V tem članku vam ponujamo vse pomembne informacije o Značilnosti barve, vam bomo povedali o vsem pomenu, ki ga je imelo slikarstvo v svetovni zgodovini, saj je za seboj pustilo številne sledi in številne zgodbe, zato morate ob opazovanju dragocene slike razmišljati o različnih značilnostih slikarstva. ta članek, ki vam bo všeč!
Značilnosti barve
Umetnost predstavljanja grafike z uporabo pigmentov, pomešanih z različnimi sintetičnimi ali organskimi vezivnimi snovmi, je tisto, kar poznamo kot slikanje. Za uporabo slikarske umetnosti morate imeti veliko znanja o barvni teoriji in slikovni kompoziciji. različne lastnosti barve, ki se uporablja.
Da bi lahko izvajali umetnost slikanja in risanja, je treba slikarsko prakso nenehno izvajati in to je izkoriščanje določene površine, kot je list papirja, platno, kos blaga, kos les, stena, v kateri bo poslikana, z določeno tehniko dobimo kompozicijo barv, oblik, risb, tekstur med drugim in tako oblikujemo umetniško delo, ki izpolnjuje nekatera estetska načela.
Tako je arhitekt in teoretik francoskega porekla André Félibien v XNUMX. stoletju na enem od svojih predavanj na Francoski akademiji potrdil hierarhijo žanrov, ki obstajajo v klasičnem slikarstvu, ki so "zgodba, portret, pokrajina, morja, rože in sadje"
V likovni umetnosti je slikarstvo eden najstarejših umetniških izrazov, ki obstajajo od sedmih, ki obstajajo, v znanosti o umetnosti in v estetiki je slikarstvo veljalo za univerzalno kategorijo in vključuje vse umetniške stvaritve, nastale na površinah. . Ena od kategorij, ki se uporabljajo pri različnih značilnostih slikanja, je vrsta uporabljene podpore ali uporabljeni material in trenutno podpore ali različne digitalne tehnike.
Pomembno je omeniti, da je v zgodovini slikarstva nekaj časa prevladovala religija oziroma verska umetnost. Obstaja veliko primerov te vrste slikarstva, od del, ki so bila naslikana s poudarjanjem mitoloških in verskih osebnosti, do prizorov, opisanih v Svetem pismu, kot je strop Sikstinske kapele v Vatikanu v Rimu. Tudi enaki naslikani prizori iz Budovega življenja, pa tudi različne naslikane podobe, ki odmevajo orientalsko versko temo.
Opredelitev slikarstva
Za opredelitev slikarstva in za pogovor o njegovih glavnih značilnostih slikarstva lahko rečemo, da gre za grafično predstavitev, ki uporablja vrsto pigmentov v kombinaciji z drugimi snovmi, bodisi organskimi ali sintetičnimi, za izvedbo umetniškega izraza. Znano pa je, da je umetnost slikanja nekoliko kompleksna, saj zahteva veliko slikarskih tehnik in metod, pa tudi risbo in vizualno kompozicijo umetnika ter način uporabe barvne teorije.
Z uporabo teh tehnik lahko slikar uporablja metode freskoslikarstva ali oljno slikarstvo. Toda slika lahko izpolnjuje različne tematske kriterije, pa tudi različne značilnosti zgodovinskega slikarstva ali različnih zgoraj omenjenih žanrov.
Našli boste tudi različne sloge slikarstva, kot sta prazgodovinsko in gotsko slikarstvo ter v katerem koli slikarskem obdobju, na katerega se sklicuje. Toda slike so umetniška dela, kot pravi Ernst Hans Josef Gombrich, v Avstriji rojeni britanski umetnostni zgodovinar:
»Nič ni narobe, če se navdušimo s krajinsko sliko, ker nas spominja na naš dom, ali v portretu, ker nas spominja na prijatelja, saj kot moški smo, ko gledamo umetniško delo, smo podvrženi spomin na množico stvari, ki v dobrem ali slabem vplivajo na naše okuse.
Gombrich, Zgodovina umetnosti (2002)«
Na enak način Arnold Hauser, umetnostni zgodovinar madžarskega porekla, potem ko je vse življenje študiral med Nemčijo in Italijo, opredeljuje koncept slikarstva takole:
"Razlagamo jih (slike) glede na lastne namene in težnje, jim prenašamo pomen, katerega izvor je v našem življenjskem slogu in miselnih navadah."
V Nemčiji rojeni filozof Ernst Bloch je v svoji knjigi, napisani leta 1918 z naslovom Duh utopije, pokaže svojo inteligenco za obrambo nefigurativne umetnosti in vzpostavi odnos s pojmovanjem utopičnega človeka, ki ima nerazkrito usodo, a je nezavedno prisoten v globinah človeka in v svoji knjigi potrjuje naslednje:
"Če bi bila naloga slikanja, da se postavimo pred oči zraka in dragocene prostranosti prostora in vsega drugega, bi bilo bolje, da gremo neposredno in svobodno uživamo v vsem tem."
Za druge zgodovinarje in predvsem gospoda Erwina Panofskyja so preučili vsebino več slik skozi njihovo obliko in vsebino, ki jo predstavljajo, izvedli so več študij, s katerimi so poskušali razumeti, kaj slika predstavlja za družbo, nato pomen, ki ga ima ta slika za opazovalec in končno opredeli pomen, ki ga ima slikanje za kulturo in religijo.
zgodovina slikarstva
V tem članku z naslovom Značilnosti slikarstva vam bomo malo povedali o zgodovini slikarstva. Tako, da imate potrebno znanje, saj se moramo pri zgodovini vrniti v čas prazgodovine in doseči sodobno dobo, ki vključuje vse upodobitve, ki so narejene z različnimi tehnikami, uporabljenimi v slikarstvu in umetniški risbi.
Vse to sovpada z zgodovino umetnosti v kulturnem in zgodovinskem kontekstu, pri analizi zgodovine slikarstva se moramo vrniti k slikam, ki so nastale kot stenske poslikave v različnih jamah, ki jih najdemo v pirenejskih regijah, ki pripadajo državi Španiji in Franciji ter delu sredozemske obale v tako imenovani levantinski umetnosti.
Obstajajo še druge slike, narejene v drugih delih Evrope, ki so nekoliko nižje, ki se nahajajo v naslednjih državah: Portugalska, Italija, v delu vzhodne Evrope in v severni Afriki. Obstajajo še druge zelo pomembne slike v zgodovini slikarstva, kot so jamske slike in so najstarejše, kar jih pozna človek.
V zgodovini slikarstva je jama Chauvet, ki se nahaja v Franciji, po mnenju zgodovinarjev z raziskavami omenjene jame je stara več kot 32 tisoč let in se nahaja v obdobju aurignacian in gravettian. Značilnosti poslikave v tej jami so bile, da so umetniki uporabljali oker glino, rdeč železov oksid in črni manganov dioksid.
V drugih jamah, ki prav tako izstopajo po različnih poslikavah, sta Altamira in Lascaux, na teh slikah so narisani nosorogi, mamuti, levi, bivoli, konji ali ljudje v lovski drži glede na živali. Tudi podobe, ki jih najdemo v papirusih in v različnih stenah egiptovskih grobnic iz 5 tisoč let pred Kristusom, so prizori vsakdanjega življenja te populacije in tudi njihove mitologije in verovanja.
Simboliziral bo tudi značilnosti in lastnosti te družbe z uporabo velikosti številk kot ranga družbe. Tako kot v starem Rimu je bilo normalno okrasiti ali barvati stene hiš in palač, trenutno je najbolj ohranjeno staro mesto Pompeji in mesto Herkulanum.
Ko so prišli v paleokrščansko dobo v katakombah so jih začeli okrasiti s slikanjem prizorov iz nove zaveze in predstavljanjem Jezusa kot dobrega pastirja, naslikali so figure z velikimi očmi, ki so ustvarile iluzijo, da gledajo gledalca. Ta slog je postal zelo občudovan in se je nadaljeval v bizantinski šoli v Carigradu.
Nato se romantično slikarstvo razvija med XNUMX. in XNUMX. stoletjem, na najzanimivejših območjih Evrope, ki se nahajajo na jugu Francije in na območjih Katalonije, čeprav so nastale slike različnih verskih tem, narejene v najvišjem delu cerkve in na velike stene, da so jih ljudje lahko opazovali, je bila ena izmed najbolj uporabljenih upodobitev pantokratorja, ki je podoba Jezusa iz Nazareta in Device Marije.
Začeli so izdelovati tudi slike, ki prikazujejo življenja svetnikov. V gotskem slikarstvu je bilo tudi religiozno slikarstvo, ki pa je predstavljalo teme posvetnega izvora, vendar je bilo večjega deleža v državah Italije in Francije, kjer je bil najpomembnejši slikar Giotto, ki je deloval kot zidar in arhitekt florentinskega porekla.
V dobi renesanse je imelo klasično slikarstvo veliko vlogo pri vplivanju na napredek družbe, takrat se je razvila linearna perspektiva in proučevala se je človeška anatomija z uporabo slikarstva kot opore, ki je ena najpomembnejših značilnosti slikarstva. je bila uporaba oljne tehnike.
V tem času so bili veliki slikarji, ki so bili prepoznani po svojem znanju in slikarskih tehnikah, ki so jih uporabljali, med najbolj izstopajočimi so bili Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael Sanzio in Tizian. Po značilnostih slike izstopajo v delu, ki ga je pri izdelavi izvedel Leonardo Da Vinci Mona Lisa, ki je znan tudi kot Mona Lisa, No, uporabljam metode chiaroscuro in sfumato.
Arhitekt in kipar Michelangelo je eno najpomembnejših del izdelal s poslikavo stropa Sikstinske kapele, ki je znana kot eno velikih del renesanse, poleg tega so številni umetniki uporabljali simbolne teme, med katerimi so tudi tiste iz severne Evrope, med drugim vključujejo brata Jan van Eyck in Hubert van Eyck. V Nemčiji je izstopal slikar in humanist Dürer.
Medtem ko se je tako imenovana protireformacijska cerkev oziroma reforma katoliške cerkve, s katero se je želel zoperstaviti protestantizmu, skušala izkoristiti versko umetnost in to doseči, je uporabljal umetne konvencije manieristov, ki so prevladovali v umetnosti med XNUMX. in XNUMX. stoletja, vendar so bile v tem času značilnosti slike, ki so jo uporabljali, zavračanje pravil in svobode kompozicije oblik in barv, vendar je bila uporabljena novost karavaggistov.
Ti so uporabili radikalni naturalizem, kjer so uporabili kombinacijo fizičnega opazovanja za detajliranje vsega, kar je bilo treba poudariti, in sliko naredili za gledališko in dramsko umetnost, ki je medialna uporaba tehnike chiaroscuro. No, uporabil je senco in svetlobo, v tej umetnosti izstopata Caravaggio in Annibale Carracci, dva slikarja, ki sta bila sodobna in zelo pomembna v slikovni konformaciji baročne umetnosti.
Ena najbolj izstopajočih značilnosti baročnega slikarstva je dinamika kompozicij, ki sta jih ustvarila slikarja Rubens Rembrandt in Velázquez. V prvi polovici XNUMX. stoletja se je uveljavilo rokoko umetnostno gibanje, ki je bilo bolj praznično in veselo od baročne umetnosti in je bilo splošno sprejeto v državah Francije in Nemčije.
Kulturno gibanje romantike, ki se je začelo v začetku XNUMX. stoletja, je izražalo razpoloženja in velika intenzivna čustva, vendar je bil v Franciji najbolj izstopajoči slikar Delacroix, v ZDA izjemen slikar Thomas Cole, v Združenem kraljestvu United sta zastopala Constable in Turner, v Španiji pa je bil slikar Francisco de Goya.
Sredi XNUMX. stoletja je bila izumljena fotografija in slikarstvo je začelo izgubljati zgodovinski cilj, ki ga je imel do tedaj z zagotavljanjem najbolj realističnih podob, takrat se je pojavilo umetniško gibanje impresionizma, ki ga je predstavljal slikar francoskega porekla po imenu Edouard Manet. ki je bil predhodnik tega gibanja, ki je to omogočil na podlagi ohlapnih potez čopiča in razmerja barv, ki ga je uporabil za ustvarjanje bolj realistične podobe, vendar ne da bi posvečal veliko pozornosti najbolj specifičnim detajlom.
V XNUMX. stoletju značilnosti slikarstva bolj izstopajo zaradi raznolikosti slikovnih tokov, med katerimi imamo fauvizem, ki je znan tudi kot fauvizem in je slikarsko gibanje, ki se je rodilo v Franciji in se nato razširilo v več držav in je bilo za katero je značilno zavračanje tradicionalnih barv in uporaba nasilnih ali zelo vpadljivih barv.
Kulturno gibanje, imenovano ekspresionizem, se je rodilo tudi v Nemčiji, vendar se je odražalo na različnih področjih likovne umetnosti, kot so plastika, arhitektura, literatura, glasba, kino, gledališče, ples, fotografija itd. Zanj je bilo značilno, da je občutek občutil več kot zvest produkt resničnosti.
Podobno se je kubizem rodil kot umetniško gibanje med letoma 1907 in 1924, ki sta ga ustvarila Pablo Picasso in Georges Braque, sledili pa so mu umetniki Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard in Guillaume. Apollinaire je bilo gibanje, ki temeljila na izdelavi slik v obliki majhnih kock. Izdelava tridimenzionalnih slik postane dvodimenzionalne slike.
Abstraktno slikarstvo je podedovano iz tega kulturnega gibanja kubizma, ki je oblika abstraktnega ekspresionizma, ki se je razvila v New Yorku med 1940-imi in 1950-imi.
Nato se v Združenem kraljestvu pojavi Pop art, umetniško gibanje, ki se zgleduje po estetiki vsakdanjega življenja in takratnih potrošniških dobrinah. No, naredili so se oglasi, ki so reklamirali kakšno pijačo ali hrano. Kot njegov glavni predstavnik Andy Warhol.
Končno se v XNUMX. stoletju pojavlja minimalizem, ki je trend, kjer je vse reducirano na bistveno oziroma se znebiti odvečnih elementov in izdelati značilnosti slik z uporabo minimalnih estetskih sredstev. Medtem ko se v XNUMX. stoletju oblikuje ideja pluralizma, se danes uporablja veliko različnih stilov in estetike.
Umetniške zvrsti, ki se uporabljajo v slikarstvu
Med umetniške zvrsti, ki obstajajo in bodo razvrščene po temah, ki so bile uvrščene skozi zgodovino slikarstva, ki so vplivale na tehniko, dimenzije, slog in izraz, ki ustvarja umetniško delo. Avtorji, kot so Platon (427-347 pr.n.št.), Aristotel (384-322 pr.n.št.) in Horacij (65-8 pr.n.št.), so potrdili, da je umetnost mimezis.
"Koncept, ki ga uporabljajo ti avtorji in tako imenujejo posnemanje narave bistveni namen umetnosti"
Za ta koncept je zasluga uporaba didaktične vrednosti, ki jo ima in predstavlja dobro predstavo, vendar ne sme delati razlik med portretom, ki ga naredi domišljija, in resničnim portretom. Arhitekt Marco Vitruvio Polión sredi XNUMX. stoletja, ki je začel krasiti jedilnice, kjer so opazovane podobe z različnimi jedmi, v drugih prostorih pa so nastajale pokrajine in mitološki prizori.
V renesansi je imel arhitekt Leon Battista Alberti idejo dvigniti stopnjo slikarskega obrtnika na raven liberalnega umetnika, pri čemer je celo izjavil, da je najpomembnejše delo, ki ga ima slikar, zgodovina, vendar arhitekt uporablja besedo zgodovina. nanašal na pripovedno slikarstvo, ki izvaja epske ali religiozne prizore, nato pa reči naslednje:
"Tista, ki prikazuje velika dejanja velikih mož, vredna spomina, se razlikuje od tistega, ki opisuje običaje zasebnikov, od tistega, ki prikazuje življenje kmetov. Prvi ima veličasten značaj, rezerviran naj bo za javne zgradbe in rezidence velikih, drugi pa bo primeren za vrtove.
V XNUMX. stoletju se je pojavilo oljno slikarstvo in zbiranje, čeprav se dejstvo o izdelavi velikih pripovednih stenskih poslikav ni izgubilo, je povzročilo tudi komercialne slike in različne bolj obvladljive formate. Na ta način so se začele razvrščati različne slikovne zvrsti in specializacija vsakega umetnika.
V Italiji se zgodovinsko slikarstvo nadaljuje in slikarji, ki so bili v severnem delu Italije, so izdelovali portrete, medtem ko so slikarji, ki so bili na Nizozemskem, začeli ustvarjati žanrske slike, vendar v manjšem obsegu, poleg tihožitja slikajo dela kmečkega življenja. in pokrajino.
Na ta način je leta 1667 arhitekt in teoretik André Félibien na določen način razvrstil žanre klasičnega slikarstva, to so zgodovina, portret, pokrajina, morja, rože in sadje.
Žanrsko slikarstvo: Imenuje se tudi žanrska scena, ta slika temelji na zasebnih navadah ljudi v njihovih vsakdanjih in sodobnih prizorih umetnika, znana je tudi kot slikarstvo kostumbrista. Najbolj priljubljene slike tega žanra so nastale na Nizozemskem v začetku XNUMX. stoletja.
Med najvidnejšimi umetniki tega žanra sta Pieter Brueghel starejši in Vermeer. Čeprav ni natančno znano, ali so bile narejene tako, da predstavljajo realnost ali pa z namenom, da bi opazovalce odvrnile od slik, ki so bile včasih zelo komične. Morda so imeli moralizirajoči namen z različnimi zgledi gledalcev.
Nedvomno pa so v žanrskem slikarstvu XNUMX. stoletja imeli v mislih vso satirično ali moralizatorsko namero situacije v različnih delih slikarjev Williama Hogartha ali Jean-Baptista Greuzea, medtem ko je v Španiji slikar Diego Velázquez je gojil žanrsko sliko, ki je uprizoril svoje delo Starica, ki cvrtje jajca in Seviljski vodonoša, na ta način slikar Francisco Goya.
portret: V hierarhiji žanrov, ki se uporabljajo v slikarstvu, portret zavzema pomemben, a dvoumen položaj, saj na eni način predstavljate ljudi po božji podobi, po drugi strani pa poskušajo poveličevati osebo zaradi nečimrnosti in tega, kar so storili v zgodovini. , saj so bili od nekdaj zastopani bogati in najvplivnejši ljudje.
Toda sčasoma so srednji sloji najemali slikarje, ki so upodabljali vse ljudi, ki so sestavljali družino, danes obstajajo portreti, ki nastanejo med družinami vladajočih, korporacijami, združenji in posamezniki.
Ko slikar nariše samega sebe, se temu reče avtoportret, eden najbolj znanih slikarjev v tem je bil Rembrandt, ki je naredil več kot sedemdeset avtoportretov. Na splošno umetnik naredi njegov bolj reprezentativen avtoportret, kot pravi Edward Burne-Jones, ki je angleški umetnik in oblikovalec, ki trdi, da:
"Edini izraz, ki je dovoljen v velikem portretu, je izraz značaja in moralne kvalitete, nič začasnega, minljivega ali naključnega."
V oljni tehniki, ki jo je uporabljal eden najboljših slikarjev severne Evrope v XNUMX. stoletju Jan Van Eyck, ki je bil eden tistih, ki je promoviral umetnost fotografiranja avtoportreta, je bil pomemben primer tega, ko je umetnik je naslikal Arnolfini Poroka, na tej sliki je slikar upodobljen s svojo nosečo ženo v celem telesu.
V času renesanse je bil predstavljen kot družbeni status in kot osebno uspešni ljudje, ki so bili portretirani, na ta način so izstopali številni umetniki, med njimi Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio in Durero.V Španiji Zurbarán, Velázquez in Francisco de Goya.
Tem skupinam so dodani tudi francoski impresionisti, ki so se ukvarjali tudi s tem žanrom, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne itd., v XNUMX. stoletju pa Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon ali Andy Warhol.
Zgodovinsko slikarstvo: Druga značilnost slikarstva je zgodovinsko slikarstvo, ki velja za odličen žanr v verskih, mitoloških, zgodovinskih, literarnih in alegoričnih slikah. V tej vrsti slikanja so prikazali osebno in intelektualno ali moralno življenje osebe, ki je bila naslikana. Sir Joshua Reynolds, ki je prišel razstavljat na Kraljevo akademijo umetnosti med letoma 1769 in 1790, je v enem od svojih govorov trdil naslednje:
»Veliki namen umetnosti je prebuditi domišljijo... Po navadi temu delu umetnosti pravim zgodovinsko slikarstvo, a naj se reče poetično. (...) V iskanju veličine svojega dela mora včasih odstopati od vulgarne in stroge zgodovinske resnice.
Potem je bil umetnik Nicolás Poussin francoskega porekla prvi slikar, ki je žanr zgodovinskega slikarstva naredil v manjšem formatu, vendar ta inovacija ni bila tako uspešna. Medtem ko je slikar Diego Velázquez leta 1656 končal svoje delo z naslovom Las Meninas, kjer opisuje družino Filipa IV., na veliki sliki, kjer je simbolično prikazano, da gre za portret kraljeve družine v žanru zgodovinskega slikarstva.
Po tem in s časom je slikar Pablo Picasso leta 1937 končal svoje znamenito delo z naslovom Guernica, za izdelavo te slike pa je uporabil veliko dimenzijo v žanru zgodovinskega slikarstva.
Pokrajina: V XNUMX. stoletju našega štetja najdemo slike z žanrom ali temo krajine v državah Kitajske in Japonske, saj se v Evropi pojavljajo pokrajine, vendar s poudarkom na pripovednih prizorih ali razpravah o farmaciji in botaniki.
Toda ta tema se zares začne v XNUMX. stoletju našega štetja, ko se začne zahtevati pojav zbirateljstva in različnih tem, posvečenih podeželskim slikam, in so slikarji severne Evrope označeni kot specialisti na tem področju, na ta način se žanr nizozemskih pokrajin je bil promoviran na bolj specifičen način. Da sem se osredotočil na slikanje nizkega obzorja in oblačnega neba.
Poleg tega so v tem žanru naslikali tipične nizozemske mline na veter, govedo in različne ribiške ladje. V beneških pokrajinah v Italiji, ki so jih naslikali Giorgio Barbarelli da Castelfranco in njegovi učenci, so te slike nastale z liričnim videzom in imajo čudovito barvno obdelavo.
Ta vrsta slikarstva se je razvila v XNUMX. stoletju, vendar so jo imenovali tudi vedutismo, saj je šlo za italijanski žanr, ki se je razvil v Benetkah, kjer so urbani pogledi na mesto predstavljeni podobno kot kartografski slog, saj so slike narejene panorame mesto.
Tam so opisani kanali, spomeniki in najbolj značilni kraji Benetk, včasih so bili naslikani sami ali s človeškimi figurami, najpomembnejši predstavniki tega žanra so bili Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi in Luca Carlevarijs.
V šoli Barbizon, kjer se imenuje kraj, kjer se nahajajo krajinarji, saj so bili to prvi liki, ki so slikali na prostem in delali študijo dela na prostem in osnova tega žanra je svetloba in njene številne različice predvsem vplivalo na impresionistično slikarstvo.
Mirno zivljenje: Je bolj reprezentativna zvrst posnemanja narave in neživih predmetov, ki so zastopani v vsakdanjem življenju, kot so sadje, rože, hrana, kuhinjski pripomočki, namizni pribor, knjige, nakit itd. Toda ena od značilnosti slike tega žanra je, da je manj literarna.
Začetek žanra tihožitja se pojavlja v antiki, kjer so ga uporabljali za okrasitev velikih dvoran za posebne dogodke, kot so rimske freske v Pompejih, je pisatelj Plinij starejši poročal, da so bili umetniki grškega izvora preteklih stoletij. najbolj vešča portretiranja in tihožitja.
Ta zvrst slikarstva je bila v zahodni umetnosti v XNUMX. stoletju našega štetja zelo pomembna, pomemben primer te zvrsti je slika z naslovom Mesarstvo Izdelal ga je španski slikar Joachim Beuckelaer. V istem stoletju sta slikarja Caravaggio in Annibale Carracci izdelala dela, ki predstavljajo veličastna tihožitja.
V sedemnajstem stoletju našega štetja je C. na Nizozemskem razvil vrsto kleti, ki se imenuje nečimrnost, Tam so začeli razstavljati vse vrste stvari, kot so glasbila, steklo, srebro in posoda, pa tudi nakit in simboli, kot so knjige, lobanje ali peščene ure, ki so služile kot moralizirajoče sporočilo minljivih čutnih užitkov.
Medtem ko je Francoska akademija to mesto kvalificirala z zadnjim mestom slikovne hierarhije. Toda prihod umetniškega gibanja impresionizma skupaj s številnimi značilnostmi slikarstva, tihožitje je spet normalna tema med slikarji in družbo, slike Van Goghovih Sončnic so ena najbolj razširjenih slik tega žanra.
Kubistični umetniki so začeli sestavljati tudi tihožitja, med katerimi izstopajo Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard in Juan Gris.
akti: pri tej temi je umetniška zvrst, kjer bo izstopala upodobitev človeškega telesa in je tudi ena od značilnosti slikarstva, v aktu. Šteje se za eno od akademskih klasifikacij umetniških del. Toda nekateri intelektualci to pogosto povezujejo z erotiko.
Toda žanr akta ima vedno različne interpretacije in številne pomene, od mitologije do religije in poudarjanja anatomske študije ali kot upodobitve lepote in estetskega ideala popolnosti, kot se je to dogajalo v stari Grčiji.
V umetniškem predmetu je bilo preučevanje popolnosti in upodobitve človeškega telesa vedno stalnica zgodovine umetnosti, od prazgodovine s skulpturo Willendorfske Venere do danes. Tema aktov je postala bolj reprezentativna v stari Grčiji, kjer je bil akt zasnovan kot popolnost in absolutna lepota.
Ta koncept se je v klasicistični umetnosti obdržal in segel v današnji čas in je v veliki meri pogojen z dojemanjem zahodne družbe do akta in umetnosti. V srednjem veku je njihov vpliv dosegel religijo, saj so temeljili na verskih temah in svetopisemskih prizorih, kar je upravičevalo ta žanr.
V renesansi se je pojavila nova kultura, imenovana humanistična, in je bila bolj antropocentrična, saj je človeka postavila v središče vseh stvari, s to novo doktrino pa je ponovno poživil vrnitev golega žanra v umetnost, vendar temelji na zgodovinskih in mitoloških. teme.. Vztrajnost pri verskih vprašanjih.
V XNUMX. stoletju našega štetja je žanr akta zaradi nastanka kulturnega gibanja impresionizma začel izgubljati svoj ikonografski značaj in naj bi ga po svojih estetskih lastnostih predstavljal kot čutna in erotična podoba, vendar v celoti referenčna.
slikarske tehnike
Da bi razložili značilnosti barv, se moramo opreti na najpogosteje uporabljene tehnike, od tega kako se pigmenti razredčijo in nanesejo na površino, kjer jih bomo barvali, ker če pigmenti niso topni v uporabljenem vezivu , v njem ostanejo razpršeni.. Med najpomembnejšimi tehnikami imamo:
Olje: Ena od značilnosti slike je uporaba olja, saj se za fiksiranje pigmenta uporabljajo različne vrste olj, za boljšo bistrost pa topilo, imenovano terpentin, saj je zelo hlapna tekočina. Oljno slikanje je v bistvu narejeno s pigmenti, ki se posušijo v prahu in nato zmešajo z ustrezno viskoznostjo z rastlinskim oljem, ki se uporablja, saj obstajajo olja, ki se sušijo počasneje od drugih in to z oksidacijo in ne z izhlapevanjem.
S to tehniko nastanejo plasti pigmentov, ki so vgrajeni v površino in zato je treba čase sušenja zelo skrbno nadzorovati, da je barva pravilno fiksirana v vsakem sloju barve, ki se nanaša na delo.umetniško.
Proces oksidacije daje umetniški bogastvo in globino barvam, ki so uporabljene iz uporabljenega suhega pigmenta, umetnik pa bo lahko spreminjal uporabljena olja in topilo, tako da lahko kakovost barve pokaže razpon barv in kakovosti od neprozornih do zelo prozornih ali od mat do sijajnih.
Zaradi tega in mnogih drugih razlogov umetniki iščejo najboljša olja in je najbolj prilagodljiv medij, ki ga vedno uporabljajo na najbolj priročen način, saj se oljna barva med sušenjem skoraj ne spreminja, na dolgi rok pa se začne obračati. rumenkasto, če ni ustrezno vzdrževan za opravljeno delo.
Čeprav lahko oljno slikarstvo prenese veliko zaporednih plasti, ki umetniku omogočajo uresničitev slikovnega koncepta, ustvarjenega v več plasteh, je na primer slikar Hilaire-Germain-Edgar de Gas ta postopek poimenoval kot vodnjak vendar počasen čas sušenja omogoča umetnikom, da odstranijo odvečno barvo in preidejo na celotne površine.
V testih, ki so bili opravljeni na različnih slikah z rentgenskimi žarki, so nam omogočili, da opazimo, da so veliki slikarski mojstri v procesu nastajanja umetniškega dela veliko spreminjali.
vosek: Pri tej tehniki, ki se skoraj vedno uporablja vroča, imenovana tudi enkavstična, kar pomeni graviranje v ognju, je tehnika, ki se uporablja z uporabo voska kot veziva pigmentov, pri mešanju s tem materialom ima več prekrivnih učinkov, saj vosek je bolj gost in kremast.
Voščeno poslikavo nanesemo z lopatico ali z vročim čopičem, po končani umetnini jo je treba polirati s potezami s platnenimi krpami na že namazanem sloju voska.
Da v tem primeru ne bo deloval kot vezivo, ampak za zaščito umetniškega dela, se ta operacija imenuje pri kavstizaciji, in to tehniko opisuje Marco Vitruvio Polión, ki je bil v življenju arhitekt in slikar, ki je živel med leti 75 pr.
"Na barvo morate namazati plast vročega voska in jo nato polirati s suhimi platnenimi krpami"
akvarel: Gre za sliko, ki je narejena na papirju ali kartonu, vendar je ena od značilnosti akvarelnega slikanja ta, da se razredči z vodo in barve postanejo bolj prozorne ali svetlejše, odvisno od količine porabljene vode. Poleg tega prenehate videti ozadje papirja, če je bel.
Ta vrsta poslikave je sestavljena z aglutiniranimi pigmenti in gumi arabico ali z medom, pri tem postopku se slika uporablja v več prozornih slojih, da se doseže največji sijaj in lahkotnost kompozicije, ki je narejena za oblikovanje slike. .
Za uporabo te tehnike se od umetnika zahteva veliko varnosti v potezah, ki jih dela, in veliko spontanosti pri izvajanju potez s čopičem, saj ima ta tehnika za glavno značilnost slikanja svojo prosojnost in svežino barv. ki se uporabljajo.
Obstaja tudi hiperrealističen akvarel, ki bo v nasprotju s prejšnjim postulatom, laki pa se uporabljajo za odstranjevanje prvih slojev, da dobijo zaporedne glazure in s tem bo v umetniškem delu dosežen zelo specifičen chiaroscuro, vendar z malo prosojnosti. uporabljene klasične tehnike akvarela.
tempera: poznan tudi kot gvaš Je tehnika, ki je zelo podobna akvarelu, vendar se razlikuje, ker nosi obremenitev industrijskega smukeca, ki je namerno dodan tako, da je pigment nekoliko bolj moten in ni prosojen v temperi, zaradi česar je ena glavnih značilnosti tempernega slikanja. in po tem se razlikuje od akvarela.
Na ta način se lahko nanašajo različni odtenki od najtemnejših do najsvetlejših, ta postopek v akvarelu pa velja za napačnega, tempera je zelo odličen medij za nanašanje na različne risbe in za suhe ali impasto poteze.
Enako kot akvarel je treba tempero aglutinirati z gumi arabico, vendar se dandanes veliko temper dajajo v plastiko, ker jo je lažje dobiti in ceneje.
François Boucher, francoski slikar, je s tehniko tempere ustvaril velike mojstrovine in umetniki XNUMX. stoletja našega štetja so lahko s tempero skupaj z akvarelom izpostavili specifična področja umetniškega dela, ki je bilo narejeno iz akvarela. Zato je francoski slikar Paul Signac, ki je slovel po izvajanju divizijske tehnike, potrdil naslednje:
"Določenih vijoličastih rožnatih odtenkov na Turnerjevem nebu, nekaterih zelenih v akvarelu Johana Jongkinda ne bi mogli doseči brez gvaša"
akril: uporaba akrilne barve kot tehnike so sodobni umetniki zelo cenili lastnosti barve zaradi njenega zelo hitrega sušenja, saj pigmenti vsebujejo polimerno emulzijo, ki je praviloma vinilno lepilo, čeprav jih je mogoče enostavno odstraniti oz. razredčimo z vodo, po sušenju so zelo odporni na vodo.
Kar najbolj izstopa pri tej tehniki, je njena enostavnost in hitrost sušenja, ko pa se posuši, se barvni ton le malo spremeni, včasih postane temnejši ali svetlejši, odvisno od uporabljene barve. Akrilno slikarstvo je relativno novo, izvira iz XNUMX. stoletja našega štetja.
Tehnika akrila se je razvila v Združenih državah in Nemčiji, a je vzporedno z Ameriško rojeni slikar Jackson Pollock uporabil akrilno barvo, kot je na voljo v posodah, da bi dosegel nove teksture in jih naredil gostejše. Medtem ko je slikar Morris Louis, prav tako iz iste države, uporabljal akrilno barvo, vendar jo je razredčil z vodo, da je naslikal velika platna in jim dal barvni učinek namesto naslikanega.
pita: Tehnika velikega pomena pri slikanju je pastelna tehnika, saj sestoji iz uporabe barvnih palic, v katerih se pigmenti nahajajo v prahu, pomešanem z gumo ali smolo, tako da se lahko aglutinirajo in tvorijo suho in zelo kompaktno pasto.
Zato beseda pastel poudari besedo paste, ker je pasta in so modelirane v obliki palice in so debele približno en prst in jih je mogoče uporabiti neposredno na površini, kjer bo umetniško delo oblikovano. brez uporabe ščetk ali lopatic in ne kakršnega koli topila.
Za delo s pastelno tehniko se kot površina uporablja zelo kakovosten papir z dobro gramaturo, ki je bel ali nevtralne barve, ki ne vpliva na barvo, poleg tega pa ima majhno hrapavost, čeprav je pastelna tehnika. zelo prilagodljiv in hkrati vsestranski, saj se lahko uporablja na različnih površinah, kot sta les ali plastika.
Čeprav so uporabljene barve lahko zelo močne in neprozorne, je težava pri oprijemanju pigmenta na površino, ki jo je treba barvati, zato se na koncu za popestritev umetniškega dela nanese fiksir za risbo z atomizerji ( sprej), ki so posebni za to tehniko.
Toda na splošno poznamo pastelno tehniko kot barvice, njen najpogosteje uporabljen vir je linija, kjer je mogoče oblikovati vrsto okvirjev, drug način uporabe je, da jo spremenimo v prah, saj pastel ponavadi sprošča veliko barvnega prahu.
Mnogi umetniki uporabljajo to tehniko uporabe barvnega prahu za ustvarjalnost svojega umetniškega dela, med njimi je Leonardo da Vinci, ki je bil eden prvih umetnikov, ki je to tehniko uporabil v risbi, ki jo je naredil Isabel de Este in tudi drugim. kot so Hans Holbein mlajši, Correggio, Fragonard ali Degas.
Tempelj: Pri slikarski tehniki Tempera se kot vezivo uporablja raztopina, ki je narejena iz vode in jajčnega beljaka ter posebnega olja.Najprej zmešate beljak jajca z oljem do homogene paste. , nato dodajajte vodo, dokler ne dobite emulzije oziroma medija temperne tehnike.
Uporabljeni delež je delež celega jajca plus enako v olju plus trije deli vode, vendar je to odvisno od pretočnosti, ki jo slikar želi doseči, veliko je umetnikov, ki dodajo malo laka, da lahko zamenjajte laneno olje, ki se večinoma uporablja. Pri izvajanju tega postopka tehnika kaljenja ponuja večjo trdnost in boljši oprijem ter hitrejše sušenje.
Toda po sušenju je finiš, ki ga daje, v novih glazurah bolj neprepusten, obstajajo tudi drugi umetniki, ki namesto vode uporabljajo posneto mleko ali figov lateks ali vosek, vendar vedno povezan z vodo.
Tudi italijanski slikar in arhitekt Giorgio Vasari je uporabil besedo tempera, da je lahko izdelal lakirno olje, s to tehniko so nastale velike mojstrovine, na primer Sandro Botticelli izstopa pri izdelavi Rojstvo Venere, Kot je pojasnil DV Thompson:
»Dobro opravljeno poslikavo jajc je med najtrajnejšimi oblikami slikanja, ki jih je človek izumil. Pod umazanijo in laki so številna srednjeveška dela jajčne tempere tako sveža in svetla, kot takrat, ko so bila naslikana. Običajno so se temperne slike v petsto letih spremenile manj kot oljne slike v tridesetih."
Črnilo: v tem članku o značilnostih barvanja z uporabo tehnike črnila ali znanega tudi kot kitajsko črnilo je to črnilo na splošno tekoče, čeprav je tudi v trdni palici, vendar ga je treba za uporabo zmleti in razredčiti, je skoraj vedno se uporablja na papirju in najbolj uporabljeni barvi sta sepija in črna, danes pa obstaja več barv.
Kitajsko črnilo lahko nanašamo na različne načine, eden najpogostejših pa je uporaba peresa ali peresa, ki sta bolj praktična za risbo ali kakšno kaligrafijo, za pero se uporabljajo različne konice in so napolnjena s črnilom. delati črte in z njimi znati pisati ali risati, ne pa slikati.
Drug način ali vir za uporabo kitajskega črnila je s čopičem, vendar se bo uporabljal kot akvarel in se imenuje gvaš, kar pomeni mešanje kitajskega črnila z vodo in alkoholom ter barvo, ki se uporablja. Ta tehnika je podobna starodavni tehniki, ki so jo uporabljali na Japonskem, kjer so izdelovali svojo japonsko kaligrafijo, ki je prav tako temeljila na črnilu in papirju.
Drug način uporabe je uporaba risalnega peresa, ki je polnilec črnila ali tako imenovanega rapidografa, vendar je ta tehnika skupaj z grafitom bolj za risanje kot za slikanje.
kul: tehnika je slikarska tehnika, ki je sodobna, saj temelji na kemični spremembi zmletih zemeljskih pigmentov, ki so pomešani s čisto vodo, to lahko nanesemo na malto, ki ima v notranjosti apno in pesek, medtem ko je apno v v obliki kalcijevega hidroksida. Ker ogljikov dioksid, ki ga najdemo v ozračju, se bo apno spremenilo v kalcijev karbonat.
Na ta način bo pigment kristaliziral v steni. Tehnike slikanja s fresko so zelo preproste, vendar je zelo naporno in pri pripravi mešanice traja veliko časa. Ta tehnika ima značilnost barvanja, da je sčasoma zelo obstojna.
Vendar se ponavadi poškoduje zaradi fizičnih, kemičnih ali bakterioloških vzrokov, eden od glavnih vzrokov bo vlaga, ki bo imela glavno škodo spremembo barv zaradi raztapljanja kalcijevega karbonata in delo teži k razvoju imenujejo plesen.
Grisaille: še ena izmed tehnik, ki se uporabljajo pri slikanju, vendar temelji na monokromatskem slikanju v tako imenovanem chiaroscuro ali svetlobi in senci, kot je izjavil slikar Giorgio Vasari italijanskega porekla, barva je narejena z mešanico železovih oksidov in z dodanega malo bakra in fluksa, to ustvarja občutek kiparskega reliefa v umetniških delih.
V štirinajstem stoletju našega štetja so to tehniko uporabljali za pripravljalne skice, ki jih kiparji uporabljajo za doseganje tega reliefnega učinka z izdelavo različnih gravurov iste barve. V vladavini francoskega Karla V. je bila tehnika grisaille uporabljena v vitražih in miniaturnih slikah.
Njegova uporaba bo ena glavnih značilnosti flamskega slikarstva, saj je na zadnji strani hleva upodobljen Oznanjenje s tehniko grisaille. Španski slikar Josep Maria Sert je uporabil to tehniko, vendar namesto njene monokromatske evolucije.
Uporabil ga je naslonjen na zlati monokrom, saj je ta slikar uporabil široko paleto kromatičnih barv, kjer je uporabil kovine, kot so zlato, srebro, baker, opečena zemlja, s pridihi karmina, pri čemer je kot ozadje uporabil bogat preparat v kovini, srebro in kruh iz zlata.
Pointilizem: Je ena izmed tehnik, ki se je pojavila v neoimpresionizmu, ker jo je študiral in izvajal slikar Georges Seurat, vendar je tehnika sestavljena iz postavljanja majhnih kroglastih pik čistih barv, namesto da bi na želeno površino izvajali tehniko poteza s čopičem.
Ker obstajajo fizični odnosi med različnimi barvami, obstaja interakcija med primarnimi in komplementarnimi barvami, s čimer se doseže odlična mešanica barv za opazovalca.
To mešanico opazovalec vidi na določeni razdalji od slike in je sposobna narediti velik učinek na opazovalca, ko se različne točke združijo.
kapljanje: Gre za tehniko avtomatskega slikanja, za nadrealiste je to tehniko mogoče doseči z izdelavo priložnostne slike, dela se s kapljicami in brizganjem različnih barv, gre za tehniko, ki ji pravimo tudi ameriško akcijsko slikanje (action painting ).
Tehnika se izvaja, ko umetnik hodi po površini, ki jo je treba slikati z velikimi čopiči ali z istim lončkom barve. In spusti barvno kapljanje, ki ga ustvarja figura, to se naredi z emajlom, ki je madež, ki ostane na nosilcu, ki ga umetnik uporablja.
Graffiti: Ta tehnika se uporablja pri barvah, ki so pakirane in so zelo izrazite v lastnostih barve. Zato ga imenujejo aerosoli in se uporablja, ko umetnik pritisne gumb na zgornjem delu, skozi katerega barva izstreli v obliki razpršila, s to tehniko je mogoče slikati na velikih površinah.
Običajno to tehniko uporabljajo ljudje, ki slikajo stene in ulice, ta vrsta slikanja se imenuje grafiti. Konec 70. let prejšnjega stoletja so urbani umetniki začeli risati svoje grafite na vseh stenah, ki so jih lahko dobili, in z izkušnjami ustvarjali prava umetniška dela.
Za te umetnike trenutno izdelujejo aerosolne barve, nekateri pa imajo že svoje predloge, da lahko s svojim umetniškim delom razmejujejo površino, ki jo želijo označiti, seveda se na trgu že najdejo šablone različnih modelov in črk. s katerimi bodo lahko vadili manj izkušeni umetniki.
Mešane tehnike: Nekateri umetniki pri realizaciji umetniških del uporabljajo različne značilnosti slike znotraj istega dela, da bi pritegnili pozornost opazovalca. Nekateri umetniki na primer uporabljajo tako imenovano kolaž, ki bo umetniška tehnika, ki ni slikovna, saj ni naslikana, ampak postane mešana tehnika, ko umetnik uporabi neko tehniko, kot so akvarel, tempera ali črnilo.
Toda na koncu se mora umetnik odločiti za razliko med slikovnim postopkom in slikovno tehniko, saj se razume, da je slikovni postopek združitev več elementov v istem delu. Medtem ko bo način, kako ga umetnik nanese, ustvaril slikovno tehniko.
Materiali, uporabljeni v slikah
Da bi se lahko posvetili slikarstvu, obstaja neskončnost materialov, ki jih umetniki uporabljajo prek pisnih dokumentov in zapiskov, naslovljenih na različne umetnike, drug vir pa je tehnični in znanstveni pregled umetniškega dela. Nekateri od teh izpitov so namenjeni okrepitvi dokumentarnih dokazov o delih, ki potrjujejo, ali so izvirna ali ne.
Ker je nujno, da so materiali, ki jih trenutno uporablja umetnik, različni in vam bomo v XXI stoletju pripravili odličen seznam materialov, ki jih je mogoče uporabiti za izdelavo umetniškega dela. Med katerimi imamo:
Podpira: Ta material ima funkcijo podpiranja ozadja in različnih plasti barve, ki jih uporablja slikar, vendar je treba spomniti, da so pri značilnostih slike na izbiro zelo različni modeli, najbolj uporabljeni so tisti iz papirja, karton, les, platno in obzidje mesta. Lahko pa med veliko več dodate tudi kovino, steklo, plastiko in usnje.
Za vse podpore pa bo potreben poseben temeljni premaz, ki bo pripravil površino, da bo slikar lahko izdelal svoje umetniško delo in vsi imajo drugačen postopek za material, ki bo uporabljen.
Lesena deska: Je eden najpogosteje uporabljenih nosilcev od začetka slikarstva, ko je bilo v egipčanski dobi, umetniki so že uporabljali lesene deske kot sarkofage, v srednjem veku pa so oltarne slike uporabljali za izdelavo oltarjev in je bilo njihovo temeljno obdelavo zelo enostavno. nanjo nanesite samo eno plast lepila.
In če je bilo treba les pozlatiti, uporabite temeljni premaz z zlatimi lističi, ki je značilen za barvo, vendar je treba pred namestitvijo zlatega lističa nanj narediti še en temeljni premaz s plastjo lepila in še eno plastjo ometa ali gline, da dobimo močnejši dotik lesene deske.
V petnajstem stoletju našega štetja se je evropski štafelaj začel uporabljati kot glavno oporo, saj je bil masivni les, ki so ga uporabljali v preteklosti, prekrit s trakovi lanene tkanine, zlepljenimi, tako da ni bilo videti, da so skupaj. Les mora biti v dobrem stanju in se izogibati morebitnim razpokam, ki bi jih lahko imeli.
Nato so ga začeli uporabljati v vezanih in ivernih ploščah kot leseno ploščo. Lesene deske so se začele montažno izdelati in so nudile odlično slikopleskarsko lastnost, bile so gladke in ni bilo vidnih fug, kot je bila tako imenovana deska. Tablex, da je bila zelo lahka in enostavna za rokovanje, poleg tega jo je umetnik lahko vedno nosil s seboj in je imela dve plati, gladko in hrapavo, pri značilnostih slike pa so zelo pomembne deske.
platno: Po besedah pisatelja in vojaka Plinija Starejšega so rimskemu cesarju Neronu povedali, da je dal naslikati njegov portret na platnu, ki meri 36,5 metra v dolžino in 12 metrov v širino, filozof Heraklit v svojem rokopisu z naslovom From Coloribus et Artibus Romanorum iz XNUMX. stoletja pred našim štetjem je opisal, kako je treba pripraviti laneno platno, da ga okrasimo in poslikamo.
Napisal je tudi točen način raztegovanja in kako pripraviti blago z lepilom, da bo odlično kot pergament. Barvo, ki so jo dali na platno, so zaradi njene velike lahkosti in različnih načinov uporabe začeli uporabljati v severni Evropi in kasneje v Italiji.
V XNUMX. stoletju našega štetja so ga začeli zelo pogosto uporabljati v zakulisju, v začetku XNUMX. stoletja našega štetja pa so ga začeli izdelovati serijsko. Najbolj uporabljena so bila platna iz rastlinskih vlaken, kot so konoplja, lan, fino tkana juta ali bombaž, kar je tudi ena od značilnosti slikarstva.
Vsa ta platna so bila izdelana z grobimi ali drobnimi zrni, odvisno od rezultata, ki ga je umetnik želel doseči pri delu, ki ga je želel narediti, obstaja tudi dokumentacija, ki navaja, da so uporabljali poliestrsko platno.
Trenutno je mogoče vsa platna kupiti v številu metrov, ki jih umetnik želi, in jih namestiti na okvir, ki ga želi, saj so na trgu različni modeli, tipi in formati. Seveda pa obstaja mednarodno številčenje za širino in dolžino okvirja, odvisno od značilnosti slike, ki bo naslikana na platno.
Trenutno so izdelani trije različni formati, ki imajo za vsak značilnosti slike, ki jih umetnik želi izvesti, kot so figura, pokrajina in marina. Na eni strani bo imela vedno enako velikost, na drugi pa se bo zmanjšala, tako da ostane:
- Tisti na sliki bo meril 100 cm x 81 cm
- Pokrajina meri 100 cm krat 73 cm.
- Mornarski bo imel naslednje mere: 100 cm x 64 cm.
To so sporazumi, ki so bili sklenjeni na mednarodni ravni, a ob poznavanju umetnikov jih ti ukrepi ne urejajo in svoja umetniška dela izvajajo z ukrepi, za katere menijo, da bi njihovo delo moralo biti, na večini platna, ki jih najdemo na trgu. za prodajo jih pripravljajo z lanenim oljem in polnilom por.
Obstajajo pa tudi takšne, ki so pripravljene na osnovi emulzij, ki so najprimernejše za uporabo z oljnimi barvami, ali z akrilnimi barvami, na ta način je temeljni premaz platna poenostavljen za različne lastnosti barve, ki se bo uporabljala. umetnika in tako z najboljšo kakovostjo doseči pričakovani rezultat.
Baker: Eden najpomembnejših materialov pri uporabi značilnosti slikarstva je baker, saj se uporablja že od XNUMX. stoletja našega štetja, v zelo tankih ploščah pa so ga uporabljali slikarji, ki so bili severno od evropske celine. Nemški umetnik Adam Elsheimer. Moral sem jih uporabiti, vendar v majhni velikosti, zaradi česar so raziskovalci mislili, da so jih stare gravure uporabljale na način za njihovo recikliranje.
steklo: Drug medij, ki so ga različni umetniki pogosto uporabljali za slikanje, je bilo steklo, izdelanih je bilo tudi nešteto predmetov, kot so kozarci, kozarci, posode, kvadrati, trikotniki in mnogi drugi, kjer je umetnik izdelal svoj emajl in ko jih je okrasil na hladno, je bil predstavljen v toplotna peč s temperaturo, nižjo od tališča stekla, za izdelavo velikih in lepih umetnin.
V XNUMX. stoletju našega štetja so jih začeli uporabljati kot nosilce za vitraže, saj so zelo pomembna podpora za značilnosti poslikave v različnih cerkvah in velikih katedralah, tam so začeli postavljati velike barvne kristale in slikanje na steklo z verskimi podobami in številnimi prizori, vzetimi iz biblije.
Z uporabo tehnike grisaille, ki je ena od značilnosti slikarstva, je bilo doseženo, da je bila na eni strani enobarvna, na drugi pa okrašena z religioznim umetniškim delom, ki poudarja svetnika ali prizor iz Svetega pisma. Narejenih je bilo tudi veliko obrazov svetnikov.
Papir: Po podatkih raziskovalcev in najdenih ugotovitvah je papir, ki je bil uporabljen za izdelavo umetniških del, prišel iz Kitajske okoli leta 200 pred našim štetjem, izumitelj tega materiala pa je Kitajec, imenovan Cai Lun med leta 50 a, C. in v 121 d, C.
Ki je služil kot cesarski evnuh, ker je izboljšal papirno formulo in jo naredil boljšo alternativo kot papirus in pergament. Da so bili takrat najbolj uporabljena alternativa za pisanje in za izdelavo značilnih slikarskih del.
Ker je ta znak dodal škrob, ki je imel posebnost za zaščito rastlinskih vlaken, je bil papir zelo dobro uporabljen pri umetnikih, saj se uporablja v številnih slikarskih tehnikah, najpogostejši pa so bili akvarel, tempera, pastel, kitajsko črnilo in njegove različne barve. vendar je najbolj uporabljena črna in sepija.
Kar zadeva papir, obstaja velika raznolikost tekstur, teže in barv, ki je ena najpomembnejših značilnosti slikarstva, za izbiro vrste papirja pa je potrebno, da ima umetnik predstavo o tem, kaj želi. narediti med vrstami papirja. poiščite:
- Papir za vroče stiskanje: ima trdo, gladko površino, številnim umetnikom se zdi preveč spolzka za akvarelno slikanje.
- Hladno stiskan papir: je teksturiran, pol hrapav, primeren za široko in gladko pranje.
- Grobi papir: z zrnato površino, ko se nanese prašek, se iz votlin v papirju dobi lisasti učinek.
Prav tako mora vsak umetnik upoštevati težo papirja, da ga lahko izbere, saj zelo težkega papirja ni mogoče tako enostavno valoviti in ga je treba raztegniti, za uporabo akvarelne tehnike pa mora biti gramatura papirja med 120 grami na kvadrat in z dražbo 850 gramov na kvadrat.
čopiči: Za umetnika so zelo pomembna orodja oziroma instrumenti, zelo pomembni pa so tudi pri značilnostih slikarstva, saj jih slikar pri svojem delu uporablja na različne načine za izvedbo umetniškega dela.
Čopiči, ki so zelo uporabno orodje za umetnike, so oblikovani v različnih velikostih, širinah in potrebne kakovosti, saj so materiali, iz katerih so izdelani čopiči, lahko organski ali sintetični.
Krtača je sestavljena iz treh delov in to so dlaka, obroček ali viola in čarovnik, da ga lahko drži, se bolj razlikujejo po dlaki in načinu izdelave, nekaterim pravimo ploske ali mačje ščetke. . Krtače so običajno narejene tudi s trdimi lasmi in tiste, ki so okrogle, skoraj vedno gredo k ravnim lasem.
Čopiče izberejo različni umetniki glede na delo, ki ga nameravajo opraviti, in način, kako bodo uporabili barvo, ki jo imajo. Če bo umetnik za delo uporabljal velike površine, bo namesto čopičev uporabil čopiče.
V čopičih imajo skoraj vedno prazno notranjost, da lahko zberejo več barve v trenutku nanosa poteze, manjši čopiči nimajo te osrednje praznine, so tudi čopiči, ki imajo ščetine in so čopiči, ki jih tudi imajo in ti so običajno naravni organskega izvora in prihajajo iz različnih živali, kot so konji, kune in prašiči med mnogimi drugimi.
Barve z vejicami so narejene tudi iz umetnih griv in sintetičnega materiala. Nega ščetk je zelo pomembna za podaljšanje njihove življenjske dobe, poleg neprekinjenega čiščenja jih je treba po uporabi očistiti, čiščenje je izjemno enostavno, saj nanje nanesete le vodo in milo.
Po pranju jih lahko posušite z vlago ali s flanelom, nato pa jih shranite v vodoravnem položaju brez pritiskanja tam, kjer so lasje, da se ne deformirajo. Druga uporaba, ki se uporablja za čopiče, je kot sredstvo za tiskanje slik z valjčkom, ki so izdelane iz različnih velikosti in materialov.
Med materiali so volna, penasta ali vlaknena guma, naravne ali umetne gobice in nenazadnje palete, noži in lopatice kot še ena možnost v značilnostih barvanja, saj gre za orodja iz izjemno lahke in gibljive pločevine oz. plastiko, ki jo je mogoče uporabiti na različne načine in barve, se lahko pridružijo in poslikajo najbolj izkušeni umetniki.
denar: V različnih podporah, ki obstajajo, se umetniki navadijo spreminjati ozadja pred začetkom umetniškega dela, je kakovost, ki ima značilnosti slikanja. Temeljna obdelava je izvedena, saj je ozadje površina, ki jo umetnik naslika z barvo in teksturo, ki jo želi na njej začeti svoje umetniško delo.
Prej so bila ozadja narejena z organskim oljem ali lepilom, nato pa je bila mešana z belim ali barvnim tonom, ki je bil všeč umetniku, ki bo delal. Čeprav so bili to lepilo repi različnih živali in rib.
Uporabljajo se tudi emulzije na osnovi jajca, olja ali smole, za barvo pa so prej uporabljali apno in plovec ter oker zemljo. Odvisno od materiala, ki je bil uporabljen, je to določalo, kako bo videti vizualni učinek umetniškega dela. Tudi barva ozadja, ki je bila uporabljena kot podpora, mu je dala drugačen odtenek.
Iz tega razloga so umetniki iskali belo ozadje, ki bi odražalo različne plasti barve, ki so jih uporabili, a če je bila barva ozadja temna, je zmanjšala odtenek barve in jo naredila temnejšo.
Italijanski arhitekt Giorgio Vasari je celo izjavil, da imajo oljna ozadja prednost, da ohranjajo prožnost platna, ki so bila izdelana v velikih dimenzijah in jih je bilo mogoče zviti in prestaviti na različna mesta.
Toda njihova pomanjkljivost je bila, da je bil potreben daljši čas sušenja. Med XNUMX. in XNUMX. stoletjem so bila najbolj uporabljena ozadja tista, ki so bila pobarvana z rdečkasto zemljo, pri čemer so nekateri prostori lahko ostali nepobarvani, vendar je delo dobilo popolno enotnost. Trenutno se sredstva, ki jih pripravljajo v gospodarskih družbah, izdelujejo industrijsko s svincem in bloterjem.
Pigmenti: Pigmente, ki so zelo temeljna značilnost slikarstva, običajno delimo na anorganske, ta pa izvira iz mineralov, zemlje, soli in oksidov in s tem se dosežejo barve oker in siene. Uporabljajo se tudi organski pigmenti, pridobljeni iz rastlin in nekaterih živali, ki jih pridobimo s kuhanjem nekaterih semen ali ker so nekateri deli živali žgani.
Obstajajo tudi drugi, ki se pridobivajo s sintetično potjo, kot so anilini in tudi organske spojine. Organski pigmenti so na splošno manj nevarni kot anorganski pigmenti. Pigment, ki se uporablja skupaj z vezivi, tvori tisto, kar imenujemo barva, vezivo pa je tisto, kar omogoča, da je pigment tekoč in s tem doseže oprijem površine barve na ozadje.
Čeprav včasih lahko postane vodena in je lahko tudi mastna, je vse odvisno od načina priprave, topilo je pomemben dejavnik pri lastnostih barve, saj ima nalogo razredčiti ali raztopiti vrsto veziva, ki se uporablja za izdelavo. igra.
Uporablja se tudi tekočina topila, imenovana terpentin, je zelo hlapno in brezbarvno topilo, ki se zmeša in razredči z oljem in se s smolo nagiba k raztapljanju, na enak način kot z vodo, saj se tudi raztopi, v istem način se uporablja z gumo, ki se tudi raztopi in lahko na ta način dodatno razredči lastnosti barve.
Zavedati se je treba indeksov motnosti barve, ki bo uporabljena, saj se z leti lahko bolje zajame ozadje slike in umetnikovo obžalovanje med izvedbo dela.
Na slikah, ki so nastale pred XNUMX. stoletjem, je mogoče delce uporabljenih pigmentov opazovati pod mikroskopom, kar je pripeljalo do zaključka, da je bolj groba pigmentna zrna, slabša je kakovost barve.
V devetnajstem stoletju so znanstveniki začeli sintetizirati barvila, ki so jih uporabljali kot pigmente, med njimi kobalt modro, cinkovo rumeno in kromov oksid kot najpogosteje uporabljene umetnike. In dandanes število pigmentov zelo hitro raste, obstaja velika raznolikost barv in vsi pigmenti so odlične kakovosti.
Če se vam je ta članek o značilnostih barve zdel pomemben, vas vabim, da obiščete naslednje povezave: