Као древна култура, Јапан је показао своју уметност свих ових година, сазнајте са нама кроз овај занимљив чланак, све о древним Уметност јапански, развијао се током времена у различитим периодима и стиловима. Не пропустите!
јапанска уметност
Када говоримо о јапанској уметности, говоримо о ономе што је ова цивилизација током времена обавештавала у различитим фазама и стиловима, који су се привремено одвијали друштвеним и културним развојем јапанског народа.
Варијације које уметност доживљава у Јапану су последице његовог технолошког развоја, где можемо да реализујемо употребу сировина ове земље у њеним уметничким изразима. Као и такозвана западна уметност, њени најзначајнији изрази били су под утицајем религије и политичке моћи.
Једна од главних карактеристика јапанске уметности је њен еклектицизам, који долази од различитих народа и култура које су временом стизале на њене обале: први досељеници који су се населили у Јапану – познати као Аину – припадали су севернокавказској грани и источној Азији, вероватно стигао када је Јапан још био везан за копно.
Порекло ових досељеника је неизвесно, а историчари разматрају различите хипотезе, од уралско-алтајске расе до могућег индонежанског или монголског порекла. У сваком случају, чинило се да њихова култура одговара горњем палеолиту или мезолиту.
Након тога, разне групе малајске расе из југоисточне Азије или острва Пацифика стигле су на јапанске обале, као иу Кореју и разне делове Кине, постепено уводјене са југа, истичући Аину. северно од Јапана, док су у каснијем таласу у Јапан дошле разне истонационалне групе из Кине и Кореје.
Овој расној мешавини мора се додати и утицај других култура: због своје изолованости, Јапан је био изолован током већег дела своје историје, али је у интервалима био под утицајем цивилизација копна, посебно Кине и Кореје, посебно од В века.
Тако је јапанска култура предака која је произашла из узастопних предстража имиграције додала страни утицај, стварајући еклектичну уметност отворену за иновације и стилски напредак.
Такође је интересантно приметити да је велики део уметности произведене у Јапану на религиозној основи: типичној шинтоистичкој религији у региону, формираној око XNUMX. века, будизам је додат око XNUMX. века, стварајући религиозну фузију која и даље траје. оставила је свој одраз и у уметности.
Јапанска уметност је последица ових различитих култура и традиција, на свој начин тумачећи облике уметности увезене из других земаља, које остварује према својој концепцији живота и уметности, мењајући и поједностављујући своје посебне карактеристике.
Као и разрађени кинески будистички храмови, који су у Јапану прошли кроз метаморфозу да морају да напусте одређене елементе своје уметности и споје их са другима, ово изражава карактер синдиката ове уметности, тако да је увек природно узимала нешто из друге културе. других земаља.
Јапанска уметност има у јапанској култури сјајан осећај за медитацију и међуоднос између човека и природе, представљен и у објектима који је окружују, од најкитњастијих и наглашенијих до најједноставнијих и свакодневних.
То је видљиво у вредности која се даје несавршеностима, ефемерној природи ствари, хуманитарном смислу који Јапанци успостављају са својом околином. Као иу церемонији чаја, цене смиреност и спокој овог стања контемплације које постижу једноставним ритуалом, заснованим на једноставним компонентама и хармонији асиметричног и недовршеног простора.
За њих су мир и равнотежа повезани са топлином и удобношћу, квалитетима који су заузврат прави одраз њиховог концепта лепоте. Чак и током оброка, није битна количина хране или њена презентација, већ чулна перцепција хране и естетско значење које даје сваком чину.
Исто тако, уметници и занатлије ове земље имају висок степен повезаности са својим радом, осећају материјале као суштински део свог живота и комуникације са окружењем које их окружује.
Основе јапанске уметности
Јапанска уметност, као и остатак њене филозофије - или, једноставно, њен начин гледања на живот - подлеже интуицији, недостатку рационалности, емоционалном изражавању и једноставности акција и мисли. често изражено симболично.
Две одлике јапанске уметности су једноставност и природност: уметнички изрази су одраз природе, па не захтевају разрађену продукцију, све то доводи до тога да уметници желе да оно што се оцртава, сугерише, касније дешифрује. од стране гледаоца.
Ова једноставност изазвала је у сликарству склоност ка линеарном цртежу, без перспективе, са обиљем празних простора, који се ипак хармонично уклапају у целину. У архитектури се материјализује у линеарним дизајнима, са асиметричним равнима, у комбинацији динамичких и статичних елемената.
Заузврат, ова једноставност у јапанској уметности повезана је са урођеном једноставношћу у односу уметности и природе, што је део њихове идиосинкразије, која се огледа у њиховим животима, а они је доживљавају са деликатним осећајем меланхолије, готово туге.
Како им пролазност годишњих доба даје осећај пролазности, где можете видети еволуцију која постоји у природи због ефемерне природе живота. Ова једноставност се огледа пре свега у архитектури која се хармонично уклапа у своју околину, на шта указује употреба природних материјала, без рада, показујући њен груб, недовршен изглед. У Јапану су природа, живот и уметност нераскидиво повезани, а уметничко достигнуће је симбол читавог универзума.
Јапанска уметност тежи да постигне универзалну хармонију, превазилазећи материју како би пронашла генерирајући принцип живота. Јапанска орнаментика настоји да пронађе смисао живота кроз уметност: Лепота јапанске уметности је синоним за хармонију, креативност; то је поетски импулс, чулни пут који води ка остварењу дела, које нема циљ само по себи, већ надилази.
Оно што називамо лепотом је филозофска категорија која нас упућује на постојање: она се налази у достизању смисла са целином. Као што је изразио Сузуки Даисецу: „лепота није у спољашњем облику, већ у смислу у коме је изражена.
Уметност не почиње својим сензибилним карактером, већ својим сугестивним атрибутима; Не мора да буде тачан, али покажите дар који води ка целовитости. Она има за циљ да ухвати суштинско кроз тај део, који сугерише целину: празнина је допуна постојећем јапанском.
У источној мисли постоји јединство између материје и духа, које преовлађује у контемплацији и заједници са природом, кроз унутрашње приањање, интуицију. Јапанска уметност (геи) има трансцендентније значење, неопипљивије од концепта примењене уметности на Западу: то је свака манифестација ума, схваћена као витална енергија, као суштина која даје живот нашем телу које се у ствари развија и еволуира, остварујући јединство између тела, ума и духа.
Смисао за јапанску уметност развијао се током времена: од њених почетака где су постојали први трагови уметности и лепоте, они датирају из античких времена када су се ковали креативни принципи јапанске културе и они који су били изражени у најважнијим књижевним делима. земље:
Којики, Нихонсхоки и Ман 'иосху, горе су публикације, прва два су о првим делима историје Јапана, а последња је о песмама написаним током првог миленијума, за то време је преовладавала Сајаши мисао („чиста, наравно, свеже"), алудирајући на неку врсту лепоте коју карактерише једноставност, свежина, извесна наивност која долази са употребом светлих и природних материјала као што су Ханива Фигуре Ланд или дрво у архитектури.
Светилиште Исе можемо сврстати у најбољу представу овог стила, направљено од чемпреса, које се обнавља сваких двадесет година од XNUMX. века да би задржало своју искреност и свежину. Из овог појма произилази једна од константи јапанске уметности: вредност која се приписује ефемерној, ефемерној, ефемерној лепоти која се развија током времена.
У Ман 'иосху, саиакесхи се манифестује у осећањима верности и искушености, као и у опису како су му компоненте као што су небо и море дале осећај величине који обузима човека.
Сајакеши је повезан са концептом Наруа („постајање“), у коме се време вреднује као витална енергија која се конвергира у постајању, у кулминацији свих акција и свих живота.
Смештајући се у периоде Нара и Хеиан, уметнички аспект уметности је брзо еволуирао захваљујући првом контакту са кинеском културом, као и доласку будизма. Главни концепт ове ере била је савест, емоционално осећање које преплављује гледаоца и доводи до дубоког осећаја емпатије или сажаљења.
Везано је за друге појмове као што је окаши, онај који привлачи својом радошћу и пријатним карактером; омоширои, својство блиставих ствари, које привлаче пажњу својим сјајем и јасноћом; иуби, концепт грациозности, елеганције; југа, квалитет префињености у лепоти; ен, привлачност шарма; краљ, лепота смирења; јасаши, лепота дискреције; и ушин, дубоки смисао за уметничко.
Прича Мурасакија Шикибуа о Генђију, која је отелотворила нови естетски концепт назван моно-не-свесност - термин који је увео Мотори Норинага-, који преноси осећај меланхолије, контемплативне туге проистекле из пролазности ствари, пролазне лепоте која траје тренутак и остаје у сећању.
Али пре свега то је осећај деликатне меланхолије који може довести до дубоке туге када се дубоко осети издахнута лепота свих бића природе.
Ова филозофија „идеалне потраге” за лепотом, за медитативним стањем у коме се мисао и свет чула сусрећу, карактеристична је за урођену јапанску деликатесност за лепоту, а очигледна је у Ханами фестивалу, прослави дрвета трешње у цветати.
У јапанском средњем веку, периодима Камакура, Муромачи и Момојама, где је била карактеристична војна доминација у целини феудалног друштва у земљи, појавио се концепт до („пут“) који је створио развој уметности за то време. , приказан је у церемонијалној пракси друштвених обреда, о чему сведоче сходо (калиграфија), цхадо (церемонија чаја), кадо или икебана (уметност аранжирања цвећа) и кодо (церемонија кађења).
Праксама није битан резултат, већ еволутивни процес, еволуција у времену - опет нару -, као и таленат који се показује у савршеном извођењу обреда, што означава вештину, као и духовну посвећеност у тежња за савршенством.
На ове нове концепте пресудно је утицала варијанта будизма звана зен, која наглашава одређена „животна правила” заснована на медитацији, где особа губи самосвест. Дакле, сав свакодневни рад превазилази своју материјалну суштину да би означио духовну манифестацију, која се огледа у кретању и ритуалном протоку времена.
Овај концепт се рефлектује и на баштованство које достиже толики степен значаја где је башта визија космоса, са великом празнином (морем) која је испуњена објектима (острвима), оличеним у песку и стенама. , и где вегетација дочарава проток времена.
Зен амбивалентност између једноставности и дубине трансцендентног живота прожима дух "једноставне елеганције" (ваби) не само у уметности, већ иу понашању, друштвеним односима и свакодневним аспектима живота. . Мајстор Сешу је рекао да су „зен и уметност једно“.
Овај зен је представљен у седам украсних чињеница: фукинсеи, начин порицања оптимизације за постизање равнотеже присутне у природи; кансо , извадите оно што је остало и оно што извадите учиниће да откријете једноставност природе.
Коко (усамљено достојанство), особина коју људи и предмети временом стичу и дају им већу чистоту своје суштине; шизен (природност), која је повезана са искреношћу, природно је истинско и непоткупљиво; иуген (дубина), стварна суштина ствари, која превазилази њихову просту материјалност, њихов површни изглед.
Датсузоку (невезаност), слобода у практиковању уметности, чија је мисија да ослободи ум, а не да га контролише – дакле, уметност се ослобађа свих врста параметара и правила –; сеииаку (унутрашњи спокој), у ситуацији тишине, смирености, неопходног да би шест претходних принципа текло.
То је посебно церемонија чаја, где је јапански концепт уметности и лепоте мајсторски синтетисан, стварајући аутентичну естетску религију: "теизам". Ова церемонија представља култ лепоте у супротности са вулгарношћу свакодневног постојања. Његова филозофија, и етичка и естетска, изражава интегрално схватање човека са природом.
Његова једноставност повезује мале ствари са космичким поретком: живот је израз, а поступци увек одражавају мисао. Временско је једнако духовном, мало је велико.Овај концепт се налази и у чајној соби (сукииа), ефемерном грађевинском производу поетског импулса, лишеном украса, где се поштује несавршено, а увек се нешто оставља. недовршено, што ће употпунити машту.
Недостатак симетрије је карактеристичан, због зен размишљања да је тежња за савршенством важнија од ње саме. Лепоту могу открити само они који својим расуђивањем доврше оно што недостаје.
Коначно, у модерној ери – која је започела периодом Едо –, иако постоје претходне идеје, уводе се нове уметничке класе, које су повезане са појавом других друштвених поредака који настају како се Јапан модернизује: суи је извесна духовна деликатеса, пронађена углавном у књижевности Осаке.
Ики мисао је достојанствена и директна милост, посебно присутна у кабукију; Каруми је концепт који брани лакоћу као нешто исконско, под којим се добија „дубина“ ствари, што се посебно огледа у поезији хаикуа, где је Шиори носталгична лепотица.
"Ништа не траје, ништа није потпуно и ништа није савршено." Ово би била три кључа на којима се заснива „Ваби саби“, јапански израз (или врста естетске визије) који се односи на лепоту несавршеног, непотпуног и променљивог, иако се односи на лепоту скроман и скроман, неконвенционалан. Филозофија "ваби сабија" је уживати у садашњости и пронаћи мир и хармонију у природи и малим стварима и мирно прихватити природни циклус раста и опадања.
У основи свих ових елемената је идеја уметности као креативног процеса, а не као материјалног достигнућа. Окакура Какузо је написао да су „само уметници који верују у урођену искривљеност своје душе способни да створе праву лепоту“.
Периодизација јапанске уметности
У овом чланку користићемо сегментацију на велике периоде у смислу значајних уметничких промена и политичких кретања. Избор се углавном разликује према критеријумима аутора, а многи од њих се такође могу поделити. Међутим, постоје и разлике у погледу почетка и завршетка неких од ових периода. Узећемо ону коју је направио археолог Чарлс Т. Кели, а то је следеће:
Јапанска уметност у пластичној уметности
Током периода мезолита и неолита, остао је изолован од континента, па је сва његова производња била сопствена, иако од малог значаја. Била су то полуседећа друштва, живела су у малим селима са кућама укопаним у земљу, а храну су добијала углавном из шуме (јелени, дивље свиње, ораси) и мора (рибе, ракови, морски сисари).
Ова друштва су имала разрађену организацију рада и бавила су се мерењем времена, о чему сведочи неколико остатака кружних камених аранжмана у Оју и Комакину, који су служили као сунчани сатови. Они су очигледно имали стандардизоване мерне јединице, о чему сведочи неколико зграда изграђених по одређеним моделима.
На појединим локацијама које одговарају овом периоду пронађени су глачани камени и коштани артефакти, керамика и антропоморфне фигуре. Треба напоменути да је Џомон керамика најстарија грнчарија коју је израдио човек: најранији трагови рудиментарне грнчарије датирају из 11.000 година пре нове ере, у малим, ручно рађеним посуђем са углачаним странама и великим ентеријером. , са функционалним смислом и строгом декорацијом.
Ови остаци одговарају периоду званом „преџомон“ (11000-7500 п.н.е.), а затим следи „архаични“ или „рани“ Џомон (7500-2500 п.н.е.), где се израђује најтипичнија Џомон керамика, ручно израђена и украшена. са урезима или траговима ужета, на бази својеврсних дубоких посуда у облику тегле. Основну декорацију чинили су отисци рађени гајтанима биљних влакана, који су се утискивали на грнчарију пре печења.
У неколико области ови резови су достигли висок степен разраде, са савршено исклесаним ивицама, цртајући низ веома замршених апстрактних линија. У ретким приликама пронађени су остаци фигуративних сцена, углавном антропоморфних и зооморфних цртежа (жабе, змије), који истичу сцену лова присутна у вази пронађеној у Хиракубоу, северно од Хоншуа.
Коначно, у „Касном Јомону“ (2500-400 пне), посуде су се вратиле у природнији, мање сложен облик, са зделама и посудама са округлим дном, амфорама са уским грлом и зделама са дршкама, често са шипкама. или подигнута база. Знаменитости грнчарије Јомон су: Таисхакукио, Торихама, Тогари-исхи, Мацусхима, Камо и Окинохара на острву Хоншу; Собата на острву Кјушу; и Хаманасуно и Токоро на острву Хокаидо.
Осим ваза, у керамици су рађене разне фигурице у људском или животињском облику, рађене у више делова, па је пронађено мало остатака целих комада. Они у антропоморфном облику могу имати мушке или женске атрибуте, а пронађени су и неки од андрогених знакова.
Неки имају натечене стомаке, па су можда били повезани са обожавањем плодности. Вреди напоменути прецизност детаља које неке фигуре показују, попут пажљивих фризура, тетоважа и украсних хаљина.
Чини се да је у овим друштвима био веома значајан украс тела, углавном у ушима, керамичким минђушама разних произвођача, украшеним црвенкастим бојама. У Чиамигаиту (острво Хоншу) пронађено је више од 1000 ових украса, што указује на локалну радионицу за израду ових производа.
Из овог периода датирају и разне маске које означавају индивидуализован рад на лицима. На исти начин су направљене различите врсте зелених перли од јадеита, које су познавале лакирање, о чему сведочи неколико причвршћивача пронађених у Торихами. Пронађени су и остаци мачева, костију или рогова од слоноваче.
Јајои период (500. пне-300. не)
Овај период је значио дефинитивно успостављање аграрног друштва, што је изазвало крчење шума великих проширења територије.
Ова трансформација је довела до еволуције јапанског друштва у технолошком, културном и социјалном пољу, са већом друштвеном стратификацијом и специјализацијом рада, и изазвала је пораст оружаних сукоба.
Јапански архипелаг је био прошаран малим државама формираним око кланова (уји), међу којима су преовлађивали Јамато, који је дао почетак царске породице. Тада се појавио шинтоизам, митолошка религија која је срушила цара Аматерасуа, богиње сунца.
Ова религија је промовисала прави осећај чистоће и свежине јапанске уметности, са склоношћу према чистим материјалима и без украса, са осећајем интеграције са природом (ками или суперсвест). Од XNUMX. века п.н.е. Ц. је почео да уводи континенталну цивилизацију, због односа са Кином и Корејом.
Јајои култура се појавила на острву Кјушу око 400-300 година пре нове ере. Ц., и преселио се у Хоншу, где је постепено заменио Јомон културу. У овом периоду проширена је својеврсна велика сахрана са комором и хумком украшеном цилиндрима од теракоте са људским и животињским фигурама.
Села су била окружена јарцима, а појавиле су се разне пољопривредне справе (укључујући камено оруђе у облику полумесеца које се користило за жетву), као и разно оружје, попут лукова и стрела са углачаним каменим врховима.
У грнчарству су се посебно производили следећи предмети: тегле, вазе, тањири, шоље и флаше са одређеним специфичностима. Имале су углачану површину, са једноставним украсом, углавном урезима, тачкастим и цик-цак тракама, најчешће коришћени предмет било је стакло које се звало Цубо.
Истакао је рад са металима, углавном бронзом, као што су тзв. дотаку звона, која су служила као церемонијални предмети, украшени спиралама (риусуи) у виду текуће воде, или рељефним животињама (углавном јелени, птице, инсекти и др. водоземци), као и сцене лова, риболова и пољопривредних радова, посебно оних везаних за пиринач.
Чини се да је јелен имао посебно значење, можда повезано са одређеним божанством: на многим местима је пронађено мноштво јеленских лопатица са урезима или траговима направљеним ватром, за које се каже да се везује за неку врсту ритуала.
Остали украсни предмети пронађени на локацијама Иаиои укључују: огледала, мачеве, разне перле и магатаму (комади жада и ахата у облику индијског орашчића, који су служили као драгуљи плодности).
Кофунски период (300-552)
Ово доба је обележило консолидацију Империјалне централне државе, која је контролисала важне ресурсе, као што су гвожђе и злато. Архитектура се првенствено развијала на гробљу, са типичним коморним и пролазним гробницама званим кофун („стара гробница“), на којима су подигнуте велике гомиле земље.
Упадљиве су сахране царева Ођина (346-395) и Нинтокуа (395-427), где је пронађено много различитих предмета, међу којима је било; накит, фигуре од разних материјала посебно фигуре од теракоте.
Ове статуете су биле високе шездесетак центиметара, практично безизражајне, са само неколико прореза у очима и устима, иако су веома релевантан пример уметности овог времена.
По одећи и прибору издвајају се у овим ликовима разни занати, као земљорадници, милиционери, монаси, провинцијалке, министранти итд.
Крајем овог периода појављују се и фигуре животиња, међу којима су јелени, пси, коњи, вепрови, мачке, кокошке, овце и рибе, које указују на значај тадашњег војног насеља чије се стилске карактеристике везују за Силла културу. из Кореје, као и врста грнчарије која се зове Суеки, која је тамна и веома фина, са звецкавим додацима.
Друштвена диференцијација довела је до изолације владајућих класа у ексклузивним деловима градова, као што је Јошиногари, да би завршили трајно сегрегирани у изолованим четвртима као што су Мицудера или комплекси палате Кансаи, Икаруга и Асука-Итабуки.
Што се тиче верске архитектуре, рани шинтоистички храмови (џинџе) били су направљени од дрвета, на уздигнутој основи и отвореним зидовима или клизним преградама, са основама које су подржавале коси кров.
Једна од његових карактеристичних компоненти су тории, улазни лук који означава улаз у свето место. Обратите пажњу на храм Исе, који се обнавља сваких двадесет година од XNUMX. века.
Главна зграда (Сходен) је подигнута и има двоводни кров, са девет основа, до које се приступа спољним степеништем. У стилу је шинмеи зукури, који одражава касни шинтоистички стил, пре доласка будизма у Јапан.
Још један митски храм неизвесног порекла је Изумо Таисха, у близини Мацуеа, легендарни храм који је основао Аматерасу. У стилу таисха зукури, сматра се најстаријим међу светињама, главна атракција је узвишење зграде на пиластрима, са степеништем као главним приступом, и једноставним завршним обрадама од дрвета без фарбања.
Према пронађеним рукописима, првобитно светилиште је имало висину од 50 метара, али је због пожара обновљено са висином од 25 метара. Зграде су биле Хонден („унутрашње светилиште“) и Хаиден („спољно светилиште“). Кинпусен-ји, главни храм шугендоа, аскетске религије која комбинује шинто, будизам и анимистичка веровања, такође припада овом периоду.
У овом периоду налазимо прве узорке сликарства, као у Оцука краљевској сахрани и гробницама у облику долмена Кјушу (XNUMX.-XNUMX. век), украшене сценама заробљеног плена, битака, коња, птица и бродова, или спиралама. и концентрични кругови.
Биле су то зидне слике, направљене од хематит црвене, чађе, окер жуте, каолин беле и хлорит зелене. Један од карактеристичних дизајна овог периода је такозвани чокомон, који се састоји од правих линија и лукова нацртаних на дијагоналама или крстовима, а присутни су на зидовима гробница, саркофага, Ханива статуа и бронзаних огледала.
Асука период (552-710)
Јамато је замислио централизовано краљевство по кинеском моделу, оличено у законима Шотоку-Таиши (604) и Таика из 646. Увођење будизма имало је велики уметнички и естетски утицај на Јапан, уз велики утицај кинеске уметности.
Затим је наступила владавина принца Шотокуа (573-621), који је фаворизовао будизам и културу уопште, и био је плодан за уметност. Архитектура је била заступљена у храмовима и манастирима, углавном је изгубљена, претпостављајући замену једноставних шинтоистичких линија величанственошћу која долази са копна.
Као најистакнутију грађевину овог периода, морамо навести храм Хориу-ји (607), представника стила Кудара (Паекцхе у Кореји). Направљен је на тлу храма Вакакусадера, који је подигао Шотоку, а спалили његови противници 670. године.
Изграђен са аксијалном планиметријом, састоји се од скупа зграда у којима се налазе пагода (То), Иумедоно („дворана снова“)) и Кондо („златна дворана“). У кинеском је стилу, по први пут користи кров од керамичких плочица.
Једна од карактеристика овог изванредног примера је светилиште Итсукусхима (593), направљено на води, у Сету, где су забележени Гојуното, Тахото и разни хондени. Због своје лепоте проглашена је светском баштином 1996. године од стране УН.
Скулптуре са будистичком тематиком биле су направљене од дрвета или бронзе: прве фигуре Буде су увезене са копна, али се касније велики број кинеских и корејских уметника настанио у Јапану.
Слика Каннона, јапанско име бодисатве Авалокитешваре (на кинеском се зове Гуан Јин), проширила се под именом Бодисатва Канон, дело корејског Торија; Каннон који се налази у Иумедоно храму Хорју-џи; и Канон из Кударе (623. век), непознатог уметника. Још једно важно дело је Тријада Сакиамуни (XNUMX), у бронзи, Торија Бушија постављена у храму Хорју-џи.
Уопштено говорећи, то су била дела строгог, углатог и архаичног стила, инспирисана корејским стилом Когурио, као што се види у делу Шиба Торија, који је обележио „званични стил“ периода Асуке: Велики Асука Буда (Хоко храм -ји, 606), Јакуши Буда (607), Канон Гузе (621), Тријада Шака (623).
Други уметник који је следио овај стил био је Аја но Јамагучи но Окучи Атахи, аутор књиге Четири небеска чувара (шитено) Златне дворане Хорју-џи (645), која упркос веома старом стилу представља заокруженију волуметријску еволуцију, са више изражајна лица.
Слика под утицајем кинеских мотива, рађена мастилом или минералним бојама које се користе на свили или папиру, на пергаментним свитцима или окачена на зид. Означава велики смисао за цртање, са делима велике оригиналности, као што је реликвијар Тамамуши (Хориу-ји), од дрвета камфора и чемпреса, са бронзаним филигранским тракама, који представљају различите сцене у уљу на лакираном дрвету, у техници званој митсуда -и из Персије и везано за кинеско сликарство династије Веј.
У подножју реликвијара налази се јатака (приказ о Будиним прошлим животима), који приказује принца Махасатве како посвећује своје месо гладној тигрици. Отприлике у то време, калиграфија је почела да добија на значају, придавајући јој исти уметнички ниво као и фигуративне слике.
Забележене су и свилене таписерије, као што је Мандала Тенкоку направљена за Шотоку (622). Керамика, која је могла да буде глазирана или не, имала је мало домаће производње и била је најцењенији кинески увоз.
Период Нара (710-794)
Током овог периода, главни град је основан у Нари (710), први стални капитал микадоа. У то време, будистичка уметност је била на врхунцу, настављајући кинески утицај са великим интензитетом: Јапанци су у кинеској уметности видели хармонију и савршенство слично европском укусу за класичну грчко-римску уметност.
Неколико примера архитектуре из тог периода су монументалне грађевине, као што су Источна пагода Јакуши-џи, храмови Тошодаи-џи, Тодаи-ђи и Кофуку-ђи, и царско складиште Шосо-ин у Нари, које чува многе артефакте. из уметности из времена цара Шомуа (724-749), са делима из Кине, Персије и централне Азије. Град Нара је изграђен према распореду мреже, по узору на Чанг'ан, престоницу династије Танг.
Царској палати је придаван исти значај као и главном манастиру, Тодаи-ји (745-752), изграђеном према симетричном плану у великом ограђеном простору са пагодама близанцима, и са Даибутсуденом, „великом салом Буде“. «. са великом бронзаном статуом Буде Ваирокане (Даиницхи на јапанском) од 15 метара, коју је поклонио цар Шому 743. Поново изграђен 1700. године, Даибутсуден је највећа дрвена грађевина на свету.
Још један важан храм је Хоккедо, који се може похвалити још једном величанственом статуом, Каннон Фукукењаку, осморуким лакираним бодисатвама високим четири метра. висок и Танг утицај, који је приметан у спокојству и смирености црта лица.
Насупрот томе, источна пагода Јакуши-џи била је покушај јапанских архитеката да пронађу сопствени стил, удаљавајући се од кинеског утицаја. Истиче се вертикалношћу, наизменичним корицама различитих величина, што му даје изглед калиграфског знака.
У својој структури издвајају се стрехе и балкони, формирани преплетеним дрвеним решеткама, у белој и браон боји. Унутар њега налази се лик Јакуши Њораија („Медицински Буда“). Наведен је као место светске баштине под називом Историјски споменици древне Наре.
Тосходаи-ји (759) је имао исти степен националне асимилације, показујући јасан контраст између Кондоа („златне дворане“), са својом чврстоћом, симетријом и вертикалношћу под кинеским утицајем, и Кодо („сала за предавања“) . ”), веће једноставности и хоризонталности који означавају традицију абориџина.
Други излагач био је Кијомизу-дера (778), чија се главна зграда истиче огромном оградом, ослоњеном на стотине стубова, која се истиче на брду и пружа импресиван поглед на град Кјото. Овај храм је био један од кандидата за листу Нових седам светских чуда, иако није изабран.
Са своје стране, Рино-ји је познат по Санбутсудоу, где се налазе три статуе Амиде, Сенџуканона и Батоканона. Као шинтоистички храм, издваја се Фусхими Инари-таисха (711), посвећена духу Инарија, посебно названа по хиљадама црвених торија које обележавају пут дуж брда на коме се налази светилиште.
Представа Буде је постигла велики развој у скулптури, са статуама велике лепоте: Шо Канон, Буда из Тачибане, Бодисатва Гако из Тодаи-јија. У периоду Хакухо (645-710), потискивање клана Сога и империјална консолидација довели су до краја корејског утицаја и његове замене кинеским (династија Танг), стварајући серију дела веће величанствености и реализма, са округлијим и грациозније форме.
Ова промена је приметна у делу Иакусхи-ји позлаћених бронзаних статуа, формираних од седећег Буде (Јакуши) у пратњи бодисатва Никкоа („Сунчева светлост“) и Гакоа („Месечина“), који показују већи динамизам у свом контрапосто положају, и већа изражајност лица.
У Хорју-џију се наставио Тори стил корејског порекла, као у Каннон Јумегатари и Амида тријади медаљона Лади Тацхибана. У храму Тошодаи-ји налази се низ великих статуа, направљених од шупљег осушеног лака, који истичу централни Буда Русхана (759), који је висок 3,4 метра. Постоје и представе духова чувара (Меикира Таисхо), краљева (Комокутен) итд. Ради се о радовима у дрвету, бронзи, сировој глини или сувом лаку, великог реализма.
Слика је представљена зидном декорацијом Хориу-ји (крајем XNUMX. века), као што су фреске Кондо, које су сличне онима из Ајанте у Индији. Појавиле су се и различите типологије, као што су какемоно („висећа слика“) и емакимоно („слика на ваљцима“), приче насликане на ролни папира или свиле, са текстовима који објашњавају различите сцене, званим сутре.
У Нара Схосо-ин, постоји велики број слика на секуларну тему, са различитим типовима и темама: биљке, животиње, пејзажи и метални предмети. Средином тог периода, школа сликања династије Танг је ушла у моду, што се може видети на муралима на гробницама Такаматсузука, који датирају из око 700. године.
Таихо-рио декретом из 701. године, молерска професија је регулисана у занатским корпорацијама. под контролом Одељења за сликаре (такуми-но-тускаса), при Министарству унутрашњих послова. Ова удружења су била задужена за украшавање палата и храмова, а њихова структура је трајала до Меиџи ере. Грнчарија је изванредно еволуирала кроз различите технике увезене из Кине, као што је употреба јарких боја нанесених на глину.
Хеиан период (794-1185)
У овом периоду дошло је до владавине клана Фуџивара, који је успоставио централизовану владу инспирисану кинеском владом, са главним градом у Хеиану (сада Кјото). Појавили су се велики феудалци (даимио) и појавио се лик самураја.
Отприлике у то време појавила се графологија под називом Хирагана, која је прилагодила кинеску калиграфију вишесложном језику који се користи у Јапану, користећи кинеске знакове за фонетске вредности слогова. Слом односа са Кином произвео је изразитију јапанску уметност, са секуларном уметношћу која се појавила поред верске уметности која би била веран одраз национализма царског двора.
Будистичка иконографија је доживела нови развој са увозом две нове секте са копна, Тендаи и Схингон, засноване на тибетанском тантричком будизму, који је уградио шинтоистичке елементе и произвео религиозни синкретизам карактеристичан за ово време.
Архитектура је претрпела промену плана манастира, који су подигнути на изолованим местима, намењеним за медитацију. Најважнији храмови су Енриаку-ји (788), Конгобу-ји (816) и пагода-светиште Муро-ји. Енриаку-ји, који се налази у близини планине Хиеи, један је од историјских споменика древног Кјота, проглашен за светску баштину 1994. године.
Основао га је 788. године Саицхо, који је увео будистичку секту Тендаи у Јапан. Енријаку-џи је имао око 3.000 храмова и био је велики центар моћи у своје време, са већином зграда које је уништио Ода Нобунага 1571.
Од дела који је сачуван, данас се издваја Саито („западна сала“) и Тодо („источна сала“), где се налази Конпон цхудо, најрепрезентативнија грађевина Енриаку ји, где се чува статуа Буде. .. извајао сам Саицхо, Иакусхи Ниораи.
Скулптура је претрпела благи пад у односу на претходна времена. Опет, представе Буде (Ниоирин-Каннон; Иакусхи Ниораи из храма Јинго-ји у Кјоту; Амида Ниораи из манастира Биодо-ин), као и одређених шинтоистичких богиња (Кицхијотен, богиња среће, еквивалентна Индији) .
Претерана ригидност будистичке религије ограничава спонтаност уметника, који се ограничава на круте уметничке каноне који поткопавају његову стваралачку слободу. Током 859. и 877. настаје Јоган стил, који се одликује сликама готово застрашујуће гравитације, са извесним интроспективним и мистериозним изгледом, као што је Схака Ниораи из Муро-јија.
Током периода Фуџивара, школа коју је основао Џочо у Бјодо-ину постала је славна, са елегантнијим и виткијим стилом од Јоганове скулптуре, изражавајући савршене облике тела и сјајан осећај за покрет.
Јоцхоова радионица увела је јосеги и варихаги технике, које су се састојале од поделе фигуре на два блока који су затим спојени да би их обликовали, чиме се избегавало накнадно пуцање, један од главних проблема са великим фигурама. Ове технике такође омогућавају серијску монтажу и развијене су са великим успехом у Кеи школи из периода Камакура.
Сликарство Јамато-е цвета посебно на руком писаним свицима званим емаки, који комбинују сликовне сцене са елегантном калиграфијом катакане. Ови свици су препричавали историјске или књижевне одломке, као што је Прича о Генђију, роман Мурасакија Шикибуа из касног XNUMX. века.
Иако је текст био дело познатих писара, слике су обично изводиле дворске куртизане, као што су Ки но Цубоне и Нагато но Цубоне, претпостављајући узорак женске естетике који би имао велики значај у савременој јапанској уметности.
У то време почела је класификација слика према полу, што је означило уочљиву разлику између јавности, где је мушко било под кинеским утицајем, и женског и више естетског уметнички јапанског.
У онна-е, поред Историје Генђија, издваја се Хеике Ногио (Лотос Сутра), коју је наручио клан Таира за светилиште Ицукушима, где су оличени у разним свицима о спасењу душа које је прокламовао будизам.
С друге стране, овај Отоко-е је био наративнији и енергичнији од она-е, пунији акције, са више реализма и покрета, као у свицима Шигисан Енги, о чудима монаха Мјорена; бан Данигон Е-котоба, о рату између супарничких кланова у XNUMX. веку; и Чојугига, сцене животиња са карикатуралним знаком и сатиричним тоном, критикујући аристократију.
Камакура период (1185-1392)
Након неколико спорова између феудалних кланова, наметнут је Минамото, чиме је успостављен шогунат, облик владавине са војним судом. У то време, зен секта је уведена у Јапан, која ће снажно утицати на фигуративну уметност. Архитектура је била једноставнија, функционалнија, мање луксузна и китњаста.
Зен владавина донела је такозвани Кара-јо стил: зен богомоље су пратиле кинеску технику аксијалне планиметрије, иако главна зграда није био храм, већ читаоница, а почасно место није заузимала статуа. Буда, али поред малог престола где је опат поучавао своје ученике.
Пет великих храмских комплекса Санџусанген-до, у Кјоту (1266), као и манастири Кенин-ји (1202) и Тофуку-ји (1243) у Кјоту, и Кенчо-ђи (1253) и Енгаку-ји (1282). ) у Камакури.
Котоку-ин (1252) је познат по својој великој и тешкој бронзаној статуи Буде Амиде, што га чини другим највећим Будом у Јапану после Тодаи-јија.
Године 1234. изграђен је храм Цхион-ин, седиште џодо шу будизма, који се одликује огромном главном капијом (Санмон), највећом грађевином те врсте у Јапану.
Један од последњих представника овог периода био је Хонган-ји (1321), који се састоји од два главна храма: Ниши Хонган-ји, који укључује Гоеи-до и Амида-до, заједно са павиљоном за чај и две позорнице позориште Но, од којих један тврди да је најстарији још увек жив; и Хигаши Хонган-џи, дом чувеног Шосеи-ена.
Скулптура добија велики реализам, проналазећи уметнику већу слободу стварања, о чему сведоче портрети племића и војника, попут Уесугија Шигусе (анонимног уметника), војног човека из четрнаестог века.
Зен дела су била усредсређена на представљање њихових мајстора, у некој врсти статуе зване шинзо, као што је она мајстора Муџија Ичиена (1312, од анонимног аутора), у полихромном дрвету, које представља зен мајстора који седи на престолу, у став медитације опуштен.
Кеи школа из Наре, наследница Јоцхо школе из периода Хеиан, била је посебно важна за квалитет њених радова, где је и вајар Ункеи, аутор статуа монаха Мучакуа и Сешина (Кофуку-ји из Наре), такође као слике Конго Рикишија (духова чувара), као што су две колосалне статуе које се налазе на улазу у 8 метара висок храм Тодаи-ји (1199).
Ункеијев стил, под утицајем кинеске скулптуре династије Сонг, био је веома реалистичан док је хватао најдетаљнију физиономску студију са емоционалним изразом и унутрашњом духовношћу приказаног појединца.
Тамни кристали су чак били уграђени у очи, да би дали већу експресивност. Ункеијев рад означио је почетак јапанског портрета. Његов син Танкеи, аутор Каннон Сењу за Сањусанген-до, наставио је његов рад.
Слика се одликовала повећаним реализамом и психолошком интроспекцијом. Пејзаж (водопад Нацхи) и портрет Монах Миое у контемплацији, Еницхи-бо Јонин; сет портрета из храма Јинго-ји у Кјоту, Фуџивара Таканобуа; Гошинов портрет цара Ханазона, углавном су развијени.
Јамато-е мод се наставио и слике су објашњене у свицима, од којих су многи дуги неколико метара. Ови рукописи су приказивали детаље из свакодневног живота, урбане или руралне сцене, или илустровали историјске догађаје, као што је рат из Кјота 1159. између ривалских грана царске породице.
Приказани су у непрекидним сценама, по наративном реду, са уздигнутом панорамом, у правој линији. Издвајају се илустровани свици догађаја из Хеиђи ере (Хеији моногатари) и Кегон Енги свици Енићи-бо Џонина.
Сликарство повезано са зен организацијом било је директно под кинеским утицајем, са техником више једноставних линија кинеског мастила које прате зен изреку да „превише боја заслепљује очи“.
Муромачи период (1392-1573)
Шогунат је у рукама Ашикаге, чије сукобе фаворизују растућу моћ даимјоа, који дели земљу. Архитектура је била елегантнија и суштински јапанска, са величанственим вилама, манастирима као што је Зуихоји и храмовима као што су Шококу-џи (1382), Кинкаку-ђи или Златни павиљон (1397) и Гинкаку-џи. о Сребрни павиљон (1489), у Кјоту.
Кинкаку-ји је изграђен као одмориште за шогуна Ашикага Јошимицуа, као део његовог домена званог Китаиама. Његов син је претворио зграду у храм секте Ринзаи. То је троспратна зграда, прве две су покривене листићима чистог злата. Павиљон функционише као шериден, који штити мошти Буде.
Такође садржи разне статуе Буде и Бодисатве, а златни фенгхуанг стоји на крову. Такође има прелепу суседну башту, са језерцем званим Кјоко-чи, са многим острвима и камењем које представља причу о стварању будиста.
Са своје стране, Гинкаку-ји је саградио шогун Ашикага Јошимаса, који је настојао да имитира Кинкаку-ји који је изградио његов предак Јошимицу, али нажалост није могао да покрије зграду сребром како је планирано.
За архитектуру овог периода карактеристичан је и изглед токонома, просторије резервисане за контемплацију слике или цветног аранжмана, у складу са зен естетиком. Такође, уведен је и татами, врста простирке од пиринчане сламе, која је унутрашњост јапанске куће учинила пријатнијом.
У то време се посебно развила уметност баштованства, постављајући уметничке и естетске темеље јапанске баште. Појавила су се два главна начина: цукииама, око брда и језера; и хиранива, равна башта од песка, са камењем, дрвећем и бунарима.
Најзаступљенију вегетацију чине бамбус и разне врсте цвећа и дрвећа, било зимзеленог, као што је јапански црни бор, или листопадног, попут јапанског јавора, а цене се и елементи попут папрати и пене.
Бонсаи је још један типичан елемент баштованства и дизајна ентеријера. Баште често укључују језеро или рибњак, разне врсте павиљона (обично за чајну церемонију) и камене фењере. Једна од типичних карактеристика јапанске баште, као и остатка њене уметности, јесте њен несавршен, недовршен и асиметричан изглед.
Постоје различите врсте вртова: „шетајуће“, које се могу видети како ходају стазом или око баре; „дневне собе“, која се може видети са фиксног места, углавном павиљона или колибе типа мачије.
Те (роји), око стазе која води до чајне собе, са бакдосин плочицама или камењем који обележавају стазу; и „контемплација“ (каресансуи, „пејзаж планине и воде“), што је најтипичнији зен врт, који се види са платформе која се налази у зен манастирима.
Добар пример је такозвани безводни пејзаж врта Рјоан-ђи у Кјоту сликара и песника Соамија (1480), који представља море, сачињено од набијеног песка, пуно острва, који су стене. , чинећи целину која комбинује стварност и илузију и која позива на смиреност и размишљање.
Забележено је оживљавање сликарства, уоквиреног зен естетиком, која је добила кинески утицај династија Јуан и Минг, који се огледао углавном у декоративној уметности.
Уведена је техника гваша, савршена транскрипција зен доктрине, која настоји да одрази у пејзажима оно што они значе, а не оно што представљају.
Појавио се лик бунђинсоа, „интелектуалног монаха“ који је стварао своја дела, научника и следбеника кинеске технике монохроматским мастилом, кратким и дифузним потезима киста, који је у својим делима рефлектовао природне елементе као што су борови, трска, орхидеје, бамбус. , стене, дрвеће, птице и људске фигуре уроњене у природу, у ставу медитације.
У Јапану се ова техника кинеског мастила звала суми-е. Засновано на седам естетских принципа зена, суми-е је настојао да одрази најинтензивније унутрашње емоције кроз једноставност и елеганцију, у једноставним и скромним линијама које превазилазе свој спољашњи изглед и означавају стање заједнице са природом.
Суми-е је био средство (до) за проналажење унутрашње духовности, ово су користили монаси. Посебности мастила, суптилне и дифузне, омогућиле су уметнику да ухвати суштину ствари, на једноставан и природан утисак, али истовремено дубок и трансцендентан.
То је инстинктивна уметност брзог извођења, немогуће ретуширати, чињеница која је сједињује са животом, где је немогуће вратити се урађеном. Сваки пут носи виталну енергију (ки), пошто је то чин стварања, где се ум ставља у акцију и процес је важнији од резултата.
Најзначајнији представници суми-е били су: Муто Шуи, Џозецу, Шубун, Сесон Шукеи и, пре свега, Сешу Тојо, аутор портрета и пејзажа, први уметник који је сликао за живота. Сешу је био Гасо, монах-сликар, који је путовао у Кину између 1467. и 1469. године, где је проучавао уметност и природни пејзаж.
Његови пејзажи су састављени од линеарних структура, обасјаних изненадном светлошћу која одражава зен концепт трансцендентног тренутка. То су пејзажи са присуством анегдотских елемената, попут храмова у даљини или малих људских фигура, уоквирених на удаљеним местима попут литица.
Појавио се и нови жанр поетског сликарства, шинџуку, где пејзаж илуструје натуралистички инспирисану песму. Такође вреди поменути школу Кано, коју је основао Кано Масанобу, која примењује технику гваша на традиционалне предмете, илуструјући свете, националне и пејзажне теме.
Прање је такође примењено на фарбане параване и панеле фусума клизних врата, обележја јапанског дизајна ентеријера. У керамици се издваја школа Сето, а најпопуларнија типологија је тенмоку. Лак и метални предмети су такође значајни примери из овог периода.
Период Азучи–Момојама (1573–1603)
У то време, Јапан су поново ујединили Ода Нобунага, Тојотоми Хидејоши и Токугава Иејасу, који су елиминисали даимјо и дошли на власт.
Његов мандат се поклопио са доласком португалских трговаца и језуитских мисионара, који су увели хришћанство у земљу, иако су досегли само мањину.
Уметничка продукција овог времена се удаљила од будистичке естетике, наглашавајући традиционалне јапанске вредности, експлозивним стилом. Инвазија на Кореју 1592. године изазвала је присилно пресељење многих корејских уметника у Јапан, који су живели у центрима за производњу грнчарије изоловани од осталих.
Такође, у овом периоду примили су се и први западни утицаји, који се огледају у стилу Намбан, развијеном у минијатуристичкој скулптури, са секуларном темом, украсним порцеланским предметима и преклопним параванима украшеним у стилу Иамато-е, у јарким бојама и златним листићима, у сценама које причају о доласку Европљана на јапанску обалу.
Перспективне технике, као и друге варијанте европског сликарства, као што је употреба уљаног сликарства, нису имале упориште у уметничкој форми у Јапану.
У архитектури се истиче изградња великих замкова (широ) који су ојачани увођењем у Јапан ватреног оружја западног порекла. Замци Химеји, Азучи, Мацумото, Ниџо и Фушими-Момојама су добри примери.
Замак Химеји, једна од главних грађевина тог времена, комбинује масивне утврде са елеганцијом структуре вертикалног изгледа, на пет спратова од дрвета и гипса, са благо закривљеним облицима кровова сличним онима у традиционалним јапанским храмовима.
Рустична села за чајне церемоније, која се састоје од малих вила или палата и великих вртова, такође су се умножила, а у неким градовима су изграђена дрвена позоришта за кабуки представе.
У области сликарства, школа Кано обухвата већину званичних комисија, разрађујући муралне слике главних јапанских замкова, биле су важне личности по имену Кано Еитоку и Кано Санраку.
За замкове, слабо осветљене својим уским одбрамбеним отворима, створене су својеврсне преграде са златном позадином које су рефлектовале светлост и распршиле је по просторији, са великим муралима украшеним херојским сценама, попут животиња. као што су тигрови и змајеви, или пејзажи са присуством башта, бара и мостова, или у четири годишња доба, прилично уобичајена тема у то време.
Сито штампа се такође значајно развила, углавном истрошеним мастилима, пратећи стил суми-е, што се може видети у делима Хасегаве Тохакуа (борова шума) и Каихоа Јушоа (бор и шљива на месечини). Такође је истакнут лик Тавараја Сотацуа, аутора дела великог динамике, у свицима рукописа, параванима и лепезама.
Створио је лирски и декоративни стил инспирисан вака писмом из Хеиан ере, који се звао ринпа, стварајући дела велике визуелне лепоте и емотивног интензитета, као што су Прича о Генђију, Пут бршљана, богови грома и ветра. , итд.
Производња керамике је достигла тренутак великог процвата, развијајући производе за чајну церемонију, инспирисане корејском керамиком, чија рустичност и недовршен изглед савршено одражавају зен естетику која прожима обред чаја.
Појавили су се нови дизајни, као што су незуми тањири и коган врчеви за воду, обично са белим телом окупаним слојем фелдспата и украшеним једноставним дизајном направљеним од гвоздене куке. Била је то дебела керамика глазираног изгледа, са недовршеном обрадом, која је давала осећај несавршености и рањивости.
Сето је остао главни продуцент, док су у граду Мино рођене две важне школе: Шино и Орибе. Запажене су и карацу школа и две оригиналне врсте грнчарије:
Ига, грубе текстуре и дебелог слоја глазуре, са дубоким пукотинама; и Бизен, неглазирано црвенкасто-браон земљано посуђе, још мекано, уклоњено са точка да би се направиле мале природне пукотине и урези који су му дали крхки изглед, још увек у складу са зен естетиком несавршености.
Један од најбољих уметника тог времена био је Хонами Коетсу, који се истакао у сликарству, поезији, баштованству, лакирању итд. Обучен у уметничкој традицији Хеиан периода и у школи калиграфије Шоренин, основао је занатску колонију у Такагамину, близу Кјота, на земљишту које је поклонио Токугава Иејасу.
Насеље су одржавали занатлије из Ничирен будистичке школе и произвело је низ висококвалитетних радова. Специјализовали су се за лакирано посуђе, углавном за канцеларијски прибор, украшено златним и седефним уметцима, као и за разне приборе и посуђе за чајну церемонију, наглашавајући пуну фуџисан чинију. црвенкасто прекривено црним гаћицама и, на врху, непрозирна ледена бела која даје ефекат снежних падавина.
Едо период (1603-1868)
Овај уметнички период одговара историјском периоду Токугава, када је Јапан био затворен за све спољне контакте. Главни град је основан у Едоу, будућем Токију. Хришћани су били прогањани, а европски трговци протерани.
Упркос систему вазализма, трговина и занатство су се умножили, што је довело до грађанске класе која је расла по моћи и утицају, и посветила се промоцији уметности, посебно графике, керамике, лака и робе. текстила.
Најрепрезентативнија дела су палата Катсура у Кјоту и маузолеј Тошо-гу у Никкоу (1636), који је део „Нико светилишта и храмова“, оба проглашена светском баштином од стране УНЕСЦО-а 1999. године.
Нешто жанровски савез шинто-будиста, је маузолеј шогуна Токугава Иејасуа. Храм је круто симетричне структуре са живописним рељефима који покривају целу видљиву површину. Издвајају се његове живописне конструкције и преоптерећени орнаменти, који се разликују од стилова храмова тог времена.
Унутрашњост је украшена детаљним лакираним резбаријама јарких боја и мајсторски осликаним панелима. Палата Катсура (1615-1662) изграђена је на асиметричном плану инспирисаном зен-ом, где је употреба правих линија на спољашњој фасади у супротности са вијугавости околног врта.
Због статуса седишта у коме ће се одмарати царска породица, вила се састојала од главне зграде, неколико анекса, чајанки и парка од 70000 метара. Главна палата, која има само један спрат, подељена је на четири анекса који се састају на угловима.
Цела зграда има одређене карактеристике да је изграђена на стубовима и изнад њих низ просторија са зидовима и вратима, од којих су неке са сликама Кано Тан'јуа.
Такође су карактеристичне за овај период и чајџинице (чашицу), углавном мале дрвене зграде са сламнатим крововима, окружене баштама у наизглед напуштеном стању, са лишајевима, маховинама и опалим лишћем, пратећи зен концепт. трансцендентне несавршености.
Почетак уметничког и интелектуалног развоја
Током овог периода, Јапан је постепено проучавао западне технике и научна достигнућа (названа рангаку) кроз информације и књиге добијене од холандских трговаца у Деџими.
Најизучаваније области обухватале су географију, медицину, природне науке, астрономију, уметност, језике, физичке концепте као што су проучавање електричних и механичких појава. Такође је дошло до великог развоја математике, у потпуно независном тренду од западног света. Ова јака струја се звала васан.
Процват неоконфучијанизма био је највећи интелектуални развој тог периода. Проучавање конфучијанизма је дуго било активно од стране будистичких свештеника, али је током овог периода овај систем веровања привукао велику пажњу на схватање човека и друштва.
Етички хуманизам, рационализам и историјска перспектива конфучијанизма виђени су као друштвени модел. Средином XNUMX. века, конфучијанизам је постао доминантна правна филозофија и директно је допринео развоју националног система учења, кокугакуа.
Његова главна врлина за шогунални режим био је нагласак на хијерархијским односима, потчињавању. до врха. и послушност која се протеже на читаво друштво и олакшава очување феудалног система.
Текстилна уметност добија велики значај, углавном у свили, која је достигла нивое највишег квалитета, због чега су свилене хаљине (кимоно) јарких боја и изузетних дезена често окачене у собама. раздвојени, као да су паравани.
Коришћене су различите технике, као што су фарбање, вез, брокат, утискивање, апликација и ручно сликање. Свила је била доступна само вишим слојевима, док су људи обучени у памук, прављен индонежанском техником икат, прели у делове и фарбали индиго наизменично у бело.
Друга техника слабијег квалитета било је ткање памучних нити различитих боја, са домаћим бојама у батик стилу применом пиринчане пасте и куваних и агломерираних пиринчаних мекиња.
Треба напоменути да као што је јапанска уметност била под утицајем западне уметности у XNUMX. веку, на њу је утицала и егзотичност и природност јапанске уметности. Тако је на Западу рођен такозвани јапонизам, развио се углавном у другој половини XNUMX. века, посебно у Француској и Великој Британији.
То је откривено у такозваним јапонеријама, предметима инспирисаним јапанским принтовима, порцеланом, лаком, лепезама и предметима од бамбуса, који су постали модерни како у кућној декорацији тако иу многим личним одевним предметима који одражавају фантазију и декорализам јапанске културе. Јапанска естетика .
У сликарству, стил школе укијо-е је са одушевљењем примљен, а радови Утамара, Хирошигеа и Хокусаија су били веома цењени. Западни уметници су имитирали поједностављену просторну конструкцију, једноставне контуре, калиграфски стил и натуралистички сензибилитет јапанског сликарства.
Савремено доба (од 1868.)
У периоду Меиђи (1868-1912) у Јапану је започела дубока културна, друштвена и технолошка ренесанса, која се више отворила спољном свету и почела да укључује нова достигнућа остварена на Западу. Повеља из 1868. укинула је феудалне привилегије и класне разлике, што није довело до побољшања осиромашених пролетерских класа.
Почиње период снажног империјалистичког експанзионизма који је довео до Другог светског рата. После рата, Јапан је прошао кроз процес демократизације и економског развоја који га је учинио једном од водећих светских економских сила и водећим центром индустријске производње и технолошких иновација. Меиђи еру су пратиле Таисхо (1912-1926), Схова (1926-1989) и Хеисеи (1989-) ере.
Од 1930. године, прогресивна милитаризација и експанзија у Кини и Јужној Азији, са последичним повећањем средстава додељених војном буџету, довела је до пада уметничког покровитељства. Међутим, са послератним економским процватом и новим просперитетом постигнутим индустријализацијом земље, уметност је поново рођена, већ у потпуности уроњена у међународне уметничке покрете услед процеса културне глобализације.
Такође, економски просперитет подстиче колекционарство, стварање многих музеја и изложбених центара који су помогли ширењу и очувању јапанске и међународне уметности. На религиозном плану, успостављање шинтоизма у Меиђи ери као једине званичне религије (Шинбуцу бунри) довело је до напуштања и уништавања будистичких храмова и уметничких дела, што би било непоправљиво без интервенције Ернеста Фенолозе, професора филозофија. са Токијског Империјалног универзитета.
Заједно са магнатом и меценом Вилијамом Бигелоуом, спасао је велики број дела која су неговала колекцију будистичке уметности у Музеју лепих уметности у Бостону и Фрир галерији уметности у Вашингтону, две од најбољих збирки азијске уметности у свет..
Архитектура има двоструки правац: традиционални (светиште Јасукуни, храмови Хеиан Јингу и Меији, у Токију) и онај са европским утицајем, који интегрише нове технологије (Музеј Иамато Бункакан, Исо Хацхи Иосхида, у Нари).
Вестернизација је довела до изградње нових зграда као што су банке, фабрике, железничке станице и јавне зграде, изграђене западним материјалима и техникама, у почетку имитирајући енглеску викторијанску архитектуру. У Јапану су радили и неки страни архитекти, на пример Френк Лојд Рајт (Хотел Империјал, Токио).
Архитектура и урбанизам су добили велики замах после Другог светског рата, због потребе за обновом земље. Тада се појавила нова генерација архитеката.
Предвођен Кензо Тангеом, аутором дела као што су Меморијални музеј мира у Хирошими, Катедрала Свете Марије у Токију, Олимпијски стадион за Олимпијске игре у Токију 1964. итд.
Студенти и следбеници Тангеа створили су концепт архитектуре схваћен као "метаболизам", видећи зграде као органске форме које се морају прилагодити функционалним потребама.
Покрет основан 1959. мислио је да направи популациони центар, чија је претпоставка била да створи низ зграда које се мењају према спољашњим променама, као да је организам.
Његови чланови су били Кишо Курокава, Акира Шибуја, Јуџи Ватанабе и Кијонори Кикутаке. Други представник је био Маекава Кунио који је заједно са Тангеом увео старе јапанске естетске идеје у круте савремене грађевине.
Поново користећи традиционалне технике и материјале као што су татами простирке и употреба стубова, традиционални грађевински елемент у јапанским храмовима, или интеграција вртова и скулптура у његове креације. Не заборављам да користим технику вакуума, проучавао ју је Фумихико Маки у просторном односу између зграде и околине.
Од осамдесетих година прошлог века, постмодерна уметност има снажно упориште у Јапану, јер је од давнина карактеристична фузија између популарног елемента и софистицираности облика.
Овај стил је углавном представљао Арата Исозаки, аутор Музеја уметности Китакјушу и Концертне дворане Кјото. Исозаки је учио са Тангеом и у свом раду је синтетизовао западњачке концепте са просторним, функционалним и декоративним идејама типичним за Јапан.
Са своје стране, Тадао Андо је развио једноставнији стил, са великом бригом за допринос светлости и отворених простора спољашњем ваздуху (Капела на води, Томану, Хокаидо; Црква светлости, Ибараки, Осака; Музеј Деца, Химеји).
Шигеру Бан се одликовао употребом неконвенционалних материјала, попут папира или пластике: после земљотреса у Кобеу 1995. године, који је многе људе оставио без крова над главом, Бан је допринео дизајном Дела које је постало познато као Кућа од папира и Црква од папира, коначно, Тоио Ито је истраживао физичку слику града у дигиталном добу.
У скулптури постоји и дуалност традиција-авангарда, наглашавајући имена Јоши Кимучија и Роморинија Тојофукуа, поред апстрактних Масаказу Хориучија и Јасуа Мизуија, потоњег који живи у Француској. Исаму Ногучи и Нагаре Масајуки спојили су богату скулптуралну традицију своје земље у радовима који проучавају контраст између храпавости и углађености материјала.
Сликарство је такође пратило два тренда: традиционални (нихонга) и западни (иога), упркос постојању оба, лик Томиоке Тессаи је остао на почетку 20. века. 19. века од стране уметничког критичара Окакура Какузоа и просветитеља Ернеста Фенолосе.
Традиционална уметност тражи архетипску форму изражавања јапанског сензибилитета, иако је овај стил такође добио неки западни утицај, посебно од прерафаелита и романтизма. Углавном су га представљали Хишида Шунсо, Јокојама Тајкан, Шимомура Канзан, Маеда Сејсон и Кобајаши Кокеи.
Сликарство у европском стилу је по први пут неговано техникама и темама које су се користиле у Европи крајем XNUMX. века, углавном везане за академизам, као у случају Куроде Сеикија, који је студирао неколико година у Паризу, али је потом наставио различите струје које су се јавиле у западној уметности:
Група Хакуба Каи преузела је утицај импресиониста; апстрактна слика је имала Такео Иамагуцхи и Масанари Мунаи као главне ликове; Међу фигуративним уметницима су били Фукуда Хеицхацхиро, Токуока Схинсен и Хигасхииама Каии. Неки уметници су се настанили ван своје земље, као што су Геницхиро Инокума у Сједињеним Државама и Тсугухару Фоујита у Француској.
У Таисхоу, стилу јоге који је имао највећи утицај на нихонгу, иако су све већа употреба светлости и европска перспектива умањили разлике између две струје.
Баш као што је нихонга у великој мери усвојила иновације постимпресионизма, јога је показала склоност еклектицизму, произашла из широког спектра дивергентних уметничких покрета.
За ову етапу створена је Јапанска академија лепих уметности (Нихон Бијутсу Ин). Сликарство из Сховове ере обележило је дело Јасурија Сотароа и Умехаре Рјузабуроа, који су у традицију Нихонга увели концепте чисте уметности и апстрактног сликарства.
Године 1931. основано је Независно уметничко удружење (Докуритсу Бијутсу Киокаи) за промовисање авангардне уметности.
Већ у Другом светском рату, државни правни прописи су јасно истицали патриотске теме. После рата, уметници су се поново појавили у великим градовима, посебно у Токију.
Стварање урбане и космополитске уметности, која је предано пратила стилске иновације произведене на међународном нивоу, посебно у Паризу и Њујорку. Након апстрактних стилова шездесетих, седамдесете су се вратиле реализму омиљеном у поп-арту, што је означено радом Шинохаре Ушиа.
Упадљиво је да се крајем седамдесетих догодило нешто занимљиво, а то је повратак традиционалној јапанској уметности, у којој су видели већу експресивност и емотивну снагу.
Традиција графике наставила се у XNUMX. веку у стилу „креативних графика“ (сосаку ханга) које су цртали и вајали уметници по могућности у нихонга стилу, као што су Кавасе Хасуи, Јошида Хироши и Мунаката Шико.
Међу најновијим трендовима, Гутаи група је имала добру репутацију у оквиру такозване акционе уметности, која је изједначила искуство Другог светског рата кроз акције набијене иронијом, са великим осећајем напетости и латентне агресивности.
Гутаи групу су чинили: Јиро Иосхихара, Садамаса Мотонага, Схозо Схимамото и Катсуо Схирага. Повезани са постмодерном уметношћу, неколико уметника, укључених у недавни феномен глобализације, обележен мултикултуралношћу уметничких израза.
Шигео Тоја, Јасумаса Моримура. Други истакнути савремени јапански уметници су: Таро Окамото, Чута Кимура, Леико Икемура, Мичико Нода, Јасумаса Моримура, Јајои Кусама, Јошитака Амано, Шигео Фукуда, Шигеко Кубота, Јошитомо Нара71 и Такаши Мураками.
Ако вам је овај чланак био занимљив, позивамо вас да уживате у овим другим: