Ca o cultură milenară, Japonia și-a arătat arta în toți acești ani, aflați împreună cu noi prin acest articol interesant, totul despre mileniu Artă japoneză, dezvoltat de-a lungul timpului în diverse perioade și stiluri. Nu rata!
arta japoneză
Când vorbim despre arta japoneză vorbim despre ceea ce a fost sesizat de această civilizație de-a lungul timpului în diverse faze și stiluri, care s-au derulat temporar odată cu dezvoltarea socială și culturală a poporului japonez.
Variațiile pe care le suferă arta în Japonia sunt consecințe ale dezvoltării sale tehnologice, unde putem realiza utilizarea materiei prime a țării în expresiile sale artistice. La fel ca și așa-numita artă occidentală, expresiile sale cele mai emblematice au fost influențate de religie și putere politică.
Una dintre principalele caracteristici ale artei japoneze este eclectismul acesteia, provenind de la diferitele popoare și culturi care au ajuns pe țărmurile sale de-a lungul timpului: primii coloniști care s-au stabilit în Japonia -cunoscuți sub numele de Ainu- au aparținut unei ramuri nord-caucaziene și Asiei de Est, probabil. a ajuns când Japonia era încă atașată de continent.
Originea acestor coloniști este incertă, iar istoricii iau în considerare diverse ipoteze, de la o rasă ural-altaică până la o posibilă origine indoneziană sau mongolă. În orice caz, cultura lor părea să corespundă paleoliticului superior sau mezoliticului.
Ulterior, pe țărmurile japoneze, precum și în Coreea și diverse părți ale Chinei, au sosit diverse grupe ale rasei Malay din Asia de Sud-Est sau Insulele Pacificului, fiind introduse treptat din sud, înlocuind ainui. nordul Japoniei, în timp ce într-un val mai târziu, diferite grupuri etnice din China și Coreea au venit în Japonia.
La acest amestec rasial trebuie adăugată influența altor culturi: datorită insularității sale, Japonia a fost izolată o mare parte din istoria sa, dar la intervale a fost influențată de civilizațiile continentale, în special de China și Coreea, mai ales din secolul al V-lea.
Astfel, cultura ancestrală japoneză care a apărut din avanposturile succesive ale imigrației a adăugat o influență străină, făurind o artă eclectică deschisă inovației și progresului stilistic.
De asemenea, este interesant de observat că o mare parte din arta produsă în Japonia are o bază religioasă: religiei șintoiste tipice din regiune, formată în jurul secolului I, budismul a fost adăugat în jurul secolului al V-lea, făcând o fuziune religioasă care încă dăinuie și astăzi. și-a lăsat reflectarea în artă.
Arta japoneză este consecința acestor culturi și tradiții diferite, interpretând în felul său formele de artă importate din alte țări, pe care o realizează conform concepției sale despre viață și artă, executând schimbări și simplificându-i caracteristicile particulare.
Asemenea templelor budiste chinezești elaborate, care în Japonia au trecut printr-o metamorfoză de a trebui să abandoneze anumite elemente ale artei lor și să le alăture altora, aceasta exprimă caracterul de unire al acestei arte, astfel încât a luat întotdeauna în mod natural ceva dintr-o altă cultură. a altor tari.
Arta japoneză are în cultura japoneză un mare simț al meditației și al interrelației dintre om și natură, reprezentat și în obiectele care o înconjoară, de la cele mai ornamentate și emfatice până la cele mai simple și cotidiene.
Acest lucru este vizibil în valoarea acordată imperfecțiunilor, caracterul efemer al lucrurilor, simțul umanitar pe care japonezii îl stabilesc cu mediul înconjurător. La fel ca și în ceremonia ceaiului, ei prețuiesc calmul și liniștea acestei stări de contemplare pe care o realizează printr-un ritual simplu, bazat pe componente simple și o armonie a unui spațiu asimetric și neterminat.
Pentru ei, pacea și echilibrul sunt asociate cu căldura și confortul, calități care, la rândul lor, sunt o adevărată reflectare a conceptului lor de frumusețe. Chiar și la ora mesei, nu cantitatea de mâncare sau prezentarea acesteia contează, ci mai degrabă percepția senzorială a alimentelor și semnificația estetică pe care o dă oricărui act.
La fel, artiștii și meșterii acestei țări au un grad ridicat de legătură cu munca lor, simțind materialele ca o parte esențială a vieții lor și a comunicării lor cu mediul care îi înconjoară.
Fundamentele artei japoneze
Arta japoneză, ca și restul filozofiei sale - sau, pur și simplu, felul ei de a vedea viața - este supusă intuiției, lipsei de raționalitate, expresiei emoționale și simplității acțiunilor și gândurilor. adesea exprimată simbolic.
Două dintre trăsăturile distinctive ale artei japoneze sunt simplitatea și naturalețea: expresiile artistice sunt o reflectare a naturii, deci nu necesită o producție elaborată, toate acestea duc la faptul că ceea ce își doresc artiștii este ca ceea ce este conturat, sugerat, să fie descifrat ulterior. de către privitor.
Această simplitate a provocat în pictură o tendință spre desen liniar, fără perspectivă, cu abundență de spații goale, care totuși se integrează armonios în ansamblu. În arhitectură, se concretizează în desene liniare, cu planuri asimetrice, într-o combinație de elemente dinamice și statice.
La rândul său, această simplitate în arta japoneză este legată de o simplitate înnăscută în relația dintre artă și natură, care face parte din idiosincrazia lor, care se reflectă în viața lor, și o experimentează cu o delicată senzație de melancolie, aproape de tristețe.
Cum trecerea anotimpurilor le dă un sentiment de efemeritate, unde puteți vedea evoluția care există în natură datorită naturii efemere a vieții. Această simplitate se reflectă mai ales în arhitectură, care se integrează armonios în împrejurimile sale, așa cum arată utilizarea materialelor naturale, fără lucru, arătându-și aspectul aspru, neterminat. În Japonia, natura, viața și arta sunt indisolubil legate, iar realizările artistice sunt un simbol al întregului univers.
Arta japoneză caută să atingă armonia universală, trecând dincolo de materie pentru a găsi principiul generator al vieții. Ornamentația japoneză caută să găsească sensul vieții prin artă: Frumusețea artei japoneze este sinonimă cu armonie, creativitate; este un impuls poetic, o cale senzorială care duce la realizarea operei, care nu are un scop în sine, ci trece dincolo.
Ceea ce numim frumusețe este o categorie filozofică care ne trimite la existență: ea rezidă în atingerea sensului cu întregul. După cum a exprimat Suzuki Daisetsu: „frumusețea nu este în forma exterioară, ci în sensul în care este exprimată”.
Arta nu începe cu caracterul ei sensibil, ci cu atributele ei sugestive; Nu trebuie să fie exact, ci să arate un dar care duce la totalitate. Își propune să surprindă esențialul prin acea parte, care sugerează întregul: vidul este o completare a ceea ce este japonez.
În gândirea răsăriteană, există o unitate între materie și spirit, care predomină în contemplare și comuniune cu natura, prin aderența interioară, a intuiției. Arta japoneză (gei) are un sens mai transcendent, mai intangibil decât conceptul de artă aplicată în Occident: este orice manifestare a minții, înțeleasă ca energie vitală, ca esență care dă viață corpului nostru care de fapt se dezvoltă și evoluează, realizând o unitate între corp, minte și spirit.
Simțul artei japoneze s-a dezvoltat de-a lungul timpului: de la începuturile sale, unde au existat primele urme de artă și frumusețe, ele datează din cele mai vechi timpuri când s-au făurit principiile creative ale culturii japoneze și cele care au fost exprimate în cele mai importante opere ale literaturii. al țării:
Kojiki, Nihonshoki și Man 'yōshū, cele de mai sus sunt publicații, primele două sunt despre primele lucrări ale istoriei Japoniei iar ultima este despre poezii scrise în primul mileniu, pentru acea vreme predomina gândul Sayashi ("pur, sure, fresh”), făcând aluzie la un fel de frumusețe caracterizat prin simplitate, prospețime, o anumită naivitate care vine odată cu folosirea materialelor ușoare și naturale precum Haniwa Figure Land sau lemnul în arhitectură.
Putem clasifica Altarul Ise drept cea mai bună reprezentare a acestui stil, realizat din lemn de chiparos, care a fost renovat la fiecare douăzeci de ani din secolul al VIII-lea pentru a-și păstra candoarea și prospețimea. Din această noțiune decurge una dintre constantele artei japoneze: valoarea atribuită frumuseții efemere, efemere, efemere care se dezvoltă în timp.
În Man 'yōshū, sayakeshi se manifestă în afecțiunile de a fi credincios și încercat, precum și în descrierea modului în care componentele precum cerul și marea i-au dat un sentiment de măreție care îl copleșește pe om.
Sayakeshi este legat de conceptul de Naru („devenirea”), în care timpul este prețuit ca o energie vitală care converge în devenire, în punctul culminant al tuturor acțiunilor și tuturor vieților.
Plasându-ne în perioadele Nara și Heian, aspectul artistic al artei a evoluat rapid datorită primului contact cu cultura chineză, precum și a venirii budismului. Conceptul principal al acestei epoci a fost conștiința, un sentiment emoțional care copleșește privitorul și duce la un sentiment profund de empatie sau milă.
Este legat de alți termeni precum okashi, cel care atrage prin bucuria și caracterul său plăcut; omoshiroi, proprietatea lucrurilor radiante, care atrag atentia prin stralucirea si claritatea lor; yūbi, concept de grație, de eleganță; yūga, o calitate a rafinamentului în frumusețe; the en, atractia farmecului; regele, frumusețea calmului; yasashi, frumusețea discreției; și ushinul, simțul profund al artisticului.
Povestea lui Murasaki Shikibu despre Genji, care a întruchipat un nou concept estetic numit mono-no-awareness -un termen introdus de Motōri Norinaga-, care transmite un sentiment de melancolie, tristețe contemplativă derivată din trecătoarea lucrurilor, frumusețe trecătoare care durează o clipă și rămâne în memorie.
Dar mai presus de toate este un sentiment de melancolie delicată care poate duce la o tristețe profundă atunci când simți profund frumusețea expirată a tuturor ființelor naturii.
Această filozofie a „căutării ideale” a frumosului, a unei stări meditative în care gândirea și lumea simțurilor se întâlnesc, este caracteristică delicateții înnăscute japoneze pentru frumusețe și este evidentă în festivalul Hanami, celebrarea cireșului în a inflori.
În Evul Mediu japonez, perioadele Kamakura, Muromachi și Momoyama, unde caracteristica era dominația militară în întreaga societate feudală a țării, a apărut conceptul de dō („cale”), care a generat o dezvoltare a artei pentru acea vreme. , este prezentată în practica ceremonială a ritualurilor sociale, așa cum o demonstrează shodō (caligrafie), chadō (ceremonia ceaiului), kadō sau ikebana (arta aranjarii florilor) și kōdō (ceremonia tămâierii).
Practicile nu contează rezultatul, ci mai degrabă procesul evolutiv, evoluția în timp - din nou naru -, precum și talentul arătat în executarea perfectă a ritualurilor, ceea ce denotă pricepere, precum și un angajament spiritual în căutarea perfecțiunii.
O variantă a budismului numită Zen, care pune accent pe anumite „reguli de viață” bazate pe meditație, în care persoana își pierde conștiința de sine, a avut o influență decisivă asupra acestor noi concepte. Astfel, toată munca zilnică transcende esența sa materială pentru a semnifica o manifestare spirituală, care se reflectă în mișcarea și trecerea rituală a timpului.
Acest concept se reflectă și în grădinărit, care atinge un asemenea grad de importanță în care grădina este o viziune asupra cosmosului, cu un mare gol (mare) care se umple de obiecte (insule), întruchipat în nisip și stânci. , și unde vegetația evocă trecerea timpului.
Ambivalența Zen dintre simplitatea și profunzimea unei vieți transcendente pătrunde un spirit de „eleganță simplă” (wabi) nu numai în artă, ci și în comportament, relații sociale și în aspectele mai cotidiene ale vieții. . Maestrul Sesshū a spus că „Zenul și arta sunt una”.
Acest Zen este prezentat în șapte fapte ornamentale: fukinsei, o modalitate de a nega optimizarea pentru atingerea echilibrului prezent în natură; kanso , scoate ce a mai rămas și ceea ce vei scoate te va face să descoperi simplitatea naturii.
Kokō (demnitatea solitara), o calitate pe care oamenii și obiectele o dobândesc în timp și le conferă o mai mare puritate a esenței lor; shizen (naturalitatea), care este legată de sinceritate, naturalul este autentic și incoruptibil; yūgen (adâncime), esența reală a lucrurilor, care depășește simpla lor materialitate, aspectul lor superficial.
Datsuzoku (detașare), libertate în practica artelor, a cărei misiune este să elibereze mintea, nu să o controleze – astfel, arta se dispensează de tot felul de parametri și reguli -; seiyaku (seninatate interioara), intr-o situatie de liniste, calm, necesar pentru ca cele sase principii anterioare sa curga.
Este mai ales ceremonia ceaiului, unde conceptul japonez de artă și frumos este sintetizat cu măiestrie, creând o religie estetică autentică: „teismul”. Această ceremonie reprezintă cultul frumosului în opoziție cu vulgaritatea existenței cotidiene. Filosofia sa, atât etică cât și estetică, exprimă concepția integrală a omului cu natura.
Simplitatea sa leagă lucrurile mărunte cu ordinea cosmică: viața este o expresie și acțiunile reflectă întotdeauna un gând. Temporalul este egal cu spiritualul, micul este marele.Acest concept se regaseste si in ceainaria (sukiya), o constructie efemera produs de un impuls poetic, lipsit de ornamente, unde imperfectul este venerat, si lasa mereu ceva. neterminat, care va completa imaginația.
Lipsa de simetrie este caracteristică, din cauza gândirii Zen că căutarea perfecțiunii este mai importantă decât ea însăși. Frumusețea poate fi descoperită doar de cei care completează prin raționament ceea ce lipsește.
În sfârșit, în epoca modernă -care a început cu perioada Edo-, deși persistă ideile anterioare, se introduc noi clase artistice, care se leagă de apariția altor ordine sociale care apar pe măsură ce Japonia se modernizează: sui este o anumită delicatețe spirituală, găsită. în principal în literatura de la Osaka.
Gândul iki este un har demn și direct, prezent în special în kabuki; Karumi este un concept care apără lejeritatea ca ceva primordial, sub care se obține „profunzimea” lucrurilor, reflectată în special în poezia haiku-ului, unde Shiori este o frumusețe nostalgică.
„Nimic nu durează, nimic nu este complet și nimic nu este perfect.” Acestea ar fi cele trei chei pe care se bazează „Wabi sabi”, o expresie japoneză (sau un tip de viziune estetică) care se referă la frumusețea imperfectului, a incompletului și a celui în schimbare, deși se referă la frumusețea imperfectului. modest și umil, neconvenționalul. Filosofia lui „wabi sabi” este să vă bucurați de prezent și să găsiți pacea și armonia în natură și în lucrurile mici și să acceptați pașnic ciclul natural de creștere și declin.
La baza tuturor acestor elemente se află ideea artei ca proces creativ și nu ca realizare materială. Okakura Kakuzō a scris că „numai artiștii care cred în deformarea înnăscută a sufletului lor sunt capabili să genereze frumusețe reală”.
Periodizarea artei japoneze
În acest articol, vom folosi o segmentare în perioade mari în ceea ce privește schimbările artistice notabile și mișcările politice. Selecția variază în general în funcție de criteriile autorului, iar multe dintre ele pot fi și subdivizate. Există însă și diferențe în ceea ce privește începutul și sfârșitul unora dintre aceste perioade. O vom lua pe cea realizată de arheologul Charles T. Kelly, care este următoarea:
Arta japoneză în artele plastice
În perioadele mezolitic și neolitic, a rămas izolat de continent, așa că toată producția sa a fost proprie, deși de puțină importanță. Erau societăți semi-sedentare, trăiau în sate mici cu case săpate în pământ, obținându-și resursele alimentare în principal din pădure (cerbi, mistreți, nuci) și din mare (pești, crustacee, mamifere marine).
Aceste societăți aveau o organizare elaborată a muncii și erau preocupate de măsurarea timpului, așa cum o demonstrează câteva rămășițe de aranjamente circulare de piatră la Oyu și Komakino, care acționau ca cadranuri solare. Se pare că aveau unități de măsură standardizate, fapt dovedit de mai multe clădiri construite după anumite modele.
În anumite locații corespunzătoare acestei perioade au fost găsite artefacte din piatră lustruită și os, ceramică și figuri antropomorfe. Trebuie remarcat faptul că ceramica Jōmon este cea mai veche ceramică făcută de om: cele mai timpurii urme ale ceramicii rudimentare datează din anul 11.000 î.Hr., în ustensile mici, lucrate manual, cu laturi lustruite și interioare mari. , cu un simț funcțional și decor auster.
Aceste rămășițe corespund unei perioade numite „prejōmon” (11000-7500 î.Hr.), urmată de Jōmonul „arhaic” sau „timpuriu” (7500-2500 î.Hr.), unde se realizează cea mai tipică ceramică Jōmon, realizată manual și decorat. cu incizii sau urme de sfoară, pe o bază de un fel de vase adânci în formă de borcan. Decorul de bază a constat în imprimeuri realizate cu șnururi din fibre vegetale, care erau presate pe ceramică înainte de a o arde.
În mai multe zone aceste incizii au atins un grad ridicat de elaborare, cu margini perfect dăltuite, desenând o serie de linii abstracte foarte complicate. În rare ocazii, au fost găsite resturi de scene figurative, în general desene antropomorfe și zoomorfe (broaște, șerpi), evidențiind o scenă de vânătoare prezentă într-o vază găsită în Hirakubo, la nord de Honshū.
În cele din urmă, în „Late Jōmon” (2500-400 î.Hr.), vasele au revenit la o formă mai naturală, mai puțin elaborată, cu boluri și vase cu fund rotund, amfore cu gât îngust și boluri cu mânere, adesea cu tije. sau bază ridicată. Reperele ceramicii Jōmon sunt: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo și Okinohara pe insula Honshū; Sobata pe insula Kyūshū; și Hamanasuno și Tokoro pe insula Hokkaidō.
În afară de vaze, s-au realizat în ceramică diverse figurine în formă umană sau animală, realizate în mai multe părți, astfel că s-au găsit puține resturi de piese întregi. Cei în formă antropomorfă pot avea atribute masculine sau feminine și s-au găsit și unele din semnul androgin.
Unii au burtica umflată, așa că este posibil să fi fost asociate cu închinarea la fertilitate. Este de remarcat precizia detaliilor pe care le arată unele figuri, precum coafurile atente, tatuajele și rochiile decorative.
Se pare că în aceste societăți podoaba trupului era foarte semnificativă, mai ales la urechi, cu cercei ceramici de diverse manufacturi, împodobiți cu vopsele roșiatice. În Chiamigaito (insula Honshū) au fost găsite peste 1000 dintre aceste ornamente, sugerând un atelier local pentru elaborarea acestor produse.
Din această perioadă datează și diverse măști, care denotă munca individualizată pe fețe. În același mod, s-au făcut diferite tipuri de margele de jadeit verde și erau familiarizați cu lucrările lacului, așa cum demonstrează mai multe elemente de fixare găsite la Torihama. Au fost găsite și resturi de săbii, oase sau coarne de fildeș.
Perioada Yayoi (500 î.Hr.-300 d.Hr.)
Această perioadă a însemnat înființarea definitivă a societății agrare, ceea ce a determinat defrișarea unor mari întinderi ale teritoriului.
Această transformare a dus la o evoluție a societății japoneze în domeniile tehnologic, cultural și social, cu o mai mare stratificare socială și specializare a muncii, și a determinat o creștere a conflictelor armate.
Arhipelagul japonez era presărat cu state mici formate în jurul clanurilor (uji), printre care predominau Yamato, care au dat naștere familiei imperiale. Apoi a apărut șintoismul, o religie mitologică care a doborât pe împăratul din Amaterasu, zeița soarelui.
Această religie a promovat adevăratul sentiment de puritate și prospețime al artei japoneze, cu o preferință pentru materiale pure și fără decor, cu un sentiment de integrare cu natura (kami sau supraconștiința). Din secolul I î.Hr. C. a început să introducă civilizația continentală, datorită relațiilor cu China și Coreea.
Cultura Yayoi a apărut pe insula Kyūshū în jurul anilor 400-300 î.Hr. C. și s-a mutat în Honshū, unde a înlocuit treptat cultura Jōmon. În această perioadă a fost extins un fel de mare înmormântare cu o cameră și o movilă decorată cu cilindri de teracotă cu figuri umane și animale.
Satele au fost înconjurate de șanțuri și au apărut diverse unelte agricole (inclusiv o unealtă de piatră în formă de semilună folosită pentru recoltare), precum și diverse arme, precum arcuri și săgeți cu vârfuri de piatră lustruită.
În Olarit au fost produse special următoarele obiecte: Borcane, Vaze, Farfurii, Cești și Sticle cu anumite particularități. Aveau o suprafață lustruită, cu un decor simplu, preponderent incizii, streamers punctate și în zig-zag, cel mai folosit obiect era un pahar al cărui nume era Tsubo.
El a evidențiat lucrarea cu metale, în principal bronzul, precum așa-numitele clopoței dotaku, care serveau drept obiecte ceremoniale, decorate cu spirale (ryusui) sub formă de apă curgătoare, sau cu animale în relief (în principal căprioare, păsări, insecte și amfibieni), precum și scene de vânătoare, pescuit și lucrări agricole, în special cele legate de orez.
Cerbul pare să fi avut o semnificație aparte, legată poate de o anumită zeitate: în multe locuri au fost găsite o multitudine de omoplați de căprioare cu incizii sau semne făcute cu foc, despre care se spune că ar fi legat de un tip de ritual.
Alte obiecte decorative găsite pe site-urile Yayoi includ: oglinzi, săbii, diverse margele și magatama (bucăți de jad și agat în formă de caju, care serveau drept pietre prețioase pentru fertilitate).
Perioada Kofun (300-552)
Această epocă a marcat consolidarea Statului Central Imperial, care controla resurse importante, precum fierul și aurul. Arhitectura s-a dezvoltat de preferință în cimitir, cu morminte tipice de cameră și trecere numite kofun („mormânt vechi”), pe care erau ridicate movile mari de pământ.
Sunt izbitoare înmormântările împăraților Ōjin (346-395) și Nintoku (395-427), unde s-au găsit o mare varietate de obiecte, printre care s-au numărat; bijuterii, figuri realizate din diverse materiale în special figuri de teracotă.
Aceste statuete aveau vreo șaizeci de centimetri înălțime, practic inexpresive, doar câteva fante în ochi și gură, deși sunt un exemplu foarte relevant al artei din acest timp.
După îmbrăcăminte și ustensile, în aceste personaje se remarcă diverse meserii, precum fermieri, milițieni, călugări, femei de provincie, menestreli etc.
La sfârșitul acestei perioade au apărut și figuri de animale, printre care căprioare, câini, cai, mistreți, pisici, găini, oi și pești, care denotă importanța așezării militare a vremii, ale cărei trăsături stilistice sunt legate de cultura Silla. . din Coreea, precum și un tip de ceramică numit Sueki, care este întunecat și foarte fin, cu accesorii clinchete.
Diferențierea socială a dus la izolarea claselor conducătoare în cartiere exclusiviste ale orașelor, precum Yoshinogari, pentru a ajunge permanent segregate în cartiere izolate precum Mitsudera sau complexele palatului Kansai, Ikaruga și Asuka-Itabuki.
În ceea ce privește arhitectura religioasă, templele șintoiste timpurii (jinja) erau realizate din lemn, pe o bază înălțată și pereți expuși sau despărțitori glisanti, cu baze care susțineau acoperișul înclinat.
Una dintre componentele sale caracteristice este torii, un arc de intrare care marchează intrarea într-un loc sacru. Rețineți Altarul Ise, care a fost reconstruit la fiecare douăzeci de ani începând cu secolul al VIII-lea.
Clădirea principală (Shoden) are un etaj înălțat și un acoperiș în două versiuni, cu nouă baze, la care se ajunge printr-o scară exterioară. Este în stilul shinmei zukuri, care reflectă stilul Shinto târziu, înainte de sosirea budismului în Japonia.
Un alt templu mitic de origine incertă este Izumo Taisha, lângă Matsue, un templu legendar fondat de Amaterasu. Este în stilul taisha zukuri, este considerată cea mai veche dintre sanctuare, principala atracție este ridicarea clădirii pe pilaștri, cu o scară ca acces principal și finisaje simple din lemn, fără pictură.
Potrivit manuscriselor găsite, sanctuarul original avea o înălțime de 50 de metri, dar din cauza unui incendiu a fost reconstruit cu o înălțime de 25 de metri. Clădirile erau Honden ("sanctuarul interior") și Hayden ("sanctuarul exterior"). Kinpusen-ji, templul principal al shugendō, o religie ascetică care combină șintoismul, budismul și credințele animiste, aparține și el acestei perioade.
În această perioadă regăsim primele mostre de pictură, ca în funeraliile regale de la Ōtsuka și mormintele în formă de dolmen din Kyūshū (secolele V-VI), decorate cu scene de pradă prinsă, bătălii, călării, păsări și corăbii, sau cu spirale. și cercuri concentrice.
Erau picturi murale, făcute din roșu hematit, negru fum, ocru galben, caolin alb și verde clorit. Unul dintre desenele caracteristice acestei perioade este așa-numitul chokomon, alcătuit din linii drepte și arcade desenate pe diagonale sau cruci, și prezent pe pereții mormintelor, sarcofagelor, statuilor Haniwa și oglinzilor de bronz.
Perioada Asuka (552-710)
Yamato a conceput un regat centralizat pe modelul chinezesc, întruchipat în legile lui Shōtoku-Taishi (604) și Taika din 646. Introducerea budismului a avut un mare impact artistic și estetic asupra Japoniei, cu o mare influență a artei chineze.
Apoi a venit domnia prințului Shōtoku (573-621), care a favorizat budismul și cultura în general și a fost rodnic pentru artă. Arhitectura a fost reprezentată în temple și mănăstiri, s-a pierdut în mare parte, presupunând înlocuirea liniilor simple Shinto cu măreția venită de pe continent.
Ca cea mai remarcabilă clădire a acestei perioade, trebuie să numim templul lui Hōryū-ji (607), reprezentativ pentru stilul Kudara (Paekche în Coreea). A fost făcută pe terenul templului Wakakusadera, ridicat de Shōtoku și ars de adversarii săi în 670.
Construit cu planimetrie axială, este format dintr-un ansamblu de clădiri în care se află pagoda (Tō), Yumedono („sala viselor”) și Kondō („sala de aur”). Este în stil chinezesc, folosind pentru prima dată un acoperiș din țiglă ceramică.
Una dintre caracteristicile acestui exemplu extraordinar este Altarul Itsukushima (593), realizat pe apă, din Seto, unde sunt remarcate Gojūnotō, Tahōtō și diverse honden. Datorită frumuseții sale, a fost numit Patrimoniu Mondial în 1996 de către ONU.
Sculptura cu tematică budistă a fost realizată din lemn sau bronz: primele figuri de Buddha au fost importate de pe continent, dar mai târziu un număr mare de artiști chinezi și coreeni s-au stabilit în Japonia.
Imaginea lui Kannon, numele japonez al bodhisattvei Avalokiteśvara (numit Guan Yin în chineză), a proliferat sub numele de Bodhisattva Kannon, opera coreeanului Tori; Kannonul situat în templul Yumedono din Hōryū-ji; și Kannon din Kudara (secolul al VI-lea), de un artist necunoscut. O altă lucrare importantă este Triada lui Sâkyamuni (623), în bronz, de Tori Busshi instalată în templul lui Hōryū-ji.
În general, erau lucrări de un stil sever, unghiular și arhaic, inspirate din stilul coreean Koguryŏ, așa cum se vede în opera lui Shiba Tori, care a marcat „stilul oficial” al perioadei Asuka: Marele Buddha Asuka (templul Hoko). -ji, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Triad Shaka (623).
Un alt artist care a urmat acest stil a fost Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autoarea cărții The Four Celestial Guardians (shitenno) of the Golden Hall of Hōryū-ji (645), care în ciuda stilului foarte vechi prezintă o evoluție volumetrică mai rotunjită, cu mai multe chipuri expresive.
Tabloul influențat de motive chinezești, realizat în tuș sau coloranți minerali folosiți pe mătase sau hârtie, pe suluri de pergament sau atârnat pe perete. Denotă un mare simț al desenului, cu lucrări de mare originalitate, precum racla Tamamushi (Hōryū-ji), din lemn de camfor și chiparos, cu benzi din filigran de bronz, reprezentând diverse scene în ulei pe lemn lăcuit, într-o tehnică numită mitsuda -i din Persia și legat de pictura chineză a dinastiei Wei.
La baza raclei se află un jataka (contul despre viețile trecute ale lui Buddha), care îl arată pe prințul Mahasattva consacrandu-și propria carne unei tigrese înfometate. În această perioadă, caligrafia a început să capete proeminență, fiindu-i acordat același nivel artistic ca și imaginile figurative.
Au fost remarcate și tapiserii de mătase, cum ar fi Mandala Tenkoku făcută lui Shōtoku (622). Ceramica, care putea fi glazurată sau nu, avea o producție locală mică, fiind cele mai apreciate importuri din China.
Perioada Nara (710-794)
În această perioadă, capitala a fost stabilită la Nara (710), prima capitală fixă a mikadoului. În acest moment, arta budistă era la apogeu, continuând influența chineză cu mare intensitate: japonezii vedeau în arta chineză o armonie și perfecțiune asemănătoare cu gustul european pentru arta clasică greco-romană.
Puținele exemple de arhitectură din acea perioadă sunt clădiri monumentale, cum ar fi Pagoda Est Yakushi-ji, templele Tōshōdai-ji, Tōdai-ji și Kōfuku-ji și Depozitul Imperial Shōso-in din Nara, care păstrează multe obiecte. din arta de pe vremea împăratului Shōmu (724-749), cu lucrări din China, Persia și Asia Centrală. Orașul Nara a fost construit după o rețea, modelată după Chang'an, capitala dinastiei Tang.
Palatului imperial i sa acordat aceeași importanță ca și mănăstirea principală, Tōdai-ji (745-752), construită după un plan simetric într-o incintă mare cu pagode gemene și prezentând Daibutsuden, „sala mare a lui Buddha”. «. cu o statuie mare de bronz de 15 metri a lui Buddha Vairocana (Dainichi în japoneză), donată de împăratul Shōmu în 743. Reconstruită în 1700, Daibutsuden este cea mai mare clădire din lemn din lume.
Un alt templu important este Hokkedō, care se mândrește cu o altă statuie magnifică, Kannon Fukukenjaku, un bodhisattva lăcuit cu opt brațe, înalt de patru metri. înaltă și influență Tang, care se remarcă în seninătatea și placiditatea trăsăturilor faciale.
În contrast, Pagoda Yakushi-ji de Est a fost o încercare a arhitecților japonezi de a-și găsi propriul stil, îndepărtându-se de influența chineză. Se remarcă prin verticalitate, cu coperți alternând de diferite dimensiuni, ceea ce îi conferă aspectul unui semn caligrafic.
In structura sa ies in evidenta streasina si balcoanele, formate din bare de lemn imbinate, in alb si maro. În interiorul ei găzduiește imaginea lui Yakushi Nyorai („Buddha Medicină”). Este listat ca sit al Patrimoniului Mondial sub denumirea de Monumente istorice din Nara antică.
Tōshōdai-ji (759) a avut același grad de asimilare națională, arătând un contrast clar între Kondō („sala de aur”), cu soliditatea, simetria și verticalitatea sa influențate de chinezi, și Kodō („sala de curs”). . ”, de o mai mare simplitate și orizontalitate care denotă tradiția aborigenă.
Un alt expozant a fost Kiyomizu-dera (778), a cărui clădire principală se remarcă prin balustrada imensă, susținută de sute de stâlpi, care iese în evidență pe deal și oferă priveliști impresionante asupra orașului Kyoto. Acest templu a fost unul dintre candidații pentru lista Noilor Șapte Minuni ale Lumii, deși nu a fost ales.
La rândul său, Rinnō-ji este renumit pentru Sanbutsudō, unde există trei statui ale lui Amida, Senjūkannon și Batōkannon. Ca altar Shinto, se remarcă Fushimi Inari-taisha (711), dedicat spiritului lui Inari, numit în special pentru miile de torii roșii care marchează drumul de-a lungul dealului pe care se află altarul.
Reprezentarea lui Buddha a atins o mare dezvoltare în sculptură, cu statui de mare frumusețe: Sho Kannon, Buddha din Tachibana, Bodhisattva Gakko din Tōdai-ji. În perioada Hakuhō (645-710), înăbușirea clanului Soga și consolidarea imperială au dus la sfârșitul influenței coreene și la înlocuirea acesteia cu chineză (dinastia Tang), producând o serie de lucrări de mai mare măreție și realism, cu mai rotunde și forme mai gratioase.
Această schimbare este remarcabilă într-o porțiune din statuile Yakushi-ji din bronz aurit, formate din Buddha așezat (Yakushi) însoțit de bodhisattva Nikko („Lumina Soarelui”) și Gakko („Lumina Lunii”), care manifestă un dinamism mai mare în poziția sa contrapposto, și o mai mare expresivitate facială.
La Hōryū-ji, stilul Tori de origine coreeană a continuat, ca în Kannon Yumegatari și Triada Amida a medalionului Lady Tachibana. La Templul Tōshōdai-ji există o serie de statui mari, realizate din lac uscat gol, evidențiind Buddha central Rushana (759), care are 3,4 metri înălțime. Există și reprezentări ale spiritelor păzitoare (Meikira Taisho), regi (Komokuten) etc. Sunt lucrari in lemn, bronz, lut brut sau lac uscat, de mare realism.
Pictura este reprezentată de o decorație de perete Hōryū-ji (sfârșitul secolului al VII-lea), precum frescele Kondō, care prezintă asemănări cu cele din Ajantā din India. Au apărut și diverse tipologii, precum kakemono („pictură suspendată”) și emakimono („pictură cu role”), povești pictate pe un sul de hârtie sau mătase, cu texte care explică diferitele scene, numite sutre.
În Nara Shōso-in, există o serie de picturi cu tematică seculară, cu diferite tipuri și teme: plante, animale, peisaje și obiecte metalice. La mijlocul perioadei, școala de pictură a dinastiei Tang a intrat în vogă, așa cum se poate vedea în picturile murale ale mormântului Takamatsuzuka, care datează în jurul anului 700.
Prin decretul Taiho-ryo din 701, profesia de pictor este reglementată în corporațiile de meșteșuguri. controlat de Departamentul Pictorilor (takumi-no-tuskasa), din subordinea Ministerului de Interne. Aceste asociații erau însărcinate cu decorarea palatelor și templelor, iar structura lor a durat până în epoca Meiji. Ceramica a evoluat remarcabil prin diverse tehnici importate din China, cum ar fi folosirea culorilor strălucitoare aplicate pe lut.
Perioada Heian (794-1185)
În această perioadă a avut loc guvernarea clanului Fujiwara, care a instituit un guvern centralizat inspirat de guvernul chinez, cu capitala în Heian (acum Kyoto). Au apărut marii feudali (daimyō) și a apărut figura samuraiului.
Cam în această perioadă a apărut grafologia numită Hiragana, care a adaptat caligrafia chineză la limbajul polisilabic folosit în Japonia, folosind caractere chinezești pentru valorile fonetice ale silabelor. Ruptura relațiilor cu China a produs o artă mai clar japoneză, apărând alături de arta religioasă o artă seculară care să fie o reflectare fidelă a naționalismului curții imperiale.
Iconografia budistă a cunoscut o nouă dezvoltare odată cu importul a două noi secte de pe continent, Tendai și Shingon, bazate pe budismul tantric tibetan, care a încorporat elemente șintoiste și a produs un sincretism religios caracteristic acestui timp.
Arhitectura a suferit o schimbare în planul mănăstirilor, care au fost ridicate în locuri izolate, destinate meditației. Cele mai importante temple sunt Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) și altarul-pagodă Murō-ji. Enryaku-ji, situat în vecinătatea Muntelui Hiei, este unul dintre Monumentele Istorice din Kyoto Antic, declarat Patrimoniu Mondial în 1994.
A fost fondată în 788 de Saichō, care a introdus secta budistă Tendai în Japonia. Enryaku-ji avea aproximativ 3.000 de temple și a fost un mare centru de putere la vremea sa, majoritatea clădirilor sale fiind distruse de Oda Nobunaga în 1571.
Din partea care a supraviețuit, astăzi se remarcă Saitō („sala de vest”) și Tōdō („sala de est”), unde se află Konpon chūdō, cea mai reprezentativă construcție a lui Enryaku ji, unde se păstrează o statuie a lui Buddha. sculptat de însuși Saichō, Yakushi Nyorai.
Sculptura a suferit o ușoară scădere față de vremurile anterioare. Din nou, reprezentări ale lui Buddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai de la templul Jingo-ji din Kyoto; Amida Nyorai de la mănăstirea Byōdō-in), precum și anumite zeițe șintoiste (Kichijoten, zeița fericirii, echivalentă cu Lakshmī India) .
Rigiditatea excesivă a religiei budiste limitează spontaneitatea artistului, care se limitează la canoane artistice rigide care îi subminează libertatea creatoare. În anii 859 și 877 se produce stilul Jogan, care se distinge prin imagini de o gravitate aproape intimidantă, cu un anumit aer introspectiv și misterios, precum Shaka Nyorai din Murō-ji.
În perioada Fujiwara, școala fondată de Jōchō la Byōdō-in a devenit faimă, cu un stil mai elegant și mai zvelt decât sculptura lui Jogan, exprimând forme perfecte ale corpului și un mare simț al mișcării.
Atelierul lui Jōchō a introdus tehnicile yosegi și warihagi, care constau în împărțirea figurii în două blocuri care apoi erau unite pentru a le sculpta, evitându-se astfel fisurarea ulterioară, una dintre principalele probleme ale figurilor mari. Aceste tehnici permit și montarea în serie și au fost dezvoltate cu mare succes în școala Kei din perioada Kamakura.
Pictura Yamato-e prosperă în special pe sulurile scrise de mână numite emaki, care combină scene picturale cu caligrafia elegantă Katakana. Aceste suluri au povestit pasaje istorice sau literare, precum Povestea lui Genji, un roman de Murasaki Shikibu de la sfârșitul secolului al X-lea.
Deși textul a fost opera unor scribi renumiți, imaginile au fost executate de obicei de curtezane ale curții, cum ar fi Ki no Tsubone și Nagato no Tsubone, presupunând un eșantion de estetică feminină care ar avea o mare relevanță în arta japoneză de astăzi.
În acest moment, a început o clasificare a picturilor în funcție de gen, care a marcat o distincție perceptibilă între public, unde masculinul se afla sub influență chineză, iar femininul și mai estetic era artistic japonez.
În onna-e, pe lângă Istoria lui Genji, se remarcă Heike Nogyo (Sutra Lotusului), comandată de clanul Taira pentru sanctuarul Itsukushima, unde sunt întruchipate în diverse suluri despre mântuirea sufletelor proclamate de budism.
Pe de altă parte, acest The otoko-e era mai narativ și energic decât ona-e, mai plin de acțiune, cu mai mult realism și mișcare, ca în sulurile Shigisan Engi, despre minunile călugărului Myoren; Ban Danigon E-kotoba, despre un război între clanuri rivale în secolul al IX-lea; și Chōjugiga, scene de animale cu un semn caricatural și un ton satiric, criticând aristocrația.
Perioada Kamakura (1185-1392)
După mai multe dispute între clanurile feudale, s-a impus Minamoto, care a înființat shogunatul, o formă de guvernare cu o instanță militară. În acest moment, secta Zen a fost introdusă în Japonia, ceea ce va influența puternic arta figurativă. Arhitectura era mai simplă, mai funcțională, mai puțin luxoasă și ornamentată.
Regula Zen a adus așa-numitul stil Kara-yo: lăcașurile de cult Zen au urmat tehnica planimetriei axiale chineze, deși clădirea principală nu era templul, ci sala de lectură, iar locul de cinste nu era ocupat de o statuie. Buddha, ci de un mic tron unde starețul și-a învățat discipolii.
Cele cinci mari complexuri de temple Sanjūsangen-dō, din Kyoto (1266), precum și mănăstirile Kennin-ji (1202) și Tōfuku-ji (1243) din Kyoto și Kenchō-ji (1253) și Engaku-ji (1282). ) în Kamakura.
Kōtoku-in (1252) este renumit pentru statuia sa mare și grea de bronz a lui Buddha Amida, făcându-l al doilea cel mai mare Buddha din Japonia după Tōdai-ji.
În 1234, a fost construit Templul Chion-in, sediul budismului Jōdo shū, care se distinge prin poarta principală colosală (Sanmon), cea mai mare structură de acest gen din Japonia.
Unul dintre ultimii reprezentanți ai acestei perioade a fost Hongan-ji (1321), care este format din două temple principale: Nishi Hongan-ji, care include Goei-dō și Amida-dō, împreună cu un pavilion de ceai și două etape de teatrul Noh, dintre care unul se pretinde a fi cel mai vechi încă în viață; și Higashi Hongan-ji, casa faimosului Shosei-en.
Sculptura a căpătat un mare realism, găsind artistului o mai mare libertate de creație, dovadă fiind portretele nobililor și soldaților, precum cel al lui Uesugi Shigusa (de un artist anonim), un militar din secolul al XIV-lea.
Lucrări zen centrate pe reprezentarea stăpânilor lor, într-un fel de statuie numită shinzo, precum cea a maestrului Muji Ichien (1312, de un autor anonim), în lemn policromat, care îl reprezintă pe maestrul Zen stând pe un tron, într-un atitudinea de meditație relaxată.
Școala Kei din Nara, moștenitoarea Școlii Jōchō din perioada Heian, a fost deosebit de importantă pentru calitatea lucrărilor sale, unde și sculptorul Unkei, autorul statuilor călugărilor Muchaku și Sesshin (Kōfuku-ji din Nara), ca imagini ale Kongo Rikishi (spirite gardiene), precum cele două statui colosale situate la intrarea în templul Tōdai-ji de 8 metri înălțime (1199).
Stilul lui Unkei, influențat de sculptura chineză din dinastia Song, a fost extrem de realist, captând cel mai detaliat studiu fizionomic cu expresia emoțională și spiritualitatea interioară a individului reprezentat.
Cristale întunecate au fost chiar încorporate în ochi, pentru a oferi o mai mare expresivitate. Lucrarea lui Unkei a marcat începutul portretului japonez. Fiul său Tankei, autorul cărții Kannon Senju pentru Sanjūsangen-dō, și-a continuat munca.
Pictura a fost caracterizată de un realism sporit și de introspecție psihologică. Amenajare peisagistică (Cascada Nachi) și portret Monk Myoe in Contemplation, de Enichi-bo Jonin; set de portrete de la Templul Jingo-ji din Kyoto, de Fujiwara Takanobu; Portretul lui Goshin al împăratului Hanazono, au fost dezvoltate în principal.
Modul yamato-e a continuat și imaginile au fost explicate în suluri, multe dintre ele lungi de câțiva metri. Aceste manuscrise descriu detalii din viața de zi cu zi, scene urbane sau rurale sau evenimente istorice ilustrate, cum ar fi Războiul de la Kyoto din 1159 dintre ramurile rivale ale Familiei Imperiale.
Au fost prezentate în scene continue, urmând o ordine narativă, cu o panoramă ridicată, în linie dreaptă. Se remarcă sulurile ilustrate ale evenimentelor din epoca Heiji (Heiji monogatari) și sulurile Kegon Engi ale lui Enichi-bo Jonin.
Pictura asociată cu organizația Zen a fost mai direct influențată de chineză, cu o tehnică mai degrabă a liniilor simple de cerneală chinezească, urmând dictonul zen că „prea multe culori orbesc ochii”.
Perioada Muromachi (1392-1573)
Shogunatul este în mâinile Ashikaga, ale căror lupte interioare favorizează puterea în creștere a daimyō, care împarte pământul. Arhitectura era mai elegantă și prin excelență japoneză, prezentând conace impunătoare, mănăstiri precum Zuihoji și temple precum Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji sau Pavilionul de Aur (1397) și Ginkaku-ji. o Pavilion de argint (1489), la Kyoto.
Kinkaku-ji a fost construit ca un sat de odihnă pentru Shogun Ashikaga Yoshimitsu, ca parte a domeniului său numit Kitayama. Fiul său a transformat clădirea într-un templu pentru secta Rinzai. Este o clădire cu trei etaje, primele două acoperite cu foiță de aur pur. Pavilionul funcționează ca un sheriden, care protejează relicvele lui Buddha.
De asemenea, conține diverse statui ale lui Buddha și Bodhisattva, iar pe acoperiș se află un fenghuang auriu. Are și o frumoasă grădină alăturată, cu un iaz numit Kyōko-chi, cu multe insule și pietre reprezentând povestea creației budiste.
La rândul său, Ginkaku-ji a fost construit de shogunul Ashikaga Yoshimasa, care a căutat să imite Kinkaku-ji construit de strămoșul său Yoshimitsu, dar, din păcate, nu a putut acoperi clădirea cu argint așa cum era planificat.
De asemenea, caracteristică arhitecturii acestei perioade este și aspectul tokonoma, o cameră rezervată contemplării unui tablou sau a unui aranjament floral, în concordanță cu estetica zen. De asemenea, a fost introdus tatami-ul, un tip de covoraș din paie de orez, care a făcut ca interiorul casei japoneze să fie mai plăcut.
În acest moment s-a dezvoltat în special arta grădinăritului, punând bazele artistice și estetice ale grădinii japoneze. Au apărut două moduri principale: tsukiyama, în jurul unui deal și al unui lac; și hiraniwa, o grădină plată de nisip greblat, cu pietre, copaci și fântâni.
Cea mai comună vegetație este formată din bambus și diverse tipuri de flori și copaci, fie veșnic verzi, precum pinul negru japonez, fie foioase, precum arțarul japonez, sunt de asemenea puse în valoare elemente precum ferigi și spume.
Bonsaiul este un alt element tipic de grădinărit și design interior. Grădinile includ adesea un lac sau un iaz, diverse tipuri de pavilioane (de obicei pentru ceremonia ceaiului) și felinare de piatră. Una dintre caracteristicile tipice ale grădinii japoneze, ca și în restul artei sale, este aspectul ei imperfect, neterminat și asimetric.
Există diferite tipuri de grădini: „plimbare”, care poate fi văzută mergând pe o potecă sau în jurul unui iaz; a «sufrageriei», care poate fi văzută dintr-un loc fix, în general un foișor sau o colibă de tip machiya.
Te (rōji), în jurul unei cărări care duce la ceainăria, cu plăci sau pietre de bakdosin care marchează poteca; și „contemplare” (karesansui, „peisaj de munte și apă”), care este cea mai tipică grădină Zen, văzută de pe o platformă situată în mănăstirile Zen.
Un bun exemplu este așa-numitul peisaj fără apă al grădinii Ryōan-ji din Kyoto de către pictorul și poetul Sōami (1480), care reprezintă o mare, făcută din nisip grăbit, plină de insule, care sunt stânci. , formând un întreg care îmbină realitatea și iluzia și care invită la calm și la reflecție.
S-a remarcat o renaștere a picturii, încadrată în estetica zen, care a primit influența chineză a dinastiilor Yuan și Ming, reflectată mai ales în arta decorativă.
S-a introdus tehnica guașă, o transcriere perfectă a doctrinei Zen, care caută să reflecte în peisaje mai degrabă ceea ce înseamnă ele, decât ceea ce reprezintă.
A apărut figura bunjinso, „călugărul intelectual” care și-a creat propriile lucrări, cărturari și adepți ai tehnicilor chinezești cu cerneală monocromă, cu pensule scurte și difuze, care reflecta în lucrările sale elemente naturale precum pini, stuf, orhidee, bambus. , stânci, copaci, păsări și figuri umane cufundate în natură, într-o atitudine de meditație.
În Japonia, această tehnică de cerneală chinezească a fost numită sumi-e. Bazat pe cele șapte principii estetice ale Zen, sumi-e a căutat să reflecte cele mai intense emoții interioare prin simplitate și eleganță, în linii simple și modeste care transcend aspectul lor exterior pentru a semnifica o stare de comuniune cu natura.
Sumi-e a fost un mijloc (dō) de a găsi spiritualitatea interioară, acesta a fost folosit de călugări. Particularitățile cernelii, subtile și difuze, i-au permis artistului să surprindă esența lucrurilor, într-o impresie simplă și firească, dar în același timp profundă și transcendentă.
Este o artă instinctivă a execuției rapide, imposibil de retușat, fapt care o unește cu viața, unde este imposibil să revii la ceea ce s-a făcut. Fiecare desen poartă energie vitală (ki), deoarece este un act de creație, în care mintea este pusă în acțiune și procesul contează mai mult decât rezultatul.
Cei mai importanți reprezentanți ai sumi-e au fost: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei și, mai ales, Sesshū Tōyō, autor de portrete și peisaje, primul artist care a pictat în viață. Sesshū a fost un Gaso, un călugăr-pictor, care a călătorit în China între 1467 și 1469, unde a studiat arta și peisajul natural.
Peisajele sale sunt compuse din structuri liniare, iluminate de o lumină bruscă care reflectă conceptul zen al momentului transcendent. Sunt peisaje cu prezența unor elemente anecdotice, precum templele în depărtare sau mici figuri umane, încadrate în locuri îndepărtate precum stânci.
A apărut și un nou gen de pictură poetică, shinjuku, unde un peisaj ilustrează o poezie de inspirație naturalistă. De menționată este și Școala Kanō, fondată de Kanō Masanobu, care aplică tehnica guașă la subiecte tradiționale, ilustrând teme sacre, naționale și peisagistice.
Spălarea a fost aplicată și pe ecranele și panourile pictate ale ușilor glisante fusuma, semne distinctive ale designului interior japonez. În ceramică se remarcă școala Seto, cea mai populară tipologie fiind tenmoku. Lacul și obiectele metalice sunt, de asemenea, exemple notabile din această perioadă.
Perioada Azuchi–Momoyama (1573–1603)
Până în acest moment, Japonia a fost din nou unificată de Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi și Tokugawa Ieyasu, care au eliminat daimyō și au ajuns la putere.
Mandatul său a coincis cu sosirea negustorilor portughezi și a misionarilor iezuiți, care au introdus creștinismul în țară, deși ajungând doar la o minoritate.
Producția artistică din acest timp s-a îndepărtat de estetica budistă, punând accent pe valorile tradiționale japoneze, cu un stil exploziv. Invazia Coreei din 1592 a determinat relocarea forțată a multor artiști coreeni în Japonia, care locuiau în centre de producție de ceramică izolate de restul.
De asemenea, în această perioadă au fost primite primele influențe occidentale, reflectate în stilul Namban, dezvoltat în sculptura miniaturistă, cu tematică seculară, obiecte decorative din porțelan și paravane decorate în stilul Yamato-e, în culori vii și foită de aur, în scene care spun povestea venirii europenilor pe coasta japoneză.
Tehnicile de perspectivă, precum și alte variante ale picturii europene, cum ar fi utilizarea picturii în ulei, nu au avut loc în forma de artă în Japonia.
În arhitectură se remarcă construcția marilor castele (shiro), care au fost întărite prin introducerea în Japonia a armelor de foc de origine occidentală. Castelele Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō și Fushimi-Momoyama sunt exemple bune.
Castelul Himeji, una dintre construcțiile majore ale vremii, combină fortificațiile masive cu eleganța unei structuri cu aspect vertical, pe cinci etaje din lemn și tencuială, cu forme de acoperiș ușor curbate asemănătoare cu cele ale templelor tradiționale japoneze.
Satele rustice de ceremonie a ceaiului, formate din mici vile sau palate și grădini mari, au proliferat și ele, iar în unele orașe au fost construite teatre din lemn pentru spectacole kabuki.
În zona picturii, școala Kanō captează majoritatea comisiilor oficiale, elaborând pictura murală a principalelor castele japoneze, au existat figuri importante numite Kanō Eitoku și Kanō Sanraku.
Pentru castele, slab iluminate de deschiderile lor înguste defensive, s-au creat un fel de despărțitori cu fond auriu care reflectau lumina și o difuzau în toată încăperea, cu picturi murale mari decorate cu scene eroice, precum animale. precum tigrii și dragonii, sau peisajele cu prezența grădinilor, iazurilor și podurilor, sau în cele patru anotimpuri, o temă destul de comună la acea vreme.
Serigrafia s-a dezvoltat, de asemenea, remarcabil, în general cu cerneluri uzate, urmând stilul sumi-e, așa cum se poate observa în lucrările lui Hasegawa Tōhaku (pădurea de pini) și Kaihō Yūshō (pin și prun în lumina lunii). A fost evidențiată și figura lui Tawaraya Sōtatsu, autor de lucrări de mare dinamism, în suluri de manuscrise, ecrane și evantai.
A creat un stil liric și decorativ inspirat de scenariul waka al epocii Heian, care se numea rinpa, producând lucrări de o mare frumusețe vizuală și intensitate emoțională, precum Povestea lui Genji, Calea iederei, zeii tunetului și vântului. , etc.
Fabricarea ceramicii a ajuns într-un moment de mare boom, dezvoltând produse pentru ceremonia ceaiului, inspirate din ceramica coreeană, a cărei rusticitate și aspect neterminat reflectă perfect estetica zen care pătrunde în ritul ceaiului.
Au apărut noi modele, cum ar fi farfuriile de nezumi și ulcioarele de apă kogan, de obicei cu un corp alb scăldat într-un strat de feldspat și decorate cu modele simple realizate dintr-un cârlig de fier. Era o ceramică groasă cu aspect glazurat, cu un tratament nefinisat, care dădea o senzație de imperfecțiune și vulnerabilitate.
Seto a rămas principalul producător, în timp ce în orașul Mino s-au născut două școli importante: Shino și Oribe. S-au remarcat, de asemenea, școala Karatsu și două tipuri originale de ceramică:
Iga, cu textura aspra si strat gros de glazura, cu fisuri adanci; și Bizen, faianță brun-roșcată nesmălțuită, încă moale, scoasă de pe roată pentru a produce mici crăpături naturale și incizii care îi confereau un aspect fragil, încă în concordanță cu estetica zen a imperfecțiunii.
Unul dintre cei mai buni artiști ai acestui timp a fost Honami Kōetsu, care a excelat în pictură, poezie, grădinărit, lac etc. Format în tradiția artistică a perioadei Heian și în școala de caligrafie Shorenin, a întemeiat o colonie de artizani în Takagamine, lângă Kyoto, pe terenul donat de Tokugawa Ieyasu.
Așezarea a fost întreținută de meșteri de la Școala Budistă Nichiren și a produs o serie de lucrări de înaltă calitate. S-au specializat în lăcuire, în principal accesorii de birou, decorate cu incrustații de aur și sidef, precum și diverse ustensile și vesela pentru ceremonia ceaiului, evidențiind bolul fujisan corpolent. rosiatica acoperita in chiloti negri si, deasupra, un alb ca gheata opac care da efectul de zapada.
Perioada Edo (1603-1868)
Această perioadă artistică corespunde perioadei istorice Tokugawa, când Japonia era închisă tuturor contactelor externe. Capitala a fost stabilită în Edo, viitorul Tokyo. Creștinii au fost persecutați și negustorii europeni expulzați.
În ciuda sistemului de vasalaj, comerțul și meșteșugurile au proliferat, dând naștere unei clase burgheze care a crescut în putere și influență și s-a dedicat promovării artelor, în special a tipăriturii, ceramicii, lacului și marfurilor. textile.
Cele mai reprezentative lucrări sunt Palatul Katsura din Kyoto și Mausoleul Tōshō-gū din Nikkō (1636), care face parte din „Sanctuarele și Templele Nikkō”, ambele declarate Patrimoniu Mondial de UNESCO în 1999.
Ceva gen, uniunea șinto-budhiștilor, este mausoleul shogunului Tokugawa Ieyasu. Templul este o structură rigid simetrică, cu reliefuri colorate care acoperă întreaga suprafață vizibilă. Se remarcă construcțiile sale colorate și ornamentele supraîncărcate, care diferă de stilurile templelor din acea vreme.
Interioarele sunt împodobite cu sculpturi detaliate de lac în culori luminoase și panouri pictate cu măiestrie. Palatul Katsura (1615-1662) a fost construit pe un plan asimetric de inspirație zen, unde utilizarea liniilor drepte pe fațada exterioară contrastează cu sinuozitatea grădinii din jur.
Datorită condiției sale de a fi sediul unde avea să se odihnească familia imperială, vila era formată dintr-o clădire principală, mai multe anexe, săli de ceai și un parc de 70000 de metri. Palatul principal, care are un singur etaj, este împărțit în patru anexe întâlnite la colțuri.
Întreaga clădire are anumite caracteristici de a fi construită pe stâlpi și deasupra acestora o serie de încăperi cu pereți și uși, unele cu picturi de Kanō Tan'yū.
De asemenea, caracteristice acestei perioade sunt și ceainăriile (chashitsu), în general mici clădiri din lemn cu acoperișuri de paie, înconjurate de grădini în aparentă stare de abandon, cu licheni, mușchi și frunze căzute, urmând conceptul Zen. de imperfecţiune transcendentă.
Începutul dezvoltării artistice și intelectuale
În această perioadă, Japonia a studiat treptat tehnicile occidentale și progresele științifice (numite rangaku) prin informații și cărți primite de la comercianții olandezi din Dejima.
Cele mai studiate domenii au inclus geografia, medicina, stiintele naturii, astronomia, arta, limbile, concepte fizice precum studiul fenomenelor electrice si mecanice. A existat și o mare dezvoltare a matematicii, într-un curent total independent de cel al lumii occidentale. Acest curent puternic a fost numit wasan.
Înflorirea neo-confucianismului a fost cea mai mare dezvoltare intelectuală a perioadei. Studiul confucianismului a fost activ de multă vreme de către clericii budiști, dar în această perioadă acest sistem de credințe a atras o mare atenție asupra concepției despre om și societate.
Umanismul etic, raționalismul și perspectiva istorică a confucianismului au fost văzute ca un model social. La mijlocul secolului al XVII-lea, confucianismul a devenit filozofia juridică dominantă și a contribuit direct la dezvoltarea sistemului național de învățare, kokugaku.
Principala sa virtute pentru regimul shogunal a fost accentul pus pe relațiile ierarhice, supunerea. în partea de sus. și ascultarea, care se extinde la întreaga societate și facilitează păstrarea sistemului feudal.
Arta textilă a căpătat o mare importanță, în principal în mătase, care a atins cote de cea mai înaltă calitate, motiv pentru care rochiile de mătase (kimono) în culori luminoase și modele rafinate erau adesea atârnate în camere. separate, de parcă ar fi paravane.
Au fost folosite diverse tehnici, cum ar fi vopsirea, broderia, brocartul, embosarea, aplicația și pictura manuală. Mătasea era disponibilă doar claselor superioare, în timp ce oamenii s-au îmbrăcat în bumbac, realizat prin tehnica ikat indoneziană, filat în secțiuni și vopsit în indigo alternând cu alb.
O altă tehnică de mai mică calitate a fost țesutul firelor de bumbac de diferite culori, cu vopsele de casă aplicate în stil batik folosind pastă de orez și tărâțe de orez fierte și aglomerate.
Trebuie menționat că, așa cum arta japoneză a fost influențată de arta occidentală în secolul al XIX-lea, ea a fost influențată și de exotismul și naturalețea artei japoneze. Așa s-a născut în Occident așa-numitul japonism, dezvoltat mai ales în a doua jumătate a secolului al XIX-lea, în special în Franța și Marea Britanie.
Acest lucru a fost dezvăluit în așa-numitele Japoneries, obiecte inspirate din imprimeuri japoneze, porțelan, lac, evantai și obiecte din bambus, care au devenit la modă atât în decorarea casei, cât și în multe articole vestimentare personale care reflectă fantezia și decoralismul culturii japoneze. .
În pictură, stilul școlii ukiyo-e a fost primit cu entuziasm, iar lucrările lui Utamaro, Hiroshige și Hokusai au fost foarte apreciate. Artiștii occidentali au imitat construcția spațială simplificată, contururile simple, stilul caligrafic și sensibilitatea naturalistă a picturii japoneze.
Epoca contemporană (din 1868)
În perioada Meiji (1868-1912) în Japonia a început o profundă renaștere culturală, socială și tehnologică, care s-a deschis mai mult către lumea exterioară și a început să încorporeze noi progrese făcute în Occident. Carta din 1868 a desființat privilegiile feudale și diferențele de clasă, ceea ce nu a dus la o îmbunătățire a claselor proletare sărace.
A început o perioadă de puternic expansionism imperialist, care a dus la al Doilea Război Mondial. După război, Japonia a trecut printr-un proces de democratizare și dezvoltare economică care a făcut din ea una dintre principalele puteri economice ale lumii și un centru lider de producție industrială și inovare tehnologică. Epoca Meiji a fost urmată de era Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) și Heisei (1989-).
Din 1930, militarizarea progresivă și expansiunea în China și Asia de Sud, cu creșterea în consecință a resurselor alocate bugetului militar, a dus la o scădere a patronajului artistic. Cu toate acestea, odată cu boom-ul economic postbelic și cu noua prosperitate realizată odată cu industrializarea țării, artele au renascut, deja cufundate pe deplin în mișcările artistice internaționale datorită procesului de globalizare culturală.
De asemenea, prosperitatea economică încurajează colecția, creând multe muzee și centre expoziționale care au contribuit la răspândirea și conservarea artei japoneze și internaționale. În domeniul religios, instaurarea în epoca Meiji a șintoismului ca singură religie oficială (Shinbutsu bunri) a dus la abandonarea și distrugerea templelor și operelor de artă budiste, care ar fi fost ireparabile fără intervenția lui Ernest Fenollosa, profesor de artă. filozofie. de la Universitatea Imperială din Tokyo.
Împreună cu magnatul și patronul William Bigelow, a salvat un număr mare de lucrări care au alimentat colecția de artă budistă de la Muzeul de Arte Frumoase din Boston și la Freer Gallery of Art din Washington DC, două dintre cele mai bune colecții de artă asiatică din lume..
Arhitectura are o dublă direcție: cea tradițională (altarul Yasukuni, templele Heian Jingu și Meiji, la Tokyo) și cea cu influență europeană, care integrează noile tehnologii (Muzeul Yamato Bunkakan, de Iso Hachi Yoshida, din Nara).
Occidentalizarea a dus la construirea de noi clădiri precum bănci, fabrici, gări și clădiri publice, construite cu materiale și tehnici occidentale, imitând inițial arhitectura victoriană engleză. Unii arhitecți străini au lucrat și în Japonia, cum ar fi Frank Lloyd Wright (Hotel Imperial, Tokyo).
Arhitectura și urbanismul au primit un mare impuls după cel de-al Doilea Război Mondial, din cauza necesității de a reconstrui țara. Apoi a apărut o nouă generație de arhitecți.
Condus de Kenzō Tange, autor de lucrări precum Muzeul Memorial al Păcii de la Hiroshima, Catedrala Sf. Maria din Tokyo, Stadionul Olimpic pentru Jocurile Olimpice de la Tokyo din 1964 etc.
Studenții și adepții lui Tange au creat conceptul de arhitectură înțeles ca „metabolism”, văzând clădirile ca forme organice care trebuie adaptate nevoilor funcționale.
Mișcare înființată în 1959, s-au gândit să facă un centru de populație, a cărui premisă a fost să creeze o serie de clădiri care se schimbau în funcție de schimbările exterioare, de parcă ar fi fost un organism.
Membrii săi au inclus Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe și Kiyonori Kikutake. Un alt reprezentant a fost Maekawa Kunio care, împreună cu Tange, a introdus vechile idei estetice japoneze în clădirile rigide contemporane.
Din nou folosind tehnici și materiale tradiționale precum tatami-ul și utilizarea stâlpilor, un element tradițional de construcție în templele japoneze, sau integrarea grădinilor și sculpturilor în creațiile sale. Nu uit să folosesc tehnica vidului, a fost studiată de Fumihiko Maki în relația spațială dintre clădire și împrejurimile acesteia.
Începând cu anii 1980, arta postmodernă a avut un punct de sprijin puternic în Japonia, deoarece din cele mai vechi timpuri este caracteristică fuziunea dintre elementul popular și rafinamentul formelor.
Acest stil a fost reprezentat în principal de Arata Isozaki, autorul Muzeului de Artă Kitakyushu și al Sălii de Concerte din Kyoto. Isozaki a studiat cu Tange și în lucrarea sa a sintetizat concepte occidentale cu idei spațiale, funcționale și decorative tipice Japoniei.
La rândul său, Tadao Andō a dezvoltat un stil mai simplu, cu o mare preocupare pentru contribuția luminii și a spațiilor deschise la aerul exterior (Capela pe apă, Tomanu, Hokkaidō; Biserica Luminii, Ibaraki, Osaka; Muzeul Copii, Himeji).
Shigeru Ban s-a caracterizat prin utilizarea materialelor neconvenționale, precum hârtie sau plastic: după cutremurul de la Kobe din 1995, care a lăsat mulți oameni fără adăpost, Ban a contribuit prin proiectarea Delo care a devenit cunoscută sub numele de Casa de hârtie și Biserica de hârtie, în cele din urmă, Toyō. Itō a explorat imaginea fizică a orașului în era digitală.
În sculptură există și dualitatea tradiție-avangardă, evidențiind numele lui Yoshi Kimuchi și Romorini Toyofuku, pe lângă abstractii Masakazu Horiuchi și Yasuo Mizui, acesta din urmă rezident în Franța. Isamu Noguchi și Nagare Masayuki au reunit bogata tradiție sculpturală a țării lor în lucrări care studiază contrastul dintre rugozitatea și lustruirea materialului.
Pictura a urmat, de asemenea, două tendințe: cea tradițională (nihonga) și cea occidentală (yōga), în ciuda existenței ambelor, figura lui Tomioka Tessai a rămas la începutul secolului 20. În timp ce stilul nihonga a fost impulsionat la sfârșitul al XIX-lea de criticul de artă Okakura Kakuzō și educatorul Ernest Fenollosa.
Căutând arta tradițională pentru forma arhetipală de exprimare a sensibilității japoneze, deși acest stil a primit și o oarecare influență occidentală, în special din partea prerafaelit și romantism. El a fost reprezentat în principal de Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison și Kobayashi Kokei.
Pictura în stil european a fost alimentată pentru prima dată de tehnici și teme folosite în Europa la sfârșitul secolului al XIX-lea, legate în principal de academicism, ca în cazul lui Kuroda Seiki, care a studiat câțiva ani la Paris, dar apoi a continuat diferitele curente care au apărut în arta occidentală:
Grupul Hakuba Kai a preluat influența impresionistă; pictura abstractă i-a avut ca personaje principale pe Takeo Yamaguchi și Masanari Munay; Artiștii figurativi au inclus Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen și Higashiyama Kaii. Unii artiști s-au stabilit în afara țării lor, cum ar fi Genichiro Inokuma în Statele Unite și Tsuguharu Foujita în Franța.
În Taishō, stilul yoga care a avut cea mai mare influență asupra nihonga, deși utilizarea tot mai mare a luminii și a perspectivei europene a diminuat diferențele dintre cele două curente.
Așa cum nihonga a adoptat în mare măsură inovațiile postimpresionismului, yoga a manifestat o înclinație pentru eclectism, care a apărut dintr-o mare varietate de mișcări artistice divergente.
Pentru această etapă a fost creată Academia Japoneză de Arte Frumoase (Nihon Bijutsu In). Pictura din epoca Shōwa a fost marcată de opera lui Yasuri Sotaro și Umehara Ryuzaburo, care au introdus conceptele de artă pură și pictură abstractă în tradiția Nihonga.
În 1931, a fost înființată Asociația Independentă de Artă (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) pentru a promova arta de avangardă.
Încă din cel de-al Doilea Război Mondial, reglementările legale guvernamentale au subliniat clar temele patriotice. După război, artiștii au reapărut în marile orașe, în special în Tokyo.
Crearea de artă urbană și cosmopolită, care a urmărit cu devotament inovațiile stilistice produse la nivel internațional, în special la Paris și New York. După stilurile abstracte din anii șaizeci, anii șaptezeci au revenit la realismul favorizat de arta pop, așa cum reiese din opera lui Shinohara Ushio.
Este izbitor că s-a întâmplat ceva interesant spre sfârșitul anilor 1970, este că a avut loc o revenire la arta tradițională japoneză, în care au văzut o mai mare expresivitate și forță emoțională.
Tradiția tipografiei a continuat în secolul al XX-lea într-un stil de „printuri creative” (sosaku hanga) desenate și sculptate de artiști, de preferință în stilul nihonga, precum Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi și Munakata Shiko.
Printre ultimele tendințe, Grupul Gutai a avut o bună reputație în cadrul așa-numitei arte de acțiune, care a echivalat experiența celui de-al Doilea Război Mondial prin acțiuni încărcate de ironie, cu un mare sentiment de tensiune și agresivitate latentă.
Grupul Gutai a fost format din: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto și Katsuō Shiraga. Legați de arta postmodernă, mai mulți artiști, implicați în recentul fenomen al globalizării, marcat de multiculturalismul expresiilor artistice.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Alți artiști japonezi contemporani proeminenți includ: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 și Takashi Murakami.
Dacă ați găsit acest articol interesant, vă invităm să vă bucurați de acestea: