El Pintor Francis Bacon Ele é conhecido por suas pinturas pós-Segunda Guerra Mundial, nas quais retratou o rosto e a figura humana em um estilo expressivo e muitas vezes extravagante. Descubra conosco quem ele foi e o que motivou as pinturas que surpreendem o mundo.
Quem foi o pintor Francis Bacon?
Este artista icônico da capital irlandesa é descendente do capitão Anthony Edward Mortimer e sua muito jovem esposa, Christina Winifred Firth.
Ele viveu anos muito difíceis sob a autoridade de uma figura paterna dominadora e brusca. Francisco foi ridicularizado e maltratado por ser fraco e doentio, muitas lembranças e histórias afirmam que seu pai o chicoteou e puniu muito durante sua juventude.
Ele era um menino com saúde delicada devido ao problema crônico de asma e foi educado em casa, mantendo um caráter reservado, muito tímido e silencioso quando criança. Aos 17 anos, ele foi expulso da casa da família para sempre quando foi pego experimentando as roupas íntimas de sua mãe.
Depois de viajar para a Alemanha e a França quando jovem, Francis Bacon se estabeleceu em Londres e começou uma carreira como artista autodidata. A maioria de suas pinturas das décadas de 40 a 60 representam a figura humana em cenas que refletem alienação, violência e sofrimento, sendo considerada uma das mais importantes obras de arte do pós-guerra.
Mas, apesar de seus constantes ataques de asma e dos maus-tratos que sofreu, Francis Bacon era obstinado e resiliente. Ele bebia, comia, brincava, amava e pintava com tanta paixão que o tempo para dormir era cada vez menor, cerca de duas ou três horas por noite era a norma. Através dessa névoa de devassidão, vida dura, amizades profundas e obsessões estéticas, Bacon produziu uma coleção de pinturas que não eram apenas assustadoramente belas, mas também ousadas e originais para sua época.
Seu trabalho marcante reuniu e animou o grupo de pintores ao seu redor na Inglaterra de meados do século, que ficou conhecida como London School, e também influenciou várias gerações de artistas, incluindo Damien Hirst, Jenny Saville e Jake e Dinos Chapman, entre um grande número.
Infância, juventude e inícios artísticos
O pintor Francis Bacon nasceu de um casal inglês que vivia em Dublin, na Irlanda, em 28 de outubro de 1909. Ele é da linhagem do renomado filósofo Francis Bacon dos séculos XVI e XVII. Ele foi criado na Irlanda e na Inglaterra e foi incapaz de manter uma educação como qualquer criança de sua idade, então ele foi educado em casa por motivos de saúde.
Seu pai, o capitão Anthony Edward Mortimer Bacon, apelidado de Eddy, era australiano, nascido na cidade de Adelaide, no sul do país, filho de pai inglês e mãe australiana. Eddy era um veterano da Guerra dos Bôeres, treinador de cavalos e neto de Anthony Bacon, que dizia ser da família de Sir Nicholas Bacon, meio-irmão do estadista, filósofo e ensaísta elizabetano Sir Francis Bacon.
A mãe do pequeno Francis, Christina Winifred Firth, apelidada de Winnie, era herdeira de um negócio de aço e mina de carvão de Sheffield, então sua situação financeira era bastante confortável. Bacon tinha uma família numerosa, um irmão mais velho, Harley, duas irmãs mais novas, Ianthe e Winifred, e finalmente um irmão mais novo, Edward.
A família mudou de casa com frequência, alternando entre a Irlanda e a Inglaterra várias vezes, causando uma sensação de instabilidade e deslocamento que permaneceu com Francisco por toda a vida.
A família viveu em Canny Court House no Condado de Kildare desde 1911, depois em Westbourne Terrace em Londres, muito perto do Territorial Force Records Office onde o pai trabalhava e mais tarde emigrou para a Irlanda no final da Primeira Guerra Mundial..
Bacon morava com seus pais, mas também com seus avós maternos, Winifred e Kerry Supple, em Farmleigh, Abbeyleix, porém sempre esteve sob os cuidados da babá da família, Jessie Lightfoot, da Cornualha, carinhosamente conhecida como Babá Lightfoot, uma figura calorosa e maternal que permaneceu perto dele até sua morte.
Bacon era um menino tímido, que gostava de roupas e se vestir bem, também tinha maneiras excessivamente delicadas e um tanto femininas, coisas que juntas muitas vezes enfureciam seu pai, que segundo algumas histórias posteriores o maltratava.
Era 1924, quando ainda era adolescente, seus pais continuaram a mudar de residência e a personalidade de Francis começou a mudar, ele gostava de desenhar figuras femininas, com vestidos e chapéus ousados. Em uma festa à fantasia na casa de um amigo da família em Cavendish Hall, Francis se vestiu de melindrosa, com vestido de strass, batom, salto alto e uma longa piteira.
Em 1926 a família voltou para Straffan Lodge e sua irmã, Ianthe, doze anos mais nova, sempre se lembrava daqueles desenhos e dos gostos diferentes de seu irmão. Aquele ano foi decisivo para Francisco, que foi expulso da casa paterna depois que seu pai o encontrou se admirando diante de um grande espelho, com a roupa íntima da mãe.
Em 1927, com apenas 17 anos, sem-teto e com pais que não aceitavam sua sexualidade, Francis Bacon viajou para Berlim, na Alemanha, onde participou da vida noturna gay da cidade, bem como de seus círculos intelectuais. Mudou-se então para Paris, na França, onde se interessou ainda mais pela arte através de constantes visitas a galerias. O futuro pintor retornou a Londres no final da década de XNUMX e iniciou uma curta carreira como decorador de interiores, também projetando móveis e tapetes em estilo moderno com influência Art Deco.
Quando a guerra estourou, ele tentou se alistar, mas foi recusado devido a uma condição asmática grave, mas se juntou à equipe de resgate da ambulância.
Ele então começou a pintar, primeiro em estilo cubista influenciado por Pablo Picasso e depois de maneira mais surreal. O trabalho autodidata de Bacon atraiu interesse e em 1937, ele foi incluído em uma exposição coletiva em Londres intitulada "Jovens Pintores Britânicos".
Obras de destaque entre os anos 40 e 50
Francis Bacon compartilhou em algum momento que o verdadeiro início de sua carreira artística foi em 1944, pois foi o período em que se dedicou integralmente à pintura e criou as obras que o tornaram famoso e pelas quais ainda é lembrado.
Três estudos para figuras ao pé de uma crucificação, é considerado um importante ponto de virada. Suas telas exibem figuras humanas, muitas vezes uma única figura, totalmente isolada em um quarto, uma gaiola ou um fundo preto.
Ele fez uma série de pinturas, inspiradas no retrato do Papa Inocêncio X de Diego Velázquez feito em 1650, mas dando a cada um seu próprio estilo, com as cores escuras que o caracterizavam, pinceladas ásperas e rostos distorcidos. Estas obras são muitas vezes referidas como Pinturas do Papa Gritando de Francis Bacon.
Eram temas muito variados, numa tela pode-se ver uma figura pintada de pé e ao lado um pedaço de carne esfolada, enquanto em outras se inspiravam em temas religiosos tradicionais. Mas todas as suas pinturas tinham uma coisa em comum, a ênfase insistente do pintor Francis Bacon em experiências universais de sofrimento e alienação.
Sua vida e arte depois de 1960
Mesmo sendo uma época em que a arte moderna era dominada pela abstração, este notável pintor continuou a pintar o rosto e a figura das pessoas, sem sucumbir à tendência. Seu uso muito emocional de cores e pinceladas, o exagero de formas e gestos lhe valeram o rótulo de artista expressionista, embora rejeitasse esse termo.
As obras de Bacon da década de 1960 muitas vezes retratam figuras masculinas como solitárias, em ternos formais, outras como figuras nuas com partes e características muito alteradas. Houve anos em que ele usou alguns tons brilhantes em determinados momentos, porém, os temas de violência e mortalidade ainda eram sua principal inspiração e os tons escuros e frios muito comuns.
Ele também frequentemente pintava retratos de conhecidos, colegas, artistas e alguns rivais na área, incluindo George Dyer, que conheceu Francis quando ele estava tentando roubar sua casa.
O pintor Francis Bacon conheceu George Dyer, um dos modelos que ele pintou e mais desejou, quando Dyer, que era um jovem criminoso que morava no leste de Londres, caiu pela clarabóia da casa do artista numa noite de 1963, com a intenção de cometendo um roubo.
Conta-se que Bacon lhe disse que ele era muito desajeitado para um ladrão, mas esse jovem definitivamente chamou a atenção do pinto, que era 25 anos mais velho que ele. O relacionamento não convencional de Bacon com Dyer durou oito anos, até que o jovem morreu de overdose de álcool e barbitúricos em seu quarto de hotel em Paris.
Esse evento ocorreu dois dias antes da abertura da retrospectiva de Bacon no Grand Palais, em outubro de 1971. Naquela época, o artista era mundialmente famoso e os preços de suas obras rivalizavam com os de Picasso. Esta exposição individual no Grand Palais em Paris foi uma honra excepcional para um artista vivo e a morte de sua amante foi mantida em sigilo, para não ofuscar esta grande conquista.
George Dyer foi um romance apaixonado e tumultuado, marcado por altos e baixos e loucura, tanto que Dyer, entre outras coisas, o acusou de porte de drogas. Muitas de suas experiências foram representadas no filme O amor é o diabo: estudo para um retrato de Francis Bacon, do ano de 1998 e estrelado por Derek Jacobi, Daniel Craig e Tilda Swinton. Bacon, conhecido por sua folia, amor pela bebida e paixão pela arte, manteve uma casa e estúdio notoriamente superlotados em Londres e continuou a pintar até o fim de sua vida.
Faleceu durante as férias em Madrid, Espanha, a 28 de abril de 1992, vítima de doença cardíaca aos 82 anos, nunca deixando de ser o cavalheiro britânico de rosto jovem e bem cuidado apesar de uma vida de folia e poucas horas do sono, que se vestia com elegância e sutileza. Mas, sobretudo, nunca deixou de pintar, comer, beber, amar e ler. Esse leitor voraz deixou uma biblioteca de cerca de XNUMX livros, quase todos com notas e comentários.
Legado do pintor Francis Bacon
Bacon é considerado um dos principais pintores britânicos da geração pós-Segunda Guerra Mundial, bem como uma grande influência em uma nova geração de artistas figurativos na década de XNUMX.
Sua obra é propriedade dos principais museus do mundo e já foi exibida em diversas retrospectivas. Após sua morte, sua sala de trabalho foi comprada pela Hugh Lane Gallery, onde organizaram uma sala para que os visitantes pudessem apreciá-la.
Três estudos de Lucian Freud do pintor Francis Bacon bateu o recorde da obra mais cara adquirida em leilão, em 2013. O preço final foi de 142,4 milhões de dólares e o leilão foi realizado pela Christie's nos Estados Unidos.
Este pintor, que viveu 82 anos, foi muito controverso entre os grupos artísticos tradicionais, pois as obras poderosas que executava com pinceladas magistrais muitas vezes abordam temas muito polêmicos como sexo, dor, sofrimento e morte, considerados por muitos como pinturas obscenas.
Em seu trabalho, Bacon rompeu com todos os padrões e regras sérias da arte tradicional inglesa, inclinando-se para uma tradição e estilo mais europeus. Autodidata e cheio de gênio, sem formação artística formal, às vezes pintava com os dedos, usando pincéis ou trapos, combinando imagens de diferentes mídias para produzir composições marcantes.
O que te inspirou?
Depois que Bacon foi expulso da casa de sua família, ele embarcou em uma série de aventuras européias que abriram seus olhos para a arte e o design, sem mencionar outros prazeres terrenos, como sexo e vinho.
Várias obras que encontrou e admirou durante suas viagens tiveram um impacto duradouro e indelével em sua obra e não sairiam de sua mente até sua morte em 1992. Por exemplo, enquanto estudava francês perto de Chantilly em 1927, ele se deparou com o grande Massacre do Innocents. de Poussin (1628-29), ficando impressionado com a agonia exibida na cena.
A emoção encarnada com grande intensidade na figura de uma mãe, cujo filho pequeno está prestes a ser morto por uma figura sem piedade, foi chocante para o artista.
Mais tarde naquele ano, ele encontrou e viu material que foi altamente influente em sua carreira: um livro detalhando doenças da boca, o filme Battleship Potemkin, de Sergei Eisenstein, de 1925, e a cena em que uma enfermeira ensanguentada uiva. Imagens que para ele foram inesquecíveis, permanecendo como uma imagem permanentemente tatuada em sua mente.
Outro acontecimento decisivo para o pintor foi uma viagem a Paris justamente nesse período, que lhe permitiu ver os primeiros desenhos figurativos de Picasso. Todo esse material e seu impacto representaram a formação artística inicial de Francis Bacon e uma influência permanente em todas as suas obras posteriores, que exibem sua abordagem única e original.
Note-se que o pintor Francis Bacon nunca recebeu formação formal, no entanto, isso não o impediu de criar obras onde o corpo humano era um recipiente maleável, grotesco e cheio de sentimentos crus. A boca escancarada mais tarde se materializaria em algumas das grandes telas do pintor: sua série de Weeping Potatoes, na qual trabalhou de 1949 a 1971, mostrando homens borrados e entronizados, pegos no ato de um grito intenso e aparentemente eterno.
Muitos supõem que refletem simultaneamente as ordens militaristas do pai de Bacon, as disputas furiosas entre o pintor e seu torturado amante Peter Lacy, um simples grito de medo ou o clímax de um orgasmo estremecedor. Esse era o poder da obra deste pintor, raro e único, ele conseguia fundir uma variedade de referências, um monstro ou uma fera que estremecia por emoções diversas e sutis, cheias de frustração, tensão ou medo.
A série Papas de Bacon foi produto de outra grande influência: Retrato do Papa Inocêncio X, de Velázquez, de 1650, obra pela qual Bacon se apaixonou e não hesitou em admitir.
Em muitas ocasiões, Francisco reformulou sua própria versão desta obra-prima, embora se recusasse a ver a pintura pessoalmente quando viajou para Roma. Ele afirmou que se sentia envergonhado por ter manipulado tão estupidamente essa peça impressionante, tantas vezes. Bacon afirmou que o trabalho de muitos grandes artistas como Giacometti, van Gogh e Matisse foram influentes em suas obras, mas ele nunca deixou de buscar em escritores e poetas como Racine, Baudelaire e Proust inspiração e orientação criativa.
Sempre enfatizando que o que mais o atraiu na literatura foi a capacidade de resumir as complexidades da existência do indivíduo em poucas linhas e frases concisas. Algo que ele tentou fazer com as diversas e fascinantes figuras que estavam alojadas em suas telas.
Em algum momento ele especificou que não enfatizava a morte, ele simplesmente a aceitava como parte da existência, pois sempre se está ciente da mortalidade na vida, simplesmente uma rosa que floresce e depois morre.
Qual era a sua forma de trabalhar?
As reproduções que serviram de inspiração para Bacon, como O massacre dos inocentess, fotografias usadas de animais selvagens, talismãs egípcios, livros e muito mais, foram agrupados no chão dos estúdios onde trabalhou, sempre como uma grande confusão que o acompanhou ao longo de sua carreira.
A bagunça exuberante era sempre temperada com tinta e vestígios das festas que ele ocasionalmente dava, depois de sair à noite em clubes e casas de jogo de Londres.
Muitos descreveram seu local de trabalho como caótico, onde qualquer coisa inesperada pode acontecer. No entanto, apesar de sua desordem e toda sua decadência, o pintor Francis Bacon também era extremamente dedicado à sua obra e tinha suas próprias regras muito particulares.
Ele afirmou que é preciso ser disciplinado em tudo, mas sobretudo na frivolidade. O seu interesse apaixonado pelo convívio parecia alimentar a sua inspiração e o seu trabalho, pois ele próprio afirmava que depois de uma noitada podia acordar muito cedo de manhã e pintar durante várias horas com a melhor luz do dia, as das primeiras horas depois do amanhecer.
Depois, ele podia comer e beber bêbado, percorrendo a cidade e se misturando com seus muitos amigos e conhecidos, que frequentemente incluíam seus colegas pintores Lucian Freud e Frank Auerbach. Também renomados colecionadores londrinos, como Sainsbury's, alguns de seus muitos amantes, como Lacy ou Eric Hall, entre outras personalidades.
Ele era um artista extravagante, que dizia trabalhar melhor depois de uma noite bebendo, porque repetia que sua mente ganhava vida e se enchia de energia depois daquelas noites intermináveis de festa, ele sentia que beber o tornava mais livre. No entanto, como é sabido, esse tipo de rotina gera alguns riscos, senão muitos riscos perigosos. Em várias ocasiões, após as festas, ele chegava em casa tarde e muito bêbado, tanto que resolveu "aperfeiçoar" algum quadro concluído naquele dia.
Então ele acordaria e descobriria que o que ele havia aperfeiçoado estava simplesmente arruinado. Depois de vários episódios desse tipo, sua galeria começou a coletar as obras e pinturas de seu estúdio depois de concluídas.
Isso também foi cuidado pela babá que o criou e o acompanhou durante sua vida, sua babá Jessie Lightfoot, que viveu com o pintor até sua morte em 1951 e as duas principais distribuidoras de seu trabalho, Erica Brausen na Hanover Gallery e depois Valerie Beston na Marlborough Gallery, que também desempenhou um papel crucial na organização e desenvolvimento de sua vida e carreira.
O irreverente artista que teve problemas financeiros durante a juventude, contou com o apoio de Lightfoot, que o ajudou a iniciar alguns negócios ou encontrar amantes que o apoiassem financeiramente. Brausen tornou-se uma amiga íntima e confidente, ligada à arte, sua homossexualidade compartilhada e seu gosto por correr riscos, o de Bacon na tela e o dela nas paredes da galeria.
A partir de 1958, Miss Beston, como era carinhosamente chamada, organizou quase toda a logística diária de Bacon durante seus anos de maior sucesso, cuidando do pagamento de suas contas, organizando sua agenda, certificando-se de que seu apartamento fosse mantido limpo e conseguindo mantê-lo no horário. trabalho, dedicado à pintura. Além disso, teve o cuidado de manter suas telas fora da lixeira, pois em algumas ocasiões as destruiu.
Por que seu trabalho é importante?
Este incrível artista trouxe uma nova intensidade emocional às figuras que pintou, retratando seus temas, sejam amigos, modelos ou figuras mitológicas, como uma massa retorcida, carnuda, grotesca e emocionalmente exposta.
Ele tentou revelar a complexidade por trás da fachada dos seres humanos, a energia, o sofrimento e o êxtase. Figuras que com seus membros borrados e distorcidos revelavam os impulsos mais primários, talvez por isso em suas produções da década de XNUMX, as representações de macacos e homens muitas vezes guardam forte semelhança entre si.
Em sua vida e em sua arte, o pintor Francis Bacon encarnou e se alimentou de extremos, traduzindo-os em imagens reconhecíveis cuja tensão mostra que é produto de uma vida vivida no limite.
Temas de suas obras
O pintor Francis Bacon era inovador e tinha um estilo de trabalho poderoso, mas, como vimos anteriormente, tinha certa predileção por alguns temas específicos para realizar suas obras, o que sem dúvida lhe deu grande sucesso. Esses incluem:
A crucificação
As imagens da crucificação pesam muito na obra de Francis Bacon, já que qualquer número de emoções e sensações podem pairar e refletir sobre ela. É um espaço em que o dano corporal é feito a uma pessoa e outras se reúnem para assistir, explorando certas áreas do comportamento do indivíduo.
Esse tema foi recorrente em seus primeiros trabalhos, quando começou a pintar a sério, por volta dos 30 anos. Por volta de 1933, Eric Hall encomendou-lhe uma série de três pinturas baseadas no tema, sendo as primeiras pinturas influenciadas por expoentes iniciais como Matthias Grünewald, Diego Velázquez e Rembrandt. Também para as obras de Picasso do final dos anos XNUMX e início dos anos XNUMX.
Papas
Citando muito do famoso retrato de Velázquez de 1650 do Papa Inocêncio X, agora na Galeria Doria Pamphili em Roma, a série de Papas de Bacon são imagens marcantes que desenvolvem motivos já encontrados em seus trabalhos anteriores, como o Estudo de três figuras ao pé de uma crucificação e como a boca aberta que grita.
As figuras dos papas, isoladas pictoricamente por linhas paralelas parcialmente curvas que indicam forças e energia interior, são diferentes e parecem alienadas de sua representação original, estão na obra despojadas de seu poder e é uma metáfora da humanidade sofredora.
figuras reclinadas
Muitas das pinturas de Bacon têm entre seus habitantes figuras reclinadas, sozinhas ou em trípticos, onde se repetem com certas variações. A composição das figuras especialmente nuas é influenciada pelo trabalho escultórico de Michelangelo e as múltiplas fases de sua interpretação, que também podem ser aplicadas a modelos em retratos, é uma referência à cronofotografia de Eadweard Muybridge.
a boca que grita
Inspirado principalmente na imagem do filme mudo de Sergei Eisenstein de 1925, O Encouraçado Potemkin, é um motivo recorrente em muitas das obras de Bacon do final dos anos 1940 e início dos anos 1950. No entanto, alguns modelos de bocas gritantes foram inspirados também por várias fontes, incluindo livros médicos e o obras de Matthias Grünewald, além dos alambiques da enfermeira nos Passos de Odessa.
Bacon viu o filme O Encouraçado Potemkin em 1935 e o assistiu com frequência desde então, mantendo uma foto da cena em seu estúdio, que mostrava um close da cabeça da enfermeira gritando de pânico e terror, com os vidros quebrados pendurados seu rosto manchado de sangue. Uma imagem que ele referiu ao longo de sua carreira, usando-a como fonte de inspiração.
Francis Bacon descreveu a boca gritando como um catalisador para seu trabalho e incorporou sua forma ao pintar a quimera. O uso do motivo pode ser visto em uma de suas primeiras obras sobreviventes, Abstraction of the Human Form.
Percebe-se que no início da década de 1950 tornou-se uma preocupação obsessiva e talvez se o espectador pudesse realmente explicar as origens e implicações desse grito, estaria mais próximo de compreender toda a arte desse pintor.
Importantes obras do pintor Francis Bacon
De seu pequeno estúdio em Londres, onde o material de origem abundava, garrafas de champanhe e pinturas por toda parte, o pintor Francis Bacon deu vida a uma série de pinturas inovadoras e influentes do século XX. Suas telas abrigam uma série de figuras retorcidas, com gestos dramáticos e contorcidos, representando personalidades do mundo religioso e artístico a amigos e amantes desenfreados.
Seu trabalho incorpora uma série de desconfortos e ansiedades culturais do pós-guerra, bem como os demônios e obsessões do próprio artista.
Francis Bacon deu vida a imagens e figuras icônicas que mostravam como a sociedade estava incrivelmente ferida e traumatizada após a guerra. Inspirado no surrealismo e em fontes como cinema, fotografia e outros artistas, o artista conseguiu forjar um estilo diferenciado que o tornou um dos expoentes mais famosos e admirados da arte figurativa nas décadas de XNUMX e XNUMX.
Bacon concentrou suas energias no retrato, retratando os frequentadores regulares dos bares e clubes do Soho como sujeitos violentamente distorcidos, quase nacos de carne, almas isoladas aprisionadas e atormentadas por dilemas existenciais.
Mas, muitas pessoas ainda se perguntam qual foi o segredo dele para criar essas imagens e figuras enigmáticas? O que o tornou tão fascinante e surpreendente? Com pinturas profundamente comoventes, um poder sulfuroso que perdurou e obras leiloadas por quantias exorbitantes, sua influência definitivamente não desaparecerá tão cedo.
O pintor Francis Bacon foi um homem muito complexo, cuja obra reflete o emaranhado de relações intensas, fixações histórico-artísticas e um bom número de vícios que possuía, criando amostras artísticas verdadeiramente fascinantes:
Crucificação (1933)
A Crucificação é a obra que trouxe o artista aos holofotes do público e foi seguida por sucessos muito maiores nos anos do pós-guerra.
Este tríptico pode ter sido inspirado na conhecida obra de 1655 de Rembrandt Le Boeuf écorché (O boi esfolado), mas influenciado pelo estilo surrealista de Picasso. Recria três formas de morte violenta, figuras derrotadas, massacradas deitadas em camas e penduradas de cabeça para baixo.
A brancura translúcida na moldura do corpo nesta obra dá um certo ar fantasmagórico, gerando uma composição bastante perturbadora, onde a dor e o medo são expostos como uma das ideias fixas e obsessivas do pintor.
A Crucificação, feita em 1933, mede cerca de 197,5 x 147 centímetros e foi exibida pela primeira vez em um momento em que a tristeza, brutalidades e horrores da Primeira Guerra Mundial ainda estavam latentes, refletindo o que todos sabiam, como a crueldade e atrocidade mudaram o mundo para sempre.
Eu sei que para os religiosos, para os cristãos, a crucificação tem um significado totalmente diferente. Mas como um descrente, era apenas um ato do comportamento de um homem em relação a outro.
A Figura na Paisagem (1945)
Figure in a Landscape é um trabalho feito em óleo sobre tela de tafetá, supostamente inspirado em uma fotografia do amante de Bacon na época, Eric Hall, vestido com um terno de flanela, meio adormecido em um assento no Hyde Park.
Uma parte substancial do corpo foi pintada de escuro, sugerindo um vazio, com a boca aberta discernível, lembrando um pouco um líder fazendo um discurso e que se diz ter sido inspirado em fotografias de nazistas se dirigindo a seus seguidores. Esta imagem cercada por um cenário pastoral revela um grande contraste entre violência e agressão e a realidade cotidiana do artista.
Pintura (1946)
As imagens em camadas desta pintura enigmática se misturam, dando-lhe uma aparência de pesadelo. É impressionante apreciar de cima, as asas estendidas de um esqueleto de pássaro que parece pousar em um cadáver pendurado, este último motivo influenciado, como a Crucificação em 1933, pelas obras de Rembrandt.
Em primeiro plano, um homem bem vestido sob um guarda-chuva está sentado em um recinto circular que poderia ser decorado com mais ossos e outro cadáver. A estranha composição desta obra, que se assemelha a uma colagem, revela o método de Bacon para esta pintura. Foi simplesmente um acidente, porque ele só queria recriar a imagem de um pássaro pousado em um campo, diria o pintor um pouco mais tarde.
Este óleo e pastel sobre linho, foi catalogado pelo seu criador como uma série de acidentes que se acumulavam um após o outro e embora possa ter alguma relação com as três formas anteriores, as linhas que traçou sugeriam algo totalmente diferente e como tal a imagem foi levantada de uma maneira totalmente diferente.
O pintor afirmou que sua intenção não era fazer esse filme estranho, ele nunca imaginou assim, simplesmente aconteceu. A verdade é que intencional ou não, foi um trabalho que, como muitos outros de Bacon, criou muita expectativa e entusiasmo.
Três estudos para figuras na base de uma crucificação (1944)
Este trabalho simplesmente dá a Bacon uma reputação em meados da década de 1940 e mostra a importância do surrealismo biomórfico na criação de seu estilo inicial. É um tríptico de estilo surrealista, medindo 74 x 94 centímetros para cada painel.
Ele pode ter originalmente pretendido incorporar as figuras em uma crucificação, mas sua referência à base de tal composição sugere que ele as imaginou como parte de uma predela. Os corpos retorcidos e distorcidos tornam-se um pouco mais aterrorizantes por suas formas humanas vagamente familiares, que parecem chegar ao espectador com dor e um ar de agonia e súplica.
As figuras são baseadas nas Fúrias, deusas da vingança da mitologia grega que desempenham um papel importante na Oresteia, uma tragédia em três partes de Ésquilo, e é possível que Bacon tenha sido atraído pelos temas de culpa e obsessão da peça. Esta peça incrível influenciou profunda e radicalmente as imagens do corpo na arte britânica do pós-guerra.
Estudo do Retrato do Papa Inocêncio X de Velázquez (1953)
Embora a figura desta imagem seja derivada de um retrato de 1650 do Papa Inocêncio X do artista Diego Velázquez, o pintor Francis Bacon evitou ver a pintura original, preferindo trabalhar a partir de reproduções. Desdobra uma moldura em forma de gaiola que envolve a imagem que personifica o Papa, introduzindo também uma pincelada vertical na superfície da pintura, elemento que ele descreveu como cortina, relacionando a figura a um objeto precioso que requer um espaço protegido.
No entanto, os traços lineares são destrutivos para a imagem e são mais parecidos com as grades de uma cela do que com uma cortina. As linhas quase parecem vibrar e os tons complementares de roxo e amarelo aumentam a tensão da composição.
O pintor Francis Bacon não foi um homem ligado ao cristianismo, nunca se considerou religioso, no entanto, sua obra mostra uma atração por símbolos como a Crucificação e o Papa, inspirando-se neles para exibir uma ampla gama de emoções e sentimentos.
Com o rosto contorcido e o famoso grito, o pintor garante que não foi como ele queria, mas pensou em algo que lembrasse um pôr do sol de Monet. No entanto, seu gesto enigmático cheio de brutalidade demonstra algo inegavelmente belo e sereno.
Esta pintura de Bacon tem aquele estilo cativante particular de exibir assuntos hediondos de uma maneira que os torna compatíveis com os salões luxuosos em que muitos deles estavam pendurados. Esta pintura a óleo de 153 x 118 centímetros, cujo nome original é Estudo após Retrato do Papa Inocêncio X de Velázquez, atualmente em exposição no museu Des Moines Art Center, Iowa (Estados Unidos).
Retrato de George Dyer em um espelho (1968)
O pintor Francis Bacon tinha 60 anos quando conheceu o jovem George Dyer, a relação, embora romântica, sempre teve um estilo mais pai-filho, pois Dyer precisava constantemente de atenção e tranquilidade.
Inspirado nos retratos de Picasso de meados do século XNUMX, o pintor irlandês consegue capturar surpreendentemente o conflito interno desse ser humano, que foi seu parceiro sentimental por muitos anos. A obra apresenta George Dyer, sentado em uma cadeira giratória, que por sua vez está de frente para um espelho em um móvel de uma forma muito particular.
A imagem com seu corpo e rosto distorcidos refletidos no espelho é separada em duas partes por um espaço de luz, mas isso ainda não sofre as mesmas distorções, pois as duas partes do reflexo juntas dariam um retrato bastante realista do homem. Este óleo sobre tela de cerca de 200 cm × 150 centímetros, cujo título original é Retrato de George Dyer em um espelho Atualmente pertencem a uma coleção particular.
Retrato de George Dyer falando (1968)
Retrato de George Dyer Talking tem cores suaves em comparação com outros trabalhos, embora os destaques em vermelho e verde indiquem uma luta interna, talvez refletindo o vício de drogas e álcool ao longo da vida de George Dyer. Somado às cores, a figura pintada olhando para um abismo central é talvez a melhor expressão desse tormento.
A obra abriga um George Dyer sentado em um banquinho giratório, semelhante aos de um escritório em uma sala colorida, exibindo o corpo e o rosto retorcido, como uma espécie de contorcionista. Os membros inferiores estão bem cruzados e a cabeça parece estar em uma moldura. Esta figura humana está sob uma lâmpada pendurada solitária e a seus pés folhas aparentemente descartadas estão espalhadas ao seu redor. O corpo da figura é posicionado em primeiro e segundo plano,
Duas Figuras (1953)
Devido às suas conotações homossexuais, a exposição inaugural de Duas Figuras causou bastante comoção. Inspirada nos desenhos anatômicos e na fotografia de movimento de Eadweard Muybridge, a pintura é uma exploração do corpo em ação, por meio de uma representação do ato físico de amor. As duas figuras entrelaçadas na cama são cobertas pela "cortina" de linhas estriadas criada pelo pintor Francis Bacon, que obstrui um pouco a visão e potencializa o movimento das figuras.
No entanto, apesar de representar o ato físico do amor, é uma obra que não evoca exatamente o romance que pode ocorrer em uma noite de encontro, as cores um tanto escuras nos fazem pensar em um momento sinistro.
Muitos interpretam a obra como expressão dos supostos gostos masoquistas do artista, o que pode ser devido à crueldade em que cresceu. Era comum que algumas pinturas exibissem os abusos a que ele foi exposto em seus relacionamentos agressivos. Este óleo sobre tela faz parte de uma coleção particular em Londres.
Série Cabeças (1948 -1949)
Entre os anos de 1948 e 1949, o pintor Francis Bacon estudou intensamente e criou um conjunto de seis pinturas conhecido como série Chefes (Heads), colocando algumas delas em particular entre as obras mais importantes e raras do artista, sendo a série que lançou as bases para muitas de suas explorações do retrato nas próximas décadas.
Todos idênticos em tamanho e com uma paleta de cores equilibrada semelhante de cinzas e brancos frios, esses trabalhos causaram bastante agitação, a ponto de Head III, criado em 1949, ser vendido em leilão por £ 10,442,500 em 2013, o atual recorde mundial para um trabalho de Bacon da década de XNUMX.
A segunda metade desta década representa uma mudança importante no reconhecimento internacional do artista, iniciando uma colaboração de sucesso com Erica Brausen, proprietária da Hanover Gallery. A galerista londrina doou uma obra da artista a Alfred Barr para o Museu de Arte Moderna de Nova York em 1948, o que pode ser considerado um excelente começo para sua carreira mundial.
A primeira exposição individual foi realizada na Hannover Gallery apenas um ano depois, em novembro de 1949, com esta importante série de seis cabeças. Ganhando críticas muito boas ao artista, que o considerava um dos artistas mais poderosos da Europa.
Estudo para nu agachado (1952)
Estudo para nu agachado Trata-se de uma obra feita em óleo e areia sobre tela, que mede 198,1 x 137,2 centímetros e atualmente está localizada em eO Instituto de Artes de Detroit.
Um efeito de barra separa o sujeito preso do espectador curioso, uma cena que parece ser exibida dentro de paredes de vidro imaginárias que criam uma aura de asfixia, talvez relacionada por muitos à condição asmática do artista.
As fontes que inspiraram as imagens de Bacon são surpreendentemente diversas, incluindo as fotos dos filmes de Eisenstein, as cenas da corte de Velázquez e os escritos sinuosos de Joyce, bem como livros de medicina.
Mas para Study for Crouching Nude produzido na primavera de 1952, é possível que ele tenha tirado algumas ideias dos tablóides e dos experimentos fotográficos em movimento do fotógrafo e pesquisador britânico Eadweard Muybridge. A obra que mostra uma figura empoleirada em algo pode ser derivada de The Man Jumping Up, deste britânico.
A pintura foi apresentada pela primeira vez em Tendências recentes na pintura realista, que foi organizado por Robert Melville e David Sylvester, no Institute of Contemporary Art, Londres, em 1952.
Três figuras em um quarto (1964)
É uma obra composta por três painéis pintados a óleo de cerca de 198 × 147 centímetros, formando um de seus famosos trípticos. Neste trabalho, ela mostra seu amante George Dyer como modelo pela primeira vez, mas não seria a última. Dyer, que o pintor Francis Bacon conheceu em 1963, foi o tema de muitas de suas pinturas.
En Três figuras em um quarto mostra novamente seu constante interesse em mostrar um assunto de diferentes ângulos, pois mesmo quando feito em três telas separadas, cada pintura tem o mesmo tamanho, destacando um piso elíptico marrom, paredes em tom amarelo e a presença de um único modelo que é repetido em cada painel, com posições tortas.
Presume-se que a obra seja inspirada em várias fontes, incluindo o desenho de Edgar Degas, o Mulher se secando após o banho (Após o Banho, Mulher Secando), na Belvedere Torso. As esculturas de Michelangelo na Capela Medici e Banhistas com uma tartaruga por Henri Matisse.
Three Figures in a Room, foi adquirido pelo governo francês no final da década de 1976 e faz parte da coleção do Centre Georges Pompidou desde XNUMX.
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