Umetnikov um je sposoben ustvariti nepredstavljive stvari, to dokazujejo številni trendi in slogi v svetu, a za mnoge morda noben tako dobro kot Ekspresionizem. Poglobite se v ta fascinanten umetniški slog, rojen v poznem devetnajstem stoletju.
Kaj je ekspresionizem?
Ekspresionizem je umetniški slog, ki skuša predstavljati ne objektivno, ampak subjektivno realnost. Namen je odražati čustva in odzive, ki jih predmeti in dogodki vzbujajo v človeku. Umetniku uspe to subjektivno realnost ujeti s popačenjem, pretiravanjem, primitivizmom, domišljijo, pa tudi z živo, pretresljivo, nasilno ali dinamično uporabo formalnih elementov.
Ekspresionizem je zelo osebna in intenzivna umetniška oblika, kjer skuša ustvarjalec v svojih produkcijah posredovati svoja intimna čustva in misli in se odmika od tradicionalne reprezentacije realnosti. Za to strujo je značilen njen odločilni vpliv na slikarstvo, pri katerem poskusi doseganja največjega vpliva na gledalca žrtvujejo oziroma izkrivljajo natančnost upodobitve, praviloma v korist močnih kontur in vpadljivih barv, čeprav to ni pravilo v vseh primerih. .
Kompozicije so običajno preproste in neposredne, kjer je pogosta uporaba goste pastozne barve, z ohlapnimi potezami čopiča, ki so naneseni na zelo svoboden način in občasno simboliko, pri čemer je sporočilo izrednega pomena.
Ekspresionizem je ena glavnih umetniških struj, ki se je razvila med koncem XNUMX. stoletja in začetkom XNUMX. stoletja, z lastnostmi izrazito subjektivnega, osebnega in spontanega samoizražanja, značilnih za širok spekter sodobnih umetnikov in umetniških gibanj.
To je mogoče razumeti kot stalni trend v germanski in nordijski umetnosti že vsaj od evropskega srednjega veka, zlasti v času družbenih sprememb ali duhovne krize, ki je v tem smislu v nasprotju z racionalističnim in klasicističnim, kar je bilo cenjeno v Italiji in še več. večer iz Francije
V začetku XNUMX. stoletja je ta umetniški trend zajel Evropo, ki ga je spodbudil odpor do meščanske kulture in goreče iskanje sveže, mlade ustvarjalnosti. Ekspresionistični umetniki in ekspresionistična umetnost poudarjajo jaz, psiho, telo, spolnost, naravo in duha.
Ekspresionizem kot slog ali gibanje, ki se razlikuje od tedanjega trenda, se osredotoča na vrsto nemških, avstrijskih, francoskih in ruskih umetnikov, ki so postali priljubljeni v letih pred prvo svetovno vojno in so takšni ostali večji del obdobja med vojnama. .
V Franciji je Nizozemec Van Gogh poglabljal in razkrival svojo nenavadno, nemirno in barvito psiho, v Nemčiji pa je Rus Wassily Kandinsky raziskoval duhovnost v umetnosti kot protistrup odtujenosti v sodobnem svetu, v Avstriji pa Egon Schiele in Oskar Kokoschka sta se borila proti moralni hinavščini družbe z obravnavanjem vprašanj, kot so spolnost, smrt in nasilje.
Edvard Munch je končno naredil vpliv na Norveškem in po vsej Evropi s svojimi divjimi in intenzivnimi izrazi okolja, sebe in svoje psihe. Ti umetniki so se skupaj lotili zelo surovih, resničnih in brezčasnih vprašanj, tem in bojev, ki so se vreli pod površjem in so nam še danes znani.
To je bil morda razlog, da se je ekspresionizem v umetnosti nadaljeval v najrazličnejših preoblekah tudi po teh umetnikih in v tem specifičnem časovnem obdobju, kar nam omogoča, da rečemo, da je ekspresionizem živ še danes.
Poreklo
Na začetku XNUMX. stoletja v zahodni Evropi se je družba hitro razvijala, intenzivna industrializacija je celino zavzela skoraj z nevihto, z inovacijami v svetu proizvodnje in komunikacij, ki so pogosto povzročale občutek slabosti v svetu. splošno javnosti.
Vrtoglava rast tehnologije in urbanizacija velikih mest sta s seboj prinesla občutke izoliranosti in odklopljenosti od naravnega sveta. Razumljivo je, da so se ta čustva in tesnobe začela pojavljati ali bolje rečeno krvaveti skozi umetnost tistega časa. Dve skupini umetnikov, ki sta ustvarili ekspresionizem, kot ga poznamo danes: Die Brucke y Der Blaue Reiter, oba sta nastala v Nemčiji na začetku XNUMX. stoletja.
Štirje študenti arhitekture v Dresdnu so ustvarili skupno umetniško skupino, imenovano Most (Most). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff in Ernst Ludwig Kirchner poskušal biti mostu v prihodnost umetnosti, ki vzbuja intenzivne čustvene odzive z uporabo nenaravnih oblik, barv in kompozicij, ki jih navdihuje sodobni svet.
Njegova dela so bila močno podobna gibanju fovizma v Franciji, ki ga je vodil Henri Matisse, predvsem v uporabi svetlih barv in nenavadnih oblik, z namenom, da prenese več čustev. Most bila je mišljena kot mladostna in inovativna opozicija in odgovor na stoletja realizma v umetnosti. Leta 1906 so naredili svoj manifest v lesorezu, ki je izrazil naslednje:
»Z vero v nenehni razvoj, v novo generacijo ustvarjalcev in cenilcev združujemo vse mlade. In kot mladi, ki nosimo prihodnost, si nameravamo v nasprotju s starimi in uveljavljenimi močmi pridobiti svobodo gibanja in življenja. Kdor neposredno in verodostojno izrazi tisto, kar ga žene k ustvarjanju, je eden izmed nas.” Kirchner (1906)
S tem pozivom k akciji so mladi zahodnoevropski umetniki dobili zahtevno nalogo, da zgradijo novo umetniško gibanje: ekspresionizem.
Umetniki gibanja Most osredotočili so se predvsem na prikaz ogromnega kaosa nove modernosti, industrializacije in urbanizma, ki jih je obdajal. Slikali so urbane pokrajine s pretiranimi, nazobčanimi vrhovi in živimi barvami.
Potem ko so premagali meje, veliko bolj kot Fauves, Most je v svoje nastope vključil underground nemško nočno klubsko kulturo, dekadenco nižjega razreda ter vsa čustva in nelagodje, ne da bi zanemaril svojo osebno vizijo in pomen.
To neformalno združenje se je uprlo temu, kar so videli kot površnemu naturalizmu akademskega impresionizma. Nemški umetnosti so želeli ponovno vnesti duhovno moč, za katero so menili, da primanjkuje, in so to poskušali storiti z elementarnim, zelo osebnim in spontanim izražanjem. Prvotnim članom Die Brücke so se kmalu pridružili Nemci Emil Nolde, Max Pechstein in Otto Müller. Na ekspresioniste so vplivali njihovi predhodniki iz 1890-ih.
Zanimali so jih tudi afriški lesorezi in dela severnoevropskih srednjeveških in renesančnih umetnikov, kot so Albrecht Dürer, Matthias Grünewald in Albrecht Altdorfer. Lesorezi s svojimi debelimi nazobčanimi linijami in ostrimi tonskimi kontrasti so bili najljubši medij nemških ekspresionistov.
Dela umetnikov Die Brücke so spodbudila ekspresionizem v drugih delih Evrope. Oskar Kokoschka in Egon Schiele iz Avstrije sta prevzela njegove mučene poteze čopiča in kotne linije, Georges Rouault in Chaim Soutine v Franciji pa sta razvila slikarske sloge, ki jih zaznamujeta intenzivno čustveno izražanje in nasilno popačenje figurativnega predmeta.
Z močnimi ekspresionističnimi vplivi so delovali tudi slikar Max Beckmann, grafika Käthe Kollwitz ter kiparja Ernst Barlach in Wilhelm Lehmbruck. Številna njihova dela izražajo frustracijo, tesnobo, gnus, nezadovoljstvo, nasilje in na splošno nekakšno frenetično intenzivnost občutkov kot odziv na grdoto, surovo banalnost ter možnosti in protislovja, ki so jih opazili v sodobnem življenju.
Druga skupina, znana kot Der Blaue Reiter (Modri jezdec), ustanovljen v Münchnu leta 1911. Ta kolektiv, ki je dobil ime po sliki Vasilija Kandinskega, so sestavljali ruski emigranti Kandinski, Alexej von Jawlensky in Marianne von Werefkin ter nemški umetniki Franz Marc, August Macke in Gabriele Munter.
Slika Kandinskega je bila izbrana za soimenjaka skupine zaradi upodobitve figure na konju iz resničnosti v duhovno in čustveno kraljestvo, zato so umetniki Der Blaue Reiter bili so navdušeni nad upodabljanjem duhovne plati in ne fizične.
Čeprav so bili njegovi slogi različni, kot kažejo njegove produkcije, sta v njegovih delih prevladovala zanimanja za primitivizem in čustveno pokrajino. Zelo različno avtorja Die Brucke, Modri jezdec bil je velika sila v razvoju abstraktnega ekspresionizma.
Ekspresionizem in abstraktna umetnost zavračata realizem, poskušata ves čas prenesti čustva, ekspresionizem pa ohranja smisel za obliko in simboliko, abstraktna umetnost pa opušča prepoznavne podobe.
Der Blaue Reiter te ideje je združil in ustvaril povsem novo vejo ekspresionizma, ki je še vedno zelo vplivna na sodobno umetnost. Ko se je začela prva svetovna vojna, Most y Der Blaue Reiter so razpadli, a njihova zapuščina živi naprej, saj ekspresionizem postaja vse bolj priljubljen in se še vedno izvaja v XNUMX. stoletju.
Korenine nemške ekspresionistične šole najdemo v delih Vincenta van Gogha, Edvarda Muncha in Jamesa Ensorja, od katerih je vsak v obdobju med 1885-1900 razvil zelo oseben slog slikanja.
Ti umetniki so uporabili izrazne možnosti barv in linij, pri čemer so raziskovali dramatične in čustveno nabite teme, z namenom, da bi prenesli lastnosti strahu, groze in groteske ali pa preprosto proslavili naravo z osupljivo intenzivnostjo. Prekinili so s številnimi shemami, niso dobesedno predstavljali narave, da bi izrazili bolj subjektivne perspektive ali duševna stanja.
Nemški ekspresionisti so kmalu razvili slog, ki je opazen po svoji ostrini, drznosti in vizualni intenzivnosti. Uporabili so nazobčane in popačene linije, hitro in ostro delo s čopičem, da ne omenjamo motečih barv, ki so jim pomagale upodabljati mestne ulične prizore in druge sodobne teme v živahnih, natrpanih kompozicijah, ki so znane po svoji nestabilnosti in čustveno nabitem vzdušju.
Umetniki, ki pripadajo skupini, znani kot Der Blaue Reiter, včasih veljajo za ekspresioniste, čeprav je njihova umetnost na splošno lirična in abstraktna, manj odkrito čustvena, bolj harmonična in se bolj ukvarja s formalnimi in slikovnimi problemi kot umetniki Die Brücke.
Ekspresionizem je bil tudi v Nemčiji prevladujoč slog v letih takoj po prvi svetovni vojni, kjer je ustrezal povojnemu vzdušju cinizma, odtujenosti in razočaranja. Nekateri kasnejši izvajalci gibanja, kot sta George Grosz in Otto Dix, so razvili ostrejšo, bolj družbeno kritično mešanico ekspresionizma in realizma, znano kot Neue Sachlichkeit (Nova objektivnost).
v XNUMX. stoletju
Kot je razvidno iz oznak, kot sta abstraktni ekspresionizem in neoekspresionizem, so spontane, instinktivne in zelo čustvene lastnosti ekspresionizma delile različna kasnejša umetniška gibanja XNUMX. stoletja.
Ekspresionizem velja bolj za mednarodni trend kot za skladno umetniško gibanje, ki je bilo še posebej vplivno v začetku XNUMX. stoletja. Pokriva več področij: umetnost, literaturo, glasbo, gledališče in arhitekturo.
Ekspresionistični umetniki so želeli izraziti čustveno izkušnjo in ne fizično resničnost. Znane ekspresionistične slike so Krik avtorja Edvarda Muncha, Modri jezdec Vasilija Kandinskega in Ženska sedi z dvignjeno levo nogo avtorja Egon Schiele.
Upad gibanja
Propad ekspresionizma je pospešila nedorečenost njegovega hrepenenja po boljšem svetu, njegova uporaba zelo poetičnega jezika in na splošno zelo osebna in nedostopna narava njegove predstavitve. Številni ekspresionistični umetniki so izgubili življenje med prvo svetovno vojno ali kot posledica nje zaradi travm in bolezni. Tako je bilo s Franzom Marcom, ki je umrl leta 1916, in Egonom Schielejem, ki je umrl med epidemijo gripe leta 1918, mnogi drugi so si vzeli življenje, potem ko so se zrušili pod travmami vojne.
Delna ponovna vzpostavitev stabilnosti v Nemčiji po letu 1924 in rast odkrito političnih stilov, na katere je močno vplival socialni realizem, sta pospešila upad gibanja v poznih dvajsetih letih prejšnjega stoletja.
Ekspresionizem je dokončno umrl z vzponom nacistov, ki so prišli na oblast leta 1933 in delo skoraj vseh ekspresionistov označili za degenerirano in vulgarno. Njihovo preganjanje in nadlegovanje je bilo intenzivno in pretirano, kar je tem eksponentom prepovedalo razstavljanje, objavljanje in celo delo, od katerih je večina odšla v izgnanstvo v ZDA in druge države kot bolj drastičen ukrep.
To je bil konec dobe nemškega ekspresionizma, ki je zamrl z nacistično diktaturo in je bil odgovoren za označevanje neštetih umetnikov tistega časa, vključno s Pablom Picassom, Paulom Kleejem, Franzom Marcom, Ernstom Ludwigom Kirchnerjem, Edvardom Munchom, Henrijem Matissejem, Vincentom van Gogh in Paul Gauguin kot degenerirana umetnika, ki svoja ekspresionistična umetniška dela odstranita iz muzejev in jih zlorabo zaplenita.
Vendar pa je ekspresionizem še naprej navdihoval in živel v poznejših umetnikih in umetniških gibanjih. Abstraktni ekspresionizem se je na primer razvil kot glavno avantgardno gibanje v povojni Ameriki v 1940-ih in 1950-ih. Ti umetniki so se izogibali figuraciji in so namesto tega raziskovali barve, kretnje s čopičem in spontanost v svoji umetnosti.
Kasneje, proti koncu sedemdesetih in začetku osemdesetih let prejšnjega stoletja, se je začel razvijati neoekspresionizem kot reakcija na konceptualno in minimalistično umetnost tistega časa.
Neoekspresionisti so se močno opirali na predstavnike nemškega ekspresionizma, ki so bili pred njimi, in pogosto grobo upodabljali predmete z ekspresivno čopičem in intenzivnimi barvami. Najbolj ikonični umetniki tega gibanja so Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl in David Salle.
V svetu
Ekspresionizem je zapleten in obsežen izraz, ki je v različnih časih pomenil različne stvari. Ko pa govorimo o ekspresionistični umetnosti, se mnogi osredotočajo na umetniško smer, ki je nastala kot odgovor na impresionizem v Franciji ali gibanje, ki ugleda luč v Nemčiji in Avstriji na začetku dvajsetega stoletja. Izraz je tako elastičen, da lahko sprejme umetnike, od Vincenta van Gogha do Egona Schieleja in Wassilyja Kandinskega, ki razstavljajo na zelo posebne načine v vsaki državi.
francoski ekspresionizem
V Franciji so bili glavni umetniki, ki se pogosto povezujejo z ekspresionizmom, Vincent van Gogh, Paul Gauguin in Henri Matisse. Čeprav sta bila Van Gogh in Gauguin dejavna v letih pred tem, kar velja za glavno obdobje ekspresionizma (1905-1920), ju vsekakor lahko štejemo za ekspresionistična umetnika, ki sta slikala svet okoli sebe ne preprosto tako, kot se je zdelo, ampak iz globoke subjektivne človeške izkušnje.
Matisse, Van Gogh in Gauguin so uporabljali ekspresivne barve in sloge čopiča za prikaz čustev in izkušenj, pri čemer so se oddaljili od realističnih upodobitev svojih subjektov in se osredotočili na to, kako so se počutili in dojemali.
nemški ekspresionizem
V Nemčiji je ekspresionizem še posebej povezan s skupinama Brücke in Der Blaue Reiter, kot je navedeno zgoraj. Nemško ekspresionistično gibanje so navdihnili misticizem, srednji vek, primitivna doba in filozofija Friedricha Nietzscheja, čigar ideje so bile takrat izjemno priljubljene in vplivne.
Der Brücke je bil ustanovljen v Dresdnu leta 1905 kot boemski kolektiv ekspresionističnih umetnikov, ki so nasprotovali meščanski družbeni ureditvi v Nemčiji. Štirje ustanovni člani so bili Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel in Karl Schmidt-Rottluff, od katerih nobeden ni prejel formalne umetniške izobrazbe.
Izbrali so njegovo ime Der Brücke, da bi opisali svojo željo, da bi zgradili most med preteklostjo in sedanjostjo. Ime je navdihnilo odlomek iz knjige Tako je govoril Zaratustra Friedricha Nietzscheja. Umetniki so poskušali pobegniti iz zadušljivega sodobnega življenja srednjega razreda z raziskovanjem intenzivnejše uporabe barve, neposrednega in poenostavljenega pristopa k obliki in svobodne spolnosti v svojem delu.
Der Blaue Reiter sta leta 1911 ustanovila Wassily Kandinsky in Franz Marc in sta se soočena z naraščajočo odtujenostjo, ki sta jo doživljala zaradi modernizacije sveta, skušala preseči vsakdanje z zasledovanjem duhovne vrednosti umetnosti.
Poleg tega je bil njegov cilj podiranje meja in mešanje otroške umetnosti, ljudske umetnosti in etnografije. Ime Der Blaue Reiter je povezano s ponavljajočo se temo Jezdeca na konju iz obdobja Kandinskega v Münchnu, pa tudi z ljubeznijo Kandinskega in Marca do modre barve, ki je zanju imela duhovne lastnosti. Glavni umetniki, povezani z Der Blaue Reiter, so Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin in Macke.
avstrijski ekspresionizem
Egon Schiele in Oskar Kokoschka sta vodilni osebnosti avstrijskega ekspresionizma, nanje pa je še posebej vplival njun predhodnik Gustav Klimt, ki je prav tako sodeloval pri zagonu njune kariere z razstavami, ki jih je ustvaril, na katerih je predstavil najboljše v sodobni avstrijski umetnosti.
Oba ekspresionistična umetnika sta v poznem devetnajstem in začetku dvajsetega stoletja živela v nasprotujočem mestu Dunaju, kjer sta moralna represija in spolna hinavščina odigrala pomembno vlogo pri razvoju ekspresionizma.
Schiele in Kokoschka sta se izogibala temu, kar sta videla kot laž in moralno hinavščino, ter upodabljala teme, kot so smrt, nasilje, hrepenenje in seks. Kokoschka je postal znan po svojih portretih in sposobnosti, da razkrije notranjo naravo svojih subjektov, Schiele pa po svojih ostrih, skoraj brutalno iskrenih upodobitvah spolnosti, ki so bile videti kot odmaknjene in obupane.
norveški ekspresionizem
Drug pomemben umetnik tistega časa, ki je imel velik vpliv na nemško in avstrijsko ekspresionistično sceno, je bil Norvežan Edvard Munch, znan na Dunaju po razstavah Secesija in Kunstschau leta 1909.
Veljal je za najvišjega predstavnika svoje države v tem gibanju in njegovega ključnega predhodnika. Munch, ki je tesno povezan s simboliko, je najbolj znan po Kriku, tej sliki figure na mostu, pri kateri sonce zahaja za njim in se zdi, da izpušča obupni krik, ki cedi kri, kar kaže na umetnikov nemiren duh.
Ikonična ekspresionistična dela
Tako kot v drugih umetniških gibanjih ima tudi ekspresionizem svoje pomembne figure, ki so v svojem času zaznamovale prej in potem ter ustvarjale edinstvene in nesmrtne umetniške vzorce, kot so predstavljeni spodaj:
Krik Edvarda Muncha (1893)
To serijo slik, znane kot Krik (Skrik), je navdihnila trenutna izkušnja, ki jo je njen ustvarjalec E. Munch doživel, ko je bil v Franciji, od katerih je najbolj znana trenutno v Narodni galeriji Norveške in je bila dokončana leta 1893. Po njegovih lastnih besedah:
Z dvema prijateljema sem hodil po cesti. Sonce je začelo zahajati. Začutila sem kanček melanholije. Nenadoma je nebo postalo krvavo rdeče. Ustavil sem se, se, smrtno utrujen, naslonil na ograjo in pogledal goreče oblake, ki so kot kri in meč viseli nad modro-črnim fjordom in mestom.
Moji prijatelji so še naprej hodili. Stal sem tam in se tresel od strahu. In začutil sem močan in neskončen krik, ki je prodrl v naravo. Ekspresionizem, Ashley Bassie, str.69
Figura prenaša strah, obup, njen krik jo popolnoma obdaja in gre tako skozi okolje kot skozi misli tistih, ki jo opazujejo. Slika je v ekspresionističnem slogu izdelana v olju, temperi in pastelu na kartonu, v velikosti 91 x 74 centimetrov.
Der Blaue Reiter, Wassily Kandinsky (1903)
Der Blaue Reiter ali Modri jezdec je eno prvih ekspresionističnih del Kandinskega, ki ga občudujejo zaradi neverjetnega ravnanja z barvo in svetlobo, velja za most med postimpresionizmom in ekspresionizmom. Predstavlja konjenika, oblečenega v modro barvo, ki galopira po poljih. Ime tega dela je bilo uporabljeno tudi kot ime skupine ekspresionističnih umetnikov, ki jo je leta 1911 ustanovil njen avtor in Franz Marc.
Modri jezdec je morda najpomembnejši umetniški prikaz Kandinskega zgodnjega XNUMX. stoletja, preden je popolnoma razvil svoj abstraktni slog. Slika ponazarja jezdeca, oblečenega v modro, jezdi skozi zelenkasto rjavo.
Abstrakcija slike je namerna in mnoge likovne teoretike pripelje do tega, da na sliki poustvarijo svoje osebne predstave, kjer so nekateri celo videli otroka v naročju modrega jezdeca. Dovoliti gledalcem, da se vključijo v umetniško delo, je bila tehnika, ki jo je slikar pogosto in uspešno uporabljal v svojih poznejših delih, ki so postajala vse bolj abstraktna z napredovanjem njegove kariere.
Modri konji Franza Marca (1911)
Franz Marc je bil eden od ustanovnih članov Der Blaue Reiter, umetnika, ki je za mnoge dal čustveni in psihološki pomen barvam, ki jih je uporabljal pri svojem delu, ter ustvaril dela velikih barv in bogastva.
Modro je uporabljal zelo pogosto, predvsem za predstavljanje moškosti in duhovnosti, fascinirali so ga tudi živali in njihov notranji svet, pri čemer so se med seboj obnašali na globoko čustven način.
Sedeča ženska z dvignjenimi nogami (1917) Egona Schieleja
Egon Schiele je leta 1917 naslikal svojo ženo Edith Harms in jo upodobil, kako sedi na tleh in nasloni lice na levo koleno. Njegovi ognjeno rdeči lasje so v nasprotju z zeleno barvo njegove srajce, saj veljajo za drzen in sugestiven portret, z zelo dobro opredeljenimi in drznimi erotičnimi odtenki za ta čas. Za avtorja tega akvarela je bila značilna erotika kot ena glavnih tem v svojem delu.
pionirji ekspresionizma
Čeprav številni poznavalci tega področja trdijo, da ekspresionizem ni bil nikjer bolje izpeljan kot v Nemčiji, so v desetletju pred prvo svetovno vojno številni umetniki ustvarili kopico nepozabnih podob in pionirskega ekspresionizma, ki so se kot taki spominjali vse do naših dni:
Van Gogh (1853-90)
Ta izjemni slikar uteleša ekspresionizem z najrazličnejšimi avtobiografskimi deli, ki s kompozicijo, barvami in vsakim potezom čopiča gledalcu povedo njegove ideje, občutke in predvsem duševno ravnovesje. Njegove slike so bile odsev njegovih občutkov, ko jih je nastajal, in od takrat je malo umetnikov, ki bi se njegovi intenzivnosti in izvirnosti, v smislu samoizražanja, enakovredni ali približali.
Njegov oče, rojen v zelo religiozni družini, je bil protestantski minister, že od malih nog je kazal izjemen talent za risanje, vendar je šele veliko pozneje, pri približno 27 letih, končno sledil svojemu pravemu poklicu. umetnik.
Leta 1878 je izkazal svoj duhovniški poklic, začel študirati teologijo, vendar zaradi pretirano mistične odločenosti iti po Kristusovih stopinjah ni diplomiral. Njegova želja po reševanju duš in pomoči revnim ga je pripeljala do dela kot evangelist na enem najrevnejših rudarskih območij v Belgiji, iz katerega so ga leta 1880 izgnali.
Hkrati se je odločil za slikarsko kariero, kar se je začelo z moralno in finančno podporo brata Thea, s katerim se je neprekinjeno dopisoval vse življenje. Njegov glavni vir navdiha so bili odlomki iz Svetega pisma in dela Émila Zole, Victorja Huga in Charlesa Dickensa ter slike Honoréja Daumiera in predvsem realizem Jean-Francoisa Mija. Svoje delovno življenje je začel kot uslužbenec umetniške galerije Goupil.
Van Gogh je doživel bolečino in žalost, ki ju je prinesel svet, ki ga je zelo ljubil, a si nikoli ni mislil, da je prejel isto. Kot reakcijo na ta nenehni občutek je z umetnostjo ustvaril svoj svet, v katerem ne bo manjkalo barv in gibov, kjer izpostavi vsa svoja čustva in tako postal eden velikih ekspresionističnih slikarjev XNUMX. stoletja. Njegov edinstven slog ekspresionističnega slikarstva je mogoče videti v muzeju Van Gogh v Amsterdamu in muzeju Kroller-Muller v Otterlu.
Paul Gauguin (1848-1903)
Če je Van Gogh popačil obliko in barvo, da bi izrazil svoja notranja čustva, se je ta francoski umetnik zanašal na barvo predvsem za izražanje svojih čustev. Uporabljal je tudi simboliko, vendar je bila njegova barva v barvi tista, ki ga je resnično ločila. Rojen v Parizu med revolucijo leta 1848 je bil sin liberalnega novinarja, ki je po državnem udaru leta 1851 pobegnil v izgnanstvo in s seboj vzel svojo družino.
Vendar je umrl na poti, v Panami, ko se je družina odpravila v Limo v Peruju, kjer se štiri leta preživljajo sami. Gauguinova mati je bila hči francoske socialistične pisateljice in aktivistke Flore Tristán, čeprav so bili njeni predniki perujski plemiči.
Pomembno je omeniti, da je mladega Gauguina že od otroštva zaznamovala domiselno in mesijansko vzdušje njegovega družinskega kroga, ki je skozi celotno kariero dokazovalo, da bodo barve in podobe Peruja močno vplivale. Pri 7 letih se je družina vrnila v Francijo in se preselila v Orleans, da bi živela pri njegovem dedku. V mladosti je delal kot vajenec pilota v trgovski mornarici, plul med Južno Ameriko in Skandinavijo, v Parizu in spodbujan od botra je začel zelo uspešno kariero pri borznem posredniku Bertinu.
Toda Gauguin se je za umetnost zanimal že od malih nog in v prostem času je začel slikati. Njegov boter Arosa je bil nekaj kot zbiralec umetnin in njegov zgled ter prijateljstvo, ki ga je Gauguin vzpostavil z impresionistom Camille Pissarro, sta tega ljubitelja spodbudila, da je obiskoval umetniške galerije in kupoval dela nastajajočih umetnikov, vključno s številnimi impresionističnimi slikami.
Obiskal je zdaj slavno impresionistično razstavo leta 1874 v Parizu in bil tako navdihnjen, da se je odločil postati redni umetnik, zato je ljubiteljsko začel slikati in kipariti. Delal je z Bouillotom in slikal v slogu Bonvina in Lepine. Leta 1876 je v Salonu razstavil sliko.
Nanj je še posebej vplival Pissarro, ki mu je pomagal pri njegovih slikarskih začetkih in ga spodbujal k iskanju sloga, ki ustreza njegovemu temperamentu. Pissarro ga je seznanil s Cézannom in njegov slog ga je tako očaral, da se je Cézanne začel bati, da bi mu ukradel ideje.
Trije moški so nekaj časa delali skupaj v Pontoiseu, a ko je njegova umetnost napredovala, se je Gauguin odločil, da se preseli v svoj atelje in sodeloval pri impresionističnih razstavah leta 1881 in 1882. Njihov uspeh in finančna kriza sta ga pripeljala do tega, da je opustil kariero. posel leta 1883, da se v celoti osredotoči na slikarstvo.
Leta 1885 je odšel živeti v Pont-Aven v Bretanji, kjer je ustvaril nov slog, saj ni bil zadovoljen z mejami impresionizma in je želel izraziti notranje stanje in ne površnega videza.
Ta novi slog je zahteval delo bolj iz spomina in notranjih podob, ne pa iz narave, kar je prekinilo z impresionistično teorijo. To je postala Gauguinova največja inovacija in prispevek k likovnemu slikarstvu, ki uporablja živo barvno paleto za izražanje čustev in ne odražanja naravnih tonov. Poleg ekspresionizma je med bivanjem v Pont-Avenu vplival tudi na razvoj sintetizma in kloisonizma.
Edward Munch (1863-1944)
Še en velik pionir ekspresionizma je bil temperamentni in nevrotični norveški slikar in grafik, ki je kljub velikim čustvenim brazgotinam v svojem zgodnjem življenju uspel preživeti tudi svoja 80. leta. Skoraj vse njegove najboljše slike so bile naslikane pred njegovim živčnim zlomom leta 1908.
Rojen v Lotenu na Norveškem, sin zdravnika, je imel življenje polno težkih trenutkov. Ko je bil umetnik star pet let, je njegova mati umrla za tuberkulozo, boleznijo, ki ji je nekaj let pozneje podlegla tudi njegova starejša sestra.
Ti prvi tragični dogodki so v prihodnosti naredili smrt sestavni del njegove umetnosti. Spremljal ga je spomin na umirajoče telo ob blazini, ob postelji medla luč in neživi kozarec vode ter avtoritarnega očeta, ki je svojim otrokom neskončno ponavljal, da bodo, če bodo grešili, brez usmiljenja obsojeni v pekel. mnogo let..
Ob tem scenariju in pričakovano je družina zelo trpela. Eni od mlajših sester so že v mladosti diagnosticirali duševno bolezen, sam Munch pa se je pogosto počutil bolan. Od njegovih petih bratov se je le eden poročil, a je umrl nekaj mesecev po poroki.
Leta 1881 se je Munch pridružil Kraljevi šoli za umetnost in oblikovanje v Kristianindu in se učil modeliranja in risanja. Njegova učitelja in zgodnji vpliv sta bila norveški kipar Julius Middelthun in naravoslovni slikar, avtor in novinar Christian Krohg.
Čeprav je Munch v študentskem življenju slikal tradicionalne predmete, je hitro odkril svoj edinstven slog. Leta 1882 je z nekaj drugimi umetniki najel svoj atelje in čeprav iz tega obdobja ni ostalo veliko njegovih del, so zelo cenjena znana, na primer Jutro (1884).
Ta umetnik je vse svoje delo zapustil mestu Oslo, zbirko, ki jo sestavlja več kot tisoč slik, petnajst tisoč gravur in štiri tisoč risb in akvarelov. Leta 1963 se je v Oslu odprl Munch-Museet, muzej, ki hrani vsa njegova dela, in postal tudi prvi zahodni umetnik, ki je svoje slike razstavil v Narodni galeriji v Pekingu.
Leta 2004 so oboroženi roparji iz muzeja ukradli nekaj najbolj znanih Munchovih slik, Krik in Devica, a jih je policija nekaj let pozneje našla. Poleg Munchovega muzeja in Narodne galerije umetnosti v Oslu je veliko njegovih slik in grafik na ogled v najboljših umetniških muzejih v Evropi.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
Velik predstavnik ekspresionistične umetnosti, švicarski simbolistični slikar Ferdinand Hodler se je rodil v Bernu leta 1853 v družini, ki jo je močno prizadela revščina. Njegov oče je bil mizar in ko je mati umrla, se je ponovno poročil s slikarko in dekoraterko, ki ga je naredila za svojega vajenca, nato pa so ga poslali v Thun, da bi delal pri lokalnem umetniku. Njegova prva posebnost je bilo klasično krajinsko slikanje, čudoviti alpski razgledi, ki jih je prodajal turistom.
Pri 18 letih se je odločil spremeniti prebivališče in se sprehodil v Ženevo, mesto, kjer je preživel večino svojega odraslega življenja in kjer je začel kovati počasno kariero profesionalnega umetnika. Sčasoma so starši in bratje in sestre Ferdinanda Hodlerja umrli zaradi bolezni, situacij, ki so močno vplivale na umetnikovo življenje in kariero, kar odraža njegovo tesno povezanost s smrtjo v njegovih delih.
James Ensor (1860-1949)
Slikar, rojen v Ostendu v Belgiji, sin malih trgovcev, ki je že od malih nog čutil nagnjenost k umetnosti. Njegovi starši so imeli na tržnici trgovino, kjer so turistom ponujali spominke, kot so pustne maske in maske, pahljače, keramika, igrače in radovedni predmeti. Ekstravagantne pustne maske in antiobrazi, ki jih je Ensor kasneje uporabljal v svojih predstavah, so bile običajne značilnosti lokalnih druščin in parad na pustni torek.
Ko je bil star komaj petnajst let, se je začel izobraževati na področju umetnosti pri nekaterih lokalnih eksponentih, študiral je tudi na Kraljevi akademiji za likovno umetnost v Bruslju, kjer je okoli leta 1877 spoznal Fernanda Khnopffa. Delo je prvič razstavil leta 1881, pozneje se je vrnil na dom, kjer je živel do leta 1917, v očetovi hiši. Njegova prva dela razkrivajo precej klasičen in nekoliko temačen slog, kot ga lahko vidimo v Ruski glasbi, Veslaču in Pijancih.
Leta 1887 se je njegova paleta opazno posvetlila, sprememba, ki je sovpadla s smrtjo očeta alkoholika, njegovi subjekti so postali nekoliko nadrealni, odločili so se za slikanje karnevala, mask, okostnjakov in lutk, običajno oblečenih v kostume v svetlih in ekspresivnih barvah.
Dela Jamesa Ensorja so vplivala na dadaistično gibanje in nadrealizem, zlasti na delo Jeana Dubuffeta. Leta 2009 je Muzej moderne umetnosti v New Yorku, znan kot MoMA, organiziral veliko retrospektivo njegovega dela. Danes si lahko njegove slike ogledate v nekaterih najboljših umetniških muzejih na svetu, zlasti v Muzeju lepih umetnosti v Antwerpnu.
Ekspresionizem v drugih umetnostih
Ekspresionizem je bilo kulturno gibanje, ki je nastalo v Nemčiji konec XNUMX. stoletja in doseglo vrhunec v XNUMX. stoletju. Čeprav je bil ekspresionizem v slikarstvu veliko bolj cenjen, se je manifestiral tudi v drugih disciplinah, kot so literatura, kino, glasba, kiparstvo, fotografija, arhitektura itd.
ekspresionizem v glasbi
Medtem ko nekateri skladatelja Arnolda Schoenberga uvrščajo med ekspresionista zaradi njegovega prispevka k almanahu der Blaue Reiter, se zdi, da je glasbeni ekspresionizem svoj najbolj naraven izhod našel v operi. Med najzgodnejšimi primeri tovrstnih ekspresionističnih del so bile velike operne predstavitve Kokoschkine drame Paula Hindemitha Mörder, Hoffnung der Frauen (Morilec, žensko upanje) (1919) in Sancta Susanna Augusta Stramma (1922), ki je obravnavala vprašanje spolnosti.
Vendar sta najbolj opazni ekspresionistični operi Albana Berga: Wozzeck, izvedena leta 1925, in Lulu, ki je bila v celoti izvedena šele leta 1979, obe z globoko in značilno nagnjenostjo k dramatiki.
ekspresionizem v filmu
Mnogi umetniki, ki so pod močnim vplivom ekspresionistične odrske umetnosti, želijo v filmu z dekoracijo prenesti subjektivno stanje duha glavnega junaka. Najbolj znan od teh filmov je film Roberta Wiena, Kabinet dr. Caligarija (1920), v katerem norec pripoveduje svojo idejo in stališče, kako je prišel v azil. Napačne ulice in zgradbe na snemanju so projekcije lastnega vesolja, drugi liki pa so bili skozi ličenje in oblačila abstrahirani v vizualne simbole.
Gre za film, v katerem se vzbujajo grozljivka, grožnja, tesnoba in drama, osvetlitev senc in nenavadnih ansamblov je postala slogovni model ekspresionističnih filmov za več velikih nemških režiserjev.
Različica Paula Wegenerja Golem (1920), F. W. Murnau z Nosferatu: Simfonija groze (1922) in Fritz Lang z nemo produkcijo Metropolis (1927) med drugimi filmi predstavljata pesimistične vizije družbenega kolapsa ali raziskujeta zloveščo dvojnost človeške narave in njene sposobnosti pošastnega osebnega zla.
ekspresionizem v kiparstvu
V kiparstvu so ga sestavljale predvsem drastične spremembe v načinu izvajanja tradicionalnega kiparstva, ne pa v posebnem in enotnem slogu. Ekspresionizem je bil priljubljen tudi v kiparstvu, pri čemer sta bila znana eksponenta rezbarja po lesu Ernst Barlach in Wilhelm Lehmbruck. Okoli leta 1920 je to bolj kot karkoli izhajalo iz abstrakcionizma, v iskanju osvoboditve oblik, ki bi dale polnost umetniškemu izrazu.
Kar zadeva kiparstvo v abstraktnem ekspresionizmu, je bilo sestavni del gibanja tudi več kiparjev, med njimi David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois in Louise. Nevelson, ki velja tudi za pomembne člane gibanja.
Tako kot abstraktno ekspresionistično slikarstvo je tudi na kiparsko delo gibanja močno vplival nadrealizem in njegov poudarek na spontanem ali podzavestnem ustvarjanju. Abstraktno ekspresionistično kiparstvo je bolj kot izdelek zanimal proces, kar lahko oteži vizualno razlikovanje del samo o estetiki, zato je pomembno razmisliti, kaj ima umetnik povedati o njihovem procesu.
Primer so skulpture Davida Smitha, ki je želel izraziti dvodimenzionalne subjekte, ki do zdaj niso bili izdelani v treh dimenzijah. Za njegova dela lahko rečemo, da brišejo meje med kiparstvom in slikarstvom, pri čemer pogosto uporabljajo lepe in natančne vzorce namesto trdnih oblik, z dvodimenzionalnim videzom, ki je prelomil s tradicionalno idejo kiparstva v krogu.
ekspresionizem v literaturi
Ekspresionizem v literaturi je nastal kot inovativna reakcija na materializem, samozadovoljno meščansko blaginjo, družinsko prevlado v evropski družbi pred prvo svetovno vojno ter hitro mehanizacijo in urbanizacijo.
To je bilo prevladujoče literarno gibanje v Nemčiji med prvo svetovno vojno in takoj po njej. Ekspresionistični pisci so poskušali svoje ideje in družbeni protest prenesti z novim slogom.
Njihove skrbi so bile splošne resnice in ne posebne situacije, v svojih delih so raziskovali težave reprezentativnih simbolnih tipov in ne popolnoma razvitih individualiziranih likov.
Poudarek ni bil na zunanjem svetu, ki je zgolj orisan in prostorsko ali časovno komaj definiran, temveč na notranjosti, na duševnem stanju posameznika, zato je v ekspresionistični drami zanimanje evociranje razpoloženja.
Glavni lik ekspresionističnega dela pogosto izraža svoje gorje v dolgih monologih, izraženih v zgoščenem, eliptičnem in jedrnatem jeziku, ki raziskuje duhovno slabost mladosti, njihov upor proti starejši generaciji in različne politične ali revolucionarne rešitve, ki se nastajajo. iskali.so prisotni. Notranji razvoj glavnega junaka raziskujemo skozi vrsto ohlapno povezanih prikazov, med katerimi se upira tradicionalnim vrednotam in išče višjo duhovno vizijo življenja.
August Strindberg in Frank Wedekind sta bila pomembna predhodnika ekspresionistične drame, a prvo priznano ekspresionistično delo je bilo delo Reinharda Johannesa Sorgeja, der Bettler (Berač), napisana leta 1912 in prvič uprizorjena leta 1917. Drugi vodilni dramatiki v tem stavku so bili Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever in Reinhard Goering, ki so bili vsi Nemci.
Ekspresionistični slog v poeziji se je pojavil ob boku s svojim dramskim dvojnikom, v istem nereferenčnem slogu in raziskuje vzvišeno in čudovito liriko, podobno kot hvalnica. Ta poenostavljena poezija je z uporabo velikega števila samostalnikov, nekaj pridevnikov in neskončnih glagolov spremenila pripoved in opis ter poskušala priti do bistva občutka.
Med najvplivnejše ekspresionistične pesnike sodijo Nemci Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl in Else Lasker-Schüler ter češki pesnik Franz Werfel. Tema ekspresionističnih verzov je bila najbolj obravnavana groza urbanega življenja in apokaliptične vizije propada civilizacije.
Nekateri pesniki so bili zelo pesimistični in zadovoljni s posmehovanjem meščanskim vrednotam, drugi pa so se bolj ukvarjali s političnimi in družbenimi reformami ter odkrito izražali upanje na prihajajočo revolucijo. Zunaj Nemčije sta med dramatiki, ki so uporabljali ekspresionistične dramske tehnike, vključevala ameriška avtorja Eugene O'Neill in Elmer Rice.
ekspresionizem v arhitekturi
Ekspresionistična arhitektura je bila zasnovana in zasnovana za vzbujanje ekstremnih občutkov in čustev. Zgradbe, ustvarjene v tem slogu, so v tistem času izstopale in izstopale iz okoliških struktur.
Arhitekti so pogosto uporabljali nenavadne, popačene oblike in vključevali popolnoma izvirne gradbene tehnike, pri čemer so uporabljali materiale, kot so opeka, jeklo in steklo. Nekateri so dosegli velike uspehe in izstopali v svojem času, med katerimi lahko omenimo Walterja Gropiusa in Bruna Tauta, ki sta oblikovala impresivne ekspresionistične zgradbe.
Na žalost mnoge strukture niso bile nikoli zgrajene in obstajajo samo na papirju. Od tistih, ki so se lahko uresničili, so bili nekateri začasni, drugi pa niso preživeli do danes, vendar je danes, zlasti v Nemčiji, vidnih več presenetljivih primerov ekspresionistične arhitekture.
Slogi, ki jih navdihuje ekspresionizem
Ekspresionizem ni bil ravno enoten trend ali gibanje, saj je združeval najrazličnejše sloge in je posledično povzročil ali vplival na mnoga druga, prav tako zelo pomembna gibanja v umetnosti in kulturi.
Abstraktni ekspresionizem
Ko je New York zamenjal Pariz kot epicenter inovacij v sodobni umetnosti, se je ekspresionistični slog v zgodnjih štiridesetih letih prejšnjega stoletja ponovno rodil kot abstraktni ekspresionizem.
V Združenih državah se je okrepil s tako imenovanimi akcijskimi slikarji pod vodstvom Jacksona Pollocka in Willema De Kooninga ter slikarji barvnega polja, kot so Mark Rothko, Barnett Newman in Clyfford Still. Ta nova šola, veliko bolj abstraktna kot ekspresionistična, je imela malo oprijemljive povezave z ekspresionističnim slogom zgodnjega XNUMX. stoletja.
figurativni ekspresionizem
Čeprav je v povojni ameriški in evropski umetnosti prevladovala abstrakcija, je bil reprezentacijski ekspresionizem v Avstraliji še vedno priljubljen v 1940. in 1950. letih prejšnjega stoletja, kar ponazarjajo dela umetnikov, kot sta Russell Drysdale in Sidney Nolan.
Je tesno povezan s nordijskim in germanskim svetom, s koreninami v starodavnem svetu nemškega naroda in romantičnem gibanju devetnajstega stoletja. Poskusite predstaviti resničnost z drugačne in osebne perspektive
neoekspresionizem
Zadnji preporod ekspresionističnega gibanja se je zgodil v osemdesetih letih prejšnjega stoletja v ZDA, Veliki Britaniji, Nemčiji, Italiji in Franciji pod imenom neoekspresionizem. Njegovi glavni eksponenti, ki so ga obravnavali predvsem kot reakcijo na minimalizem in konceptualno umetnost sedemdesetih let prejšnjega stoletja, so vključevali:
- Philip Guston in Julian Schnabel (ZDA)
- Paula Rego in Christopher Le Brun (Velika Britanija)
- Neoekspresionistična šola, znana kot Neue Wilden (Novi fauvi), v katero so bili vključeni: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler in drugi. (Nemčija)
- Transavanguardia (Onkraj avantgarde) in predstavil umetnike, kot so Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria in Mimmo Paladino. (Italija)
- Figuration Libre, ki so ga leta 1981 ustanovili Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas in Herve de Rosa. (Francija)
Če vam je bil ta članek všeč, vas vabimo, da si ogledate še druge zelo zanimive na našem blogu: