Uma obra de arte não é apenas uma pintura que mostra determinadas imagens, é também uma forma de expor a realidade, captar a personalidade do pintor em cada pincelada e até expressar a mentalidade e as ansiedades de uma determinada época. Então, com este artigo, vamos explorar todo o mistério por trás Leiteira de Vermeer.
Identificação e descrição da leiteira de Vermeer
The Milkmaid é um óleo sobre tela de 45,5 x 41 cm do famoso pintor holandês Johannes Vermeer de Delf. Neste trabalho, a artista capta com todos os seus detalhes e segurança, a prudência e determinação com que uma empregada doméstica de cozinha realiza uma de suas tarefas mais comuns: despejar leite em cerâmica. A pintura está atualmente no Rijksmuseum em Amsterdã, Holanda.
Os pintores da época representavam em suas obras ações cotidianas ou habituais da vida como as tarefas domésticas, por exemplo, então o gênero costumbrista é algo muito característico nesta obra de Vermeer, além de ter um estilo barroco holandês que foi utilizado muito para representar a riqueza das famílias holandesas da época. Embora o ano exato em que a pintura foi concluída seja desconhecido, os especialistas determinam que ela foi pintada entre 1658-1661.
- autor: Johannes Vermeer
- Cronograma: 1658 - 1661
- técnica: Óleo sobre tela
- Dimensões: 45,5 x 41 cm
- sexo: Pintura de gênero ou costumbrista
- Estilo: Barroco Holandês
- Localização atual: Rijksmuseum Amsterdam, Holanda
análise de pintura
A primeira coisa que você vê neste trabalho é uma mulher despejando leite de um jarro de barro em um pote feito do mesmo material. O leite derramado torna-se o centro das atenções graças a um truque de composição; que é a construção de duas diagonais imaginárias que se encontram nos pulsos da mulher. Enquanto o jarro está inclinado para a frente (como nesta pintura) ou segurado de alguma forma sugestiva, de acordo com muitos críticos a pintura se refere à anatomia feminina.
Há também uma mesa coberta com uma toalha verde e sobre ela está pendurado um pano azul. A mesa também contém elementos de natureza morta como vários pedaços de pão, uma cesta de pão e um jarro de cerâmica azul, (é interessante observar como o pintor usou pequenos pontos brilhantes no pão, esta é uma técnica conhecida como puntillés).
A leiteira de Vermeer, ela mesma uma criada, possivelmente fazendo mingau de pão na panela. A figura robusta da mulher é deslumbrada pela luz que passa pela janela, ela se concentrou em sua tarefa para que seu rosto reflita uma imersão em seus pensamentos ou simplesmente sua preparação. Alguns observadores da pintura dizem que seus pensamentos podem estar ligados a uma fantasia sobre alguém, observando que o rubor em suas bochechas pode validar essa ideia.
Como roupa muito representativa da holandesa contemporânea do século XVII, ela usa um chapéu de linho branco, uma jaqueta de lã amarela, mangas enroladas verdes e azuis que não estão incluídas em sua jaqueta, um avental azul e uma saia vermelha. No local da cena, a luz do sol entra pela janela à esquerda.
Da mesma forma, uma cesta de pão pode ser detalhada pendurada na parede à direita da janela. Uma pequena pintura com conteúdo desconhecido está pendurada acima da cesta e um recipiente de metal também está pendurado à direita dela. A grande parede traseira é branca onde se nota a presença de um prego e algumas ausências dos mesmos devido aos pequenos orifícios presentes na obra, além disso esta parede é iluminada pela luz do sol através da janela.
No segmento inferior desta parede, há uma série de telhas Delft Blue características. Do lado oposto a estes azulejos encontra-se uma espécie de aquecedor de pés com nove furos na parte superior e uma tigela cheia de brasas no interior, este objeto sugere sensações de calor e falta dele. Em termos de iconografia, tem sido amplamente escrito que o simbolismo disso denota um despertar na sexualidade da mulher, pois as brasas insinuam que não apenas aquecerão seus pés, mas todas as outras partes do corpo escondidas sob sua saia.
Assim, o aquecedor de pés pode ter sinalizado a reputação predominante das empregadas domésticas, especialmente as leiteiras, como sexualmente disponíveis e, de um ponto de vista pragmático, pode indicar o trabalho árduo das mulheres e a necessidade de descanso no meio.
Continuando com a observação da pintura, à esquerda do aquecedor há um azulejo que tem a figura de Cupido, enquanto o azulejo à direita do aquecedor representa um homem com uma longa bengala. Esta última figura mencionada também poderia validar o que foi mencionado acima em relação ao pensamento da mulher, de modo que pode-se dizer que o personagem de seu pensamento é um amante ausente. A imagem lado a lado na extrema direita apresenta uma imagem que é deliberadamente indecifrável.
A qualidade do material
Esta obra da leiteira de Vermeer apresenta vários pormenores que denotam um certo legado da escola de pintura renascentista flamenga do século XV, entre os mais característicos desta obra são mencionados: o pormenor do cesto de vime, o prego que está na parede e o aquecedor contendo uma tigela cheia de brasas.
Composição e sentido de espaço
A primeira coisa que chama a atenção de Vermeer's Milkmaid é o forte arranjo triangular formado pela mulher, o pão e a mesa. Esta área contém a maioria das cores, atividades e luzes do quadro. Além disso, há uma linha implícita criada pelo campo de visão da mulher ao olhar para o leite derramado. De certa forma, isso ajuda a manter sua atenção nessa área triangular: então isso faz você querer ver para onde a mulher está olhando.
Fora da área supracitada, existem algumas vistas menos importantes na composição: os azulejos de Delft e o aquecedor de pés no fundo da parede; a cesta pendurada à esquerda; o prego e pequenos furos na parede; a janela; e o que parece ser um porta-retrato pendurado no canto superior esquerdo.
Em si, essas não são características-chave da pintura, mas desempenham um papel importante na formação da cena e chamando sua atenção para a pintura. Assim, o pintor também adiciona o elemento: quanto mais você olha, mais sutis se tornam os detalhes. Finalmente, pode-se notar que todos os detalhes incorporados pelo pintor, incluindo a interação entre bordas duras, macias e ausentes, contribuem para o notável senso de realismo nesta pintura.
Vale a pena notar que bordas duras sugerem mudanças repentinas no assunto, como mudar de tecido claro para escuro ou de tecido amarelo para azul. Bordas suaves e perdidas indicam falta de clareza em áreas mascaradas por sombras.
As cores, luz e textura
Quanto às cores, Vermeer usou um número pequeno de pigmentos em comparação com seu pintor e produtor de cores contemporâneo Rembrandt, que usou mais de cem pigmentos. No entanto, menos de vinte pigmentos foram detectados nas obras de Vermeer e dez deles parecem ter sido usados regularmente.
Curiosamente, na época de Vermeer, cada pigmento diferia do outro em termos de durabilidade, tempo de secagem e trabalho. A dificuldade de pintar com esses pigmentos era que muitos deles eram muitas vezes incompatíveis entre si e precisavam ser usados separadamente. Embora seja improvável que Vermeer tivesse todos os pigmentos em sua paleta ao criar qualquer uma de suas obras, é possível que ele tivesse os pigmentos necessários para cada parte da pintura em que estava trabalhando.
Este pintor costumava usar sete tipos diferentes, tais como: chumbo branco, ocre amarelo, vermelhão, vermelho louco, verde terra, âmbar bruto e preto marfim. Um fato notável seria dizer que em La Lechera existem tons de azul para pintar. Então Vermeer usou um pigmento especial chamado ultramarino, que era mais caro e mais fino do que a azurita comumente usada.
Agora quanto à análise da pintura, partindo do rosto da mulher, é importante focar na luz que filtra pela janela e que se reflete diretamente em seu rosto em sombras e escamas pálidas, criando um efeito tridimensional. Para o rosto, a pintora usou pequenas pinceladas de tinta como marrom avermelhado, branco, ocre claro e marrom misturados para pintar o formato do rosto.
A janela torna-se um dos focos da pintura, trazendo luz e luminosidade ao retrato. Assim, Vermeer presta a maior atenção a cada detalhe da pintura; um objeto comum como a janela rústica é meticulosamente pintado prestando atenção a pequenos detalhes como um caco de vidro ou a irregularidade do caixilho da janela. Como nesta pintura e em outras de Vermeer, as janelas são tão estilizadas geometricamente que, em alguns casos, parecem obras de arte abstratas em si mesmas.
A cesta de cobre e o balde junto aos elementos da janela da pintura, são pintados de branco, ocre e preto, que finalmente são combinados para combinar com a forma de vime da cesta. Agora, a textura ligeiramente porosa do jarro de cerâmica e o pontilhado com que o pão é pintado conferem à imagem um brilho e naturalidade extraordinários.
Em relação à roupa, que muitos dizem ser um vestido de inverno pelo número de camadas que tem, a pintora aplicou toques rápidos e grossos de pigmento amarelo e marrom para dar a textura áspera necessária.
Agora, a maneira como Vermeer incluiu os efeitos da luz solar nesta pintura é particularmente notável. A luz é mais visível quando você olha para as paredes. A parede da esquerda está na sombra e a parede do fundo está bem iluminada. Você também pode ver diferentes sombras na parede do fundo. Um óbvio é a sombra do recipiente de metal à esquerda da parede traseira.
Outro ponto a destacar em relação ao trabalho da luz é visto na janela que está apenas parcialmente incluída, aqui podemos ter uma boa ideia do seu tamanho real observando a presença ou ausência de sombras. Por exemplo, quando a sombra da leiteira não está presente, indica que a janela não se estende muito para a esquerda. No entanto, podemos ver a sombra da unha na parte superior do quadro (sobre o ombro direito da Leiteira), indicando que a janela é bastante alta.
Fatos divertidos
Quando a pintura foi submetida à visão de raios X ou técnicas modernas de análise, pode-se perceber que a pintura atual apresenta uma grande mudança de pentimento ou fundo, ou seja, podem ser vistos objetos que Vermeer colocou primeiro, mas depois decidiu trocar com outros. .objetos.
O pintor inicialmente incluiu uma pintura de um mapa-múndi na parede branca. No entanto, como as pinturas eram bastante caras na época, ele as removeu para criar uma parede vazia para simplificar a sala. Segundo, ele também incluiu um cesto de roupa suja ao lado do canto inferior direito da saia vermelha da mulher, mas depois o removeu também. Ele provavelmente removeu esta cesta para dar mais ênfase ao assunto principal desta pintura e não distrair muito o espectador.
Em relação à identidade da mulher, alguns críticos especularam que Tanneke Everpoel era a empregada da família Vermeer. E de certa forma, este retrato está associado a ela devido a alguns documentos de arquivo de 1663 dos quais se conhece a sua existência e carácter.
Quanto ao movimento físico da pintura, há informações de que possivelmente cerca de 1674 obras de Vermeer foram compradas por seu patrono de Delft, Pieter van Ruijven, quando o pintor morreu em 21. Quando essas pinturas foram vendidas na propriedade do genro de van Ruijven, Jacob Dissius, em 1696, The Milkmaid de Vermeer foi descrito como "excepcionalmente bom" e comandou o segundo preço mais alto na venda (celebrada paisagem urbana de Vermeer, View of Delft ( que está localizado no Mauritshuis em Haia), era um pouco mais caro).
"Vermeer's Milkmaid" foi posteriormente leiloada em 1719 e depois passou por pelo menos cinco coleções de Amsterdã para uma das grandes colecionadoras de arte holandesas, Lucretia Johanna van Winter (1785-1845). Em 1822 ela se casou com um membro da família Six de colecionadores, e foi através dos herdeiros dos dois filhos de Lucretia que o Rijksmuseum em 1908 comprou "The Milkmaid" com o apoio do governo holandês e da Rembrandt Society.
Contexto, autor e outras obras
A Leiteira de Vermeer foi uma obra que foi pintada em uma época de grande riqueza e poder na Holanda, quando o comércio, a arte e a ciência estavam se desenvolvendo a ponto de estar entre as mais famosas do mundo. Em 1568, as sete províncias que assinaram a União de Utrecht iniciaram uma revolta contra Felipe II da Espanha que finalmente levou à Guerra dos Oitenta Anos. Antes que a Espanha recuperasse os Países Baixos, a Inglaterra declarou guerra à Espanha e forçou as tropas espanholas a interromper seu avanço.
A Guerra dos 80 Anos finalmente culminou na Paz de Vestfália em 1648, onde a Espanha e a República Unida dos Sete Países Baixos assinaram o acordo de paz. A Companhia Holandesa das Índias Orientais estabeleceu um monopólio holandês no comércio asiático que prevaleceu por dois séculos. Os holandeses também dominaram o comércio entre os países europeus, em 1680 uma média de quase 1.000 navios holandeses cruzavam o Mar Báltico a cada ano.
Em termos de status social, o dos Países Baixos era amplamente determinado pela renda. Isso trouxe uma nova forma de olhar para as classes sociais. A aristocracia havia vendido a maior parte de seus privilégios para as cidades onde os mercadores e seu dinheiro governavam. O clero não teve influência, pois a Igreja Católica Romana foi suprimida no início da Guerra dos Oitenta Anos.
O calvinismo era o movimento religioso predominante da época, e há alguns rumores ligando Vermeer à fé calvinista, embora não esteja claro se ele se tornou católico depois de se casar com sua esposa.
A verdade é que, devido aos fortes ensinamentos do calvinismo, os artistas da época não podiam retratar sexo em suas pinturas. No entanto, Vermeer junto com outros artistas da época soube contornar a censura deixando símbolos sutis que evocam a luxúria ou a sexualidade feminina, e isso é algo muito refletido na leiteira de Vermeer.
Quem é Vermeer?
Johannes Vermeer nasceu em uma família de classe média em outubro de 1632, natural da cidade mercantil holandesa de Delft. Seu pai, chamado Reijnier Jansz, para viver, tecia tecidos, depois se tornou um estalajadeiro e, finalmente, um negociante de arte. Sua mãe, Digna Baltus, que provavelmente era dona de casa, não há muitas informações sobre ela.
Educação e formação
Acredita-se que o adolescente Vermeer tenha se inscrito como aprendiz de pintor para seu pai em meados da década de 1640, que estava pronto para pagar as taxas caras para garantir que seu filho tivesse um futuro brilhante. Devido à falta de evidências empíricas, é impossível citar com quem Vermeer aprendeu, mas vários historiadores sugerem que o aluno estrela de Rembrandt, Carel Fabritius, lhe deu sua educação inicial. Outros acreditam que seu professor foi o pintor Pieter van Groenewegen, que nasceu em Delft e cresceu na Guilda de São Lucas.
Em 1653, Vermeer casou-se com Catharina Bolnes, filha de uma rica família católica de Delft. Embora ambos os conjuntos de pais se opusessem ao casamento devido a crenças cristãs conflitantes, o casamento ocorreu após a conversão de Vermeer ao catolicismo.
Talvez para demonstrar sua devoção à sua nova religião e a seus sogros, Vermeer pintou Cristo na Casa de Marta e Maria (1654-55), sua única representação conhecida de uma narrativa bíblica. Seu casamento com Catherine permitiu a Vermeer subir significativamente na escala social, e acredita-se que mais tarde ele até reduziu o contato com sua família enquanto morava na formidável casa de sua sogra.
Durante este tempo de seu casamento, Vermeer continuou o legado de seu pai e se inscreveu como mestre pintor no Guild of St. Luke, proporcionando-lhe uma variedade de eventos oportunos, patronos e conexões para promover sua carreira. Seus primeiros trabalhos mostram a influência de mestres como Rembrandt, o italiano Caravaggio e os pintores Utrecht Caravaggisti, como Gerrit van Honthorst e Dirck van Baburen.
tempo de maturidade
Em 1662, Vermeer tornou-se o chefe da Guilda de São Lucas, o que significava que ele estaria em contato próximo com numerosos patronos, artistas e colecionadores de Delft. A nova posição fez dele um pintor que se preze, embora as poucas pinturas existentes tenham levado muitos estudiosos a acreditar que o artista produzia apenas cerca de três pinturas por ano.
Além disso, a riqueza da família de sua esposa tornou possível que Vermeer pintasse para seu próprio prazer, em vez de sustentar sua família, como era o caso da maioria dos outros pintores, e ele nunca contratou ninguém como aluno ou aprendiz.
O pintor também era conhecido por ter usado pigmentos caros, como lápis-lazúli para a saia da leiteira e carmim profundo para o vestido da garota do copo de vinho. Embora alguns tenham sugerido que o patrono de Vermeer, Pieter van Ruijven, comprou e forneceu ao artista esses ingredientes exclusivos, talvez não seja surpreendente que tenha sido nessa época que o pintor começou a se endividar.
Tempo atrasado e morte
O ano de 1975 foi quando Vermeer morreu, ele deixou tantas dívidas que sua família não podia pagar uma lápide para ele. Na história holandesa, o ano de 1672 foi chamado de "O Ano do Desastre" devido à invasão da República Holandesa pelos exércitos francês, alemão e britânico. Isso levou a um dramático colapso econômico para o outrora próspero país de classe média.
O mercado de arte quebrou e Vermeer mal podia se sustentar, sua esposa, sua mãe e seus onze filhos. Ele se endividou cada vez mais, tomando emprestado milhares de florins e até foi pego guardando o dinheiro da sogra.
Especificamente, Vermeer morreu em 16 de dezembro de 1675, depois de cair em um ataque de loucura e depressão. Nos autos do tribunal, sua esposa declarou:
«…durante a ruinosa guerra com a França, ele não só não conseguiu vender uma de suas obras, mas também ficou em grande desvantagem com pinturas de outros mestres que, como resultado e devido ao grande fardo de seus filhos não terem recursos próprios , caiu em tal declínio e depressão, que ele se levou tão a sério como se em um dia e meio ele tivesse entrado em um frenesi e passado de são a morto."
O legado
Devido à grande fama local durante sua vida, Vermeer pareceu desaparecer do mundo da arte até o século XNUMX, quando artistas franceses como Édouard Manet; quando ele começou a voltar seu olhar para o real e despretensioso. E porque Vermeer era tão hábil em capturar momentos de beleza comum, ele se tornou uma grande influência sobre esses artistas, que reviveram a consciência do trabalho do mestre.
Embora apenas 34 (três Vermeer mais controversos) de suas peças tenham sobrevivido, Vermeer é hoje considerado um dos maiores artistas da era de ouro holandesa. No século 1934, o surrealista Salvador Dalí ficou fascinado pelo trabalho de Vermeer e produziu suas próprias variações, incluindo Delft Ghost de Vermeer, que pode ser usado como mesa em 1955, e The Lacemaker (depois de Vermeer) em XNUMX.
Outros artistas, como o pintor dinamarquês Vilhelm Hammershoi, adaptaram os interiores tranquilos de Vermeer aos seus próprios temas dos séculos XIX e XX. Hammershoi modernizou Woman in Blue lendo uma carta de Vermeer, invertendo a imagem e diminuindo a paleta de cores para que quase pareça que o público está olhando para uma foto antiga de uma sala de estar dinamarquesa.
Entre muitas das pinturas sublimes de Vermeer, a Moça com Brinco de Pérola é considerada a "Mona Lisa do Norte". Seu realismo impressionante e ambiguidade emocional inspiraram artistas, escritores e cineastas por décadas. Mais recentemente, o grafiteiro britânico anônimo Banksy reinterpretou e reproduziu a pintura em um prédio em Bristol, Reino Unido. Um alarme contra roubo foi usado em vez do lendário brinco de pérola.
Conquistas da Vermeer
Este artista especializou-se em cenas da vida doméstica, gênero que ajudou a catapultar o léxico barroco. Muitas de suas pinturas contêm os mesmos móveis ou motivos que ele viveu em seu próprio estúdio particular, e seus modelos eram muitas vezes mulheres que ele conhecia ou parentes de clientes.
Vermeer também recebeu postumamente o título de "Mestre da Luz" devido à atenção sensível que ele prestou em expressar como a luz brincava com a pele, o tecido e as pedras preciosas em seu trabalho. Sua experiência deriva do uso de técnicas renascentistas, como o claro-escuro, misturadas com seu próprio uso distinto de luz, sombra e cor para evocar textura, profundidade e emoção.
Cores e pigmentos eram de grande interesse para Vermeer e ele era conhecido por sua requintada combinação de tons etéreos. Diz-se que seu patrono, Pieter van Rujiven, comprou e forneceu ao artista ingredientes caros, como lápis-lazúli e carmim, para esses empreendimentos. Talvez não surpreendentemente, foi nessa época que o pintor começou seu próprio endividamento, compulsivo como era com seus valiosos materiais.
Vermeer foi um pintor de sucesso modesto em vida, mas hoje apenas 34 pinturas são atribuídas a ele (algumas outras são questionáveis), significando a gestão semi-imprudente do artista em sua carreira, o que acabaria por deixar ele e sua família endividados e desesperados.
Como a incerteza econômica, a loucura e a depressão reforçaram a vida do artista, supõe-se que o idílio tranquilo que Vermeer era conhecido por retratar na pintura refletia um mundo em que ele mesmo gostaria de viver.
Outras obras de Vermeer
Entre as obras do pintor holandês Vermeer que podem ser admiradas e observadas à disposição do público, podem ser citadas:
- Cristo na casa de Marta e Maria de 1654-1656
- O procurador de 1656
- O Oficial e a Garota que Ri de 1657-1660
- A menina com o copo de vinho, 1659
- A vista de Delft de 1660-1661
- Mulher de azul lendo uma carta de 1662-1663
- A lição de música ou uma dama no Virginals com um cavalheiro 1662-1665
- A menina com o brinco de pérola, 1665
- A Dama e a Donzela de 1667
- O astrônomo de 1668
- Senhora sentada em um Virginal, 1672
- A alegoria da fé de 1670-1674
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