Lastnosti japonske umetnosti, evolucija, vrste in še več

Kot tisočletna kultura je Japonska vsa ta leta pokazala svojo umetnost, spoznajte z nami skozi ta zanimiv članek vse o tisočletju Umetnost Japonski, ki se je skozi čas razvijala v različnih obdobjih in stilih. Ne zamudi!

JAPONSKA UMETNOST

japonska umetnost

Ko govorimo o japonski umetnosti, govorimo o tem, kaj je ta civilizacija sčasoma obvestila v različnih fazah in stilih, ki so se začasno odvili z družbenim in kulturnim razvojem Japonskega ljudstva.

Različice, ki jih doživlja umetnost na Japonskem, so posledice njenega tehnološkega razvoja, kjer lahko uresničimo uporabo surovin države v njenih umetniških izrazih. Poleg tako imenovane zahodne umetnosti je na njene najbolj simbolične izraze vplivala religija in politična moč.

Ena od glavnih značilnosti japonske umetnosti je njena eklektičnost, ki prihaja iz različnih ljudstev in kultur, ki so sčasoma prispele na njene obale: prvi naseljenci, ki so se naselili na Japonskem, znani kot Ainu, so pripadali severnokavkaški veji in vzhodni Aziji, verjetno prispel, ko je bila Japonska še vedno povezana s celino.

Izvor teh naseljencev je negotov in zgodovinarji obravnavajo različne hipoteze, od uralsko-altajske rase do možnega indonezijskega ali mongolskega izvora. Vsekakor se je zdelo, da njihova kultura ustreza zgornjemu paleolitu ali mezolitiku.

Kasneje so različne skupine malajske rase iz jugovzhodne Azije ali pacifiških otokov prispele na japonske obale, pa tudi v Korejo in različne dele Kitajske, ki so se postopoma uvajale z juga in izrinile Ainu. severno od Japonske, medtem ko so v poznejšem valu na Japonsko prišle različne etnične skupine iz Kitajske in Koreje.

JAPONSKA UMETNOST

Tej rasni mešanici je treba dodati še vpliv drugih kultur: Japonska je bila zaradi svoje otoške zgodovine večji del svoje zgodovine izolirana, vendar so jo občasno nanjo vplivale celinske civilizacije, zlasti Kitajska in Koreja, zlasti od V. stoletja.

Tako je japonska kultura prednikov, ki je nastala iz zaporednih postojank priseljevanja, dodala tuj vpliv in ustvarila eklektično umetnost, odprto za inovacije in slogovni napredek.

Zanimivo je tudi omeniti, da je večina umetnosti, proizvedene na Japonskem, versko zasnovana: tipični šintoistični religiji v regiji, ki je nastala okoli XNUMX. stoletja, je bil okoli XNUMX. stoletja dodan budizem, ki je ustvaril versko zlitje, ki še vedno traja. je pustil svoj odsev tudi v umetnosti.

Japonska umetnost je posledica teh različnih kultur in tradicij, ki na svoj način interpretira oblike umetnosti, uvožene iz drugih držav, ki jih dosega v skladu s svojim konceptom življenja in umetnosti, izvaja spremembe in poenostavlja njene posebne značilnosti.

Tako kot dovršeni kitajski budistični templji, ki so na Japonskem doživeli metamorfozo, da so morali opustiti določene elemente svoje umetnosti in jih združiti z drugimi, to izraža enotni značaj te umetnosti, tako da je vedno naravno jemala nekaj iz druge kulture. drugih držav.

JAPONSKA UMETNOST

Japonska umetnost ima v japonski kulturi izjemen smisel za meditacijo in medsebojni odnos med človekom in naravo, ki je predstavljen tudi v predmetih, ki jo obdajajo, od najbolj okrašenih in poudarjenih do najbolj preprostih in vsakdanjih.

To je vidno v vrednosti, ki jo dajejo nepopolnostim, efemerni naravi stvari, humanitarnemu občutku, ki ga Japonci vzpostavljajo s svojim okoljem. Tako kot pri čajnem obredu cenijo umirjenost in umirjenost tega stanja kontemplacije, ki ga dosežejo s preprostim ritualom, ki temelji na preprostih komponentah in harmoniji asimetričnega in nedokončanega prostora.

Zanje sta mir in ravnovesje povezana s toplino in udobjem, lastnostmi, ki so pravi odraz njihovega koncepta lepote. Tudi ob obroku ni pomembna količina hrane ali njena predstavitev, temveč čutno zaznavanje hrane in estetski pomen, ki ga daje vsakemu dejanju.

Prav tako imajo umetniki in obrtniki te dežele visoko stopnjo povezanosti s svojim delom, saj materiale čutijo kot bistveni del svojega življenja in komunikacije z okoljem, ki jih obdaja.

Temelji japonske umetnosti

Japonska umetnost je, tako kot preostala njena filozofija - ali preprosto njen način gledanja na življenje - podrejena intuiciji, pomanjkanju racionalnosti, čustvenemu izražanju in preprostosti dejanj in misli. pogosto izraženo simbolno.

JAPONSKA UMETNOST

Dve od značilnosti japonske umetnosti sta preprostost in naravnost: umetniški izrazi so odsev narave, zato ne zahtevajo dodelane produkcije, vse to vodi v dejstvo, da umetniki želijo, da je tisto, kar je začrtano, predlagano, razvozlano pozneje. s strani gledalca.

Ta preprostost je v slikarstvu povzročila nagnjenost k linearni risbi, brez perspektive, z obilico praznih prostorov, ki pa se kljub temu harmonično združujejo v celoto. V arhitekturi se materializira v linearnih zasnovah, z asimetričnimi ravninami, v kombinaciji dinamičnih in statičnih elementov.

Po drugi strani je ta preprostost v japonski umetnosti povezana s prirojeno preprostostjo v odnosu med umetnostjo in naravo, ki je del njihove posebnosti, ki se odraža v njunem življenju in jo doživljajo z občutljivim občutkom melanholije, skoraj žalosti.

Kako minevanje letnih časov jim daje občutek minljivosti, kjer lahko vidite evolucijo, ki obstaja v naravi zaradi minljive narave življenja. Ta preprostost se odraža predvsem v arhitekturi, ki se harmonično vklopi v okolico, na kar kaže uporaba naravnih materialov, brez dela, kar kaže na grobo, nedodelano podobo. Na Japonskem so narava, življenje in umetnost neločljivo povezani, umetniški dosežki pa so simbol celotnega vesolja.

Japonska umetnost si prizadeva doseči univerzalno harmonijo in preseči materijo, da bi našla generirajoči princip življenja. Japonska ornamentika skuša najti smisel življenja skozi umetnost: Lepota japonske umetnosti je sinonim za harmonijo, ustvarjalnost; je pesniški impulz, čutna pot, ki vodi do realizacije dela, ki nima cilja samemu sebi, temveč presega.

Kar imenujemo lepota, je filozofska kategorija, ki nas napotuje na obstoj: biva v doseganju smisla s celoto. Kot je izrazil Suzuki Daisetsu: "lepota ni v zunanji obliki, ampak v smislu, v katerem je izražena."

Umetnost se ne začne s svojim razumnim značajem, temveč s svojimi sugestivnimi lastnostmi; Ni nujno, da je natančen, ampak pokažite dar, ki vodi v celovitost. Cilj je zajeti bistveno skozi tisti del, ki nakazuje celoto: praznina je dopolnilo obstoječemu Japoncu.

JAPONSKA UMETNOST

V vzhodni misli obstaja enotnost med materijo in duhom, ki prevladuje v kontemplaciji in občestvu z naravo, prek notranjega prileganja, intuicije. Japonska umetnost (gei) ima bolj transcendenten pomen, bolj neoprijemljiv kot koncept uporabne umetnosti na Zahodu: je vsaka manifestacija uma, razumljena kot vitalna energija, kot esenca, ki daje življenje našemu telesu, ki se dejansko razvija in razvija, uresničuje enotnost med telesom, umom in duhom.

Smisel za japonsko umetnost se je razvil skozi čas: od njenih začetkov, kjer so obstajale prve sledi umetnosti in lepote, segajo v antične čase, ko so se kovali ustvarjalna načela japonske kulture in tista, ki so bila izražena v najpomembnejših literarnih delih. države:

Kojiki, Nihonshoki in Man 'yōshū, zgoraj so publikacije, prvi dve govorita o prvih delih zgodovine Japonske, zadnja pa o pesmih, napisanih v prvem tisočletju, v tistem času je prevladovala misel Sayashi ("čista, zagotovo, sveže"), ki namiguje na nekakšno lepoto, za katero je značilna preprostost, svežina, določena naivnost, ki prihaja z uporabo lahkih in naravnih materialov, kot sta Haniwa Figure Land ali les v arhitekturi.

Med najboljšo predstavo tega sloga lahko uvrstimo svetišče Ise, izdelano iz lesa ciprese, ki so ga od XNUMX. stoletja obnavljali vsakih dvajset let, da bi ohranili svojo odkritost in svežino. Iz tega pojma izhaja ena od stalnic japonske umetnosti: vrednost, ki se pripisuje minljivi, minljivi, minljivi lepoti, ki se razvija skozi čas.

V Man 'yōshū se sayakeshi kaže v občutkih zvestobe in preizkušenosti, pa tudi v opisu, kako so mu komponente, kot sta nebo in morje, dale občutek veličine, ki prevzame človeka.

Sayakeshi je povezan s konceptom Naruja ("postajanje"), v katerem je čas ovrednoten kot vitalna energija, ki se zbliža v postajanju, v vrhuncu vseh dejanj in vseh življenj.JAPONSKA UMETNOST

Če se postavimo v obdobja Nara in Heian, se je umetniški vidik umetnosti hitro razvil zahvaljujoč prvemu stiku s kitajsko kulturo, pa tudi prihodu budizma. Glavni koncept tega obdobja je bila vest, čustveni občutek, ki preplavi gledalca in vodi v globok občutek empatije ali usmiljenja.

Povezan je z drugimi izrazi, kot je okashi, tisti, ki pritegne s svojim veseljem in prijetnim značajem; omoshiroi, lastnost sijočih stvari, ki pritegnejo pozornost s svojim sijajem in jasnostjo; yūbi, koncept milosti, elegance; yūga, kakovost prefinjenosti v lepoti; en, privlačnost šarma; kralj, lepota miru; yasashi, lepota diskretnosti; in ushin, globok čut za umetniško.

Zgodba Murasakija Shikibuja o Genjiju, ki je utelešala nov estetski koncept, imenovan mono-no-zavedanje - izraz, ki ga je uvedel Motōri Norinaga-, ki prenaša občutek melanholije, kontemplativne žalosti, ki izhaja iz minljivosti stvari, minljive lepote, ki traja trenutek in ostane v spominu.

Predvsem pa je to občutek občutljive melanholije, ki lahko ob globokem občutenju izdihane lepote vseh bitij narave pripelje do globoke žalosti.

Ta filozofija »idealnega iskanja« lepote, meditativnega stanja, kjer se srečata misel in svet čutov, je značilna za prirojeno japonsko dobroto za lepoto in je razvidna v festivalu Hanami, praznovanju češnjevega drevesa v cvet.

V japonskem srednjem veku, obdobjih Kamakura, Muromachi in Momoyama, kjer je bila značilnost vojaške prevlade v celotni fevdalni družbi države, se je pojavil koncept dō (»pot«), ki je ustvaril razvoj umetnosti tistega časa. , je prikazan v obredni praksi družbenih obredov, kar dokazujejo shodō (kaligrafija), chadō (čajna slovesnost), kadō ali ikebana (umetnost aranžiranja cvetov) in kōdō (slovesnost kadila).

Pri praksah ni pomemben rezultat, temveč evolucijski proces, evolucija v času - spet naru -, pa tudi talent, ki se kaže v popolni izvedbi obredov, ki označuje spretnost, pa tudi duhovno predanost v prizadevanje za popolnost.

Na te nove koncepte je odločilno vplivala različica budizma, imenovana zen, ki poudarja nekatera »življenjska pravila«, ki temeljijo na meditaciji, kjer oseba izgubi samozavedanje. Tako vsakodnevno delo presega svoje materialno bistvo in označuje duhovno manifestacijo, ki se odraža v gibanju in obrednem teku časa.

Ta koncept se odraža tudi v vrtnarjenju, ki dosega tako pomembnost, da je vrt vizija kozmosa, z veliko praznino (morjem), ki je napolnjena s predmeti (otoki), utelešenimi v pesku in skalah. in kjer vegetacija prikliče čas.

Zen ambivalenca med preprostostjo in globino transcendentnega življenja prežema duha "preproste elegance" (wabi) ne le v umetnosti, ampak tudi v vedenju, družbenih odnosih in bolj vsakdanjih vidikih življenja. . Mojster Sesshū je rekel, da sta "zen in umetnost eno."

JAPONSKA UMETNOST

Ta zen je predstavljen v sedmih okrasnih dejstvih: fukinsei, način zanikanja optimizacije za doseganje ravnovesja, ki je prisotno v naravi; kanso , vzemite tisto, kar vam ostane, in kar boste vzeli, boste odkrili preprostost narave.

Kokō (samotno dostojanstvo), lastnost, ki jo ljudje in predmeti sčasoma pridobijo in jim dajo večjo čistost njihovega bistva; shizen (naravnost), ki je povezana z iskrenostjo, naravno je pristno in nepokvarljivo; yūgen (globina), resnično bistvo stvari, ki presega njihovo preprosto materialnost, njihov površinski videz.

Datsuzoku (nenavezanost), svoboda v izvajanju umetnosti, katere poslanstvo je osvoboditi um, ne pa ga nadzirati – tako se umetnost odreče vsem vrstam parametrov in pravil –; seiyaku (notranja spokojnost), v situaciji tišine, umirjenosti, ki je potrebna za pretok šestih prejšnjih načel.

To je predvsem čajna slovesnost, kjer je mojstrsko sintetiziran japonski koncept umetnosti in lepote, ki ustvarja pristno estetsko religijo: "teizem". Ta obred predstavlja kult lepote v nasprotju z vulgarnostjo vsakdanjega obstoja. Njegova filozofija, tako etična kot estetska, izraža celostno predstavo človeka z naravo.

Njegova preprostost povezuje malenkosti s kozmičnim redom: življenje je izraz in dejanja vedno odražajo misel. Časovno je enako duhovnemu, majhno je veliko.Ta koncept najdemo tudi v čajnici (sukiya), kratkotrajnem gradbenem produktu pesniškega vzgiba, brez okrasja, kjer častimo nepopolno in vedno nekaj pustimo. nedokončano, kar bo dopolnilo domišljijo.

Pomanjkanje simetrije je značilno, zaradi zen razmišljanja, da je prizadevanje za popolnost pomembnejše od sebe. Lepoto lahko odkrijejo le tisti, ki s svojim sklepanjem dopolnijo tisto, kar manjka.

JAPONSKA UMETNOST

Končno, v moderni dobi - ki se je začela z obdobjem Edo -, čeprav prejšnje ideje še vedno obstajajo, se uvajajo novi umetniški razredi, ki so povezani z nastankom drugih družbenih redov, ki nastajajo ob modernizaciji Japonske: sui je določena duhovna poslastica, najdena predvsem v osaški literaturi.

Iki misel je dostojanstvena in neposredna milost, zlasti prisotna v kabukiju; Karumi je koncept, ki zagovarja lahkotnost kot nekaj prvinskega, pod katerim se pridobi "globino" stvari, ki se odraža zlasti v poeziji haikuja, kjer je Shiori nostalgična lepotica.

"Nič ne traja, nič ni popolno in nič ni popolno." To bi bili trije ključi, na katerih temelji »Wabi sabi«, japonski izraz (ali vrsta estetske vizije), ki se nanaša na lepoto nepopolnega, nepopolnega in spreminjajočega se, čeprav se nanaša tudi na lepota skromnega in skromnega, nekonvencionalnega. Filozofija "wabi sabija" je uživati ​​v sedanjosti in najti mir in harmonijo v naravi in ​​majhnih stvareh ter mirno sprejeti naravni cikel rasti in upadanja.

V osnovi vseh teh elementov je ideja o umetnosti kot ustvarjalnem procesu in ne kot materialnem dosežku. Okakura Kakuzō je zapisal, da so "samo umetniki, ki verjamejo v prirojeno izkrivljenost svoje duše, sposobni resnične lepote."

Periodizacija japonske umetnosti

V tem članku bomo uporabili segmentacijo na velika obdobja v smislu opaznih umetniških sprememb in političnih gibanj. Izbor se praviloma razlikuje glede na avtorjeva merila, veliko pa jih je mogoče tudi razdeliti. Vendar pa obstajajo tudi razlike glede začetka in konca nekaterih od teh obdobij. Vzamemo tistega, ki ga je izdelal arheolog Charles T. Kelly, ki je naslednji:

Japonska umetnost v plastični umetnosti

V obdobju mezolitika in neolitika je ostal izoliran od celine, zato je bila vsa njegova proizvodnja lastna, čeprav malo pomembna. Bile so polsedeče družbe, živele so v majhnih vaseh s hišami, vkopanimi v zemljo, hrano pa so pridobivali predvsem iz gozda (jeleni, divji prašiči, oreščki) in morja (ribe, raki, morski sesalci).

JAPONSKA UMETNOST

Ta društva so imela dovršeno organizacijo dela in so se ukvarjala z merjenjem časa, o čemer pričajo številni ostanki krožnih kamnitih ureditev v Oyu in Komakinu, ki so delovale kot sončne ure. Očitno so imeli standardizirane merske enote, kar dokazuje več stavb, zgrajenih po določenih modelih.

Na določenih lokacijah, ki ustrezajo temu obdobju, so bili najdeni brušeni kamniti in kostni artefakti, keramika in antropomorfne figure. Treba je opozoriti, da je lončenina Jōmon najstarejša keramika, ki jo je izdelal človek: najzgodnejši sledovi rudimentarne keramike segajo v leto 11.000 pr. , s funkcionalnim smislom in strogo dekoracijo.

Ti ostanki ustrezajo obdobju, imenovanemu "prejōmon" (11000-7500 pr.n.št.), ki mu sledi "arhaični" ali "zgodnji" Jōmon (7500-2500 pr.n.št.), kjer se izdeluje najbolj tipična Jōmon keramika, ročno izdelana in okrašena. z zarezi ali sledovi vrvi, na podlagi nekakšnih globokih posod v obliki kozarca. Osnovno okrasje so sestavljali odtisi, narejeni z vrvicami rastlinskih vlaken, ki so jih pred žganjem vtisnili na keramiko.

Na več področjih so ti zarezi dosegli visoko stopnjo obdelave, s popolno izklesanimi robovi, ki rišejo vrsto zelo zapletenih abstraktnih črt. V redkih primerih so bili najdeni ostanki figurativnih prizorov, običajno antropomorfnih in zoomorfnih risb (žabe, kače), ki poudarjajo prizor lova v vazi, najdeni v Hirakubu, severno od Honshūja.

Končno so se v "Late Jōmon" (2500-400 pr.n.št.) posode vrnile v bolj naravno, manj dovršeno obliko, s skledami in posodami z okroglim dnom, amforami z ozkim vratom in skledami z ročaji, pogosto s palicami. ali dvignjeno podlago. Znamenitosti lončarstva Jōmon so: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo in Okinohara na otoku Honshū; Sobata na otoku Kyūshū; ter Hamanasuno in Tokoro na otoku Hokkaidō.

Poleg vaz so bile v keramiki izdelane različne figurice v človeški ali živalski obliki, izdelane v več delih, tako da je bilo najdenih le malo ostankov celih kosov. Tisti v antropomorfni obliki imajo lahko moške ali ženske atribute, najdeni pa so bili tudi nekateri androgini znaki.

JAPONSKA UMETNOST

Nekateri imajo otekle trebuhe, zato so jih morda povezovali s čaščenjem plodnosti. Omeniti velja natančnost podrobnosti, ki jih prikazujejo nekatere figure, kot so skrbne pričeske, tetovaže in okrasne obleke.

Zdi se, da je bila v teh družbah zelo pomembna okrasitev telesa, predvsem v ušesih, s keramičnimi uhani različnih izdelav, okrašeni z rdečkastimi barvami. V Chiamigaito (otok Honshū) je bilo najdenih več kot 1000 teh okraskov, kar kaže na lokalno delavnico za izdelavo teh izdelkov.

Iz tega obdobja izvirajo tudi različne maske, ki označujejo individualizirano delo na obrazih. Na enak način so bile izdelane različne vrste zelenih jadeitnih kroglic in poznali so lakiranje, kar dokazuje več pritrdilnih elementov, najdenih v Torihami. Najdeni so bili tudi ostanki mečev, kosti ali slonokoščenih rogov.

Obdobje Yayoi (500 pr.n.št.-300 n.št.)

To obdobje je pomenilo dokončno ustanovitev agrarne družbe, kar je povzročilo krčenje gozdov na velikih širših ozemlja.

Ta preobrazba je privedla do razvoja japonske družbe na tehnološkem, kulturnem in družbenem področju z večjo družbeno razslojenostjo in specializacijo dela ter povzročila povečanje oboroženih spopadov.

JAPONSKA UMETNOST

Japonski arhipelag je bil posejan z majhnimi državami, ki so se oblikovale okoli klanov (uji), med katerimi so prevladovali Yamato, ki je povzročil nastanek cesarske družine. Nato se je pojavil šintoizem, mitološka religija, ki je strmoglavila cesarja Amaterasuja, boginje sonca.

Ta religija je spodbujala pravi občutek čistosti in svežine japonske umetnosti, s prednostjo čistih materialov in brez dekoracije, z občutkom povezanosti z naravo (kami ali nadzavest). Od XNUMX. stoletja pr. C. je zaradi odnosov s Kitajsko in Korejo začel uvajati celinsko civilizacijo.

Kultura Yayoi se je pojavila na otoku Kyūshū okoli 400-300 pr. C. in se preselil v Honshū, kjer je postopoma nadomestil kulturo Jomon. V tem obdobju je bil dozidan nekakšen velik pokop s komoro in gomilo, okrašeno s terakotnimi cilindri s človeškimi in živalskimi figurami.

Vasi so bile obkrožene z jarki, pojavila so se različna kmetijska orodja (vključno s kamnitim orodjem v obliki polmeseca, ki so ga uporabljali za žetev) ter različno orožje, kot so loki in puščice z brušenimi kamnitimi konicami.

V lončarstvu so bili posebej izdelani naslednji predmeti: kozarci, vaze, krožniki, skodelice in steklenice z določenimi posebnostmi. Imele so polirano površino, s preprosto dekoracijo, večinoma vrezi, pikčastimi in cikcakastimi trakovi, najpogosteje uporabljen predmet je bil kozarec z imenom Tsubo.

JAPONSKA UMETNOST

Izpostavil je delo s kovinami, predvsem bronastimi, kot so tako imenovani zvonovi dotaku, ki so služili kot obredni predmeti, okrašeni s spiralami (ryusui) v obliki tekoče vode, ali živali v reliefu (predvsem jeleni, ptice, žuželke in dvoživke), pa tudi prizori lova, ribolova in kmetijskega dela, zlasti tistih, povezanih z rižem.

Zdi se, da je jelen imel poseben pomen, morda povezan z določenim božanstvom: marsikje so našli številne jelenjeve lopatice z zarezi ali znamenji, narejenimi z ognjem, kar naj bi bilo povezano z vrsto obreda.

Drugi okrasni predmeti, ki jih najdemo na lokacijah Yayoi, so: ogledala, meči, različne kroglice in magatama (kosi žada in ahata v obliki indijskega oreha, ki so služili kot dragulji plodnosti).

Kofunsko obdobje (300-552)

Ta doba je zaznamovala konsolidacijo cesarske centralne države, ki je nadzorovala pomembne vire, kot sta železo in zlato. Arhitektura se je razvila po možnosti na pokopališču, s tipičnimi komornimi in prehodnimi grobnicami, imenovanimi kofun (»stara grobnica«), na katerih so bile dvignjene velike gomile zemlje.

Presenetljiva sta pokopa cesarjev Ōjin (346-395) in Nintoku (395-427), kjer so našli veliko različnih predmetov, med katerimi je bilo; nakit, figure iz različnih materialov predvsem figure iz terakote.

JAPONSKA UMETNOST

Ti kipci so bili visoki približno šestdeset centimetrov, praktično brez izraza, le nekaj zarez v očeh in ustih, čeprav so zelo relevanten primer umetnosti tega časa.

Po oblačilih in pripomočkih v teh likih izstopajo različni obrti, kot so kmetje, miličniki, menihi, provincialke, ministranti itd.

Ob koncu tega obdobja so se pojavile tudi figure živali, med katerimi so jeleni, psi, konji, merjasci, mačke, kokoši, ovce in ribe, ki označujejo pomen takratne vojaške naselbine, katere slogovne značilnosti so povezane s kulturo Silla. iz Koreje, pa tudi vrsta keramike, imenovana Sueki, ki je temna in zelo fina, z žvenkečimi dodatki.

Družbena diferenciacija je privedla do izolacije vladajočih razredov v ekskluzivnih mestnih soseskah, kot je Yoshinogari, da so končali trajno ločeni v izoliranih soseskah, kot so Mitsudera ali palačni kompleksi Kansai, Ikaruga in Asuka-Itabuki.

Kar zadeva versko arhitekturo, so bili zgodnji šintoistični templji (jinja) narejeni iz lesa, na dvignjeni podlagi in izpostavljenih stenah ali drsnih predelih, s podstavki, ki so podpirali poševno streho.

JAPONSKA UMETNOST

Ena od njegovih značilnih komponent so torii, vhodni lok, ki označuje vhod v sveto mesto. Upoštevajte svetišče Ise, ki je bilo obnovljeno vsakih dvajset let od XNUMX. stoletja.

Glavni objekt (Shoden) ima dvignjeno nadstropje in dvokapno streho, z devetimi podnožji, do katere se dostopa po zunanjem stopnišču. Je v slogu šinmei zukuri, ki odraža pozni šintoistični slog, pred prihodom budizma na Japonsko.

Še en mitski tempelj negotovega izvora je Izumo Taisha v bližini Matsueja, legendarni tempelj, ki ga je ustanovil Amaterasu. Je v slogu taisha zukuri, velja za najstarejše med svetišči, glavna atrakcija je vzpetina stavbe na pilastrih, s stopniščem kot glavnim dostopom in preprostimi lesenimi zaključki brez poslikav.

Po najdenih rokopisih je bilo prvotno svetišče visoko 50 metrov, vendar so ga zaradi požara obnovili z višino 25 metrov. Stavbi sta bili Honden ("notranje svetišče") in Hayden ("zunanje svetišče"). V to obdobje spada tudi Kinpusen-ji, glavni tempelj shugendoja, asketske vere, ki združuje šinto, budizem in animistična prepričanja.

V tem obdobju najdemo prve vzorce slikarstva, na primer v kraljevem pogrebu Ōtsuka in grobnicah Kyūshū v obliki dolmena (XNUMX.-XNUMX. stoletje), okrašene s prizori ujetega plena, bitk, konjev, ptic in ladij ali s spiralami. in koncentrični krogi.

JAPONSKA UMETNOST

Bile so stenske slike iz hematit rdeče, saj, rumenega okera, belega kaolina in klorit zelene. Ena od značilnih zasnov tega obdobja je tako imenovani čokomon, sestavljen iz ravnih črt in obokov, narisanih na diagonalah ali križih in prisoten na stenah grobnic, sarkofagov, kipov Haniwa in bronastih ogledal.

Obdobje Asuka (552-710)

Yamato si je zamislil centralizirano kraljestvo po kitajskem vzoru, utelešenem v zakonih Shōtoku-Taishi (604) in Taika iz leta 646. Uvedba budizma je na Japonskem povzročila velik umetniški in estetski vpliv z velikim vplivom kitajske umetnosti.

Nato je prišla vladavina princa Shōtokuja (573-621), ki je podpiral budizem in kulturo na splošno in je bil ploden za umetnost. Arhitektura je bila zastopana v templjih in samostanih, večinoma je izgubljena, ob predpostavki zamenjave preprostih šintoističnih linij z veličastnostjo, ki prihaja s celine.

Kot najbolj izstopajočo zgradbo tega obdobja moramo imenovati tempelj Hōryū-ji (607), ki je predstavnik stila Kudara (Paekche v Koreji). Narejen je bil na tleh templja Wakakusadera, ki ga je postavil Shōtoku in so ga njegovi nasprotniki požgali leta 670.

Zgrajena z aksialno planimetrijo, je sestavljena iz niza zgradb, kjer se nahajajo pagoda (Tō), Yumedono ("dvorana sanj") in Kondō ("zlata dvorana"). Je v kitajskem slogu, prvič uporablja streho iz keramičnih ploščic.

JAPONSKA UMETNOST

Ena od značilnosti tega izjemnega primera je svetišče Itsukushima (593), narejeno na vodi, v Setu, kjer so opaženi Gojūnotō, Tahōtō in različni honden. Zaradi svoje lepote so ga leta 1996 ZN razglasili za svetovno dediščino.

Skulpture na budistično tematiko so bile izdelane iz lesa ali brona: prve figure Bude so bile uvožene s celine, kasneje pa se je veliko število kitajskih in korejskih umetnikov naselilo na Japonskem.

Podoba Kannona, japonskega imena bodisatve Avalokiteśvare (v kitajščini se imenuje Guan Yin), se je razširila pod imenom Bodhisattva Kannon, delo korejskega Torija; Kannon, ki se nahaja v templju Yumedono v Hōryū-ji; in Kannon iz Kudare (623. stoletje), neznanega umetnika. Drugo pomembno delo je Triada Sâkyamunija (XNUMX) v bronu, ki jo je postavil Tori Busshi, nameščen v templju Hōryū-ji.

Na splošno so bila to dela strogega, oglatega in arhaičnega sloga, navdihnjena s korejskim slogom Koguryŏ, kot je razvidno iz dela Shibe Torija, ki je zaznamoval "uradni slog" obdobja Asuka: Veliki Asuka Buda (tempelj Hoko - ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).

Drugi umetnik, ki je sledil temu slogu, je bil Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, avtor knjige Štirje nebesni varuhi (shitenno) Zlate dvorane Hōryū-ji (645), ki kljub zelo staremu slogu predstavlja bolj zaokroženo volumetrično evolucijo z več izraznih obrazov.

JAPONSKA UMETNOST

Slika pod vplivom kitajskih motivov, izdelana s črnilom ali mineralnimi barvami, ki se uporabljajo na svili ali papirju, na pergamentnih zvitkih ali obešenih na steno. Označuje izjemen smisel za risanje z zelo izvirnimi deli, kot je relikvijar Tamamushi (Hōryū-ji), iz lesa kafore in ciprese, z bronastimi filigranskimi pasovi, ki predstavljajo različne prizore v olju na lakiranem lesu, v tehniki, imenovani mitsuda. -i iz Perzije in povezano s kitajskim slikarstvom dinastije Wei.

Na dnu relikvijara je jataka (prikaz Budinih preteklih življenj), ki prikazuje princa Mahasattva, ki posveča svoje meso lačni tigici. Približno v tem času je kaligrafija začela pridobivati ​​pomen, ki ji je bila dodeljena enaka umetniška raven kot figurativne slike.

Opazili so tudi svilene tapiserije, kot je Mandala Tenkoku, izdelana za Shōtoku (622). Keramika, ki je lahko glazirana ali ne, je imela malo lokalne proizvodnje, saj je bila najbolj cenjen kitajski uvoz.

Obdobje Nara (710-794)

V tem obdobju je bilo ustanovljeno glavno mesto v Nari (710), prvi stalni kapital mikado. V tem času je bila budistična umetnost na vrhuncu in je z veliko intenzivnostjo nadaljevala kitajski vpliv: Japonci so v kitajski umetnosti videli harmonijo in popolnost, podobno evropskemu okusu za klasično grško-rimsko umetnost.

Nekaj ​​primerov arhitekture iz tega obdobja so monumentalne zgradbe, kot so vzhodna pagoda Yakushi-ji, templji Tōshōdai-ji, Tōdai-ji in Kōfuku-ji ter cesarsko skladišče Shōso-in v Nari, ki ohranja številne predmete. iz umetnosti iz časa cesarja Shōmuja (724-749), z deli iz Kitajske, Perzije in Srednje Azije. Mesto Nara je bilo zgrajeno po mrežni postavitvi po vzoru Chang'ana, prestolnice dinastije Tang.

JAPONSKA UMETNOST

Cesarski palači so pripisovali enak pomen kot glavni samostan, Tōdai-ji (745-752), zgrajen po simetričnem načrtu v velikem ograjenem prostoru z dvojnima pagodama in z Daibutsuden, "veliko dvorano Bude". «. z velikim 15-metrskim bronastim kipom Bude Vairocane (Dainichi v japonščini), ki ga je podaril cesar Shōmu leta 743. Daibutsuden, obnovljen leta 1700, je največja lesena zgradba na svetu.

Drug pomemben tempelj je Hokkedō, ki se ponaša z drugim veličastnim kipom, Kannon Fukukenjaku, osemrokim lakiranim bodhisattva, ki stoji štiri metre. visok in Tang vpliv, ki je opazen v spokojnosti in umirjenosti obraznih potez.

Nasprotno pa je bila vzhodna pagoda Yakushi-ji poskus japonskih arhitektov, da bi našli svoj lasten slog in se oddaljili od kitajskega vpliva. Izstopa po navpičnosti, z izmeničnimi pokrovi različnih velikosti, kar ji daje videz kaligrafskega znaka.

V svoji strukturi izstopajo napušči in balkoni, ki jih tvorijo prepletene lesene prečke, v beli in rjavi barvi. V notranjosti je podoba Yakushi Nyorai ("Medicinski Buda"). Uvrščen je na seznam svetovne dediščine pod imenom Zgodovinski spomeniki antične Nare.

Tōshōdai-ji (759) je imel enako stopnjo nacionalne asimilacije, kar je pokazalo jasen kontrast med Kondōom ("zlata dvorana"), s svojo trdnostjo, simetrijo in navpičnostjo, ki jo je vplival kitajski, in Kodō ("predavalnica") . «), večje preprostosti in horizontalnosti, ki označujejo staroselsko tradicijo.

JAPONSKA UMETNOST

Drugi razstavljavec je bil Kiyomizu-dera (778), katerega glavna zgradba izstopa po ogromni ograji, podprti s stotinami stebrov, ki izstopa na hribu in ponuja impresiven razgled na mesto Kjoto. Ta tempelj je bil eden od kandidatov za seznam novih sedmih čudes sveta, čeprav ni bil izbran.

Po drugi strani je Rinnō-ji znan po Sanbutsudōu, kjer so trije kipi Amide, Senjūkannon in Batōkannon. Kot šintoistično svetišče izstopa Fushimi Inari-taisha (711), posvečeno duhu Inarija, imenovano zlasti po tisočih rdečih torijev, ki označujejo pot vzdolž hriba, na katerem stoji svetišče.

Predstavitev Bude je dosegla velik razvoj v kiparstvu, s kipi velike lepote: Sho Kannon, Buda iz Tachibane, Bodhisattva Gakko iz Tōdai-jija. V obdobju Hakuhō (645-710) je zatrt klana Soga in imperijalna konsolidacija privedla do konca korejskega vpliva in njegove zamenjave s kitajsko (dinastija Tang), ki je ustvarila vrsto del večje veličastnosti in realizma, z okroglimi in bolj graciozne oblike.

Ta sprememba je opazna v delu pozlačenih bronastih kipov Yakushi-ji, ki jih tvori sedeči Buda (Yakushi) v spremstvu bodhisattve Nikko ("Sončna svetloba") in Gakko ("Moonlight"), ki kažeta večjo dinamiko v svojem kontraposto položaju, in večjo izraznost obraza.

Pri Hōryū-ji se je nadaljeval stil Tori korejskega izvora, kot v Kannon Yumegatari in Amida Triadi medaljona Lady Tachibana. V templju Tōshōdai-ji je vrsta velikih kipov, narejenih iz votlega posušenega laka, ki poudarjajo osrednji Buda Rushana (759), ki je visok 3,4 metra. Obstajajo tudi predstavitve duhov varuhov (Meikira Taisho), kraljev (Komokuten) itd. So dela iz lesa, brona, surove gline ali suhega laka, velikega realizma.

JAPONSKA UMETNOST

Slika je predstavljena s stensko dekoracijo Hōryū-ji (pozno XNUMX. stoletje), kot so freske Kondō, ki so podobne tistim iz Ajante v Indiji. Pojavile so se tudi različne tipologije, kot sta kakemono ("viseča slika") in emakimono ("slika z valjčkom"), zgodbe, narisane na zvitku papirja ali svile, z besedili, ki pojasnjujejo različne prizore, imenovane sutre.

V Nara Shōso-in je veliko slik s posvetno tematiko, z različnimi vrstami in temami: rastline, živali, pokrajine in kovinski predmeti. Sredi tega obdobja je prišla v modo slikarska šola dinastije Tang, kot je razvidno iz poslikav grobnice Takamatsuzuka, ki izvirajo iz okoli 700.

Z odlokom Taiho-ryo iz leta 701 je slikarski poklic urejen v obrtnih korporacijah. pod nadzorom Oddelka za slikarje (takumi-no-tuskasa) pri Ministrstvu za notranje zadeve. Ta združenja so bila zadolžena za okrasitev palač in templjev, njihova struktura pa je trajala vse do obdobja Meiji. Lončarstvo se je izjemno razvilo z različnimi tehnikami, uvoženimi iz Kitajske, kot je uporaba svetlih barv, nanesenih na glino.

obdobje Heian (794-1185)

V tem obdobju je nastala vlada klana Fujiwara, ki je vzpostavila centralizirano vlado, ki jo je navdihnila kitajska vlada, s prestolnico v Heianu (danes Kjoto). Vstali so veliki fevdalci (daimyō) in pojavil se je lik samuraja.

Približno v tem času se je pojavila grafologija, imenovana Hiragana, ki je prilagodila kitajsko kaligrafijo večzložnemu jeziku, ki se uporablja na Japonskem, z uporabo kitajskih znakov za fonetične vrednosti zlogov. Prekinitev odnosov s Kitajsko je povzročila jasnejšo japonsko umetnost, ki se je poleg verske umetnosti pojavila sekularna umetnost, ki bi bila zvest odraz nacionalizma cesarskega dvora.

Budistična ikonografija je doživela nov razvoj z uvozom dveh novih sekt s celine, Tendai in Shingon, ki temeljita na tibetanskem tantričnem budizmu, ki je vključeval šintoistične elemente in ustvaril religiozni sinkretizem, značilen za ta čas.

Arhitektura je doživela spremembo načrta samostanov, ki so bili postavljeni na osamljenih mestih, namenjenih meditaciji. Najpomembnejši templji so Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) in pagoda-svetišče Murō-ji. Enryaku-ji, ki se nahaja v bližini gore Hiei, je eden od zgodovinskih spomenikov starodavnega Kjota, ki je bil leta 1994 razglašen za svetovno dediščino.

Leta 788 ga je ustanovil Saichō, ki je na Japonsko uvedel budistično sekto Tendai. Enryaku-ji je imel približno 3.000 templjev in je bil v svojem času veliko središče moči, saj je večino njegovih zgradb uničil Oda Nobunaga leta 1571.

Od ohranjenega dela danes izstopata Saitō (»zahodna dvorana«) in Tōdō (»vzhodna dvorana«), kjer se nahaja Konpon chūdō, najbolj reprezentativna konstrukcija Enryaku ji, kjer hranijo kip Bude ., ki ga je izklesal sam Saichō, Yakushi Nyorai.

Skulptura je v primerjavi s prejšnjimi časi utrpela rahel upad. Spet predstavitve Bude (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai iz templja Jingo-ji v Kjotu; Amida Nyorai iz samostana Byōdō-in), pa tudi nekatere šintoistične boginje (Kichijoten, boginja sreče, enakovredno Indiji) .

JAPONSKA UMETNOST

Pretirana togost budistične religije omejuje spontanost umetnika, ki se omejuje na toge umetniške kanone, ki spodkopavajo njegovo ustvarjalno svobodo. V letih 859 in 877 je nastal slog Jogan, ki ga odlikujejo podobe skoraj zastrašujoče gravitacije z določenim introspektivnim in skrivnostnim pridihom, kot je Shaka Nyorai iz Murō-jija.

V obdobju Fujiwara je zaslovela šola, ki jo je ustanovil Jōchō v Byōdō-inu, z bolj elegantnim in vitkim slogom kot Joganova skulptura, ki izraža popolne oblike telesa in odličen občutek za gibanje.

Jōchōjeva delavnica je uvedla tehniki yosegi in warihagi, ki je obsegala razdelitev figure na dva bloka, ki sta se nato združila, da bi ju oblikovali, s čimer se je izognilo kasnejšemu razpokanju, ki je ena glavnih težav pri velikih figurah. Te tehnike omogočajo tudi serijsko montažo in so bile z velikim uspehom razvite v šoli Kei v obdobju Kamakura.

Slikarstvo Yamato-e uspeva predvsem na rokopisnih zvitkih, imenovanih emaki, ki združujejo slikovne prizore z elegantno kaligrafijo katakane. Ti zvitki so pripovedovali zgodovinske ali literarne odlomke, kot je Zgodba o Gendžiju, roman Murasakija Šikibuja iz poznega XNUMX. stoletja.

Čeprav je bilo besedilo delo priznanih pisarjev, so podobe običajno izvajale dvorne kurtizane, kot sta Ki no Tsubone in Nagato no Tsubone, ob predpostavki vzorca ženske estetike, ki bi imela velik pomen v sodobni japonski umetnosti.

JAPONSKA UMETNOST

V tem času se je začela razvrstitev slik po spolu, ki je zaznamovala zaznavno razlikovanje med publiko, kjer je bilo moško pod kitajskim vplivom, in ženskim in bolj estetskim likovno japonskim.

V onna-e poleg Zgodovine Genji izstopa Heike Nogyo (Lotus Sutra), ki ga je naročil klan Taira za svetišče Itsukushima, kjer so utelešeni v različnih zvitkih o odrešitvi duš, ki jih je razglasil budizem.

Po drugi strani pa je bil ta Otoko-e bolj pripoveden in energičen od ona-e, bolj poln akcije, z več realizma in giba, kot v zvitkih Shigisan Engi, o čudežih meniha Myorena; ban Danigon E-kotoba, o vojni med rivalskimi klani v XNUMX. stoletju; in Chōjugiga, prizori živali s karikiranim znakom in satiričnim tonom, ki kritizirajo aristokracijo.

Obdobje Kamakura (1185-1392)

Po več sporih med fevdalnimi klani je bil uveden Minamoto, ki je vzpostavil šogunat, obliko vladavine z vojaškim sodiščem. V tem času je bila na Japonskem uvedena sekta Zen, ki je močno vplivala na figurativno umetnost. Arhitektura je bila preprostejša, bolj funkcionalna, manj razkošna in okrašena.

Zen pravilo je prineslo tako imenovani slog Kara-yo: zenski prostori čaščenja so sledili kitajski tehniki aksialne planimetrije, čeprav glavna stavba ni bil tempelj, temveč čitalnica, častnega mesta pa ni zasedal kip. Buda, vendar ob majhnem prestolu, kjer je opat poučeval svoje učence.

JAPONSKA UMETNOST

Pet velikih tempeljskih kompleksov Sanjūsangen-dō v Kjotu (1266), pa tudi samostana Kennin-ji (1202) in Tōfuku-ji (1243) v Kjotu ter Kencho-ji (1253) in Engaku-ji (1282). ) v Kamakuri.

Kōtoku-in (1252) je znan po velikem in težkem bronastem kipu Bude Amide, zaradi česar je drugi največji Buda na Japonskem za Tōdai-jijem.

Leta 1234 je bil zgrajen tempelj Chion-in, sedež budizma Jōdo shū, ki ga odlikujejo ogromna glavna vrata (Sanmon), največja zgradba te vrste na Japonskem.

Eden zadnjih predstavnikov tega obdobja je bil Hongan-ji (1321), ki ga sestavljata dva glavna templja: Nishi Hongan-ji, ki vključuje Goei-dō in Amida-dō, skupaj s čajnim paviljonom in dvema stopnjama gledališče Noh, eno izmed katerih trdi, da je najstarejše še živeče; in Higashi Hongan-ji, dom slavnega Shosei-en.

Skulptura je pridobila velik realizem, saj je umetnik našel večjo svobodo ustvarjanja, o čemer pričajo portreti plemičev in vojakov, kot je portret Uesugija Shiguse (anonimnega umetnika), vojaka iz XNUMX. stoletja.

JAPONSKA UMETNOST

Zen dela so bila osredotočena na predstavo njihovih mojstrov v nekakšnem kipu, imenovanem šinzo, kot je mojster Muji Ichien (1312, anonimni avtor), v polikromnem lesu, ki predstavlja zenovskega mojstra, ki sedi na prestolu, v odnos meditacije sproščen.

Za kakovost svojih del je bila še posebej pomembna šola Kei iz Nare, dedinja šole Jōchō iz obdobja Heian, kjer je tudi kipar Unkei, avtor kipov menihov Muchakuja in Sesshina (Kōfuku-ji iz Nare). kot podobe Kongo Rikishija (duhov varuhov), kot sta dva ogromna kipa, ki se nahajata na vhodu v 8 metrov visok tempelj Tōdai-ji (1199).

Unkeijev slog, na katerega je vplivalo kitajsko kiparstvo dinastije Song, je bil zelo realističen, hkrati pa je zajemal najbolj podrobno fizionomsko študijo s čustvenim izrazom in notranjo duhovnostjo upodobljene osebe.

Temni kristali so bili celo vgrajeni v oči, da bi dali večjo izraznost. Unkeijevo delo je pomenilo začetek japonskega portretiranja. Njegov sin Tankei, avtor Kannon Senju za Sanjūsangen-dō, je nadaljeval njegovo delo.

Za sliko sta bila značilna povečan realizem in psihološka introspekcija. Krajinsko oblikovanje (slap Nachi) in portret meniha Myoe v kontemplaciji, Enichi-bo Jonin; komplet portretov iz templja Jingo-ji v Kjotu, avtor Fujiwara Takanobu; Goshinov portret cesarja Hanazona, so bili v glavnem razviti.

JAPONSKA UMETNOST

Način yamato-e se je nadaljeval in slike so bile razložene v zvitkih, od katerih so mnogi dolgi več metrov. Ti rokopisi so prikazovali podrobnosti vsakdanjega življenja, mestnih ali podeželskih prizorov ali ilustrirali zgodovinske dogodke, kot je vojna v Kjotu leta 1159 med nasprotujočimi vejami cesarske družine.

Predstavljeni so bili v neprekinjenih prizorih, po pripovednem redu, z dvignjeno panoramo, v ravni liniji. Izstopajo ilustrirani zvitki dogodkov iz obdobja Heiji (Heiji monogatari) in zvitki Kegon Engi Enichi-bo Jonina.

Slika, povezana z organizacijo Zen, je bila bolj neposredno pod vplivom Kitajske, s tehniko, ki je bolj preprosta kitajska črnila, ki je sledila zen izreku, da "preveč barv zaslepi oči".

Obdobje Muromachi (1392-1573)

Šogunat je v rokah Ashikage, čigar spopadi spodbujajo naraščajočo moč daimyōja, ki si deli zemljo. Arhitektura je bila bolj elegantna in v bistvu japonska, saj je vsebovala veličastne dvorce, samostane, kot je Zuihoji, in templje, kot so Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji ali Zlati paviljon (1397) in Ginkaku-ji. o Srebrni paviljon (1489), v Kjotu.

Kinkaku-ji je bil zgrajen kot počivališče za Shoguna Ashikaga Yoshimitsuja, kot del njegove domene, imenovane Kitayama. Njegov sin je zgradbo spremenil v tempelj za sekto Rinzai. To je trinadstropna stavba, prvi dve sta pokriti s čistim zlatom. Paviljon deluje kot šeriden, ki varuje relikvije Bude.

JAPONSKA UMETNOST

Vsebuje tudi različne kipe Bude in Bodisatve, na strehi pa stoji zlati fenghuang. Ima tudi čudovit sosednji vrt z ribnikom, imenovanim Kyōko-chi, s številnimi otoki in kamni, ki predstavljajo budistično zgodbo o ustvarjanju.

Ginkaku-ji je zgradil šogun Ashikaga Yoshimasa, ki je želel posnemati Kinkaku-ji, ki ga je zgradil njegov prednik Yoshimitsu, vendar žal ni mogel prekriti stavbe s srebrom, kot je bilo načrtovano.

Za arhitekturo tega obdobja je značilen tudi videz tokonome, prostora, rezerviranega za kontemplacijo slike ali cvetličnega aranžmaja, v skladu z zenovsko estetiko. Uveden je bil tudi tatami, vrsta blazine iz riževe slame, ki je polepšala notranjost japonske hiše.

V tem času se je razvila predvsem umetnost vrtnarjenja, ki je postavila umetniške in estetske temelje japonskega vrta. Pojavila sta se dva glavna načina: tsukiyama, okoli hriba in jezera; in hiraniwa, ploski vrt z nabrušenim peskom, s kamni, drevesi in vodnjaki.

Najpogostejšo vegetacijo sestavljajo bambus ter različne vrste cvetja in dreves, bodisi zimzelenih, kot je japonski črni bor, ali listavci, kot je japonski javor, cenjeni so tudi elementi, kot so praproti in pene.

Bonsai je še en tipičen element vrtnarjenja in notranje opreme. Vrtovi pogosto vključujejo jezero ali ribnik, različne vrste paviljonov (običajno za čajno slovesnost) in kamnite luči. Ena od tipičnih značilnosti japonskega vrta, tako kot ostale njegove umetnosti, je njegov nepopoln, nedokončan in asimetričen videz.

Obstajajo različne vrste vrtov: »pohodni«, ki jih lahko vidimo na sprehodu po poti ali okoli ribnika; "dnevne sobe", ki jo je mogoče videti s fiksnega mesta, običajno paviljona ali koče tipa mačija.

Te (rōji), okoli poti, ki vodi do čajnice, z bakdosin ploščicami ali kamni, ki označujejo pot; in »kontemplacija« (karesansui, »gorska in vodna pokrajina«), ki je najbolj tipičen zen vrt, viden s ploščadi, ki se nahajajo v zen samostanih.

Dober primer je tako imenovana brezvodna pokrajina vrta Ryōan-ji v Kjotu slikarja in pesnika Sōamija (1480), ki predstavlja morje, narejeno iz nabrušenega peska, polno otokov, ki so skale. , ki tvori celoto, ki združuje resničnost in iluzijo ter vabi k miru in razmisleku.

Opažen je bil ponovni vzpon slikarstva, uokvirjenega v zenovsko estetiko, ki je prejela kitajski vpliv dinastij Yuan in Ming, ki se je odražal predvsem v dekorativni umetnosti.

Uvedena je bila tehnika gvaša, popolna transkripcija zen doktrine, ki skuša v pokrajinah odražati, kaj pomenijo, ne pa kaj predstavljajo.

Pojavila se je figura bunjinsoja, »intelektualnega meniha«, ki je ustvaril svoja dela, učenjakov in privržencev kitajskih tehnik z enobarvnim črnilom, s kratkimi in razpršenimi potezami čopiča, ki je v svojih delih odseval naravne elemente, kot so borovci, trsje, orhideje, bambus , skale, drevesa, ptice in človeške figure, potopljene v naravo, v držo meditacije.

Na Japonskem so to kitajsko tehniko črnila imenovali sumi-e. Na podlagi sedmih estetskih načel zena je sumi-e s preprostostjo in eleganco skušal odražati najintenzivnejša notranja čustva v preprostih in skromnih linijah, ki presegajo njihov zunanji videz in označujejo stanje občestva z naravo.

Sumi-e je bilo sredstvo (dō) za iskanje notranje duhovnosti, to so uporabljali menihi. Posebnosti črnila, subtilne in razpršene, so umetniku omogočile, da ujame bistvo stvari na preprost in naraven vtis, a hkrati globok in transcendenten.

Gre za instinktivno umetnost hitre izvedbe, nemogoče retuširati, dejstvo, ki jo združuje z življenjem, kjer se je nemogoče vrniti na storjeno. Vsaka risba nosi vitalno energijo (ki), saj je dejanje ustvarjanja, kjer se um sproži v akcijo in je proces pomembnejši od rezultata.

Najpomembnejši predstavniki sumi-eja so bili: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei in predvsem Sesshū Tōyō, avtor portretov in pokrajin, prvi umetnik, ki je slikal za časa življenja. Sesshū je bil Gaso, menih-slikar, ki je med letoma 1467 in 1469 potoval na Kitajsko, kjer je študiral umetnost in naravno krajino.

Njegove pokrajine so sestavljene iz linearnih struktur, osvetljenih z nenadno svetlobo, ki odseva zen koncept transcendentnega trenutka. To so pokrajine s prisotnostjo anekdotnih elementov, kot so templji v daljavi ali majhne človeške figure, uokvirjene v oddaljenih krajih, kot so pečine.

Pojavila se je tudi nova zvrst pesniškega slikarstva, shinjuku, kjer pokrajina ilustrira naturalistično navdihnjeno pesem. Omeniti velja tudi šolo Kanō, ki jo je ustanovil Kanō Masanobu, ki uporablja tehniko gvaša pri tradicionalnih predmetih, ki ponazarja sakralne, nacionalne in krajinske teme.

Pranje je bilo naneseno tudi na pobarvane zaslone in plošče drsnih vrat fusuma, ki so znak japonskega notranjega oblikovanja. Pri keramiki izstopa šola Seto, najbolj priljubljena tipologija je tenmoku. Pomembni primeri iz tega obdobja so tudi laki in kovinski predmeti.

Obdobje Azuchi–Momoyama (1573–1603)

V tem času so Japonsko ponovno združili Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi in Tokugawa Ieyasu, ki so odpravili daimyō in prišli na oblast.

Njegov mandat je sovpadal s prihodom portugalskih trgovcev in jezuitskih misijonarjev, ki so v državo uvedli krščanstvo, čeprav je doseglo le manjšino.

Umetniška produkcija tega časa se je z eksplozivnim slogom oddaljila od budistične estetike in poudarjala tradicionalne japonske vrednote. Invazija na Korejo leta 1592 je povzročila prisilno preselitev številnih korejskih umetnikov na Japonsko, ki so živeli v centrih za proizvodnjo keramike, izoliranih od ostalih.

V tem obdobju so bili sprejeti tudi prvi zahodni vplivi, ki se odražajo v slogu Namban, razvit v miniaturistični skulpturi, s posvetno tematiko, okrasnimi predmeti iz porcelana in zložljivimi zasloni, okrašeni v slogu Yamato-e, v svetlih barvah in zlatih lističih, v prizorih, ki pripovedujejo o prihodu Evropejcev na japonsko obalo.

Perspektivne tehnike, pa tudi druge različice evropskega slikarstva, kot je uporaba oljnega slikarstva, na Japonskem niso imele oporeka v umetniški obliki.

V arhitekturi izstopa gradnja velikih gradov (shiro), ki so se okrepili z uvedbo na Japonskem strelnega orožja zahodnega izvora. Gradovi Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō in Fushimi-Momoyama so dobri primeri.

Grad Himeji, ena najpomembnejših konstrukcij tistega časa, združuje masivne utrdbe z eleganco navpične strukture, v petih nadstropjih iz lesa in ometa, z nežno ukrivljenimi oblikami streh, podobnimi tistim v tradicionalnih japonskih templjih.

Razširile so se tudi kmečke vasi za čajne slovesnosti, sestavljene iz majhnih vil ali palač in velikih vrtov, v nekaterih mestih pa so zgradili lesena gledališča za predstave kabuki.

Na področju slikarstva šola Kanō zajema večino uradnih naročil, pri izdelavi stenskih poslikav glavnih japonskih gradov sta bili pomembni osebnosti po imenu Kanō Eitoku in Kanō Sanraku.

Za gradove, slabo osvetljene s svojimi ozkimi obrambnimi odprtinami, so bile ustvarjene nekakšne predelne stene z zlatim ozadjem, ki so odsevale svetlobo in jo razpršile po prostoru, z velikimi poslikavami, okrašene z junaškimi prizori, kot so živali. kot so tigri in zmaji, ali pokrajine s prisotnostjo vrtov, ribnikov in mostov, ali v štirih letnih časih, dokaj pogosta tema v tistem času.

Izjemno se je razvilo tudi sitotisk, na splošno z obrabljenimi črnili, ki sledi slogu sumi-e, kot je razvidno iz del Hasegawa Tōhakuja (borov gozd) in Kaihō Yūshōja (bor in sliva na mesečini). Izpostavljena je bila tudi figura Tawaraya Sōtatsuja, avtorja del velike dinamike, v zvitkih rokopisov, zaslonov in pahljačev.

Ustvaril je lirični in dekorativni slog, ki ga je navdihnila pisava waka iz obdobja Heian, ki se je imenovala rinpa, in ustvaril dela velike vizualne lepote in čustvene intenzivnosti, kot so Zgodba o Genjiju, Pot bršljana, bogovi groma in vetra. , itd

Proizvodnja keramike je dosegla trenutek velikega razcveta in razvila izdelke za čajno slovesnost, ki jih je navdihnila korejska keramika, katere rustikalnost in nedokončan videz odlično odražata zenovsko estetiko, ki prežema čajni obred.

Pojavili so se novi dizajni, kot so nezumi krožniki in kogan vrči za vodo, običajno z belim telesom, kopanim s plastjo glinenca in okrašeni s preprostimi vzorci iz železnega kaveljčka. Bila je debela keramika glaziranega videza, z nedokončano obdelavo, ki je dajala občutek nepopolnosti in ranljivosti.

Seto je ostal glavni producent, medtem ko sta se v mestu Mino rodili dve pomembni šoli: Shino in Oribe. Opazili so tudi šolo karatsu in dve izvirni vrsti lončarstva:

Iga, z grobo teksturo in debelo plastjo glazure, z globokimi razpokami; in Bizen, neglazirana rdečkasto rjava lončena posoda, še vedno mehka, odstranjena s kolesa, da so nastale majhne naravne razpoke in zareze, ki so mu dale krhek videz, še vedno v skladu z zenovsko estetiko nepopolnosti.

Eden najboljših umetnikov tega časa je bil Honami Kōetsu, ki se je odlikoval v slikarstvu, poeziji, vrtnarstvu, lakiranju itd. Izučen v umetniški tradiciji obdobja Heian in v šoli kaligrafije Shorenin je ustanovil kolonijo obrtnikov v Takagaminu blizu Kjota z zemljo, ki jo je podaril Tokugawa Ieyasu.

Naselje so vzdrževali obrtniki iz budistične šole Nichiren in je izdelalo vrsto visokokakovostnih del. Specializirali so se za lakiranje, predvsem pisarniške dodatke, okrašene z zlatimi in sedefastimi vložki, ter različne pripomočke in namizno posodo za čajno slovesnost, pri čemer so poudarili polno skledo iz fudžisa. rdečkasto pokrito s črnimi spodnjicami in na vrhu neprozorno ledeno belo, ki daje učinek sneženja.

Edo obdobje (1603-1868)

To umetniško obdobje ustreza zgodovinskemu obdobju Tokugawa, ko je bila Japonska zaprta za vse zunanje stike. Glavno mesto je bilo ustanovljeno v Edu, bodočem Tokiu. Kristjane so preganjali in evropske trgovce izgnali.

Kljub podložniškemu sistemu sta se trgovina in obrt razširili, s čimer je nastal meščanski razred, ki je pridobil moč in vpliv ter se posvetil promociji umetnosti, zlasti grafike, keramike, laka in izdelkov. tekstil.

Najbolj reprezentativna dela sta palača Katsura v Kjotu in mavzolej Tōshō-gū v Nikkoju (1636), ki je del »Nikkō svetišč in templjev«, ki jih je UNESCO leta 1999 uvrstil na seznam svetovne dediščine.

Nekaj ​​žanrske zveze šinto-budistov je mavzolej šoguna Tokugawa Ieyasuja. Tempelj je togo simetrična struktura s pisanimi reliefi, ki pokrivajo celotno vidno površino. Izstopajo njegove barvite konstrukcije in preobremenjeni ornamenti, ki se razlikujejo od stilov takratnih templjev.

Notranjost krasijo podrobne lakirane rezbarije v svetlih barvah in mojstrsko poslikane plošče. Palača Katsura (1615-1662) je bila zgrajena na asimetričnem načrtu, ki ga navdihuje zen, kjer je uporaba ravnih linij na zunanji fasadi v nasprotju z vijugastjo okoliškega vrta.

Zaradi statusa sedeža, kjer bi počivala cesarska družina, je vila sestavljala glavna stavba, več prizidkov, čajnice in 70000-metrski park. Glavna palača, ki ima samo eno nadstropje, je razdeljena na štiri anekse, ki se združujejo na vogalih.

Celotna zgradba ima določene značilnosti, da je zgrajena na stebrih, nad njimi pa vrsta prostorov s stenami in vrati, nekatere s slikami Kanō Tan'yūja.

Za to obdobje so značilne tudi čajnice (chashitsu), praviloma majhne lesene zgradbe s slamnatimi strehami, obdane z vrtovi v navidez zapuščenem stanju, z lišaji, mahovi in ​​odpadlim listjem, ki sledijo konceptu zen. transcendentne nepopolnosti.

Začetek umetniškega in intelektualnega razvoja

V tem obdobju je Japonska postopoma preučevala zahodne tehnike in znanstvene dosežke (imenovane rangaku) ​​s pomočjo informacij in knjig, ki so jih prejeli od nizozemskih trgovcev v Dejima.

Najbolj raziskana področja so vključevala geografijo, medicino, naravoslovje, astronomijo, umetnost, jezike, fizikalne koncepte, kot so študij električnih in mehanskih pojavov. Velik razvoj je doživel tudi matematika v toku, ki je popolnoma neodvisen od zahodnega sveta. Ta močan tok se je imenoval wasan.

Razcvet neokonfucianizma je bil največji intelektualni razvoj tega obdobja. Preučevanje konfucianizma je že dolgo aktivno izvajali budistični duhovniki, vendar je v tem obdobju ta sistem verovanja pritegnil veliko pozornost k pojmovanju človeka in družbe.

Etični humanizem, racionalizem in zgodovinska perspektiva konfucianizma so bili obravnavani kot družbeni model. Sredi XNUMX. stoletja je konfucianstvo postalo prevladujoča pravna filozofija in je neposredno prispevalo k razvoju nacionalnega sistema učenja, kokugaku.

Njegova glavna vrlina za šogunski režim je bil poudarek na hierarhičnih odnosih, podrejenosti. na vrh. in poslušnost, ki sega na celotno družbo in olajša ohranjanje fevdalnega sistema.

Velik pomen je pridobila tekstilna umetnost, predvsem v svili, ki je dosegla najvišjo kakovost, zato so bile v prostorih pogosto obešene svilene obleke (kimono) svetlih barv in izvrstnega dizajna. ločeni, kot da bi bili zasloni.

Uporabljene so bile različne tehnike, kot so barvanje, vezenje, brokat, embossiranje, nanašanje in ročno slikanje. Svila je bila na voljo le višjim slojem, medtem ko so ljudje, oblečeni v bombaž, izdelani po indonezijski tehniki ikat, predili v odsekih in barvali indigo izmenično z belo.

Druga manj kakovostna tehnika je bilo tkanje bombažnih niti različnih barv, z domačimi barvili v slogu batika z uporabo riževe paste ter kuhanih in strnjenih riževih otrobov.

Treba je opozoriti, da tako kot je bila japonska umetnost v XNUMX. stoletju pod vplivom zahodne umetnosti, je nanjo vplivala tudi eksotičnost in naravnost japonske umetnosti. Tako se je na Zahodu rodil tako imenovani japonizem, ki se je razvil predvsem v drugi polovici XNUMX. stoletja, predvsem v Franciji in Veliki Britaniji.

To se je pokazalo v tako imenovanih japonerijah, predmetih, navdihnjenih z japonskimi grafikami, porcelanom, lakom, pahljalicami in bambusovimi predmeti, ki so postali modni tako v dekoraciji doma kot v številnih osebnih oblačilih, ki odražajo domišljijo in dekoralizem japonske kulture. Japonska estetika .

V slikarstvu je bil slog šole ukiyo-e navdušeno sprejet, dela Utamaroja, Hiroshigeja in Hokusaija pa so bila zelo cenjena. Zahodni umetniki so posnemali poenostavljeno prostorsko konstrukcijo, preproste konture, kaligrafski slog in naturalistično občutljivost japonskega slikarstva.

Sodobni čas (od 1868)

V obdobju Meiji (1868-1912) se je na Japonskem začela globoka kulturna, družbena in tehnološka renesansa, ki se je bolj odprla zunanjemu svetu in začela vključevati nove napredke, dosežene na Zahodu. Listina iz leta 1868 je odpravila fevdalne privilegije in razredne razlike, kar pa ni vodilo k izboljšanju obubožanih proletarskih razredov.

Začelo se je obdobje močnega imperialističnega ekspanzionizma, ki je pripeljalo do druge svetovne vojne. Po vojni je Japonska doživela proces demokratizacije in gospodarskega razvoja, zaradi česar je postala ena vodilnih svetovnih gospodarskih sil ter vodilno središče industrijske proizvodnje in tehnoloških inovacij. Obdobju Meiji so sledila obdobja Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) in Heisei (1989-).

Od leta 1930 sta postopna militarizacija in širitev na Kitajskem in v južni Aziji, s posledičnim povečanjem sredstev, dodeljenih vojaškemu proračunu, privedla do upada umetniškega pokroviteljstva. Vendar pa se je s povojnim gospodarskim razcvetom in novim razcvetom, doseženim z industrializacijo države, ponovno rodila umetnost, ki je bila zaradi procesa kulturne globalizacije že v celoti potopljena v mednarodna umetniška gibanja.

Prav tako gospodarska blaginja spodbuja zbiranje, ustvarjanje številnih muzejev in razstavnih centrov, ki so pomagali pri širjenju in ohranjanju japonske in mednarodne umetnosti. Na verskem področju je uveljavitev šintoizma v dobi Meiji kot edine uradne religije (Shinbutsu bunri) privedla do opuščanja in uničenja budističnih templjev in umetniških del, kar bi bilo nepopravljivo brez posredovanja Ernesta Fenollose, prof. filozofije. iz Tokijske imperialne univerze.

Skupaj z magnatom in mecenom Williamom Bigelowom je rešil veliko število del, ki so negovala zbirko budistične umetnosti v Muzeju lepih umetnosti v Bostonu in Freer Gallery of Art v Washingtonu, dve najboljši zbirki azijske umetnosti v svet..

Arhitektura ima dvojno smer: tradicionalno (svetišče Yasukuni, templji Heian Jingu in Meiji v Tokiu) in evropsko pod vplivom, ki združuje nove tehnologije (Muzej Yamato Bunkakan, Iso Hachi Yoshida, v Nari).

Westernizacija je privedla do gradnje novih zgradb, kot so banke, tovarne, železniške postaje in javne zgradbe, zgrajene z zahodnimi materiali in tehnikami, ki so sprva posnemale angleško viktorijansko arhitekturo. Na Japonskem so delovali tudi nekateri tuji arhitekti, na primer Frank Lloyd Wright (Hotel Imperial, Tokio).

Arhitektura in urbanizem sta dobila velik zagon po drugi svetovni vojni zaradi potrebe po obnovi države. Nato se je pojavila nova generacija arhitektov.

Vodi ga Kenzō Tange, avtor del, kot so spominski muzej miru v Hirošimi, katedrala sv. Marije v Tokiu, olimpijski stadion za olimpijske igre 1964 v Tokiu itd.

Študentje in privrženci Tange so ustvarili koncept arhitekture, ki ga razumemo kot "metabolizem", pri čemer so zgradbe videli kot organske oblike, ki jih je treba prilagoditi funkcionalnim potrebam.

Gibanje, ustanovljeno leta 1959, je razmišljalo o tem, da bi naredili naselje prebivalcev, katerega predpostavka je bila ustvariti vrsto zgradb, ki se spreminjajo glede na zunanje spremembe, kot da bi bil organizem.

Njegovi člani so bili Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe in Kiyonori Kikutake. Drugi predstavnik je bil Maekawa Kunio, ki je skupaj s Tangejem vnesel stare japonske estetske ideje v toge sodobne zgradbe.

Spet z uporabo tradicionalnih tehnik in materialov, kot so tatami blazina in uporaba stebrov, tradicionalni gradbeni element v japonskih templjih ali integracija vrtov in skulptur v njegove stvaritve. Ne pozabim uporabiti vakuumske tehnike, preučevala jo je Fumihiko Maki v prostorskem razmerju med stavbo in okolico.

Od osemdesetih let prejšnjega stoletja se je postmoderna umetnost močno uveljavila na Japonskem, saj je že od antičnih časov značilno zlitje med popularnim elementom in prefinjenostjo oblik.

Ta slog je v glavnem zastopal Arata Isozaki, avtor Muzeja umetnosti Kitakyushu in Kjotske koncertne dvorane. Isozaki je študiral pri Tangeju in pri svojem delu je sintetiziral zahodne koncepte s prostorskimi, funkcionalnimi in dekorativnimi idejami, značilnimi za Japonsko.

Tadao Andō je razvil preprostejši slog z veliko skrbjo za prispevek svetlobe in odprtih prostorov k zunanjemu zraku (kapela na vodi, Tomanu, Hokkaidō; cerkev luči, Ibaraki, Osaka; muzej Otroci, Himeji).

Za Shigeru Ban je bila značilna uporaba nekonvencionalnih materialov, kot sta papir ali plastika: po potresu v Kobeju leta 1995, zaradi katerega je veliko ljudi ostalo brez strehe nad glavo, je Ban prispeval k oblikovanju Dela, ki je postalo znano kot Papirna hiša in papirnata cerkev, končno, Toyō Itō je raziskoval fizično podobo mesta v digitalni dobi.

V kiparstvu je tudi tradicijska-avantgardna dvojnost, ki poudarja imeni Yoshi Kimuchi in Romorini Toyofuku, poleg abstraktnih Masakazu Horiuchi in Yasuo Mizui, slednji prebivalec Francije. Isamu Noguchi in Nagare Masayuki sta združila bogato kiparsko tradicijo svoje države v delih, ki preučujejo kontrast med hrapavostjo in poliranjem materiala.

Slikarstvo je sledilo tudi dvema smernicama: tradicionalnemu (nihonga) in zahodnemu (yōga), kljub obstoju obeh pa je lik Tomioke Tessai ostal na začetku 20. stoletja, medtem ko se je slog nihonga okrepil ob koncu 19. stoletja. XNUMX. stoletja umetniški kritik Okakura Kakuzō in pedagog Ernest Fenollosa.

V tradicionalni umetnosti iščemo arhetipsko obliko izražanja japonske senzibilnosti, čeprav je ta slog prejel tudi nekaj zahodnega vpliva, zlasti od prerafaelitizma in romantike. Zastopali so ga predvsem Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison in Kobayashi Kokei.

Slikarstvo v evropskem slogu so prvič gojile tehnike in teme, ki so se uporabljale v Evropi ob koncu XNUMX. stoletja, v glavnem povezane z akademizmom, kot v primeru Kuroda Seikija, ki je nekaj let študiral v Parizu, nato pa nadaljeval različni tokovi, ki so se pojavili v zahodni umetnosti:

Skupina Hakuba Kai je prevzela impresionistični vpliv; v abstraktnem slikarstvu sta bila glavna junaka Takeo Yamaguchi in Masanari Munay; Figurativni umetniki so bili Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen in Higashiyama Kaii. Nekateri umetniki so se naselili zunaj svoje države, na primer Genichiro Inokuma v ZDA in Tsuguharu Foujita v Franciji.

V Taishoju, slogu joge, ki je imel največji vpliv na nihongo, čeprav sta vse večja uporaba svetlobe in evropska perspektiva zmanjšala razlike med obema tokovoma.

Tako kot je nihonga v veliki meri sprejela inovacije postimpresionizma, je yōga pokazala nagnjenost k eklekticizmu, ki izhaja iz najrazličnejših različnih umetniških gibanj.

Za to stopnjo je bila ustanovljena Japonska akademija lepih umetnosti (Nihon Bijutsu In). Slikarstvo iz obdobja Shōwa je zaznamovalo delo Yasuri Sotaro in Umehara Ryuzaburo, ki sta v tradicijo Nihonga uvedla koncepte čiste umetnosti in abstraktnega slikarstva.

Leta 1931 je bilo ustanovljeno Neodvisno umetniško združenje (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) za promocijo avantgardne umetnosti.

Vladni pravni predpisi so že v drugi svetovni vojni jasno poudarjali domoljubne teme. Po vojni so se umetniki znova pojavili v velikih mestih, zlasti v Tokiu.

Ustvarjanje urbane in svetovljanske umetnosti, ki je vdano sledila slogovnim inovacijam, ustvarjenim na mednarodni ravni, predvsem v Parizu in New Yorku. Po abstraktnih slogih šestdesetih let so se sedemdeseta leta vrnila k realizmu, ki ga je favoriziral pop-art, kot ga označuje delo Shinohara Ushia.

Presenetljivo je, da se je proti koncu sedemdesetih let zgodilo nekaj zanimivega, da se je vrnila k tradicionalni japonski umetnosti, v kateri so videli večjo izraznost in čustveno moč.

Tradicija grafike se je nadaljevala v XNUMX. stoletju v slogu "kreativnih grafik" (sosaku hanga), ki so jih narisali in izklesali umetniki, po možnosti v slogu nihonga, kot so Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi in Munakata Shiko.

Med najnovejšimi trendi je imela Gutai Group dober ugled v tako imenovani akcijski umetnosti, ki je izkušnjo druge svetovne vojne z ironiziranimi dejanji izenačila z velikim občutkom napetosti in latentne agresivnosti.

Skupino Gutai so sestavljali: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto in Katsuō Shiraga. Več umetnikov, povezanih s postmoderno umetnostjo, vključenih v nedavni fenomen globalizacije, ki ga zaznamuje multikulturnost umetniških izrazov.

Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Drugi ugledni sodobni japonski umetniki so: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 in Takashi Murakami.

Če se vam je ta članek zdel zanimiv, vas vabimo, da uživate v teh drugih:


Bodite prvi komentar

Pustite svoj komentar

Vaš e-naslov ne bo objavljen. Obvezna polja so označena z *

*

*

  1. Za podatke odgovoren: Blog Actualidad
  2. Namen podatkov: Nadzor neželene pošte, upravljanje komentarjev.
  3. Legitimacija: Vaše soglasje
  4. Sporočanje podatkov: Podatki se ne bodo posredovali tretjim osebam, razen po zakonski obveznosti.
  5. Shranjevanje podatkov: Zbirka podatkov, ki jo gosti Occentus Networks (EU)
  6. Pravice: Kadar koli lahko omejite, obnovite in izbrišete svoje podatke.