Si një kulturë e lashtë, Japonia ka treguar artin e saj gjatë gjithë këtyre viteve, mësoni me ne përmes këtij artikulli interesant, gjithçka rreth lashtësisë Art japonez, zhvilluar me kalimin e kohës në periudha dhe stile të ndryshme. Mos e humb atë!
arti japonez
Kur flasim për artin japonez, flasim për atë që u njoftua nga ky qytetërim me kalimin e kohës në faza dhe stile të ndryshme, të cilat u shpalosën përkohësisht me zhvillimin social dhe kulturor të popullit japonez.
Ndryshimet që po pëson arti në Japoni janë pasoja të zhvillimit të tij teknologjik, ku mund të kuptojmë përdorimin e lëndës së parë të vendit në shprehjet e tij artistike. Si dhe të ashtuquajturit art perëndimor, shprehjet e tij më emblematike u ndikuan nga feja dhe pushteti politik.
Një nga karakteristikat kryesore të artit japonez është eklekticizmi i tij, që vjen nga popuj dhe kultura të ndryshme që mbërritën në brigjet e tij me kalimin e kohës: kolonët e parë që u vendosën në Japoni - të njohur si Ainu - i përkisnin një dege të Kaukazit të Veriut dhe Azisë Lindore, ndoshta. mbërriti kur Japonia ishte ende e lidhur me kontinentin.
Origjina e këtyre kolonëve është e pasigurt dhe historianët marrin në konsideratë hipoteza të ndryshme, nga një racë Ural-Altaike deri te një origjinë e mundshme indoneziane ose mongole. Në çdo rast, kultura e tyre dukej se korrespondonte me Paleolitin e Sipërm ose Mezolit.
Më pas, grupe të ndryshme të racës Malajze nga Azia Juglindore ose Ishujt e Paqësorit mbërritën në brigjet japoneze, si dhe në Kore dhe pjesë të ndryshme të Kinës, duke u futur gradualisht nga jugu, duke zhvendosur Ainu. në veri të Japonisë, ndërsa në një valë të mëvonshme, grupe të ndryshme etnike nga Kina dhe Koreja erdhën në Japoni.
Kësaj përzierje racore duhet t'i shtohet ndikimi i kulturave të tjera: për shkak të izolimit të saj, Japonia ka qenë e izoluar për pjesën më të madhe të historisë së saj, por në intervale ajo është ndikuar nga qytetërimet kontinentale, veçanërisht Kina dhe Koreja, veçanërisht që nga shekulli V.
Kështu, kultura stërgjyshore japoneze që doli nga postet e njëpasnjëshme të emigracionit shtoi një ndikim të huaj, duke farkëtuar një art eklektik të hapur ndaj inovacionit dhe përparimit stilistik.
Është gjithashtu interesante të theksohet se pjesa më e madhe e artit të prodhuar në Japoni ka bazë fetare: fesë tipike Shinto të rajonit, e formuar rreth shekullit të XNUMX-të, Budizmi u shtua rreth shekullit të XNUMX-të, duke krijuar një shkrirje fetare që vazhdon ende. sot dhe atë ka lënë pasqyrimin e saj edhe në art.
Arti japonez është pasojë e këtyre kulturave dhe traditave të ndryshme, duke interpretuar në mënyrën e vet format e artit të importuara nga vende të tjera, të cilat i arrin sipas konceptimit të jetës dhe artit, duke ekzekutuar ndryshime dhe duke thjeshtuar karakteristikat e tij të veçanta.
Ashtu si tempujt e përpunuar budistë kinezë, të cilët në Japoni kanë kaluar një metamorfozë të detyrimit për të braktisur disa elementë të artit të tyre dhe për t'i bashkuar ato me të tjerët, kjo shpreh karakterin bashkues të këtij arti, kështu që ai ka marrë gjithmonë diçka nga një kulturë tjetër. të vendeve të tjera.
Arti japonez ka në kulturën japoneze një ndjenjë të madhe meditimi dhe ndërlidhjeje midis njeriut dhe natyrës, e përfaqësuar edhe në objektet që e rrethojnë atë, nga ato më të zbukuruara dhe të theksuara deri tek ato më të thjeshtat dhe të përditshmet.
Kjo është e dukshme në vlerën që u jepet papërsosmërive, natyrës kalimtare të gjërave, sensit humanitar që japonezët krijojnë me mjedisin e tyre. Ashtu si në ceremoninë e çajit, ata vlerësojnë qetësinë dhe qetësinë e kësaj gjendje soditjeje që e arrijnë me një ritual të thjeshtë, të bazuar në përbërës të thjeshtë dhe një harmoni të një hapësire asimetrike dhe të papërfunduar.
Për ta, paqja dhe ekuilibri shoqërohen me ngrohtësi dhe rehati, cilësi që nga ana e tyre janë një pasqyrim i vërtetë i konceptit të tyre për bukurinë. Edhe në kohën e ngrënies nuk ka rëndësi sasia e ushqimit apo paraqitja e tij, por perceptimi shqisor i ushqimit dhe kuptimi estetik që i jep çdo akti.
Po kështu, artistët dhe mjeshtrit e këtij vendi kanë një lidhje të lartë me punën e tyre, duke i ndjerë materialet si pjesë thelbësore të jetës së tyre dhe të komunikimit të tyre me mjedisin që i rrethon.
Bazat e artit japonez
Arti japonez, si pjesa tjetër e filozofisë së tij - ose thjesht mënyra e të parit të jetës - i nënshtrohet intuitës, mungesës së racionalitetit, shprehjes emocionale dhe thjeshtësisë së veprimeve dhe mendimeve. shpesh shprehet në mënyrë simbolike.
Dy nga tiparet dalluese të artit japonez janë thjeshtësia dhe natyraliteti: shprehjet artistike janë një pasqyrim i natyrës, kështu që ato nuk kërkojnë prodhim të hollësishëm, e gjithë kjo çon në faktin se ajo që duan artistët është që ajo që përvijohet, sugjerohet, deshifrohet më vonë. nga shikuesi.
Kjo thjeshtësi ka shkaktuar në pikturë një tendencë për vizatim linear, pa perspektivë, me bollëk hapësirash boshe, të cilat megjithatë integrohen në mënyrë harmonike në të tërën. Në arkitekturë, ai materializohet në dizajne lineare, me plane asimetrike, në një kombinim të elementeve dinamike dhe statike.
Nga ana tjetër, kjo thjeshtësi në artin japonez lidhet me një thjeshtësi të lindur në marrëdhëniet midis artit dhe natyrës, e cila është pjesë e veçorisë së tyre, e cila reflektohet në jetën e tyre, dhe ata e përjetojnë atë me një ndjesi delikate melankolie, gati trishtimi.
Se si kalimi i stinëve u jep atyre një ndjenjë kalimtare, ku mund të shihni evolucionin që ekziston në natyrë për shkak të natyrës kalimtare të jetës. Kjo thjeshtësi reflektohet mbi të gjitha në arkitekturën, e cila integrohet në mënyrë harmonike në rrethinat e saj, siç tregohet nga përdorimi i materialeve natyrore, pa punë, duke treguar pamjen e saj të ashpër dhe të papërfunduar. Në Japoni, natyra, jeta dhe arti janë të lidhura pazgjidhshmërisht, dhe arritjet artistike janë një simbol i gjithë universit.
Arti japonez kërkon të arrijë harmoninë universale, duke shkuar përtej materies për të gjetur parimin gjenerues të jetës. Ornamentacioni japonez kërkon të gjejë kuptimin e jetës përmes artit: Bukuria e artit japonez është sinonim i harmonisë, krijimtarisë; është një shtysë poetike, një rrugë ndijore që të çon në realizimin e veprës, e cila nuk ka një qëllim në vetvete, por shkon përtej.
Ajo që ne e quajmë bukuri është një kategori filozofike që na referon ekzistencës: ajo qëndron në arritjen e kuptimit me të tërën. Siç shprehet Suzuki Daisetsu: "bukuria nuk është në formën e jashtme, por në kuptimin në të cilin ajo shprehet".
Arti nuk fillon me karakterin e tij sensual, por me atributet e tij sugjestive; Nuk duhet të jetë e saktë, por tregoni një dhuratë që të çon në tërësi. Ai synon të kapë thelbësoren përmes asaj pjese, e cila sugjeron të tërën: boshllëku është një plotësues i japonezëve ekzistues.
Në mendimin lindor, ekziston një unitet midis materies dhe shpirtit, i cili mbizotëron në soditjen dhe bashkimin me natyrën, nëpërmjet aderimit të brendshëm, të intuitës. Arti japonez (gei) ka një kuptim më transcendent, më të paprekshëm se koncepti i artit të aplikuar në Perëndim: është çdo manifestim i mendjes, i kuptuar si energji jetike, si thelbi që i jep jetë trupit tonë që në fakt zhvillohet dhe zhvillohet dhe evoluon, duke realizuar një unitet midis trupit, mendjes dhe shpirtit.
Ndjenja e artit japonez është zhvilluar me kalimin e kohës: që nga fillimet e tij ku kanë ekzistuar gjurmët e para të artit dhe bukurisë, ato datojnë në kohët e lashta kur u farkëtuan parimet krijuese të kulturës japoneze dhe ato që u shprehën në veprat më të rëndësishme të letërsisë. të vendit:
Kojiki, Nihonshoki dhe Man 'yōshū, të mësipërmet janë botime, dy të parat kanë të bëjnë me veprat e para të historisë së Japonisë dhe e fundit ka të bëjë me poezitë e shkruara gjatë mijëvjeçarit të parë, për atë kohë mbizotëronte mendimi Sayashi ("i pastër , sigurisht, e freskët"), duke aluduar në një lloj bukurie të karakterizuar nga thjeshtësia, freskia, një farë naiviteti që vjen me përdorimin e materialeve të lehta dhe natyrore si Haniwa Figure Land apo druri në arkitekturë.
Mund ta klasifikojmë faltoren Ise si përfaqësimin më të mirë të këtij stili, të punuar me dru selvi, e cila është rinovuar çdo njëzet vjet që nga shekulli i XNUMX-të për të ruajtur çiltërsinë dhe freskinë e saj. Nga ky nocion lind një nga konstantet e artit japonez: vlera që i atribuohet bukurisë kalimtare, kalimtare, kalimtare që zhvillohet me kalimin e kohës.
Tek Man 'yōshū, sayakeshi manifestohet në dashurinë e të qenit besnik dhe i sprovuar, si dhe në përshkrimin se si përbërësit si qielli dhe deti, i dhanë atij një ndjenjë madhështie që e pushton njeriun.
Sayakeshi lidhet me konceptin e Naru ("të bëhesh"), në të cilin koha vlerësohet si një energji jetike që konvergon në bërje, në kulmin e të gjitha veprimeve dhe të gjitha jetëve.
Duke e vendosur veten në periudhat Nara dhe Heian, aspekti artistik i artit evoluoi me shpejtësi falë kontaktit të parë me kulturën kineze, si dhe ardhjes së budizmit. Koncepti kryesor i kësaj epoke ishte ndërgjegjja, një ndjenjë emocionale që pushton shikuesin dhe të çon në një ndjenjë të thellë ndjeshmërie ose keqardhjeje.
Lidhet me terma të tjerë si okashi, ai që tërheq me gëzimin dhe karakterin e tij të këndshëm; omoshiroi, veti e sendeve rrezatuese, që tërheqin vëmendjen me shkëlqimin dhe qartësinë e tyre; yūbi, koncepti i hirit, i elegancës; yūga, një cilësi e përsosjes në bukuri; sq, tërheqja e sharmit; mbreti, bukuria e qetësisë; yasashi, bukuria e maturisë; dhe ushin, sensi i thellë i artistes.
Historia e Murasaki Shikibu për Genji, e cila mishëronte një koncept të ri estetik të quajtur mono-jo-vetëdije - një term i prezantuar nga Motōri Norinaga-, i cili përcjell një ndjenjë melankolie, trishtimi soditës që rrjedh nga kalueshmëria e gjërave, bukuria kalimtare që zgjat një moment dhe mbetet në kujtesë.
Por mbi të gjitha është një ndjenjë melankolie delikate që mund të çojë në trishtim të thellë kur ndjen thellë bukurinë e nxjerrë nga të gjitha qeniet e natyrës.
Kjo filozofi e "ndjekjes ideale" të së bukurës, e një gjendjeje meditative ku takohen mendimi dhe bota e shqisave, është karakteristikë e delikatesës së lindur japoneze për bukurinë dhe është e dukshme në festivalin Hanami, kremtimi i pemës së qershisë në lulëzoj.
Në mesjetën japoneze, periudhat Kamakura, Muromachi dhe Momoyama, ku karakteristikë ishte dominimi ushtarak në tërësinë e shoqërisë feudale të vendit, u shfaq koncepti dō ("rruga"), i cili gjeneroi një zhvillim të artit për atë kohë. , tregohet në praktikën ceremoniale të riteve shoqërore, siç dëshmohet nga shodō (kaligrafi), chadō (ceremoni e çajit), kadō ose ikebana (arti i rregullimit të luleve) dhe kōdō (ceremoni e temjanit).
Praktikat nuk kanë rëndësi rezultati, por procesi evolucionar, evolucioni në kohë - përsëri naru -, si dhe talenti i treguar në ekzekutimin e përsosur të riteve, që tregon aftësi, si dhe një angazhim shpirtëror në kërkimi i përsosmërisë.
Një variant i budizmit i quajtur Zen, i cili thekson disa "rregulla të jetës" të bazuara në meditim, ku personi humbet vetëdijen, pati një ndikim vendimtar në këto koncepte të reja. Kështu, e gjithë puna e përditshme e kapërcen thelbin e saj material për të nënkuptuar një shfaqje shpirtërore, e cila pasqyrohet në lëvizjen dhe kalimin ritual të kohës.
Ky koncept reflektohet edhe në kopshtarinë, e cila arrin një shkallë të tillë rëndësie ku kopshti është një vizion i kozmosit, me një zbrazëti të madhe (det) që është e mbushur me objekte (ishuj), të mishëruara në rërë dhe shkëmbinj. , dhe ku bimësia evokon kalimin e kohës.
Ambivalenca Zen midis thjeshtësisë dhe thellësisë së një jete transhendente ngjall një frymë "elegance të thjeshtë" (wabi) jo vetëm në art, por edhe në sjellje, marrëdhënie shoqërore dhe në aspektet më të përditshme të jetës. . Mjeshtri Sesshū tha se "Zeni dhe arti janë një."
Ky Zen paraqitet në shtatë fakte zbukuruese: fukinsei, një mënyrë për të mohuar optimizimin për të arritur ekuilibrin e pranishëm në natyrë; kanso , nxirr atë që ka mbetur dhe ajo që nxjerr do të të bëjë të zbulosh thjeshtësinë e natyrës.
Kokō (dinjitet i vetmuar), cilësi që njerëzit dhe objektet e fitojnë me kalimin e kohës dhe u japin atyre një pastërti më të madhe të thelbit të tyre; shizen (natyrshmëria), që lidhet me sinqeritetin, e natyrshme është e vërtetë dhe e pakorruptueshme; yūgen (thellësia), thelbi real i gjërave, që shkon përtej materialitetit të tyre të thjeshtë, pamjes së tyre sipërfaqësore.
Datsuzoku (shkëputje), liri në praktikën e arteve, misioni i të cilit është të çlirojë mendjen, jo ta kontrollojë atë – pra, arti shpërndan të gjitha llojet e parametrave dhe rregullave -; seiyaku (qetësia e brendshme), në një situatë qetësie, qetësie, e nevojshme që të rrjedhin gjashtë parimet e mëparshme.
Është veçanërisht ceremonia e çajit, ku sintetizohet me mjeshtëri koncepti japonez i artit dhe bukurisë, duke krijuar një fe autentike estetike: “teizmin”. Kjo ceremoni përfaqëson kultin e së bukurës në kundërshtim me vulgaritetin e ekzistencës së përditshme. Filozofia e tij, etike dhe estetike, shpreh konceptimin integral të njeriut me natyrën.
Thjeshtësia e saj i lidh gjërat e vogla me rendin kozmik: jeta është një shprehje dhe veprimet gjithmonë pasqyrojnë një mendim. E përkohshme është e barabartë me shpirtëroren, e vogla është e madhja.Ky koncept gjendet edhe në çajin (sukiya), një produkt ndërtimi kalimtar i një impulsi poetik, pa zbukurime, ku imperfekti nderohet dhe lë gjithmonë diçka. e papërfunduar, e cila do të plotësojë imagjinatën.
Mungesa e simetrisë është karakteristike, për shkak të Zenit që mendon se kërkimi i përsosmërisë është më i rëndësishëm se ai vetë. Bukurinë mund ta zbulojnë vetëm ata që plotësojnë me arsyetimin e tyre atë që mungon.
Së fundi, në epokën moderne - e cila filloi me periudhën Edo -, megjithëse idetë e mëparshme vazhdojnë, futen klasa të reja artistike, të cilat lidhen me shfaqjen e rendeve të tjera shoqërore që lindin ndërsa Japonia modernizohet: sui është një delikatesë shpirtërore, e gjetur. kryesisht në letërsinë Osaka.
Mendimi Iki është një hir dinjitoz dhe i drejtpërdrejtë, veçanërisht i pranishëm në kabuki; Karumi është një koncept që mbron butësinë si diçka primordiale, nën të cilën përftohet "thellësia" e gjërave, e pasqyruar veçanërisht në poezinë e haikut, ku Shiori është një bukuri nostalgjike.
"Asgjë nuk zgjat, asgjë nuk është e plotë dhe asgjë nuk është e përsosur." Këta do të ishin tre çelësat mbi të cilët bazohet «Wabi sabi», një shprehje japoneze (ose një lloj vizioni estetik) që i referohet bukurisë së të papërsosurës, të paplotësuarit dhe të ndryshimit, megjithëse i referohet edhe në bukuria modeste dhe modeste, e pazakonta. Filozofia e "wabi sabi" është të shijoni të tashmen dhe të gjeni paqen dhe harmoninë në natyrë dhe gjëra të vogla dhe të pranoni në mënyrë paqësore ciklin natyror të rritjes dhe rënies.
Në themel të gjithë këtyre elementeve qëndron ideja e artit si një proces krijues dhe jo si një arritje materiale. Okakura Kakuzō shkroi se "vetëm artistët që besojnë në shtrembërimin e lindur të shpirtit të tyre janë të aftë të gjenerojnë bukuri të vërtetë".
Periodizimi i artit japonez
Në këtë artikull do të përdorim një segmentim në periudha të mëdha përsa i përket ndryshimeve të dukshme artistike dhe lëvizjeve politike. Përzgjedhja në përgjithësi ndryshon sipas kritereve të autorit dhe shumë prej tyre mund të ndahen gjithashtu. Megjithatë, ka edhe dallime në lidhje me fillimin dhe përfundimin e disa prej këtyre periudhave. Ne do të marrim atë të bërë nga arkeologu Charles T. Kelly, që është si më poshtë:
Arti japonez në artet plastike
Gjatë periudhave të mezolitit dhe neolitit, ai mbeti i izoluar nga kontinenti, kështu që i gjithë prodhimi i tij ishte i tij, megjithëse me pak rëndësi. Ato ishin shoqëri gjysmë sedentare, që jetonin në fshatra të vegjël me shtëpi të gërmuara në tokë, të cilat i siguronin burimet e tyre ushqimore kryesisht nga pylli (dreri, derri i egër, arra) dhe deti (peshqit, krustaceve, gjitarëve detarë).
Këto shoqëri kishin një organizim të përpunuar të punës dhe merreshin me matjen e kohës, siç dëshmohet nga disa mbetje të rregullimeve rrethore prej guri në Oyu dhe Komakino, të cilat vepronin si orë diellore. Ata me sa duket kishin njësi matëse të standardizuara, siç dëshmohet nga disa ndërtesa të ndërtuara sipas modeleve të caktuara.
Në vende të caktuara që korrespondojnë me këtë periudhë, janë gjetur artefakte prej guri dhe kocke të lëmuar, qeramika dhe figura antropomorfe. Duhet të theksohet se qeramika Jōmon është qeramika më e vjetër e bërë nga njeriu: gjurmët më të hershme të qeramikës rudimentare datojnë në vitin 11.000 para Krishtit, në enë të vogla, të punuara me dorë, me faqe të lëmuara dhe brendshme të mëdha. , me një sens funksional dhe dekorim të rreptë.
Këto mbetje korrespondojnë me një periudhë të quajtur "prejōmon" (11000-7500 pes), e ndjekur nga Jōmon "arkaike" ose "e hershme" (7500-2500 pes), ku qeramika më tipike e Jōmon është bërë, punuar me dorë dhe zbukuruar. me prerje ose gjurmë litari, mbi bazën e një lloj enësh të thellë në formë kavanozi. Dekorimi bazë përbëhej nga stampat e bëra me korda fibrash bimore, të cilat shtypeshin mbi qeramikë para se të shkreheshin.
Në disa zona, këto prerje kanë arritur një shkallë të lartë përpunimi, me buzë të gdhendura në mënyrë perfekte, duke nxjerrë një sërë linjash abstrakte shumë të ndërlikuara. Në raste të rralla, janë gjetur mbetje të skenave figurative, përgjithësisht vizatime antropomorfe dhe zoomorfe (bretkosat, gjarpërinjtë), duke nxjerrë në pah një skenë gjuetie të pranishme në një vazo të gjetur në Hirakubo, në veri të Honshū.
Më në fund, në "Jōmon i vonë" (2500-400 p.e.s.), enët u kthyen në një formë më të natyrshme, më pak të përpunuar, me tasa dhe enë me fund të rrumbullakët, amfora me qafë të ngushtë dhe tasa me vegje, shpesh me shufra. ose baza e ngritur. Pikat referuese të qeramikës Jōmon janë: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo dhe Okinohara në ishullin Honshū; Sobata në ishullin Kyūshū; dhe Hamanasuno dhe Tokoro në ishullin Hokkaidō.
Përveç vazove, figurina të ndryshme në formë njeriu ose kafshësh janë punuar në qeramikë, të punuara në disa pjesë, kështu që janë gjetur pak mbetje të pjesëve të tëra. Ato në formë antropomorfe mund të kenë atribute mashkullore ose femërore dhe janë gjetur edhe disa nga shenjat androgjene.
Disa kanë bark të fryrë, ndaj mund të jenë lidhur me adhurimin e fertilitetit. Vlen të përmendet saktësia e detajeve që tregojnë disa figura, si frizurat e kujdesshme, tatuazhet dhe fustanet dekorative.
Duket se në këto shoqëri zbukurimi i trupit ishte shumë domethënës, kryesisht në vesh, me vathë qeramike të prodhimeve të ndryshme, të stolisur me ngjyra të kuqërremta. Në Chiamigaito (Ishulli Honshū) janë gjetur më shumë se 1000 prej këtyre stolive, duke sugjeruar një punëtori lokale për përpunimin e këtyre produkteve.
Nga kjo periudhë datojnë edhe maska të ndryshme, që tregojnë punë të individualizuar në fytyra. Në të njëjtën mënyrë, u bënë lloje të ndryshme të rruazave të jadeitit të gjelbër dhe ishin të njohur me punimet me llak, siç dëshmohet nga disa kapëse të gjetura në Torihama. Janë gjetur edhe mbetje shpatash, kockash apo brirësh fildishi.
Periudha Yayoi (500 pes-300 pas Krishtit)
Kjo periudhë nënkuptonte ngritjen përfundimtare të shoqërisë agrare, e cila shkaktoi shpyllëzimin e shtrirjeve të mëdha të territorit.
Ky transformim ka çuar në një evolucion të shoqërisë japoneze në fushat teknologjike, kulturore dhe sociale, me shtresim më të madh social dhe specializim të punës dhe ka shkaktuar një rritje të konflikteve të armatosura.
Arkipelagu japonez ishte i mbushur me shtete të vogla të formuara rreth klaneve (uji), ndër të cilat mbizotëronte Yamato, e cila krijoi familjen perandorake. Pastaj u shfaq Shintoizmi, një fe mitologjike që rrëzoi perandorin e Amaterasu, perëndeshën e diellit.
Kjo fe promovoi ndjenjën e vërtetë të pastërtisë dhe freskisë së artit japonez, me një preferencë për materiale të pastra dhe pa dekorim, me një ndjenjë integrimi me natyrën (kami ose superndërgjegje). Nga shekulli I para Krishtit. C. filloi të prezantojë qytetërimin kontinental, për shkak të marrëdhënieve me Kinën dhe Korenë.
Kultura Yayoi u shfaq në ishullin Kyūshū rreth 400-300 pes. C., dhe u transferua në Honshū, ku gradualisht zëvendësoi kulturën Jōmon. Gjatë kësaj periudhe u zgjerua një lloj varrimi i madh me një dhomë dhe një tumë të zbukuruar me cilindra terrakote me figura njerëzore dhe kafshësh.
Fshatrat ishin të rrethuar me kanale dhe u shfaqën mjete të ndryshme bujqësore (përfshirë një vegël guri në formë gjysmëhëne që përdorej për korrje), si dhe armë të ndryshme, si harqe e shigjeta me majë guri të lëmuar.
Në Qeramikë prodhoheshin enkas këto objekte: Kavanoza, Vazo, Pjata, Kupa dhe Shishe me veçori të caktuara. Ato kishin një sipërfaqe të lëmuar, me një dekorim të thjeshtë, kryesisht prerje, shirita me pika dhe zigzag, objekti më i përdorur ishte një gotë që quhej Tsubo.
Ai vuri në pah punën me metale, kryesisht bronz, si të ashtuquajturat këmbanat dotaku, të cilat shërbenin si objekte ceremoniale, të zbukuruara me spirale (ryusui) në formën e ujit të rrjedhshëm, ose kafshë në reliev (kryesisht drerë, zogj, insekte etj. amfibët), si dhe skena të gjuetisë, peshkimit dhe punëve bujqësore, veçanërisht ato që lidhen me orizin.
Dreri duket se ka pasur një kuptim të veçantë, ndoshta i lidhur me një hyjni të caktuar: në shumë vende janë gjetur një mori shpatullash dreri me prerje ose shenja të bëra me zjarr, që thuhet se lidhet me një lloj rituali.
Artikuj të tjerë dekorativë të gjetur në vendet e Yayoi përfshijnë: pasqyra, shpata, rruaza të ndryshme dhe magatama (copa nefriti dhe agat në formë shqeme, të cilat shërbenin si gurë të çmuar të pjellorisë).
Periudha e Kofunit (300-552)
Kjo epokë shënoi konsolidimin e Shtetit Qendror Perandorak, i cili kontrollonte burime të rëndësishme, si hekuri dhe ari. Arkitektura u zhvillua mundësisht në varreza, me varre tipike dhomash dhe kalimi të quajtura kofun ("varr i vjetër"), mbi të cilët ngriheshin tuma të mëdha dheu.
Bien në sy varrimi i perandorëve Ōjin (346-395) dhe Nintoku (395-427), ku u gjetën një larmi të madhe objektesh, ndër të cilat kishte; bizhuteri, figura të punuara me materiale të ndryshme sidomos figura terrakote.
Këto statuja ishin rreth gjashtëdhjetë centimetra të gjata, praktikisht pa shprehje, vetëm disa të çara në sy dhe në gojë, ndonëse janë një shembull shumë i rëndësishëm i artit të kësaj kohe.
Sipas veshjeve dhe enëve të tyre, te këta personazhe bien në sy zanate të ndryshme, si bujq, milicë, murgj, gra provinciale, minstrale etj.
Në fund të kësaj periudhe u shfaqën edhe figura kafshësh, duke përfshirë drerët, qentë, kuajt, derrat, macet, pulat, delet dhe peshqit, duke treguar rëndësinë e vendbanimit ushtarak të kohës, tiparet stilistike të të cilave lidhen me kulturën e Sillas. nga Koreja, si dhe një lloj qeramike e quajtur Sueki, e cila është e errët dhe shumë e hollë, me aksesorë tringëllimë.
Diferencimi social ka çuar në izolimin e klasave sunduese në lagjet ekskluzive të qyteteve, si Yoshinogari, për të përfunduar të ndara përgjithmonë në lagje të izoluara si Mitsudera ose komplekset e pallateve të Kansai, Ikaruga dhe Asuka-Itabuki.
Sa i përket arkitekturës fetare, tempujt e hershëm shinto (jinja) ishin prej druri, në një bazë të ngritur dhe mure të ekspozuar ose ndarëse rrëshqitëse, me bazat që mbanin çatinë e pjerrët.
Një nga komponentët e tij karakteristikë është torii, një hark hyrje që shënon hyrjen në një vend të shenjtë. Shënoni faltoren Ise, e cila është rindërtuar çdo njëzet vjet që nga shekulli i XNUMX-të.
Ndërtesa kryesore (Shoden) ka dysheme të ngritur dhe çati me kate, me nëntë bazamente, ku aksesohet nga një shkallë e jashtme. Është në stilin shinmei zukuri, i cili pasqyron stilin e vonë shinto, përpara ardhjes së budizmit në Japoni.
Një tjetër tempull mitik me origjinë të pasigurt është Izumo Taisha, afër Matsue, një tempull legjendar i themeluar nga Amaterasu. Është në stilin taisha zukuri, konsiderohet si më i vjetri ndër faltoret, atraksioni kryesor është ngritja e ndërtesës mbi pilastra, me shkallë si hyrje kryesore dhe përfundime të thjeshta druri pa lyerje.
Sipas dorëshkrimeve të gjetura, shenjtërorja origjinale kishte një lartësi prej 50 metrash, por për shkak të zjarrit ajo u rindërtua me një lartësi prej 25 metrash. Ndërtesat ishin Honden ("strehë e brendshme") dhe Hayden ("faltore e jashtme"). Kinpusen-ji, tempulli kryesor i shugendō, një fe asketike që ndërthur besimet Shinto, Budizmi dhe animiste, i përket gjithashtu kësaj periudhe.
Në këtë periudhë gjejmë mostrat e para të pikturës, si në Funeralin Mbretëror Ōtsuka dhe varret në formë dolmeni të Kyūshū (shek. V-VI), të zbukuruara me skena të gjahut të bllokuar, beteja, kuaj, zogj dhe anije ose me spirale. dhe rrathët koncentrikë.
Ato ishin piktura muri, të bëra me të kuqe hematiti, të zezë karboni, të verdhë okër, të bardhë kaolinë dhe jeshile klorit. Një nga dizenjot karakteristike të kësaj periudhe është i ashtuquajturi chokomon, i përbërë nga vija të drejta dhe harqe të vizatuara në diagonale ose kryqe, dhe i pranishëm në muret e varreve, sarkofagëve, statujave Haniwa dhe pasqyrave prej bronzi.
Periudha Asuka (552-710)
Yamato konceptoi një mbretëri të centralizuar sipas modelit kinez, të mishëruar në ligjet e Shōtoku-Taishi (604) dhe Taika të vitit 646. Futja e budizmit prodhoi një ndikim të madh artistik dhe estetik në Japoni, me një ndikim të madh të artit kinez.
Më pas erdhi mbretërimi i princit Shōtoku (573-621), i cili favorizoi budizmin dhe kulturën në përgjithësi dhe ishte i frytshëm për artin. Arkitektura ishte e përfaqësuar në tempuj dhe manastire, ajo ka humbur kryesisht, duke supozuar zëvendësimin e linjave të thjeshta Shinto me madhështinë që vinte nga kontinenti.
Si ndërtesa më e shquar e kësaj periudhe, duhet të emërojmë tempullin e Hōryū-ji (607), përfaqësues i stilit Kudara (Paekche në Kore). Ai u bë në truallin e tempullit Wakakusadera, i ngritur nga Shōtoku dhe i djegur nga kundërshtarët e tij në 670.
E ndërtuar me planimetri boshtore, ajo përbëhet nga një grup ndërtesash ku ndodhen faltore (Tō), Yumedono ("salla e ëndrrave") dhe Kondō ("salla e artë"). Është në stilin kinez, duke përdorur për herë të parë një çati me pllaka qeramike.
Një nga veçoritë e këtij shembulli të jashtëzakonshëm është faltorja Itsukushima (593), e bërë në ujë, në Seto, ku shënohen Gojūnotō, Tahōtō dhe honden të ndryshëm. Për shkak të bukurisë së saj, ajo u emërua një sit i Trashëgimisë Botërore në 1996 nga OKB-ja.
Skulptura me temë budiste ishte prej druri ose bronzi: figurat e para të Budës u importuan nga kontinenti, por më vonë një numër i madh artistësh kinezë dhe koreanë u vendosën në Japoni.
Imazhi i Kannon, emri japonez i Bodhisattva Avalokiteśvara (i quajtur Guan Yin në kinezisht), është përhapur nën emrin e Bodhisattva Kannon, vepër e Koreanit Tori; Kanoni i vendosur në tempullin Yumedono të Hōryū-ji; dhe Kannon of Kudara (shek. VI), nga një artist i panjohur. Një vepër tjetër e rëndësishme është Triada e Sâkyamuni (623), në bronz, nga Tori Busshi e instaluar në tempullin e Hōryū-ji.
Në përgjithësi, ato ishin vepra të një stili të ashpër, këndor dhe arkaik, të frymëzuara nga stili korean Koguryŏ, siç shihet në veprën e Shiba Torit, që shënoi "stilin zyrtar" të periudhës Asuka: Buda e Madhe Asuka (tempulli Hoko -ji, 606), Yakushi Buda (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Një artist tjetër që ndoqi këtë stil ishte Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autor i Katër Kujdestarët Qiellor (shitenno) të Sallës së Artë të Hōryū-ji (645), i cili pavarësisht stilit shumë të vjetër paraqet një evolucion vëllimor më të rrumbullakosur, me më shumë fytyra shprehëse.
Piktura e ndikuar nga motive kineze, e punuar me bojë ose ngjyra minerale të përdorura në mëndafsh ose letër, në rrotulla pergamenë ose të varura në mur. Tregon një ndjenjë të madhe vizatimi, me vepra me origjinalitet të madh, si relikuari Tamamushi (Hōryū-ji), në dru kamfuri dhe selvi, me shirita filigrani bronzi, që përfaqësojnë skena të ndryshme me vaj në dru të llakuar, në një teknikë të quajtur mitsuda. -i nga Persia dhe që lidhet me pikturën kineze të dinastisë Wei.
Në bazën e relikuarit është një jataka (rrëfim i jetëve të kaluara të Budës), që tregon princin Mahasattva duke i shenjtëruar mishin e tij një tigreshe të uritur. Rreth kësaj kohe, kaligrafia filloi të merrte rëndësi, duke iu akorduar i njëjti nivel artistik si imazhet figurative.
U vunë re gjithashtu sixhade mëndafshi, të tilla si Mandala Tenkoku i bërë në Shōtoku (622). Qeramika, e cila mund të lustrohej ose jo, kishte pak prodhim vendas, duke qenë importi më i vlerësuar kinez.
Periudha e Narës (710-794)
Gjatë kësaj periudhe, kryeqyteti u krijua në Nara (710), kryeqyteti i parë fiks i mikados. Në këtë kohë, arti budist ishte në kulmin e tij, duke vazhduar me intensitet të madh ndikimin kinez: japonezët panë në artin kinez një harmoni dhe përsosmëri të ngjashme me shijen evropiane për artin klasik greko-romak.
Shembujt e paktë të arkitekturës nga periudha janë ndërtesa monumentale, të tilla si faltorja e Yakushi-ji Lindore, tempujt Tōshōdai-ji, Tōdai-ji dhe Kōfuku-ji, dhe Magazina Perandorake Shōso-in në Nara, e cila ruan shumë objekte. nga arti nga koha e perandorit Shōmu (724-749), me vepra nga Kina, Persia dhe Azia Qendrore. Qyteti i Nara u ndërtua sipas një plan urbanistik, të modeluar sipas Chang'an, kryeqyteti i dinastisë Tang.
Pallatit perandorak iu dha e njëjta rëndësi si manastirit kryesor, Tōdai-ji (745-752), i ndërtuar sipas një plani simetrik në një rrethim të madh me faltore binjake, dhe me Daibutsuden, "sallë e madhe e Budës". «. me një statujë të madhe prej 15 metrash prej bronzi të Budës Vairocana (Dainichi në japonisht), dhuruar nga perandori Shōmu në 743. E rindërtuar në vitin 1700, Daibutsuden është ndërtesa më e madhe prej druri në botë.
Një tempull tjetër i rëndësishëm është Hokkedō, i cili krenohet me një statujë tjetër madhështore, Kannon Fukukenjaku, një bodhisattva me tetë krahë me llak që qëndron katër metra e lartë. ndikim i lartë dhe Tang, i cili vihet re në qetësinë dhe qetësinë e tipareve të fytyrës.
Në të kundërt, Pagoda Lindore Yakushi-ji ishte një përpjekje e arkitektëve japonezë për të gjetur stilin e tyre, duke u larguar nga ndikimi kinez. Shquhet për vertikalitetin e tij, me mbulesa alternative të përmasave të ndryshme, që i jep pamjen e një shenje kaligrafike.
Në strukturën e saj bien në sy strehët dhe ballkonet, të formuara nga hekurat e drurit të ndërthurur, në ngjyrë të bardhë dhe kafe. Brenda saj ndodhet imazhi i Yakushi Nyorai ("Buda e mjekësisë"). Është renditur si një sit i Trashëgimisë Botërore me emrin Monumentet Historike të Narës së Lashtë.
Tōshōdai-ji (759) kishte të njëjtën shkallë asimilimi kombëtar, duke treguar një kontrast të qartë midis Kondō ("sallë e artë"), me soliditetin, simetrinë dhe vertikalitetin e tij të ndikuar nga kinezët, dhe Kodō ("salla e leksioneve") . ”), me thjeshtësi dhe horizontalitet më të madh që tregojnë traditën aborigjene.
Një ekspozues tjetër ishte Kiyomizu-dera (778), ndërtesa kryesore e së cilës dallohet për kangjella e saj e madhe, e mbështetur nga qindra shtylla, e cila dallohet në kodër dhe ofron pamje mbresëlënëse të qytetit të Kiotos. Ky tempull ishte një nga kandidatët për listën e Shtatë mrekullive të reja të botës, megjithëse nuk u zgjodh.
Nga ana e tij, Rinnō-ji është i famshëm për Sanbutsudō, ku ka tre statuja të Amida, Senjūkannon dhe Batōkannon. Si një faltore shintoiste, veçohet Fushimi Inari-taisha (711), kushtuar shpirtit të Inarit, i quajtur veçanërisht për mijëra torii të kuq që shënojnë rrugën përgjatë kodrës në të cilën ndodhet faltorja.
Përfaqësimi i Budës ka arritur një zhvillim të madh në skulpturë, me statuja të bukurisë së madhe: Sho Kannon, Buda e Tachibana, Bodhisattva Gakko e Tōdai-ji. Në periudhën Hakuhō (645-710), shtypja e klanit Soga dhe konsolidimi perandorak çuan në fundin e ndikimit korean dhe zëvendësimin e tij me kinezët (dinastia Tang), duke prodhuar një sërë veprash me madhështi dhe realizëm më të madh, me më të rrumbullakëta dhe forma më të hijshme.
Ky ndryshim vihet re në një pjesë të statujave prej bronzi të praruar Yakushi-ji, të formuara nga Buda i ulur (Yakushi) i shoqëruar nga bodhisattvas Nikko ("Drita e Diellit") dhe Gakko ("Drita e Hënës"), të cilët tregojnë dinamizëm më të madh në pozicionin e tij kontraposto. dhe ekspresivitet më të madh të fytyrës.
Në Hōryū-ji, stili Tori me origjinë koreane vazhdoi, si në Kannon Yumegatari dhe Triada Amida e medaljonit Lady Tachibana. Në Tempullin Tōshōdai-ji ka një seri statujash të mëdha, të bëra me llak të tharë, që nxjerrin në pah Budën Rushana qendrore (759), e cila është 3,4 metra e gjatë. Ka edhe paraqitje të shpirtrave mbrojtës (Meikira Taisho), mbretërve (Komokuten), etj. Janë punime në dru, bronz, argjilë të papërpunuar ose llak të thatë, me realizëm të madh.
Piktura përfaqësohet nga një dekorim muri Hōryū-ji (fundi i shekullit të XNUMX-të), siç janë afresket Kondō, të cilat kanë ngjashmëri me ato të Ajanta në Indi. Janë shfaqur gjithashtu tipologji të ndryshme, si kakemono ("pikturë e varur") dhe emakimono ("pikturë me rul"), histori të pikturuara në një rrotull letre ose mëndafshi, me tekste që shpjegojnë skenat e ndryshme, të quajtura sutra.
Në Nara Shōso-in, ka një sërë pikturash me temë laike, me lloje dhe tema të ndryshme: bimë, kafshë, peizazhe dhe objekte metalike. Në mesin e periudhës, shkolla e pikturës së Dinastisë Tang hyri në modë, siç mund të shihet në muralet e varrit Takamatsuzuka, të cilat datojnë rreth vitit 700.
Me dekretin Taiho-ryo të vitit 701, profesioni i piktorit rregullohet në korporatat artizanale. kontrolluar nga Departamenti i Piktorëve (takumi-no-tuskasa), në varësi të Ministrisë së Brendshme. Këto shoqata ishin përgjegjëse për dekorimin e pallateve dhe tempujve, dhe struktura e tyre zgjati deri në epokën Meiji. Qeramika ka evoluar në mënyrë të jashtëzakonshme përmes teknikave të ndryshme të importuara nga Kina, të tilla si përdorimi i ngjyrave të ndezura të aplikuara në argjilë.
Periudha Heian (794-1185)
Në këtë periudhë u zhvillua qeveria e klanit Fujiwara, e cila krijoi një qeveri të centralizuar të frymëzuar nga qeveria kineze, me kryeqytet në Heian (tani Kioto). U ngritën feudalët e mëdhenj (daimyō) dhe u shfaq figura e samurait.
Rreth kësaj kohe, u shfaq grafologjia e quajtur Hiragana, e cila përshtati kaligrafinë kineze me gjuhën shumërrokëshe të përdorur në Japoni, duke përdorur karaktere kineze për vlerat fonetike të rrokjeve. Prishja e marrëdhënieve me Kinën prodhoi një art më të qartë japonez, me një art laik që u shfaq krahas artit fetar që do të ishte një pasqyrim besnik i nacionalizmit të oborrit perandorak.
Ikonografia budiste iu nënshtrua një zhvillimi të ri me importimin e dy sekteve të reja nga kontinenti, Tendai dhe Shingon, bazuar në budizmin tantric tibetian, i cili përfshinte elemente shintoiste dhe prodhoi një sinkretizëm fetar karakteristik të kësaj kohe.
Arkitektura pësoi një ndryshim në planimetrinë e manastireve, të cilat u ngritën në vende të izoluara, të destinuara për meditim. Tempujt më të rëndësishëm janë Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) dhe faltore-faltore Murō-ji. Enryaku-ji, i vendosur në afërsi të malit Hiei, është një nga Monumentet Historike të Kiotos së Lashtë, i shpallur një sit i Trashëgimisë Botërore në 1994.
Ajo u themelua në 788 nga Saichō, i cili prezantoi sektin budist Tendai në Japoni. Enryaku-ji kishte rreth 3.000 tempuj dhe ishte një qendër e madhe pushteti në kohën e tij, me shumicën e ndërtesave të saj të shkatërruara nga Oda Nobunaga në 1571.
Nga pjesa që ka mbijetuar, sot spikat Saitō (“salla perëndimore”) dhe Tōdō (“salla lindore”), ku ndodhet Konpon chūdō, ndërtimi më përfaqësues i Enryaku ji, ku mbahet një statujë e Budës. skalitur nga vetë Saichō, Yakushi Nyorai.
Skulptura ka pësuar një rënie të lehtë në krahasim me herët e mëparshme. Përsëri, përfaqësime të Budës (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai nga tempulli Jingo-ji në Kioto; Amida Nyorai nga manastiri Byōdō-in), si dhe disa perëndesha Shinto (Kichijoten, perëndeshë e lumturisë, ekuivalente me Lakshmī India) .
Ngurtësia e tepruar e fesë budiste kufizon spontanitetin e artistit, i cili e kufizon veten në kanone të ngurtë artistike që minojnë lirinë e tij krijuese. Gjatë viteve 859 dhe 877, u krijua stili Jogan, i dalluar nga imazhet e një graviteti pothuajse frikësues, me një ajër të caktuar introspektiv dhe misterioz, siç është Shaka Nyorai i Murō-ji.
Gjatë periudhës Fujiwara, shkolla e themeluar nga Jōchō në Byōdō-in u bë e famshme, me një stil më elegant dhe më të hollë se skulptura e Joganit, duke shprehur forma të përsosura trupore dhe një ndjenjë të shkëlqyer lëvizjeje.
Punëtoria e Jōchō prezantoi teknikat yosegi dhe warihagi, të cilat konsistonin në ndarjen e figurës në dy blloqe që më pas u bashkuan për t'i skalitur ato, duke shmangur kështu plasaritjen e mëvonshme, një nga problemet kryesore me figurat e mëdha. Këto teknika gjithashtu lejojnë montimin serik dhe u zhvilluan me sukses të madh në shkollën Kei të periudhës Kamakura.
Piktura Yamato-e lulëzon veçanërisht në rrotullat e shkruara me dorë të quajtur emaki, të cilat kombinojnë skena piktoreske me kaligrafinë elegante Katakana. Këto rrotulla tregonin pasazhe historike ose letrare, të tilla si Përralla e Genxhit, një roman i Murasaki Shikibu nga fundi i shekullit të XNUMX-të.
Megjithëse teksti ishte vepër e skribëve të njohur, imazhet zakonisht ekzekutoheshin nga kurtizanet e oborrit, si Ki no Tsubone dhe Nagato no Tsubone, duke supozuar një shembull të estetikës femërore që do të kishte rëndësi të madhe në artin bashkëkohor japonez.
Në këtë kohë filloi një klasifikim i pikturave sipas gjinisë, i cili shënonte një dallim të perceptueshëm mes publikut, ku mashkullorja ishte nën ndikimin kinez, dhe femra dhe më estetike ishte artistikisht japoneze.
Në onna-e, përveç Historisë së Genji, spikat Heike Nogyo (Lotus Sutra), i porositur nga klani Taira për faltoren Itsukushima, ku ato janë të mishëruara në rrotulla të ndryshme mbi shpëtimin e shpirtrave të shpallur nga budizmi.
Nga ana tjetër, ky The otoko-e ishte më narrativ dhe energjik se ona-e, më plot veprim, me më shumë realizëm dhe lëvizje, si në rrotullat Shigisan Engi, për mrekullitë e murgut Myoren; Ban Danigon E-kotoba, për një luftë midis klaneve rivale në shekullin e XNUMX-të; dhe Chōjugiga, skena kafshësh me një shenjë të karikaturës dhe një ton satirik, duke kritikuar aristokracinë.
Periudha Kamakura (1185-1392)
Pas disa mosmarrëveshjeve midis klaneve feudale, u imponua Minamoto, e cila themeloi shogunate, një formë qeverisje me një gjykatë ushtarake. Në këtë kohë, sekti Zen u fut në Japoni, i cili do të ndikonte shumë në artin figurativ. Arkitektura ishte më e thjeshtë, më funksionale, më pak luksoze dhe e zbukuruar.
Rregulli Zen solli të ashtuquajturin stil Kara-yo: Vendet e adhurimit Zen ndoqën teknikën e planimetrisë boshtore kineze, megjithëse ndërtesa kryesore nuk ishte tempulli, por salla e leximit dhe vendi i nderit nuk ishte i zënë nga një statujë. Buda, por pranë një froni të vogël ku abati i mësoi dishepujt e tij.
Pesë kompleksi i madh i tempullit të Sanjūsangen-dō, në Kioto (1266), si dhe manastiret Kennin-ji (1202) dhe Tōfuku-ji (1243) në Kioto, dhe Kenchō-ji (1253) dhe Engaku-ji (1282). ) në Kamakura.
Kōtoku-in (1252) është i famshëm për statujën e tij të madhe dhe të rëndë prej bronzi të Amida Budës, duke e bërë atë Budën e dytë më të madhe në Japoni pas Tōdai-ji.
Në 1234, u ndërtua Tempulli Chion-in, selia e budizmit Jōdo shū, i dalluar nga porta kryesore e tij kolosale (Sanmon), struktura më e madhe e këtij lloji në Japoni.
Një nga përfaqësuesit e fundit të kësaj periudhe ishte Hongan-ji (1321), i cili përbëhet nga dy tempuj kryesorë: Nishi Hongan-ji, i cili përfshin Goei-dō dhe Amida-dō, së bashku me një pavijon çaji dhe dy faza. teatri Noh, njëri prej të cilëve pretendon të jetë më i vjetri që ende jeton; dhe Higashi Hongan-ji, shtëpia e të famshmit Shosei-en.
Skulptura fitoi një realizëm të madh, duke i gjetur artistit liri më të madhe krijimi, siç dëshmohet nga portretet e fisnikëve dhe ushtarëve, si ai i Uesugi Shigusa (nga një artist anonim), një ushtarak i shekullit të katërmbëdhjetë.
Veprat Zen përqendrohen në paraqitjen e zotërinjve të tyre, në një lloj statuje të quajtur shinzo, si ajo e mjeshtrit Muji Ichien (1312, nga një autor anonim), në dru polikromi, që përfaqëson mjeshtrin Zen të ulur në një fron, në një qëndrimi i meditimit i relaksuar.
Shkolla Kei e Nara, trashëgimtare e Shkollës Jōchō të periudhës Heian, ishte veçanërisht e rëndësishme për cilësinë e veprave të saj, ku skulptori Unkei, autor i statujave të murgjve Muchaku dhe Sesshin (Kōfuku-ji i Narës), gjithashtu. si imazhe të Kongo Rikishit (shpirtrave mbrojtës), siç janë dy statujat kolosale të vendosura në hyrje të tempullit Tōdai-ji 8 metra të lartë (1199).
Stili i Unkeit, i ndikuar nga skulptura kineze e dinastisë Song, ishte shumë realist ndërsa kapte studimin më të detajuar fizionomik me shprehjen emocionale dhe spiritualitetin e brendshëm të individit të përshkruar.
Edhe kristale të errëta u futën në sy, për të dhënë ekspresivitet më të madh. Puna e Unkeit shënoi fillimin e portretit japonez. Djali i tij Tankei, autor i Kannon Senju për Sanjūsangen-dō, vazhdoi punën e tij.
Piktura u karakterizua nga rritja e realizmit dhe introspeksioni psikologjik. Peizazhi (Ujëvara Nachi) dhe portret Murgu Myoe në Soditje, nga Enichi-bo Jonin; grup portretesh nga tempulli Jingo-ji në Kioto, nga Fujiwara Takanobu; Portreti i Goshin i perandorit Hanazono, u zhvillua kryesisht.
Modaliteti yamato-e vazhdoi dhe imazhet u shpjeguan në rrotulla, shumë prej tyre disa metra të gjata. Këto dorëshkrime përshkruanin detaje të jetës së përditshme, skena urbane ose rurale, ose ilustronin ngjarje historike, si Lufta e Kiotos e vitit 1159 midis degëve rivale të Familjes Perandorake.
Ato u prezantuan në skena të vazhdueshme, sipas një rendi narrativ, me një panoramë të ngritur, në vijë të drejtë. Bien në sy rrotullat e ilustruara të ngjarjeve të epokës Heiji (Heiji monogatari) dhe rrotullat Kegon Engi të Enichi-bo Jonin.
Piktura e lidhur me organizatën Zen ishte më drejtpërdrejt e ndikuar nga kinezët, me një teknikë më shumë të linjave të thjeshta të bojës kineze që ndiqnin thënien Zen se "shumë ngjyra verbojnë syrin".
Periudha Muromachi (1392-1573)
Shogunati është në duart e Ashikaga, lufta e brendshme e të cilëve favorizon fuqinë në rritje të daimyō, i cili ndan tokën. Arkitektura ishte më elegante dhe kryesisht japoneze, duke shfaqur pallate madhështore, manastire si Zuihoji dhe tempuj si Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji ose Pavijoni i Artë (1397) dhe Ginkaku-ji. o Pavioni i argjendtë (1489), në Kioto.
Kinkaku-ji u ndërtua si një fshat pushimi për Shogun Ashikaga Yoshimitsu, si pjesë e domenit të tij të quajtur Kitayama. Djali i tij e shndërroi ndërtesën në një tempull për sektin Rinzai. Është një ndërtesë trekatëshe, dy të parët të mbuluar me fletë ari të pastër. Pavijoni funksionon si sheriden, i cili mbron reliket e Budës.
Ai përmban gjithashtu statuja të ndryshme të Budës dhe Bodhisattva-s, dhe një fenghuang i artë qëndron në çati. Ajo gjithashtu ka një kopsht të bukur ngjitur, me një pellg të quajtur Kyōko-chi, me shumë ishuj dhe gurë që përfaqësojnë historinë e krijimit budist.
Nga ana e tij, Ginkaku-ji u ndërtua nga shogun Ashikaga Yoshimasa, i cili u përpoq të imitonte Kinkaku-ji të ndërtuar nga paraardhësi i tij Yoshimitsu, por për fat të keq ai nuk mundi ta mbulonte ndërtesën me argjend siç ishte planifikuar.
Karakteristikë e arkitekturës së kësaj periudhe është edhe pamja e tokonomas, një dhomë e rezervuar për soditjen e një pikture ose një kompozimi lulesh, në përputhje me estetikën Zen. Gjithashtu u prezantua edhe tatami, një lloj tapeti i bërë me kashtë orizi, i cili e bëri më të këndshëm brendësinë e shtëpisë japoneze.
Në këtë kohë, arti i kopshtarisë u zhvillua veçanërisht, duke hedhur themelet artistike dhe estetike të kopshtit japonez. U shfaqën dy mënyra kryesore: tsukiyama, rreth një kodre dhe një liqeni; dhe hiraniwa, një kopsht i sheshtë me rërë të gërmuar, me gurë, pemë dhe puse.
Bimësia më e zakonshme përbëhet nga bambu dhe lloje të ndryshme lulesh dhe pemësh, qoftë me gjelbërim të përhershëm, si pisha e zezë japoneze, qoftë gjetherënëse, si panja japoneze, vlerësohen edhe elementë të tillë si fierët dhe shkumet.
Bonsai është një tjetër element tipik i kopshtarisë dhe dizajnit të brendshëm. Kopshtet shpesh përfshijnë një liqen ose pellg, lloje të ndryshme pavionesh (zakonisht për ceremoninë e çajit) dhe fenerë guri. Një nga karakteristikat tipike të kopshtit japonez, si në pjesën tjetër të artit të tij, është pamja e papërsosur, e papërfunduar dhe asimetrike.
Ka lloje të ndryshme kopshtesh: "shëtitje", të cilat mund të shihen duke ecur përgjatë një shtegu ose rreth një pellgu; e «dhomës së ndenjjes», e cila mund të shihet nga një vend fiks, përgjithësisht një pavijon ose një kasolle e tipit machiya.
Te (rōji), rreth një shtegu që të çon në dhomën e çajit, me pllaka bakdosin ose gurë që shënojnë shtegun; dhe "përsiatje" (karesansui, "peizazh mali dhe uji"), i cili është kopshti më tipik i Zenit, i parë nga një platformë e vendosur në manastiret e Zenit.
Një shembull i mirë është i ashtuquajturi peizazh pa ujë i kopshtit Ryōan-ji në Kioto nga piktori dhe poeti Sōami (1480), i cili përfaqëson një det, të bërë me rërë të gërmuar, plot me ishuj, të cilët janë shkëmbinj. , duke formuar një tërësi që ndërthur realitetin dhe iluzionin dhe që fton qetësi dhe reflektim.
U vu re një ringjallje e pikturës, e përshtatur në estetikën Zen, e cila mori ndikimin kinez të dinastive Yuan dhe Ming, të reflektuar kryesisht në artin dekorativ.
U prezantua teknika e gouache, një transkriptim i përsosur i doktrinës Zen, i cili kërkon të pasqyrojë në peizazhe atë që nënkuptojnë, sesa atë që përfaqësojnë.
U shfaq figura e bunjinso-s, "murgu intelektual" që krijoi veprat e veta, studiues dhe ndjekës të teknikave kineze me bojë njëngjyrëshe, me penelata të shkurtra dhe të përhapura, i cili pasqyronte në veprat e tij elemente natyrore si pisha, kallamishte, orkide, bambu. , shkëmbinj, pemë, zogj dhe figura njerëzore të zhytura në natyrë, në një qëndrim meditimi.
Në Japoni, kjo teknikë e bojës kineze quhej sumi-e. Bazuar në shtatë parimet estetike të Zenit, sumi-e u përpoq të pasqyronte emocionet më intensive të brendshme përmes thjeshtësisë dhe elegancës, në linja të thjeshta dhe modeste që tejkalojnë pamjen e tyre të jashtme për të nënkuptuar një gjendje bashkimi me natyrën.
Sumi-e ishte një mjet (dō) për të gjetur spiritualitetin e brendshëm, kjo u përdor nga murgjit. Veçantitë e bojës, delikate dhe e përhapur, i lejuan artistit të kapte thelbin e gjërave, në një përshtypje të thjeshtë dhe të natyrshme, por në të njëjtën kohë të thellë dhe transhendente.
Është një art instinktiv i ekzekutimit të shpejtë, i pamundur për t'u retushuar, një fakt që e bashkon atë me jetën, ku është e pamundur t'i kthehesh asaj që është bërë. Çdo vizatim mbart energji jetike (ki), pasi është një akt krijimi, ku mendja vihet në veprim dhe procesi ka më shumë rëndësi sesa rezultati.
Përfaqësuesit më të rëndësishëm të sumi-e ishin: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei dhe, mbi të gjitha, Sesshū Tōyō, autor i portreteve dhe peizazheve, artisti i parë që pikturoi sa ishte gjallë. Sesshū ishte një Gaso, një murg-piktor, i cili udhëtoi në Kinë midis 1467 dhe 1469, ku studioi artin dhe peizazhin natyror.
Peizazhet e tij janë të përbëra nga struktura lineare, të ndriçuara nga një dritë e papritur që pasqyron konceptin Zen të momentit transcendent. Bëhet fjalë për peizazhe me prani elementesh anekdotike, si tempuj në distancë ose figura të vogla njerëzore, të përshtatura në vende të largëta, si shkëmbinjtë.
Një zhanër i ri i pikturës poetike është shfaqur gjithashtu, shinjuku, ku një peizazh ilustron një poezi të frymëzuar nga natyra. Vlen të përmendet gjithashtu Shkolla Kanō, e themeluar nga Kanō Masanobu, e cila aplikon teknikën e gouache në lëndët tradicionale, duke ilustruar tema të shenjta, kombëtare dhe peizazhore.
Larja u aplikua gjithashtu në ekranet dhe panelet e pikturuara të dyerve rrëshqitëse fusuma, shenja dalluese të dizajnit të brendshëm japonez. Në qeramikë spikat shkolla Seto, tipologjia më e njohur është tenmoku. Shembuj të dukshëm të kësaj periudhe janë edhe objektet prej llaku dhe metali.
Periudha Azuchi-Momoyama (1573-1603)
Në këtë kohë, Japonia u bashkua përsëri nga Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi dhe Tokugawa Ieyasu, të cilët eliminuan daimyō dhe erdhën në pushtet.
Mandati i tij përkoi me ardhjen e tregtarëve portugez dhe misionarëve jezuitë, të cilët futën krishterimin në vend, megjithëse arritën vetëm një pakicë.
Prodhimi artistik i kësaj kohe u largua nga estetika budiste, duke theksuar vlerat tradicionale japoneze, me një stil shpërthyes. Pushtimi i Koresë në 1592 shkaktoi zhvendosjen e detyruar të shumë artistëve koreanë në Japoni, të cilët jetonin në qendrat e prodhimit të qeramikës të izoluara nga pjesa tjetër.
Gjithashtu, gjatë kësaj periudhe u morën ndikimet e para perëndimore, të pasqyruara në stilin Namban, të zhvilluara në skulpturën miniaturë, me temë laike, objekte dekorative prej porcelani dhe ekrane të palosshme të dekoruara në stilin Yamato-e, me ngjyra të ndezura dhe fletë ari. në skenat që tregojnë historinë e mbërritjes së evropianëve në bregdetin japonez.
Teknikat e perspektivës, si dhe variantet e tjera të pikturës evropiane, si përdorimi i pikturës me vaj, nuk kishin asnjë bazë në formën e artit në Japoni.
Në arkitekturë bie në sy ndërtimi i kështjellave të mëdha (shiro), të cilat u forcuan nga futja në Japoni e armëve të zjarrit me origjinë perëndimore. Kështjella Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō dhe Fushimi-Momoyama janë shembuj të mirë.
Kështjella Himeji, një nga ndërtimet kryesore të kohës, ndërthur fortifikime masive me elegancën e një strukture me pamje vertikale, në pesë kate prej druri dhe suvaje, me forma çati të lakuara butësisht të ngjashme me ato të tempujve tradicionalë japonezë.
Fshatrat e ceremonisë së çajit fshatar, të përbërë nga vila ose pallate të vogla dhe kopshte të mëdha, janë shtuar gjithashtu dhe në disa qytete janë ndërtuar teatro druri për shfaqjet kabuki.
Në fushën e pikturës, shkolla Kanō kap shumicën e komisioneve zyrtare, duke përpunuar pikturën murale të kështjellave kryesore japoneze, kishte figura të rëndësishme me emrin Kanō Eitoku dhe Kanō Sanraku.
Për kështjellat, të ndriçuara keq nga hapjet e tyre të ngushta mbrojtëse, u krijuan një lloj ndarjesh me sfond të artë që pasqyronin dritën dhe e shpërndanin atë në të gjithë dhomën, me murale të mëdha të zbukuruara me skena heroike, si kafshë. të tilla si tigrat dhe dragonjtë, ose peizazhet me praninë e kopshteve, pellgjeve dhe urave, ose në katër stinët, një temë mjaft e zakonshme në atë kohë.
Printimi i ekranit është zhvilluar gjithashtu në mënyrë të jashtëzakonshme, përgjithësisht me bojëra të konsumuara, duke ndjekur stilin sumi-e, siç mund të shihet në veprat e Hasegawa Tōhaku (pyll me pisha) dhe Kaihō Yūshō (pisha dhe kumbulla në dritën e hënës). U vu në pah edhe figura e Tawaraya Sōtatsu, autore e veprave me dinamikë të madhe, në rrotullat e dorëshkrimeve, ekraneve dhe fansave.
Ai krijoi një stil lirik dhe dekorativ të frymëzuar nga shkrimi waka i epokës Heian, i cili quhej rinpa, duke prodhuar vepra me bukuri të madhe vizuale dhe intensitet emocional, si Historia e Genjit, Rruga e Ivy, perënditë e bubullimës dhe erës. , etj.
Prodhimi i qeramikës arriti një moment bumi të madh, duke zhvilluar produkte për ceremoninë e çajit, të frymëzuar nga qeramika koreane, fshatarësia dhe pamja e papërfunduar e së cilës pasqyrojnë në mënyrë të përkryer estetikën Zen që përshkon ritin e çajit.
U shfaqën dizajne të reja, si pjata nezumi dhe kana uji kogan, zakonisht me një trup të bardhë të larë në një shtresë feldspat dhe të zbukuruar me dizajne të thjeshta të bëra nga një grep hekuri. Ishte një qeramikë e trashë me pamje glazurë, me trajtim të papërfunduar, që jepte një ndjenjë papërsosmërie dhe vulnerabiliteti.
Seto mbeti prodhuesi kryesor, ndërsa në qytetin Mino lindën dy shkolla të rëndësishme: Shino dhe Oribe. U vunë re gjithashtu shkolla Karatsu dhe dy lloje origjinale të qeramikës:
Iga, me teksturë të ashpër dhe shtresë të trashë lustër, me të çara të thella; dhe Bizen, enë balte pa xhama të kuqërremtë në kafe, ende të buta, të hequra nga rrota për të krijuar çarje dhe prerje të vogla natyrore që i dhanë një pamje të brishtë, ende në përputhje me estetikën Zen të papërsosmërisë.
Një nga artistët më të mirë të kësaj kohe ishte Honami Kōetsu, i cili shkëlqeu në pikturë, poezi, kopshtari, llak etj. I trajnuar në traditën artistike të periudhës Heian dhe në shkollën e kaligrafisë Shorenin, ai themeloi një koloni zejtarësh në Takagamine, afër Kiotos, me tokë të dhuruar nga Tokugawa Ieyasu.
Vendbanimi është mirëmbajtur nga mjeshtrit e Shkollës Budiste Nichiren dhe ka prodhuar një sërë veprash me cilësi të lartë. Ata u specializuan në llak, kryesisht aksesorë zyre, të dekoruara me ar dhe me veshje margaritari, si dhe enët e ndryshme dhe enët e tavolinës për ceremoninë e çajit, duke vënë në pah tasin me trup të plotë fujisan. e kuqërremtë e mbuluar me brekë të zeza dhe sipër, një e bardhë e akullt opake që jep efektin e reshjeve të borës.
Periudha Edo (1603-1868)
Kjo periudhë artistike korrespondon me periudhën historike Tokugawa, kur Japonia ishte e mbyllur për çdo kontakt të jashtëm. Kryeqyteti u krijua në Edo, Tokio e ardhshme. Të krishterët u persekutuan dhe tregtarët evropianë u dëbuan.
Pavarësisht nga sistemi i vasalitetit, tregtia dhe zejtaria janë përhapur, duke krijuar një klasë borgjeze që u rrit në fuqi dhe ndikim, dhe iu përkushtua promovimit të arteve, veçanërisht printimeve, qeramikës, llakut dhe mallrave. tekstile.
Veprat më përfaqësuese janë Pallati Katsura në Kioto dhe Mauzoleumi Tōshō-gū në Nikkō (1636), i cili është pjesë e "Faltoreve dhe Tempujve Nikkō", të shpallura të dyja Vende të Trashëgimisë Botërore nga UNESCO në 1999.
Diçka e zhanrit të bashkimit të Shinto-Budistëve, është mauzoleumi i shogun Tokugawa Ieyasu. Tempulli është një strukturë simetrike e ngurtë me relieve shumëngjyrëshe që mbulojnë të gjithë sipërfaqen e dukshme. Bien në sy ndërtimet e saj plot ngjyra dhe stolitë e mbingarkuara, të cilat ndryshojnë nga stilet e tempujve të asaj kohe.
Ambientet e brendshme janë zbukuruar me gdhendje të hollësishme llak me ngjyra të ndezura dhe panele të pikturuara me mjeshtëri. Pallati Katsura (1615-1662) u ndërtua në një plan asimetrik të frymëzuar nga Zen, ku përdorimi i vijave të drejta në fasadën e jashtme bie në kontrast me gërvishtjen e kopshtit përreth.
Për shkak të statusit të saj si selia ku do të pushonte familja perandorake, vila përbëhej nga një ndërtesë kryesore, disa anekse, dhoma çaji dhe një park 70000 metra. Pallati kryesor, i cili ka vetëm një kat, është i ndarë në katër anekse që takohen në qoshe.
E gjithë ndërtesa ka karakteristika të caktuara për t'u ndërtuar mbi shtylla dhe mbi to një sërë dhomash me mure dhe dyer, disa me piktura nga Kanō Tan'yū.
Karakteristikë e kësaj periudhe janë edhe çajtoret (chashitsu), përgjithësisht ndërtesa të vogla prej druri me çati prej kashte, të rrethuara nga kopshte në një gjendje të dukshme braktisjeje, me likene, myshqe dhe gjethe të rëna, sipas konceptit Zen. e papërsosmërisë transhendente.
Fillimi i zhvillimit artistik dhe intelektual
Gjatë kësaj periudhe, Japonia studioi gradualisht teknikat perëndimore dhe përparimet shkencore (të quajtura rangaku) përmes informacionit dhe librave të marrë nga tregtarët holandezë në Dejima.
Fushat më të studiuara përfshinin gjeografinë, mjekësinë, shkencat natyrore, astronominë, artin, gjuhët, konceptet fizike si studimi i fenomeneve elektrike dhe mekanike. Pati gjithashtu një zhvillim të madh të matematikës, në një rrymë krejtësisht të pavarur nga ajo e botës perëndimore. Kjo rrymë e fortë quhej wasan.
Lulëzimi i neo-konfucianizmit ishte zhvillimi më i madh intelektual i periudhës. Studimi i konfucianizmit kishte qenë aktiv për një kohë të gjatë nga klerikët budistë, por gjatë kësaj periudhe ky sistem besimi tërhoqi vëmendjen e madhe ndaj konceptimit të njeriut dhe shoqërisë.
Humanizmi etik, racionalizmi dhe perspektiva historike e konfucianizmit u panë si një model shoqëror. Në mesin e shekullit të XNUMX-të, konfucianizmi u bë filozofia juridike mbizotëruese dhe kontribuoi drejtpërdrejt në zhvillimin e sistemit kombëtar të të mësuarit, kokugaku.
Virtyti i tij kryesor për regjimin shogunal ishte theksimi i marrëdhënieve hierarkike, nënshtrimi. ne krye. dhe bindje, e cila shtrihet në të gjithë shoqërinë dhe lehtëson ruajtjen e sistemit feudal.
Arti i tekstilit fitoi rëndësi të madhe, kryesisht në mëndafsh, i cili arrinte nivele të cilësisë më të lartë, prandaj në dhoma vareshin shpesh fustane mëndafshi (kimono) me ngjyra të ndezura dhe dizajne të hollë. të ndara, sikur të ishin ekrane.
Janë përdorur teknika të ndryshme, si ngjyrosje, qëndisje, brokadë, reliev, aplikim dhe lyerje me dorë. Mëndafshi ishte i disponueshëm vetëm për klasat e larta, ndërsa njerëzit e veshur me pambuk, të bërë duke përdorur teknikën e ikatit indonezian, të tjerrë në pjesë dhe të lyera indigon duke alternuar me të bardhë.
Një teknikë tjetër me cilësi më të ulët ishte thurja e fijeve të pambukut me ngjyra të ndryshme, me ngjyra shtëpiake të aplikuara në stilin batik duke përdorur paste orizi dhe krunde orizi të gatuara dhe të grumbulluara.
Duhet të theksohet se ashtu si arti japonez u ndikua nga arti perëndimor në shekullin e XNUMX-të, ai u ndikua gjithashtu nga ekzotizmi dhe natyraliteti i artit japonez. Kështu lindi në Perëndim i ashtuquajturi Japoniizëm, i zhvilluar kryesisht në gjysmën e dytë të shekullit XIX, veçanërisht në Francë dhe në Britaninë e Madhe.
Kjo u zbulua në të ashtuquajturat Japoneries, objekte të frymëzuara nga printet japoneze, porcelani, llaku, tifozët dhe objektet bambu, të cilat janë bërë modë si në dekorimin e shtëpisë, ashtu edhe në shumë veshje personale që pasqyrojnë fantazinë dhe dekoralizmin e kulturës japoneze.Estetike japoneze .
Në pikturë, stili i shkollës ukiyo-e u prit me entuziazëm dhe veprat e Utamaro, Hiroshige dhe Hokusai u vlerësuan shumë. Artistët perëndimorë imituan ndërtimin e thjeshtuar hapësinor, konturet e thjeshta, stilin kaligrafik dhe ndjeshmërinë natyraliste të pikturës japoneze.
Kohët bashkëkohore (që nga viti 1868)
Në periudhën Meiji (1868-1912) filloi një rilindje e thellë kulturore, sociale dhe teknologjike në Japoni, e cila u hap më shumë me botën e jashtme dhe filloi të përfshijë përparime të reja të bëra në Perëndim. Karta e 1868 shfuqizoi privilegjet feudale dhe dallimet klasore, të cilat nuk çuan në një përmirësim të klasave të varfëra proletare.
Filloi një periudhë e ekspansionizmit të fortë imperialist, e cila çoi në Luftën e Dytë Botërore. Pas luftës, Japonia iu nënshtrua një procesi demokratizimi dhe zhvillimi ekonomik që e bëri atë një nga fuqitë kryesore ekonomike në botë dhe një qendër kryesore të prodhimit industrial dhe inovacionit teknologjik. Epoka Meiji u pasua nga epokat Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) dhe Heisei (1989-).
Që nga viti 1930, militarizimi dhe zgjerimi progresiv në Kinë dhe Azinë Jugore, me rritjen e rrjedhës së burimeve të alokuara për buxhetin ushtarak, ka çuar në një rënie të patronazhit artistik. Megjithatë, me bumin ekonomik të pasluftës dhe me prosperitetin e ri të arritur me industrializimin e vendit, artet rilindën, tashmë të zhytur plotësisht në lëvizjet ndërkombëtare të artit për shkak të procesit të globalizimit kulturor.
Po kështu, prosperiteti ekonomik inkurajon mbledhjen, krijimin e shumë muzeumeve dhe qendrave ekspozuese që ndihmuan në përhapjen dhe ruajtjen e artit japonez dhe ndërkombëtar. Në fushën fetare, vendosja në epokën Meiji të Shintoizmit si e vetmja fe zyrtare (Shinbutsu bunri) çoi në braktisjen dhe shkatërrimin e tempujve dhe veprave të artit budist, të cilat do të ishin të pariparueshme pa ndërhyrjen e Ernest Fenollosa, profesor i filozofisë. nga Universiteti Imperial i Tokios.
Së bashku me manjatin dhe mbrojtësin William Bigelow, ai ruajti një numër të madh veprash që ushqenin koleksionin e artit budist në Muzeun e Arteve të Bukura në Boston dhe Galerinë Freer të Artit në Uashington DC, dy nga koleksionet më të mira të artit aziatik në bota..
Arkitektura ka një drejtim të dyfishtë: atë tradicional (faltorja Yasukuni, tempujt Heian Jingu dhe Meiji, në Tokio) dhe ai me ndikim evropian, i cili integron teknologjitë e reja (Muzeu Yamato Bunkakan, nga Iso Hachi Yoshida, në Nara).
Perëndimorizimi çoi në ndërtimin e ndërtesave të reja si banka, fabrika, stacione hekurudhore dhe ndërtesa publike, të ndërtuara me materiale dhe teknika perëndimore, duke imituar fillimisht arkitekturën angleze viktoriane. Në Japoni kanë punuar edhe disa arkitektë të huaj, si Frank Lloyd Wright (Hotel Imperial, Tokio).
Arkitektura dhe urbanizmi morën një hov të madh pas Luftës së Dytë Botërore, për shkak të nevojës për të rindërtuar vendin. Pastaj u shfaq një brez i ri arkitektësh.
Udhëhequr nga Kenzō Tange, autor i veprave si Muzeu Përkujtimor i Paqes në Hiroshima, Katedralja e Shën Marisë në Tokio, Stadiumi Olimpik për Lojërat Olimpike të Tokios 1964 etj.
Studentët dhe ndjekësit e Tange krijuan konceptin e arkitekturës të kuptuar si "metabolizëm", duke i parë ndërtesat si forma organike që duhet t'u përshtaten nevojave funksionale.
Lëvizja e themeluar në vitin 1959, ata menduan të bënin një qendër popullsie, premisa e së cilës ishte krijimi i një sërë ndërtesash që ndryshonin sipas ndryshimeve të jashtme, sikur të ishte një organizëm.
Anëtarët e saj përfshinin Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe dhe Kiyonori Kikutake. Një përfaqësues tjetër ishte Maekawa Kunio, i cili, së bashku me Tange, futi idetë e vjetra estetike japoneze në ndërtesat e ngurta bashkëkohore.
Përsëri duke përdorur teknika dhe materiale tradicionale si tatami dhe përdorimi i shtyllave, një element konstruktiv tradicional në tempujt japonezë, ose integrimi i kopshteve dhe skulpturave në krijimet e tij. Nuk harroj të përdor teknikën e vakumit, ajo u studiua nga Fumihiko Maki në marrëdhëniet hapësinore midis ndërtesës dhe rrethinës.
Që nga vitet 1980, arti postmodern ka pasur një themel të fortë në Japoni, pasi që në kohët e lashta është karakteristik shkrirja midis elementit popullor dhe sofistikimit të formave.
Ky stil përfaqësohej kryesisht nga Arata Isozaki, autore e Muzeut të Artit Kitakyushu dhe Sallës së Koncerteve të Kiotos. Isozaki studioi me Tange dhe në punën e tij ai sintetizoi konceptet perëndimore me ide hapësinore, funksionale dhe dekorative tipike të Japonisë.
Nga ana e tij, Tadao Andō ka zhvilluar një stil më të thjeshtë, me një shqetësim të madh për kontributin e dritës dhe hapësirave të hapura në ajrin e jashtëm (Kapela mbi ujë, Tomanu, Hokkaidō; Kisha e Dritës, Ibaraki, Osaka; Muzeu i Fëmijët, Himeji).
Shigeru Ban u karakterizua nga përdorimi i materialeve jokonvencionale, si letra ose plastika: pas tërmetit në Kobe në 1995, i cili la shumë njerëz të pastrehë, Ban kontribuoi duke projektuar Delo që u bë e njohur si Shtëpia prej letre dhe Kisha prej letre, më në fund, Toyō Itō eksploroi imazhin fizik të qytetit në epokën dixhitale.
Në skulpturë vërehet edhe dualiteti traditë-avangardë, duke nxjerrë në pah emrat e Yoshi Kimuchi dhe Romorini Toyofuku, përveç abstraktit Masakazu Horiuchi dhe Yasuo Mizui, ky i fundit banues në Francë. Isamu Noguchi dhe Nagare Masayuki kanë bashkuar traditën e pasur skulpturore të vendit të tyre në vepra që studiojnë kontrastin midis vrazhdësisë dhe lustrimit të materialit.
Piktura ndoqi gjithashtu dy tendenca: tradicionale (nihonga) dhe perëndimore (yōga), pavarësisht ekzistencës së të dyjave, figura e Tomioka Tessai mbeti në fillim të shekullit të 20. Ndërsa stili nihonga u përforcua në fund nga Shekulli i 19-të nga kritiku i artit Okakura Kakuzō dhe edukatori Ernest Fenollosa.
Duke kërkuar nga arti tradicional për formën arketipale të shprehjes së ndjeshmërisë japoneze, megjithëse ky stil ka marrë edhe njëfarë ndikimi perëndimor, veçanërisht nga pararafaeliti dhe romantizmi. Ai përfaqësohej kryesisht nga Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison dhe Kobayashi Kokei.
Piktura e stilit evropian u ushqye për herë të parë nga teknikat dhe temat në përdorim në Evropë në fund të shekullit të XNUMX-të, kryesisht të lidhura me akademikun, si në rastin e Kuroda Seiki, i cili studioi për disa vite në Paris, por më pas vazhdoi. rrymat e ndryshme që ndodhën në artin perëndimor:
Grupi Hakuba Kai mori ndikimin impresionist; piktura abstrakte kishte si personazhe kryesorë Takeo Yamaguchi dhe Masanari Munay; Artistët figurativ përfshinin Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen dhe Higashiyama Kaii. Disa artistë janë vendosur jashtë vendit të tyre, si Genichiro Inokuma në Shtetet e Bashkuara dhe Tsuguharu Foujita në Francë.
Në Taishō, stili i jogës që kishte ndikimin më të madh në nihonga, megjithëse përdorimi në rritje i dritës dhe perspektiva evropiane zvogëluan dallimet midis dy rrymave.
Ashtu si nihonga miratoi kryesisht risitë e post-impresionizmit, yoga shfaqi një prirje për eklekticizëm, duke dalë nga një larmi e gjerë lëvizjesh arti divergjente.
Për këtë fazë u krijua Akademia Japoneze e Arteve të Bukura (Nihon Bijutsu In). Piktura e epokës Shōwa u shënua nga puna e Yasuri Sotaro dhe Umehara Ryuzaburo, të cilët prezantuan konceptet e artit të pastër dhe pikturës abstrakte në traditën Nihonga.
Në vitin 1931, Shoqata e Pavarur e Artit (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) u krijua për të promovuar artin avangard.
Që në Luftën e Dytë Botërore, rregulloret ligjore të qeverisë theksonin qartë temat patriotike. Pas luftës, artistët u rishfaqën në qytetet e mëdha, veçanërisht në Tokio.
Krijimi i artit urban dhe kozmopolit, i cili ndoqi me përkushtim risitë stilistike të prodhuara ndërkombëtarisht, veçanërisht në Paris dhe Nju Jork. Pas stileve abstrakte të viteve gjashtëdhjetë, vitet shtatëdhjetë u kthyen në realizmin e favorizuar nga pop-art, siç tregohet nga vepra e Shinohara Ushio.
Është e habitshme që diçka interesante ndodhi në fund të viteve 1970, është se pati një kthim në artin tradicional japonez, në të cilin ata panë ekspresivitet dhe forcë emocionale më të madhe.
Tradita e printimit vazhdoi në shekullin e XNUMX-të në një stil të "printimeve kreative" (sosaku hanga) të vizatuara dhe skalitura nga artistë mundësisht në stilin nihonga, si Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi dhe Munakata Shiko.
Ndër tendencat më të fundit, Grupi Gutai kishte një reputacion të mirë brenda të ashtuquajturit arti i veprimit, i cili barazonte përvojën e Luftës së Dytë Botërore përmes veprimeve të ngarkuara me ironi, me një ndjenjë të madhe tensioni dhe agresiviteti të fshehtë.
Grupi Gutai përbëhej nga: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto dhe Katsuō Shiraga. Të lidhur me artin postmodern, disa artistë, të përfshirë në fenomenin e fundit të globalizimit, të shënuar nga multikulturalizmi i shprehjeve artistike.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Artistë të tjerë të shquar bashkëkohorë japonezë përfshijnë: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 dhe Takashi Murakami.
Nëse ju duk interesant ky artikull, ju ftojmë të shijoni këto të tjera: