Задуманный его создателями и последователями как широкое направление в искусстве, отражающее поиск новых смыслов современными художниками, постмодернистское искусство является ответом в этом поиске на кризис классической культуры.
постмодернистское искусство
Считается, что в ХХ веке произошла так называемая «смерть сверхоснов»: Бога, человека и автора. Иными словами, пошатнулась религиозная база, возник кризис гуманистических идей, и творцы перешли от создания нового к переосмыслению старого.
Постмодернизм в искусстве — это часть глобального тренда, воспринятого мировой культурой и философией. Постмодернизм — это не единый стиль, а комплекс направлений, объединенных общей идейной основой. Многие из них даже дерутся друг с другом.
Постмодернизм — термин, заимствованный из французского языка (postmodernisme). Это название отражает смысл направления, пришедшего на смену искусству эпохи модернизма (не путать с модернизмом). В конце XNUMX — начале XNUMX вв. модернистские (или авангардистские) течения нанесли тяжёлый удар по классическому искусству. Но постепенно создателей перестали удовлетворять модернистские подходы.
Параллельно с множеством новых технологических разработок постмодернизм привел к художественным экспериментам с новыми медиа и новыми формами искусства на протяжении почти пяти десятилетий, включая концептуальное искусство, различные типы перформанса и художественных инсталляций, а также компьютерные течения, такие как деконструктивизм и технологии проектирования. .
Характеристики постмодернизма
Жан-Франсуа Лиотар и другие теоретики описывают духовные основы современности как непоколебимую веру в неуклонное развитие все более детальной сжимаемости мира и постепенное приближение к совершенному знанию. Тоталитарные системы XNUMX века навсегда дискредитировали абсолютный характер таких моделей.
Вот причины необходимости определять постмодернизм как сознательный разрыв с современностью. Постмодернизм отвергает не только современную веру в прогресс, но и существование понятной объективной реальности. Постмодернистская теория и эстетика предполагают, что все знания, все восприятия и все области сознания и существования подчинены относительности. Ключевым понятием постмодернизма является множественность.
Стремление современности постоянно создавать что-то новое и художественные средства, используемые для этого, рассматриваются в постмодернизме как автоматизированные, устоявшиеся и устаревшие. Принцип невозможности создания ничего нового делает использование цитат неотъемлемой стилистической чертой постмодернистского искусства.
Требование открытости в концепции искусства и индивидуального произведения искусства открывает, с одной стороны, почти безграничные возможности: постмодернизм открывает многообразие новых форм выражения, пересекая границы жанров.
Часто используемый прием эпохи постмодерна — коллаж. Этот термин, придуманный в начале XNUMX века для дадаистских наклеек, стал гораздо шире в эпоху постмодерна. Сюда входят, например, крупномасштабные инсталляции, кинотехника или процессы музыкального сочинения.
Такие авторы, как Умберто Эко («Имя розы»), такие архитекторы, как Фриденсрайх Хундертвассер (Дом Хундертвассера, Вена), и такие художники, как Кит Харинг, пытаются преодолеть разрыв между элитарным пониманием искусства и массовой культурой; это тоже существенный аспект постмодернистской эстетики.
Многие постмодернистские произведения, особенно в исполнительском искусстве, хотят понимать не как совершенный результат, а как экспериментальную аранжировку. Представление будет фрагментарным (литература: Ролан Барт, Фрагменты языка любви) или незавершенным (театр танца: Уильям Форсайт, пьеса Скотта) на разных стадиях своего развития.
Искусствоведы по-разному отвечают на вопрос, что такое постмодернизм в живописи, поскольку постмодернистская культура - явление многогранное и не имеет четкой идеологической платформы. Постмодернисты не создали универсального канона, более того, отказались от его создания в принципе. Пожалуй, единственная базовая ценность, декларируемая сторонниками этого течения, — бесконечная свобода самовыражения.
Постмодернизм — это не движение, а общий образ мышления. Поэтому единого перечня характеристик, определяющих «постмодернистское искусство», не существует. Однако есть ряд характеристик, характерных для постмодернистского искусства:
- Неограниченная и абсолютная свобода художника в выборе способов самовыражения.
- Переосмыслить традиционные образы, включив их в новый контекст (отсюда широкое распространение новоделов, интерпретаций, художественных цитат, заимствований, аллюзий).
- Синкретизм, то есть слияние разнородных элементов в единое целое, которые иногда даже противоречат друг другу (например, использование художником разных стилей в картине или даже сочетание живописи с другими видами искусства).
- Диалог, то есть взгляд на предмет с разных сторон, с позиции разных «голосов», которые в итоге создают полифоническую «симфонию».
- Форма подачи произведения, приглашение зрителя присоединиться к произведению со смыслами.
- Шокирующий характер творчества.
- Ирония и самоирония автора. Художники теперь гораздо более скептически относятся к «большим идеям» (например, к тому, что любой прогресс — это хорошо).
- Постмодернизм — это выражение широко распространенного разочарования в жизни и способности существующих систем ценностей и/или технологий вызывать позитивные изменения. В результате авторитет, опыт, знания и мотивация потеряли репутацию.
- Современное искусство рассматривалось не только как элитарное, но и как белое (в смысле цвета кожи), преимущественно мужское и незаинтересованное в меньшинствах. Вот почему постмодернистское искусство защищает искусство художников третьего мира, феминисток и меньшинств.
Постмодернистское, современное и позднемодернистское искусство
Как правило, постмодернистское искусство и современное искусство используются более или менее синонимично. Однако с технической точки зрения постмодернистское искусство означает «после современности» и относится к фиксированному периоду, начинающемуся примерно в 1970-х годах, в то время как современное искусство относится в основном к изменяющемуся периоду примерно за пятьдесят лет непосредственно до XNUMX-х годов.
В настоящее время эти два периода совпадают. Но в 2050 году постмодернистское искусство (например, с 1970 по 2020 год) может быть заменено другой эпохой, однако современное искусство охватывает период до этого года.
В изобразительном искусстве термин поздний модерн относится к движениям или тенденциям, которые отвергают один аспект современного искусства, но в остальном остаются в традициях современности. Такие стили, как абстрактный экспрессионизм (1948-65), практиковались рядом радикальных современных художников, в том числе Джексоном Поллоком и Виллемом Де Кунингом, которые выступали против многих формальных условностей масляной живописи.
И все же ни Поллок, ни де Кунинг не могли создать ничего подобного «Стертому рисунку Де Кунинга» Раушенберга, поскольку оба они твердо верили в концепции подлинности и смысла.
История постмодернистского искусства.
Первым значительным художественным стилем после эпохи Возрождения было академическое искусство, преподававшееся профессорами в академиях. В академическом искусстве сходятся многие стили и течения, такие как классицизм и романтизм. С 1870 года, с приходом импрессионизма, возникло современное искусство. Первые черты появились примерно в 1970 году, и теперь их называют постмодернистским искусством.
Современное искусство чаще всего связано с 1870-1970-ми годами, от импрессионизма до поп-арта, например. Несмотря на различные глобальные катастрофы (Первая мировая война, грипп, крах Уолл-Стрит и Великая депрессия), подорвавшие многие моральные убеждения того времени, современные художники в целом сохраняли веру в основные научные законы природы. мысль.
В целом, как и большинство жителей Запада того времени, они верили, что жизнь имеет смысл. Этот научный прогресс был автоматически положительным, что христианский Запад превосходил остальной мир, что мужчины превосходили женщин. Модернизм также верил в значение, актуальность и прогресс искусства, особенно изобразительного искусства и архитектуры.
Следуя по стопам Леонардо и Микеланджело, они верили в высокое искусство, в искусство, которое возвышает и вдохновляет образованного зрителя, а не в «низкое искусство», которое только развлекает массы. Они придерживались прогрессивного подхода и рассматривали искусство как нечто, что должно постоянно развиваться под руководством ведущей группы художников-авангардистов.
Вторая мировая война и Холокост перевернули все с ног на голову. Париж неожиданно сменился Нью-Йорком как столицей мира искусства. После зверств войны все фигуративное искусство внезапно показалось неуместным, поэтому современные художники обратились к абстрактному искусству, чтобы выразить себя.
Удивительно, но нью-йоркская школа с картинами Джексона Поллока и более спокойной живописью цветового поля Марка Ротко способствовала временному возрождению искусства по обе стороны Атлантики в 1950-х гг. живописи, но остался в рамках модерна. Они верили в создание подлинных, законченных произведений искусства со значительным содержанием.
Но современность неизбежно подходила к концу. Растущие разоблачения Шоа, испытаний атомной бомбы, кубинского ракетного кризиса и войны во Вьетнаме привели к тому, что люди все больше разочаровывались в жизни и искусстве.
Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг уже создали первые постмодернистские произведения нео-дадаизма и поп-арта в середине 1950-х годов. Вскоре мейнстрим поп-арта возвестил о самом постмодернистском искусстве, поскольку американские телеканалы сосредоточились на Тетском наступлении 1968 года и хаотических событиях. Национальный съезд Демократической партии 1968 года.
Из этого времени в истории искусства можно установить и отношение к искусству со стороны художника и публики. Художники и зрители современности не определяются старыми представлениями педагогических и донорских учреждений о том, что такое искусство и каким может быть искусство. Возможности и применение искусства стали более разнообразными без необходимости надевать на себя определенный корсет.
На современную архитектуру повлияло стремление создать совершенно новый для современного человека стиль. Архитекторы хотели убрать все исторические отсылки и создать что-то совершенно новое. Это привело к интернациональному стилю (около 1920-1970 гг.), минималистскому дизайну регулярности.
К счастью, примерно в 1970 году постмодернистские архитекторы начали возрождать архитектуру XNUMX-го века, проектируя структуры с интересными чертами, заимствованными из популярной культуры и более традиционных архитектурных стилей. Структуры, которые, кажется, избегают гравитации, также стали возможными благодаря новым возможностям компьютерного управления в рамках деконструктивизма.
Постмодернистское движение оформилось в 1960-1970-х годах, но предпосылки его возникновения связаны с кризисом мировоззрения, возникшим задолго до этого. Среди них: тезис Шпенглера об упадке Европы; коллапс общественного сознания из-за Первой мировой войны; появление в науке представлений о противоречивости и неоднозначности мироустройства (от неевклидовой геометрии до квантовой физики).
Термин постмодерн уже использовался в конце 1950 века, а затем все чаще в начале 1970 века, но только в 1979-х годах в его нынешнем значении. В конце XNUMX-х годов два автора внесли основной вклад в установление этого термина в качестве постоянного приспособления: Жан-Франсуа Лиотар с его работой «Постмодернистское состояние» (Постмодернистское знание, XNUMX) и Чарльз Дженкс с эссе «Возвышение постмодернистской архитектуры».
С введением термина «постмодерн» модернизм впервые определяется как замкнутая историческая эпоха (подобно античности или средневековью до нее). Постмодерн утвердился как стилистический термин, особенно в архитектуре.
Постмодернисты пришли к выводу, что современный мир нельзя описать в рамках классических подходов к философии, науке и культуре. Следовательно, классические методы искусства неадекватны для его описания.
Использование технологий
Эпоха постмодернистского искусства совпала с появлением нескольких новых визуальных технологий (таких как телевидение, видео, Интернет и др.) и извлекла из них большую пользу. Новый диапазон форматов видео и фотографии снизил важность искусства рисования, а манипулирование новыми технологиями позволило художникам сократить традиционные процессы создания искусства, но при этом создать что-то новое.
Постмодернистские художественные направления и стили
До сих пор в постмодернистском искусстве не было крупных международных художественных движений. Вместо этого в ту эпоху возник ряд узких, локализованных потоков, а также несколько совершенно новых форм искусства, таких как видео и словесная живопись.
Кроме того, существовали десятки художественных фракций, а также антипостмодернистский центр или два, члены которых стремились создавать искусство, которым гордились бы Микеланджело или Пикассо.
Начиная с неодадаизма, постмодернисты любили смешивать вещи или привносить новые элементы в традиционные формы, чтобы создавать новые комбинации. Фернандо Ботеро рисует примитивные изображения тучных фигур, Георг Базелиц рисует фигуры вверх ногами.
Герхард Рихтер сочетал искусство камеры и живопись в своих фотокартинах 1970-х годов, а Джефф Кунс сочетал ориентированные на потребителя образы со сложными методами скульптуры для создания своих скульптур из нержавеющей стали.
Андреас Гурски сочетает фотографию с компьютерными изображениями для создания таких работ, как Rhein II, а Джефф Уолл использует обработанные цифровым способом фотомонтажи в своих постмодернистских изображениях.
Среди искусствоведов нет единого мнения относительно того, какие художественные стили можно отнести к постмодернистскому искусству: например, некоторые стили одновременно относят к авангарду и постмодерну. Тем не менее, можно выделить следующий список течений и стилей постмодернизма:
Дадаизм
Дадаисты считали, что жестокость Первой мировой войны, потрясшей Европу, принесшую боль и страдания миллионам людей, была продуктом логики и рационализма. По этой причине они своим творчеством способствовали разрушению эстетических канонов, цинизма, систематичности, иррациональности.
Коллаж стал основным творческим методом художников-дадаистов. Холст или бумага служили фоном, на котором художник создавал коллаж из лоскутов ткани, обрывков бумаги и других материалов.
Дадаизм просуществовал сравнительно недолго: с 1916 по 1923 год. Это связано с тем, что его идеологической платформой был пацифистский пафос, противостоящий реальности Первой мировой войны. В 1920-е годы дадаизм слился с экспрессионизмом в Германии и сюрреализмом во Франции.
Поп-арт
Поп-арт (поп-арт) — стиль, перенесший культуру потребления в область искусства и научивший человечество видеть красоту в тридцати трех банках супа. Поп-арт не следует путать с массовой культурой. Авторы рассматривали массовую культуру как объект, подобно тому, как портретист смотрит на модель или художник-пейзажист: на лоне природы.
Тема массовой культуры, на которую упал взгляд художника, трансформировалась в нечто оригинальное: арт-объект преломился через интерпретацию художника. С художественной точки зрения этот стиль апеллировал к материальности, объективности, в отличие от другого популярного направления — абстракционизма. Поп-арт зародился в борьбе с творчеством абстракционистов и возвестил о возвращении к отображению конкретных объектов на холсте.
Само по себе обращение к повседневным вещам не ново для истории живописи. Натюрморт – это, в конце концов, взгляд художника на окружающие предметы. На самом деле нет большой разницы между вазой Караваджо и зелеными бутылками кока-колы Уорхола. Но у поп-арта была своя концептуальная изюминка: художники брали знаковые объекты и образы из массовой культуры, которые теперь назвали бы «мемами».
Кроме того, они обращали внимание не только на предметы, но и на изображения; типичным примером является « Мэрилин Диптих» Уорхола . Нельзя отрицать тот факт, что поп-арт способствовал утверждению американской мечты, легитимации общества потребления и соответствующего образа жизни. В то же время он заложил основы для критики философии потребления, которая позже набрала силу.
Word Art
Термин Word Art описывает категорию текстового постмодернистского искусства различных современных художников, присутствующих с 1950-х годов.Простым определением текстового искусства может быть «искусство, включающее слова или фразы в качестве основного художественного компонента».
Текстовые изображения, содержащие слова и фразы, были опубликованы в различных средствах массовой информации, включая живопись и скульптуру, литографию и трафаретную печать, а также прикладное искусство (футболки, кружки). Это также проявляется в новейших формах современного искусства, таких как проекционное картирование.
Концептуальное искусство
Концептуализм (от лат. conceptus: мысль, представление) — постмодернистское течение в искусстве, провозглашающее главенство идеи произведения над формой его художественного выражения. Последователи концептуализма убеждены, что их картины, скульптуры, инсталляции и перформансы должны вызывать у зрителя не эмоции, а желание интеллектуально переосмыслить увиденное.
Концептуализм не является коммерческим искусством, в нем объектами для творчества могут быть любые предметы быта, природные материалы и даже части человеческого окружения. Художник-концептуалист не стремится создать готовое произведение, а старается донести свои идеи до зрителя, вовлечь в своеобразную интеллектуальную игру.
Работы концепт-арта имеют отличительные характеристики. Эти произведения можно выделить по следующим характеристикам: воздействуют не на эмоциональное, а на интеллектуальное восприятие зрителя; частое использование пояснительного текста к работе; сознательный отказ художника от значения формы в пользу важности смысла (идеи) произведения; создавать арт-объекты из любого объекта, доступного автору.
Перформанс и хэппенинги
Хеппенинги — авангардная форма искусства, тип творческого самовыражения, тесно связанный с искусством перформанса, берущий свое начало в теориях концептуального искусства 1896 века, во многом происходящих из демонстраций представителей Дадаизма, а также Тристана Тцара. (1963-XNUMX). На практике непросто провести различие между перформансом и хэппенингом.
Оба представляют собой тщательно спланированные формы развлечения (хотя и с элементами спонтанности), в которых артист исполняет (или управляет) художественно-театральным мероприятием. Что-то проще увидеть, чем описать словами.
В любом случае, хеппенинг — это спонтанное произведение перформанса, которое находится где-то между драмой и визуальным искусством и обычно приглашает и вызывает сильный отклик у публики.
Из-за своего мимолётного дадаистского стиля он изначально задумывался как радикальная альтернатива традиционным принципам ремесла и как «постоянный объект искусства». Полное объяснение этой новой формы постмодернистского искусства можно прочитать в книге Майкла Кирби «Происшествия» (1965).
Этот тип художественного события стал особенно ассоциироваться с арт-сценой Нью-Йорка примерно в 1960-х годах и до сих пор представлен в лучших галереях современного искусства по всему миру.
Абстрактное искусство
Абстракционизм — стиль живописи и искусства в целом, отвергающий реалистическое воспроизведение окружающего мира. Его последователи изображают простые и сложные формы, играют с цветом, используют линии, плоскости и другие объекты, комбинируя их для создания у зрителя определенных эмоций. Этим его подход отличается от подхода мастеров, придерживающихся классицизма и многих других стилей.
На первый взгляд картина абстракциониста может показаться хаотичным нагромождением линий, форм и пятен. При ближайшем рассмотрении становится понятно, что художник создал целую композицию, призванную вызвать у зрителя определенные мысли или настроения.
Абстракционизм по мере своего развития расслаивался на несколько направлений, каждое из которых имело своих представителей. Существовали такие типы стиля, как:
- Геометрический. В работах художников, выполненных в этом стиле, преобладают четкие формы и линии, многие из них создают иллюзию глубины.
- Мастера, придерживающиеся этого направления, активно работают с цветами и их сочетаниями; именно через них они передают эмоции, которые хотят вызвать у публики.
- Суть этого направления живописи в полном отсутствии отсылок к реальным предметам и крайне ограниченном использовании цветов, форм и линий.
- Художники, работающие в этом направлении, стремятся привнести в свои работы динамику, движение, посредством чего они передают эмоции и ощущения. При этом тени, линии и формы отходят на второй план.
Сборка
Ассамбляж – это прием декоративно-прикладного искусства, при котором художник создает рельефное изображение путем приклеивания объемных деталей или предметов к плоской основе. В технике ассамбляжа также допускается использование красок для живописного дополнения художественной композиции.
Ассамбляж, в отличие от родственного ему коллажа, представляет собой разновидность техники прикрепления объемных, а не двухмерных (плоских) элементов к лицевой поверхности изображения. Благодаря использованию объемных деталей изображение получается максимально реалистичным и визуально эффектным.
Профессиональные художники часто используют бытовые отходы и мусор для создания собственных оригинальных произведений искусства. В руках мастера большое количество разбросанных предметов быта становится художественной композицией, наполненной глубоким эстетическим содержанием.
Сегодня работы, созданные в технике ассамбляжа, неизменно привлекают внимание ценителей современного искусства. Они часто вызывают ожесточенные споры критиков, но никого не оставляют равнодушными, а потому вносят большой вклад в развитие мировой культуры.
Fluxus
Fluxus был слабо организованной группой художников, охватывавших весь земной шар, но особенно сильно представленных в Нью-Йорке. Главным основателем и организатором движения исторически считается Джордж Мачюнас, описавший Fluxus как сплав Спайка Джонса, Водевиля, Кейджа и Дюшана.
Подобно футуристам и дадаистам до них, художники Fluxus не одобряли право художественных музеев определять ценность искусства. Они также предположили, что не обязательно иметь специальное образование, чтобы увидеть и понять произведение искусства.
Fluxus не просто хотел, чтобы искусство было доступно массам, они хотели, чтобы каждый постоянно создавал искусство. Часто бывает трудно дать определение Fluxus, поскольку многие его собственные художники заявляют, что сам акт определения движения уже слишком ограничивает и редуктивен.
В отличие от предыдущих художественных движений, Fluxus пытался изменить мировую историю, а не только историю искусства. Настойчивая цель большинства художников состояла в том, чтобы стереть любую границу между искусством и обществом.
Центральный принцип Fluxus заключался в том, чтобы отвергнуть и высмеять элитарный мир «высокого искусства» и найти все возможные способы донести искусство до масс в соответствии с социальным климатом 1960-х годов Художники Fluxus использовали юмор, чтобы выразить свое намерение и , наряду с дадаизмом, Fluxus был одним из немногих направлений в искусстве, которым удалось ходить по канату.
Несмотря на свою игривую манеру поведения, художники Fluxus серьезно относились к своему желанию изменить баланс сил в мире искусства. Его неуважение к высокому искусству повлияло на воспринимаемый авторитет музея как авторитета в том, кого и кого считать художниками.
Fluxus привлекал зрителя и полагался на элемент случайности, чтобы сформировать окончательный результат произведения искусства. Использование случайности также использовалось Дада, Марселем Дюшаном и другими артистами перформанса того времени. Художники Fluxus находились под сильным влиянием идей Джона Кейджа, который считал, что к произведению следует подходить, не имея представления о конечном результате. Важен был процесс создания, а не конечный продукт.
видеоарт
Видео является одним из самых универсальных доступных средств массовой информации. Видеофильм может быть самим произведением искусства и/или записью того, как оно было создано; он также может быть элементом инсталляции и/или частью видеоаранжировки. Видео делает искусство более динамичным и живым. С конца 1980-х годов и видео, и анимация опирались на использование компьютерного программного обеспечения для управления изображениями.
фотореализм
Фотореализм — жанр живописи, возникший в конце 1960-х годов в ответ на растущую популярность абстракции. С тех пор фотореалистичные картины с их огромным вниманием к деталям создавали оптические иллюзии, которые можно было распознать только вблизи, как нарисованные изображения фотографического оригинала.
Вместо того, чтобы наблюдать и представлять то, что происходит в реальности, фотореализм был вдохновлен фотографией. Визуальная информация, захваченная камерой, используется для создания иллюзионистских картин, рисунков и других произведений искусства. Художники часто проецируют фотографии на холст, чтобы изображения можно было воспроизвести с точностью и детализацией.
Арте Повера
Arte Povera (от итальянского выражения «бедное искусство» или «бедное искусство») было одним из самых важных и выдающихся авангардных художественных движений, возникших в Южной Европе в конце XNUMX-х годов.
Сюда вошли работы дюжины итальянских художников, главной творческой особенностью которых было использование повседневных материалов, напоминающих о доиндустриальной эпохе. Грязь, камни и одежда были особенно популярны: «отходы» или дешевые материалы, которые они использовали для своего искусства. Этот подход к искусству нападал на преобладающие представления о ценности и правильности и тонко критиковал индустриализацию и механизацию Южной Европы того времени.
Его работа стала реакцией на абстрактную живопись модернизма, которая контролировала европейское искусство в предыдущее десятилетие, от которой он отличался тем, что больше сосредоточился на скульптурной работе, чем на живописи.
Некоторые из наиболее значительных работ группы были созданы за счет контраста между сырьем и одновременными ссылками на рост потребительской культуры. Убежденный, что современность угрожает искоренить коллективное наследие, Arte Povera попытался противопоставить новое старому.
Помимо отказа от технологического конкурса, художники, связанные с Arte Povera, отвергли то, что они считали научным реализмом. Вопреки методичному подходу к пространственным отношениям, они вызывали миф, тайны которого было нелегко объяснить.
Художники представляли абсурдные и игривые сопоставления, часто нового и старого или высоко обработанного и доиндустриального. При этом они проиллюстрировали некоторые эффекты модернизации, которая способствует разрушению мест и воспоминаний по мере ее продвижения в будущее.
Интерес Arte Povera к плохим материалам может быть связан с несколькими другими художественными движениями 1950-х и 1960-х годов, например, они использовали некоторые приемы, общие с такими движениями, как Fluxus и Nouveau Réalisme, в их сочетании легкодоступных материалов с подрезом. функция.
постминимализм
В постминималистском искусстве (термин, впервые использованный искусствоведом Робертом Пинкусом Виттеном) акцент смещается с чистоты идеи на ее передачу. В качестве примера можно увидеть работы немецко-американской художницы Евы Хессе.
феминистское искусство
Художественное движение, которое занимается исключительно женскими проблемами, такими как рождение детей, насилие в отношении женщин, условия труда женщин и многое другое. Среди артистов-участников — Луиза Буржуа и перформансистка японского происхождения Йоко Оно.
деконструктивизм
Деконструктивизм — одна из самых визуально впечатляющих форм искусства, когда-либо задуманных. Его причудливый, но чрезвычайно творческий стиль архитектуры 80-го века появился в конце XNUMX-х годов, прежде всего в Лос-Анджелесе, но также и в Европе.
Как часть постмодернистского искусства, ставшего возможным благодаря использованию программного обеспечения для проектирования аэрокосмической промышленности, деконструктивистская архитектура контрастирует с упорядоченной рациональностью геометрии и отдает предпочтение инопланетному подходу к дизайну, который обычно искажает внешний вид конструкции, подрывая элементы. .
Некоторые историки считают, что деконструктивистская философия также противостоит постмодернистскому искусству, хотя практические последствия этого неясны. В конце концов, архитектор-деконструктивист должен следовать современным и постмодернистским законам науки, нравится ему это или нет.
Самый известный представитель деконструктивистской архитектуры — канадско-американский лауреат Притцкеровской премии Фрэнк О. Гери. Среди других известных деконструктивистов Даниэль Либескинд, Заха Хадид, Бернар Чуми и Питер Эйзенман. К необычным деконструктивистским зданиям относятся: Танцующий дом (Прага), Музей Гуггенхайма (Бильбао) и Музей дизайна Vitra в Вайль-на-Рейне.
Деконструктивистская архитектура характеризуется манипулированием поверхностями, фрагментацией и нелинейными формами, которые искажают и отвергают архитектурные условности структуры и поверхности. При этом элементы, которые кажутся противоречащими друг другу, намеренно противопоставляются, чтобы бросить вызов традиционным представлениям о гармонии и преемственности.
циничный реализм
Движение современного китайского искусства, возникшее после разгрома площади Тяньаньмэнь (1989 г.). Циничные реалисты использовали образный стиль живописи с насмешливым повествованием. Повторяющиеся мотивы - фигуры, лысые мужчины и фотографические портреты. Этот стиль высмеивал политический и социальный статус Китая, и, поскольку это был новый рассвет для китайских художников, он был хорошо принят западными коллекционерами произведений искусства.
Постмодернистская литература и кино
Характеристики постмодернистской литературы включают вдумчивое обращение с тем, что доступно в виде цитат и аллюзий, и игру с литературными жанрами. Также характерно построение многочисленных уровней действия и отношений, часто разорванных.
Вероятно, самым известным постмодернистским романом является «Имя розы» Умберто Эко.С очень сложной литературной структурой в стиле криминального романа Эко удалось преодолеть разрыв между так называемой высокой культурой и массовой культурой. Исторические, литературные и художественные исторические цитаты и ссылки делают книгу познавательным романом или даже литературным конкурсом. Но даже те, кому это неинтересно, могут насладиться работой Эко как захватывающим триллером.
Точно так же Питер Гринуэй объединил жанр исторического фильма с триллером в своем фильме 1982 года «Контракт карикатуриста» , но, в отличие от «Эхо», он не решает загадку. Хотя в сюжете есть множество классических подсказок, все они ни к чему не ведут.
Изобразительное искусство
Использование термина постмодерн отвергается многими теоретиками и художниками, особенно в области изобразительного искусства, учитывая широкий спектр форм выражения. Отказ от модернистской веры в инновации также является одной из основ постмодернистской эстетики в изобразительном искусстве. Постмодернизм связан с историческими категориями искусства, отвергнутыми современностью, такими как нарративные и мифологические структуры.
Это уже начинается с изображений Энди Уорхолом икон 1950-го века, от Элвиса до Джеки Онассис. Поп-арт также ознаменовал разрыв с современностью в XNUMX-х годах, попрощавшись с абстракцией. В XNUMX-х годах изобразительное искусство, как и архитектура того времени, подчеркивало важность чувственных, эмоциональных и традиционных аспектов над теорией и концепцией.
В XNUMX-х годах коллектив New Wild (Neue Wilden) сломал господство минимализма и концептуально трудолюбивого авангарда своей экспрессивной и репрезентативной живописью. Аналогичные тенденции наблюдались в США и Италии.
После того, как вокруг «Новых дикарей» улегся вихрь, утвердились тенденции, сосредоточенные на размышлении над медиумом живописи и чувственных экспериментах с изобразительными средствами (Зигмар Польке, Ансельм Кифер, Герхард Рихтер), репрезентативность живописи, преобладание минимализма и концептуального рабочего авангарда. сад. Аналогичные тенденции наблюдались в США и Италии.
Характерными для того времени являются два художника, чье творчество сочетает в себе эстетику субкультуры и массовой культуры: Кит Харинг и Джефф Кунс. Харингу удалось объединить элементы граффити, комиксов, компьютерного языка жестов, детского рисунка и ранней исторической живописи в очень поэтичный язык жестов, понятный во многих культурах. Джефф Кунс сделал себе имя в начале 1990-х благодаря провокационной банальности своих сюжетов.
Используемый материал, как правило, высокого качества, но дизайн его поверхности напоминает мир безделушек и китча, как, например, частично позолоченная фарфоровая фигурка Майкла Джексона в натуральную величину с его шимпанзе Пузырьками.
Требования постмодернистской эстетики к плюрализму, субъективизму, отходу от абстракции, включению средств массовой информации, стиранию гендерных границ и принятию цитаты как художественного средства привнесли цвет и движение в художественный и музейный ландшафт.
Окончательное признание фотографии и кино в качестве средств искусства вполне можно рассматривать как устойчивый результат постмодернистских тенденций. Временное событие: летом 2002 года в Музее Людвига в Кёльне будут показаны все пять фильмов из недавно завершенного цикла «Кремастер» Мэтью Барни в рамках большой выставки.
Архитектура
В середине 1970-х годов Чарльз Дженкс ввел термин «постмодернизм» в архитектурный дискурс. Таким образом, постмодернистский дискурс впервые достиг широкой публики. К этому моменту уже ясно проявились стилевые принципы постмодернистской архитектуры.
Требовался демократичный и коммуникативный архитектурный язык, эстетика которого должна основываться не только на функции, но и на значимом содержании. Также требовалось включение вымышленных элементов, таких как готика, которая видела в соборе образ небесного Иерусалима.
В то же время усилилась тенденция к сохранению и перепроектированию исторических зданий. Наиболее ярким примером был вокзал Орсе в Париже, который открылся как Музей Орсе в 1986 году. Такие исторические здания повлияли на язык постмодернистской архитектуры, который с самого начала сильно определялся цитатами.
Чтобы избежать нового историзма, девизом было то, что эклектика, которая выражалась, например, в использовании колонн, окон и решеток, должна быть иронически сломана. Спектр постмодернистской архитектуры особенно развился в музейном здании XNUMX-х и XNUMX-х годов.
В дополнение к Музею Абтайберга Ганса Холлейна (Менхенгладбах), Государственная галерея Джеймса Стирлинга (Штутгарт) считается успешным и характерным продуктом постмодернизма. В дизайне Стирлинга многочисленные аллюзии на историческую архитектуру, от Египта до классического модернизма, сливаются с цветами поп-культуры и типичными региональными материалами из песчаника и травертина, создавая сплоченную современную форму.
В последнее время, когда дело доходит до музейного строительства, характер опыта выходит на первый план все больше и больше, чем требование образования.
Вместо созерцания медитативного искусства требуется инсценировка, а сама архитектура инсценируется с потрясающими видами и театральными эффектами. Первые публичные посещения все чаще происходят до того, как картины будут вывешены, чтобы можно было познакомиться с архитектурой.
Постмодернистский акцент на популярной культуре
Искусствоведы часто используют термин «высокая культура», когда пытаются отличить искусство живописи и скульптуры (и других изобразительных искусств) от популярной культуры журналов, телевидения и других продуктов массового производства. Модернизм и его влиятельные последователи, такие как Гринберг (1909-94), считали эти формы культуры низшими. Напротив, постмодернисты, предпочитающие более демократическую концепцию искусства, считают «высокую культуру» более элитарной.
Поп-арт, первое постмодернистское движение, превратило обычные потребительские товары в искусство. Поп-артисты и другие художники пошли еще дальше в своих попытках демократизировать искусство, напечатав свое «искусство» на кружках, бумажных пакетах и футболках: метод, который, между прочим, служит примером постмодернистского стремления, оригинальности и аутентичности.
Постмодернистские художники отказались от представления о том, что произведение искусства имеет только одно неотъемлемое значение. Вместо этого они считают, что зритель является не менее важным источником смысла. Сюрреалистическая фотография Синди Шерман, например, подчеркивает идею о том, что произведение искусства можно интерпретировать по-разному.
На самом деле, некоторые художники, такие как перформансистка Марина Абрамович, даже позволяют зрителям участвовать в их творчестве или даже требуют участия публики для завершения своей работы.
Сосредоточьтесь на шоу
В отсутствие истинного смысла жизни, особенно когда мы день и ночь видим радио- и телевизионную рекламу, художники-постмодернисты предпочитали ограничивать себя в стиле и зрелищности, часто используя рекламные инструменты и методы для достижения большего эффекта. Примером этого подхода является процесс коммерческой печати, в котором используются плакатные изображения таких поп-исполнителей, как Рой Лихтенштейн и Джеймс Розенквист.
Фокус на поверхности является общей чертой постмодернистского искусства и иногда выходит на первый план в театральных, блестящих, очень эффектных образах. С 1980 года использование компьютеров и других технологий произвело революцию в мультимедийном искусстве (например, в анимации) и создало особые возможности в таких областях, как архитектура.
Насколько важно привлечь внимание публики в постмодернизме, показывает шоковая тактика группы студентов Goldsmiths College, известных как «Молодые британские художники», в Лондоне в конце XNUMX-х и XNUMX-х годах. Прославившиеся благодаря трем шоу, YBA подверглись критике за плохой вкус, однако некоторые из них стали лауреатами премии Тернера, а другие добились значительной известности и состояния.
Удовлетворение потребностей потребителей
Рост потребительского поведения и непосредственная культура удовольствия в последние десятилетия XNUMX-го века также оказали сильное влияние на изобразительное искусство. Потребители теперь хотят инноваций. Они также хотят отдыха и развлечений. Многие постмодернистские художники, кураторы и другие профессионалы воспользовались возможностью превратить искусство в продукт развлечения.
Внедрение новых форм искусства, таких как перформанс, мероприятия и инсталляции, а также новые темы, в том числе мертвые акулы, гигантские ледяные скульптуры, множество обнаженных тел, здания, которые кажутся движущимися, коллекция из тридцати пяти тысяч терракот. фигуры, раскрашенные тела, жуткие проекции на общественные здания (и многое другое) — они подарили зрителям массу новых, порой шокирующих впечатлений.
Вопрос о том, являются ли эти новые формы искусства на самом деле «искусством», вызывает много дискуссий. Постмодернистские концептуалисты утверждают, что это так, тогда как традиционалисты отказываются считать это таковым.
принципы постмодернистского искусства
Для специалистов постмодернистское искусство состоит из трех основных принципов, которые будут управлять им в целом, но не ограничивать полностью:
непосредственное значение
Больше никаких выцветших масляных картин, изображающих ужасающие события из греческой мифологии, которые вызывали бы понимающую улыбку у культурного наблюдателя. С момента своего зарождения в движении поп-арт постмодернистская живопись и скульптура были смелыми, блестящими и мгновенно узнаваемыми.
Темы и изображения в основном были взяты из популярных потребительских товаров, журналов, рекламных роликов, телевидения, фильмов, мультфильмов и комиксов. Впервые все поняли выставленное искусство. Хотя постмодернизм развился из поп-арта, одна основная смысловая цель остается очевидной.
Искусство можно сделать из чего угодно
Опираясь на традиции Марселя Дюшана, чей писсуар с названием «Фонтан» (1917) стал первым известным примером превращения обычного предмета в произведение искусства (другой пример: «История реди-мейда»), художники-постмодернисты сделали его их дело создавать искусство из самых необычных материалов и мусора. Идея заключается в том, чтобы демократизировать искусство и сделать его более доступным.
Идея важнее самого произведения
До 1960-х художники вообще считали, что без готового продукта ничего не будет. Большое внимание уделялось качеству готового произведения искусства и необходимому для этого мастерству. Сегодня все по-другому.
Постмодернисты склонны больше верить в концепцию конечного продукта, чем в сам продукт, поэтому большая часть «постмодернистского искусства» называется «концептуальным искусством» или «концептуализмом». Другие формы концептуализма включают инсталляции, исполнительское искусство, хэппенинги, проекционное искусство и некоторые другие.
Известные постмодернистские художники
Поскольку мы современники постмодернистского искусства, трудно выделить знаковые имена того времени. Только по прошествии времени можно будет сказать, какие художники оставили выразительный след в истории живописи, а чья слава была лишь данью моде. Но, поскольку постмодернизм развивается уже более полувека, мы можем назвать некоторые имена, уже вписанные в историю. К ним относятся, например:
- Дадаист, сюрреалист и основатель концептуализма Марсель Дюшан
- Энди Уорхол лидер поп-арта
- Пионер сборки César Baldaccini
- Известный концептуалист Брюс Науман
- Роберт Раушенберг, Ремедиос Варо Уранга, Фрэнсис Бэкон, Дэмиен Херст, Джефф Кунс.
Марсель Дюшан
Марсель Дюшан (родился 28 июля 1887 г. – умер 2 октября 1968 г.) был мастером авангардного искусства, известным своими экстравагантными произведениями искусства. Творчество Марселя Дюшана бросило вызов устоявшимся традициям и неоднократно обсуждалось в скандальной хронике по обе стороны океана.
В начале своей карьеры он писал картины в стиле постимпрессионизма, отдавая дань уважения кубизму и фовизму, но затем отказался от живописи и увлекся созданием инсталляций, в которых смешивал техники и использовал материалы различной фактуры. Революционные идеи художника оказали большое влияние на развитие концептуального искусства ХХ века.
Энди Уорхол
Энди Уорхол (родился 6 августа 1928 года — умер 22 февраля 1987 года) был востребованным американским художником XNUMX-го века и владельцем галереи. Он внес большой вклад в развитие коммерческого поп-арта. Энди Уорхол по праву считается лидером такого направления, как uomo universale.
Роберт Раушенберг
Роберт Раушенберг (род. 22 октября 1925 г. – умер 12 мая 2008 г.) титан американского искусства XNUMX века по версии газеты The New York Times, был выдающимся художником и творцом, представителем абстрактного импрессионизма, концептуализма, реди-мейда и основателем поп-арта.
Картины Роберта Раушенберга – это коллажи и инсталляции, обелиски, предметы быта и другие предметы, которые сложно классифицировать. Творчество мастера, как и его биография, шокирует, удивляет, вызывает отвращение и обаяние, но никого не оставляет равнодушным. Огненный бисексуал, несостоявшийся фармацевт, противник всего классического и обыденного, он постоянно бросал вызов себе и окружающему миру.
Ремедиос Варо Уранга
Ремедиос Варо Уранга (род. 16 декабря 1908 г. — умерла 8 октября 1963 г.) — испанско-мексиканская художница ХХ века, оригинальный представитель сюрреализма. Творчество Ремедиос Варо выходит за рамки классической живописи: в работах сюрреалистки переплетаются сны, философские размышления, магия, механика, история и оккультизм.
В то же время картины Ремедиос Варо подчеркнуто лиричны и женственны, наполнены средневековой атмосферой и отсылают зрителя к истокам мироздания. Картины Ремедиос Варо населены экстравагантными сказочными персонажами, механическими конструкциями и природой. В отличие от классического сюрреализма, в каждой из работ художника четко прослеживается сюжет, который подводит зрителя к определенным выводам.
Фрэнсис Бэкон
Фрэнсис Бэкон (род. 28 октября 1909 г. — умер 28 апреля 1992 г.) — мастер британского экспрессионизма, один из самых неоднозначных и брутальных художников ХХ века. Творчество Фрэнсиса Бэкона признано впечатляющим: на его картинах оживают самые ужасающие творения человеческой фантазии.
Фрэнсис Бэкон не получил академического образования. При этом он невероятно востребован и популярен. Картины мастера являются пределом мечтаний как частных галерей, так и самых известных музеев мира, которые совсем не прочь включить его работы в свои коллекции. Некоторые шедевры художника стоят десятки миллионов долларов и входят в списки самых дорогих произведений искусства.