mönchengladbach) หอศิลป์แห่งรัฐของ James Stirling (Stuttgart) ถือเป็นผลิตภัณฑ์ที่ประสบความสำเร็จและมีลักษณะเฉพาะของลัทธิหลังสมัยใหม่ ในการออกแบบของสเตอร์ลิง การพาดพิงถึงสถาปัตยกรรมประวัติศาสตร์มากมาย ตั้งแต่อียิปต์จนถึงสมัยใหม่คลาสสิก ผสมผสานกับสีสันของวัฒนธรรมป๊อปและวัสดุทั่วไปของภูมิภาคที่ทำด้วยหินทรายและ travertine เพื่อสร้างรูปแบบร่วมสมัยที่เหนียวแน่น

เมื่อเร็วๆ นี้ เมื่อพูดถึงการก่อสร้างพิพิธภัณฑ์ ลักษณะของประสบการณ์มีมากขึ้นเรื่อยๆ มากกว่าข้อกำหนดด้านการศึกษา

แทนที่จะคิดใคร่ครวญศิลปะการทำสมาธิ จำเป็นต้องมีการแสดงละคร และสถาปัตยกรรมเองก็ถูกจัดฉากด้วยทัศนียภาพอันตระการตาและเอฟเฟกต์การแสดงละคร การเยี่ยมชมสาธารณะครั้งแรกมีมากขึ้นเรื่อย ๆ ก่อนที่ภาพเขียนจะถูกแขวนเพื่อให้สามารถสัมผัสสถาปัตยกรรมได้

ยุคหลังสมัยใหม่มุ่งเน้นไปที่วัฒนธรรมสมัยนิยม

นักวิจารณ์ศิลปะมักใช้คำว่า "วัฒนธรรมชั้นสูง" เมื่อพยายามแยกแยะศิลปะการวาดภาพและประติมากรรม (และทัศนศิลป์อื่นๆ) ออกจากวัฒนธรรมสมัยนิยมของนิตยสาร โทรทัศน์ และผลิตภัณฑ์ที่ผลิตเป็นจำนวนมาก ลัทธิสมัยใหม่และผู้ติดตามที่มีอิทธิพลเช่น Greenberg (1909-94) มองว่ารูปแบบวัฒนธรรมเหล่านี้ด้อยกว่า ในทางตรงกันข้าม ลัทธิหลังสมัยใหม่ซึ่งชอบแนวคิดทางศิลปะที่เป็นประชาธิปไตยมากกว่า มองว่า "วัฒนธรรมชั้นสูง" เป็นชนชั้นสูง

ศิลปะป๊อปซึ่งเป็นขบวนการหลังสมัยใหม่ครั้งแรกที่เปลี่ยนสินค้าอุปโภคบริโภคธรรมดาให้เป็นงานศิลปะ ศิลปินเพลงป๊อปและคนอื่นๆ ได้ก้าวไปไกลกว่านั้นในความพยายามที่จะทำให้งานศิลปะเป็นประชาธิปไตยโดยการพิมพ์ "งานศิลปะ" ของพวกเขาลงบนแก้วน้ำ ถุงกระดาษ และเสื้อยืด: วิธีการที่บังเอิญ เป็นตัวอย่างของความปรารถนาหลังสมัยใหม่ ความคิดริเริ่ม และความถูกต้อง บ่อนทำลายศิลปะ

ศิลปินหลังสมัยใหม่ได้ละทิ้งแนวคิดที่ว่างานศิลปะมีความหมายโดยธรรมชาติเพียงอย่างเดียว แต่พวกเขาเชื่อว่าผู้ชมเป็นแหล่งที่มาของความหมายที่สำคัญเท่าเทียมกัน ตัวอย่างเช่น การถ่ายภาพเซอร์เรียลของ Cindy Sherman เน้นย้ำแนวคิดที่ว่างานศิลปะสามารถตีความได้หลายวิธี

อันที่จริง ศิลปินบางคน เช่น ศิลปินการแสดง Marina Abramovic ยอมให้ผู้ชมมีส่วนร่วมในงานศิลปะของพวกเขา หรือแม้กระทั่งต้องการให้ผู้ชมทำงานให้เสร็จ

เน้นการแสดง

ในสภาพที่ชีวิตไม่มีความหมายที่แท้จริง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเราอยู่ภายใต้โฆษณาทางวิทยุและโทรทัศน์ทั้งกลางวันและกลางคืน ศิลปินหลังสมัยใหม่มักเลือกที่จะจำกัดตัวเองในรูปแบบและรูปลักษณ์ มักใช้เครื่องมือและเทคนิคในการส่งเสริมการขายเพื่อให้เกิดผลกระทบมากขึ้น แนวทางนี้เป็นตัวอย่างที่ดีในกระบวนการพิมพ์เชิงพาณิชย์ที่ใช้ภาพที่เหมือนโปสเตอร์โดยศิลปินป๊อป เช่น Roy Lichtenstein และ James Rosenquist

การเน้นที่พื้นผิวเป็นลักษณะทั่วไปของศิลปะหลังสมัยใหม่ และบางครั้งต้องมาก่อนด้วยภาพละครที่เจิดจ้า สดใส และมีผลกระทบสูง ตั้งแต่ปี 1980 การใช้คอมพิวเตอร์และเทคโนโลยีอื่นๆ ได้ปฏิวัติศิลปะมัลติมีเดีย (เช่น แอนิเมชั่น) และสร้างความเป็นไปได้เฉพาะในด้านต่างๆ เช่น สถาปัตยกรรม

การดึงดูดความสนใจของผู้ชมในยุคหลังสมัยใหม่มีความสำคัญเพียงใด แสดงให้เห็นได้จากกลวิธีที่น่าตกใจของกลุ่มนักศึกษาที่ Goldsmiths College หรือที่รู้จักในชื่อ Young British Artists ในลอนดอนในช่วงปลายทศวรรษ XNUMX และ XNUMX มีชื่อเสียงในการแสดงสามรายการ YBAs ถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่าเป็นเพราะรสนิยมที่ไม่ดีของพวกเขา แต่หลายคนก็กลายเป็นผู้ชนะ Turner Prize ในขณะที่คนอื่น ๆ ได้รับความอื้อฉาวและโชคลาภอย่างมาก

ตอบโจทย์ผู้บริโภค

การเพิ่มขึ้นของพฤติกรรมผู้บริโภคและวัฒนธรรมของความบันเทิงในทันทีในช่วงทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ XNUMX ก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อทัศนศิลป์เช่นกัน ผู้บริโภคต้องการนวัตกรรม พวกเขายังต้องการการพักผ่อนและความสนุกสนาน ศิลปินหลังสมัยใหม่ ภัณฑารักษ์ และผู้เชี่ยวชาญคนอื่นๆ คว้าโอกาสที่จะเปลี่ยนงานศิลปะให้เป็นผลผลิตแห่งความสนุก

การนำศิลปะรูปแบบใหม่เข้ามา เช่น การแสดง งานอีเวนต์ การจัดวาง ตลอดจนธีมใหม่ๆ ได้แก่ ปลาฉลามที่ตายแล้ว ประติมากรรมน้ำแข็งขนาดยักษ์ ร่างเปลือยจำนวนมาก อาคารที่ดูเหมือนจะเคลื่อนไหว ของสะสมจำนวนสามหมื่นห้าพันคน หุ่นดินเผา ร่างที่ทาสี การฉายภาพที่น่าขนลุกบนอาคารสาธารณะ (และอีกมากมาย) - พวกเขาได้ให้ผู้ชมได้รับประสบการณ์ใหม่ ๆ ที่น่าตกใจในบางครั้ง

ศิลปะรูปแบบใหม่เหล่านี้เป็น "ศิลปะ" จริงหรือไม่ ยังคงเป็นคำถามที่ทำให้เกิดการถกเถียงกันมากมาย นักแนวคิดหลังสมัยใหม่ยืนยันว่ามันเป็นอย่างนั้น ในขณะที่นักอนุรักษนิยมปฏิเสธที่จะถือว่ามันเป็นเช่นนี้

หลักการของศิลปะหลังสมัยใหม่

สำหรับผู้เชี่ยวชาญ ศิลปะหลังสมัยใหม่ประกอบด้วยหลักการพื้นฐานสามประการที่จะควบคุมโดยทั่วไปโดยไม่จำกัดทั้งหมด:

ความหมายทันที

ไม่มีภาพสีน้ำมันจาง ๆ ที่แสดงเหตุการณ์ที่ทำให้ขนลุกจากตำนานเทพเจ้ากรีกเพื่อสร้างรอยยิ้มที่รอบรู้จากผู้สังเกตที่ได้รับการอบรม จากจุดเริ่มต้นในขบวนการ Pop Art ภาพวาดและประติมากรรมหลังสมัยใหม่มีความโดดเด่น เฉียบคม และเป็นที่จดจำได้ทันที

ธีมและรูปภาพส่วนใหญ่มาจากสินค้าอุปโภคบริโภคที่มีชื่อเสียง นิตยสาร โฆษณา โทรทัศน์ ภาพยนตร์ การ์ตูน และการ์ตูน เป็นครั้งแรกที่ทุกคนเข้าใจศิลปะที่จัดแสดง แม้ว่าลัทธิหลังสมัยใหม่จะมีวิวัฒนาการมาจากศิลปะป๊อปอาร์ต แต่เป้าหมายหลักประการหนึ่งของความหมายก็ยังคงปรากฏให้เห็นในทันที

ศิลปะสร้างได้ทุกอย่าง

ต่อยอดจากประเพณีของ Marcel Duchamp ซึ่งมีโถปัสสาวะชื่อ Fountain (1917) เป็นตัวอย่างแรกที่มีชื่อเสียงของวัตถุธรรมดาที่กลายเป็นงานศิลปะ (อีกตัวอย่างหนึ่ง: The Story of the Ready-made) ศิลปินศิลปะ Postmodernists สร้างขึ้น ธุรกิจของพวกเขาเพื่อสร้างงานศิลปะจากวัสดุและเศษซากที่ผิดปกติมากที่สุด แนวคิดเบื้องหลังคือการทำให้ศิลปะเป็นประชาธิปไตยและทำให้เข้าถึงได้ง่ายขึ้น

ความคิดสำคัญกว่าตัวงานศิลปะเอง

จนถึงปี 1960 ศิลปินมักเชื่อว่าหากไม่มีผลิตภัณฑ์สำเร็จรูปจะไม่มีอะไรเกิดขึ้น ได้ให้ความสนใจอย่างมากกับคุณภาพของงานศิลปะที่เสร็จแล้วและงานฝีมือที่จำเป็นสำหรับมัน วันนี้สิ่งต่าง ๆ

ลัทธิหลังสมัยใหม่มักจะเชื่อในแนวคิดเบื้องหลังผลงานสุดท้ายมากกว่าในตัวผลิตภัณฑ์เอง ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไม "ศิลปะหลังสมัยใหม่" ส่วนใหญ่จึงถูกเรียกว่า "ศิลปะแนวความคิด" หรือ "แนวความคิด" แนวความคิดรูปแบบอื่นๆ ได้แก่ การจัดวาง ศิลปะการแสดง เหตุการณ์ที่เกิดขึ้น ศิลปะการฉายภาพ และอื่นๆ อีกสองสามรูปแบบ

ศิลปินหลังสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียง

เนื่องจากเราเป็นศิลปะร่วมสมัยหลังสมัยใหม่ จึงเป็นเรื่องยากที่จะแยกแยะชื่อที่เป็นสัญลักษณ์ของเวลานั้น หลังจากเวลาผ่านไปเท่านั้นจึงจะเป็นไปได้ที่จะพูดได้ว่าศิลปินคนใดทิ้งร่องรอยที่แสดงออกถึงประวัติศาสตร์การวาดภาพและชื่อเสียงของเขาเป็นเพียงเครื่องบรรณาการให้กับแฟชั่น แต่เนื่องจากลัทธิหลังสมัยใหม่มีการพัฒนามานานกว่าครึ่งศตวรรษ เราจึงสามารถตั้งชื่อบางชื่อที่จารึกไว้แล้วในประวัติศาสตร์ได้ ซึ่งรวมถึงตัวอย่างเช่น:

• Dadaist, surrealist และผู้ก่อตั้งแนวความคิด Marcel Duchamp
• Andy Warhol ผู้นำป๊อปอาร์ต
• ผู้บุกเบิกการชุมนุม César Baldaccini
• นักคิดแนวความคิดชื่อดัง Bruce Nauman
• โรเบิร์ต เราเชนเบิร์ก, เรเมดิออส วาโร อูรังกา, ฟรานซิส เบคอน, เดเมียน เฮิร์สท์, เจฟฟ์ คูนส์

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (เกิด 28 กรกฎาคม พ.ศ. 1887 – เสียชีวิต 2 ตุลาคม พ.ศ. 1968) เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะแนวหน้าซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานศิลปะฟุ่มเฟือยของเขา งานของ Marcel Duchamp ขัดต่อประเพณีที่เป็นที่ยอมรับ และมีการกล่าวถึงซ้ำแล้วซ้ำเล่าในเหตุการณ์อื้อฉาวที่เกิดขึ้นทั้งสองด้านของมหาสมุทร

ในตอนเริ่มต้นอาชีพของเขา เขาวาดภาพในสไตล์ Post-Impressionist โดยแสดงความเคารพต่อ Cubism และ Fauvism แต่แล้วเขาก็เลิกวาดภาพและเริ่มสนใจที่จะสร้างงานศิลปะจัดวางซึ่งเขาได้ผสมผสานเทคนิคและใช้วัสดุที่มีพื้นผิวต่างๆ แนวคิดที่ปฏิวัติวงการของศิลปินมีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาแนวคิดศิลปะในศตวรรษที่ XNUMX

แอนดี้วอร์ฮอ

Andy Warhol (เกิด 6 สิงหาคม 1928 - เสียชีวิต 22 กุมภาพันธ์ 1987) เป็นศิลปินและเจ้าของแกลเลอรี่ชาวอเมริกันในศตวรรษที่ XNUMX ที่เป็นที่ต้องการ เขามีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาป๊อปอาร์ตเชิงพาณิชย์ Andy Warhol ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้นำของเทรนด์เช่น uomo universale

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg (เกิด 22 ตุลาคม 1925 – เสียชีวิต 12 พฤษภาคม 2008) ไททันของศิลปะอเมริกันแห่งศตวรรษที่ XNUMX ตามหนังสือพิมพ์ The New York Times เป็นศิลปินและผู้สร้างที่โดดเด่นเป็นตัวแทนของอิมเพรสชั่นนิสม์นามธรรมแนวความคิดสำเร็จรูปและผู้ก่อตั้ง ของศิลปะป๊อป

ภาพวาดของ Robert Rauschenberg เป็นภาพปะติดและงานจัดวาง เสาโอเบลิสก์ ของใช้ในครัวเรือน และวัตถุอื่นๆ ที่จำแนกได้ยาก งานของอาจารย์เช่นเดียวกับชีวประวัติของเขานั้นตกตะลึงน่าประหลาดใจน่าขยะแขยงและมีเสน่ห์ แต่ก็ไม่มีใครเฉยเมย ไบเซ็กชวลที่ร้อนแรง เภสัชกรที่หงุดหงิด ศัตรูของทุกสิ่งที่คลาสสิกและธรรมดา เขาออกความท้าทายให้กับโลกรอบตัวเขาและตัวเขาเองอย่างต่อเนื่อง

เรมีดิออส วาโร อูรังกา

Remedios Varo Uranga (เกิด 16 ธันวาคม 1908 – เสียชีวิต 8 ตุลาคม 1963) เป็นศิลปินชาวสเปนและเม็กซิกันในศตวรรษที่ XNUMX ซึ่งเป็นตัวแทนของสถิตยศาสตร์ดั้งเดิม ผลงานของ Remedios Varo ก้าวข้ามกรอบของการวาดภาพคลาสสิก: ความฝัน การสะท้อนเชิงปรัชญา เวทมนตร์ กลไก ประวัติศาสตร์ และความลึกลับ ล้วนเชื่อมโยงกันในงานของเซอร์เรียลลิสต์

ในเวลาเดียวกัน ภาพวาดของ Remedios Varo มีความชัดเจนและมีความเป็นผู้หญิง เต็มไปด้วยบรรยากาศในยุคกลางและบอกผู้ดูถึงต้นกำเนิดของจักรวาล ภาพวาดของ Remedios Varo เต็มไปด้วยตัวละครในเทพนิยายที่ฟุ่มเฟือย โครงสร้างทางกลไก และธรรมชาติ แตกต่างจากสถิตยศาสตร์คลาสสิกในผลงานของศิลปินแต่ละคนมีการติดตามอย่างชัดเจนซึ่งนำผู้ชมไปสู่ข้อสรุปบางอย่าง

เบคอนฟรานซิส

ฟรานซิส เบคอน (เกิด 28 ตุลาคม พ.ศ. 1909 – เสียชีวิต 28 เมษายน พ.ศ. 1992) เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการแสดงออกทางอารมณ์ของอังกฤษ ซึ่งเป็นหนึ่งในศิลปินที่คลุมเครือและโหดร้ายที่สุดแห่งศตวรรษที่ XNUMX ผลงานของฟรานซิส เบคอนได้รับการยอมรับว่าน่าประทับใจ: การสร้างสรรค์จินตนาการของมนุษย์ที่น่าสะพรึงกลัวที่สุดกลับมีชีวิตขึ้นมาในภาพวาดของเขา

ฟรานซิสเบคอนไม่ได้รับการศึกษาเชิงวิชาการ ในขณะเดียวกันก็เป็นที่ต้องการและเป็นที่นิยมอย่างไม่น่าเชื่อ ภาพวาดของอาจารย์เป็นความฝันสูงสุดสำหรับทั้งแกลเลอรี่ส่วนตัวและพิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก ซึ่งไม่รังเกียจที่จะรวมผลงานของเขาไว้ในคอลเล็กชัน ผลงานชิ้นเอกของศิลปินบางชิ้นมีมูลค่าหลายสิบล้านดอลลาร์และรวมอยู่ในรายชื่อผลงานศิลปะที่แพงที่สุด

• ภาพวาดของมูริลโล
• จิตรกรรมสมัยใหม่
• ภาพวาดของซัลวาดอร์ ดาลี