Lär känna några drag av modernistiskt måleri

Innovation är det maximala uttrycket för vad den moderna perioden var. I sig förde denna rörelse med sig ett av de största bidragen till XNUMX-talets konst. Och det är därför vi har beslutat att låta dig veta huvuddragen i denna rörelse om konst, särskilt på modernistisk målning och mer

Modernism och modernistiskt måleri

Modern konst är en term som används för att beskriva en period av konsthistoria som sträcker sig ungefär från 1860-talet till 1970-talet. Termen betecknar stilen och filosofin för konst som producerades under den tiden. Dess rötter ligger i det sena XNUMX-talets konstnärer som Van Gogh, Cezanne och Gauguin, vars utbildning och tidiga karriärer baserades på en traditionell målarstil.

Men i slutet av XNUMX-talet började många konstnärer gå bort från realistisk berättelse i ämne och stil, mot en mer abstrakt målarstil som riktade sig till deras nya estetiska idéer, detta skulle senare bli känt som modernistiskt måleri. Så termen "modernistisk eller modern" förknippas med konst, vilket tar avstånd från detta konstnärliga uttryck från traditionellt måleri.

Moderna konstnärer lekte med outforskade sätt att se sina ämnen och nya sätt att använda traditionella målningsmaterial. Dessa utmanade idén att konst skulle representera världen realistiskt, experimenterande med uttrycksfull användning av färg, nya tekniker och icke-traditionella material som nu anses vara kännetecknet för modernistisk konst och måleri.

Början av XNUMX-talet förde med sig ännu mer experimenterande. The Fauve artister (Fauvism), de började måla uttrycksfulla "vilda" landskap och kubistiska konstnärer började dekonstruera motiv till solida former, vilket gjorde dem nästan abstrakta.

Dessa konströrelser och de som följde dem fram till XNUMX-talet, baserades på nya sätt att tänka på, se och utforska konst, vilket gör själva definitionen av vad modern konst är. Där modern konst är en term som används för att beskriva en konstnärlig rörelse och en period av konsthistoria, är modernism namnet på den filosofiska rörelse som växte fram samtidigt.

Den industriella revolutionen, den snabba tillväxten av stadsområden och nya transportformer bidrog till utvecklingen av modernismens filosofi som förkastade traditionella tankeformer, konst, religion och socialt beteende. Modernism och modern konst hänger ihop och samexisterar: modernismens teorier föder konstnärernas tänkande, och modern konst främjar filosofin i praktiken.

Kännetecken för det moderna inom konsten

Även om det inte finns någon enskild egenskap som definierar "modern konst", stack den ut för ett antal viktiga egenskaper, såsom följande:

Nya typer av konst

Moderna konstnärer var de första som utvecklade konsten att kollage, olika former av assemblage, en mängd olika kinetisk konst (inklusive mobiler), olika genrer av fotografi, animation (teckning plus fotografi), landkonst eller vallar och performancekonst.

Användning av nya material

Moderna målare planterade föremål som tidningsurklipp och andra föremål på sina dukar. Skulptörer använde hittade föremål, som Marcel Duchamps "readymades", från vilka de skapade skräpkonstverk. Sammansättningarna tillverkades med de vanligaste vardagsartiklarna, såsom: bilar, klockor, resväskor, trälådor och annat.

uttrycksfull användning av färg

Den moderna konstens strömningar som fauvism, färgfältsmåleri och expressionism var de första som detonerade färg på ett ganska betydande sätt.

Nya tekniker

Kromolitografi utarbetades av affischkonstnären Jules Cheret, automatisk teckning definierades av surrealistiska konstnärer, på samma sätt som Frottage och Decalcomania. Gestmålarna tänkte på actionmålning. Under tiden introducerade popartister "Benday dots" och screentryck i konsten. Andra rörelser och skolor för modern konst som också introducerade nya tekniker i utförande och bearbetning av måleri.

Modernistiska konströrelser

Det modernistiska måleriets början kan inte begränsas, men det råder allmän enighet om att det började i Frankrike på XNUMX-talet. Målningarna av Gustave Courbet, Edouard Manet och impressionisterna representerar ett djupare förkastande av det rådande akademiska arvet och ett sökande efter en mer naturalistisk representation av det visuella universum.

Efterföljarna kan ses som mer moderna i sitt förkastande av traditionella metoder och teman och i sitt uttryck för en mer abstrakt personlig vision.  Med början på 1890-talet uppstod en rad olika rörelser och stilar, som är kärnan i samtidskonsten och representerar en av höjdpunkterna i västerländsk visuell kultur. Dessa moderna rörelser inkluderar:

• nyimpressionism
• symbolik
• fauvism
• cubism
• futurismo
• expressionism
• Suprematism
• Constructivism
• metafysisk målning
• De Stijl
• Dada
• surrealism
• Social realism
• Abstrakt expressionism
• Popkonst
• Op art
• minimalism
• nyexpressionism

Oavsett den enorma variation som ses i dessa rörelser, är många av dem karakteristiskt samtida i sin undersökning av potentialerna som finns i själva bildmediet för att uttrycka ett religiöst svar på de olika livsvillkoren under XNUMX-talet och framåt.

Dessa villkor inkluderar accelererande tekniska förändringar, tillväxten av vetenskaplig kunskap och förståelse, den uppenbara irrelevansen hos vissa standardkällor för övertygelser och värderingar och den växande medvetenheten om icke-västerländska kulturer.

Kronologi och evolution

Utvecklingen av modern konst i all dess representation (modernistiskt måleri med mera), presenterades och utvecklades i världen genom olika former och orsaker, som kommer att beskrivas kronologiskt nedan:

1870-1900

Även om den sista tredjedelen av XNUMX-talet dominerades något av den nya impressionistiska målarstilen, fanns det faktiskt flera banbrytande delar av modern konst och modernistiskt måleri, var och en med sin egen speciella inställning. Dessa inkluderade:

• Impressionism (noggrannhet i att ta effekterna av solljus).
• Realism (innehåll – tema).
• Akademisk konst (riktiga bilder av klassisk stil).
• Romantik (sinnetillstånd).
• Symbolism (gåtfull ikonografi).
• Litografisk affischkonst (djärva motiv och färger).

Det sista decenniet av denna period såg en serie revolter mot akademierna och deras salonger i form av Secession-rörelsen, medan det sena 1890-talet såg nedgången av naturbaserad konst, som impressionismen, vilket snart skulle leda till en ökning av fler seriös budskapsbaserad konst.

1900-14

Nästan i allt var detta den modernaste konstens mest imponerande tid, då allt fortfarande var potentiellt gångbart och när "prylen" fortfarande visualiserades bara som en allierad till människan. Pariskonstnärer producerade ett antal nya stilar, inklusive: Fauvism, Kubism och Orphism. Medan tyska konstnärer lanserade sin egen modernistiska expressionistiska målarskola.

Alla dessa progressiva rörelser avvisade traditionalistiska attityder till konst och försökte försvara sin egen speciella agenda för modernismen. Sålunda ville kubismen prioritera måleriets formella attribut, medan futurismen föredrog att betona maskinens möjligheter, och expressionismen försvarade individuell uppfattning.

1914-24

Det stora krigets blodbad och förstörelse förändrade saker totalt. 1916 lanserades Dada-rörelsen, fylld av en nihilistisk strävan att undergräva det värdesystem som hade skapat Verdun och Somme. Plötsligt verkade representativ konst obscen. Ingen bild kunde konkurrera med fotografier av krigsdöda. Konstnärer hade redan alltmer vänt sig till icke-objektiv konst som uttrycksmedel. Dåtidens abstrakta konströrelser inkluderade:

• Kubism (1908-40)
• Vorticism (1914-15)
• Suprematism (1913-18)
• Konstruktivism (1914-32)
• Stijl (1917-31)
• Neoplasticism (1918-26)
• Elementarism (1924-31)
• Bauhaus (1919-33)
• Den senare St Ives School

Även de få figurativa rörelserna var tydligt avantgardistiska, vilket framgår av metafysisk måleri (1914-20). 

1924-40

Åren av fred mellan krigen förblev präglade av politiska och ekonomiska svårigheter. Abstrakt modernistisk måleri och skulptur förblev framträdande, eftersom konst som var särskiljande för verkligheten i stort sett förblev omodernt.

Även den realistiska flygeln av den surrealistiska rörelsen, periodens största rörelse, kunde inte hantera mer än en fantasiverklighetsstil. Samtidigt växte en mer olycklig verklighet fram på kontinenten, i form av nazistisk konst och sovjetisk agit-prop. Endast Art Deco, en ganska elegant designstil inriktad på arkitektur och brukskonst, uttryckte något förtroende för framtiden.

1940-60

Konstvärlden förvandlades av katastrofen under andra världskriget. Till att börja med flyttades dess tyngdpunkt från Paris till New York, där den har legat sedan dess. Nästan alla framtida världsrekordpriser skulle uppnås i försäljningsrummen på Christie's och Sotheby's i New York. Under tiden hade det outsägliga fenomenet Auschwitz underminerat värdet av all realistisk konst utom förintelsens konst för de drabbade.

Som en konsekvens av allt detta skapades nästa stora internationella rörelse, abstrakt expressionism, av amerikanska konstnärer från New York School. Faktum är att under de kommande 20 åren kommer abstraktionen att dominera, allt eftersom nya rörelser dyker upp. Dessa inkluderade:

• Informell konst.
• Actionmålning.
• Gesturalism.
• Rökning
• Färgfältsmålning.
• lyrisk abstraktion.
• Hard Edge Paint
• COBRA, en grupp som kännetecknas av sin barnikonografi och sina uttrycksfulla linjer.

Under 1950-talet grodde andra mer djärva typer av stilar, såsom: kinetisk konst, Nouveau Realism och Neo-Dada, som alla manifesterade en progressiv oro med den smala konstbranschen.

1960

Explosionen av populärmusik och tv återspeglades i popkonströrelsen, vars bildrepresentationer av Hollywoodkändisar och populärkulturikonografi firade framgången för masskonsumtion i USA. Den hade också en fräsch, modern känsla, som hjälpte till att skingra en del av det tidiga 60-talets dysterhet i samband med Kubakrisen 1962. Vilket i Europa hade underblåst framgången för Fluxus-rörelsen ledd av:

• George maciunas
• Joseph Beuys
• Nam juni Paik
• Wolf vostell

Jordnära popkonst var också en välkommen motpol till den mer lärda abstrakta expressionismen, som redan hade börjat blekna. Men 1960-talet såg också uppkomsten av en annan högprofilerad rörelse känd som Minimalism, en form av modernistisk målning och skulptur renad från alla yttre referenser eller gester, till skillnad från den abstrakta expressionismens känsloladdade språk.

Modernism inom den grafiska konsten

I slutet av XNUMX-talet började konstnärer tröttna på traditionella och konservativa konstformer. I Wien kallade sig en grupp konstnärer med Gustav Klimt i spetsen för Wien-secessionen och avskärmade sig från konstinstitutionerna i den österrikiska huvudstaden på den tiden.

Gruppen utforskade okända territorier i form, komposition och uttryck, vilket utlöste liknande experiment i andra närliggande länder som Frankrike och Tyskland. Rika modernistiska målardrag och realism översätts till platta färger och stilistisk typografi, uttryck som skulle bana väg för grafisk konst.

När första världskriget började användes grafisk design redan för kommersiella, företags- och estetiska ändamål. Hans nya roll skulle vara politisk, använd i affischer och propaganda under kriget.

Framsteg inom massfärgutskrift möjliggjorde effektiv produktion av meddelanden för att samla in pengar, uppmuntra mönstring och öka moralen. Oron och utmaningarna i båda världskrigen inspirerade till slut den första vågen av sann modernism inom grafisk design.

I Europa och Amerika hämtade grafiska formgivare inspiration från bredare konströrelser som kubism, futurism, De Stijl och surrealism. I Tyskland hade Bauhaus-rörelsen också en betydande inverkan på grafisk design. Med sina djärva linjer, primära färger och störande vita rymden var den lika slående i 2D-formatet som den är i arkitektur eller skulptur.

I slutändan definierades modernistisk design av abstrakt uttryck, djärv typ och primära färger och former. Dessa designers närmade sig arbetet objektivt och betonade det rationella framför det uttrycksfulla (och betonade den klassiska modernistiska tron ​​att form följer funktion).

När nazisterna kom till makten på 1930-talet fördömdes modernistiska experiment i alla metoder, och många konstnärer, arkitekter och designers immigrerade till USA. Även om modernistisk design avbröts i sin tillväxt, är det fortfarande en av de mest slagkraftiga rörelserna i grafisk designs historia.

Art Nouveau smycken, glas, keramik, möbler och smide

De modernistiska juvelerare i USA som utövade sitt hantverk från 1930-talet till 1960-talet var ganska eftertryckliga i sitt förkastande av stilarna som hade kommit tidigare. Viktorianska smycken avfärdades som för dekorativa, art nouveau-pjäser ansågs vara för krävande och art déco-estetik ansågs vara alltför stel. Dessa juvelerare ansåg att de hade mer gemensamt med dagens moderna målare, skulptörer och andra konstnärer.

Hans ambitiösa mål var att skapa unika konstverk som människor kunde använda. En av de tidiga mästarna och utövarna av formen var Sam Kramer, som, liksom många av hans samtida, bodde, arbetade och sålde sina skapelser i New York Citys Greenwich Village. Kramer arbetade främst i silver, men var också skicklig på att göra kopparringar, örhängen och stift och hittade artefakter inklusive älgtänder, knappar, fossiler och antika mynt.

Ibland använde Kramer halvädelstenar som granater eller opaler i sina surrealistiska, geometriska eller biomorfa bitar. En annan inofficiell ledare för den modernistiska smyckesrörelsen var Kramers granne Art Smith. Hennes smycken sträckte sig från enkla silverringar till biomorfa bitar som är baserade på afrikanska motiv.

Medan Smith gjorde små bitar som manschettknappar och örhängen, var många av hans bästa verk tillräckligt stora för att omsluta kroppen, som om den mänskliga formen bara var bakgrunden för hans skapelser.

Hans vintage koppararmband, särskilt "jazz"-handbojorna med musiknoter applicerade på deras yttre ytor, är mycket samlarbara. Bumeranger, raka linjer som korsar kurvor och atomålderns former kännetecknar Ed Wieners verk.

Ibland pryddes ett par silverörhängen som såg ut som skeva timglas med en enda pärla. Andra gånger placerades en kattöga-agat i mitten av en bit, som för att ge dess livlösa föremål utseendet av ett mänskligt ansikte.

En annan Greenwich Villager vars vintage modernistiska smycken är högt ansedda var Paul Lobel, som designade bedårande silvernålar och armband, samt glas, möbler och silver. Utanför New York fanns Betty Cooke, som arbetade i Bauhaus-läget i Baltimore.

Hennes smycken var gjorda av geometriska former och kännetecknades av en stark känsla för ordning och reda, som hon medvetet skulle störa genom den skarpa placeringen av pärlor, små träblock eller till och med ofullbordade stenar som kvarts.

En annan Bauhaus-akolyt var Margaret De Patta, vars arbete återspeglade det djupa inflytandet från Bauhausmästaren László Moholy-Nagy, som hon studerade med. Samtidigt, i San Francisco, tittade Peter Macchiarini på afrikanska masker och kubismen för inspiration. Mässing, koppar och silver var vanliga material, tillsammans med opaler, agater och trä.

I Skandinavien pågick under 1940- och 1950-talen en parallell rörelse. Henning Koppel och Nanna Ditzel var två anmärkningsvärda designers för Georg Jensen, vars halsband i silvertår och amöba kombinerade perfektion av dansk guldsmide med ett intresse för naturliga, till och med primitiva former.

Senare, på XNUMX-talets Finland, gifte sig Björn Weckström med massivt silver och bitar av polerad akryl för att skapa ringar, armband och hängen som var både rymdåldern och ekologiska. Andra områden som utforskades av modernistiska konstnärer var produktion av keramik, möbler, glas och metallurgi. Bland de mest framstående artisterna kan följande nämnas:

• Louis Comfort Tiffany (designer)
• Émile Gallé (keramiker och glasmakare)
• Antonin Daum (glasmästare)
• Lluís Masriera (juvelerare)
• Carlo Bugatti (möbeldesigner)
• Louis Majorelle (möbeldesigner)
• Gustave Serrurier-Bovy (möbeldesigner)
• Jacques Grüber (dekoratör och målare)
• Jules Brunfaut (arkitekt och dekoratör)
• Auguste Delaherche (keramiker)
• Georges de Feure (målare och dekoratör)

modernistisk målning

Den moderna konsthistoriska perioden var en stor åskådare av nedbrytningen av traditionella begränsningar, både vad gäller form (konstens utseende) och innehåll (ämnet). Detta skedde inom konstens alla grenar, med måleriet i spetsen. Visserligen hade målare lett estetisk innovation i Europa sedan slutet av antiken.

Den mest framträdande innovationen i form var uppkomsten av allt mer förvrängda målarstilar, som kulminerade i födelsen av abstrakt konst. Innehållsmässigt tenderar det modernistiska måleriet att presentera vanliga, vardagliga scener, till skillnad från traditionella "höga" ämnen (bibliska, mytologiska, historiska).

Det modernistiska måleriets födelse spåras ofta till realismen, en fransk rörelse som skildrade scener från vardagen på ett fysiskt realistiskt sätt. Även om realistiska scener i det dagliga livet kan spåras tillbaka till renässansens låglandsmåleri, tog den moderna realismrörelsen ett nytt tillvägagångssätt genom att fokusera på hårda realiteter inklusive: fattigdom, hemlöshet och arbetsförhållanden.

Denna rörelse leddes av Gustave Courbet, vars mest anmärkningsvärda verk är "The Stonebreakers" och "Entierro de Ornans". Även om förvrängning, inte realism, skulle bli den dominerande trenden inom modernistiskt måleri, har den realistiska konsten fortsatt att blomstra fram till denna dag. Mycket av denna konst är, liksom den ursprungliga franska rörelsen, socialt medveten.

Nästa stora fas av modernistiskt måleri var impressionismen, en snabb, skissartad stil som fångar helhetsintrycket av en scen (i motsats till exakta detaljer). I synnerhet försöker impressionismen att fånga ljusets momentana effekter, främst genom intilliggande penseldrag av ljusa, kontrasterande färger (som förstärker briljansen i båda färgerna, vilket ger en glödande effekt).

Impressionisterna var den första gruppen konstnärer som i första hand målade på plats, snarare än att rita på plats och måla i ateljén. Impressionismens rötter ligger i Édouard Manets verk, som målade i en ganska realistisk stil. Emellertid orsakade Manet kontroverser genom att endast löst hålla fast vid perspektivet, återge bakgrunder på ett förenklat schematiskt sätt och platta till ytorna på föremål till områden med enfärgade (snarare än att modellera föremål med jämn skuggning).

Dessa tendenser blev först tydligt i Luncheon on the Grass, Manets mest kända tidiga målning. De blir mer uttalade i hans senare verk, inklusive: "A bar at the Folies-Bergére", ofta ansett som hans mästerverk. Förlängningen av Manets stil ledde till impressionismen, eftersom skarpa detaljer och realistisk modellering övergavs till förmån för snabba penseldrag och stänk av enfärgade.

Den mest framstående impressionisten var Claude Monet, som främst arbetade med landskap och havslandskap. Hans tidiga verk inkluderar många kustmålningar runt hans hemstad Le Havre, inklusive "Impression, Sun Rising." När detta verk kritiserades som ett "bara intryck" säkrades stilens namn.

Ibland återvände Monet till ett motiv flera gånger, vid olika tidpunkter eller årstider, för att fånga en hel rad ljusförhållanden. Detta tillvägagångssätt kulminerade i den berömda näckrosserien, som innehåller många behandlingar av näckrosdammen utanför huset som Monet drog sig tillbaka till.

Impressionismen omfattar många av de mest kända namnen inom måleriet. Tillsammans med Monet leddes impressionistisk landskapsmålning av Sisley och Pissarro. De mest framstående figurmålarna i den impressionistiska stilen var:

• Renoir
• Morisot
• Av gas.

Impressionisterna, som en aning suddade ut och förenklade verkligheten, följdes av en grupp konstnärer som tog förvrängningen mycket längre: postimpressionisterna, som upptäckte att slående nya känslomässiga effekter var möjliga om verklighetens former och färger förvandlades mer spektakulära.

Vissa postimpressionister eftersträvade geometrisk förvrängning (där världen komprimeras till geometriska former, vilket skapar en känsla av stelhet och kontroll), medan andra utforskade vätskeförvrängning (där världen är skev på ett flytande och organiskt sätt). Båda typerna av distorsion (särskilt flytande) presenterar ofta dramatiskt orealistiska färger.

Den främsta pionjären för geometrisk distorsion var Paul Cézanne, som smidigt förenklade en scens fysiska egenskaper till geometriska former. Detta resulterade i landskap (hans föredragna ämne) med ett något stelt, blockigt utseende.

Den viktigaste pionjären för vätskeförvrängning var Vincent van Gogh. (Andra viktiga figurer inkluderar Gauguin, Munch och Toulouse-Lautrec.) Van Goghs stil är flytande och färgstark, med särskild tonvikt på gult. The Starry Night kan vara hans mest kända verk.

Medan Georges Seurat utvecklade en mycket distinkt form av postimpressionism: pointillism, där scener återges i många prickar av en enda färg. Det mest kända pointillistverket är "Sunday Afternoon" som speglar ön La Grande Jatte.

modernistisk skulptur

Modern skulptur definieras historiskt som skulptur som börjar med Auguste Rodins verk och slutar med popkonstens och minimalismens tillkomst på 1960-talet. Alex Potts diskussion 2001 om den moderna skulpturens historieskrivning är omfattande för en förståelse av media, period, och metoder som används av nyckelkonstnärer.

Medan det nu ses som en klyscha att starta den modernistiska rörelsen inom skulptur med Rodins verk, börjar man i hans verk se trender som kommer att bli karakteristiska för modern skulptur, såsom ett nytt intresse för fragmentet, i synnerhet kroppen.

Samt en ytbehandling och uttrycksfull ytdetalj, en uppmärksamhet på rörelse, en symbolisk sammansmältning av en figurs inre uttryck och dess yttre representation, eller vad Constantin Brancusi kallade "essens". Och en större hänsyn till abstraktion, fragmentering och icke-representation i skulpturala föremål, det vill säga ett medvetet avsteg från realism och akademisk idealism.

Skulptörer lade under denna period också betoning på design, form och volym framför representationen av ett specifikt ämne. Användningen av material som inte traditionellt används i de slutliga skulpturkoncepten blev mer påtaglig, såsom användningen av: kläder, textilier och andra blandmedier. Som man kan se i "Lilla fjortonåriga ballerina" gjord av Edgar Degas mellan åren 1878-1881, ligger den för närvarande i National Gallery, Washington.

Sammanslagningen av mänskliga och mekaniska element observeras under perioden av maskinåldern, som i verk av Umberto Boccioni och Jacques Lipschitz, förutom den förvrängning och bräcklighet som förekommer i verk från mellankrigstiden, såsom i verk av Medardo Rosso och Alberto Giacometti.

Konstens inflytande utanför den västerländska, det vill säga europeiska, traditionen blev mycket inflytelserik för skulptörer vid sekelskiftet och kan ses i Paul Gauguins och Pablo Picassos skulpturer. Konstnärer som Naum Gabo och Antoine Pevsner började använda material som inte hade använts för konstskulptur i det omedelbara förflutna och nyuppfunna material som plast.

Materialen som hade använts i det förflutna blev viktigare i modern tid, såsom: aluminium med Isamu Noguchi, elektricitet för ljus i skulptur och för motoriserad rörelse av Camille Claudel, järn av Julio González, ledd av Aristide Maillol, stål och svetsad metaller av David Smith och Julio González, trä av Constantin Brancusi och hittade föremål av Louise Nevelson.

Även om det finns exempel på rörliga skulpturer gjorda av tidigare skulptörer som: Antonio Canova och Lorenzo Bartolini. Som vi skulle se som kinetisk skulptur idag, både antydan om rörelse i skulptur och faktiska rörliga skulpturer blev mer framträdande under första hälften av XNUMX-talet. Alexander Calder och László Moholy-Nagy implementerade en större användning av rörelseteknik i sina verk under andra hälften av seklet.

Spänningen och reaktionen mellan den positiva bilden och det negativa utrymmet som omger ett konstverk spelade också en betydande roll, och detta kan särskilt ses i Giacomettis, Picassos och David Smiths tidiga verk och "rymdteckningar" samt i skulptur av Jean Arp, Henry Moore och Barbara Hepworth.

De ovan nämnda konstnärerna, tillsammans med många andra, inklusive: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens och Aristide Maillol, gjorde ett betydande avbrott med skulpturen från det nära förflutna, befriad det från deras beroende av anatomi och deras träldom till arkitekturen, och de tog mediet längre än någon generation sedan skulptörerna från den tidiga renässansen.

Modern arkitektur

Modern arkitektur växte fram ur förkastandet av väckelser, klassicism, eklekticism och alla anpassningar av tidigare stilar till byggnadstyperna i det industrialiserade samhället i slutet av XNUMX- och XNUMX-talen. Dessutom växte det fram ur försök att skapa arkitektoniska former och stilar som kunde använda och återspegla den nyligen tillgängliga byggnadstekniken av strukturellt järn och stål, armerad betong och glas.

Fram till postmodernismens spridning innebar modern struktur också förkastandet av den applicerade prydnad och dekoration som är karakteristisk för förmoderna västerländska byggnader. Tyngdpunkten i modern arkitektur har varit en rigorös koncentration på byggnader vars rytmiska arrangemang av människor och former etablerar ett geometriskt mönster i ljus och färg.

Denna utveckling var nära kopplad till de nya typer av byggande som krävdes av ett industrialiserat samhälle, till exempel kontorsbyggnader som inrymmer företagsledning eller statlig ledning. En av de viktigaste trenderna och rörelserna inom modernistisk arkitektur är:

• Chicagoskolan
• funktionalism
• art déco
• art nouveau
• De Stijl, Bauhaus
• Den internationella stilen
• Den nya brutalismen
• Postmodernism

moderna konstnärer

Den moderna konstens historia är historien om de största konstnärerna och deras prestationer. Moderna konstnärer har ansträngt sig för att uttrycka sin syn på omvärlden med hjälp av visuella medel. Medan vissa har kopplat sitt arbete till tidigare rörelser eller idéer, var det övergripande målet för varje konstnär i modern tid att föra fram sin praktik till en position av ren originalitet.

Vissa konstnärer etablerade sig som självständiga tänkare och vågade sig bortom vad som utgjorde acceptabla former av "högkonst" vid den tiden, med stöd av traditionella statliga akademier och överklassbeskyddare av bildkonsten. Dessa innovatörer beskrev ett ämne som många betraktade som oanständigt, kontroversiellt eller rent av rent av fult.

Den första moderna konstnären som stod i huvudsak ensam i denna mening var Gustave Courbet, som i mitten av 1849-talet försökte utveckla sin egen särpräglade stil. Detta åstadkoms till stor del med hans målning från 1850-XNUMX, Burial at Ornans, som chockade den franska konstvärlden genom att porträttera begravningen av en vanlig man från en bondeby.

Akademien bröt åt skildringen av smutsiga lantarbetare runt en öppen grav, eftersom endast klassiska myter eller historiska scener var det lämpliga ämnet för en så stor målning. Courbet var till en början utfryst för sitt arbete, men han visade sig så småningom vara mycket inflytelserik för efterföljande generationer av moderna konstnärer. Detta allmänna mönster av avslag och efterföljande inflytande har upprepats av hundratals konstnärer i modern tid.

Nedan är en lista över några av de mest framstående konstnärerna inom den modernistiska formen av konstnärligt uttryck:

• Eugene Atget
• Hippolyte blancard
• Paul Cezanne
• Salvador Dalí
• Max Ernst
• Paul Gauguin
• Vincent Van Gogh
• Hector Guimard
• Wassily Kandinsky
• Raoul Francois Larche
• Jacques-Henri Lartigue
• Fernand Léger
• Henri Matisse
• Joan Miró
• Edvard Munch
• Pablo Picasso
• Piet Mondrian
• franz klein
• Paul Klee
• Frantisek Kupka
• Paul Strand
• charles sheeler
• Henrik av Toulouse
• Lautrec
• Edouard Vuillard

Om du tyckte att den här artikeln om modernistisk målning var intressant, inbjuder vi dig att njuta av dessa andra:

• Vermeers mjölkjungfru
• Salvador Dali målningar
• Romantikmålning