До середины прошлого века было немыслимо любоваться консервными банками в галерее, поэтому выставка новаторской работы Банки супа Кэмпбелл художника поп-арта Энди Уорхола стало историческим событием в мире искусства.
Банки супа Кэмпбелл
В 1962 году Энди Уорхол создал серию «Банки с супом Кэмпбелла» и представил ее на своей первой персональной выставке в галерее Ferus в Нью-Йорке. В общей сложности тридцать две банки из-под супа с ручной росписью и различными надписями на холсте были представлены в центре внимания как произведения искусства. Что неудивительно сегодня, но в 1962 году поп-арт был еще в зачаточном состоянии.
Растение в том виде, в каком мы его знаем сегодня, пятьдесят девять лет назад выглядело немного иначе. Для его первого публичного показа 9 июля 1962 года тридцать два изображения были выстроены в горизонтальную линию. Один за другим, как на полке в супермаркете. Поп-арт был неудержим. Уорхол вводил потребительские товары в мир галерей, не упуская из виду и не художественно затушевывая их реальную рыночную стоимость.
Его работы соответствовали определению поп-арта, описанному в письме британского художника Ричарда Гамильтона в 1957 году: «Поп-арт — это: популярный, мимолетный, излишний, недорогой, массовый, молодой, веселый, сексуальный, полный трюков, гламурный. и большой бизнес.
Энди Уорхол соответственно создавал свои работы на фабрике, в своей мастерской, которую он называл «Фабрика». И он был машиной. Для банок для супа Кэмпбелла он использовал технологию производства из рекламной индустрии - трафаретную печать. Индустриальный мотив воспроизводится и повторяется в последовательных мотивах. Как перфекционист, для Энди Уорхола была важна каждая деталь, он ничего не оставлял на волю случая.
Если смотреть издалека, банки с супом «Кэмпбелл» выглядят как тридцать две одинаковые банки. На самом деле все тридцать два написаны от руки и уникальны. Энди Уорхол придал томатному супу другой вкус, от говядины до супа из черной фасоли и лука.
Через пять лет после того, как он покрасил банки с супом Кэмпбелл, Уорхол пошел еще дальше и придал им цвет: синий, зеленый, желтый, фиолетовый. Буквы и основные цвета банок стали новым гармоничным рядом. Этими девятнадцатью картинами Уорхол сформировал свой художественный след, обновил художественные процессы и представил звезду поп-арта: полихромную серию. Уорхол вручную расписал серию банок с супом Кэмпбелл. Он использовал шелкографию, но также и цвет. Он играл с правилами искусства, чтобы лучше их использовать, а также чтобы лучше видеть вещи.
Уорхол однажды сказал: «Все вещи имеют свою красоту, но не все умеют ее распознавать». Энди Уорхол был своего рода поэтом о себе. Банка может стать вазой с цветами, логотип бренда можно аккуратно и деликатно нарисовать кистью. А банка супа из массовой индустрии может стать художественной иконой: иконой поп-арта.
Суп Кэмпбелл: королевский бренд
Уорхол утверждал, что он был постоянным потребителем супа Кэмпбелл: один на обед каждый день в течение двадцати лет. Повторение не остановило его, «одно и то же снова и снова» было тем, что он искал. Потребление было и остается сердцем американского общества, но в то время промышленным товарам масс по-прежнему отказывали в доступе в музеи. Именно этого и хотел Уорхол: ввести в искусство настоящее массовое потребление.
Для отражения окружающего мира он использовал фотографии из рекламы, знаменитостей и комиксов. Текущий слоган бренда Campbell's Soup также применим к поп-арту: «Сделано для реальной жизни». В интервью журналу The Face Энди Уорхол как-то сказал, что его мать использовала жестяные банки в качестве ваз для букетов. Так что кажется разумным думать, что его серия работ с банками также отдает дань уважения этому воспоминанию о его детстве.
Эндрю Уорхола был младшим сыном родителей, иммигрировавших в Соединенные Штаты из северо-восточной Словакии. Творческий с раннего возраста, родители поддерживали его, как могли, несмотря на отсутствие финансовых средств. Банка может быть повседневным одноразовым предметом для одного человека и вазой для другого.
Поп арт
Поп-арт (Pop art) — популярное и доступное искусство. Он понятен большинству людей, легко распознается и объясняется. Это художественное направление, основанное на объектах массовой культуры и ориентированное на развлечение, на коммерцию, а не на поиски глубокого смысла, философии и духовности.
Это одно из самых важных художественных движений 1950-го века. Поп-арт зародился в Великобритании и США в XNUMX-х годах как реакция на совсем другое направление современного искусства — абстрактный экспрессионизм.
Чтобы понять, что такое поп-арт, нужно начать с другого направления в искусстве — абстрактного экспрессионизма. В ней художник освобождает разум от законов логики и выражает на холсте свой внутренний мир, такой как «видит» и «чувствует». Но на деле все еще сложнее. Та же проблема возникла в 50-х годах XNUMX века, несмотря на огромную популярность, не все понимали творчество художников-абстрактных экспрессионистов. Чтобы оценить их по достоинству, человек уже должен разбираться в искусстве.
Что сделало это направление искусства доступным не всем, а избранным. Поп-арт стал своеобразной реакцией, противостоянием абстрактному экспрессионизму. Его девизом была идея: возвращение к реальности, а не к фантазии художника. Источником вдохновения стала реклама, журналы, пищевая упаковка, фотография, телевидение, айдолы, стереотипы, кино, супермаркеты, комиксы, в общем, все, что происходит в повседневной жизни самых обычных людей.
Первые шаги нового стиля в живописи были связаны с деятельностью Независимой группы художников и архитекторов, основанной в 1952 году в Лондоне. Они первыми использовали современные технологии для создания картин с основными мотивами популярной городской и массовой культуры. Основой исследования стала американская культура.
Пионеры стиля Э. Паолоцци и Р. Гамильтон изучали психологические воздействия массовой культуры, ее значение, языковое содержание. В первую очередь меня интересовали методы промышленной рекламы, современные технологии производства рекламы, техника создания коллажей.
В 1956 году состоялась выставка «Это завтра». Художники представили публике изображения в стиле поп-арт, изображающие голливудских звезд, кадры из известных фильмов с увеличением. Именно после выставки к потоку присоединились многие выпускники художественных школ, вдохновленные новым стилем.
В Соединенных Штатах стиль развился и стал популярным. Здесь большое внимание уделялось эстетизации банального: упаковки, ширпотреба. Суть американского поп-арта: предметы, которые потребляют люди, делают равными друг друга представителей разных социальных слоев. Таким образом, поп-арт — это искусство социального равенства.
В Англии движение поп-арт зародилось благодаря английскому художественному критику Лоуренсу Аллоуэю, который первым использовал термин «массовое популярное искусство» в конце 1950-х годов.Они были членами группы The Independent Group: Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, Элисон и Питер Смитсон и Лоуренс Аллоуэй. Однако первая работа должна быть в 1956 году Ричардом Гамильтоном.
В Соединенных Штатах, с другой стороны, это течение возникло из-за отдельных людей, которые работали в одиночку и не были представлены как члены какой-либо группы. Самыми известными художниками являются Роберт Раушенберг, Клас Ольденбург, Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол. Странно то, что эпохи развивались независимо друг от друга в США и Англии.
Ла Обра
Это банки с супом Кэмпбелл, которые Энди Уорхол создал для своей первой выставки в галерее Ferus в Лос-Анджелесе в 1962 году. В этой работе автор обращается к феномену взаимозаменяемости, поскольку «индивидуальность человека с обществом потребления 1960-х гг. в Америке исчезает».
Картина состоит из тридцати двух полотен. При создании использовалась техника печати. Интересно, что компания Campbell Soup Company (CBS) существует до сих пор (основана в 1869 году), и на иллюстрациях показано, какие виды супов компания продавала в то время. Банки отличаются не только названием отдельных супов, но и частью красной этикетки, где присутствует цвет, отличный от красного оттенка. Вся композиция состоит из тридцати двух прямоугольников, то есть этикетки являются основным объектом контейнера.
Можно сказать, что все банки выглядят одинаково и создают ощущение единства, причина этого в том, что банки имеют одинаковую структуру и могут быть представлены однообразными пространствами, как на полке в супермаркете. Баночки разделены на две части. В красной части написано два слова: название компании и слово «конденсированный».
С другой стороны, в белой части вы можете увидеть соответствующие виды супов, которые написаны красным цветом. Слово «суп» особенно украшено более темной полосой посередине букв, а дно коробки также украшено золотой окантовкой и красной линией. На изображении сильный контраст красного и белого. Здесь просто нет перехода от ярко-красного к красному. В банке красный цвет играет гораздо более важную роль, чем белый.
Если бы банку покрасили только в белый цвет, она была бы не интересна и не привлекала бы внимания. Возможно, тогда это не было бы поп-артом, здесь тоже две цветовые гармонии, одна состоит из красного и золотого тона (символ посередине), а вторая состоит из белого, золотого и черного тона. Изображение также нарисовано в так называемом комическом стиле и не имеет движения. Таким образом, все изображение имеет почти реалистичную форму изображения (за счет комического стиля) и пространство изображения.
Красный цвет означает, что он оказывает на зрителя теплое, энергичное и игривое воздействие. Напротив, мы не считаем черный и белый цветами, потому что они не влияют на нас и нейтральны. Даже золото имеет теплый характер, и хотя банка содержит белую глину (прозрачная половина контейнера), мы склонны классифицировать ее в теплой цветовой среде.
Сегодня точно не ясно, почему Уорхол выбрал банки для супа Кэмпбелла, но можно сказать, что он выбрал банки по ряду причин. Возможно, Уорхолу понадобился новый сюжет после ухода из комикса. Другая причина возникла из-за рекомендации Роберты Латоу. Она сказала, что помимо изображений банкнот США Энди должен нарисовать что-нибудь простое. Также известно, что Уорхол любил супы и рисовал тарелку, потому что она была близка его сердцу. Выбор показывает ваше знакомство с этими супами.
И почему банки с супом Кэмпбелла принадлежат эпохе поп-арта? Приходится исходить из определения, то есть поп-арт – это художественное течение в живописи, зародившееся в середине пятидесятых годов XNUMX века, созданное в Англии и США, мотивы которого взяты из повседневной культуры, мировой потребления и рекламы, эта работа соответствует этому течению, потому что она показывает американское общество потребления того времени.
Первая серия банок была изготовлена в 1962 году. В 1969 году Энди разработал еще одну серию из десяти изображений (всего было 250 экземпляров второй серии), но выглядели они немного иначе. Основная идея была сохранена, красное и белое, но также и желтое в середине картины, и контрасты стали еще сильнее, например, через контур между желтым и черным или через людей. Вторая серия сильно спорит с неровностями и неравномерностью первой серии. Эти банки уже показали свои разработки в области рекламы.
Первая экспозиция
«Банки с супом Кэмпбелла» стали первой значимой персональной выставкой Энди Уорхола, резко изменившей его карьеру. Произошло это в 1962 году в галерее Ferus в Лос-Анджелесе, штат Калифорния. Уорхол тогда работал иллюстратором для модных журналов. У него было несколько выставок в нью-йоркской галерее, и однажды он даже написал о нем в журнале Life, но в целом Уорхол оставался малоизвестным художником.
Однажды он даже пытался подарить одну из своих работ американскому музею The MoMA, но ее вернули. Директор Ferrus Gallery Ирвин Блюм предложил выставку малоизвестному Уорхолу после того, как он впервые увидел шесть полотен в 1961 году.
Блюм пришел к Уорхолу по предложению Ивана Карпа, заместителя директора знаменитой нью-йоркской галереи Лео Кастелли и одного из первых и самых преданных сторонников поп-арта, надеясь увидеть картины Уорхола, такие как комиксы Роя Лихтенштейна галереи Кастелли. Но после посещения квартиры Уорхола на Лексингтон-авеню, которая также использовалась как мастерская, было решено представить выставку под названием «32 банки с супом», состоящую из тридцати двух картин размером 182 на 132 см, изображающих банки с супом Кэмпбелла.
«…Я прошел по коридору, — рассказывал позже Блюм, — и увидел на полу, прислоненные к стене, изображения банок с супом. Я сказал: «Энди, что это?» Он сказал: «О, я делаю это сейчас». И я сказал: «Почему больше одного?» Он сказал: «Я собираюсь сделать тридцать два». Я просто не мог в это поверить. Я сказал: «Почему тридцать два?» Он сказал: «Всего существует тридцать две разновидности».
Центром выставочной жизни в те годы считался Нью-Йорк, но Уорхол счел интересным провести выставку в Лос-Анджелесе, так как голливудские кинозвезды, которые всегда были предметом особого интереса художника, могли знать об этом.
Превращение объекта в товар у Уорхола было полной противоположностью превращению реальных товаров в объекты в реди-мейде Дюшана. Картины были расставлены вдоль белых стен галереи на полках, расставленных как в настоящем супермаркете. Выставка, несомненно, была радикальной, многие даже сомневались, можно ли это считать искусством.
Шоу не вызвало того ажиотажа, которого ожидали Блюм и Уорхол. Фактически, тот небольшой отклик, который был получен от публики или искусствоведов, был довольно резким. «Этот молодой «художник» либо дурак, либо упрямый шарлатан», — написал один рецензент.
Карикатура в Los Angeles Times высмеивает картины и их целевую аудиторию. «Честно говоря, крем из спаржи на меня не действует», — говорит один любитель искусства другому, стоя в галерее. «Но ужасное богатство куриной лапши дает мне подлинное ощущение дзен». Арт-дилер рядом с галереей Ферус был еще острее. Он оставил у себя в витрине настоящие банки из-под супа «Кэмпбелл» вместе с надписью: «Не дайте себя одурачить. Получите оригинал. Наша самая низкая цена — два по тридцать три цента».
Несмотря на все это, Блюму удалось продать пять картин, в основном друзьям, в том числе актеру Деннису Хопперу. Но еще до того, как шоу закончилось, он вдруг передумал. Поняв, что картины больше подходят в комплекте, Блюм купил те, что продал. Он согласился заплатить Уорхолу тысячу долларов за все. Уорхол был в восторге, он всегда думал о банках для супа Кэмпбелла как о наборе. И для художника, и для дилера это решение было сложным поступком, который окупился в будущем.
Как только публика и критики оправились от шока, они начали превращаться в консервные банки супа Кэмпбелла Уорхола. Во-первых, это была новая идея в искусстве. Насколько сложно понять картину, если оригинал наверняка стоит на кухонной полке? Критики стали замечать лукавый и ироничный юмор в «портретах» Уорхола «Скотч Бульон» и «Куриный Гамбо». И решение Блюма сохранить картины вместе увеличило их влияние.
Выставка в галерее Ferus стала поворотным моментом в карьере Уорхола. После «Банки для супа Кэмпбелла» Уорхол перешел от рисования к трафаретной печати — процессу, который дал больше результатов и позволил ему создать несколько версий одной и той же работы. Его репутация продолжала расти. К 1964 году продажная цена картины в банке из-под супа, отсутствующей в наборе Блюма, выросла до 1.500 долларов, и светские львицы Нью-Йорка использовали банки из-под супа для печати на платьях, сшитых на заказ самим художником Уорхолом.
Сама компания Campbell's Soups вскоре присоединилась к веселью. В конце 1960-х компания использовала популярную тогда прихоть платьев с платьем Souper и маленькой сумочкой, покрытой этикетками супа в стиле Уорхола. Каждое платье имело три золотые полоски внизу, так что владелец мог отрезать платье до нужной длины, не вырезая выкройку на жестяной банке. Цена: один доллар и две этикетки супа Кэмпбелл.
Сегодня банки из-под супа Уорхола остаются иконой поп-культуры, от тарелок и кружек до галстуков, футболок, досок для серфинга и скейтбордов. Одной из самых шокирующих фотографий была фотография самого Уорхола: на обложке журнала Esquire в мае 1969 года он тонул в банке с томатным супом Кэмпбелл.
В конце концов банки Уорхола были признаны Музеем современного искусства достойными называться искусством. В 1996 году музей купил тридцать две картины Ирвинга Блюма за 1962 миллионов долларов, что стало поразительной отдачей от его инвестиций в 1995 долларов в XNUMX году. Даже платье Souper было объявлено классикой. В XNUMX году, за год до того, как картины поступили в Музей современного искусства, они вошли в коллекцию Метрополитен-музея.
Выставка «Банки с супом Кэмпбелла» стала важной вехой в развитии поп-арта и карьеры Энди Уорхола, который продолжил работу в этом жанре, перейдя к производству экранных принтов с портретами кинозвезд и газетных вырезок. откроет свою знаменитую фабрику на Манхэттене.
Блюм будет специализироваться на поп-арте и будет работать с другими известными поп-артистами, такими как Рой Лихтенштейн и Фрэнк Стелла. Поп-арт, отличающийся простотой, доступностью и лаконичностью образов, тиражируемых предметами массовой культуры и потребительства, станет одним из символов американского искусства.
Исполнитель
Энди Уорхол (1928–1987) — американский художник, один из главных представителей поп-арта в этой стране. На фабрике, которую он основал, сотрудники и друзья были заняты, помогая ему в производстве его произведений искусства. Успех Энди Уорхола, который с начала 1960-х имел дело с медийными образами суперзвезд, побудил коллекционеров и денежную знать позволить ему интерпретировать себя.
Он также снимал экспериментальные фильмы, основал журнал Interview и был музыкальным продюсером рок-группы Velvet Underground. Когда Энди Уорхол умер в возрасте пятидесяти восьми лет, он оставил после себя огромное количество работ, начиная от простой рекламной графики и заканчивая картинами, объектами, фильмами и книгами.
От коммерческого художника до галерейного художника
Получив образование в качестве коммерческого и очень успешного художника в 1950-х годах, он переключился на изобразительное искусство в 1960 году, первоначально имея дело с эмблемами средств массовой информации и общества потребления. Разрабатывал и создавал рекламу для Vogue, Glamour, Harper's Bazaar и LIFE. Он иллюстрировал рассказы для Трумэна Капоте. Уже в 1952/53 году он выставил эти ранние работы на своей первой галерейной выставке, а в 1956 году — на выставках в Музее современного искусства. Уорхол начал коллекционировать искусство во время путешествия по Европе и Азии в 1956 году.
В 1960 году Энди Уорхол обратился к живописи и работал над такими картинами, как «Субботний Папай» и «Супермен». Однако он обнаружил, что Рой Лихтенштейн уже доминировал на галерейном рынке с этими мотивами. В следующем году Энди Уорхол вернулся в потребительский мир и выбрал в качестве своего первого мотива банку Del Monte с половинками персиков. Начиная с декабря 1961 года, он работал над знаменитой серией банок для супа Кэмпбелла, тридцатью двумя повторениями фронтального изображения банки с супом с разными вкусами, как следует из этикетки.
Уорхол сослался на рекламу потребительских товаров, которую он раньше помогал формировать своими многообещающими изображениями. С помощью проектора он смог увеличить рекламные темы и воспроизвести их от руки; работы, выпускаемые серийно, выполнялись по шаблонам. В то же время он делал скульптуры из картона и дерева. Вместе с Роем Лихтенштейном он отреагировал на обозримый конец абстрактного экспрессионизма, начавшийся с трагической смертью Джексона Поллока в 1956 году.
После того, как Энди Уорхол стал успешным художником и художником из галереи поп-арта, он очень невротически скрывал свое рекламное искусство 1940-х и 1950-х годов. Как он открыто признается в попизме, мужчина лет тридцати пяти сознательно пытался создать новую личность для новой карьеры. Уорхол считал рынок художественных галерей просто более элегантным, чем рынок коммерческих художников. Для этого он смешивал «коммерческое искусство» (рекламную графику) с «настоящим искусством» и наоборот.
Ранние выставки в Лос-Анджелесе (1962 г.), Париже с Илеаной Соннабенд (1964 г.) и в 1965 г. его первая музейная выставка в Институте современного искусства в Филадельфии закрепили за Уорхолом известность как художника. В том же 1965 году он перестал рисовать и полностью посвятил себя трафаретной печати, фотографии и кино.
Энди Уорхол добился ошеломительного успеха в начале 1960-х годов, когда он воспользовался медийными образами кинозвезд и поп-икон, таких как Мэрилин Монро, Элвис Пресли и Лиз Тейлор. Думая, что десять фотографий этих личностей — это больше, чем одна, Уорхол воспроизвел фотографии с помощью трафаретной печати.
Яркие цвета одновременно подчеркивают, искажают и отчуждают портреты. Уорхол сумел перенести на себя культ звезд вокруг киноактеров, жен политиков и рок-музыкантов через безошибочную стилизацию своих портретов. Это позволило ей не только пересечь социальные границы как артистке, но и стать поп-звездой.
Он нашел темную сторону американской мечты в изображениях автомобильных аварий («Смерть и катастрофа») и электрического стула («Электрический стул»). Используя трафаретную печать, которая считалась репродуктивной и поэтому нехудожественной, и используя акриловую краску, Энди Уорхол создавал композиции, для которых в качестве шаблонов использовал пресс-фотографии трагических происшествий или авиакатастроф и тому подобное.
Он раскрашивал холсты перед тем, как сделать их с фотографий. Дополнительная краска выделяет отдельные части рендеринга. Энди Уорхол также интересовался воспроизведением и модификацией отпечатков, которые сотрудники могли производить без его участия.
Энди Уорхол Мотивация
И Украина, и Словакия уже много лет претендуют на право называть Уорхола своим: родители художника, Ондрей и Юлия Джастин Уорхол, эмигрировали за границу из села Микова в Прешовском крае современной Словакии (до 1918 года – Австрия). -Венгрия). По национальности они были русинами, этническим меньшинством, которое в современной Украине считается частью титульной нации.
Однако эти споры, конечно, беспочвенны: Уорхол был образцовым, стопроцентным американцем, и именно Соединенные Штаты должны законно считаться его родиной. Кроме своей религиозности, тщательно скрываемой при жизни, художник остался верен своим корням: с детства находился в лоне греко-католической церкви византийского обряда.
Как мало кто знал, он усердно посещал мессу в соборе св. Винсента Феррера на Манхэттене (по воспоминаниям настоятеля, он сначала заметил чужого прихожанина, крестившегося по православному стилю, и только потом заметил, кто был). По словам родственников художника, он особенно гордился тем, что финансировал обучение своего племянника в семинарии.
И в собственных работах Уорхола искусствоведы видят не только материальную, но и духовную составляющую. Известный исследователь современного искусства, критик и богослов Джеймс Ромен писал:
«На первый взгляд потребительские образы Уорхола кажутся занятыми только внешним миром современной культуры, полностью исключая внутреннюю жизнь веры. Но есть и гложущее стремление к чему-то большему, жажда, особенно явная в последнем «Автопортрете» и в знаменитых банках с супом «Кэмпбелл».
Чтобы увидеть эту религиозную составляющую, мы должны заново открыть смысл сакрального, используя материальные вещи как пути к божественному, к проникновению в вечность сквозь время и пространство».
Эта точка зрения может показаться парадоксальной и даже шокирующей, но Ромен приводит убедительные доказательства. Пресловутые банки супа Кэмпбелла (один из доминирующих мотивов Уорхола: он создал несколько версий своей знаменитой работы 1962 года) он видит как автопортрет художника:
«Полки, как и публичный образ Уорхола, холодные, металлическая машина, непробиваемая.
Но автопортрет дополняется своим содержанием; На самом деле это самая важная часть банки с супом, но она имеет мало общего с тем, как банка выглядит. Суп, горячий источник питательных веществ, является чувствительным веществом, которое не выживет без защитной упаковки. Точно так же вера Уорхола скрыта за образами супермаркета.
Стоит отметить, что одна из последних работ Уорхола была тесно связана с религиозной тематикой: серия сериграфий по мотивам «Тайной вечери» Леонардо да Винчи. Однако здесь художник показал скорее иной взгляд на существование сакрального искусства в светском и профанном мире, дополнив воспроизведенную в миллионах фотографий и репродукций композицию да Винчи рекламными логотипами известных торговых марок. Как отмечает Клаудия Шмюкли, куратор первой выставки серии в США:
«Это кажущееся еретическим неуважение отражает неизбежное превращение глубоко религиозной работы в клише, духовное послание которого заглушается бесконечным повторением. Как последний эпизод Уорхола, «Тайная вечеря» служит мощным напоминанием о принципах, которыми пронизаны все его художественные начинания».
Можно отметить, что манера Уорхола-портретиста, маниакально удалявшего со своих моделей все дефекты кожи и морщины, объясняется не только стремлением их «приукрасить», но и стремлением к абсолюту, к изображению идеального человека, смывшего с себя все грехи (не исключая и имманентного первородного).
В этом свете становится понятнее известное изречение о «пятнадцати минутах славы для всех»: слава дает по крайней мере иллюзию бессмертия; для Уорхола это символизировало, по мнению некоторых исследователей, превращение обычного человека с улицы в существо, приближающееся к божественному порядку.
Уорхол, возможно, отчасти ассоциировал себя со Христом, но не в явно еретическом мессианском контексте для доброго христианина, а в том смысле, в котором знаменитый теолог Ричард Нибур в своей книге «Христос и культура» (1951) сравнил мистическую работу художник, который «превращает культуру», в таинство Евхаристии, когда обычные хлеб и вино превращаются в Святые Дары.
И даже известный почти всем благодаря фильму Оливера Стоуна трюк с золотым телефоном для разговора с Богом, подаренный Джиму Моррисону, можно увидеть вне циничной упаковки. С одной стороны, золотой телефон служит символом власти и богатства; Неудивительно, что латиноамериканские диктаторы любили эти устройства.
С другой стороны, первый известный телефон из золота был преподнесен американскими католиками в подарок Папе Пию XI в 1930 году (устройство использовалось римскими епископами до окончания понтификата Иоанна XXIII в 1963 году). Так что дар Уорхола можно объяснить по-разному (кстати, по словам биографа Моррисона Стивена Дэвиса, у телефона был только золотой циферблат, опять же поле для интерпретации).
Однако сам Уорхол не очень любил давать объяснения: он оставил это занятие критикам, искусствоведам, философам и широкой публике, которые охотно судачили о его работах и о его экстравагантных нарядах, друзьях, полулегендарных приключениях. Как отмечают почти все биографы Уорхола, на самом деле его почти не интересовали секс, наркотики и даже деньги: он жаждал славы. И ему это полностью удалось.
Биография Энди Уорхола
Энди Уорхол родился 6 августа 1928 года в семье Андрея Вархолы (1888-1942) и Юлии Юстины в Питтсбурге, штат Пенсильвания, и был назван Эндрю Уорхола на русинском греческом языке, крещен католиком. Семья имела русские корни и происходила из села Микова в Карпатах, на северо-востоке сегодняшней Словакии (в то время: Королевство Венгрия), живя в бедных условиях. У Энди было два старших брата: Пол и Джон. Поскольку мать Энди Уорхола долгое время отказывалась учить английский, Энди выучил язык только в школе.
1932/33 Отец Энди Уорхола, Андрей, зарабатывал на жизнь сборщиком в строительной компании. Он редко бывал дома, и все скучали по нему. Так как блестящего Энди было трудно приручить, семья решила записать его в школу в возрасте четырех лет. Однако, поскольку она вернулась в слезах в ночь первого школьного дня, она не пошла в школу, пока ей не исполнилось шесть лет.
1934-1936: начальная школа Благодаря возросшему доходу Андрея Уорхолы он смог получить кредит и переехать с семьей на Доусон-стрит в Окленде. Энди пошел во второй класс начальной школы Холмса, так как его единственный день в начальной школе Сохо считался полным годом.
1936 Восьмилетний Энди Уорхол часто страдал от припадков в школе, которые мешали ему писать и над ним высмеивали одноклассники. Врач отверг хорею Хантингтона (широко известную как танец Святого Вита) и редкое нарушение пигментации, из-за которых его долгое время считали альбиносом.
Поскольку он долгое время был прикован к постели, Уорхол отдавал предпочтение комиксам и фильмам. Кроме того, его близкое воспитание с матерью восходит к этому опыту. После выздоровления он почти каждое субботнее утро проводил в кино. Ширли Темпл стала ее кумиром и образцом для подражания.
1937-1940: Учитель рисования Энди в начальной школе Холмса в 1937 году предложил ему пройти престижный бесплатный урок рисования, проводимый в музее Карнеги по утрам в субботу. Энди регулярно посещал бесплатные субботние занятия до 1941 года. Он разделился на младшую студенческую группу. Его учителя, особенно Джозеф Фицпатрик, оказали на него первые важные художественные влияния. Энди Уорхол пропустил пятый класс.
1942 Смерть отца после нескольких лет тяжелой болезни от туберкулеза. Эта потеря сильно ударила по четырнадцатилетнему Энди Уорхолу; он прятался под кроватью, когда тело его отца принесли из больницы. По русинской традиции, Ондрей Уорхола пробыл в своем доме три дня, что могло спровоцировать последующую конфронтацию Уорхола с темой смерти. Финансовое положение семьи ухудшается, но два его старших брата редко бывают дома.
1945-1949: Деловая графика (Живописный дизайн) в Технологическом институте Карнеги в Питтсбурге. Энди Уорхол окончил одиннадцатый класс средней школы Шенли. Запись в ежегоднике под его именем гласит: «Подлинный, как отпечаток пальца».
1945 Энди Уорхол изучал коммерческое искусство в Технологическом институте Карнеги (сегодня: Университет Карнеги-Меллона) в Питтсбурге, точнее живописный дизайн, историю искусств, социологию и психологию. Энди заинтересовался учением Баухауза. Он давал уроки рисования и работал во время семестровых перерывов, как и в последующие годы, в универмаге Джозефа Хорна в Питтсбурге. Он познакомился с Филипом Перлстайном.
1947 На третьем курсе Энди Уорхол получил премию Джона Л. Портера за прогресс за рисунки, которые он сделал в прошлом году, когда он и его брат продавали фрукты из фургона. Летом он вместе со своими сокурсниками арендовал сарай, который они использовали как кабинет.
1948 Осенью Энди Уорхол начал свой последний год в Институте Карнеги. Работал редактором изображений в студенческом журнале «Кано». В своих произведениях он уже использовал «размытую линию», импровизированную монотипную технику, которая стала его визитной карточкой как коммерческого художника.
1949 Энди Уорхол продемонстрировал картину «Бабушка дала мне мое лицо» на ежегодной выставке Associated Artists of Pittsburgh. Жюри неоднозначно обсудило и отклонило изображение. Джордж Гросс, один из членов жюри, похвалил работу, которая наконец была показана и признана на второй местной выставке. 16 июня 1949 года Энди Уорхол получил степень бакалавра изящных искусств.
Вместе с сокурсником Филипом Перлштейном он переехал в Нью-Йорк, чтобы работать художником по рекламе. Они делили квартиру на площади Святого Марка. В сентябре они переехали на старую фабрику на 21-й улице, и с тех пор он называл себя Энди Уорхолом. Большая часть его раннего дизайна касалась обуви, когда он работал на обувной фабрике.
Энди обратился к арт-директорам крупных журналов и предложил им работу. Журнал Glamour дал ему свой первый заказ: он создал иллюстраторов для статьи «Успех — это работа в Нью-Йорке». Затем последовало множество других заказов, в том числе для Vogue, Seventeen и Harper's Bazaar.
1950 Журнал «Мадемуазель» опубликовал рисунки, подписанные «Энди Уорхолом». Его сценический псевдоним был создан примерно в 1942 году, когда окружающие забыли букву «а». Позднее художник вспоминал, что это был, так сказать, «естественный» процесс (а не сознательный отход от своих корней).
1952 Первая персональная выставка в галерее Хьюго в Нью-Йорке (16 июня – 3 июля), где он представил свои иллюстрации к книгам Трумэна Капоте: «Энди Уорхол – пятнадцать рисунков, основанных на произведениях Трумэна Капоте». Он уже познакомился с директором галереи Александром Иоласом в 1945 году. Он получил «Медаль Клуба арт-директоров» за разработку нескольких газетных рекламных объявлений.
1954 Уорхол получил «Сертификат качества» Американского института графических искусств за свою коммерческую работу. Вместе с Чарльзом Лисанби, написавшим тексты песен, Уорхол выпустил в подарок книгу «25 кошек по имени [так в оригинале] Сэм и одна синяя киска». Он встретился с друзьями в «Serendipity», чтобы раскрасить листы. В октябре The Loft Gallery организовала выставки «Новая галерея представляет новых художников».
1956 Энди Уорхол получил награду Клуба арт-директоров «За выдающиеся заслуги» за рекламу обуви I. Miller.
Галерея Бодли показала «Рисунок для мальчика» Энди Уорхола. 16 июня художник-график и друг Чарльз Лисанби отправился в обширное мировое турне по Европе и Азии, во время которого он начал коллекционировать. Он вернулся в Нью-Йорк 12 августа. Первое участие в выставке «Recent Drawings USA» в Музее современного искусства, но уже как график, а не как живописец или независимый художник.
1957 Уорхол был одним из самых известных и высокооплачиваемых коммерческих художников-графиков Америки. Получил медаль и специальную награду Клуба арт-директоров за газетную рекламную графику.
Затем он основал «Энди Уорхол Энтерпрайзис, Инк.» В «Золотой книге» он опубликовал рисунки «стертых линий» на золотой бумаге. Выставка в галерее Бодли «Шоу золотых картин Энди Уорхола». «Журнал Life» насмешливо критиковал это. Пластическая операция на носу.
1960 Через Тину Фредерикс Энди Уорхол познакомился с Эмилем де Антонио, который также дружил с Джаспером Джонсом и Робертом Раушенбергом. Энди Уорхол начал работать над картинами, на которых были представлены массовые изображения (комиксы и реклама) и обычные потребительские товары, такие как банки супа Кэмпбелл и бутылки из-под кока-колы. Он показал их в витрине универмага Bonwit Teller в Нью-Йорке (апрель). Он также встретил Билли Линича (Билли Нейм) в 1960 году; с тех пор он много лет принадлежал к кругу Энди Уорхола.
1961 Энди Уорхол создал свои первые художественные произведения, с которых и начинается резоне каталога. Эта первая серия работ была основана на рекламных иллюстрациях из журналов. В галерее Лео Кастелли Уорхол увидел работы Роя Лихтенштейна, которые, как и его собственные недавние изображения, основаны на мотивах комиксов. Уорхол пригласил Ивана Карпа, помощника Кастелли, показать ему свои работы. Кастелли отказался представлять Уорхола, сославшись на более поздние работы Лихтенштейна. Следовательно, Уорхол отказался от героев комиксов в качестве мотивов для своих изображений.
1961 Уорхол начал интенсивно работать с первой рабочей группой Campbell's Soup Cans. Однако сначала он всегда раскрашивал только отдельные банки, все больше открывал для себя визуальную привлекательность рядов и комбинаций. «Банки с супом Кэмпбелл, группа из 32» и серия «Банки с супом Кэмпбелл» из XNUMX штук.
1962 Первая персональная выставка в качестве художника: Уорхол выставил свои банки с супом Кэмпбелл по приглашению Ирвинга Блюма, тогдашнего партнера Уолтера Хоппса, в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Он сделал тридцать два почти идентичных изображения, потому что консервированный суп был доступен с тридцатью двумя разными вкусами. Меняется только содержание, которое не обнаруживается по внешнему виду массового продукта.
Примерно в то же время, что и Раушенберг, Уорхол открыл технику фототрафаретной печати как метод создания изображений летом. Первая работа в этой технике — «Бейсбол», на которой изображен знаменитый бейсболист Роджер Марис. Уорхол экспериментировал со штампами, штампами и шаблонами. Затем Уорхол нарисовал «129 Die in Jet» на основе обложки журнала New York Mirror от 4 июня 1962 г. В дополнение к другим изображениям катастроф Уорхол также изобразил трезвые бутылки Coca-Cola.
После смерти Мэрилин Монро 5 августа Уорхол создал портреты дивы на основе кадра из фильма «Ниагара». Энди Уорхол все чаще делал сюжетами своих портретов иконы своего времени: он создал обширную серию о Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор («Лиз в образе Клеопатры», 1962 г. — по фото актрисы в журнале «Life» за апрель 13, 1962) Элвис Пресли, Джеймс Дин.
Участие в выставке «Новые реалисты» в галерее Сидни Дженис в Нью-Йорке: на этой первой крупной выставке поп-арта были представлены работы Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола, Класа Ольденбурга, Джеймса Розенквиста, Джорджа Сигала, которые можно увидеть рядом с произведениями искусства европейских художники. Уорхол был представлен «200 банками супа Кэмпбелл».
Элеонора Уорд показала подборку работ Уорхола в галерее Stable: «Портреты Мэрилин и Элвиса», «Закрой укрытие перед ударом», Coca-Cola. С этой выставки Филип Джонсон приобрел для MoMA картину «Золотая Мэрилин». В конце концов Уорхол прекратил свою работу в качестве коммерческого художника, благодаря которому до этого момента он финансировал свою художественную деятельность.
1963 Энди Уорхол открыл свою студию без телефонов, так называемую «Фабрику», в пожарном депо на Восточной 87-й улице. Сослуживцы и друзья работали над «производством» произведений искусства. В период с 1962 по 1967 год фабрика считалась популярным местом для художников всех мастей. Уорхол работал над фильмами «Электрические стулья» и «Расовые беспорядки». Шелкография «Расовые беспорядки» была основана на фотографии из журнала Life о противостоянии между активистами гражданских прав и полицейскими в Бирмингеме, штат Алабама.
1968 Покушение на убийство Энди Уорхола: суфражистка Уорхола и актриса Валери Солана застрелили его на фабрике, серьезно ранив его, потому что он отказался снимать сценарий для своего манифеста «Общество отрезать мужчин (SCUM)». Эпоха заводов подошла к концу.
1987 Энди Уорхол скончался 22 февраля 1987 года в Нью-Йоркской больнице — Медицинском центре Корнелла на Манхэттене, штат Нью-Йорк, в возрасте 58 лет после операции на желчном пузыре и осложнений, вызванных непереносимостью пенициллина. Энди Уорхол был похоронен в Питтсбурге рядом с семьей и друзьями. 1 апреля 1987 года в соборе Святого Патрика в Нью-Йорке прошла панихида, на которой присутствовало более двух тысяч скорбящих.
Вот несколько интересных ссылок: