În acest articol vă aducem toate informațiile pertinente despre Caracteristicile vopselei, vă vom povesti despre toată importanța pe care a avut-o pictura în istoria lumii, pentru că a lăsat multe urme și multe povești, de aceea atunci când observați un tablou valoros, trebuie să vă gândiți la diferitele caracteristici ale picturii. articolul de fata care iti va placea!
Caracteristicile vopselei
Arta de a reprezenta grafica prin utilizarea pigmenților amestecați cu diferite substanțe de legare sintetice sau organice este ceea ce cunoaștem ca pictură.Pentru a folosi arta picturii, trebuie să aveți multe cunoștințe despre teoria culorilor și compoziția picturală.precum și despre caracteristici diferite ale vopselei ce urmează a fi utilizată.
Pentru a desfășura arta picturii și a desenului trebuie efectuată constant practica picturii și aceasta constă în a profita de o anumită suprafață precum o coală de hârtie, o pânză, o bucată de material, o bucată de lemn. , un perete.în care urmează să fie pictat, folosind o anumită tehnică pentru a putea obține o compoziție de culori, forme, desene, texturi printre altele, dând astfel proiectarea unei opere de artă îndeplinind unele principii estetice.
În felul acesta, în secolul al XVII-lea, arhitectul și teoreticianul André Félibien de origine franceză a ajuns să afirme într-una dintre prelegerile sale de la Academia Franceză despre ierarhia genurilor care există în pictura clasică, care sunt „povestea, portretul, peisajul, mările, florile și fructele”
În artele plastice, pictura este una dintre cele mai vechi expresii artistice care există dintre cele șapte care există, în știința teoriei artei și în estetică, pictura a fost considerată categorie universală și include, la rândul său, toate creațiile artistice realizate pe suprafețe. . Una dintre categoriile care sunt utilizate în diferitele caracteristici ale picturii este tipul de suport care este folosit sau materialul folosit și în prezent suporturile sau diferitele tehnici digitale.
Este important de menționat că în istoria picturii a fost dominată o vreme de religie sau arta religioasă. Există multe exemple de acest tip de pictură, de la lucrări care au fost pictate subliniind figuri mitologice și religioase, până la scene descrise în Biblie, precum tavanul Capelei Sixtine situată în Vatican, Roma. Chiar și aceleași scene pictate din viața lui Buddha, precum și diverse imagini pictate care fac ecou temei religioase orientale.
Definiţia painting
Pentru a defini pictura, și pentru a vorbi despre principalele sale caracteristici ale picturii, se poate spune că este o reprezentare grafică folosind o serie de pigmenți combinați cu alte substanțe, fie organice sau sintetice, pentru a realiza o expresie artistică. Dar este bine cunoscut faptul că arta picturii este puțin complexă, deoarece necesită multe tehnici și metode de pictură, precum și desenul și compoziția vizuală a artistului și modul în care acesta folosește teoria culorilor.
Folosind aceste tehnici pictorul poate folosi metodele de pictură în frescă sau metoda picturii în ulei. Însă pictura poate îndeplini diverse criterii tematice, precum și diferitele caracteristici ale picturii de istorie sau diferitele genuri menționate mai sus.
Veți găsi, de asemenea, diferite stiluri de pictură precum pictura preistorică și gotică și în orice perioadă de pictură la care se face referire. Dar picturile sunt opere de artă, după cum spune Ernst Hans Josef Gombrich, istoricul de artă britanic născut în Austria:
„Nu este nimic greșit să ne încântăm cu un tablou de peisaj pentru că ne amintește de casa noastră sau într-un portret pentru că ne amintește de un prieten, deoarece ca oameni care suntem, atunci când privim o operă de artă suntem supuși amintirea unei multitudini de lucruri care, la bine și la rău, ne influențează gusturile.
Gombrich, Istoria artei (2002)”
În același mod, Arnold Hauser, istoric de artă de origine maghiară, după ce a studiat toată viața între Germania și Italia, definește conceptul de pictură afirmând următoarele:
„Le interpretăm (picturile) în funcție de propriile noastre scopuri și aspirații, le transferăm un sens, a cărui origine este în stilul nostru de viață și obiceiurile mentale”
Filosoful de origine germană Ernst Bloch, în cartea sa scrisă în 1918 intitulată Spiritul utopiei, își manifestă inteligența de a apăra arta nonfigurativă și face o relație cu concepția omului utopic, care are un destin nedezvăluit, dar este prezent inconștient în adâncul ființei umane și în cartea sa ajunge să afirme următorul:
„Dacă sarcina picturii ar fi să ne punem pe noi înșine în fața ochilor aerului și a imensității prețioase a spațiului și orice altceva, ar fi mai bine să mergem direct și să ne bucurăm liber de toate acestea.”
Pentru alți istorici și în special pentru domnul Erwin Panofsky, au examinat conținutul mai multor tablouri prin forma lor și conținutul pe care îl reprezentau, au efectuat mai multe studii încercând să înțeleagă ce reprezintă tabloul pentru societate, apoi sensul pe care pictura respectivă îl avea pentru observator.şi în cele din urmă itemi sensul pe care pictura l-a avut pentru cultură şi religie.
istoria picturii
În acest articol, intitulat Caracteristicile picturii, vă vom spune puțin despre istoria picturii. Pentru ca tu sa ai cunostintele necesare, intrucat atunci cand vorbim de istorie trebuie sa ne intoarcem in vremea preistoriei si sa ajungem la epoca contemporana, care cuprinde toate reprezentarile care se realizeaza cu diferitele tehnici folosite in pictura si desenul artistic.
Toate acestea coincid cu istoria artei în context cultural și istoric, atunci când încercăm să analizăm istoria picturii trebuie să ne întoarcem la picturile care au fost realizate ca picturi murale în diferitele peșteri, care se găsesc în regiunile pirineene care aparțin țărilor Spaniei și Franței și o parte a coastei mediteraneene în ceea ce s-a numit arta levantină.
Există și alte picturi realizate în alte părți ale Europei care sunt puțin mai jos, care se află în următoarele țări: Portugalia, Italia, în partea din Europa de Est și în Africa de Nord. Există și alte picturi foarte importante în istoria picturii precum picturile rupestre și sunt cele mai vechi cunoscute de om.
In istoria picturii se afla pestera Chauvet situata in Franta, conform istoricilor prin investigatiile efectuate pe aceasta pestera, are o vechime de peste 32 de mii de ani si se afla in perioada Aurignacian si Gravettiana. Caracteristicile picturii realizate în această peșteră a fost că artiștii au folosit argilă ocru, oxid de fier roșu și negru este dioxid de mangan.
În alte peșteri care se remarcă și prin diferite picturi sunt cele de la Altamira și Lascaux, în aceste picturi sunt desenați rinoceri, mamuți, lei, bivoli, cai sau ființe umane în atitudine de vânătoare cu referire la animale. De asemenea imaginile care se găsesc în papirusuri și în diferiții pereți ai mormintelor egiptene datând cu 5 mii de ani înainte de Hristos, sunt scene ale vieții de zi cu zi a acestei populații, precum și ale mitologiei și credințelor lor.
De asemenea, va simboliza caracteristicile și trăsăturile acelei societăți, folosind dimensiunea figurilor ca rang al societății. Ca și în Roma Antică, era normal să decorați sau să pictați pereții caselor și palatelor, în prezent cel care se află în cea mai bună stare de conservare este orașul antic Pompei și orașul Herculaneum.
Ajunși în epoca paleocreștină în catacombe, au început să le împodobească pictând scene din noul testament și reprezentându-l pe Isus ca figura păstorului bun, au pictat figurile cu ochi mari creând iluzia că privesc privitorul. Acest stil a devenit foarte admirat și a continuat să fie realizat în școala bizantină situată la Constantinopol.
Apoi pictura romantică se dezvoltă între secolele al XII-lea și al XIII-lea, în cele mai interesante zone ale Europei situate în sudul Franței și zonele Cataloniei, deși picturile care au fost realizate erau de diferite teme religioase realizate în partea cea mai înaltă a bisericii și pe ziduri mari pentru ca oamenii să le poată observa, una dintre cele mai folosite reprezentări a fost cea a pantocratorului, care este imaginea lui Iisus din Nazaret și cea a Fecioarei Maria.
De asemenea, au început să facă tablouri care arată viețile sfinților. În pictura gotică a existat și pictura religioasă, dar reprezentând teme de origine seculară, dar a fost de proporție mai mare în țările din Italia și Franța unde cea mai importantă figură a fost pictorul Giotto care a lucrat ca muralist și arhitect de origine florentină.
În epoca Renașterii, pictura clasică a avut un mare rol în influențarea progresului societății, în acel moment s-a dezvoltat perspectiva liniară și se studia anatomia umană folosind pictura ca punct de sprijin, una dintre cele mai importante caracteristici ale picturii. a fost folosirea tehnicii uleiului.
În acest moment existau mari pictori care erau recunoscuți pentru cunoștințele lor și tehnicile picturale pe care le foloseau, printre cei mai remarcabili fiind Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael Sanzio și Tițian. În caracteristicile picturii se remarcă în lucrarea realizată de Leonardo Da Vinci la realizarea Mona Lisa, care mai este cunoscută și ca Mona Lisa, Ei bine, folosesc metodele clarobscur și sfumato.
Arhitectul și sculptorul Michelangelo a realizat una dintre cele mai importante lucrări pictând tavanul Capelei Sixtine, cunoscută drept una dintre marile lucrări ale Renașterii, în plus mulți artiști au recurs la teme simbolice printre care se numără și cele din nordul Europei, printre care includ frații Jan van Eyck și Hubert van Eyck. În Germania s-a remarcat pictorul și umanistul Dürer.
În timp ce așa-numita biserică contrareformei sau reforma bisericii catolice cu care a vrut să contracareze protestantismul, a căutat să facă uz de arta religioasă și pentru a realiza acest lucru s-a folosit de convențiile artificiale ale manieriștilor, care dominau arta între secolele al XVI-lea și al XVII-lea, dar în acest moment caracteristicile picturii pe care o foloseau erau de a respinge regulile și libertatea compoziției formelor și culorilor, dar a fost folosită noutatea caravagiștilor.
Acestea au făcut uz de un naturalism radical, unde au folosit combinația de observație fizică pentru a detalia tot ceea ce trebuia evidențiat și au făcut ca tabloul să aibă o artă teatrală și dramatică mediată de utilizarea tehnicii clarobscurului. Ei bine, a folosit umbra și lumina, în această artă se remarcă Caravaggio și Annibale Carracci, doi pictori contemporani și foarte importanți în conformația picturală a artei baroc.
Una dintre cele mai remarcabile caracteristici ale picturii barocului este dinamismul compozițiilor realizate de pictorii Rubens Rembrandt și Velázquez. În prima parte a secolului al XVIII-lea, a fost promovată mișcarea artistică rococo, care a fost mai festivă și mai veselă decât arta baroc și a fost larg acceptată în țările Franței și Germaniei.
Mișcarea culturală a romantismului care a început la începutul secolului al XIX-lea, exprima stările de spirit și sentimentele mari intense, dar în Franța cel mai remarcabil pictor a fost Delacroix, în Statele Unite un pictor remarcabil a fost Thomas Cole, în timp ce în Marea Britanie. United a fost reprezentat de Constable și Turner, iar în Spania a fost pictorul Francisco de Goya.
La mijlocul secolului al XIX-lea s-a inventat fotografia și pictura a început să-și piardă obiectivul istoric pe care îl avea până atunci oferind cele mai realiste imagini, la vremea aceea și-a făcut apariția mișcarea artistică a impresionismului reprezentată de pictorul de origine franceză pe nume Edouard Manet. care a fost precursorul acestei mișcări care a făcut-o posibilă pe baza pensurilor sale libere și a relației de culori pe care a folosit-o pentru a realiza construcția unei imagini mai realiste dar fără a acorda prea multă atenție detaliilor cele mai specifice.
În secolul XX, caracteristicile picturii ies mai mult în evidență prin diversitatea curentelor picturale, printre care avem fauvismul, care este cunoscut și sub numele de fauvism și este o mișcare picturală care s-a născut în Franța și apoi s-a răspândit în mai multe țări și a fost caracterizat prin respingerea culorilor tradiționale și folosirea culorilor violente sau foarte frapante.
Mișcarea culturală numită expresionism s-a născut și ea dar în Germania, dar s-a întruchipat în diverse domenii ale artelor plastice precum arte plastice, arhitectură, literatură, muzică, cinema, teatru, dans, fotografie etc. Și s-a caracterizat prin a face sentimentele să simtă mai mult decât a face un produs fidel al realității.
În mod similar, cubismul s-a născut ca mișcare artistică între 1907 și 1924, creată de Pablo Picasso și Georges Braque, și urmată de artiștii Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard și Guillaume.Apollinaire, a fost o mișcare care s-a bazat pe realizarea de picturi sub formă de mici cuburi. Făcând imagini tridimensionale să devină picturi bidimensionale.
Pictura abstractă este moștenită din această mișcare culturală a cubismului, care este o formă de expresionism abstract dezvoltat în New York City între anii 1940 și 1950.
Apoi, în Marea Britanie, apare Pop art, o mișcare artistică care se inspiră din estetica vieții de zi cu zi și din bunurile de larg consum folosite la acea vreme. Ei bine, s-au făcut reclame pentru un anumit tip de băutură sau mâncare. Fiind reprezentantul său principal Andy Warhol.
În fine, în secolul XX, apare minimalismul, care este o tendință în care totul se reduce la esențial sau pentru a scăpa de surplusul și realizarea caracteristicilor picturilor cu utilizarea minimelor resurse estetice. În timp ce în secolul XNUMX se face o idee de pluralism și astăzi se utilizează o mare varietate de stiluri și estetică.
Genuri artistice folosite în pictură
Printre genurile artistice care există și urmează să fie clasificate pe teme, care la rândul lor au fost clasificate de-a lungul istoriei picturii care au avut un efect asupra tehnicii, dimensiunilor, stilului și expresiei care realizează opera de artă. Autori precum Platon (427-347 î.Hr.), Aristotel (384-322 î.Hr.) și Horațiu (65-8 î.Hr.) au ajuns să afirme că arta este o mimesis.
„Un concept folosit de acești autori denumind astfel imitarea naturii ca scop esențial al artei”
Pentru acest concept, meritul se face în folosirea valorii didactice pe care o are și face o bună reprezentare, dar nu trebuie să facă diferențe între portretul realizat de imaginație și portretul real. Arhitectul Marco Vitruvio Polión la mijlocul secolului I, care a început să decoreze sălile de mese unde s-au observat imagini cu diverse mese și în alte încăperi s-au realizat peisaje și scene mitologice.
În Renaștere, arhitectul Leon Battista Alberti a avut ideea de a ridica gradul de meșteșugar pictură la cel de artist liberal, afirmând chiar că cea mai importantă meserie pe care o are pictorul este istoria, dar arhitectul folosind cuvântul istorie. s-a referit la pictura narativă care interpretează scene epice sau religioase, apoi pentru a spune următoarele:
Cea care înfățișează faptele mari ale oamenilor mari demne de amintit diferă de cea care descrie obiceiurile cetățenilor privați, de cea care înfățișează viața țăranilor. Primul are un caracter maiestuos, ar trebui rezervat clădirilor publice și reședințelor celor mari, în timp ce celălalt va fi potrivit pentru grădini”
În secolul al XVI-lea, pictura în ulei și-a făcut apariția și colecția, deși faptul de a realiza picturi murale narative mari nu s-a pierdut, a dat naștere și la picturi comerciale și diverse formate mai manevrabile. În acest fel au început să fie clasificate diferitele genuri picturale și specializarea fiecărui artist.
În Italia, pictura istorică continuă și pictorii care se aflau în nordul Italiei au realizat portrete, în timp ce pictorii care se aflau în Olanda au început să realizeze picturi de gen dar la scară mică, pictând lucrări de viață țărănească, pe lângă natură moartă. si peisaj.
În acest fel, în anul 1667, arhitectul și teoreticianul pe nume André Félibien a ajuns într-un anumit fel să ierarhească genurile picturii clasice, care sunt istoria, portretul, peisajul, mările, florile și fructele.
Pictură de gen: Denumită și scenă de gen, această pictură se bazează pe obiceiurile private ale oamenilor în scenele lor cotidiene și contemporane ale artistului, este cunoscută și ca pictură costumbrista. Cele mai populare picturi ale acestui gen au fost realizate în Țările de Jos la începutul secolului al XVI-lea.
Printre cei mai importanți artiști din acest gen se numără Pieter Brueghel cel Bătrân și Vermeer. Deși nu se știe cu siguranță dacă au fost făcute pentru a reprezenta realitatea sau cu scopul de a distrage atenția observatorilor de la picturile uneori foarte comice. Poate că au avut un scop moralizator prin diferitele exemple pe care le-au făcut spectatorilor.
Dar nu există nicio îndoială că în pictura de gen a secolului al XVIII-lea au avut în vedere toată intenția satirică sau moralizatoare a situației în diferitele lucrări realizate de pictorii William Hogarth sau Jean-Baptiste Greuze, în timp ce în Spania pictorul Diego Velázquez a cultivat pictura de gen interpretând opera sa Bătrâna care prăjește ouă și purtătorul de apă din Sevilla, în acest fel pictorul Francisco Goya.
Portret: În ierarhia genurilor folosite în pictură, portretul ocupă o poziție importantă, dar ambiguă, deoarece într-un fel reprezinți oamenii după asemănarea lui Dumnezeu, iar pe de altă parte încearcă să glorifice persoana pentru vanitatea lor și pentru ceea ce au făcut istoric. , pentru că oamenii bogați și cei mai influenți au fost întotdeauna reprezentați.
Dar de-a lungul timpului, clasele de mijloc au angajat pictori care să-i înfățișeze pe toți oamenii care alcătuiau familia, astăzi sunt portrete care se fac între familiile celor care guvernează, corporații, asociații și persoane fizice.
Când pictorul își face un portret, acesta se numește autoportret, unul dintre cei mai faimoși pictori din acest domeniu a fost Rembrandt, care a realizat mai mult de șaptezeci de autoportrete. În general, artistul își face un autoportret mai reprezentativ, așa cum a afirmat Edward Burne-Jones, care este un artist și designer englez, susținând că:
„Singura expresie care poate fi permisă în portretele mari este expresia caracterului și a calității morale, nimic temporar, efemer sau accidental.”
În tehnica uleiului care a fost folosită de unul dintre cei mai buni pictori din nordul Europei în secolul al XV-lea, pe nume Jan Van Eyck, care a fost unul dintre cei care a promovat arta de a realiza un autoportret, un exemplu important a fost atunci când artistul a pictat Căsătoria Arnolfini, în acest tablou pictorul este înfățișat cu soția sa însărcinată în plin trup.
În perioada Renașterii a fost reprezentat ca statut social și ca având mult succes personal oamenii care au fost portretizați, în acest fel s-au remarcat mulți artiști dintre ei, Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio și Durero.În Spania Zurbarán, Velázquez și Francisco de Goya.
La aceste grupuri se adaugă și impresioniștii francezi care au practicat și acest gen, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc, iar în secolul XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian. Freud, Francis Bacon sau Andy Warhol.
Pictura istorica: O altă caracteristică a picturii este pictura istorică, care este considerată un mare gen în picturile religioase, mitologice, istorice, literare și alegorice. În acest tip de pictură au demonstrat viața personală și intelectuală sau morală a persoanei care a fost pictată. Într-unul dintre discursurile sale, domnul Sir Joshua Reynolds, care a venit să expună la Academia Regală de Arte între 1769 și 1790, a susținut următoarele:
„Marele scop al artei este de a trezi imaginația... Conform obiceiului, eu numesc această parte a artei Pictură istorică, dar ar trebui spusă poetică. (…) El trebuie uneori să se abată de la vulgarul și adevărul istoric strict în căutarea măreției pentru opera sa”
Atunci artistul pe nume Nicolás Poussin de origine franceză a fost primul pictor care a realizat genul picturii istorice într-un format mai mic, însă această inovație nu a avut la fel de succes. În timp ce pictorul Diego Velázquez în anul 1656 și-a terminat lucrarea intitulată Las Meninas unde descrie familia lui Filip al IV-lea, într-un tablou mare în care se arată simbolic că este un portret al familiei regale în cadrul genului picturii istorice. .
După aceasta și odată cu trecerea timpului, pictorul Pablo Picasso în anul 1937, și-a terminat celebra lucrare intitulată Guernica, pentru a realiza acest tablou a folosit o mare dimensiune în genul picturii istorice.
Peisaj: În secolul al V-lea d.Hr., picturile cu genul sau tema peisajelor se regăsesc în țările Chinei și Japoniei, întrucât în Europa apar peisaje, punând însă accentul pe scene narative sau tratate de farmacie și botanică.
Dar această temă începe cu adevărat în secolul al VI-lea d.Hr., când încep să se solicite apariția colecționarilor și a diverselor teme dedicate picturilor de țară și pictorii din nordul Europei sunt desemnați ca specialiști în domeniu, în acest fel, genul. a peisajelor olandeze a fost promovată într-un mod mai specific. Că eram concentrat să pictez orizontul jos și cerul încărcat de nori.
În plus, în acest gen au fost pictate morile de vânt tipice olandeze, vite și diferite bărci de pescuit. În peisajele venețiene situate în Italia, care au fost pictate de Giorgio Barbarelli da Castelfranco și discipolii săi, aceste picturi au fost realizate cu aspect liric și au un frumos tratament cromatic.
Acest tip de pictură este dezvoltat în cursul secolului al XVIII-lea, dar a fost numit și vedutismo, deoarece a fost un gen italian care s-a dezvoltat la Veneția unde priveliștile urbane ale orașului sunt reprezentate similar stilului cartografic, deoarece imaginile sunt realizate panorame ale orașului. oraș.
Acolo sunt descrise canalele, monumentele și cele mai tipice locuri ale Veneției, uneori au fost pictate singure sau cu figuri umane, cei mai importanți reprezentanți ai acestui gen au fost Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi și Luca Carlevarijs.
În școala de la Barbizon, unde se numește locul în care se află pictorii de peisaj, deoarece acestea au fost primele personaje care au pictat în aer liber și au făcut un studiu despre modul de lucru în aer liber și la baza acestui gen este lumina și numeroasele sale variante în special pictura impresionistă a avut impact.
Natură moartă: Este un gen mai reprezentativ al imitației naturii și a obiectelor neînsuflețite, care sunt reprezentate în viața de zi cu zi precum fructele, florile, alimentele, ustensilele de bucătărie, vesela, cărțile, bijuteriile etc. Dar una dintre caracteristicile picturii pe acest gen este că mai puțin literar.
Începutul genului naturii moarte, are loc în antichitate, unde era folosit pentru decorarea sălilor mari pentru evenimente speciale, precum frescele romane din Pompei, scriitorul Pliniu cel Bătrân a relatat că artiștii de origine greacă ai secolelor trecute erau cel mai priceput în portrete și natură moartă.
Acest gen de pictură a fost foarte important în arta occidentală în secolul al XVI-lea d.Hr. Un exemplu important al acestui gen este pictura intitulată Măcelarie Realizat de pictorul spaniol Joachim Beuckelaer. În același secol, pictorii Caravaggio și Annibale Carracci au realizat lucrări reprezentând naturi moarte magnifice.
În secolul al XVII-lea d.Hr., C. în Olanda evoluează un tip de cramă care se numește vanitate, Acolo au început să fie expuse tot felul de lucruri, precum instrumente muzicale, sticlă, argint și vesela, precum și bijuterii și simboluri precum cărți, cranii sau clepsidre, care serveau drept mesaj moralizator al plăcerilor efemere ale simțurilor.
În timp ce Academia Franceză a calificat acest loc cu ultimul loc al ierarhiei picturale. Dar sosirea mișcării artistice a impresionismului împreună cu multe caracteristici ale picturii, natura moartă este din nou o temă normală în rândul pictorilor și al societății, picturile din Floarea soarelui lui Van Gogh sunt una dintre cele mai răspândite picturi ale acestui gen.
Artiștii cubiști au început să compună și naturi moarte, printre care se remarcă următorii Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard și Juan Gris.
nuduri: la acest subiect este un gen artistic în care se va remarca reprezentarea corpului uman și este totodată una dintre caracteristicile picturii, în nud. Este considerată una dintre clasificările academice ale operelor de artă. Dar unii intelectuali tind să-l asocieze cu erotismul.
Dar genul nudului ajunge întotdeauna să aibă diverse interpretări și multe semnificații, de la mitologie la religie și punând accent pe studiul anatomic sau ca reprezentare a frumosului și a idealului estetic al perfecțiunii așa cum se făcea în Grecia Antică. .
La materia artistică, studiul perfecțiunii și reprezentării corpului uman a fost întotdeauna o constantă în istoria artei, de la preistorie cu sculptura Venusului din Willendorf până în prezent. Tema nudurilor a devenit mai reprezentativă în Grecia Antică, unde nudul era conceput ca perfecțiune și frumusețe absolută.
Acest concept a dăinuit în arta clasicistă și a ajuns până în zilele noastre și este în mare măsură condiționat de percepția societății occidentale față de nud și artă. În Evul Mediu, impactul lor a ajuns la religie, întrucât se bazau pe teme religioase și scene biblice, dând justificare acestui gen.
În Renaștere a existat o nouă cultură numită umanistă și ea era mai antropocentrică, plasând ființa umană în centrul tuturor lucrurilor, iar cu această nouă doctrină a revigorat revenirea genului nud la artă, dar bazată pe istoric și mitologic. teme.. Îndurare în probleme religioase.
În secolul al XIX-lea d.Hr., genul nudului a început să-și piardă caracterul iconografic din cauza apariției mișcării culturale a impresionismului și urma să fie reprezentat prin calitățile sale estetice ca imagine senzuală și erotică, dar pe deplin referențială.
tehnici de pictură
Pentru a explica caracteristicile vopselelor, trebuie să ne bazăm pe cele mai utilizate tehnici, din moment ce pigmenții sunt diluați și fixați pe suprafața unde urmează să fie vopsiți, deoarece dacă pigmenții nu sunt solubili în liantul folosit , ei rămân dispersați în ea. Printre cele mai importante tehnici avem:
Ulei: Una dintre caracteristicile picturii este utilizarea uleiului, deoarece se folosesc diferite tipuri de uleiuri pentru fixarea pigmentului și solventul numit terebentină pentru a-l face mai limpede, deoarece este un lichid foarte volatil. Pictura in ulei se face practic cu pigmenti pulverizati uscati apoi amestecati cu vascozitatea corespunzatoare cu uleiul vegetal de folosit, intrucat sunt uleiuri care se usuca mai lent decat altele si o fac prin oxidare si nu prin evaporare.
Cu aceasta tehnica se formeaza straturi de pigmenti care se inglobeaza in suprafata si de aceea timpii de uscare trebuie controlati foarte atent pentru ca vopseaua sa fie fixata corect in fiecare strat de vopsea care se aplica la lucrare.artistic.
Procesul de oxidare conferă operei de artă o bogăție și profunzime culorilor care sunt folosite din pigmentul uscat utilizat, iar artistul va putea varia atât uleiurile folosite, cât și solventul, astfel încât calitatea vopselei să poată arăta o gamă largă. de culori și calități de la opac la foarte transparent sau de la mat la lucios.
Din acest motiv și multe altele, artiștii caută să folosească cele mai bune uleiuri și este cel mai flexibil mediu care îl folosește întotdeauna în cel mai convenabil mod, deoarece vopseaua în ulei se schimbă cu greu în timpul procesului de uscare, dar pe termen lung începe să se facă. devin gălbui dacă nu este întreținut corespunzător pentru lucrările efectuate.
Deși pictura în ulei poate rezista la multe straturi succesive permițând artistului să realizeze un concept pictural creat în mai multe straturi, de exemplu pictorul Hilaire-Germain-Edgar de Gas a numit acest proces ca fiind fântâna condusă dar timpul de uscare lent permite artiștilor să îndepărteze excesul de vopsea și să parcurgă zone întregi.
În testele care au fost efectuate pe diferite picturi cu raze X, acestea ne-au permis să observăm că marii maeștri ai picturii au făcut multe schimbări în timpul procesului operei de artă.
Ceară: Cu aceasta tehnica care se foloseste aproape intotdeauna la cald, numita si encaustic, care inseamna gravare la foc, este o tehnica ce se foloseste prin folosirea cerii ca liant al pigmentilor, la amestecarea cu acest material are mai multe efecte de acoperire deoarece ceara este mai densă și mai cremoasă.
Pictura în ceară se aplică cu o spatulă sau cu o pensulă fierbinte, după ce opera de artă este terminată trebuie lustruită făcând mișcări cu cârpe de in pe un strat de ceară deja întins.
Că în acest caz nu va acționa ca un liant ci pentru a proteja opera de artă, se numește această operațiune în causticizare, iar această tehnică este descrisă de Marco Vitruvio Polión care în viață a fost un arhitect și pictor care a trăit între anii 75 î.Hr. și 25 d.Hr., care conform celor care a ajuns să afirme următoarele:
„Trebuie să întindeți un strat de ceară fierbinte pe vopsea și apoi să o lustruiți cu cârpe uscate de in”
acuarelă: Este un tablou care se realizeaza pe hartie sau carton, insa una dintre caracteristicile picturii in acuarela este ca se dilueaza cu apa iar culorile devin mai transparente sau mai deschise in functie de cantitatea de apa folosita. În plus, nu mai vezi fundalul hârtiei dacă este albă.
Acest tip de pictură este compus din pigmenți aglutinați și gumă arabică sau cu miere, în acest procedeu pictura fiind folosită de mai multe straturi transparente pentru a obține cea mai mare strălucire și ușurință a compoziției care se realizează pentru proiectarea picturii. .
Pentru a folosi această tehnică, artistul este obligat să aibă multă siguranță în tunsurile pe care le realizează și multă spontaneitate la executarea pensulelor, întrucât această tehnică are ca principală caracteristică de a picta transparența și prospețimea culorilor. care sunt folosite.
Există și acuarela hiperrealistă care va merge împotriva postulatului anterior și se folosesc lacuri pentru a putea îndepărta primele straturi pentru a da glazuri succesive și cu aceasta se va realiza un clarobscur foarte specific în opera de artă dar cu puțină transluciditate. a tehnicii clasice de acuarelă folosită.
tempera: de asemenea cunoscut ca si guașă Este o tehnică foarte asemănătoare acuarelei, dar diferă pentru că poartă o încărcătură de talc industrial care este adăugat intenționat, astfel încât pigmentul să fie puțin mai opac și nu translucid în tempera, ceea ce o face una dintre principalele caracteristici ale picturii cu tempera. și de aceea diferă de acuarelă.
In acest fel se pot aplica diverse nuante de la cele mai inchise la cele mai deschise, iar acest procedeu in acuarela este considerat incorect, tempera este un mediu foarte excelent pentru a o aplica pe diferite desene si pentru a putea face lovituri uscate sau impastate.
La fel ca si acuarela, tempera trebuie aglutinata cu guma arabica, insa in prezent multe tempere sunt puse in plastic pentru ca este mai usor de obtinut si mai ieftin.
Cu tehnica temperei, François Boucher, un pictor francez, a creat mari capodopere, iar artiștii secolului al XVIII-lea d.Hr., folosind tempera împreună cu acuarela, au reușit să facă distincție unor zone specifice din cadrul operei de artă care a fost realizată din acuarelă. De aceea, pictorul Paul Signac, pictor francez, renumit pentru realizarea tehnicii divizioniste, a ajuns să afirme următoarele:
„Anumite rozuri purpurie pe cerul lui Turner, anumite verzi din acuarele lui Johan Jongkind nu ar fi putut fi obținute fără puțină guașă”
Acril: folosirea vopselei acrilice ca tehnică, caracteristicile vopselei au fost foarte apreciate de artiştii contemporani datorită uscării foarte rapide, deoarece pigmenţii sunt conţinuţi cu o emulsie polimerică care este în general lipici vinilic, deşi pot fi uşor de îndepărtat sau se dilueaza cu apa, dupa uscare sunt foarte rezistente la apa.
Ceea ce iese în evidență cel mai mult la această tehnică este ușurința și viteza de uscare, dar atunci când se usucă, nuanța culorii tinde să se schimbe doar puțin, uneori devenind mai închisă sau mai deschisă în funcție de culoarea folosită. Pictura acrilică este relativ nouă, având originile în secolul al XX-lea d.Hr.
Tehnica acrilică s-a dezvoltat în Statele Unite și Germania, dar în paralel, pictorul de origine americană Jackson Pollock a folosit vopsea acrilică, așa cum vine în recipiente, pentru a obține noi texturi și a le face mai groase. În timp ce pictorul Morris Louis, tot din aceeași țară, a folosit vopsea acrilică, dar a diluat-o cu apă pentru a picta pânze mari și a da un efect vopsit în loc de vopsit.
Plăcintă: O tehnică de mare importanță în pictură este tehnica pastelului, deoarece constă în folosirea barelor de culoare, în care pigmenții se găsesc în pulberi amestecate cu cauciuc sau rășină pentru a se aglutina și a forma o pastă uscată și foarte compactă.
De aceea, cuvântul pastel pune în evidență cuvântul pastă, deoarece este pastă și sunt modelate sub formă de bară și care au aproximativ un deget gros și pot fi folosite direct pe suprafața pe care urmează să fie proiectată opera de artă. fără a fi nevoie să folosiți perii sau spatule și nici vreun solvent.
Pentru a lucra cu tehnica pastelului se foloseste ca suprafata o hartie de foarte buna calitate care are un gramaj bun, fiind alba sau o culoare neutra care nu afecteaza vopseaua, pe langa faptul ca are o mica rugozitate, desi tehnica pastelata este foarte flexibil si in acelasi timp versatil deoarece poate fi folosit pe diferite suprafete precum lemn sau plastic.
Deși culorile folosite pot fi foarte puternice și opace, aceasta are o dificultate care este aderența pigmentului la suprafața de vopsit, astfel încât la final pentru a da o îmbunătățire lucrării artistice și se aplică un fixativ de desen cu atomizoare ( spray), care sunt speciale pentru această tehnică.
Dar in general cunoastem tehnica pastelului ca fiind creioane, cea mai folosita resursa a sa este linia in care se pot forma o serie de rame, un alt mod de a o folosi este transformarea in pudra, intrucat pastelul tinde sa elibereze multa pudra colorata.
Mulți dintre artiști folosesc această tehnică de utilizare a pudrei colorate pentru a da creativitate operei lor de artă, printre ei se numără Leonardo da Vinci, care a fost unul dintre primii artiști care a folosit această tehnică în desenul pe care l-a făcut lui Isabel de Este și, de asemenea, alții. precum Hans Holbein cel Tânăr, Correggio, Fragonard sau Degas.
Temple: Cand se foloseste tehnica de vopsire cu tempera se foloseste ca liant o solutie care se face cu apa si albusul unui ou si un ulei special.Primul lucru de facut este sa amesteci albusul oului cu uleiul pana se obtine o pasta omogena. , dupa aceea adauga apa pana ai emulsia sau mediul tehnicii tempera.
Proporția care se folosește este porția dintr-un ou întreg plus același în ulei, plus trei părți de apă, dar asta depinde de fluiditatea pe care pictorul își dorește să o obțină, sunt mulți artiști care adaugă puțin lac pentru a putea înlocuiți uleiul din semințe de in care se folosește cel mai mult. La efectuarea acestei proceduri, tehnica de revenire oferă o mai mare fermitate și o aderență mai bună, precum și o uscare mai rapidă.
Insa dupa uscare, finisajul pe care il da este mai impermeabil in noile glazuri.Sunt si alti artisti care, in loc sa foloseasca apa, folosesc lapte degresat sau latex sau ceara de smochin, dar mereu legat cu apa.
Pictorul și arhitectul italian Giorgio Vasari a folosit și cuvântul tempera pentru a putea realiza un ulei de lac, s-au realizat mari capodopere prin utilizarea acestei tehnici, de exemplu Sandro Botticelli iese în evidență când a realizat Nașterea lui Venus, După cum a explicat DV Thompson:
„O pictură cu ouă bine făcută este printre cele mai durabile forme de pictură pe care le-a inventat omul. Sub murdărie și lacuri, multe lucrări medievale cu tempera de ou sunt la fel de proaspete și strălucitoare ca atunci când au fost pictate. În mod normal, picturile cu tempera s-au schimbat mai puțin în cinci sute de ani decât picturile în ulei în treizeci”
Cerneală: în acest articol, despre caracteristicile picturii, utilizarea tehnicii cernelii sau cunoscută și sub numele de cerneală chinezească, această cerneală este în general lichidă, deși vine și într-o bară solidă, dar trebuie măcinată și diluată pentru a o utiliza, este aproape întotdeauna folosit pe hârtie și cele mai folosite culori sunt sepia și negrul, dar în prezent există mai multe culori.
Cerneala chinezeasca poate fi aplicata in diverse moduri, insa una dintre cele mai des intalnite este folosirea unei penite sau a unui stilou, care sunt mai practice pentru a realiza un desen sau ceva caligrafie, se folosesc diferite varfuri pentru pix si sunt incarcate cu cerneala. sa faca linii si cu ele sa pot scrie sau sa faca desene dar nu sa faca tablouri.
Un alt mod sau resursă de a putea folosi cerneala chinezească este cu pensula, dar aceasta va fi folosită ca acuarelă și se numește guașă, care este să amesteci cerneala chinezească cu apă și alcool și culoarea care urmează să fie folosită. Această tehnică este similară cu tehnica străveche folosită în Japonia, unde și-au făcut caligrafia japoneză, care se baza și pe cerneală și hârtie.
Un alt mod de a-l folosi este folosirea pixului de desen, care este un încărcător de cerneală sau așa-numitul rapidograf, dar această tehnică, împreună cu grafitul, este mai mult pentru desen decât pentru pictură.
Misto: tehnica este o tehnică de pictură modernă, deoarece se bazează pe schimbarea chimică a pigmenților de pământ măcinați care sunt amestecați cu apă pură, aceasta poate fi aplicată pe un mortar care are var și nisip în interior, în timp ce varul este în sub formă de hidroxid de calciu. Deoarece dioxidul de carbon găsit în atmosferă, varul se va transforma în carbonat de calciu.
În acest fel pigmentul se va cristaliza în interiorul peretelui. Tehnicile de a picta cu frescă sunt foarte simple dar este foarte laborioasă și la prepararea amestecului durează mult. Această tehnică are caracteristica picturii de a fi foarte durabilă în timp.
Dar tinde să fie deteriorat din cauze fizice, chimice sau bacteriologice, una dintre cauzele principale va fi umiditatea care va avea ca principal deteriorare alterarea culorilor datorită dizolvării carbonatului de calciu iar lucrarea tinde să dezvolte ceea ce ei numesc mucegai .
Grisaille: alta dintre tehnicile folosite in pictura, dar se bazeaza pe o pictura monocromatica in ceea ce ei numesc clarobscur sau lumina si umbra, dupa cum a declarat pictorul Giorgio Vasari de origine italiana, culoarea este realizata cu amestec de oxizi de fier si cu un se adaugă puțin cupru și flux, acest lucru produce o senzație de relief sculptural în operele de artă.
În secolul al XIV-lea d.Hr., această tehnică a fost folosită pentru schițele pregătitoare pe care sculptorii le folosesc pentru a obține acest efect de relief prin realizarea diferitelor gravuri de aceeași culoare. În timpul domniei lui Carol al V-lea al Franței, tehnica grisaille a fost folosită în vitralii și pictură în miniatură.
Utilizarea sa va fi una dintre principalele caracteristici ale picturii flamande, deoarece pe spatele grajdurilor o reprezentare a unei Buna Vestire cu tehnica grisaille. Pictorul spaniol Josep Maria Sert a aplicat această tehnică, dar în locul evoluției sale monocromatice.
A folosit-o sprijinindu-se pe monocromul auriu deoarece acest pictor a folosit o gama larga de culori cromatice unde a folosit metale precum aurul, argintul, arama, pamantul prajit, cu note de carmin, folosind ca fundal un preparat bogat in metal, argint şi pâine.de aur.
Pointilism: Este una dintre tehnicile apărute în neoimpresionism deoarece pictorul Georges Seurat o studia și o practica, dar tehnica constă în așezarea unor puncte mici sferice de culori pure, în loc să execute tehnica pensulei pe suprafața dorită.vopsea.
Întrucât există relații fizice între diferitele culori, există o interacțiune între culorile primare și cele complementare, realizând un amestec grozav de culori pentru observator.
Acest amestec este văzut de observator la o anumită distanță de pictură și este capabil să producă un mare efect asupra observatorului atunci când diferitele puncte sunt unite.
Picurare: Este o tehnica de realizare a unei picturi automate, pentru suprarealisti aceasta tehnica se poate realiza prin realizarea unui tablou casual, se realizeaza cu picaturi si stropi de diverse vopsele, este o tehnica care se mai numeste si pictura de actiune americana (action painting). ).
Tehnica se realizează atunci când artistul merge pe suprafața care urmează să fie pictată cu pensule mari sau cu același vas de vopsea. Și scapă picurarea de culoare pe care o face figura, asta se face cu un email care sunt petele care rămân pe suportul pe care îl folosește artistul.
graffiti: Această tehnică este utilizată cu vopselele care sunt ambalate și sunt foarte proeminente în caracteristicile vopselei. De aceea ei îi numesc aerosoli și se folosește atunci când artistul apasă butonul din partea superioară prin care vopseaua iese sub formă de spray, cu această tehnică se poate picta pe suprafețe mari.
În mod normal, această tehnică este folosită de oamenii care pictează pereți și străzi, acest tip de pictură se numește graffiti. La sfârșitul anilor 70, artiștii urbani au început să-și facă graffiti pe toți pereții pe care i-au putut obține și cu experiența au creat adevărate opere de artă.
Vopselele cu aerosoli sunt în prezent fabricate pentru acești artiști, iar unii au deja propriile șabloane pentru a putea delimita suprafața pe care doresc să o marcheze cu opera lor de artă, bineînțeles că pe piață se găsesc deja șabloane cu diferite modele și litere. cu care artiştii mai puţin experimentaţi vor putea repeta.
Tehnici mixte: În realizarea operelor de artă, unii artiști folosesc diferitele caracteristici ale picturii din cadrul aceleiași lucrări pentru a atrage atenția observatorului. De exemplu, unii artiști folosesc ceea ce se numește colaj, care va fi o tehnică artistică care nu este picturală, deoarece nu este pictată, dar devine o tehnică mixtă atunci când artistul folosește o tehnică precum acuarela, tempera sau cerneala.
Dar până la urmă artistul trebuie să decidă asupra diferenței dintre un procedeu pictural și o tehnică picturală, întrucât se înțelege că un procedeu pictural este acela de a face unirea mai multor elemente în aceeași operă. În timp ce modul în care artistul îl aplică va realiza o tehnică picturală.
Materiale folosite în picturi
Pentru a te putea dedica picturii, există o infinitate de materiale care sunt folosite de artiști prin documente scrise și note adresate diferiților artiști, iar o altă sursă este efectuarea unei examinări tehnico-științifice a operei de artă. Unele dintre aceste examene sunt menite să întărească dovezile documentare ale lucrărilor pentru a certifica dacă sunt originale sau nu.
Deoarece trebuie să fie esențial ca materialele folosite în prezent de artist să fie diverse și în secolul XXI vă vom face o listă grozavă de materiale care pot fi folosite pentru a realiza o operă de artă. Printre care avem:
Suporta: Acest material are funcția de a susține fundalul și diferitele straturi de vopsea folosite de pictor, dar trebuie amintit că în caracteristicile picturii există modele foarte diferite din care să alegeți, cele mai utilizate fiind cele din hârtie, cartonul, lemnul, pânza și zidurile orașului. Dar puteți adăuga și metal, sticlă, plastic și piele printre multe altele.
Dar toate suporturile vor avea nevoie de un grund special care este să pregătească o suprafață astfel încât pictorul să-și poată realiza opera de artă și toate au o procedură diferită pentru materialul care urmează să fie utilizat.
Scândură de lemn: Este unul dintre cele mai folosite suporturi încă de la începutul picturii, când era în epoca egipteană artiștii foloseau deja scândură de lemn ca sarcofage, iar în Evul Mediu altarele erau folosite pentru realizarea altarelor și grundul lor era foarte ușor, deoarece puneți doar un singur strat de lipici pe el.
Și dacă lemnul a trebuit să fie aurit, folosiți grundul cu foiță de aur, care este caracteristic vopselei, dar înainte de a pune foita de aur pe el, trebuie făcut un alt grund cu un strat de lipici și un alt strat de ipsos sau argile pentru a da. o atingere mai puternică a scândurii de lemn.
Până în secolul al XV-lea d.Hr., șevaletul european a început să fie folosit ca suport principal, deoarece lemnul masiv care era folosit în trecut era acoperit cu fâșii de pânză de in lipite astfel încât să nu poată fi văzute ca fiind împreună. Lemnul trebuia să fie în stare bună și să evite eventualele fisuri pe care le-ar putea avea.
Apoi a început să fie folosit în placaj și PAL ca placă de lemn. Scândurile de lemn au început să fie prefabricate și au oferit o mare caracteristică a picturii; puteau fi netede, iar rosturile nu se vedeau, așa cum era așa-numita scândură. table, ca era foarte usoara si usor de manevrat, in plus artistul o putea purta oricand cu el si avea doua laturi, cea neteda si cea aspra iar scandurile sunt foarte importante in caracteristicile picturii.
Pânza: Potrivit scriitorului și soldatului Pliniu cel Bătrân, împăratului roman Nero i s-a spus că are un portret al lui pictat pe o pânză de 36,5 metri lungime pe 12 metri lățime, filozoful Heraclit în manuscrisul său intitulat From Coloribus et Artibus Romanorum din În secolul al X-lea î.Hr., el a descris cum ar trebui pregătită o pânză de in pentru a o decora și picta.
El a scris, de asemenea, modul exact de întindere și cum să pregătească materialul cu lipici, astfel încât să fie excelent ca pergament. Vopseaua care a fost așezată pe pânză a început să fie folosită în nordul Europei și mai târziu în Italia datorită luminozității mari și a multiplelor moduri de utilizare a acesteia.
În secolul al XVIII-lea d.Hr., a început să fie folosit foarte frecvent în culise iar la începutul secolului al XIX-lea d.Hr., a început să fie produs în serie. Pânzele care s-au folosit cel mai mult au fost cele din fibre vegetale precum cânepa, inul, iută țesută fin sau bumbac, care este și una dintre caracteristicile picturii.
Toate aceste pânze au fost realizate cu granulație grosieră sau fină, în funcție de rezultatul pe care artistul și-a dorit să-l obțină în lucrarea pe care și-a dorit să o facă, există și documentație care atestă că au folosit pânză din poliester.
În prezent, toate pânzele pot fi achiziționate în numărul de metri pe care artistul își dorește și pot fi montate pe rama pe care și-l dorește, întrucât pe piață există diferite modele, tipuri și formate. Dar, desigur, există o numerotare internațională pentru dimensiunile lățimii și lungimii cadrului, în funcție de caracteristicile tabloului care urmează să fie pictat pe pânză.
În prezent, au fost realizate trei formate diferite pentru ca fiecare să aibă caracteristicile picturii pe care artistul dorește să o realizeze, precum figura, peisajul și marinul. Pe o parte are întotdeauna aceeași dimensiune, iar pe cealaltă va scădea, rămânând astfel:
- Cel din figură va măsura 100 cm pe 81 cm
- Masurile peisajului sunt 100 cm pe 73 cm.
- Cel bleumarin va avea următoarele dimensiuni: 100 cm pe 64 cm.
Acestea sunt acordurile la care s-au ajuns la nivel internațional, dar cunoscând artiștii, aceștia nu sunt guvernați de aceste măsuri și își desfășoară lucrările de artă cu măsurile pe care ei consideră că ar trebui să le fie opera lor, în majoritatea pânzelor găsite pe piață. de vânzare le pregătesc cu ulei de in și umplutură de pori.
Există însă și cele care se prepară pe bază de emulsii care sunt cele mai potrivite pentru utilizare cu vopsea în ulei, sau cu vopsea acrilică, în acest fel amorsarea pânzelor este simplificată pentru diferitele caracteristici ale vopselei ce urmează a fi utilizată. artistului și astfel obțineți rezultatul așteptat cu cea mai bună calitate.
Cupru: Unul dintre cele mai importante materiale în utilizarea caracteristicilor picturii este cuprul, deoarece a fost folosit încă din secolul al XV-lea d.Hr. A fost folosit în foi foarte subțiri de către pictorii care se aflau la nord de continentul european. Artistul de origine germană Adam Elsheimer. Am ajuns să le folosesc, dar într-o dimensiune mică, iar acest lucru i-a făcut pe cercetători să creadă că vechile gravuri le foloseau într-un fel pentru a le recicla.
Sticlă: un alt mediu care a fost folosit pe scară largă de către diferiți artiști pentru a picta a fost sticla, s-au realizat și nenumărate obiecte precum borcane, pahare, recipiente, pătrate, triunghiuri printre multe altele unde artistul și-a făcut smalțul și odată ce le-a decorat la rece, a fost introdus într-un cuptor de încălzire cu o temperatură mai mică decât punctul de topire al sticlei care realizează opere de artă mari și frumoase.
În secolul al XVII-lea d.Hr., acestea au început să fie folosite ca suport pentru vitraliile, întrucât reprezintă un suport foarte important pentru caracteristicile picturii din diferitele biserici și marile Catedrale, acolo au început să fie amplasate cristale mari colorate și pictură pe sticlă cu imagini religioase și numeroase scene preluate din biblie.
Prin folosirea tehnicii grisaille, una dintre caracteristicile picturii, s-a realizat ca pe o parte sa fie intr-o culoare iar pe cealalta sa fie decorat cu vreo lucrare artistica religioasa care pune in valoare un sfant sau o scena din Biblie. S-au făcut și multe chipuri ale sfinților.
Hârtie: Potrivit datelor deținute de cercetători și a constatărilor care au fost găsite, hârtia care a fost folosită pentru realizarea operelor de artă provenea din China, în jurul anului 200 î.Hr., iar inventatorul acestui material este chinez.numit Cai Lun între anii 50 a, C. iar în 121 d, C.
Care a servit ca eunuc imperial, pentru că a îmbunătățit formula hârtiei și a făcut-o o alternativă mai bună decât papirusul și pergamentul. Că la acea vreme erau cele mai folosite alternative pentru scris și pentru realizarea operelor de artă caracteristice picturii.
Deoarece acest personaj a adăugat amidon care avea particularitatea de a proteja fibrele vegetale, hârtia a fost un material foarte bine folosit de artiști, deoarece este folosit în multe tehnici de pictură, iar cele mai comune au fost acuarela, tempera, pastelul și cerneala chinezească și ea. diverse culori dar cel mai folosit este negrul si sepia.
În ceea ce privește hârtia, există o mare diversitate de texturi, greutăți și culori, fiind una dintre cele mai importante caracteristici ale picturii, iar pentru a alege un tip de hârtie este necesar ca artistul să aibă o idee despre ceea ce își dorește de făcut printre tipurile de hârtie. găsiți:
- Hârtie de presare la cald: are o suprafață dură, netedă, mulți artiști o consideră prea alunecoasă pentru pictura în acuarelă.
- Hartie presata la rece: este texturata, semi-aspra, potrivita pentru spalari late si netede.
- Hârtie aspră: Cu o suprafață granulată, atunci când se aplică o spălare se obține un efect pestriț din cavitățile din hârtie.
De asemenea, fiecare artist trebuie să ia în considerare greutatea hârtiei pentru a o putea alege, deoarece o hârtie foarte grea nu poate fi ondulată atât de ușor și trebuie întinsă iar pentru a aplica tehnica acuarelei gramajul hârtiei trebuie să fie între 120 de grame pătrate și cu o licitaţie de 850 grame pătrate.
Perii: Sunt instrumente sau instrumente foarte esențiale pentru artist și sunt foarte importante și în caracteristicile picturii, deoarece pictorul le folosește în moduri diferite în munca sa pentru a realiza opera artistică.
Pensulele, fiind un instrument foarte util pentru artiști, sunt concepute în diverse dimensiuni, lățimi și de calitatea necesară, deoarece materialele cu care sunt realizate pensulele pot fi organice sau sintetice.
Peria este structurată în trei părți și sunt părul, virola sau viola și magicianul să o poată ține, se disting mai mult prin păr și felul în care sunt făcute, unele se numesc perii plate sau cu limbă de pisică. . Periile sunt de obicei realizate cu păr tare, iar cele rotunde merg aproape întotdeauna cu păr drept.
Pensulele sunt alese de diferiți artiști în funcție de munca pe care intenționează să o facă și de modul în care vor folosi vopseaua pe care o au. Dacă artistul va folosi suprafețe mari pentru a realiza lucrarea, va folosi pensule în loc de pensule.
În perii au aproape întotdeauna interiorul gol pentru a putea colecta mai multă vopsea în momentul efectuării cursei, periile mai mici nu au acel gol central, sunt și perii care au peri și sunt perii care au și ele. și acestea sunt întotdeauna naturale de origine organică și provin de la diverse animale, cum ar fi cai, jder și porci, printre multe altele.
Caracteristicile de vopsea virgulă sunt, de asemenea, realizate din coame artificiale, un material sintetic. Îngrijirea periilor este foarte importantă pentru a le putea prelungi durata de viață utilă, acestea trebuie curățate după folosire pe lângă curățarea continuă, curățarea acesteia este extrem de ușoară întrucât trebuie să le pui doar apă și săpun.
După spălare, pot fi uscate cu umezeală sau cu flanel, apoi trebuie depozitate în poziție orizontală fără a apăsa acolo unde este părul pentru a nu se deforma. O alta utilizare care se acorda pensulelor este ca mijloc de a putea imprima tablouri cu rola care sunt realizate din diferite dimensiuni si materiale.
Printre materiale se numără lâna, spuma sau cauciuc fibros, bureții naturali sau artificiali și nu în ultimul rând paletele, cuțitele și spatulele ca o altă opțiune în caracteristicile vopsirii deoarece sunt unelte realizate dintr-o tablă de metal extrem de ușoară și flexibilă sau plastic care poate fi folosit în diferite moduri și culori poate fi îmbinat și pictat de cei mai experimentați artiști.
Bani: În diferitele suporturi care există artiștii se obișnuiesc să modifice fundalul înainte de a începe opera de artă, este o calitate care are caracteristicile picturii. Se efectuează un tratament de grund, deoarece fundalul este suprafața pe care artistul o pictează cu culoarea și textura pe care dorește să-și înceapă opera de artă acolo.
Înainte, fundalurile erau realizate cu un ulei sau lipici organic, iar apoi se amesteca cu alb sau cu o nuanță colorată care îi plăcea artistului care urma să facă lucrarea. Deși acel mijloc adeziv erau cozile diferitelor animale și pești.
Se folosesc si emulsii pe baza de ou, ulei sau rasina.Pentru a-i da culoare s-a folosit anterior var si piatra ponce, precum si pamant ocru. Depinde de materialul care a fost folosit, acesta a definit cum ar arăta efectul vizual al operei de artă. De asemenea, culoarea de fundal care a fost folosită ca suport i-a dat o nuanță diferită.
Din acest motiv, artiștii au căutat un fundal alb care să reflecte diferitele straturi de vopsea pe care le-au folosit, dar dacă culoarea de fundal era întunecată, avea tendința de a reduce nuanța vopselei, făcând-o mai închisă.
Arhitectul de origine italiană Giorgio Vasari a afirmat chiar că fondurile uleioase au avut avantajul de a păstra flexibilitatea pânzelor, care erau realizate la dimensiuni mari și puteau fi rulate pentru a fi mutate în diferite locuri.
Dar dezavantajul pe care îl aveau era că era nevoie de un timp mai lung de uscare. Între secolele al XVI-lea și al XVII-lea, fundalurile care au fost cele mai folosite au fost cele care au fost vopsite cu pământ roșcat, cu aceasta unele spații puteau fi lăsate nevopsite dar lucrarea a căpătat o uniformitate totală. In prezent, fondurile care se pregatesc in societatile comerciale sunt realizate industrial cu plumb alb si blotter.
Pigmenți: pigmenții care sunt o caracteristică foarte fundamentală a picturii tind să fie împărțiți în anorganici și acestia la rândul lor derivă din minerale, pământ, săruri și oxizi și cu acestea se realizează culorile de ocru și siena. Se folosesc și pigmenți organici care sunt derivați din plante și unele animale care se obțin prin gătirea unor semințe sau pentru că unele părți ale animalelor sunt calcinate.
Există și altele care sunt obținute pe cale sintetică, cum ar fi anilinele și, de asemenea, compușii organici. Pigmenții organici sunt în general mai puțin nesiguri decât pigmenții anorganici. Pigmentul folosit împreună cu lianții formează ceea ce numim vopsea, iar liantul este cel care permite pigmentului să fie fluid și astfel să obțină aderența suprafeței vopselei la fundal.
Deși uneori poate deveni apos și poate fi și gras, totul depinde de modul în care este preparat, solventul este un factor important în caracteristicile vopselei întrucât are misiunea de a dilua sau dizolva tipul de liant folosit la realizarea acesteia. . piesa.
Se folosește și un lichid solvent numit terebentină, este un solvent foarte volatil și incolor care se amestecă și se diluează cu uleiul și cu rășina tinde să se dizolve, la fel ca și cu apa deoarece se dizolvă și el, în același mod. mod este folosit cu cauciuc care se dizolvă și poate dilua și mai mult caracteristicile vopselei în acest fel.
Trebuie să fii conștient de indicii de opacitate ai vopselei de utilizat, deoarece de-a lungul anilor poți surprinde mai bine fundalul picturii și regretele artistului în timpul execuției operei de artă.
În picturile care au fost realizate înainte de secolul al XVIII-lea, particulele de pigmenți utilizați pot fi observate la microscop, iar acest lucru a condus la concluzia că, cu cât granulația pigmentului este mai grosieră, cu atât calitatea vopselei este mai scăzută.
În secolul al XIX-lea, oamenii de știință au început să sintetizeze coloranți care erau utilizați ca pigmenți, printre aceștia fiind albastru de cobalt, galben de zinc și oxid de crom ca fiind cei mai folosiți de artiști. Și în zilele noastre numărul pigmenților a crescut foarte repede, există o mare varietate de culori și toți pigmenții au o calitate excelentă.
Dacă ați considerat important acest articol despre caracteristicile vopselei, vă invit să vizitați următoarele link-uri: