Conheça algumas características da pintura modernista

A inovação é a expressão máxima do que foi o período moderno. Por si só, esse movimento trouxe consigo uma das maiores contribuições para a arte do século XX. E é por isso que decidimos dar a conhecer as principais características deste movimento na arte, especialmente no pintura modernista e muito mais.

PINTURA MODERNISTA

Modernismo e pintura modernista

A arte moderna é um termo usado para descrever um período da história da arte que vai aproximadamente da década de 1860 até a década de 1970. O termo denota o estilo e a filosofia da arte produzida durante esse período. Suas raízes estão no trabalho de artistas do final do século XNUMX, como Van Gogh, Cézanne e Gauguin, cuja formação e início de carreira foram baseados em um estilo de pintura tradicional.

No entanto, no final do século XNUMX, muitos artistas começaram a se afastar da narrativa realista no assunto e no estilo, movendo-se para um estilo de pintura mais abstrato que abordava suas novas ideias estéticas, isso mais tarde seria conhecido como pintura modernista. Assim, o termo "modernista ou moderno" é associado à arte, distanciando essa expressão artística da pintura tradicional.

Artistas modernos brincaram com formas inexploradas de ver seus temas e novas formas de usar materiais tradicionais de pintura. Estes desafiaram a ideia de que a arte deveria representar o mundo de forma realista, experimentando o uso expressivo da cor, novas técnicas e materiais não tradicionais que hoje são considerados a marca da arte e da pintura modernistas.

O início do século XNUMX trouxe ainda mais experimentação. Os artistas fauvistas (fauvismo), começaram a pintar paisagens “selvagens” expressivas e os artistas cubistas começaram a desconstruir temas em formas sólidas, tornando-os quase abstratos.

Estes movimentos artísticos e os que os seguiram até ao século XX, assentaram em novas formas de pensar, ver e explorar a arte, constituindo a própria definição do que é a arte moderna. Onde arte moderna é um termo usado para descrever um movimento artístico e um período da história da arte, modernismo é o nome do movimento filosófico que surgiu ao mesmo tempo.

PINTURA MODERNISTA

A Revolução Industrial, o rápido crescimento das áreas urbanas e as novas formas de transporte contribuíram para o desenvolvimento da filosofia do modernismo que rejeitou as formas tradicionais de pensamento, arte, religião e comportamento social. Modernismo e arte moderna estão inter-relacionados e coexistem: as teorias do modernismo alimentam o pensamento dos artistas, e a arte moderna promove a filosofia na prática real.

Características do moderno nas artes

Embora não haja uma característica única que defina a "arte moderna", ela se destacou por uma série de características importantes, como as seguintes:

Novos tipos de arte

Artistas modernos foram os primeiros a desenvolver a arte da colagem, várias formas de montagem, uma variedade de arte cinética (incluindo móbiles), vários gêneros de fotografia, animação (desenho mais fotografia), land art ou aterros e arte performática.

Uso de novos materiais

Os pintores modernos plantaram objetos como recortes de jornais e outros itens em suas telas. Os escultores usavam objetos encontrados, como os "readymades" de Marcel Duchamp, a partir dos quais criavam obras de arte lixo. As montagens foram produzidas com os itens mais comuns do dia a dia, como: carros, relógios, malas, caixas de madeira e outros itens.

uso expressivo de cores

As correntes da arte moderna como o fauvismo, a pintura de campos de cores e o expressionismo foram as primeiras a detonar a cor de forma bastante significativa.

PINTURA MODERNISTA

Novas técnicas

A cromolitografia foi idealizada pelo artista de cartazes Jules Cheret, o desenho automático foi definido por artistas surrealistas, da mesma forma que Frottage e Decalcomania. Os pintores de gestos conceberam a pintura de ação. Enquanto isso, artistas pop introduziram os "pontos Benday" e a serigrafia nas belas artes. Outros movimentos e escolas de arte moderna que também introduziram novas técnicas na execução e elaboração da pintura.

Movimentos Artísticos Modernistas

Os primórdios da pintura modernista não podem ser restringidos, mas há um consenso geral de que ela começou na França do século XIX. As pinturas de Gustave Courbet, Edouard Manet e os impressionistas representam uma profunda rejeição da herança acadêmica predominante e uma busca por uma representação mais naturalista do universo visual.

Os sucessores podem ser vistos como mais modernos em seu repúdio às práticas e temas tradicionais e na expressão de uma visão pessoal mais abstrata.  A partir da década de 1890, emergiu uma série de movimentos e estilos diversos, que estão no cerne da arte contemporânea e representam um dos pontos altos da cultura visual ocidental. Esses movimentos modernos incluem:

  • Neo-impressionismo
  • Simbolismo
  • fauvismo
  • Cubismo
  • Futurismo
  • Expressionismo
  • suprematismo
  • Construtivismo
  • pintura metafísica
  • de Stijl
  • Dada
  • surrealismo
  • realismo social
  • Expressionismo abstrato
  • arte pop
  • Op art
  • Minimalismo
  • neo-expressionismo

Independentemente da tremenda variedade observada nesses movimentos, muitos deles são caracteristicamente contemporâneos em sua investigação dos potenciais inerentes ao próprio meio pictórico para expressar uma resposta religiosa às variadas condições de vida no século XX e além.

Essas condições incluem a aceleração da mudança tecnológica, o crescimento do conhecimento e da compreensão científica, a aparente irrelevância de algumas fontes padrão de crenças e valores e a expansão da consciência de culturas não-ocidentais.

Cronologia e evolução

O desenvolvimento da arte moderna em toda a sua representação (pintura modernista e mais), se apresentou e evoluiu no mundo através de diferentes formas e causas, que serão detalhadas cronologicamente a seguir:

1870-1900

Embora o último terço do século XIX tenha sido um pouco dominado pelo novo estilo de pintura impressionista, havia na verdade várias vertentes pioneiras da arte moderna e da pintura modernista, cada uma com sua própria abordagem particular. Estes incluíram:

  • Impressionismo (precisão em tirar os efeitos da luz solar).
  • Realismo (conteúdo – tema).
  • Arte acadêmica (imagens reais de estilo clássico).
  • Romantismo (estado de espírito).
  • Simbolismo (iconografia enigmática).
  • Arte de pôster litográfico (motivos e cores em negrito).

A última década deste período viu uma série de revoltas contra as academias e seus salões na forma do movimento de Secessão, enquanto o final da década de 1890 viu o declínio da arte baseada na natureza, como o impressionismo, que logo levaria a uma ascensão mais arte baseada em mensagens sérias.

1900-14

Em quase tudo, esta foi a época mais impressionante da arte moderna, quando tudo ainda era potencialmente viável e quando o “gadget” ainda era visualizado apenas como um aliado do homem. Os artistas de Paris produziram vários novos estilos, incluindo: Fauvismo, Cubismo e Orfismo. Enquanto os artistas alemães lançavam sua própria escola de pintura expressionista modernista.

Todos esses movimentos progressistas rejeitaram as atitudes tradicionalistas em relação à arte e buscaram defender sua própria agenda particular de modernismo. Assim, o cubismo queria priorizar os atributos formais da pintura, enquanto o futurismo preferia enfatizar as possibilidades da máquina, e o expressionismo defendia a percepção individual.

PINTURA MODERNISTA

1914-24

A carnificina e a destruição da Grande Guerra mudaram as coisas completamente. Em 1916, o movimento dadaísta foi lançado, cheio de um desejo niilista de subverter o sistema de valores que havia gerado Verdun e o Somme. De repente, a arte representativa parecia obscena. Nenhuma imagem poderia competir com as fotografias dos mortos de guerra. Os artistas já haviam se voltado cada vez mais para a arte não objetiva como meio de expressão. Movimentos de arte abstrata da época incluíram:

  • Cubismo (1908-40)
  • Vorticismo (1914-15)
  • Suprematismo (1913-18)
  • Construtivismo (1914-32)
  • Stijl (1917-31)
  • Neoplasticismo (1918-26)
  • Elementarismo (1924-31)
  • Bauhaus (1919-33)
  • A posterior Escola St Ives

Mesmo os poucos movimentos figurativos eram claramente de vanguarda, como mostra a pintura metafísica (1914-20). 

1924-40

Os anos de paz entre as guerras permaneceram marcados por dificuldades políticas e econômicas. A pintura e a escultura modernistas abstratas permaneceram proeminentes, pois a arte distinta da realidade permaneceu em grande parte fora de moda.

Mesmo a ala realista do movimento surrealista, o maior movimento do período, não conseguia lidar com mais do que um estilo de realidade de fantasia. Enquanto isso, uma realidade mais sinistra estava surgindo no continente, na forma de arte nazista e agit-prop soviético. Apenas o Art Deco, um estilo de design bastante elegante voltado para a arquitetura e a arte aplicada, expressou alguma confiança no futuro.

1940-60

O mundo da arte foi transformado pela catástrofe da Segunda Guerra Mundial. Para começar, seu centro de gravidade mudou de Paris para Nova York, onde permaneceu desde então. Quase todos os preços recordes mundiais futuros seriam alcançados nas salas de vendas da Christie's e da Sotheby's em Nova York. Enquanto isso, o fenômeno indescritível de Auschwitz havia minado o valor de toda arte realista, exceto a arte do Holocausto dos afetados.

PINTURA MODERNISTA

Como consequência de tudo isso, o próximo grande movimento internacional, o expressionismo abstrato, foi criado por artistas americanos da New York School. De fato, nos próximos 20 anos, a abstração dominará, à medida que novos movimentos surgirem. Estes incluíram:

  • arte informal.
  • Pintura de ação.
  • Gestos.
  • Fumar.
  • Pintura de campo de cores.
  • abstração lírica.
  • Pintura de borda dura
  • COBRA, um grupo que se distingue pela iconografia infantil e pelas suas linhas expressivas.

Durante a década de 1950, outros tipos de estilos mais audaciosos germinaram, como: arte cinética, realismo nouveau e neo-dada, todos manifestando um progressivo mal-estar com a estreita indústria das artes.

1960

A explosão da música popular e da televisão se refletiu no movimento Pop-Art, cujas representações pictóricas de celebridades de Hollywood e iconografia da cultura popular celebravam o sucesso do consumismo de massa nos Estados Unidos. Também tinha uma sensação fresca e moderna, que ajudou a dissipar parte da melancolia do início dos anos 60 associada à crise cubana de 1962. Que na Europa alimentou o sucesso do movimento Fluxus liderado por:

  • George maciunas
  • Joseph Beuys
  • Nam June Paik
  • Wolf Vostell

A pop art realista também foi um contraponto bem-vindo ao expressionismo abstrato mais erudito, que já começava a desvanecer-se. Mas a década de 1960 também viu o surgimento de outro movimento de alto perfil conhecido como Minimalismo, uma forma de pintura e escultura modernista purgada de todas as referências ou gestos externos, ao contrário da linguagem emocionalmente carregada do expressionismo abstrato.

Modernismo nas artes gráficas

No final do século XNUMX, os artistas estavam se cansando das formas de arte tradicionais e conservadoras. Em Viena, um grupo de artistas liderados por Gustav Klimt se autodenominava Secessão de Viena e se separava das instituições de arte da capital austríaca na época.

O grupo explorou territórios desconhecidos em forma, composição e expressão, provocando experimentos semelhantes em outros países próximos, como França e Alemanha. Ricas pinceladas modernistas e realismo são traduzidos em cores planas e tipografia estilística, expressões que abririam o caminho para a arte gráfica.

Quando a Primeira Guerra Mundial começou, o design gráfico já estava sendo usado para fins comerciais, corporativos e estéticos. Seu novo papel seria político, usado em cartazes e propaganda durante a guerra.

Os avanços na impressão em cores em massa permitiram a produção eficiente de mensagens para arrecadar fundos, incentivar o alistamento e elevar o moral. A turbulência e os desafios enfrentados em ambas as guerras mundiais inspiraram a primeira onda do verdadeiro modernismo dentro do design gráfico.

Na Europa e na América, os designers gráficos se inspiraram em movimentos artísticos mais amplos, como o cubismo, o futurismo, o De Stijl e o surrealismo. Na Alemanha, o movimento Bauhaus também teve um impacto significativo no design gráfico. Com suas linhas arrojadas, cores primárias e espaço em branco perturbador, era tão impressionante no formato 2-D quanto na arquitetura ou na escultura.

Em última análise, o design modernista foi definido pela expressão abstrata, tipo arrojado e cores e formas primárias. Esses designers abordaram o trabalho de forma objetiva, enfatizando o racional sobre o expressivo (e enfatizando a crença modernista clássica de que a forma segue a função).

Quando os nazistas chegaram ao poder na década de 1930, experimentos modernistas em todas as práticas foram denunciados e muitos artistas, arquitetos e designers imigraram para os Estados Unidos. Embora o design modernista tenha sido interrompido em seu crescimento, continua sendo um dos movimentos mais impactantes da história do design gráfico.

Jóias Art Nouveau, vidraria, cerâmica, móveis e ferro forjado

Os joalheiros modernistas dos Estados Unidos que praticaram seu ofício das décadas de 1930 a 1960 foram bastante enfáticos em sua rejeição aos estilos anteriores. As joias vitorianas foram descartadas como muito decorativas, as peças Art Nouveau foram vistas como muito exigentes e a estética Art Deco foi vista como excessivamente rígida. Esses joalheiros sentiam que tinham mais em comum com os pintores, escultores e outros artistas modernos da época.

Seu objetivo ambicioso era criar obras de arte únicas que as pessoas pudessem usar. Um dos primeiros defensores e praticantes da forma foi Sam Kramer, que, como muitos de seus contemporâneos, viveu, trabalhou e vendeu suas criações em Greenwich Village, em Nova York. Kramer trabalhou principalmente em prata, mas também era adepto de fazer anéis, brincos e alfinetes de cobre e encontrou artefatos, incluindo dentes de alce, botões, fósseis e moedas antigas.

Ocasionalmente, Kramer usava pedras semipreciosas como granadas ou opalas em suas peças surreais, geométricas ou biomórficas. Outro líder não oficial do movimento de joalheria modernista foi Art Smith, vizinho de Kramer. Suas joias variavam de simples anéis de prata no pescoço a peças biomórficas baseadas em motivos africanos.

Enquanto Smith fazia pequenas peças como abotoaduras e brincos, muitos de seus melhores trabalhos eram grandes o suficiente para envolver o corpo, como se a forma humana fosse apenas o pano de fundo de suas criações.

Suas pulseiras de cobre vintage, especialmente as algemas "jazz" com notas musicais aplicadas em suas superfícies externas, são altamente colecionáveis. Bumerangues, linhas retas cruzando curvas e formas atômicas tipificam o trabalho de Ed Wiener.

Às vezes, um par de brincos de prata que pareciam ampulhetas deformadas eram adornados com uma única pérola. Outras vezes, uma ágata olho de gato era colocada no centro de uma peça, como que para dar a seus objetos inanimados a aparência de um rosto humano.

Outro morador de Greenwich cujas joias modernistas vintage são altamente consideradas foi Paul Lobel, que projetou adoráveis ​​alfinetes e pulseiras de prata, bem como vidro, móveis e talheres. Fora de Nova York estava Betty Cooke, trabalhando no modo Bauhaus em Baltimore.

Suas joias eram formadas por formas geométricas e caracterizadas por um forte senso de ordem, que ela deliberadamente perturbava pela colocação afiada de pérolas, pequenos blocos de madeira ou até pedras inacabadas, como o quartzo.

Outra acólita da Bauhaus foi Margaret De Patta, cujo trabalho refletiu a profunda influência do mestre da Bauhaus László Moholy-Nagy, com quem estudou. Enquanto isso, em São Francisco, Peter Macchiarini buscou inspiração nas máscaras africanas e no cubismo. Latão, cobre e prata eram materiais comuns, juntamente com opalas, ágatas e madeira.

Na Escandinávia durante as décadas de 1940 e 1950, um movimento paralelo estava ocorrendo. Henning Koppel e Nanna Ditzel foram dois designers notáveis ​​para Georg Jensen, cujos colares de lágrima de prata e ameba combinavam a perfeição da ourivesaria dinamarquesa com o interesse em formas naturais e até primitivas.

Mais tarde, na Finlândia dos anos XNUMX, Bjorn Weckstrom casou-se com prata sólida e pedaços de acrílico polido para criar anéis, pulseiras e pingentes que eram tanto da era espacial quanto orgânicos. Outras áreas exploradas pelos artistas modernistas foram a produção de cerâmica, móveis, vidrarias e metalurgia. Entre os artistas mais destacados, podemos citar:

  • Louis Comfort Tiffany (designer)
  • Émile Gallé (ceramista e vidraceiro)
  • Antonin Daum (vidraceiro)
  • Lluís Masriera (joalheiro)
  • Carlo Bugatti (designer de móveis)
  • Louis Majorelle (designer de móveis)
  • Gustave Serrurier-Bovy (designer de móveis)
  • Jacques Grüber (decorador e pintor)
  • Jules Brunfaut (arquiteto e decorador)
  • Auguste Delaherche (ceramista)
  • Georges de Feure (pintor e decorador)

pintura modernista

O período moderno da história da arte foi um grande espectador da ruptura das limitações tradicionais, tanto em termos de forma (a aparência da arte) quanto em termos de conteúdo (o assunto). Isso aconteceu em todos os ramos da arte, com a pintura em primeiro plano. De fato, os pintores lideraram a inovação estética na Europa desde o final da antiguidade.

A inovação mais proeminente na forma foi o surgimento de estilos de pintura cada vez mais distorcidos, culminando no nascimento da arte abstrata. Em termos de conteúdo, a pintura modernista tende a apresentar cenas comuns, cotidianas, em oposição aos tradicionais temas "elevados" (bíblicos, mitológicos, históricos).

O nascimento da pintura modernista é muitas vezes atribuído ao realismo, um movimento francês que retratava cenas da vida cotidiana de maneira fisicamente realista. Embora cenas realistas da vida cotidiana possam ser rastreadas até a pintura renascentista do Low Country, o movimento do Realismo Moderno adotou uma nova abordagem, concentrando-se em duras realidades, incluindo: pobreza, falta de moradia e condições de trabalho.

Este movimento foi liderado por Gustave Courbet, cujas obras mais notáveis ​​são "The Stonebreakers" e "Entierro de Ornans". Embora a distorção, e não o realismo, se tornasse a tendência dominante na pintura modernista, a arte realista continuou a florescer até hoje. Grande parte dessa arte é, como o movimento francês original, socialmente consciente.

A próxima grande fase da pintura modernista foi o impressionismo, um estilo rápido e esboçado que captura a impressão geral de uma cena (em oposição a detalhes precisos). Em particular, o Impressionismo tenta capturar os efeitos momentâneos da luz, principalmente através de pinceladas adjacentes de cores brilhantes e contrastantes (que aumentam o brilho de ambas as cores, produzindo assim um efeito brilhante).

Os impressionistas foram o primeiro grupo de artistas a pintar principalmente no local, em vez de desenhar no local e pintar no estúdio. As raízes do impressionismo estão nas obras de Édouard Manet, que pintou em um estilo bastante realista. No entanto, Manet causou controvérsia apenas aderindo vagamente à perspectiva, renderizando planos de fundo de maneira esquemática simplificada e achatando as superfícies dos objetos em áreas de cor sólida (em vez de modelar objetos com sombreamento suave).

Essas tendências tornaram-se evidentes pela primeira vez em Almoço na grama, a pintura inicial mais famosa de Manet. Eles se tornam mais pronunciados em seus trabalhos posteriores, incluindo: "Um bar no Folies-Bergére", muitas vezes considerado sua obra-prima. A extensão do estilo de Manet levou ao impressionismo, pois os detalhes nítidos e a modelagem realista foram abandonados em favor de pinceladas rápidas e salpicos de cores sólidas.

O impressionista mais proeminente foi Claude Monet, que trabalhou principalmente em paisagens e marinhas. Seus primeiros trabalhos incluem muitas pinturas à beira-mar em sua cidade natal, Le Havre, incluindo "Impression, Sun Rising". Quando este trabalho foi criticado como uma “mera impressão”, o nome do estilo foi garantido.

Às vezes, Monet voltava a um assunto várias vezes, em momentos ou estações diferentes, para capturar uma gama completa de condições de iluminação. Essa abordagem culminou na famosa série Water Lily, que apresenta muitos tratamentos do lago de nenúfares do lado de fora da casa para a qual Monet se retirou.

O impressionismo engloba muitos dos nomes mais reconhecidos da pintura. Junto com Monet, a pintura de paisagem impressionista foi liderada por Sisley e Pissarro. Os pintores de figuras mais proeminentes do estilo impressionista foram:

  • Renoir
  • Morisot
  • De gás.

Os impressionistas, que borraram e simplificaram ligeiramente a realidade, foram seguidos por um grupo de artistas que levaram a distorção muito mais longe: os pós-impressionistas, que descobriram que novos efeitos emocionais impressionantes eram possíveis se as formas e cores da realidade fossem transformadas de forma mais espetacular.

Alguns pós-impressionistas buscavam a distorção geométrica (na qual o mundo é comprimido em formas geométricas, criando uma sensação de rigidez e controle), enquanto outros exploravam a distorção fluida (na qual o mundo é distorcido de maneira fluida e orgânica). Ambos os tipos de distorção (especialmente fluidas) geralmente apresentam cores dramaticamente irreais.

O principal pioneiro da distorção geométrica foi Paul Cézanne, que simplificou suavemente as características físicas de uma cena em formas geométricas. Isso resultou em paisagens (seu assunto preferido) com uma aparência um tanto rígida e em blocos.

O mais importante pioneiro da distorção de fluidos foi Vincent van Gogh. (Outras figuras importantes incluem Gauguin, Munch e Toulouse-Lautrec.) O estilo de Van Gogh é fluido e colorido, com ênfase particular no amarelo. A Noite Estrelada pode ser sua obra mais famosa.

Enquanto Georges Seurat desenvolveu uma forma muito distinta de pós-impressionismo: o pontilhismo, em que as cenas são representadas em muitos pontos de uma única cor. A obra pontilhista mais famosa é "Domingo à tarde", que reflete a ilha de La Grande Jatte.

escultura modernista

A escultura moderna é historicamente definida como escultura começando com o trabalho de Auguste Rodin e terminando com o advento da pop art e do minimalismo na década de 1960. A discussão de Alex Potts em 2001 sobre a historiografia da escultura moderna é abrangente para uma compreensão da mídia, período, e métodos usados ​​por artistas-chave.

Se agora é visto como clichê iniciar o movimento modernista na escultura com a obra de Rodin, em sua obra começa a ver tendências que se tornarão características da escultura moderna, como um novo interesse pelo fragmento, em particular pelo corpo.

Assim como, um tratamento de superfície e detalhes expressivos da superfície, uma atenção ao movimento, uma fusão simbólica da expressão interna de uma figura e sua representação externa, ou o que Constantin Brancusi chamou de "essência". E uma maior consideração da abstração, fragmentação e não representação em objetos escultóricos, ou seja, um afastamento consciente do realismo e do idealismo acadêmico.

Os escultores durante esse período também enfatizaram o design, a forma e o volume sobre a representação de um assunto específico. A utilização de materiais que não são tradicionalmente utilizados nos conceitos escultóricos finais tornou-se mais evidente, como o uso de: vestuário, têxteis e outros meios mistos. Como visto na "Pequena bailarina de quatorze anos" feita por Edgar Degas entre os anos de 1878-1881, atualmente está localizada na National Gallery, Washington.

A fusão de elementos humanos e mecânicos é observada no período da Era da Máquina, como nas obras de Umberto Boccioni e Jacques Lipschitz, além da distorção e fragilidade que aparecem em obras do período entre guerras, como nas obras de Medardo Rosso e Alberto Giacometti.

A influência da arte fora da tradição ocidental, ou seja, europeia, tornou-se muito influente para os escultores na virada do século e pode ser vista nas esculturas de Paul Gauguin e Pablo Picasso. Artistas como Naum Gabo e Antoine Pevsner começaram a usar materiais que não haviam sido usados ​​para escultura de arte no passado imediato e materiais recém-inventados, como plásticos.

Os materiais usados ​​no passado ganharam importância na modernidade, como: alumínio com Isamu Noguchi, eletricidade para luzes na escultura e para movimento motorizado de Camille Claudel, ferro de Julio González, chumbo de Aristide Maillol, aço e solda metais de David Smith e Julio González, madeira de Constantin Brancusi e objetos encontrados de Louise Nevelson.

Embora existam exemplos de esculturas em movimento feitas por escultores anteriores como: Antonio Canova e Lorenzo Bartolini. Que hoje consideraríamos escultura cinética, tanto a sugestão de movimento na escultura quanto as esculturas em movimento reais tornaram-se mais proeminentes durante a primeira metade do século XX. Alexander Calder e László Moholy-Nagy implementaram um maior uso da tecnologia do movimento em suas obras na segunda metade do século.

A tensão e reação entre a imagem positiva e o espaço negativo em torno de uma obra de arte também tiveram um papel significativo, e isso pode ser visto especialmente nos primeiros trabalhos e "desenhos espaciais" de Giacometti, Picasso e David Smith, bem como em escultura de Jean Arp, Henry Moore e Barbara Hepworth.

Os artistas acima mencionados, juntamente com muitos outros, incluindo: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens e Aristide Maillol, fizeram uma ruptura significativa com a escultura do passado recente, libertou de sua dependência da anatomia e sua servidão à arquitetura, e eles levaram o meio mais longe do que qualquer geração desde os escultores do início da Renascença.

Arquitetura moderna

A arquitetura moderna surgiu da rejeição de revivals, classicismo, ecletismo e todas as adaptações de estilos anteriores aos tipos de construção da sociedade industrializada no final dos séculos XIX e XX. Além disso, surgiu das tentativas de criar formas e estilos arquitetônicos que pudessem usar e refletir as tecnologias de construção recém-disponíveis de ferro estrutural e aço, concreto armado e vidro.

Até a disseminação do pós-modernismo, a estrutura moderna também envolvia a rejeição do ornamento aplicado e da decoração característica dos edifícios ocidentais pré-modernos. O impulso da arquitetura moderna tem sido uma concentração rigorosa em edifícios cujo arranjo rítmico de pessoas e formas estabelece um padrão geométrico de luz e cor.

Esse desenvolvimento esteve intimamente ligado aos novos tipos de construção exigidos por uma sociedade industrializada, como os edifícios de escritórios que abrigam a gestão corporativa ou a gestão governamental. Uma das tendências e movimentos mais importantes da arquitetura modernista são:

  • A Escola de Chicago
  • funcionalismo
  • art Deco
  • arte Nova
  • De Stijl, a Bauhaus
  • O estilo internacional
  • O Novo Brutalismo
  • Pós-modernismo

artistas modernos

A história da arte moderna é a história dos maiores artistas e suas realizações. Artistas modernos têm feito esforços para expressar suas visões do mundo ao seu redor usando meios visuais. Enquanto alguns conectaram seu trabalho a movimentos ou ideias anteriores, o objetivo geral de todo artista na era moderna era avançar sua prática para uma posição de pura originalidade.

Certos artistas se estabeleceram como pensadores independentes, aventurando-se além do que constituíam formas aceitáveis ​​de "arte elevada" na época, apoiados por academias estatais tradicionais e patronos das artes visuais da classe alta. Esses inovadores descreveram um assunto que muitos consideravam obsceno, controverso ou até mesmo feio.

O primeiro artista moderno a ficar essencialmente sozinho nesse sentido foi Gustave Courbet, que em meados do século XIX tentou desenvolver seu próprio estilo distinto. Isso foi amplamente realizado com sua pintura de 1849-1850, Enterro em Ornans, que chocou o mundo da arte francesa ao retratar o funeral de um homem comum de uma aldeia camponesa.

A Academia se irritou com a representação de trabalhadores agrícolas sujos em torno de uma cova aberta, pois apenas mitos clássicos ou cenas históricas eram o assunto apropriado para uma pintura tão grande. Courbet foi inicialmente condenado ao ostracismo por seu trabalho, mas acabou se mostrando altamente influente para as gerações subsequentes de artistas modernos. Esse padrão geral de rejeição e influência subsequente foi repetido por centenas de artistas na era moderna.

Abaixo está uma lista de alguns dos artistas mais proeminentes da forma modernista de expressão artística:

  • Eugène Atget
  • Hippolyte blancard
  • Paul Cézanne
  • Salvador Dalí
  • Max Ernst
  • Paul Gauguin
  • Vincent van Gogh
  • Hector Guimard
  • Wassily Kandinsky
  • Raoul François Larche
  • Jacques-Henri Lartigue
  • Fernand Léger
  • Henri Matisse
  • Joan Miró
  • Edvard Munch
  • Pablo Picasso
  • Piet Mondrian
  • franz klein
  • Paul Klee
  • Frantisek Kupka
  • Paul strand
  • Charles Sheller
  • Henrique de Toulouse
  • Lautrec
  • Ã ‰ douard Vuillard

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