Mintea artistului este capabilă să creeze lucruri de neimaginat, multe tendințe și stiluri din lume o dovedesc, dar pentru mulți, poate niciunul, la fel ca Expresionism. Aprofundați în acest stil de artă fascinant născut la sfârșitul secolului al XIX-lea.
Ce este expresionismul?
Expresionismul este un stil artistic care caută să reprezinte nu realitatea obiectivă, ci realitatea subiectivă. Intenția este de a reflecta emoțiile și răspunsurile pe care obiectele și evenimentele le trezesc în interiorul unei persoane. Artistul reușește să surprindă această realitate subiectivă prin distorsiune, exagerare, primitivism, fantezie și, de asemenea, prin aplicarea vie, șocante, violentă sau dinamică a elementelor formale.
Expresionismul este o formă de artă foarte personală și intensă, în care creatorul încearcă să-și comunice sentimentele și gândurile intime în producțiile sale, îndepărtându-se de reprezentarea tradițională a realității. Caracteristic acestui curent este influența sa decisivă asupra picturii, în care încercările de a obține un impact maxim asupra privitorului sacrifică sau denaturează precizia reprezentării, în general în favoarea contururilor puternice și a culorilor frapante, deși aceasta nu este regula în toate cazurile. .
Compozitiile sunt de obicei simple si directe, unde se foloseste frecventa o vopsea pastoasa groasa, folosind pensule libere care se aplica intr-un mod foarte liber si o simbolistica ocazionala, mesajul fiind de maxima importanta.
Expresionismul este unul dintre principalele curente artistice care s-au dezvoltat între sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, cu calități de autoexprimare extrem de subiectivă, personală și spontană, tipice unei game largi de artiști și mișcări artistice moderne.
Aceasta poate fi privită ca o tendință permanentă în arta germanică și nordică încă din Evul Mediu european, în special în vremuri de schimbare socială sau criză spirituală, fiind în acest sens tendințe contrare cele raționaliste și clasiciste, care au fost apreciate în Italia și nu numai. seara din Franta
La începutul secolului al XX-lea, această tendință artistică a cuprins Europa, alimentată de rezistența la cultura burgheză și de o căutare ferventă a creativității proaspete și tinere. Artiștii expresioniști și arta expresionistă pun accentul pe sine, psihicul, corpul, sexualitatea, natura și spiritul.
Expresionismul ca stil sau mișcare diferită de tendința vremii se concentrează pe o serie de artiști germani, austrieci, francezi și ruși, care au devenit populari în anii dinaintea Primului Război Mondial și au rămas așa o mare parte din perioada dintre războaie. .
În Franța, olandezul Van Gogh își adâncea și își dezvăluia psihicul neobișnuit, tulburat și colorat, pe de altă parte, în Germania, rusul Wassily Kandinsky explora spiritualitatea în artă ca antidot împotriva alienării în lumea modernă, iar în Austria. , Egon Schiele și Oskar Kokoschka au luptat împotriva ipocriziei morale a societății abordând probleme precum sexualitatea, moartea și violența.
Edvard Munch avea în sfârșit un impact în Norvegia și în întreaga Europă cu expresiile sale sălbatice și intense ale mediului, ale sinelui și ale psihicului său. Împreună, acești artiști au abordat întrebări, teme și lupte foarte brute, adevărate și atemporale care au apărut chiar sub suprafață și ne sunt încă familiare chiar și astăzi.
Acesta a fost probabil motivul pentru care expresionismul în artă a continuat în multe forme diferite chiar și după acești artiști și această perioadă specifică de timp, permițându-ne să spunem că expresionismul este încă viu și astăzi.
început
La începutul secolului XX în Europa de Vest, societatea evolua într-un ritm rapid, industrializarea intensă luase aproape cu asalt continentul, cu inovații în lumea producției și a comunicațiilor, creând adesea un sentiment de rău în lume. public.
Creșterea amețitoare a tehnologiei și urbanizarea marilor orașe au adus cu ele sentimente de izolare și deconectare de lumea naturală. Este de înțeles că aceste emoții și anxietăți au început să iasă la suprafață sau mai degrabă să sângereze prin arta vremii. Cele două grupuri de artiști care au creat expresionismul așa cum îl cunoaștem astăzi: Die Brucke y Reiterul Albastru, ambele formate în Germania la începutul secolului XX.
Patru studenți la arhitectură din Dresda au creat un grup comunal de artă numit Podul (Podul). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff și Ernst Ludwig Kirchner a încercat să fie pod în viitorul artei, evocând răspunsuri emoționale intense folosind forme, culori și compoziții nenaturale, toate inspirate din lumea modernă.
Lucrările sale semănau puternic cu mișcarea fauvismă din Franța, condusă de Henri Matisse, mai ales în utilizarea culorilor luminoase și a formelor atipice, cu intenția de a transmite emoții multiple. Podul s-a dorit să fie o opoziție și un răspuns tineresc și inovator la secole de realism în artă. În 1906, ei și-au făcut manifestul într-o gravă în lemn, care exprima următoarele:
„Cu credința în evoluția continuă, într-o nouă generație de creatori și apreciatori, aducem laolaltă pe toți tinerii. Și ca tineri care purtăm viitorul, intenționăm să câștigăm libertatea de mișcare și viață pentru noi înșine în opoziție cu puterile vechi și bine stabilite. Oricine exprimă în mod direct și autentic ceea ce îl determină să creeze este unul dintre noi.” Kirchner (1906)
Prin acest apel la acțiune, tinerilor artiști din Europa de Vest au primit sarcina provocatoare de a construi o nouă mișcare artistică: expresionismul.
Artiștii mișcării Podul s-au concentrat în primul rând pe înfățișarea haosului masiv al noii modernități, industrializării și urbanismului care i-a înconjurat. Au pictat peisaje urbane cu vârfuri exagerate, zimțate și culori vibrante.
După ce am depășit limitele, mult mai mult decât fauviștii, Podul el a încorporat în spectacolele sale cultura germană subterană a cluburilor de noapte, decadența clasei de jos și toată emoția și disconfortul, fără a-și neglija propria viziune și sens personal.
Această asociație informală s-a răzvrătit împotriva a ceea ce ei considerau naturalismul superficial al impresionismului academic. Au vrut să reinfuzeze arta germană cu o vigoare spirituală care au simțit lipsă și au căutat să facă acest lucru prin expresie elementară, extrem de personală și spontană. Membrilor inițiali ai Die Brücke li s-au alăturat curând germanii Emil Nolde, Max Pechstein și Otto Müller. Expresioniştii au fost influenţaţi de predecesorii lor din anii 1890.
Ei au fost, de asemenea, interesați de sculpturile africane în lemn și lucrările artiștilor medievali și renascentistes din Europa de Nord, precum Albrecht Dürer, Matthias Grünewald și Albrecht Altdorfer. Gravurile în lemn, cu liniile lor groase zimțate și contrastele tonale aspre, au fost mediul preferat al expresioniștilor germani.
Lucrările artiștilor Die Brücke au stimulat expresionismul în alte părți ale Europei. Oskar Kokoschka și Egon Schiele din Austria și-au adoptat pensulele și liniile unghiulare chinuite, iar Georges Rouault și Chaim Soutine în Franța au dezvoltat stiluri de pictură marcate de expresia emoțională intensă și denaturarea violentă a subiectului figurativ.
Pictorul Max Beckmann, graficianul Käthe Kollwitz și sculptorii Ernst Barlach și Wilhelm Lehmbruck au lucrat și ei cu puternice influențe expresioniste. Multe dintre lucrările lor exprimă frustrare, anxietate, dezgust, nemulțumire, violență și, în general, un fel de intensitate frenetică a sentimentului ca răspuns la urâțenia, banalitatea crudă și posibilitățile și contradicțiile pe care le-au întrezărit în viața modernă.
Un al doilea grup, cunoscut ca Reiterul Albastru (Călărețul albastru), format la München în 1911. Numit după pictura lui Wassily Kandinsky, acest colectiv a fost format din emigranții ruși Kandinsky, Alexej von Jawlensky și Marianne von Werefkin și artiștii germani Franz Marc, August Macke și Gabriele Munter.
Pictura lui Kandinsky a fost aleasă ca omonimă a grupului datorită descrierii unei figuri călare de la realitate într-un tărâm spiritual și emoțional și este faptul că artiștii din Reiterul Albastru erau fascinați să înfățișeze mai degrabă latura spirituală decât cea fizică.
Deși stilurile sale au variat, așa cum arată producțiile sale, interesele pentru primitivism și peisajul emoțional au dominat lucrările sale. Foarte diferit de Die Brucke, Călărețul Albastru a fost o mare forță în dezvoltarea expresionismului abstract.
Expresionismul și arta abstractă resping realismul, încercând în orice moment să transmită emoții, cu toate acestea, expresionismul păstrează un simț al formei și al simbolismului, în timp ce arta abstractă abandonează imaginile recunoscute.
Reiterul Albastru el a reunit aceste idei, creând o ramură complet nouă a expresionismului, care este încă foarte influentă asupra artei moderne. Când a început primul război mondial, Podul y Reiterul Albastru s-au desființat, dar moștenirea lor continuă să trăiască, pe măsură ce expresionismul continuă să crească în popularitate și este încă practicat în secolul XNUMX.
Rădăcinile școlii expresioniste germane se regăsesc în lucrările lui Vincent van Gogh, Edvard Munch și James Ensor, fiecare dintre care, în perioada 1885-1900, a dezvoltat un stil de pictură foarte personal.
Acești artiști au folosit posibilitățile expresive ale culorii și liniilor, explorând teme dramatice și încărcate emoțional, cu intenția de a transmite calitățile fricii, groazei și grotescului, sau pur și simplu pentru a celebra natura cu o intensitate uluitoare. S-au rupt de multe scheme, nu au reprezentat literalmente natura, pentru a exprima mai multe perspective subiective sau stări mentale.
Expresionistii germani au dezvoltat in scurt timp un stil remarcabil pentru asprimea, indrazneala si intensitatea vizuala. Ei au folosit linii zimțate și distorsionate, pensule rapide și dure, ca să nu mai vorbim de culori șocante care i-au ajutat să descrie scenele de stradă urbană și alte teme contemporane în compoziții agitate și aglomerate, remarcate pentru instabilitatea lor și atmosfera încărcată emoțional.
Artiștii care aparțin grupului cunoscut sub numele de Der Blaue Reiter sunt uneori considerați expresioniști, deși arta lor este în general lirică și abstractă, mai puțin emoțională, mai armonioasă și mai preocupată de problemele formale și picturale decât cea a artiștilor Die Brücke.
Expresionismul a fost, de asemenea, un stil dominant în Germania în anii imediat după Primul Război Mondial, unde se potrivea atmosferei postbelice de cinism, alienare și deziluzie. Unii dintre practicanții de mai târziu ai mișcării, cum ar fi George Grosz și Otto Dix, au dezvoltat un amestec mai clar, mai critic din punct de vedere social, de expresionism și realism, cunoscut sub numele de Neue Sachlichkeit (Noua Obiectivitate).
în secolul al XX-lea
După cum se poate vedea din etichete precum expresionismul abstract și neo-expresionismul, calitățile spontane, instinctive și extrem de emoționale ale expresionismului au fost împărtășite de diferite mișcări artistice ulterioare ale secolului al XX-lea.
Expresionismul este considerat mai mult o tendință internațională decât o mișcare artistică coerentă, care a fost deosebit de influentă la începutul secolului al XX-lea. Acoperă mai multe domenii: artă, literatură, muzică, teatru și arhitectură.
Artiștii expresioniști au căutat să exprime experiența emoțională, mai degrabă decât realitatea fizică. Picturile expresioniste celebre sunt Țipătul de Edvard Munch, Călărețul Albastru lui Wassily Kandinsky și Femeie așezată cu piciorul stâng ridicat de Egon Schiele.
Declinul mișcării
Declinul expresionismului a fost grăbit de neclaritatea dorinței sale către o lume mai bună, de utilizarea unui limbaj foarte poetic și, în general, de caracterul intens personal și inabordabil al prezentării sale. O serie de artiști expresioniști și-au pierdut viața în timpul sau ca urmare a Primului Război Mondial din cauza unor traume și boli. Așa a fost cazul lui Franz Marc care a murit în 1916 și Egon Schiele care a murit în timpul epidemiei de gripă din 1918, mulți alții și-au luat viața după ce s-au prăbușit sub traumele războiului.
Restabilirea parțială a stabilității în Germania după 1924 și creșterea stilurilor politice deschise puternic influențate de realismul social au accelerat declinul mișcării la sfârșitul anilor 1920.
Expresionismul a murit definitiv odată cu ascensiunea naziștilor, care au ajuns la putere în 1933 și au descris munca aproape tuturor expresioniștilor drept degenerată și vulgară. Persecuția și hărțuirea lor au fost intense și excesive, interzicând acestor exponenți să expună, să publice și chiar să lucreze, cei mai mulți dintre ei, ca măsură mai drastică, au plecat în exil în Statele Unite și în alte țări.
Acesta a fost sfârșitul erei expresionismului german, care s-a stins odată cu dictatura nazistă și a fost responsabil pentru etichetarea a nenumărați artiști ai vremii, printre care Pablo Picasso, Paul Klee, Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Henri Matisse, Vincent. van Gogh și Paul Gauguin, ca artiști degenerați, scoțându-și operele de artă expresioniste din muzee și confiscându-le în mod abuziv.
Cu toate acestea, expresionismul a continuat să inspire și să trăiască mai departe în artiștii și mișcările artistice de mai târziu. De exemplu, expresionismul abstract s-a dezvoltat ca o mișcare de avangardă majoră în America postbelică în anii 1940 și 1950. Acești artiști au evitat figurația și au explorat în schimb culoarea, pensularea gestuală și spontaneitatea în arta sa.
Mai târziu, spre sfârșitul anilor XNUMX și începutul anilor XNUMX, neoexpresionismul a început să se dezvolte ca reacție împotriva artei conceptuale și minimaliste a vremii.
Neo-expresionistii s-au inspirat foarte mult pe exponenții expresionismului german care i-au precedat și adesea au redat subiectele grosolan cu pensula expresivă și culoare intensă. Cei mai emblematici artiști ai acestei mișcări includ Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl și David Salle.
În lume
Expresionismul este un termen complex și vast care a însemnat lucruri diferite în momente diferite. Totuși, când vorbim despre arta expresionistă, mulți își îndreaptă atenția către tendința artistică apărută ca răspuns la impresionismul din Franța sau mișcarea care vede lumina în Germania și Austria la începutul secolului XX. Termenul este atât de elastic încât poate găzdui artiști, de la Vincent van Gogh la Egon Schiele și Wassily Kandinsky, expunând în moduri foarte speciale în fiecare țară.
expresionismul francez
În Franța, principalii artiști asociați adesea cu expresionismul au fost Vincent van Gogh, Paul Gauguin și Henri Matisse. Deși Van Gogh și Gauguin au fost activi în anii anteriori a ceea ce este considerată principala perioadă a expresionismului (1905-1920), ei pot fi considerați cu siguranță artiști expresioniști, care pictau lumea din jurul lor nu pur și simplu așa cum părea, ci dintr-un mod profund. experiență umană subiectivă.
Matisse, Van Gogh și Gauguin au folosit culori expresive și stiluri de pensulă pentru a descrie emoțiile și experiențele, îndepărtându-se de reprezentările realiste ale subiecților și concentrându-se pe modul în care au simțit și perceput.
expresionismul german
În Germania, expresionismul este asociat în special cu grupurile Brücke și Der Blaue Reiter, așa cum am menționat mai sus. Mișcarea expresionistă germană a fost inspirată de misticism, Evul Mediu, epoca primitivă și filozofia lui Friedrich Nietzsche, ale cărui idei erau extrem de populare și influente la acea vreme.
Der Brücke s-a format la Dresda în 1905 ca un colectiv boem de artiști expresioniști care s-au opus ordinii sociale burgheze din Germania. Cei patru membri fondatori au fost Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel și Karl Schmidt-Rottluff, dintre care niciunul nu a primit o educație artistică formală.
Au ales numele său, Der Brücke, pentru a descrie dorința lor de a construi o punte între trecut și prezent. Numele a fost inspirat de un pasaj din Așa a vorbit Zarathustra de Friedrich Nietzsche. Artiștii au încercat să scape din viața sufocantă a clasei de mijloc moderne, explorând o utilizare intensă a culorii, o abordare directă și simplificată a formei și sexualitatea liberă în munca lor.
Der Blaue Reiter a fost înființată în 1911 de Wassily Kandinsky și Franz Marc și confruntați cu înstrăinarea tot mai mare pe care au experimentat-o din cauza modernizării lumii, ei au căutat să depășească banalul urmărind valoarea spirituală a artei.
În plus, scopul său a fost să spargă granițele și să amestece arta copiilor, arta populară și etnografia. Numele Der Blaue Reiter este legat de tema recurentă a Călărețului călare din perioada lui Kandinsky la Munchen, precum și de dragostea lui Kandinsky și Marc pentru culoarea albastră, care pentru ei avea calități spirituale. Principalii artiști asociați cu Der Blaue Reiter sunt Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin și Macke.
expresionismul austriac
Egon Schiele și Oskar Kokoschka sunt cele două figuri de vârf ale expresionismului austriac și au fost influențați în special de predecesorul lor Gustav Klimt, care s-a implicat și în lansarea carierei lor, cu expoziții pe care le-a creat prezentând cele mai bune din arta austriacă contemporană.
Ambii artiști expresioniști au trăit în orașul contradictoriu Viena la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului XX, unde represiunea morală și ipocrizia sexuală au jucat un rol important în dezvoltarea expresionismului.
Schiele și Kokoschka au evitat ceea ce ei considerau minciună și ipocrizie morală și au portretizat teme precum moartea, violența, dorul și sexul. Kokoschka a devenit cunoscut pentru portretele sale și pentru capacitatea sa de a dezvălui natura interioară a subiecților săi, iar Schiele pentru reprezentările sale dure, aproape brutal de sincere ale sexualității, care erau văzute ca fiind distante și disperate.
expresionismul norvegian
Un alt artist important al vremii care a avut un mare impact asupra scenei expresioniste germane și austriece a fost norvegianul Edvard Munch, binecunoscut la Viena pentru expozițiile Secession și Kunstschau din 1909.
A fost considerat cel mai înalt reprezentant al țării sale în această mișcare și un precursor cheie al acesteia. Strâns asociat cu simbolismul, Munch este cel mai faimos pentru The Scream, această pictură cu o siluetă pe un pod, soarele care apune în spatele lui și părând să scoată un țipăt disperat, care zboară sângele, demonstrând spiritul neliniștit al artistului.
Opere de artă expresioniste iconice
Ca și în alte mișcări artistice, expresionismul are figuri importante care au marcat un înainte și un după în vremea lor, creând mostre artistice unice și nemuritoare, precum cele prezentate mai jos:
Țipătul de Edvard Munch (1893)
Această serie de picturi cunoscută sub numele de The Scream (Skrik) a fost inspirată dintr-o experiență de moment pe care creatorul său E. Munch a avut-o în timp ce se afla în Franța, dintre care cea mai faimoasă se află în prezent în Galeria Națională a Norvegiei și a fost finalizată în 1893. În propriile sale cuvinte:
Mergeam pe drum cu doi prieteni. Soarele a început să apune. Am simțit un strop de melancolie. Deodată, cerul a devenit roșu sânge. M-am oprit, m-am rezemat de balustradă, obosită, și m-am uitat la norii în flăcări care atârnau ca sângele și o sabie peste fiordul albastru-negru și oraș.
Prietenii mei au continuat să meargă. Am stat acolo, tremurând de frică. Și am simțit un țipăt puternic și nesfârșit pătrunzând natura. Expresionism, Ashley Bassie, p.69
Silueta transmite frică, disperare, țipătul lui îl înconjoară complet și trece atât prin mediul înconjurător, cât și prin mintea celor care îl observă. In stil expresionist, tabloul este realizat in ulei, tempera si pastel pe carton, cu dimensiunea de 91 x 74 centimetri.
Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky (1903)
Der Blaue Reiter sau Călărețul Albastru este una dintre primele lucrări expresioniste ale lui Kandinsky admirată pentru manipularea incredibilă a culorii și a luminii, este considerată o punte între postimpresionism și expresionism. Prezintă un călăreț îmbrăcat în albastru care galopează prin câmpuri. Numele acestei lucrări a fost folosit și ca denumire a grupului de artiști expresioniști, fondat în 1911 de autorul acesteia și Franz Marc.
Călărețul albastru este poate cea mai importantă etapă artistică a lui Kandinsky de la începutul secolului al XX-lea, înainte ca acesta să-și fi dezvoltat pe deplin stilul abstract. Tabloul ilustrează un călăreț îmbrăcat în albastru, călărind printr-un maro verzui.
Abstracția picturii este intenționată și îi determină pe mulți teoreticieni ai artei să-și recreeze reprezentările personale pe tablou, unde unii chiar au văzut un copil în brațele călărețului albastru. Permiterea spectatorilor să se includă în opera de artă a fost o tehnică pe care pictorul a folosit-o frecvent și cu succes în lucrările sale ulterioare, care au devenit mai abstracte pe măsură ce cariera sa progresa.
Caii albaștri de Franz Marc (1911)
Franz Marc a fost unul dintre membrii fondatori ai Der Blaue Reiter, un artist care pentru mulți a dat un sens emoțional și psihologic culorilor pe care le-a folosit în opera sa, producând lucrări de o mare culoare și bogăție.
Albastrul era folosit de el foarte des, mai ales pentru a reprezenta masculinitatea și spiritualitatea, era fascinat și de animale și de lumea lor interioară, tratându-se reciproc într-un mod profund emoțional.
Femeie așezată cu picioarele ridicate (1917) de Egon Schiele
Egon Schiele și-a pictat-o pe soția Edith Harms în 1917, înfățișând-o stând pe podea, sprijinindu-și obrazul pe genunchiul stâng. Părul său roșu aprins contrastează notabil cu culoarea verde a cămășii, fiind considerat un portret îndrăzneț și sugestiv, cu nuanțe erotice foarte bine conturate și îndrăznețe pentru epocă. Autorul acestei acuarele s-a caracterizat prin faptul că are erotismul ca una dintre temele principale în opera sa.
pionierii expresionismului
Deși mulți cunoscători ai domeniului susțin că nicăieri expresionismul nu a fost mai bine executat decât în Germania, în deceniul care a precedat Primul Război Mondial mulți artiști au creat o mulțime de imagini de neuitat și au fost pionieri în expresionismul, fiind amintiți ca atare până în zilele noastre:
Van Gogh (1853-90)
Acest pictor proeminent întruchipează expresionismul, cu o mare varietate de lucrări autobiografice, care îi spun privitorului ideile, sentimentele și mai ales echilibrul mental, prin compoziție, culori și fiecare pensulă. Picturile sale au fost o reflectare a sentimentelor sale în timp ce le realiza și de atunci, puțini sunt artiștii care îi egalează sau abordează intensitatea și originalitatea, în ceea ce privește autoexprimarea.
Născut într-o familie foarte religioasă, tatăl său a fost un pastor protestant, de mic a dat dovadă de un pasionat talent pentru desen, dar abia mai târziu, la vârsta de aproximativ 27 de ani, și-a urmat în sfârșit adevărata chemare de artist.
În 1878, și-a manifestat vocația de preot, a început să studieze teologia, dar nu a absolvit din cauza hotărârii sale excesiv de mistice de a merge pe urmele lui Hristos. Dorința sa de a salva suflete și de a-i ajuta pe săraci l-a determinat să lucreze ca evanghelist într-una dintre cele mai sărace zone miniere din Belgia, din care a fost alungat în 1880.
În același timp a decis să devină pictor, carieră care a început cu sprijinul moral și economic al fratelui său Theo, cu care a întreținut o corespondență continuă de-a lungul vieții. Principalele sale surse de inspirație au fost pasaje din Biblie și lucrările lui Émile Zola, Victor Hugo și Charles Dickens, precum și picturile lui Honoré Daumier și, mai ales, realismul lui Jean-Francois Mijo. Și-a început viața profesională ca angajat al Galeriei de Artă Goupil.
Van Gogh a experimentat durere și tristețe, provocate de lumea pe care a iubit-o cu drag, dar de la care nu a crezut niciodată că primește la fel. Ca reacție la acest sentiment constant, a folosit arta pentru a-și crea propria lume, una în care nu va lipsi culoarea și mișcarea, în care își expune toate emoțiile, devenind unul dintre marii pictori expresioniști ai secolului al XIX-lea. Stilul său unic de pictură expresionistă poate fi văzut la Muzeul Van Gogh din Amsterdam și la Muzeul Kroller-Muller din Otterlo.
Paul Gauguin (1848-1903)
Dacă Van Gogh a distorsionat forma și culoarea pentru a-și transmite sentimentele interioare, acest artist francez s-a bazat pe culoare în primul rând pentru a-și exprima emoțiile. El a folosit și simbolismul, dar culoarea sa din vopsea a fost cea care l-a diferențiat cu adevărat. Născut la Paris în timpul revoluției din 1848, era fiul unui jurnalist liberal, care a fugit în exil după lovitura de stat din 1851, luându-și familia cu el.
Cu toate acestea, a murit pe drum, în Panama, în timp ce familia se îndrepta spre Lima, Peru, unde se descurcă singuri timp de patru ani. Mama lui Gauguin era fiica scriitoarei și activistei socialiste franceze Flora Tristán, deși strămoșii ei erau nobili peruvieni.
Este important de menționat că tânărul Gauguin a fost marcat încă din copilărie de atmosfera imaginativă și mesianică a cercului său de familie, demonstrând de-a lungul carierei sale că culorile și imaginile din Peru ar avea o influență puternică. La vârsta de 7 ani, familia s-a întors în Franța și s-a mutat la Orleans pentru a locui cu bunicul său. În tinerețe a lucrat ca ucenic pilot în marina comercială, navigând între America de Sud și Scandinavia, la Paris și încurajat de nașul său, a început o carieră de mare succes la agentul de bursă Bertin.
Dar Gauguin a fost interesat de artă încă de când era copil și în timpul liber a început să picteze. Nașul său, Arosa, a fost un fel de colecționar de artă, iar exemplul său și prietenia pe care Gauguin a stabilit-o cu impresionistul Camille Pissarro l-au încurajat pe acest pasionat să viziteze galeriile de artă și să cumpere lucrări ale artiștilor emergenti, inclusiv numeroase picturi impresioniste.
A vizitat acum faimoasa expoziție impresionistă din 1874 la Paris și a fost atât de inspirat încât a decis să devină artist cu normă întreagă, așa că a început să picteze și să sculpteze ca amator. A lucrat cu Bouillot și a pictat în stilul lui Bonvin și Lepine. În 1876 a expus un tablou în Salon.
A fost influențat în special de Pissarro, care l-a ajutat la începuturile sale ca pictor și l-a încurajat să caute stilul care se potrivea temperamentului său. Pissarro i-a prezentat lui Cézanne și a fost atât de captivat de stilul său, încât Cézanne a început să se teamă că nu-i va fura ideile.
Cei trei bărbați au lucrat împreună o vreme în Pontoise, dar pe măsură ce arta sa progresa, Gauguin a decis să se mute în propriul său atelier și a luat parte la expozițiile impresioniste din 1881 și 1882. Succesele lor și o criză financiară l-au determinat să-și abandoneze cariera. afaceri în 1883 să se concentreze în întregime pe pictură.
A plecat să locuiască în Pont-Aven, în Bretania, în 1885, unde a făurit un nou stil, întrucât era nemulțumit de limitele impresionismului și a căutat să exprime mai degrabă o stare interioară decât o aparență superficială.
Acest nou stil a necesitat lucrul mai mult din memorie și imagini interne, mai degrabă decât din natură, rupând cu teoria impresionistă. Aceasta a devenit cea mai mare inovație și contribuție a lui Gauguin la pictura artistică, folosind o paletă de culori vii pentru a exprima emoția, mai degrabă decât a reflecta un ton natural. Pe lângă expresionism, el a influențat și dezvoltarea sintetismului și cloisonnismului în timpul șederii sale la Pont-Aven.
Edward Munch (1863-1944)
Un alt mare pionier al expresionismului a fost pictorul și gravatorul norvegian temperamental și nevrotic care, în ciuda faptului că a avut mari cicatrici emoționale la începutul vieții, a reușit să trăiască până la 80 de ani. Aproape toate cele mai bune poze ale sale au fost pictate înainte de căderea sa nervoasă în 1908.
Născut în Loten, Norvegia, fiu de medic, a avut o viață plină de momente grele. Când artistul avea cinci ani, mama lui a murit de tuberculoză, boală la care a cedat și sora lui mai mare câțiva ani mai târziu.
Aceste prime evenimente tragice au făcut din moarte o parte integrantă a artei sale în viitor. L-au însoțit amintirea trupului muribund pe o pernă, lângă pat o lumină stinsă și paharul cu apă fără viață și un tată autoritar care le-a repetat la nesfârșit copiilor săi că, dacă vor păcătui, vor fi condamnați la iad fără milă. de multi ani..
Cu acest scenariu și așa cum era de așteptat, familia a suferit foarte mult. Una dintre surorile mai mici a fost diagnosticată cu boală mintală la o vârstă fragedă, iar Munch însuși se simțea adesea rău. Din cei cinci frați ai săi, doar unul s-a căsătorit, dar a murit la câteva luni după nuntă.
În 1881, Munch sa alăturat Școlii Regale de Artă și Design din Kristianind și a luat lecții de modelare și desen. Profesorii și influența sa timpurie au fost sculptorul norvegian Julius Middelthun și pictorul naturalist, autorul și jurnalistul Christian Krohg.
Deși Munch a pictat subiecte tradiționale în viața de student, și-a descoperit rapid propriul stil unic. În 1882 și-a închiriat propriul atelier cu alți câțiva artiști și, deși nu au mai rămas multe dintre lucrările sale din această perioadă, cele cunoscute sunt foarte apreciate, de exemplu cea intitulată Dimineața (1884).
Acest artist a lăsat moștenire toată opera sa orașului Oslo, o colecție formată din peste o mie de picturi, cincisprezece mii de gravuri și patru mii de desene și acuarele. În 1963, Munch-Museet, un muzeu care găzduiește toate lucrările sale, a fost deschis la Oslo și a devenit, de asemenea, primul artist occidental care și-a expus picturile la Galeria Națională din Beijing.
În 2004, unele dintre cele mai faimoase picturi ale lui Munch, Țipătul și Fecioara, au fost furate din Muzeu de tâlhari înarmați, dar au fost găsite de poliție câțiva ani mai târziu. Pe lângă Muzeul Munch și Galeria Națională de Artă din Oslo, multe dintre picturile și gravurile sale sunt expuse în cele mai bune muzee de artă din Europa.
Ferdinand Hodler (1853-1918)
Un mare exponent al artei expresioniste, pictorul simbolist elvețian Ferdinand Hodler s-a născut la Berna în 1853 într-o familie grav afectată de sărăcie. Tatăl său era ebanisier și când mama sa a murit s-a recăsătorit cu un pictor și decorator, care l-a făcut ucenic, apoi a fost trimis la Thun să lucreze cu un artist local. Prima sa specialitate a fost pictura convențională de peisaj, priveliști alpine frumoase, pe care le-a vândut turiștilor.
La 18 ani, a decis să-și schimbe reședința și a mers pe jos la Geneva, orașul în care își va petrece cea mai mare parte a vieții de adult și unde a început să-și construiască ceea ce avea să fie o carieră lentă ca artist profesionist. În cele din urmă, părinții și frații lui Ferdinand Hodler au murit din cauza unor boli, situații care au avut o influență notabilă asupra vieții și carierei artistului, reflectând în lucrările sale relația strânsă cu moartea.
James Ensor (1860-1949)
Pictor născut la Ostende, Belgia, fiul unor mici negustori care au simțit încă de la o vârstă fragedă o înclinație pentru arte. Părinții săi dețineau un magazin în piață unde erau oferite turiștilor suveniruri, precum măști și măști de carnaval, evantai, ceramică, jucării și obiecte curioase. Măștile extravagante de carnaval și antifațele folosite mai târziu de Ensor în spectacolele sale au fost o trăsătură comună a trupelor și paradelor locale de Marți Gras.
Când avea doar cincisprezece ani, și-a început educația în arte cu câțiva exponenți locali, a studiat și la Academia Regală de Arte Frumoase din Bruxelles, unde l-a cunoscut pe Fernand Khnopff în jurul anului 1877. A expus pentru prima dată o lucrare în 1881, ulterior s-a întors la domiciliul său unde a locuit până în 1917, în casa tatălui său. Primele sale lucrări dezvăluie un stil destul de clasic și oarecum întunecat, așa cum se vede în Muzica rusă, The Rower și The Drunkards.
În 1887 paleta sa s-a uşurat simţitor, schimbare care a coincis cu moartea tatălui său alcoolic, supuşii săi devenind un pic suprareali, alegând să picteze carnavaluri, măşti, schelete şi păpuşi, îmbrăcaţi de obicei în costume în culori luminoase şi expresive.
Lucrările lui James Ensor au influențat mișcarea dadaistă și suprarealismul, în special opera lui Jean Dubuffet. În anul 2009, Muzeul de Artă Modernă din New York cunoscut sub numele de MoMA a organizat o retrospectivă majoră a operei sale. Astăzi picturile sale pot fi văzute în unele dintre cele mai bune muzee de artă din lume, în special în Muzeul de Arte Frumoase din Anvers.
Expresionismul în alte arte
Expresionismul a fost o mișcare culturală care a luat naștere în Germania la sfârșitul secolului al XIX-lea și a atins apogeul în secolul al XX-lea. Deși expresionismul a fost apreciat mult mai mult în pictură, el s-a manifestat și în alte discipline precum literatură, cinema, muzică, sculptură, fotografie, arhitectură, printre altele.
expresionismul în muzică
În timp ce unii îl clasifică pe compozitorul Arnold Schoenberg drept expresionist din cauza contribuției sale la almanahul der Blaue Reiter, expresionismul muzical pare să-și fi găsit cel mai firesc ieșire în operă. Printre cele mai vechi exemple de astfel de lucrări expresioniste s-au numărat marile prezentări operatice ale lui Paul Hindemith ale dramei lui Kokoschka, Mörder, Hoffnung der Frauen (Ucigașul, speranța femeilor) (1919) și Sancta Susanna (1922) a lui August Stramm, care s-a ocupat de problema sexualității.
Cele mai notabile opere expresioniste sunt însă două ale lui Alban Berg: Wozzeck, jucat în 1925 și Lulu, interpretat în întregime până în 1979, ambele cu o înclinație profundă și caracteristică pentru dramaturgie.
expresionismul în film
Puternic influențați de arta scenică expresionistă, mulți artiști își propun să transmită în film, prin decor, starea de spirit subiectivă a protagonistului. Cel mai faimos dintre aceste filme este cel al lui Robert Wiene, Cabinetul Dr. Caligari (1920), în care un nebun își povestește ideea și punctul de vedere despre cum a ajuns la azil. Străzile și clădirile deformate de pe platou sunt proiecții ale propriului univers, iar celelalte personaje au fost abstractizate prin machiaj și îmbrăcăminte în simboluri vizuale.
Este un film în care sunt evocate groaza, amenințarea, anxietatea și drama, iluminarea umbrelor și decorurile ciudate au devenit un model stilistic pentru filmele expresioniste pentru câțiva regizori mari germani.
Versiunea lui Paul Wegener a golem (1920), de F. W. Murnau cu Nosferatu: O simfonie a groazei (1922) și Fritz Lang cu producția mută Metropolis (1927), printre alte filme, prezintă viziuni pesimiste despre colapsul social sau explorează dualitatea de rău augur a naturii umane și capacitatea ei de a avea un rău personal monstruos.
expresionismul în sculptură
În sculptură a constat în principal din schimbări drastice în modul în care a fost realizată sculptura tradițională, mai degrabă decât într-un stil particular și uniform. Expresionismul a fost, de asemenea, popular în sculptură, exponenți de seamă fiind sculptorii în lemn Ernst Barlach și Wilhelm Lehmbruck. În jurul anului 1920, aceasta a derivat mai mult decât orice în abstractionism, în căutarea unei eliberări a formelor care să ofere plenitudine expresiei artistice.
În ceea ce privește sculptura în expresionismul abstract, mai mulți sculptori au fost, de asemenea, parte integrantă a mișcării, printre care David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois și Louise. Nevelson, considerat și el membri importanți ai mișcării.
La fel ca pictura expresionistă abstractă, opera sculpturală a mișcării a fost puternic influențată de suprarealism și de accent pe creația spontană sau subconștientă. Sculptura expresionistă abstractă a fost mai interesată de proces decât de produs, ceea ce poate face dificilă distingerea vizuală a lucrărilor numai din punct de vedere estetic, așa că este important să luăm în considerare ce are de spus artistul despre procesul lor.
Un exemplu sunt sculpturile lui David Smith, care a căutat să exprime subiecte bidimensionale care până acum nu fuseseră elaborate în trei dimensiuni. Se poate spune că lucrările sale estompează granițele dintre sculptură și pictură, făcând adesea uz de tracerări frumoase și meticuloase mai degrabă decât forme solide, cu un aspect bidimensional care rupsese cu ideea tradițională de sculptură în rotund.
expresionismul în literatură
Expresionismul în literatură a apărut ca o reacție inovatoare împotriva materialismului, a prosperității burgheze mulțumitoare, a dominației familiei în societatea europeană de dinainte de Primul Război Mondial și a mecanizării și urbanizării rapide.
A fost mișcarea literară dominantă în Germania în timpul Primului Război Mondial și imediat după. Scriitorii expresioniști au încercat să-și transmită ideile și protestul social printr-un stil nou.
Preocuparea lor era mai degrabă pentru adevărurile generale decât pentru situații particulare, ei au explorat în lucrările lor dificultățile tipurilor simbolice reprezentative mai degrabă decât personajele individualizate complet dezvoltate.
Accentul nu s-a pus pe lumea exterioară, care este doar conturată și greu definită în loc sau timp, ci pe interior, pe starea de spirit a unui individ, de aceea, în drama expresionistă, interesul este în evocarea stări de spirit.
Personajul principal dintr-o operă expresionistă își exprimă adesea necazurile în lungi monologuri exprimate într-un limbaj concentrat, eliptic și concis, care explorează starea de rău spiritual a tinerilor, revolta lor împotriva generației mai în vârstă și diferitele soluții politice sau revoluționare care sunt căutat.se prezintă. Dezvoltarea interioară a personajului principal este explorată printr-o serie de tablouri vag legate, în timpul cărora el se răzvrătește împotriva valorilor tradiționale și caută o viziune spirituală mai înaltă a vieții.
August Strindberg și Frank Wedekind au fost precursori noti ai dramei expresioniste, dar prima operă expresionistă recunoscută a fost cea a lui Reinhard Johannes Sorge, der Bettler (Cerșetorul), scrisă în 1912 și pusă în scenă pentru prima dată în 1917. Ceilalți dramaturgi de frunte din această mișcare au fost Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever și Reinhard Goering, toți germani.
Stilul expresionist în poezie a apărut cot la cot cu omologul său dramatic, în același stil nereferențial și explorând un lirism exaltat și minunat, la fel ca un imn. Această poezie simplificată, folosind un număr mare de substantive, unele adjective și verbe la infinitiv, a schimbat narațiunea și descrierea încercând să ajungă la esența sentimentului.
Printre cei mai influenți poeți expresioniști se numără nemții Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl și Else Lasker-Schüler și poetul ceh Franz Werfel. Tema cel mai abordată în versurile expresioniste a fost oroarea vieții urbane și viziunile apocaliptice ale prăbușirii civilizației.
Unii poeți au fost extrem de pesimiști și mulțumiți să dezvăluie valorile burgheze, în timp ce alții erau mai preocupați de reforma politică și socială, exprimând deschis speranța pentru o revoluție viitoare. În afara Germaniei, dramaturgii care au folosit tehnici dramatice expresioniste au inclus autorii americani Eugene O'Neill și Elmer Rice.
expresionismul în arhitectură
Arhitectura expresionistă a fost concepută și concepută pentru a evoca sentimente și emoții extreme. Clădirile create în acest stil au făcut o declarație la acea vreme și s-au remarcat față de structurile din jur.
Arhitecții au folosit adesea forme neobișnuite, distorsionate și au încorporat tehnici de construcție total originale, folosind materiale precum cărămidă, oțel și sticlă. Unii au obținut un mare succes și s-au remarcat la vremea lor, printre care îi putem aminti pe Walter Gropius și Bruno Taut, care au proiectat clădiri expresioniste impresionante.
Din păcate, multe dintre structuri nu au fost niciodată construite și există doar pe hârtie. Dintre cele care s-au putut concretiza, unele au fost temporare, iar altele nu au supraviețuit până în prezent, totuși, câteva exemple izbitoare de arhitectură expresionistă pot fi văzute astăzi, în special în Germania.
Stiluri inspirate de expresionism
Expresionismul nu a fost tocmai o tendință sau o mișcare uniformă, deoarece a grupat o mare varietate de stiluri și, la rândul său, a dat naștere sau a influențat multe altele, de asemenea mișcări foarte importante în artă și cultură.
Expresionismul abstract
Pe măsură ce New York-ul a înlocuit Parisul ca epicentru al inovației în arta modernă, stilul expresionist a renascut ca expresionism abstract la începutul anilor XNUMX.
În Statele Unite, a câștigat putere cu așa-zișii pictori de acțiune conduși de Jackson Pollock și Willem De Kooning și cu pictorii de câmpuri de culoare precum Mark Rothko, Barnett Newman și Clyfford Still. Mult mai abstractă decât expresionistă, această nouă școală nu a avut nicio legătură tangibilă cu stilul expresionist de la începutul secolului al XX-lea.
expresionismul figurat
Deși arta americană și europeană de după război a fost dominată de abstracție, expresionismul reprezentațional era încă popular în Australia în anii 1940 și 1950, așa cum este exemplificat de lucrările unor artiști precum Russell Drysdale și Sidney Nolan.
Este strâns legată de lumea nordică și germanică, având rădăcini în lumea antică a națiunii germane și mișcarea romantică a secolului al XIX-lea. Încercați să reprezentați realitatea cu o perspectivă diferită și personală
neoexpresionism
Ultima renaștere a mișcării expresioniste a avut loc în anii 1970 în Statele Unite, Marea Britanie, Germania, Italia și Franța, sub denumirea de neoexpresionism. Văzută în primul rând ca o reacție la minimalismul și arta conceptuală a anilor XNUMX, exponenții săi de frunte au inclus:
- Philip Guston și Julian Schnabel (SUA)
- Paula Rego și Christopher Le Brun (Marea Britanie)
- Școala neoexpresionistă cunoscută sub numele de Neue Wilden (Noile Fauves) care a inclus: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler și alții. (Germania)
- Transavanguardia (Dincolo de avangardă) și a prezentat artiști precum Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria și Mimmo Paladino. (Italia)
- Figuration Libre, format în 1981 de Remi Blanchard, Francois Boisrond, Robert Combas și Herve de Rosa. (Franţa)
Dacă ți-a plăcut acest articol, te invităm să consulți și altele foarte interesante pe blogul nostru: