Între sfârșitul secolului al XV-lea și începutul secolului al XVI-lea, în Țările de Jos de Sud a apărut un grup de artiști talentați, numit ca Flamingo primitiv, care a oferit istoriei umanității contribuții culturale nesfârșite. De aici și importanța de a avea cunoștințe despre el, așa că rămâneți cu noi și bucurați-vă de acest articol informativ.
Ce sunt flamingii primitivi?
Picturile realizate între secolele al XV-lea și al XVI-lea de un grup mare de artiști din sudul Țărilor de Jos sunt cunoscute sub numele de Primitivi flamanzi. Unul dintre cele mai transcendentale puncte din istoria artei este atribuit unei astfel de perioade.
Cu alte cuvinte, când ne referim la această denominație, vorbim istoriografic despre maeștrii școlii flamande de pictură din primele sale secole, de la Jan van Eyck în prima jumătate a secolului al XV-lea, până la Pieter Brueghel cel Bătrân la mijlocul secolul al XV-lea.secolul al XVI-lea.
În cadrul acestui grup, format din Dieric Bouts, Hans Memling, Rogier van der Weyden, însuși Jan van Eyck, printre alții, exponenții săi au trăit și au lucrat mai ales în orașele prospere care alcătuiesc regiunea, precum: Anvers, Bruges, Bruxelles. , Gent și Leuven.
Pictura flamandă a fost întemeiată de diverse școli: italiana și reacționară în secolele al XV-lea și al XVI-lea, și coloristul sau naturalistul Școlii din Anvers, aparținând secolului al XVII-lea. Primele două fac parte din arta Olandei, care a apărut în timpul Renașterii europene.
În termeni generali, a fost un grup de artiști care au fost oarecum izolați de ceea ce a fost revoluția Renașterii și, pentru unii, cum ar fi cei aparținând școlii reacționare, împotriva influențelor artistice italiene viitoare.
Datorită măiestriei care s-a născut ca urmare a noului mediu al picturii în ulei și viziunii sale în ceea ce privește detaliile, arta picturală a putut fi propulsată într-un punct nemaivăzut până acum, în care cursul istoriei artei a fost schimbat pentru totdeauna. .
Era pur și simplu o perioadă în care comisiile nu veneau doar din păturile sociale superioare și organizațiile religioase ale vremii, ci și de la cetățeni de rând și orașe departe de capitale. Pentru prima dată după mulți ani, pictorilor li s-a acordat un loc important în societate.
La acea vreme, artiștii mai păstrau câteva trăsături originale ale stilului gotic, atât tehnice, precum folosirea unui panou în locul unei pânze, cât și tematice, în general religioase și spirituale. Cu toate acestea, a existat și o creștere a abilităților de detaliu, așa cum sa menționat deja.
Aceste interese au promovat în mod deosebit investigarea empirică și descoperirea perspectivei, precum și revendicarea peisajului ca subiect pictural și îmbunătățirea tehnicii portretului, care a oferit o profunzime psihologică impresionantă și revendicarea peisajului ca temă picturală.
Astăzi, încă mai poți admira minunata moștenire artistică a Primitivilor flamanzi. În regiunea Flandra, de exemplu, găsim importantele Muzee Regale de Arte Frumoase din Anvers și Bruxelles și Muzeul Groeninge din Bruges. De asemenea, acolo se află Muzeul de Arte Frumoase din Gent, M de Leuven, Mayer van den Bergh și Sint-Janshospitaal.
La fel, în Spania găsim și nenumărate lucrări, întrucât regii săi erau mari admiratori ai acestui gen de pictură. De departe se remarcă depozitele Museo Nacional del Prado, unde este protejată pictura talentatului Rogier van der Weyden, „Coborârea de pe cruce” (1438).
Contextul istorico-geografic al flamandului primitiv
Adesea, la acest tip de pictură se face referire cu expresia Primitivi flamanzi, dând impresia că este o mișcare artistică destul de brută și simplă, care nu a reușit niciodată să-și atingă potențialul maxim. Acest termen a apărut atunci când arta Renașterii în general a fost luată ca punct de referință, pe lângă faptul că Evul Mediu a fost considerat multă vreme ca un timp al întunericului.
Desigur, nimic mai departe de adevăr, pentru că atunci când a apărut această școală magnifică, pictura din Țările de Jos avea deja în spate o istorie extinsă și robustă, care cuprindea momente excepționale cu stiluri precum romanul și goticul internațional.
Pe de altă parte, este încă numit „flamand”, în ciuda faptului că regiunea flamandă a Belgiei, mai cunoscută sub numele de Flandra, este doar o zonă mică a Țărilor de Jos. Acest lucru se datorează faptului că, de-a lungul secolului al XV-lea, au existat circumstanțe destul de favorabile care au influențat crearea unei școli transcendente de pictură în această parte de nord-vest a Europei.
Prosperitatea economică a fost notabilă în Flandra, aceasta a fost strâns legată de industria și comerțul cu stofe și, prin urmare, a generat o dezvoltare urbană excepțională din ascensiunea crescândă a burgheziei sale.
Perioada de glorie a întregii societăți și a valorilor burgheze au fost un factor determinant în dezvoltarea viguroasă a unei noi mentalități și sensibilități artistice. Ochi, dar care nu a renunțat niciodată, în rest, la devotamentul său religios adânc înrădăcinat.
Pe vremea aceea, cele mai renumite orașe din teritoriu erau Gent, Bruges și Ypres, fiecare dintre ele formând noduri de legătură între rețelele comerciale însărcinate cu unirea Europei de Nord cu restul vestului cunoscut. Această regiune făcea parte din Ducatul Burgundiei, cu domnitori care jucaseră rolul de patron al artei gotice.
Pe lângă aceasta, avea o densitate mare a populației, una dintre cele mai mari din toată Europa, a cărei concentrație urbană era și mai mare decât media europeană. În ea se aflau câteva orașe proeminente cu mare bogăție, negustori importanți și numeroși artizani.
De fapt, așa era coeziunea internă a societății, încât s-a proiectat foarte repede într-o viață pașnică și organizată. Societatea era dominată de clasele civile: negustori, producători, bancheri etc.
La aceasta se adaugă și faptul că, prin aproximativ 1380, ca urmare a Războiului de o sută de ani, Parisul nu mai era considerat capitala artistică a lumii, așa cum fusese până atunci. Prin urmare, grupurile sociale care obișnuiau să emigreze au început să rămână în țara lor și să lucreze pentru burghezie și marii negustori ai continentului.
Acest lucru a fost văzut mai mult decât orice altceva în societatea spaniolă și italiană, care și-a apreciat din ce în ce mai mult propria artă. Toate lucrările au fost în slujba publicului burghez, foarte sensibil și bogat în cultură, căruia i s-au alăturat Biserica Catolică și sute de patroni ai artiștilor.
Clientela era mai mult decât nerăbdătoare să poată observa reflectarea fețelor și a lumii lor în tablourile pe care le-au ordonat să fie realizate. În plus, dezvoltarea urbană a făcut posibilă înființarea primelor universități care, odată cu invenția tiparului, au devenit o sursă valoroasă de difuzare și creatoare de cultură.
În acea perioadă, practicitatea era din ce în ce mai apreciată, chiar și religia căpăta un sens pragmatic. De aceea este cunoscută ca o perioadă total realistă. Din anul 1420, concepția că spiritul divin întruchipa în fiecare lucru mărunt, a făcut ca reprezentările să dobândească o transcendență mai înaltă.
Atât realitatea sensibilă, cât și cea tangibilă au avut o popularitate mai mare. Obiectele au încetat să mai fie elemente secundare pentru a ieși în prim-plan ca protagoniști. Când s-a întâmplat acest lucru, pictorul primitiv flamand, Robert Campin, locuia în orașul Tournai.
În același timp, capitala provinciei Flandra de Est, Gent, l-a văzut pe Hubert van Eyck crescând alături de fratele său mai mic, și cu mai multă recunoaștere, Jan van Eyck. Studiile istorice afirmă că cei trei au fost cei mai mari reprezentanți ai revoluției picturii.
Fiecare în felul său a perfecționat folosirea uleiului cu consecințe deosebite asupra rezultatului final, folosind culori de o calitate excelentă, obținând efecte incredibile cu glazuri etc. Odată cu începutul secolului, din secolul al XV-lea la al XVI-lea, toți artiștii au început să conceapă repercusiunile Renașterii italiene.
În acest secol, mai exact în 1477, ducatul care avea o stima totală pentru relevanța sa economică, a devenit coroana austriacă a Habsburgilor. Casa de Habsburg a avut o ramură spaniolă încă de pe vremea lui Carlos I al Spaniei, dinastia Habsburgilor.
Din această cauză, arta spaniolă renascentist și baroc a avut o relație strânsă cu formele flamande. Cu toate acestea, în ciuda acceptării progresive a Renașterii, pictorii au rămas loiali bogăției tradiționalului, deoarece era ceva încă viu și cu posibilitate de creație.
Foarte puțini au fost cei care nu au renunțat la bunul meșteșug, acel gust pentru detaliu, realismul în portrete și peisajul constituit mai ales ca protagonist în lucrările sale. Portretele, picturile de grup și atmosfera costumbrista coexistă fără nicio problemă cu temele religioase.
Caracteristici tehnice ale flamingilor primitivi
În general, pictura flamandă are o lipsă de precedente în formatele mari, cu excepția vitraliilor. Cu toate acestea, se întâmplă în miniaturi, pe care are o tradiție extinsă de o calitate extraordinară.
Drept urmare, s-au determinat câteva caracteristici ale artei flamande, precum folosirea unor culori foarte izbitoare care servesc pentru a reaminti pigmenții folosiți la iluminarea miniaturii. Se adaugă și aplicarea detaliului la micile capodopere, pe care le transmit diferitelor tablouri de format mare.
Aceasta caracteristica favorizeaza in mare masura avansul tehnic fata de ulei, a carui descoperire fusese deja facuta, dar care avea totusi un proces de uscare extrem de lent care nu oferea prea mult practic.
Din acest motiv, este esențial de subliniat că pictorii primitivi flamanzi din secolul al XV-lea nu au inventat tehnica uleiului, ci doar că ei au fost responsabili de aplicarea ei sistematică, ceea ce a contribuit la consolidarea și difuzarea ei în acest secol și în următorul.
Pentru aceasta s-au folosit cerneluri fluide și transparente, aplicate prin intermediul glazurilor pentru a obține luminile, umbrirea delicată și nuanța culorii fundalurilor. Pictorii din regiune au folosit o tehnică mixtă între tempera și ulei.
Primul strat era tempera, pentru a defini desenul și modelarea cu luminile sale, precum și o ușoară indicație de culoare. Următorul strat, cel al uleiului, avea ca principală funcție ca artistul să se dedice exclusiv reprezentării efectului cromatic.
În ciuda faptului că în alte zone precum Veneția, utilizarea pânzei a devenit treptat populară, panoul a fost întotdeauna păstrat ca suport principal, care, în timpul Evului Mediu târziu, a fost cel mai important dintre toate. Un indiciu clar al uniunii intime pe care conceptele de artist și meșter o posedau încă la acea vreme.
Relația dintre școala flamandă și Renaștere
Școala de pictură a Renașterii flamande este adesea menționată de savanți și critici de artă ca „Ars Nova”, tradus în spaniolă ca Arte Nueva. Cu toate acestea, un astfel de nume nu trebuie confundat cu omonimul său muzical.
Numele său provine dintr-un avans tehnic și meșteșugăresc care nu are nimic de-a face cu caracterul intelectual și reflexiv al primelor abordări ale Renașterii, care au avut loc în paralel în regiunea Toscana.
Artiștii Școlii flamande nu au luat Antichitatea clasică ca model de recuperare, în niciun moment nu a fost pus pe masă conceptul meșteșugăresc al meseriei. Aceștia, pe lângă munca la curte, aveau și clienți care făceau parte din burghezie și negustori rezidenți ai orașelor influente.
Principalii săi înaintași nu au avut tendința să teoretizeze despre diversele lor descoperiri sau despre personalitățile lor, așa cum au făcut cândva contemporanii italieni. În mod similar, munca a continuat în cadrul anumitor parametri medievali târziu, cu excepția câtorva pictori precum Jan van Eyck.
van Eyck, împreună cu alți colegi, au început să aibă o conștientizare mult mai clară a artei lor specifice și au creat tendința de a semna lucrările. Pe vremea aceea, nu existau tratate de pictură flamandă și nici biografii ale exponenților săi principali.
Lipsa de elaborare teoretică menționată mai sus poate proveni dintr-o vocație pur spirituală. În timp ce autorii italieni au încercat să reînnoiască toate cunoștințele despre lume prin măsurarea umană, folosind științe și rațiune, pentru flamandul primitiv a fost suficient să trăiască în fața unei experimentari religioase remarcabile a vizibilului.
Preia perspectiva flamingo-urilor primitive
În aceeași ordine de idei, făcând comparații punctuale printre Italieni și flamand, este esențial de remarcat faptul că ambii au descoperit simultan perspectiva liniară și aeriană, doar aceasta din urmă empiric și nu urmând o dezvoltare matematică sau optică. specific.
În termeni generali, procesul tranzitiv de la planism la perspectiva liniară a Quattrocento-ului a fost destul de lent, fiind ultimele secole ale Evului Mediu o perioadă în care s-au desfășurat numeroase încercări, bâjbâituri și experimente inexacte, având ca obiectiv principal spargerea pictural plan şi revenirea la dimensiunea a treia.
Printre aceste diverse încercări se numără și sistemul de reprezentare care utilizează proiecția paralelă oblică, numită „Perspectiva cavalerului” sau „O vedere de pasăre”, care constă practic în reprezentarea scenelor în care se pare că pictorul se află într-un anumit punct de vedere. ridicat, ca o persoană călare pe cal.
În acest fel, obiectele presupuse cele mai apropiate de privitor sunt plasate în partea inferioară a compoziției în prim-plan, de acolo totul este suprapus pe verticală, deoarece se presupune că sunt mai îndepărtate, scalând astfel pictura până la punctul său cel mai înalt unde linia orizontului este adesea desenată.
De aici, sugestia celei de-a treia dimensiuni a început foarte timid, cu o revenire a picturii spre lumea naturală. Aceste eseuri de „perspectivă gentlemană” s-au generalizat în perioada picturii gotice, căreia i s-a atribuit denumirea de Gotic Internațional sau Curtezant.
Fiecare dintre aceste tehnici oferă o reprezentare naturalistă clară a lumii, saturată de simboluri spirituale. Până în secolul al XV-lea, atât pictorii flamand, cât și cei germani au folosit experimental tot felul de sisteme de perspectivă, cuplate cu metode empirice precum oglinda convexă, folosită de van Eyck în lucrarea sa „Căsătoria Arnolfini”.
Astfel au fost reprezentate ca un unghi larg acoperind un spatiu mult mai mare. Unul dintre textele teoretice care alcătuiește sistemele de perspectivă nordică este „Perspectiva De artificiali” a lui Jean Pelegrin, care este cunoscută sub numele de Viator și este considerată echivalentul Tratatului de pictură renascentist al lui Alberti.
În plus, există o colecție de alte sisteme precum „perspectiva cornută”, cunoscută în mod obișnuit sub denumirea de perspectivă unghiulară sau oblică, a căror funcție urma să fie un procedeu folosit de pictorii primitivi flamanzi în mare parte a secolului al XV-lea.
Totuși, reprezentarea care trezește cel mai mult interes în acest tratat este cea care tratează sistemul cu un punct de distanță, foarte asemănător perspectivei liniare albertiane, cu excepția faptului că, cu o formulă mai simplificată, cu execuție ușoară și clară, și că aceasta se realizează prin asumarea practicării atelierelor de pictură nordică.
Spre deosebire de picturile renascentiste italiene, unde lumina este responsabila pentru a face vizibile obiectele si arhitecturile in incercarea de a evidentia valorile volumetrice, in pictura flamanda perspectiva este mai apropiata de viziunea naturala.
În el, aerul este palpabil senzorial, de parcă ar fi o realitate individuală și încă un element prezent în compoziție. De asemenea, artiștii optează pentru utilizarea gradației de culoare spre griuri puțin mai albăstrui pentru obiectele îndepărtate, așa cum face Leonardo da Vinci în studiile sale despre perspectiva aeriană.
Tematic
Ca și în perioadele anterioare, temele religioase sunt foarte preponderente în această etapă, dintre care s-ar putea aminti nesfârșite recreări ale pasajelor biblice sau referințe despre viața sfinților sau anahoreților.
Unii artiști precum Bosch sau Brueghel cel Bătrân, s-au ocupat de realizarea picturilor care exemplifică păcatele și care au fost consecințele acestora. În mod similar, acestea pot fi considerate și simple concepții filozofice ale lumii bazate pe multiple credințe sau zicători populare.
Pentru realizarea acestor magnifice creații, acestea au fost ajutate de o fantezie numeroasă de elemente și compoziții care reușesc să transmită un mesaj printr-un limbaj extrem de simbolic și sofisticat. Cu toate acestea, utilizarea sa a fost destul de potrivită, dacă se ține cont de faptul că publicul său final era burghezia regiunii și instituțiile religioase.
revendicarea peisajului
În picturile flamande se poate observa interesul pentru absolut orice, pentru că cu aceeași precizie și grijă cu care este pictată o trăsătură umană se pictează un animal, un obiect și chiar o plantă. Este destul de remarcabil cum peisajul capătă o importanță mai mare la acea vreme.
În acest fel, artiștii primitivi flamand au reflectat fidel mediul care a făcut parte din împrejurimile lor, doar că acesta conferă un anumit caracter simbolic unui asemenea realism. În consecință, ea contribuie la semnificația alegorică a culorilor folosite și a multiplelor obiecte secundare descrise.
Ceea ce era obișnuit în stilul gotic, fundalurile aurii și neutre, dispar în întregime și sunt înlocuite cu tot felul de peisaje naturaliste. Lumina inceteaza sa mai fie capricioasa si fiecare obiect incepe sa aiba propria sa umbra specifica, asa cum fiecare incapere are cadrul lui de iluminat, fiecare peisaj tonalitatea sa sigura si fiecare element calitatea sa punctuala.
Pe scurt, fiecare tablou flamand se referă întotdeauna la peisaj într-un fel sau altul, fie printr-o fereastră, fie pentru că cu siguranță are loc în aer liber. Aceste peisaje au fost realizate fără indicii de natură, așa că elementele lor erau foarte stereotipe.
Cu acest punct am putea aminti forma stâncilor sale, zimțate și fără vegetație, orașele situate în depărtare, turnuri și colorate, copacii a căror formă era ca o pană, cu trunchiuri subțiri și lungi, printre altele. Personajele erau distribuite echilibrat, în centru dacă era doar unul și simetric dacă erau multe.
Acțiunile erau adesea destinate să fie reținute, iar mișcarea era rareori permisă. Deși participanții puteau împărtăși unii cu alții, nu li s-a permis niciodată să fure lumina reflectoarelor de la personajul principal, peisajul.
În general, lucrările au fost realizate în format mic folosind ca suport tabla, întrucât au fost concepute pentru a fi amplasate în interiorul marilor reședințe burgheze și aristocratice, interioare casnice care cu mare ușurință au făcut ca tabloul să reflecte o evlavie intimă și burgheză.
În plus, scândurile constau adesea din trei foi, de unde și numele lor Triptic, cele două laturi sunt rabatabile și se închid deasupra celei centrale. La rândul ei, fața exterioară este de obicei vopsită cu tonuri de gri și tehnica grisaille pentru a produce senzația de a fi un relief sculptural.
Portretul
De menționat că Flandrei i se atribuie titlul de una dintre regiunile premergătoare în ceea ce privește realizarea de portrete cu pătrundere psihologică a modelului. Portretele tradiționale flamande, care au fost ulterior adoptate cu un succes răsunător în Spania de mulți, sunt cele care își surprind protagoniștii într-o imagine medie.
Totuși, nu așa cum se cunoaște în prezent frontal, ci mai degrabă cu o ușoară curbură întorcându-se pe sine, întotdeauna pe un fundal neutru de culoare închisă și încorporând fața și mâinile cu un obiect simbolic.
Faptul că personajul este înfățișat ușor rotit favorizează implicarea totală în spațiu, astfel încât reprezentările să nu se facă prin trucuri de mobilier sau fundaluri arhitecturale. Doar cu prezența unei figuri solemne, deasupra unui fond pierdut, se insinuează existența volumului și a spațiului ocupat.
Odată cu trecerea timpului, deja în secolul al XVII-lea, în școala din Anvers, când orașul a devenit fortăreața artistică a barocului flamand, acest gen de portret a reușit să evolueze până la maximă glorie într-un stil mult mai naturalist și mai colorat.
Exponenti principali
Înainte de înființarea Primitivilor Flamandi, au existat anumiți predecesori, cum ar fi talentatul profesor Melchior Broederlam și Frații, Frații, Paul și Johan Limbourg. Cu toate acestea, primii artiști care au surprins aceste inovații într-un tablou au fost Robert Campin și Jan și Hubert van Eyck.
Aceștia sunt considerați a fi fondatorii formali ai școlii primitive flamande la începutul secolului al XV-lea. Printre cele mai importante lucrări ale sale am putea aminti „Tripticul Bunei Vestiri”, „Liturghia Sfântului Grigorie”, „Tripticul Seilern”, „Fecioara canonicului Van der Paele și Fecioara cancelarului Rolin”, „Portretul Căsătoriei Arnolfini” , printre altele.
După cum a menționat deja, în ele s-a renunțat la fondul auriu, iar tehnica și pictura în ulei au început să fie folosite ca material pictural principal. La fel, modalitatea de pictură de șevalet este creată în conceptul său modern, astfel încât a fost concepută pentru a fi văzută de aproape.
Factura sa a fost extrem de minuțioasă și detaliată, cu un caracter care a contribuit semnificativ la dezvoltarea intensă dobândită de miniatura de codice la curtea ducilor de Burgundia, ca să dau un exemplu, cărora le aparțin aceste state în cursul acestui secol.
Este esențial de subliniat că, în slujba unei tehnici atât de minuțioase, s-a marcat un fin simț al observației și, deci, o tendință naturalistă inerentă, motiv pentru care s-a atins o perfecțiune foarte greu de depășit în raport cu interpretarea. a calităților țesăturilor, pieselor de orfevrărie (metale, sticlă, piele etc.) și în genuri precum portretul și peisajul.
Pe lângă aceasta, printre pictorii care au lucrat în a doua treime a secolului al XV-lea și au contribuit la concretizarea multor trăsături ale școlii flamande, îl găsim pe remarcabilul Rogier van der Weyden, cunoscut și simplu sub numele de Rogier de la Pasture.
Acest belgian a realizat picturi foarte importante și maiestuoase precum „Coborârea de pe cruce”, „Dipticul lui Felipe de Croÿ cu Fecioara și Pruncul”, „Plângerea și înmormântarea lui Hristos”, „Madona Medici”, „Polipticul judecății finale”. ”, „San Lucas desenând Fecioara” și multe altele.
Deja la sfârșitul secolului și începutul secolului al XVI-lea s-au remarcat și alți artiști primitivi flamanzi care au realizat evaluarea și accentuarea unor trăsături caracteristice ale lucrărilor lor, precum peisajul. Drept urmare, într-un anumit fel se repetă forme și compoziții care fuseseră deja create în trecut.
Acest punct poate fi observat în arta lui Hans Memling și Gerard David, deși au fost și câțiva care au evitat această tendință cu o dorință clară de a-și reprezenta originalitatea, așa cum a făcut Bosch. De-a lungul acestui secol, la apogeul Renașterii, s-a remarcat opera lui Pieter Bruegel cel Bătrân și Ioachim Patinir.
Contribuții mari la pictura flamandă au avut și Hugo van der Goes, Petrus Christus, Dieric Bouts, Ambrosius Benson și Pieter Coecke. Pentru Franța, Jean Fouquet, Enguerrand Quarton, Nicolas Froment și Maestrul de Moulins. Pentru Germania, Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein cel Bătrân și Michael Wolgemut. Portugalia a avut doar contribuțiile lui Nuno Gonçalves.
În cazul Spaniei, artiștii au fost împărțiți în funcție de coroana lor. Cel din Aragón cu Luis Dalmau, Jaume Huguet, Jaume Vergós, Rafael Vergós, Pau Vergós, Jacomart, Joan Reixach, Bertomeu Baró, Pere Nisart și Bartolomé Bermejo. Și cel al Castiliei cu Jorge Inglés, Maestru de Sopetrán, Juan Rodríguez de Segovia, Sancho de Zamora, Maestru al Monarhilor Catolici, printre alții.
Dacă acest articol a fost pe placul tău, nu pleca fără să citești mai întâi: