Tänkt av dess skapare och anhängare som en bred trend inom konst som speglar sökandet efter nya betydelser av samtida konstnärer, postmodern konst är svaret i detta sökande på den klassiska kulturens kris.
postmodern konst
Man tror att på XNUMX-talet ägde den så kallade "döden av supergrunderna" rum: Gud, människan och författaren. Den religiösa basen skakades med andra ord, en kris av humanistiska idéer uppstod och skaparna gick från att skapa en ny till att tänka om den gamla.
Postmodernismen inom konsten är en del av en global trend som har omfamnats av världskulturen och världsfilosofin. Postmodernismen är inte en enda stil, utan ett komplex av riktningar, förenade av en gemensam ideologisk grund. Många av dem slåss till och med mot varandra.
Postmodernism är en term som kommer från det franska språket (postmodernisme). Detta namn återspeglar innebörden av riktningen som ersatte konsten från modernismens era (inte att förväxla med modernism). I slutet av XNUMX-talet och början av XNUMX-talet gav modernistiska (eller avantgardistiska) rörelser ett hårt slag mot klassisk konst. Men gradvis upphörde skaparna att vara nöjda med modernistiska tillvägagångssätt.
Parallellt med en mängd nya tekniska utvecklingar har postmodernismen lett till konstnärliga experiment med nya medier och nya konstformer i nästan fem decennier, inklusive konceptuell konst, olika typer av performance och konstinstallationer, och datorströmningar som dekonstruktivism och teknologi. .
Kännetecken för postmodernismen
Jean-François Lyotard och andra teoretiker beskriver modernitetens andliga grundvalar som en orubblig tro på en stadig utveckling av allt mer detaljerad komprimerbarhet av världen och gradvis förhållningssätt till perfekt kunskap. XNUMX-talets totalitära system misskrediterade permanent den absoluta karaktären hos sådana modeller.
Här är skälen till behovet av att definiera postmodernism som ett medvetet brott med moderniteten. Postmodernismen avvisar inte bara den moderna tron på framsteg, utan också existensen av en begriplig objektiv verklighet. Postmodern teori och estetik antar att all kunskap, all perception och varje område av medvetande och existens är föremål för relativitet. Ett nyckelbegrepp inom postmodernismen är pluralitet.
Modernitetens önskan att ständigt skapa något nytt, och de konstnärliga medel som används för att uppnå det, ses som automatiserade, etablerade och förlegade i postmodernismen. Principen att inget nytt kan skapas gör användningen av citat till ett väsentligt stilistiskt inslag i postmodern konst.
Kravet på öppenhet i konstbegreppet och det enskilda konstverket öppnar å ena sidan nästan gränslösa möjligheter: postmodernismen öppnar upp för en mängd nya uttrycksformer genom att överskrida genrernas gränser.
En ofta använd teknik i den postmoderna eran är collage. Denna term, som myntades i början av XNUMX-talet för Dada-klistermärken, är mycket bredare i den postmoderna eran. Det innefattar till exempel storskaliga installationer, filmteknik eller musikaliska kompositionsprocesser.
Författare som Umberto Eco (Rosens namn), arkitekter som Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Wien) och konstnärer som Keith Haring försöker överbrygga klyftan mellan elitistisk förståelse av konst och masskultur; detta är också en väsentlig aspekt av postmodern estetik.
Många postmoderna verk, särskilt inom scenkonsten, vill inte förstås som ett perfekt resultat, utan som ett experimentellt arrangemang. Presentationen kommer att vara fragmentarisk (litteratur: Roland Barthes, Fragments of a language of love) eller ett pågående arbete (dansteater: William Forsythe, Scotts pjäs) i olika skeden av dess utveckling.
Konstkritiker ger olika svar på frågan om vad som är postmodernism i måleriet, eftersom den postmoderna kulturen är en mångfacetterad företeelse och inte har en tydlig ideologisk plattform. Postmodernister skapade inte en universell kanon, dessutom vägrade de att skapa en i princip. Det kanske enda grundläggande värdet som deklarerats av anhängare av denna trend är oändlig yttrandefrihet.
Postmodernismen är inte en rörelse, utan ett allmänt sätt att tänka. Därför finns det ingen enda lista över egenskaper som definierar "postmodern konst". Det finns dock ett antal egenskaper som är karakteristiska för postmodern konst:
- Konstnärens obegränsade och absoluta frihet i valet av metoder för självuttryck.
- Tänk om traditionella bilder, inklusive dem i ett nytt sammanhang (därav den breda spridningen av remakes, tolkningar, konstnärliga citat, lån, anspelningar).
- Synkretism, det vill säga sammansmältningen av heterogena element till en enda helhet, som ibland till och med motsäger varandra (till exempel användningen av olika stilar av konstnären i en målning, eller till och med en kombination av målning med andra typer av konst).
- Dialog, det vill säga en blick på ämnet från olika vinklar, från olika «röster» ställning, som slutligen skapar en polyfonisk «symfoni».
- Presentationsform av verket, inbjudan av betraktaren att gå med i verket med betydelser.
- Kreativitetens chockerande natur.
- Författarens ironi och självironi. Konstnärer är nu mycket mer skeptiska till "stora idéer" (t.ex. att alla framsteg är bra).
- Postmodernism är ett uttryck för en utbredd besvikelse av livet och kraften hos befintliga värdesystem och/eller teknologier för att åstadkomma positiv förändring. Som ett resultat har auktoritet, erfarenhet, kunskap och motivation hamnat i vanrykte.
- Modern konst sågs inte bara som elitistisk, utan också som vit (i betydelsen hudfärg), mansdominerad och ointresserad av minoriteter. Det är därför postmodern konst förespråkar konst av tredje världens konstnärer, feminister och minoriteter.
Postmodern, samtida och senmodern konst
Som huvudregel används postmodern konst och samtidskonst mer eller mindre synonymt. Men ur teknisk synvinkel betyder postmodern konst "efter moderniteten" och avser en fast period med början omkring 1970, medan samtidskonsten avser främst den föränderliga perioden på runt femtio år omedelbart före XNUMX-talet.
För närvarande sammanfaller dessa två perioder. Men år 2050 kan postmodern konst (t.ex. från 1970-2020) ha ersatts av en annan era, men samtidskonsten täcker då perioden fram till det året.
Inom bildkonsten syftar termen senmodern på rörelser eller trender som förkastar en aspekt av modern konst men i övrigt kvarstår i modernitetens tradition. Stilar som abstrakt expressionism (1948-65) praktiserades av ett antal radikala moderna konstnärer, inklusive Jackson Pollock och Willem De Kooning, som motsatte sig många av oljemålningens formella konventioner.
Och ändå kunde varken Pollock eller de Kooning ha producerat något liknande Rauschenbergs Erased De Kooning Drawing, eftersom de båda var starkt troende på begreppen autenticitet och mening.
Den postmoderna konstens historia
Den första betydande konststilen efter renässansen var akademisk konst, som undervisades av professorer i akademierna. Inom den akademiska konsten sammanstrålar många stilar och strömningar, som klassicism och romantik. Från 1870, med impressionismens ankomst, uppstod modern konst. De första dragen uppstod omkring 1970, som nu sammanfattas som postmodern konst.
Modern konst förknippas mest med 1870-1970-talet, från impressionism till popkonst, till exempel. Trots olika globala katastrofer (första världskriget, influensan, Wall Street-kraschen och den stora depressionen) som undergrävde många av dagens moraliska säkerheter, behöll moderna konstnärer i allmänhet en tro på de grundläggande vetenskapliga naturlagarna, förnuft och rationell trodde.
I allmänhet, som de flesta västerlänningar på den tiden, trodde de att livet hade mening. Att vetenskapliga framsteg automatiskt var positiva, att det kristna västern var överlägset resten av världen, att män var överlägsna kvinnor. Modernismen trodde också på konstens betydelse, relevans och framsteg, särskilt konst och arkitektur.
I fotspåren av Leonardo och Michelangelo trodde de på hög konst, konst som lyfter och inspirerar den bildade betraktaren, och inte "låg konst" som bara underhåller massorna. De tog ett progressivt grepp och såg konsten som något som ständigt borde utvecklas, guidad av en ledande grupp avantgardekonstnärer.
Andra världskriget och Förintelsen vände upp och ner på allt. Paris ersattes plötsligt av New York som konstvärldens huvudstad. I efterdyningarna av krigets grymheter verkade all figurativ konst plötsligt irrelevant, så moderna målare vände sig till abstrakt konst för att uttrycka sig.
Överraskande nog främjade New York School, med målningarna av Jackson Pollock och den lugnare färgfältsmålningen av Mark Rothko, en tillfällig återupplivning av konsten på båda sidor om Atlanten på 1950-talet. Avantgardemålare lyckades omdefiniera gränserna för abstrakt måleri, men höll sig inom modernitetens gränser. De trodde på att skapa autentiska, färdiga konstverk med betydande innehåll.
Men moderniteten höll oundvikligen på att ta slut. De ökande avslöjandena av Shoah, atombombtesterna, Kubakrisen och Vietnamkriget gjorde människor allt mer desillusionerade med livet och konsten.
Jasper Johns och Robert Rauschenberg hade redan producerat de första postmoderna verken av Neo-Dada och popkonst i mitten av 1950-talet. Snart skulle mainstream-popkonsten inleda den postmoderna konsten själv, eftersom amerikanska tv-nätverk fokuserade på Tet-offensiven 1968 och den kaotiska Demokratiska nationella konventet 1968.
Från denna tid i konsthistorien kan också inställningen till konsten från konstnärens och allmänhetens sida etableras. Nutidens konstnärer och åskådare bestäms inte av läro- och givarinstitutionernas gamla idéer om vad konst är och vad konst kan vara. Konstens möjligheter och tillämpningar har blivit mer mångsidiga utan att behöva tvinga in sig i en viss korsett.
Modern arkitektur påverkades av önskan att skapa en helt ny stil för den moderna människan. Arkitekterna ville ta bort alla historiska referenser och skapa något helt nytt. Detta ledde till den internationella stilen (cirka 1920-1970), en minimalistisk design av regelbundenhet.
Lyckligtvis, runt 1970, började postmoderna arkitekter återuppliva XNUMX-talets arkitektur genom att designa strukturer med intressanta drag hämtade från populärkultur och mer traditionella arkitektoniska stilar. Strukturer som tycks undgå gravitationen har också möjliggjorts av nya datorstyrda möjligheter inom dekonstruktivismens ramar.
Den postmodernistiska rörelsen tog form på 1960- och 1970-talen, men förutsättningarna för dess uppkomst är förknippade med en världsbildskris som uppstått långt tidigare. Bland dem: Spenglers avhandling om Europas förfall; kollaps av det allmänna medvetandet på grund av första världskriget; förekomsten inom vetenskapen av idéer om inkonsekvensen och tvetydigheten i världsordningen (från icke-euklidisk geometri till kvantfysik).
Begreppet postmodernt användes redan i slutet av 1950-talet och sedan i ökande grad i början av 1970-talet, men först på 1979-talet i betydelsen av dess nuvarande innebörd. I slutet av XNUMX-talet bidrog främst två författare till att etablera termen som en permanent inventering: Jean-François Lyotard med sitt verk La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, XNUMX) och Charles Jencks med essän The Rise of Postmodern Architecture. .
Med introduktionen av termen postmodern definieras modernismen för första gången som en sluten historisk epok (som antiken eller medeltiden före den). Postmodern har blivit etablerad som en stilistisk term, särskilt inom arkitekturen.
Postmodernister drog slutsatsen att den moderna världen inte kan beskrivas inom ramen för klassiska synsätt på filosofi, vetenskap och kultur. Följaktligen är konstens klassiska metoder inte tillräckliga för att beskriva den.
Användning av teknik
Den postmoderna konstens era sammanföll med introduktionen av flera nya visuella teknologier (som tv, videor, Internet, bland annat) och drar stor nytta av dem. Det nya utbudet av video- och fotoformat har minskat betydelsen av teckningskonsten, och manipulationen av nya teknologier har gjort det möjligt för konstnärer att förkorta de traditionella processerna för att skapa konst, men ändå skapa något nytt.
Postmodern konströrelser och stilar
Hittills har det inte funnits några större internationella konströrelser inom postmodern konst. I stället såg eran uppkomsten av ett antal smala, lokaliserade strömmar, såväl som flera helt nya konstformer, såsom video och ordmålning.
Dessutom har det funnits dussintals konstfraktioner, såväl som ett anti-postmodernt center eller två vars medlemmar har strävat efter att producera den typ av konst som Michelangelo eller Picasso skulle ha varit stolta över.
Sedan nydadaismen har postmodernister gillat att blanda ihop saker, eller föra in nya element till traditionella former, för att skapa nya kombinationer. Fernando Botero målar primitiva bilder av feta figurer, Georg Baselitz målar figurer upp och ner.
Gerhard Richter kombinerade kamerakonst och måleri i sina fotografiska målningar från 1970-talet, medan Jeff Koons kombinerade konsumentorienterade bilder med sofistikerade skulpteringstekniker för att skapa sina skulpturer i rostfritt stål.
Andreas Gursky kombinerar fotografi med datorgenererade bilder för att skapa verk som Rhein II, medan Jeff Wall använder digitalt bearbetade fotomontage i sina postmoderna bildskapelser.
Det finns ingen konsensus bland konstkritiker om vilka konststilar som kan klassificeras som postmodern konst: till exempel klassas vissa stilar samtidigt som avantgarde och postmoderna. Ändå kan följande lista över rörelser och stilar inom postmodernismen särskiljas:
Dadaism
Dadaister trodde att första världskrigets brutalitet som skakade Europa och förde smärta och lidande till miljontals människor, var produkten av logik och rationalism. Av denna anledning främjade de med sin kreativitet förstörelsen av estetiska kanoner, cynism, systematik, irrationalitet.
Collage blev den huvudsakliga kreativa metoden för dadaistiska konstnärer. Duken eller pappret fungerade som bakgrund mot vilken konstnären skapade ett collage med hjälp av tygrester, pappersrester och andra material.
Dada existerade under en relativt kort tid: från 1916 till 1923. Detta beror på att dess ideologiska plattform var pacifistiskt patos som motsatte sig verkligheten under första världskriget. På 1920-talet gick Dada samman med expressionismen i Tyskland och med surrealismen i Frankrike.
Popkonst
Popkonst (popkonst) är en stil som överförde konsumtionskulturen till konstområdet och lärde mänskligheten att se skönhet i trettiotre burkar soppa. Popkonst ska inte förväxlas med populärkultur. Författarna betraktade masskultur som ett objekt, precis som en porträttare ser på en modell eller en landskapskonstnär: i naturens sköte.
Masskulturtemat, som konstnärens blick föll på, förvandlades till något originellt: ett konstobjekt som bryts genom konstnärens tolkning. Ur en konstnärlig synvinkel tilltalade denna stil materialitet, objektivitet, till skillnad från en annan populär trend, abstraktionism. Popkonsten föddes i kampen mot abstraktionisternas kreativitet och förebådade en återgång till visningen av specifika föremål på duken.
I sig är dragningen till vardagliga saker inte ny för måleriets historia. Stilleben är trots allt en konstnärs syn på de omgivande föremålen. Det är faktiskt inte så stor skillnad mellan Caravaggios vas och Warhols gröna Coca-Cola-flaskor. Men popkonsten hade sin egen konceptuella egenhet: konstnärer tog ikoniska föremål och bilder från masskulturen, som de nu skulle kalla "memes".
Dessutom uppmärksammade de inte bara föremål utan också bilder; ett typiskt exempel är Warhols Marilyn Diptyk. Det går inte att förneka det faktum att popkonsten bidrog till att bekräfta den amerikanska drömmen, legitimera konsumtionssamhället och motsvarande livsstil. Samtidigt lade den grunden för en kritik av konsumtionsfilosofin, som senare skulle få styrka.
Word Art
Termen Word Art beskriver en kategori av postmodern textbaserad konst av olika samtida konstnärer närvarande sedan 1950. En enkel definition av textbaserad konst kan vara "konst som innehåller ord eller fraser som en konstnärlig komponentprincip".
Textbaserade bilder som innehåller ord och fraser har publicerats i en mängd olika medier, inklusive målning och skulptur, litografi och screentryck, samt brukskonst (t-shirts, muggar). Det förekommer också i de senaste formerna av samtidskonst, som projektionskartläggning.
Konceptuell konst
Conceptualism (från det latinska conceptus: tanke, representation) är en postmodern strömning inom konsten, som förkunnar överhögheten av idén om ett verk över formen av dess konstnärliga uttryck. Anhängare av konceptualism är övertygade om att deras målningar, skulpturer, installationer och föreställningar inte ska framkalla känslor hos betraktaren, utan en önskan att intellektuellt ompröva vad de såg.
Konceptualism är inte en kommersiell konst, i den kan objekten för kreativitet vara alla hushållsartiklar, naturmaterial och till och med delar av den mänskliga miljön. Den konceptuella konstnären försöker inte skapa ett färdigt verk, utan försöker förmedla sina idéer till betraktaren, att engagera sig i ett slags intellektuellt spel.
Konceptkonstverk har särdrag. Dessa verk kan identifieras genom följande egenskaper: påverka inte den känslomässiga, utan den intellektuella uppfattningen av betraktaren; frekvent användning av förklarande text till arbetet; konstnärens medvetna förkastande av formens betydelse till förmån för betydelsen av verkets betydelse (idé); skapa konstföremål från alla föremål som är tillgängliga för författaren.
Performancekonst och Happenings
Happenings är en avantgardistisk konstform, en typ av kreativt uttryck, nära besläktad med performancekonst, som har sin grund i teorierna om konceptuell konst från 1896-talet, till stor del härledda från demonstrationer av Dada-representanter. , såväl som Tristan Tzara (1963-XNUMX). I praktiken är det inte lätt att skilja på Performance Art och Happenings.
Båda är noggrant planerade former av underhållning (om än med inslag av spontanitet) där artisten framför (eller sköter) ett konstnärligt teaterevenemang. Något som är lättare att se än att beskriva med ord.
Hur som helst är a Happenings ett spontant stycke performancekonst som hamnar någonstans mellan drama och bildkonst och brukar bjuda in och utlösa en stark respons från publiken.
På grund av sin Dada-stil av förgänglighet, var den ursprungligen tänkt som ett radikalt alternativ till traditionella hantverksprinciper och som ett "permanent konstobjekt". En fullständig förklaring av denna nya postmoderna konstform finns att läsa i Michael Kirbys bok 'Happenings' (1965).
Denna typ av konstevenemang blev särskilt förknippad med konstscenen i New York runt 1960 och finns fortfarande med i de bästa samtida konstgallerierna runt om i världen.
Abstrakt konst
Abstraktionism är en stil av måleri och konst i allmänhet, som förkastar den realistiska reproduktionen av omvärlden. Hans anhängare representerar enkla och komplexa former, leker med färg, använder linjer, plan och andra föremål, kombinerar dem för att skapa vissa känslor hos betraktaren. Detta är hur hans tillvägagångssätt skiljer sig från det som används av mästare som ansluter sig till klassicismen och många andra stilar.
Vid första anblicken kan en målning av en abstraktionist framstå som ett kaotiskt virrvarr av linjer, former och fläckar. Vid närmare granskning står det klart att konstnären har skapat en hel komposition utformad för att väcka vissa tankar eller stämningar hos betraktaren.
Abstraktionismen, när den utvecklades, var stratifierad i flera riktningar, som var och en hade sina egna representanter. Det fanns typer av stilar som:
- Geometrisk. I verk av konstnärer som utförs i denna stil råder tydliga former och linjer, många av dem skapar en illusion av djup.
- Mästare som följer denna riktning arbetar aktivt med färger och deras kombinationer; det är genom dem som de förmedlar de känslor de vill skapa i publiken.
- Kärnan i denna målarriktning är i den totala frånvaron av referenser till verkliga föremål och den extremt begränsade användningen av färger, former och linjer.
- Konstnärer som arbetar i denna riktning strävar efter att föra dynamik, rörelse till sina verk, genom vilken de förmedlar känslor och förnimmelser. Samtidigt tonar skuggor, linjer och former in i bakgrunden.
hopsättning
Assemblage är en dekorativ och tillämpad konstteknik där konstnären skapar en reliefbild genom att limma tredimensionella bitar eller föremål på en platt bas. I assemblagetekniken är det också tillåtet att använda färger för ett bildmässigt tillägg till en konstnärlig komposition.
Assemblage, i motsats till dess relaterade collage, är en typ av teknik för att fästa tredimensionella, snarare än tvådimensionella (platta) element på bildens framsida. Tack vare användningen av volymetriska detaljer är bilden så realistisk och visuellt effektiv som möjligt.
Professionella konstnärer använder ofta hushållsrester och sopor för att skapa sina egna originalkonstverk. I mästarens händer blir ett stort antal utspridda vardagsföremål en konstnärlig komposition full av djupt estetiskt innehåll.
Idag lockar verk skapade med assemblagetekniken alltid uppmärksamheten hos kännare av samtidskonst. De orsakar ofta hårda kontroverser bland kritiker, men de lämnar ingen oberörd och gör därför ett stort bidrag till utvecklingen av världskulturen.
Fluxus
Fluxus var en löst organiserad grupp artister som sträckte sig över hela världen, men som hade en särskilt stark närvaro i New York City. George Maciunas anses historiskt sett vara rörelsens huvudgrundare och arrangör, som beskrev Fluxus som en fusion av Spike Jones, Vaudeville, Cage och Duchamp.
Liksom futuristerna och dadaisterna före dem, ogillade Fluxus-konstnärerna konstmuseernas auktoritet att bestämma konstens värde. De menade också att det inte är nödvändigt att ha en specialutbildning för att se och förstå ett konstverk.
Fluxus ville inte bara att konsten skulle vara tillgänglig för massorna, de ville att alla skulle skapa konst hela tiden. Det är ofta svårt att definiera Fluxus, eftersom många av dess egna artister har hävdat att själva handlingen att definiera rörelsen redan är för begränsande och reduktiv.
Till skillnad från tidigare konströrelser försökte Fluxus förändra världshistorien, inte bara konsthistorien. Det sega målet för de flesta konstnärer har varit att utrota alla gränser mellan konst och samhälle.
En central grundsats i Fluxus var att avfärda och förlöjliga elitvärlden av "hög konst" och hitta alla möjliga sätt att föra konst till massorna, i linje med det sociala klimatet på 1960-talet. Fluxus artister använde humorn för att uttrycka sin avsikt och , tillsammans med Dada, var Fluxus en av få konströrelser som kunde gå på lina.
Trots sitt lekfulla uppträdande menade Fluxus-konstnärer allvar med sin önskan att förändra maktbalansen i konstvärlden. Hans respektlöshet för hög konst hade en inverkan på museets upplevda auktoritet som auktoritet för vem och vad man ska betrakta som konstnärer.
Fluxus engagerade betraktaren och förlitade sig på slumpens element för att forma det slutliga resultatet av konstverket. Användningen av slumpen användes också av Dada, Marcel Duchamp och andra dåtidens performancekonstnärer. Fluxus-artister var starkt influerade av idéerna från John Cage, som trodde att man borde närma sig ett stycke utan aning om slutresultatet. Det som spelade roll var skapelseprocessen, inte slutprodukten.
Videokonst
Video är ett av de mest mångsidiga medierna som finns. En videofilm kan vara själva konstverket och/eller en registrering av hur konstverket gjordes; det kan också vara ett element i en installation och/eller en del av ett multipelvideoarrangemang. Video gör konsten mer dynamisk och livlig. Sedan slutet av 1980-talet har både video och animation förlitat sig på användningen av datorprogram för att manipulera bilder.
fotorealism
Fotorealism är en genre av måleri som växte fram i slutet av 1960-talet som svar på abstraktionens växande popularitet. Sedan dess har fotorealistiska målningar med sin enorma uppmärksamhet på detaljer gett optiska illusioner som bara kan konstateras på nära håll som målade bilder av det fotografiska originalet.
Istället för att observera och representera vad som hände i verkligheten, inspirerades fotorealismen av fotografiet. Visuell information som fångas av en kamera används för att skapa illusionistiska målningar, teckningar och andra konstverk. Konstnärer projicerar ofta foton på duk så att bilderna kan renderas med precision och detaljer.
Povera Art
Arte Povera (från det italienska uttrycket för "fattig konst" eller "fattig konst") var en av de viktigaste och mest framträdande avantgardistiska konströrelserna som växte fram i södra Europa i slutet av XNUMX-talet.
Detta inkluderade verk av ett dussintal italienska konstnärer vars främsta kreativa drag var användningen av vardagliga material som påminner om en förindustriell tid. Smuts, stenar och kläder var särskilt populära: "avfall" eller billiga material som de använde för sin konst. Detta förhållningssätt till konsten attackerade rådande föreställningar om värde och korrekthet och kritiserade subtilt industrialiseringen och mekaniseringen av södra Europa på den tiden.
Hans verk markerade en reaktion på modernismens abstrakta måleri som hade kontrollerat europeisk konst under det föregående decenniet, från vilken han utmärkte sig genom att fokusera mer på skulpturarbete än måleri.
Några av gruppens mest betydelsefulla verk skapades genom kontrasten mellan råvaror och samtidiga referenser till konsumtionskulturens framväxt. Övertygad om att moderniteten hotade att utplåna det kollektiva arvet, försökte Arte Povera att kontrastera det nya med det gamla.
Förutom att avvisa den tekniska tävlingen, avvisade artisterna som var förknippade med Arte Povera vad de uppfattade som vetenskaplig realism. I motsats till ett metodiskt förhållningssätt till rumsliga relationer väckte de fram en myt vars hemligheter inte var lätta att förklara.
Konstnärerna presenterade absurda och lekfulla sammanställningar, ofta av det nya och det gamla eller det högt bearbetade och det förindustriella. Genom att göra det har de illustrerat några av effekterna av modernisering som bidrar till att förstöra platser och minnen när den rör sig allt längre in i framtiden.
Arte Poveras intresse för dåliga material kan kopplas till flera andra konströrelser under 1950- och 1960-talen. De delade till exempel en del tekniker med rörelser som Fluxus och Nouveau Réalisme i sin kombination av lättillgängliga material med en underskärning. rebelliska från sitt vanliga fungera.
postminimalism
Inom post-minimalistisk konst, en term som först användes av konstkritikern Robert Pincus Witten, skiftar fokus från idéns renhet till dess kommunikation. Som ett exempel kan du se den tysk-amerikanska konstnären Eva Hesses verk.
feministisk konst
En konstnärlig rörelse som sysslar med specifikt kvinnliga frågor som födelse, våld mot kvinnor, kvinnors arbetsvillkor och mycket mer. Medverkande artister är bland andra Louise Bourgeois och japanskfödda performancekonstnären Yoko Ono.
dekonstruktivism
Dekonstruktivism är en av de mest visuellt imponerande konstformerna som någonsin har skapats. Hans udda men intensivt kreativa stil av 80-talsarkitektur växte fram i slutet av XNUMX-talet, främst i Los Angeles men även i Europa.
Som en del av postmodern konst som möjliggjorts genom användningen av designmjukvara för flygindustrin, står dekonstruktivistisk arkitektur i kontrast till geometrins ordnade rationalitet och gynnar ett främmande förhållningssätt till design som vanligtvis förvränger det yttre av en struktur samtidigt som det undergräver elementen. modernitetens värden .
Vissa historiker menar att dekonstruktivistisk filosofi också står emot postmodern konst, även om de praktiska konsekvenserna av detta är oklara. En dekonstruktivistisk arkitekt måste trots allt följa vetenskapens moderna och postmoderna lagar, vare sig han vill det eller inte.
Den mest kända representanten för dekonstruktivistisk arkitektur är den kanadensisk-amerikanske Pritzker-pristagaren Frank O. Gehry. Andra välkända dekonstruktivister inkluderar Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi och Peter Eisenman. Extraordinära dekonstruktivistiska byggnader inkluderar: Dancing House (Prag), Guggenheim Museum (Bilbao) och Vitra Design Museum i Weil am Rhein.
Dekonstruktivistisk arkitektur kännetecknas av ytmanipulation, fragmentering och olinjära former som förvränger och åsidosätter arkitektoniska konventioner för struktur och yta. Genom att göra så kontrasteras element som verkar motsäga varandra medvetet för att utmana traditionella idéer om harmoni och kontinuitet.
cynisk realism
Samtida kinesisk konströrelse som uppstod efter nederlaget vid Himmelska fridens torg (1989). Cyniska realister använde en figurativ målarstil med en hånfull berättelse. De återkommande motiven är figurer, kala män och fotografiska porträtt. Stilen hånade Kinas politiska och sociala status, och eftersom detta var en ny gryning för kinesiska konstnärer togs den väl emot av västerländska konstsamlare.
Postmodern litteratur och film
Utmärkande för postmodern litteratur är bland annat en genomtänkt hantering av vad som finns i form av citat och anspelningar och lek med litterära genrer. Utmärkande är också konstruktionen av många nivåer av handling och relationer, ofta trasiga.
Den förmodligen mest kända postmoderna romanen är Rosens namn av Umberto Eco.Med en mycket komplex litterär struktur på kriminalromans vis lyckades Eco överbrygga klyftan mellan så kallad högkultur och masskultur. Historiska, litterära och konsthistoriska citat och referenser gör boken till en pedagogisk roman eller till och med en litterär tävling. Men även de som inte är intresserade av det kan njuta av Ecos verk som en spännande thriller.
På liknande sätt kombinerade Peter Greenaway den historiska filmgenren med thrillern i sin film The Cartoonist's Contract från 1982, men till skillnad från Echo löser det inte gåtan. Även om handlingen ger många klassiska ledtrådar, leder de alla ingenstans.
visuella konsterna
Användningen av termen postmodern avvisas av många teoretiker och konstnärer, särskilt inom bildkonstområdet, med tanke på det breda spektrumet av uttrycksformer. Förkastandet av den modernistiska tron på innovation är också en av grunderna för postmodern estetik inom konst. Postmodernismen är kopplad till historiska kategorier av konst som förkastades av moderniteten, såsom narrativa och mytologiska strukturer.
Detta börjar redan med Andy Warhols skildringar av 1950-talsikoner, från Elvis till Jackie Onassis. Popkonsten markerade också brytningen med moderniteten på XNUMX-talet genom att säga adjö till abstraktionen. På XNUMX-talet betonade bildkonsten, liksom dåtidens arkitektur, vikten av sensuella, emotionella och traditionella aspekter framför teori och koncept.
På XNUMX-talet bröt kollektivet New Wild (Neue Wilden) dominansen av det minimalistiska och konceptuellt flitiga avantgardet med sitt uttrycksfulla och representativa måleri. Det fanns liknande trender i USA och Italien.
Efter att virvelvinden lagt sig runt de nya vildarna, tog trender fäste som fokuserade på reflektion över mediet målning och sensuella experiment med bildmedier (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), målande representerande övervikten av den minimalistiska och konceptuella arbetsavant- garde. Det fanns liknande trender i USA och Italien.
Utmärkande för tiden är två konstnärer vars verk innehåller subkulturens och masskulturens estetik: Keith Haring och Jeff Koons. Haring lyckades kombinera inslag av graffitikonst, serietidningar, datorteckenspråk, barnteckningar och tidig historiemålning till ett mycket poetiskt teckenspråk som är förståeligt i många kulturer. Jeff Koons gjorde sig ett namn i början av 1990-talet med sina undersåtars provocerande banalitet.
Materialet som används är vanligtvis av hög kvalitet, men dess ytdesign frammanar en värld av krimskrams och kitsch, som den delvis guldpläterade porslinsfiguren i naturlig storlek av Michael Jackson med hans schimpans Bubbles.
Postmodern estetiks krav på pluralism, subjektivitet, ett steg bort från abstraktion, inkluderandet av massmedia, suddandet av könsgränser och acceptansen av citat som ett konstnärligt medium har fört färg och rörelse till landskapet, konstnärligt och museum.
Det slutliga erkännandet av fotografi och film som ett konstmedium kan mycket väl ses som ett bestående resultat av postmoderna trender. Tillfällig höjdpunkt: Sommaren 2002 kommer Museum Ludwig i Köln att visa alla fem filmerna från Matthew Barneys nyligen avslutade "Cremaster Cycle" som en del av en stor utställning.
Arkitektur
I mitten av 1970-talet introducerade Charles Jencks termen postmodernism i den arkitektoniska diskursen. På så sätt nådde den postmoderna diskursen för första gången allmänheten. Stilprinciperna för postmodern arkitektur hade redan vid denna tidpunkt tydligt framkommit.
Det krävdes ett demokratiskt och kommunikativt byggnadsspråk, vars estetik inte enbart borde bygga på funktion, utan också på betydande innehåll. Inkluderandet av fiktiva element efterfrågades också, såsom gotiken, som såg en bild av det himmelska Jerusalem i katedralen.
Samtidigt ökade trenden att bevara och designa om historiska byggnader. Det mest framträdande exemplet var Gare d'Orsay i Paris, som öppnade som Musée d'Orsay 1986. Sådana historiska byggnader påverkade språket i postmodern arkitektur, som från början var starkt bestämt av citat.
För att undvika en ny historicism var mottot att eklekticismen, som tog sig uttryck till exempel i användandet av pelare, fönster och gallerverk, ironiskt nog borde brytas. Spektrum av postmodern arkitektur utvecklades särskilt i museibyggnaden på XNUMX- och XNUMX-talen.
Förutom Hans Holleins Abteiberg Museum (Mönchengladbach) anses James Stirlings State Gallery (Stuttgart) vara en framgångsrik och karaktäristisk produkt av postmodernismen. I Stirlings design blandas många anspelningar på historisk arkitektur, från Egypten till klassisk modernism, med popkulturfärger och typiska regionala material av sandsten och travertin för att skapa en sammanhängande, modern form.
På senare tid, när det gäller museibyggen, har upplevelsens karaktär kommit mer och mer i förgrunden än utbildningskravet.
Istället för att begrunda meditativ konst krävs iscensättning, och själva arkitekturen är iscensatt med fantastiska vyer och teatraliska effekter. De första offentliga besöken sker allt oftare innan tavlorna hängs upp så att arkitekturen kan upplevas.
Postmodern fokus på populärkultur
Konstkritiker använder ofta termen "högkultur" när de försöker skilja konsten att måla och skulptur (och annan bildkonst) från den populära kulturen av tidskrifter, tv och andra massproducerade produkter. Modernismen och dess inflytelserika anhängare som Greenberg (1909-94) såg dessa former av kultur som underlägsna. Däremot ser postmodernister, som föredrar en mer demokratisk konstuppfattning, "högkultur" som mer elitistisk.
Popkonsten, den första postmoderna rörelsen, förvandlade vanliga konsumtionsvaror till konst. Popartister och andra gick ännu längre i sina försök att demokratisera konsten genom att trycka sin "konst" på muggar, papperspåsar och t-shirts: en metod som för övrigt exemplifierar postmodern lust, originalitet och autenticitet, undergräver konsten.
Postmoderna konstnärer har övergett föreställningen att ett konstverk bara har en inneboende betydelse. Istället menar de att betraktaren är en lika viktig källa till mening. Cindy Shermans surrealistiska fotografi, till exempel, understryker tanken att ett konstverk kan tolkas på många sätt.
Faktum är att vissa artister, som performancekonstnären Marina Abramovic, till och med tillåter tittarna att delta i sin konst, eller till och med kräver publikinsatser för att slutföra sitt arbete.
Fokusera på showen
I avsaknad av verklig mening i livet, särskilt när vi utsätts för radio- och tv-reklam dag och natt, har postmoderna artister föredragit att begränsa sig själva i stil och spektakel, ofta med hjälp av reklamverktyg och tekniker för att uppnå större genomslag. Detta tillvägagångssätt exemplifieras i den kommersiella tryckprocessen som använder affischliknande bilder av popartister som Roy Lichtenstein och James Rosenquist.
Fokus på ytan är ett vanligt inslag i postmodern konst och kommer ibland i förgrunden med teatraliska, briljanta, mycket slagkraftiga bilder. Sedan 1980 har användningen av datorer och andra teknologier revolutionerat multimediakonsten (t.ex. animation) och skapat specifika möjligheter inom områden som arkitektur.
Hur viktigt det är att fånga publikens uppmärksamhet i postmodernismen visar chocktaktiken hos en grupp studenter vid Goldsmiths College, kända som Young British Artists, i London i slutet av XNUMX- och XNUMX-talen. YBAs blev kända för tre shower och kritiserades för sin dåliga smak, men flera av dem blev Turner Prize-vinnare, medan andra uppnådde betydande ryktbarhet och förmögenhet.
Möta konsumenternas behov
Ökningen av konsumentbeteende och den omedelbara njutningskulturen under XNUMX-talets sista decennier har också haft ett starkt inflytande på bildkonsten. Konsumenterna vill nu ha innovation. De vill också ha rekreation och nöje. Många postmoderna konstnärer, curatorer och andra yrkesverksamma tog tillfället i akt att förvandla konst till en produkt av skoj.
Införandet av nya former av konst som performance, evenemang och installationer, såväl som nya teman, inklusive döda hajar, gigantiska isskulpturer, många av nakna kroppar, byggnader som verkar vara i rörelse, en samling på trettiofem tusen terrakottafigurer, målade kroppar, läskiga projektioner på offentliga byggnader (och många fler) - de har gett tittarna en mängd nya, ibland chockerande, upplevelser.
Huruvida dessa nya konstformer faktiskt är "konst" är fortfarande en fråga som väcker mycket diskussion. Postmoderna konceptualister hävdar att det är det, medan traditionalister vägrar att betrakta det som sådant.
principerna för postmodern konst
För specialister består postmodern konst av tre grundläggande principer som kommer att styra den på ett generellt sätt utan att vara totalt begränsande:
omedelbar mening
Inga fler bleka oljemålningar som skildrar hårresande händelser från grekisk mytologi för att framkalla ett medvetet leende från den kultiverade betraktaren. Från dess början i popkonströrelsen har postmodern måleri och skulptur varit djärv, lysande och omedelbart igenkännbar.
Teman och bilder togs i första hand från högprofilerade konsumentprodukter, tidningar, reklamfilmer, tv, filmer, tecknade serier och serier. För första gången förstod alla konsten som visades. Även om postmodernismen har utvecklats från popkonsten, förblir ett huvudmål för mening omedelbart uppenbart.
Konst kan göras av vad som helst
Byggande på traditionerna från Marcel Duchamp, vars pissoar med titeln Fountain (1917) var det första berömda exemplet på ett vanligt föremål som förvandlats till ett konstverk (ett annat exempel: The Story of the Ready-made), skapade konstkonstnärer postmodernister det deras verksamhet att skapa konst av de mest ovanliga material och skräp. Tanken bakom är att demokratisera konsten och göra den mer tillgänglig.
Idén är viktigare än själva konstverket
Fram till 1960-talet trodde konstnärer i allmänhet att utan en färdig produkt skulle det inte finnas någonting. Stor uppmärksamhet ägnades åt kvaliteten på det färdiga konstverket och det hantverk som krävs för det. Idag är saker och ting annorlunda.
Postmodernister tenderar att tro mer på konceptet bakom slutprodukten än på själva produkten, vilket är anledningen till att mycket av "postmodern konst" kallas för "konceptuell konst" eller "konceptualism". Andra former av konceptualism inkluderar installationer, scenkonst, happenings, projektionskonst och några andra.
Anmärkningsvärda postmoderna konstnärer
Eftersom vi är samtida med postmodern konst är det svårt att urskilja tidens ikoniska namn. Först efter ett tag kommer det att vara möjligt att säga vilka konstnärer som satt en uttrycksfull prägel på måleriets historia och vilkas berömmelse bara var en hyllning till modet. Men eftersom postmodernismen har utvecklats i mer än ett halvt sekel, kan vi nämna några av de namn som redan är inskrivna i historien. Dessa inkluderar till exempel:
- Dadaist, surrealist och grundare av konceptualismen Marcel Duchamp
- Andy Warhols popkonstledare
- Församlingens pionjär César Baldaccini
- Den kända konceptualisten Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (född 28 juli 1887 – död 2 oktober 1968) var en mästare inom avantgardekonst, känd för sina extravaganta konstverk. Marcel Duchamps verk trotsade etablerade traditioner och diskuterades gång på gång i den skandalösa krönikan på båda sidor om havet.
I början av sin karriär målade han bilder i postimpressionistisk stil och hyllade kubismen och fauvismen, men sedan gav han upp måleriet och blev intresserad av att skapa installationer där han blandade tekniker och använde material med olika texturer. Konstnärens revolutionära idéer hade stor inverkan på utvecklingen av konceptkonst under XNUMX-talet.
Andy Warhol
Andy Warhol (född 6 augusti 1928 – död 22 februari 1987) var en eftertraktad amerikansk konstnär och gallerist från XNUMX-talet. Han gjorde ett stort bidrag till utvecklingen av kommersiell popkonst. Andy Warhol anses med rätta vara ledaren för en sådan trend som uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (född 22 oktober 1925 – död 12 maj 2008) titanen för amerikansk konst under XNUMX-talet enligt tidningen The New York Times, var en enastående konstnär och skapare, representant för abstrakt impressionism, konceptualism, färdiggjord och grundare av popkonst.
Robert Rauschenbergs målningar är collage och installationer, obelisker, husgeråd och andra föremål som är svåra att klassificera. Mästarens arbete, liksom hans biografi, är chockerande, överraskande, äckligt och charmigt, men lämnar ingen oberörd. Eldig bisexuell, frustrerad farmaceut, motståndare till allt som är klassiskt och vanligt, han utmanade hela tiden sig själv och omvärlden.
Varo Uranga-läkemedel
Remedios Varo Uranga (född 16 december 1908 – död 8 oktober 1963) är en spansk och mexikansk konstnär från XNUMX-talet, en originell representant för surrealismen. Remedios Varos verk går utanför ramarna för klassisk måleri: drömmar, filosofiska reflektioner, magi, mekanik, historia och det ockulta är sammanflätade i surrealistens verk.
Samtidigt är Remedios Varos målningar eftertryckligt lyriska och feminina, fyllda av en medeltida atmosfär och hänvisar betraktaren till universums ursprung. Remedios Varos målningar är befolkade med extravaganta sagofigurer, mekaniska konstruktioner och natur. Till skillnad från klassisk surrealism spåras i vart och ett av konstnärens verk tydligt en handling som leder betraktaren till vissa slutsatser.
Francis Bacon
Francis Bacon (född 28 oktober 1909 – död 28 april 1992) är en mästare inom brittisk expressionism, en av XNUMX-talets mest tvetydiga och brutala konstnärer. Francis Bacons verk är känt för att vara imponerande: de mest skrämmande skapelserna av mänsklig fantasi kommer till liv i hans målningar.
Francis Bacon fick ingen akademisk utbildning. Samtidigt är den otroligt efterfrågad och populär. Mästarens målningar är den ultimata drömmen för både privata gallerier och världens mest kända museer, som inte alls är emot att ta med hans verk i samlingen. Några av konstnärens mästerverk är värda tiotals miljoner dollar och finns med på listorna över de dyraste konstverken.