Concebida por seus criadores e seguidores como uma ampla tendência da arte que reflete a busca de novos significados por parte de artistas contemporâneos, a arte pós-moderna é a resposta nesta busca à crise da cultura clássica.
arte pós-moderna
Acredita-se que no século XX tenha ocorrido a chamada “morte dos superfundamentos”: Deus, homem e autor. Em outras palavras, a base religiosa foi abalada, surgiu uma crise de ideias humanistas, e os criadores passaram de criar uma nova para repensar a antiga.
O pós-modernismo na arte faz parte de uma tendência global que foi adotada pela cultura e filosofia mundiais. O pós-modernismo não é um estilo único, mas um complexo de direções, unidas por uma base ideológica comum. Muitos deles até brigam entre si.
Pós-modernismo é um termo derivado da língua francesa (postmodernisme). Este nome reflete o significado da direção que substituiu a arte da era do modernismo (não confundir com o modernismo). No final do século XIX e início do século XX, os movimentos modernistas (ou de vanguarda) deram um duro golpe na arte clássica. Mas gradualmente os criadores deixaram de se satisfazer com as abordagens modernistas.
Paralelamente a uma infinidade de novos desenvolvimentos tecnológicos, o pós-modernismo levou a experimentos artísticos com novas mídias e novas formas de arte por quase cinco décadas, incluindo arte conceitual, vários tipos de performance e instalações artísticas e correntes de computador como o desconstrutivismo e a tecnologia de projeção. .
Características do pós-modernismo
Jean-François Lyotard e outros teóricos descrevem os fundamentos espirituais da modernidade como uma crença inabalável em uma progressão constante de compressibilidade cada vez mais detalhada do mundo e aproximação gradual em direção ao conhecimento perfeito. Os sistemas totalitários do século XX desacreditaram permanentemente o caráter absoluto de tais modelos.
Aqui estão as razões para a necessidade de definir o pós-modernismo como uma ruptura consciente com a modernidade. O pós-modernismo rejeita não apenas a crença moderna no progresso, mas também a existência de uma realidade objetiva compreensível. A teoria e a estética pós-modernas assumem que todo conhecimento, toda percepção e toda área da consciência e existência estão sujeitas à relatividade. Um conceito-chave do pós-modernismo é a pluralidade.
O desejo da modernidade de criar constantemente algo novo e os meios artísticos usados para alcançá-lo são vistos como automatizados, estabelecidos e obsoletos no pós-modernismo. O princípio de que nada de novo pode ser criado faz do uso de citações uma característica estilística essencial da arte pós-moderna.
A demanda por abertura no conceito de arte e na obra de arte individual abre possibilidades quase ilimitadas por um lado: o pós-modernismo abre uma variedade de novas formas de expressão ao cruzar as fronteiras dos gêneros.
Uma técnica frequentemente usada da era pós-moderna é a colagem. Este termo, cunhado no início do século XNUMX para adesivos dadaístas, é muito mais amplo na era pós-moderna. Inclui, por exemplo, instalações de grande escala, técnicas cinematográficas ou processos de composição musical.
Autores como Umberto Eco (O nome da rosa), arquitetos como Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Viena) e artistas como Keith Haring tentam preencher a lacuna entre a compreensão elitista da arte e a cultura de massa; este também é um aspecto essencial da estética pós-moderna.
Muitas obras pós-modernas, especialmente nas artes cênicas, não querem ser entendidas como um resultado perfeito, mas como um arranjo experimental. A apresentação será fragmentária (literatura: Roland Barthes, Fragmentos de uma linguagem de amor) ou um trabalho em andamento (dança-teatro: William Forsythe, peça de Scott) em vários estágios de seu desenvolvimento.
Os críticos de arte dão respostas diferentes à questão do que é o pós-modernismo na pintura, uma vez que a cultura pós-moderna é um fenômeno multifacetado e não possui uma plataforma ideológica clara. Os pós-modernistas não criaram um cânone universal, além disso, eles se recusaram a criar um em princípio. Talvez o único valor básico declarado pelos defensores dessa tendência seja a infinita liberdade de expressão.
O pós-modernismo não é um movimento, mas uma maneira geral de pensar. Portanto, não há uma lista única de características que definam a "arte pós-moderna". No entanto, há uma série de características que são características da arte pós-moderna:
- Liberdade ilimitada e absoluta do artista na escolha dos métodos de autoexpressão.
- Repensar as imagens tradicionais, incluindo-as em um novo contexto (daí a ampla distribuição de remakes, interpretações, citações artísticas, empréstimos, alusões).
- Sincretismo, ou seja, a fusão de elementos heterogêneos em um único todo, às vezes até contraditórios (por exemplo, o uso de estilos diferentes pelo artista em uma pintura, ou mesmo uma combinação de pintura com outros tipos de arte).
- Diálogo, ou seja, um olhar sobre o assunto de diferentes ângulos, a partir da posição de diferentes «vozes», que acabam por criar uma «sinfonia» polifónica.
- Forma de apresentação da obra, convite do espectador a unir a obra com significados.
- Natureza chocante da criatividade.
- Ironia e auto-ironia do autor. Os artistas agora são muito mais céticos em relação às "grandes idéias" (por exemplo, que todo progresso é bom).
- O pós-modernismo é uma expressão de um desencanto generalizado com a vida e o poder dos sistemas de valores e/ou tecnologias existentes para trazer mudanças positivas. Como resultado, autoridade, experiência, conhecimento e motivação caíram em descrédito.
- A arte moderna era vista não apenas como elitista, mas também como branca (no sentido da cor da pele), dominada pelos homens e desinteressada pelas minorias. É por isso que a arte pós-moderna defende a arte de artistas do terceiro mundo, feministas e minorias.
Arte pós-moderna, contemporânea e moderna tardia
Como regra geral, arte pós-moderna e arte contemporânea são usadas mais ou menos como sinônimos. No entanto, do ponto de vista técnico, arte pós-moderna significa "após a modernidade" e refere-se a um período fixo que começa por volta de 1970, enquanto a arte contemporânea refere-se principalmente ao período de mudança de cerca de cinquenta anos imediatamente antes da década de XNUMX. Presente.
Atualmente esses dois períodos coincidem. Mas no ano de 2050 a arte pós-moderna (por exemplo, de 1970-2020) pode ter sido substituída por outra era, porém a arte contemporânea cobre o período até aquele ano.
Nas artes visuais, o termo modernidade tardia refere-se a movimentos ou tendências que rejeitam um aspecto da arte moderna, mas permanecem na tradição da modernidade. Estilos como o expressionismo abstrato (1948-65) foram praticados por vários artistas modernos radicais, incluindo Jackson Pollock e Willem De Kooning, que se opuseram a muitas das convenções formais da pintura a óleo.
E, no entanto, nem Pollock nem De Kooning poderiam ter produzido algo como o Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg, pois ambos acreditavam firmemente nos conceitos de autenticidade e significado.
A história da arte pós-moderna
O primeiro estilo de arte significativo após o Renascimento foi a arte acadêmica, ensinada por professores nas academias. Na arte acadêmica convergem muitos estilos e correntes, como o classicismo e o romantismo. A partir de 1870, com a chegada do impressionismo, surgiu a arte moderna. Os primeiros traços surgiram por volta de 1970, que hoje se resume como arte pós-moderna.
A arte moderna está principalmente associada ao século 1870-1970, do Impressionismo à Pop Art, por exemplo. Apesar de vários desastres globais (Primeira Guerra Mundial, gripe, Wall Street Crash e Grande Depressão) que minaram muitas das certezas morais da época, os artistas modernos geralmente mantinham uma crença nas leis científicas básicas da natureza, razão e racionalidade. pensei.
Em geral, como a maioria dos ocidentais da época, eles acreditavam que a vida tinha sentido. Que o progresso científico era automaticamente positivo, que o Ocidente cristão era superior ao resto do mundo, que os homens eram superiores às mulheres. O modernismo também acreditava no significado, relevância e progresso da arte, especialmente das belas artes e da arquitetura.
Seguindo os passos de Leonardo e Michelangelo, eles acreditavam na alta arte, arte que eleva e inspira o espectador educado, e não na "arte baixa" que apenas diverte as massas. Eles adotaram uma abordagem progressista e viram a arte como algo que deveria estar em constante evolução, guiado por um grupo líder de artistas de vanguarda.
A Segunda Guerra Mundial e o Holocausto viraram tudo de cabeça para baixo. Paris foi subitamente substituída por Nova York como a capital do mundo da arte. No rescaldo das atrocidades da guerra, toda a arte figurativa de repente parecia irrelevante, então os pintores modernos se voltaram para a arte abstrata para se expressar.
Surpreendentemente, a Escola de Nova York, com as pinturas de Jackson Pollock e a pintura de campo de cores mais calma de Mark Rothko, promoveu um renascimento temporário da arte em ambos os lados do Atlântico na década de 1950. Os pintores de vanguarda conseguiram redefinir os limites do abstrato pintura, mas permaneceu dentro dos limites da modernidade. Eles acreditavam na criação de obras de arte autênticas e acabadas com conteúdo significativo.
Mas a modernidade estava inevitavelmente chegando ao fim. As crescentes revelações da Shoah, os testes da bomba atômica, a crise dos mísseis cubanos e a Guerra do Vietnã deixaram as pessoas cada vez mais desiludidas com a vida e a arte.
Jasper Johns e Robert Rauschenberg já haviam produzido as primeiras obras pós-modernas de Neo-Dada e Pop Art em meados da década de 1950. Logo a Pop Art mainstream daria início à própria arte pós-moderna, à medida que as redes de televisão americanas se concentravam na Ofensiva do Tet de 1968 e na caótica Convenção Nacional Democrática de 1968.
A partir dessa passagem do tempo na história da arte, pode-se estabelecer também a atitude em relação à arte por parte do artista e do público. Os artistas e espectadores do presente não são determinados pelas velhas ideias de instituições de ensino e doadoras sobre o que é arte e o que arte pode ser. As possibilidades e aplicações da arte tornaram-se mais diversas sem ter que se forçar em um determinado espartilho.
A arquitetura moderna foi influenciada pelo desejo de criar um estilo completamente novo para o homem moderno. Os arquitetos queriam remover todas as referências históricas e criar algo completamente novo. Isso levou ao Estilo Internacional (por volta de 1920-1970), um design minimalista de regularidade.
Felizmente, por volta de 1970, os arquitetos pós-modernos começaram a revitalizar a arquitetura do século XX, projetando estruturas com características interessantes extraídas da cultura popular e estilos arquitetônicos mais tradicionais. Estruturas que parecem escapar da gravidade também foram possibilitadas por novas possibilidades controladas por computador dentro da estrutura do desconstrutivismo.
O movimento pós-modernista tomou forma nas décadas de 1960 e 1970, mas as pré-condições para seu surgimento estão associadas a uma crise de visão de mundo que surgiu muito antes. Entre eles: a tese de Spengler sobre o declínio da Europa; colapso da consciência pública devido à Primeira Guerra Mundial; o aparecimento na ciência de ideias sobre a inconsistência e ambiguidade da ordem mundial (da geometria não-euclidiana à física quântica).
O termo pós-moderno já estava em uso no final do século 1950 e depois cada vez mais no início do século 1970, mas apenas na década de 1979 no sentido de seu significado atual. No final da década de XNUMX, dois autores contribuíram principalmente para estabelecer o termo como um elemento permanente: Jean-François Lyotard com sua obra La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, XNUMX) e Charles Jencks com o ensaio The Rise of Postmodern Architecture.
Com a introdução do termo pós-moderno, o modernismo é definido pela primeira vez como uma época histórica fechada (como a antiguidade ou a Idade Média antes dela). O pós-moderno se estabeleceu como um termo estilístico, especialmente na arquitetura.
Os pós-modernistas concluíram que o mundo moderno não pode ser descrito dentro da estrutura das abordagens clássicas da filosofia, ciência e cultura. Consequentemente, os métodos clássicos da arte não são adequados para descrevê-la.
uso de tecnologia
A era da arte pós-moderna coincidiu com a introdução de várias novas tecnologias visuais (como a televisão, os vídeos, a Internet, entre outras) e delas beneficiando muito. A nova gama de formatos de vídeo e fotografia reduziu a importância da arte do desenho, e a manipulação de novas tecnologias permitiu aos artistas encurtar os processos tradicionais de criação de arte, mas ainda criar algo novo.
Movimentos e estilos artísticos pós-modernos
Até agora não houve grandes movimentos artísticos internacionais na arte pós-moderna. Em vez disso, a época viu o surgimento de vários fluxos estreitos e localizados, bem como várias formas de arte inteiramente novas, como vídeo e pintura de palavras.
Além disso, houve dezenas de facções artísticas, bem como um ou dois centros anti-pós-modernos cujos membros se esforçaram para produzir o tipo de arte da qual Michelangelo ou Picasso teriam orgulho.
Desde o neodadaísmo, os pós-modernistas gostam de misturar as coisas, ou trazer novos elementos às formas tradicionais, para criar novas combinações. Fernando Botero pinta quadros primitivos de figuras obesas, Georg Baselitz pinta figuras de cabeça para baixo.
Gerhard Richter combinou arte de câmera e pintura em suas pinturas fotográficas dos anos 1970, enquanto Jeff Koons combinou imagens orientadas para o consumidor com técnicas de escultura sofisticadas para criar suas esculturas de aço inoxidável.
Andreas Gursky combina fotografia com imagens geradas por computador para criar obras como Rhein II, enquanto Jeff Wall usa montagens de fotos processadas digitalmente em suas criações de imagens pós-modernas.
Não há consenso entre os críticos de arte sobre quais estilos de arte podem ser classificados como arte pós-moderna: por exemplo, alguns estilos são classificados simultaneamente como vanguarda e pós-moderno. Ainda assim, a seguinte lista de movimentos e estilos do pós-modernismo pode ser distinguida:
Dadaismo
Os dadaístas acreditavam que a brutalidade da Primeira Guerra Mundial que abalou a Europa, trazendo dor e sofrimento a milhões de pessoas, foi produto da lógica e do racionalismo. Por isso, promoveram com sua criatividade a destruição de cânones estéticos, cinismo, sistematicidade, irracionalidade.
A colagem tornou-se o principal método criativo dos artistas dadaístas. A tela ou papel serviu de pano de fundo sobre o qual o artista criou uma colagem usando pedaços de pano, pedaços de papel e outros materiais.
O dadaísmo existiu por um período relativamente curto: de 1916 a 1923. Isso se deve ao fato de que sua plataforma ideológica era um pathos pacifista que se opunha à realidade da Primeira Guerra Mundial. Na década de 1920, o dadaísmo fundiu-se com o expressionismo na Alemanha e com o surrealismo na França.
arte pop
A pop art (pop art) é um estilo que transferiu a cultura do consumo para o campo da arte e ensinou a humanidade a ver a beleza em trinta e três latas de sopa. A arte pop não deve ser confundida com a cultura popular. Os autores consideravam a cultura de massa como um objeto, assim como um retratista olha para um modelo ou um paisagista: no seio da natureza.
O tema da cultura de massa, sobre o qual caiu o olhar do artista, transformou-se em algo original: um objeto de arte refratado pela interpretação do artista. Do ponto de vista artístico, esse estilo apelava para a materialidade, a objetividade, ao contrário de outra tendência popular, o abstracionismo. A arte pop nasceu na luta contra a criatividade dos abstracionistas e anunciou um retorno à exibição de objetos específicos na tela.
Por si só, o apelo às coisas cotidianas não é novo na história da pintura. A natureza morta é, afinal, a visão de um artista dos objetos ao redor. Na verdade, não há muita diferença entre o vaso de Caravaggio e as garrafas verdes de Coca-Cola de Warhol. Mas a arte pop tinha sua própria peculiaridade conceitual: os artistas pegaram objetos e imagens icônicos da cultura de massa, que agora chamariam de "memes".
Além disso, eles prestaram atenção não apenas aos objetos, mas também às imagens; um exemplo típico é o Marilyn Diptych de Warhol. Não há como negar que a arte pop ajudou a afirmar o sonho americano, legitimar a sociedade de consumo e o estilo de vida correspondente. Ao mesmo tempo, lançou as bases para uma crítica à filosofia do consumo, que mais tarde ganharia força.
Word Art
O termo Word Art descreve uma categoria de arte pós-moderna baseada em texto por vários artistas contemporâneos presentes desde a década de 1950. Uma definição simples de arte baseada em texto pode ser "arte que inclui palavras ou frases como um componente artístico principal".
Imagens baseadas em texto contendo palavras e frases foram publicadas em uma variedade de mídias, incluindo pintura e escultura, litografia e serigrafia, bem como artes aplicadas (t-shirts, canecas). Também aparece nas mais recentes formas de arte contemporânea, como o mapeamento de projeção.
Arte conceitual
O conceitualismo (do latim conceptus: pensamento, representação) é uma corrente pós-moderna na arte, que proclama a supremacia da ideia de uma obra sobre a forma de sua expressão artística. Os seguidores do conceitualismo estão convencidos de que suas pinturas, esculturas, instalações e performances devem evocar no espectador não emoções, mas um desejo de repensar intelectualmente o que viram.
O conceitualismo não é uma arte comercial, nele os objetos para a criatividade podem ser quaisquer utensílios domésticos, materiais naturais e até partes do ambiente humano. O artista conceitual não busca criar uma obra acabada, mas tenta transmitir suas ideias ao espectador, para se engajar em uma espécie de jogo intelectual.
As obras de arte conceitual têm características distintas. Essas obras podem ser identificadas pelas seguintes características: influenciam não a percepção emocional, mas a intelectual do espectador; uso frequente de texto explicativo da obra; a rejeição consciente do sentido da forma pelo artista em favor da importância do sentido (idéia) da obra; criar objetos de arte a partir de qualquer objeto disponível para o autor.
Performance Art e Happenings
Happenings é uma forma de arte de vanguarda, um tipo de expressão criativa, intimamente relacionada à arte performática, que tem seu fundamento nas teorias de arte conceitual do século XX, em grande parte derivadas das manifestações de representantes do Dada. , assim como Tristan Tzara (1896-1963). Na prática, não é fácil distinguir entre Performance Art e Happenings.
Ambos são formas de entretenimento cuidadosamente planejadas (embora com elementos de espontaneidade) em que o artista realiza (ou administra) um evento artístico teatral. Algo mais fácil de ver do que descrever em palavras.
De qualquer forma, um Happenings é uma peça espontânea de arte performática que fica em algum lugar entre o drama e a arte visual e geralmente convida e desencadeia uma forte resposta do público.
Devido ao seu estilo dadaísta de transitoriedade, foi originalmente concebido como uma alternativa radical aos princípios tradicionais do artesanato e como um "objeto de arte permanente". Uma explicação completa desta nova forma de arte pós-moderna pode ser lida no livro de Michael Kirby 'Happenings' (1965).
Esse tipo de evento de arte tornou-se particularmente associado à cena artística de Nova York por volta de 1960 e ainda é apresentado nas melhores galerias de arte contemporânea do mundo.
Arte abstrata
O abstracionismo é um estilo de pintura e arte em geral, que rejeita a reprodução realista do mundo circundante. Seus seguidores representam formas simples e complexas, brincam com cores, usam linhas, planos e outros objetos, combinando-os para criar certas emoções no espectador. É assim que sua abordagem difere daquela usada por mestres que aderem ao classicismo e a muitos outros estilos.
À primeira vista, uma pintura de um abstracionista pode parecer uma confusão caótica de linhas, formas e manchas. Ao examinar mais de perto, fica claro que o artista criou uma composição inteira projetada para evocar certos pensamentos ou humores no espectador.
O abstracionismo, à medida que se desenvolveu, foi estratificado em várias direções, cada uma com seus próprios representantes. Havia tipos de estilo como:
- Geométrico. Nos trabalhos de artistas realizados neste estilo, prevalecem formas e linhas claras, muitas delas criam a ilusão de profundidade.
- Os mestres que seguem essa direção trabalham ativamente com as cores e suas combinações; é através deles que transmitem as emoções que querem criar no público.
- A essência dessa direção da pintura está na completa ausência de referências a objetos reais e no uso extremamente restrito de cores, formas e linhas.
- Artistas que trabalham nessa direção se esforçam para trazer dinâmica, movimento às suas obras, através dos quais transmitem emoções e sensações. Ao mesmo tempo, sombras, linhas e formas desaparecem no fundo.
Montagem
Assemblage é uma técnica de arte decorativa e aplicada na qual o artista cria uma imagem em relevo colando peças ou objetos tridimensionais em uma base plana. Na técnica de assemblage, também é permitido o uso de tintas para adição pictórica a uma composição artística.
Assemblage, em contraste com sua colagem relacionada, é um tipo de técnica para anexar elementos tridimensionais, em vez de bidimensionais (planos) à superfície frontal da imagem. Graças ao uso de detalhes volumétricos, a imagem é o mais realista e visualmente eficaz possível.
Artistas profissionais costumam usar restos domésticos e lixo para criar suas próprias obras de arte originais. Nas mãos do mestre, um grande número de objetos dispersos do cotidiano torna-se uma composição artística repleta de conteúdo estético profundo.
Hoje, as obras criadas com a técnica de assemblage invariavelmente atraem a atenção dos apreciadores da arte contemporânea. Eles muitas vezes causam acirrada controvérsia entre os críticos, mas não deixam ninguém indiferente e, portanto, dão uma grande contribuição para o desenvolvimento da cultura mundial.
Fluxus
Fluxus era um grupo de artistas vagamente organizado que se espalhava pelo mundo, mas tinha uma presença particularmente forte na cidade de Nova York. George Maciunas é historicamente considerado o principal fundador e organizador do movimento, que descreveu o Fluxus como uma fusão de Spike Jones, Vaudeville, Cage e Duchamp.
Como os futuristas e dadaístas antes deles, os artistas Fluxus desaprovavam a autoridade dos museus de arte para determinar o valor da arte. Eles também sugeriram que não é necessário ter uma educação especial para ver e entender uma obra de arte.
A Fluxus não queria apenas que a arte estivesse disponível para as massas, eles queriam que todos criassem arte o tempo todo. Muitas vezes é difícil definir o Fluxus, pois muitos de seus próprios artistas afirmaram que o próprio ato de definir o movimento já é muito limitante e redutor.
Ao contrário dos movimentos artísticos anteriores, o Fluxus tentou mudar a história mundial, não apenas a história da arte. O objetivo tenaz da maioria dos artistas tem sido erradicar qualquer fronteira entre arte e sociedade.
Um princípio central do Fluxus era descartar e ridicularizar o mundo da elite da "alta arte" e encontrar todas as maneiras possíveis de levar arte às massas, de acordo com o clima social da década de 1960. Os artistas do Fluxus usavam o humor para expressar sua intenção e , junto com Dada, o Fluxus foi um dos poucos movimentos artísticos que conseguiu andar na corda bamba.
Apesar de seu comportamento brincalhão, os artistas do Fluxus levavam a sério seu desejo de mudar o equilíbrio de poder no mundo da arte. Seu desrespeito pela alta arte teve um impacto na autoridade percebida do museu como a autoridade sobre quem e o que considerar artistas.
Fluxus engajou o espectador e contou com o elemento do acaso para moldar o resultado final da obra. O uso do acaso também foi utilizado por Dada, Marcel Duchamp e outros artistas performáticos da época. Os artistas da Fluxus foram fortemente influenciados pelas ideias de John Cage, que acreditava que se deve abordar uma peça sem ter ideia do resultado final. O que importava era o processo de criação, não o produto final.
videoarte
O vídeo é uma das mídias mais versáteis disponíveis. Um filme de vídeo pode ser a própria obra de arte e/ou um registro de como a obra de arte foi feita; também pode ser um elemento em uma instalação e/ou parte de um arranjo de vídeo múltiplo. O vídeo torna a arte mais dinâmica e animada. Desde o final da década de 1980, tanto o vídeo quanto a animação contam com o uso de software de computador para manipular imagens.
fotorrealismo
O fotorrealismo é um gênero de pintura que surgiu no final dos anos 1960 em resposta à crescente popularidade da abstração. Desde então, as pinturas fotorrealistas com sua enorme atenção aos detalhes forneceram ilusões de ótica que só podem ser verificadas de perto como imagens pintadas do original fotográfico.
Em vez de observar e representar o que estava acontecendo na realidade, o fotorrealismo foi inspirado na fotografia. A informação visual capturada por uma câmera é usada para criar pinturas ilusionistas, desenhos e outras obras de arte. Os artistas geralmente projetam fotos na tela para que as imagens possam ser renderizadas com precisão e detalhes.
Povera Art
Arte Povera (da expressão italiana para "arte pobre" ou "arte empobrecida") foi um dos movimentos de arte de vanguarda mais importantes e proeminentes a surgir no sul da Europa no final dos anos XNUMX.
Isso incluiu o trabalho de uma dúzia de artistas italianos cuja principal característica criativa foi o uso de materiais cotidianos que lembram uma era pré-industrial. Sujeira, pedras e roupas eram particularmente populares: "lixo" ou materiais baratos que eles usavam para sua arte. Essa abordagem da arte atacou as noções predominantes de valor e correção e criticou sutilmente a industrialização e mecanização do sul da Europa na época.
Seu trabalho marcou uma reação à pintura abstrata do modernismo que havia controlado a arte européia na década anterior, da qual se distinguiu por se concentrar mais no trabalho escultórico do que na pintura.
Algumas das obras mais significativas do grupo foram criadas a partir do contraste entre matérias-primas e referências simultâneas à ascensão da cultura de consumo. Convencida de que a modernidade ameaçava erradicar o patrimônio coletivo, a Arte Povera tentou contrastar o novo com o antigo.
Além de rejeitar a disputa tecnológica, os artistas associados à Arte Povera rejeitaram o que percebiam como realismo científico. Contrariamente a uma abordagem metódica das relações espaciais, evocavam um mito cujos segredos não eram fáceis de explicar.
Os artistas apresentavam justaposições absurdas e lúdicas, muitas vezes do novo e do velho ou do altamente processado e do pré-industrial. Ao fazer isso, eles ilustraram alguns dos efeitos da modernização que está contribuindo para a destruição de lugares e memórias à medida que avança cada vez mais no futuro.
O interesse da Arte Povera por materiais pobres pode estar ligado a vários outros movimentos artísticos das décadas de 1950 e 1960. Por exemplo, eles compartilharam algumas técnicas com movimentos como Fluxus e Nouveau Réalisme em sua combinação de materiais prontamente disponíveis com um rebaixo. função.
pós-minimalismo
Na arte pós-minimalista, termo usado pela primeira vez pelo crítico de arte Robert Pincus Witten, o foco muda da pureza da ideia para sua comunicação. Como exemplo, você pode ver as obras da artista alemã-americana Eva Hesse.
arte feminista
Um movimento artístico que trata especificamente de questões femininas como nascimento, violência contra a mulher, condições de trabalho das mulheres e muito mais. Os artistas participantes incluem Louise Bourgeois e a artista performática japonesa Yoko Ono.
desconstrutivismo
O desconstrutivismo é uma das formas de arte visualmente mais impressionantes já concebidas. Seu estilo peculiar, mas intensamente criativo, da arquitetura do século 80 surgiu no final dos anos XNUMX, principalmente em Los Angeles, mas também na Europa.
Como parte da arte pós-moderna possibilitada pelo uso de software de design da indústria aeroespacial, a arquitetura desconstrutivista contrasta com a racionalidade ordenada da geometria e favorece uma abordagem alienígena ao design que normalmente distorce o exterior de uma estrutura enquanto prejudica os elementos. valores da modernidade .
Alguns historiadores acreditam que a filosofia desconstrutivista também se opõe à arte pós-moderna, embora as consequências práticas disso não sejam claras. Afinal, um arquiteto desconstrutivista deve seguir as leis modernas e pós-modernas da ciência, goste ou não.
O representante mais famoso da arquitetura desconstrutivista é o vencedor do Prêmio Pritzker canadense-americano Frank O. Gehry. Outros desconstrutivistas conhecidos incluem Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi e Peter Eisenman. Edifícios desconstrutivistas extraordinários incluem: Dancing House (Praga), Guggenheim Museum (Bilbao) e o Vitra Design Museum em Weil am Rhein.
A arquitetura desconstrutivista é caracterizada pela manipulação da superfície, fragmentação e formas não lineares que distorcem e anulam as convenções arquitetônicas de estrutura e superfície. Ao fazer isso, elementos que parecem se contradizer são deliberadamente contrastados para desafiar as ideias tradicionais de harmonia e continuidade.
realismo cínico
Movimento de arte chinesa contemporânea que surgiu após a derrota da Praça Tiananmen (1989). Os realistas cínicos usavam um estilo de pintura figurativa com uma narrativa zombeteira. Os motivos recorrentes são figuras, homens calvos e retratos fotográficos. O estilo zombou do status político e social da China e, como este era um novo amanhecer para os artistas chineses, foi bem recebido pelos colecionadores de arte ocidentais.
Literatura e cinema pós-moderno
As características da literatura pós-moderna incluem um tratamento cuidadoso do que está disponível na forma de citações e alusões e um jogo com gêneros literários. Também é característica a construção de inúmeros níveis de ação e relações, muitas vezes rompidos.
Provavelmente o romance pós-moderno mais conhecido é O nome da rosa, de Umberto Eco. Com uma estrutura literária muito complexa à maneira de um romance policial, Eco conseguiu fazer a ponte entre a chamada alta cultura e a cultura de massa. Citações e referências históricas, literárias e de arte fazem do livro um romance educativo ou mesmo um concurso literário. Mas mesmo aqueles que não estão interessados nele podem apreciar o trabalho de Eco como um thriller emocionante.
Da mesma forma, Peter Greenaway combinou o gênero de filme histórico com o thriller em seu filme de 1982 The Cartoonist's Contract, mas ao contrário de Echo, não resolve o enigma. Embora o enredo forneça inúmeras pistas clássicas, todas elas não levam a lugar algum.
Artes visuais
O uso do termo pós-moderno é rejeitado por muitos teóricos e artistas, principalmente no campo das artes visuais, dado o amplo espectro de formas de expressão. A rejeição da crença modernista na inovação é também um dos fundamentos da estética pós-moderna nas belas artes. O pós-modernismo está ligado a categorias históricas da arte que foram rejeitadas pela modernidade, como narrativas e estruturas mitológicas.
Isso já começa com as representações de Andy Warhol de ícones do século 1950, de Elvis a Jackie Onassis. A arte pop também marcou a ruptura com a modernidade na década de XNUMX ao dizer adeus à abstração. Na década de XNUMX, as artes visuais, assim como a arquitetura da época, enfatizavam a importância dos aspectos sensuais, emocionais e tradicionais sobre a teoria e o conceito.
Na década de XNUMX, o coletivo New Wild (Neue Wilden) quebrou o domínio da vanguarda minimalista e conceitualmente trabalhadora com sua pintura expressiva e representativa. Houve tendências semelhantes nos Estados Unidos e na Itália.
Depois que o turbilhão se instalou em torno dos Novos Selvagens, tomaram conta das tendências que se concentraram na reflexão sobre o meio da pintura e na experimentação sensual com meios pictóricos (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), na pintura representacional a predominância do trabalho minimalista e conceitual vanguardista. garde. Houve tendências semelhantes nos Estados Unidos e na Itália.
Característico da época são dois artistas cujo trabalho incorpora a estética da subcultura e da cultura de massa: Keith Haring e Jeff Koons. Haring conseguiu combinar elementos de grafite, histórias em quadrinhos, linguagem de sinais de computador, desenho infantil e pintura de história em uma linguagem de sinais altamente poética que é compreensível em muitas culturas. Jeff Koons fez seu nome no início dos anos 1990 com a banalidade provocativa de seus súditos.
O material usado geralmente é de alta qualidade, mas seu design de superfície evoca o mundo de bugigangas e kitsch, como a estatueta de porcelana em tamanho real parcialmente banhada a ouro de Michael Jackson com seu chimpanzé Bubbles.
A demanda da estética pós-moderna por pluralismo, subjetividade, um afastamento da abstração, a inclusão da mídia de massa, a indefinição das fronteiras de gênero e a aceitação da citação como meio artístico trouxe cor e movimento à paisagem, arte e museu.
O eventual reconhecimento da fotografia e do filme como meio artístico pode ser visto como um resultado duradouro das tendências pós-modernas. Destaque temporário: No verão de 2002, o Museum Ludwig em Colônia exibirá todos os cinco filmes do recém-concluído "Cremaster Cycle" de Matthew Barney como parte de uma grande exposição.
Arquitetura
Em meados da década de 1970, Charles Jencks introduziu o termo pós-modernismo no discurso arquitetônico. Desta forma, o discurso pós-moderno atingiu o grande público pela primeira vez. Os princípios de estilo da arquitetura pós-moderna já haviam emergido claramente neste ponto.
Exigia-se uma linguagem arquitetônica democrática e comunicativa, cuja estética não se baseasse apenas na função, mas também no conteúdo significativo. A inclusão de elementos ficcionais também foi solicitada, como o gótico, que viu uma imagem da Jerusalém celestial na catedral.
Ao mesmo tempo, a tendência de preservar e redesenhar edifícios históricos aumentou. O exemplo mais proeminente foi a Gare d'Orsay em Paris, inaugurada como Musée d'Orsay em 1986. Tais edifícios históricos influenciaram a linguagem da arquitetura pós-moderna, que desde o início foi fortemente determinada por citações.
Para evitar um novo historicismo, o lema era que o ecletismo, que se expressava, por exemplo, no uso de colunas, janelas e treliças, deveria ser ironicamente quebrado. O espectro da arquitetura pós-moderna desenvolveu-se particularmente no edifício do museu das décadas de XNUMX e XNUMX.
Além do Museu Abteiberg de Hans Hollein (Mönchengladbach), a State Gallery de James Stirling (Stuttgart) é considerada um produto bem-sucedido e característico do pós-modernismo. No design de Stirling, inúmeras alusões à arquitetura histórica, do Egito ao modernismo clássico, são fundidas com cores da cultura pop e materiais regionais típicos de arenito e travertino para criar uma forma coesa e contemporânea.
Nos últimos tempos, quando se trata de construção de museus, o caráter da experiência vem se destacando cada vez mais do que a exigência educacional.
Em vez de contemplar a arte meditativa, é necessária uma encenação, e a própria arquitetura é encenada com vistas deslumbrantes e efeitos teatrais. As primeiras visitas públicas acontecem cada vez mais antes das pinturas serem penduradas para que a arquitetura possa ser vivenciada.
O foco pós-moderno na cultura popular
Os críticos de arte costumam usar o termo "alta cultura" ao tentar distinguir a arte da pintura e escultura (e outras artes visuais) da cultura popular de revistas, televisão e outros produtos produzidos em massa. O modernismo e seus seguidores influentes como Greenberg (1909-94) viam essas formas de cultura como inferiores. Em contraste, os pós-modernistas, que preferem uma concepção mais democrática da arte, veem a "alta cultura" como mais elitista.
A pop art, o primeiro movimento pós-moderno, transformou bens de consumo comuns em arte. Artistas pop e outros foram ainda mais longe em suas tentativas de democratizar a arte, imprimindo sua "arte" em canecas, sacolas de papel e camisetas: um método que, aliás, exemplifica o desejo, a originalidade e a autenticidade pós-modernos.
Os artistas pós-modernos abandonaram a noção de que uma obra de arte tem apenas um significado inerente. Em vez disso, eles acreditam que o espectador é uma fonte de significado igualmente importante. A fotografia surreal de Cindy Sherman, por exemplo, reforça a ideia de que uma obra de arte pode ser interpretada de várias maneiras.
De fato, alguns artistas, como a artista performática Marina Abramovic, até permitem que os espectadores participem de sua arte, ou até mesmo exigem a participação do público para concluir seu trabalho.
Foco no espetáculo
Na ausência de um verdadeiro sentido na vida, especialmente quando somos submetidos a comerciais de rádio e televisão dia e noite, os artistas pós-modernos têm preferido limitar-se ao estilo e ao espetáculo, muitas vezes usando ferramentas e técnicas promocionais para obter maior impacto. Essa abordagem é exemplificada no processo de impressão comercial que usa imagens semelhantes a pôsteres de artistas pop como Roy Lichtenstein e James Rosenquist.
O foco na superfície é uma característica comum da arte pós-moderna e às vezes vem à tona com imagens teatrais, brilhantes e altamente impactantes. Desde 1980, o uso de computadores e outras tecnologias revolucionou a arte multimídia (por exemplo, animação) e criou possibilidades específicas em áreas como a arquitetura.
O quão importante é capturar a atenção do público no pós-modernismo é demonstrado pelas táticas de choque de um grupo de estudantes do Goldsmiths College, conhecidos como Young British Artists, em Londres no final dos anos XNUMX e XNUMX. Tornados famosos por três shows, os YBAs foram criticados por seu mau gosto, mas vários deles se tornaram vencedores do Turner Prize, enquanto outros alcançaram notoriedade e fortuna consideráveis.
Atenda às necessidades do consumidor
A ascensão do comportamento do consumidor e a cultura imediata do gozo nas últimas décadas do século XX também tiveram forte influência nas artes visuais. Os consumidores agora querem inovação. Eles também querem recreação e diversão. Muitos artistas pós-modernos, curadores e outros profissionais aproveitaram a oportunidade para transformar a arte em um produto de diversão.
A introdução de novas formas de arte, como performances, eventos e instalações, bem como novos temas, incluindo tubarões mortos, esculturas de gelo gigantes, muitos corpos nus, edifícios que parecem estar em movimento, uma coleção de trinta e cinco mil figuras de terracota, corpos pintados, projeções assustadoras em prédios públicos (e muito mais) - eles deram aos espectadores uma série de experiências novas, às vezes chocantes.
Se essas novas formas de arte são realmente "arte" continua sendo uma questão que causa muita discussão. Os conceitualistas pós-modernos sustentam que sim, enquanto os tradicionalistas se recusam a considerá-lo como tal.
Princípios da arte pós-moderna
Para os especialistas, a arte pós-moderna consiste em três princípios básicos que a governarão de maneira geral sem ser totalmente limitante:
significado imediato
Não há mais pinturas a óleo desbotadas retratando eventos de arrepiar os cabelos da mitologia grega para provocar um sorriso conhecedor do observador culto. Desde seus primórdios no movimento Pop Art, a pintura e a escultura pós-moderna têm sido ousadas, brilhantes e instantaneamente reconhecíveis.
Temas e imagens foram retirados principalmente de produtos de consumo de alto perfil, revistas, comerciais, televisão, filmes, desenhos animados e quadrinhos. Pela primeira vez, todos entenderam a arte em exibição. Embora o pós-modernismo tenha evoluído da arte pop, um objetivo principal do significado permanece imediatamente aparente.
A arte pode ser feita de qualquer coisa
Com base nas tradições de Marcel Duchamp, cujo mictório com o título Fonte (1917) foi o primeiro exemplo famoso de um objeto comum transformado em obra de arte (outro exemplo: A história do ready-made), os artistas pós-modernistas o fizeram seu negócio para criar arte a partir dos materiais e detritos mais incomuns. A ideia é democratizar a arte e torná-la mais acessível.
A ideia é mais importante que a arte em si
Até a década de 1960, os artistas geralmente acreditavam que sem um produto acabado não haveria nada. Foi dada grande atenção à qualidade da obra de arte acabada e ao artesanato necessário para isso. Hoje as coisas são diferentes.
Os pós-modernistas tendem a acreditar mais no conceito por trás do produto final do que no produto em si, razão pela qual grande parte da "arte pós-moderna" é chamada de "arte conceitual" ou "conceitualismo". Outras formas de conceitualismo incluem instalações, artes cênicas, happenings, arte de projeção e alguns outros.
Artistas pós-modernos notáveis
Como somos contemporâneos da arte pós-moderna, é difícil distinguir os nomes icônicos da época. Somente após um lapso de tempo será possível dizer quais artistas deixaram uma marca expressiva na história da pintura e cuja fama foi apenas uma homenagem à moda. Mas, como o pós-modernismo vem se desenvolvendo há mais de meio século, podemos citar alguns dos nomes já inscritos na história. Estes incluem, por exemplo:
- Dadaísta, surrealista e fundador do conceitualismo Marcel Duchamp
- Andy Warhol líder da arte pop
- O pioneiro da montagem César Baldaccini
- conceituado conceituado Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (nascido em 28 de julho de 1887 - falecido em 2 de outubro de 1968) foi um mestre da arte de vanguarda, conhecido por suas obras de arte extravagantes. A obra de Marcel Duchamp desafiava as tradições estabelecidas e foi repetidamente discutida na escandalosa crônica dos dois lados do oceano.
No início da carreira pintou quadros no estilo pós-impressionista, homenageando o cubismo e o fauvismo, mas depois desistiu da pintura e se interessou pela criação de instalações onde misturava técnicas e utilizava materiais de várias texturas. As ideias revolucionárias do artista tiveram grande impacto no desenvolvimento da arte conceitual no século XX.
Andy Warhol
Andy Warhol (nascido em 6 de agosto de 1928 - falecido em 22 de fevereiro de 1987) foi um artista e dono de galeria americano do século XNUMX. Ele fez uma grande contribuição para o desenvolvimento da arte pop comercial. Andy Warhol é legitimamente considerado o líder de uma tendência como o uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (nascido em 22 de outubro de 1925 - falecido em 12 de maio de 2008) o titã da arte americana do século XNUMX de acordo com o jornal The New York Times, foi um excelente artista e criador, representante do impressionismo abstrato, conceitualismo, ready made e fundador da arte pop.
As pinturas de Robert Rauschenberg são colagens e instalações, obeliscos, utensílios domésticos e outros objetos de difícil classificação. A obra do mestre, tal como a sua biografia, é chocante, surpreendente, repugnante e encantadora, mas não deixa ninguém indiferente. Bissexual impetuoso, farmacêutico frustrado, adversário de tudo o que é clássico e ordinário, lançava um desafio constante ao mundo ao seu redor e a si mesmo.
Remédios Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (nascido em 16 de dezembro de 1908 - falecido em 8 de outubro de 1963) é um artista espanhol e mexicano do século XX, um representante original do surrealismo. A obra de Remedios Varo vai além do quadro da pintura clássica: sonhos, reflexões filosóficas, magia, mecânica, história e ocultismo se entrelaçam nas obras do surrealista.
Ao mesmo tempo, as pinturas de Remedios Varo são enfaticamente líricas e femininas, carregadas de uma atmosfera medieval e remetem o espectador às origens do universo. As pinturas de Remedios Varo são povoadas por personagens extravagantes de contos de fadas, construções mecânicas e natureza. Ao contrário do surrealismo clássico, em cada uma das obras do artista é claramente traçado um enredo que leva o espectador a certas conclusões.
Francis Bacon
Francis Bacon (nascido em 28 de outubro de 1909 - falecido em 28 de abril de 1992) é um mestre do expressionismo britânico, um dos artistas mais ambíguos e brutais do século XX. A obra de Francis Bacon é reconhecida por ser impressionante: as mais aterrorizantes criações da fantasia humana ganham vida em suas pinturas.
Francis Bacon não recebeu educação acadêmica. Ao mesmo tempo, é incrivelmente procurado e popular. As pinturas do mestre são o sonho supremo tanto para as galerias particulares quanto para os museus mais famosos do mundo, que não são nada avessos a incluir sua obra na coleção. Algumas das obras-primas do artista valem dezenas de milhões de dólares e estão incluídas nas listas das obras de arte mais caras.