Como uma cultura milenar, o Japão mostrou sua arte por todos esses anos, aprenda conosco através deste interessante artigo, tudo sobre o milênio Arte japonês, desenvolvido ao longo do tempo em vários períodos e estilos. Não perca!
Arte japonesa
Quando falamos de arte japonesa estamos falando do que foi noticiado por essa civilização ao longo do tempo em várias fases e estilos, que foram se desenrolando temporariamente com o desenvolvimento social e cultural do povo japonês.
As variações que a arte vem sofrendo no Japão são consequências de seu desenvolvimento tecnológico, onde podemos perceber o uso da matéria-prima do país em suas expressões artísticas. Assim como a chamada arte ocidental, suas expressões mais emblemáticas foram influenciadas pela religião e pelo poder político.
Uma das principais características da arte japonesa é o seu ecletismo, vindo dos diferentes povos e culturas que chegaram às suas costas ao longo do tempo: os primeiros colonos que se estabeleceram no Japão -conhecidos como Ainu- pertenciam a um ramo do norte do Cáucaso e da Ásia Oriental, provavelmente chegou quando o Japão ainda estava ligado ao continente.
A origem desses colonos é incerta, e os historiadores consideram várias hipóteses, desde uma raça Ural-Altaica até uma possível origem indonésia ou mongol. Em todo caso, sua cultura parecia corresponder ao Paleolítico Superior ou Mesolítico.
Posteriormente, vários grupos da raça malaia do Sudeste Asiático ou das Ilhas do Pacífico chegaram às costas japonesas, bem como na Coréia e em várias partes da China, sendo gradualmente introduzidos do sul, deslocando os Ainu. norte do Japão, enquanto em uma onda posterior, vários grupos étnicos da China e da Coréia vieram para o Japão.
A essa mistura racial deve ser somada a influência de outras culturas: devido à sua insularidade, o Japão esteve isolado durante grande parte de sua história, mas em intervalos foi influenciado por civilizações continentais, especialmente China e Coréia, especialmente desde o século V.
Assim, a cultura ancestral japonesa que emergiu de sucessivos postos avançados de imigração acrescentou uma influência estrangeira, forjando uma arte eclética aberta à inovação e ao progresso estilístico.
Também é interessante notar que grande parte da arte produzida no Japão é de base religiosa: à religião xintoísta típica da região, formada por volta do século I, o budismo foi adicionado por volta do século V, forjando uma fusão religiosa que ainda perdura. também deixou seu reflexo na arte.
A arte japonesa é consequência dessas diferentes culturas e tradições, interpretando à sua maneira as formas de arte importadas de outros países, que realiza de acordo com sua concepção de vida e arte, realizando mudanças e simplificando suas características particulares.
Como los elaborados templos budistas chinos , que en Japón ha pasado por una metamorfosis al tener que abandonar ciertos elementos de su arte y unirlos con otros, esto expresa el carácter unión de este arte, por lo que siempre ha tomado naturalmente algo de otra cultura de outros países.
A arte japonesa tem na cultura japonesa um grande sentido de meditação e de inter-relação entre o homem e a natureza, representada também nos objetos que a cercam, dos mais ornamentados e enfáticos aos mais simples e cotidianos.
Isso é visível no valor dado às imperfeições, a natureza efêmera das coisas, o sentido humanitário que os japoneses estabelecem com seu ambiente. Tal como na cerimónia do chá, valorizam a calma e tranquilidade deste estado de contemplação que atingem com um ritual simples, baseado em componentes simples e na harmonia de um espaço assimétrico e inacabado.
Para eles, paz e equilíbrio estão associados ao aconchego e conforto, qualidades que, por sua vez, são um verdadeiro reflexo de seu conceito de beleza. Mesmo na hora das refeições, não é a quantidade de comida ou sua apresentação que importa, mas a percepção sensorial da comida e o significado estético que ela confere a qualquer ato.
Da mesma forma, os artistas e artesãos deste país têm um elevado grau de ligação com o seu trabalho, sentindo os materiais como parte essencial das suas vidas e da sua comunicação com o meio que os rodeia.
Fundamentos da arte japonesa
A arte japonesa, como o resto de sua filosofia -ou, simplesmente, sua maneira de ver a vida- está sujeita à intuição, falta de racionalidade, expressão emocional e simplicidade de ações e pensamentos. muitas vezes expressa simbolicamente.
Duas das características distintivas da arte japonesa são a simplicidade e a naturalidade: as expressões artísticas são um reflexo da natureza, por isso não requerem produção elaborada, tudo isso leva ao fato de que o que os artistas querem é que o que é delineado, sugerido, seja decifrado posteriormente pelo espectador.
Esta simplicidade provocou na pintura uma tendência ao desenho linear, sem perspectiva, com abundância de espaços vazios, mas que se integram harmoniosamente no todo. Na arquitetura, materializa-se em desenhos lineares, com planos assimétricos, numa combinação de elementos dinâmicos e estáticos.
Por sua vez, essa simplicidade na arte japonesa está ligada a uma simplicidade inata na relação entre arte e natureza, que faz parte de sua idiossincrasia, que se reflete em suas vidas, e a vivenciam com uma delicada sensação de melancolia, quase tristeza.
Como a passagem das estações dá-lhes uma sensação de fugacidade, onde se pode ver a evolução que existe na natureza devido à natureza efémera da vida. Esta simplicidade reflecte-se sobretudo na arquitectura, que se integra harmoniosamente na envolvente, como indica a utilização de materiais naturais, sem obras, mostrando o seu aspecto áspero e inacabado. No Japão, a natureza, a vida e a arte estão inextricavelmente ligadas, e a realização artística é um símbolo de todo o universo.
A arte japonesa busca alcançar a harmonia universal, indo além da matéria para encontrar o princípio gerador da vida. A ornamentação japonesa busca encontrar o sentido da vida através da arte: A beleza da arte japonesa é sinônimo de harmonia, criatividade; é um impulso poético, um caminho sensorial que leva à realização da obra, que não tem um fim em si mesma, mas vai além.
O que chamamos de beleza é uma categoria filosófica que nos remete à existência: ela reside em alcançar o sentido com o todo. Conforme expresso por Suzuki Daisetsu: “a beleza não está na forma externa, mas no sentido em que se expressa”.
A arte não começa com seu caráter sensível, mas com seus atributos sugestivos; Não precisa ser exato, mas mostrar um dom que leva à totalidade. Pretende captar o essencial através dessa parte, que sugere o todo: o vazio é um complemento ao japonês existente.
No pensamento oriental, há uma unidade entre matéria e espírito, que prevalece na contemplação e comunhão com a natureza, pela adesão interior, da intuição. A arte japonesa (gei) tem um significado mais transcendente, mais intangível do que o conceito de arte aplicada no Ocidente: é qualquer manifestação da mente, entendida como energia vital, como a essência que dá vida ao nosso corpo que de fato se desenvolve e evolui, realizando uma unidade entre corpo, mente e espírito.
O sentido da arte japonesa desenvolveu-se ao longo do tempo: desde os seus primórdios, onde existiam os primeiros vestígios de arte e beleza, remontam aos tempos antigos, quando os princípios criativos da cultura japonesa foram forjados e expressos nas obras mais importantes da literatura. do país:
Kojiki, Nihonshoki e Man 'yōshū, os acima são publicações, os dois primeiros são sobre as primeiras obras da história do Japão e o último é sobre poemas escritos durante o primeiro milênio, para então o pensamento Sayashi prevaleceu ("puro, claro, fresco"), aludindo a um tipo de beleza caracterizado pela simplicidade, frescura, uma certa ingenuidade que vem com o uso de materiais leves e naturais como o Haniwa Figure Land ou a madeira na arquitetura.
Podemos classificar o Santuário de Ise como a melhor representação deste estilo, feito de madeira de cipreste, que foi renovado a cada vinte anos desde o século VIII para manter sua franqueza e frescor. Desta noção surge uma das constantes da arte japonesa: o valor atribuído à beleza efêmera, efêmera, efêmera que se desenvolve ao longo do tempo.
Em Man 'yōshū, sayakeshi se manifesta nos afetos de ser fiel e provado, bem como na descrição de como os componentes, como o céu e o mar, deram a ele uma sensação de grandeza que oprime o homem.
Sayakeshi está relacionado ao conceito de Naru ("devir"), no qual o tempo é valorizado como uma energia vital que converge no devir, na culminância de todas as ações e de todas as vidas.
Situando-nos nos períodos Nara e Heian, o aspecto artístico da arte evoluiu rapidamente graças ao primeiro contato com a cultura chinesa, bem como a chegada do budismo. O conceito principal dessa época era a consciência, um sentimento emocional que subjuga o espectador e leva a um profundo sentimento de empatia ou piedade.
Relaciona-se com outros termos como okashi, aquele que atrai com sua alegria e caráter agradável; omoshiroi, propriedade das coisas radiantes, que atraem a atenção por seu brilho e clareza; o yūbi, conceito de graça, de elegância; o yūga, uma qualidade de refinamento em beleza; o en, a atração do encanto; o rei, a beleza da calma; yasashi, a beleza da discrição; e o ushin, o sentido profundo do artístico.
A história de Genji de Murasaki Shikibu, que incorporou um novo conceito estético chamado mono-no-awareness -um termo introduzido por Motōri Norinaga-, que transmite uma sensação de melancolia, tristeza contemplativa derivada da transitoriedade das coisas, beleza fugaz que dura um momento e permanece na memória.
Mas sobretudo é um sentimento de delicada melancolia que pode levar a uma profunda tristeza ao sentir profundamente a beleza exalada de todos os seres da natureza.
Essa filosofia da "busca ideal" da beleza, de um estado meditativo onde o pensamento e o mundo dos sentidos se encontram, é característica da delicadeza inata japonesa para a beleza, e é evidente no festival Hanami, a celebração da cerejeira em Flor.
Na Idade Média japonesa, nos períodos Kamakura, Muromachi e Momoyama, onde a característica era a dominação militar em toda a sociedade feudal do país, surgiu o conceito de dō ("caminho"), que gerou um desenvolvimento da arte para a época. , é mostrado na prática cerimonial de ritos sociais, como evidenciado por shodō (caligrafia), chadō (cerimônia do chá), kadō ou ikebana (a arte de arranjos florais) e kōdō (cerimônia do incenso).
As práticas não importam o resultado, mas sim o processo evolutivo, a evolução no tempo - novamente o naru -, bem como o talento demonstrado na perfeita execução dos ritos, o que denota habilidade, bem como um compromisso espiritual na busca da perfeição.
Uma variante do budismo chamada Zen, que enfatiza certas "regras de vida" baseadas na meditação, onde a pessoa perde a autoconsciência, teve influência decisiva nesses novos conceitos. Assim, todo trabalho cotidiano transcende sua essência material para significar uma manifestação espiritual, que se reflete no movimento e na passagem ritual do tempo.
Este conceito também se reflete na jardinagem, que atinge tal grau de importância onde o jardim é uma visão do cosmos, com um grande vazio (mar) que se enche de objetos (ilhas), encarnados na areia e nas rochas. , e onde a vegetação evoca a passagem do tempo.
A ambivalência zen entre a simplicidade e a profundidade de uma vida transcendente imbui um espírito de "simples elegância" (wabi) não apenas na arte, mas também no comportamento, nas relações sociais e nos aspectos mais cotidianos da vida. . Mestre Sesshū disse que "Zen e arte são um".
Este Zen se apresenta em sete fatos ornamentais: fukinsei, uma forma de negar a otimização para alcançar o equilíbrio presente na natureza; kanso , tire o que sobrou e o que você tirar fará você descobrir a simplicidade da natureza.
Kokō (dignidade solitária), uma qualidade que pessoas e objetos adquirem com o tempo e lhes confere maior pureza de sua essência; shizen (naturalidade), que está ligada à sinceridade, o natural é genuíno e incorruptível; yūgen (profundidade), a verdadeira essência das coisas, que vai além de sua simples materialidade, de sua aparência superficial.
Datsuzoku (desapego), liberdade na prática das artes, cuja missão é libertar a mente, não controlá-la – assim, a arte dispensa todo tipo de parâmetros e regras -; seiyaku (serenidade interior), em situação de quietude, calma, necessária para que os seis princípios anteriores fluam.
É especialmente a cerimônia do chá, onde o conceito japonês de arte e beleza é magistralmente sintetizado, criando uma autêntica religião estética: o "teísmo". Esta cerimônia representa o culto da beleza em oposição à vulgaridade da existência cotidiana. Sua filosofia, tanto ética quanto estética, expressa a concepção integral do homem com a natureza.
Sua simplicidade conecta as pequenas coisas com a ordem cósmica: a vida é uma expressão e as ações sempre refletem um pensamento. O temporal é igual ao espiritual, o pequeno é o grande. Esse conceito também se encontra na sala de chá (sukiya), uma construção efêmera produto de um impulso poético, desprovido de ornamentação, onde o imperfeito é venerado, e sempre deixa algo inacabado, que completará a imaginação.
A falta de simetria é característica, devido ao pensamento Zen de que a busca da perfeição é mais importante do que ele próprio. A beleza só pode ser descoberta por quem completa com seu raciocínio o que está faltando.
Finalmente, na era moderna -que começou com o período Edo-, embora as ideias anteriores persistam, são introduzidas novas classes artísticas, que estão ligadas ao surgimento de outras ordens sociais que surgem à medida que o Japão se moderniza: sui é uma certa iguaria espiritual, encontrada principalmente na literatura de Osaka.
O pensamento iki é uma graça digna e direta, particularmente presente no kabuki; O karumi é um conceito que defende a leveza como algo primordial, sob o qual se obtém a “profundidade” das coisas, refletida em particular na poesia do haicai, onde Shiori é uma beleza nostálgica.
"Nada dura, nada é completo e nada é perfeito." Estas seriam as três chaves em que se baseia o «Wabi sabi», expressão japonesa (ou uma espécie de visão estética) que remete para a beleza do imperfeito, do incompleto e do mutável, embora se refira também no beleza do modesto e humilde, do não convencional. A filosofia do "wabi sabi" é aproveitar o presente e encontrar paz e harmonia na natureza e nas pequenas coisas, e aceitar pacificamente o ciclo natural de crescimento e declínio.
Subjacente a todos esses elementos está a ideia de arte como processo criativo e não como realização material. Okakura Kakuzō escreveu que "apenas artistas que acreditam na deformação inata de sua alma são capazes de gerar beleza real".
Periodização da arte japonesa
Neste artigo, usaremos uma segmentação em grandes períodos em termos de mudanças artísticas notáveis e movimentos políticos. A seleção geralmente varia de acordo com os critérios do autor, e muitos deles também podem ser subdivididos. No entanto, também existem diferenças quanto ao início e fim de alguns desses períodos. Tomaremos a feita pelo arqueólogo Charles T. Kelly, que é a seguinte:
A arte japonesa nas artes plásticas
Durante os períodos Mesolítico e Neolítico, manteve-se isolada do continente, pelo que toda a sua produção era própria, embora de pouca importância. Eram sociedades semi-sedentárias, vivendo em pequenas aldeias com casas cavadas no solo, obtendo seus recursos alimentares principalmente da floresta (veados, javalis, nozes) e do mar (peixes, crustáceos, mamíferos marinhos).
Essas sociedades tinham uma elaborada organização de trabalho e se preocupavam com a medição do tempo, como evidenciado por vários restos de arranjos circulares de pedra em Oyu e Komakino, que funcionavam como relógios de sol. Eles aparentemente tinham unidades de medida padronizadas, como evidenciado por vários edifícios construídos para determinados modelos.
Em alguns locais correspondentes a este período foram encontrados artefatos de pedra e osso polido, cerâmicas e figuras antropomórficas. Deve-se notar que a cerâmica Jomon é a mais antiga cerâmica feita pelo homem: os primeiros vestígios de cerâmica rudimentar datam de 11.000 aC, em pequenos utensílios artesanais com lados polidos e grandes interiores. , com sentido funcional e decoração austera.
Esses restos correspondem a um período chamado "prejōmon" (11000-7500 aC), seguido pelo Jōmon "arcaico" ou "início" (7500-2500 aC), onde são feitas as cerâmicas Jōmon mais típicas, feitas à mão e decoradas. com incisões ou vestígios de corda, sobre a base de uma espécie de vasos profundos em forma de jarro. A decoração básica consistia em gravuras feitas com cordas de fibras vegetais, que eram prensadas na cerâmica antes de cozinhá-la.
Em várias áreas essas incisões atingiram um alto grau de elaboração, com bordas perfeitamente cinzeladas, desenhando uma série de linhas abstratas muito intrincadas. Em raras ocasiões, foram encontrados restos de cenas figurativas, geralmente desenhos antropomórficos e zoomórficos (rãs, cobras), destacando uma cena de caça presente em um vaso encontrado em Hirakubo, ao norte de Honshū.
Finalmente, em "Late Jōmon" (2500-400 aC), os vasos voltaram a uma forma mais natural e menos elaborada, com tigelas e vasos de fundo redondo, ânforas de pescoço estreito e tigelas com alças, muitas vezes com varetas. ou base elevada. Os marcos de cerâmica Jōmon são: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo e Okinohara na Ilha de Honshu; Sobata na ilha de Kyūshū; e Hamanasuno e Tokoro na ilha de Hokkaido.
Além dos vasos, várias figuras em forma humana ou animal foram feitas em cerâmica, feitas em várias partes, de modo que poucos restos de peças inteiras foram encontrados. Aqueles em forma antropomórfica podem ter atributos masculinos ou femininos, e alguns dos signos andróginos também foram encontrados.
Alguns têm barrigas inchadas, então podem ter sido associados à adoração da fertilidade. Vale a pena notar a precisão dos detalhes que algumas figuras mostram, como os penteados cuidadosos, tatuagens e vestidos decorativos.
Parece que nestas sociedades o adorno do corpo era muito significativo, principalmente nas orelhas, com brincos de cerâmica de várias manufaturas, adornados com corantes avermelhados. Em Chiamigaito (Ilha de Honshū) foram encontrados mais de 1000 destes ornamentos, sugerindo uma oficina local para a elaboração destes produtos.
Várias máscaras também datam desse período, denotando um trabalho individualizado nos rostos. Da mesma forma, diferentes tipos de contas de jadeíta verde foram feitas e eles estavam familiarizados com o trabalho de laca, como evidenciado por vários prendedores encontrados em Torihama. Restos de espadas, ossos ou chifres de marfim também foram encontrados.
Período Yayoi (500 AC-300 DC)
Esse período significou o estabelecimento definitivo da sociedade agrária, o que provocou o desmatamento de grandes extensões do território.
Essa transformação levou a uma evolução da sociedade japonesa nos campos tecnológico, cultural e social, com maior estratificação social e especialização do trabalho, e provocou o aumento dos conflitos armados.
O arquipélago japonês era pontilhado de pequenos estados formados em torno de clãs (uji), entre os quais predominavam os Yamato, que deram origem à família imperial. Então apareceu o xintoísmo, uma religião mitológica que derrubou o imperador de Amaterasu, a deusa do sol.
Esta religião promoveu o verdadeiro sentido de pureza e frescor da arte japonesa, com preferência por materiais puros e sem decoração, com sentido de integração com a natureza (kami ou superconsciência). A partir do século XNUMX aC. C. começou a introduzir a civilização continental, devido às relações com a China e a Coréia.
A cultura Yayoi apareceu na ilha de Kyūshū por volta de 400-300 aC. C., e mudou-se para Honshū, onde gradualmente substituiu a cultura Jōmon. Durante este período, foi ampliada uma espécie de grande sepultura com uma câmara e um montículo decorado com cilindros de terracota com figuras humanas e animais.
As aldeias foram cercadas por valas, e surgiram vários implementos agrícolas (incluindo uma ferramenta de pedra em forma de crescente usada para colheita), bem como várias armas, como arcos e flechas com pontas de pedra polida.
Na Olaria foram produzidos especialmente os seguintes objetos: Jarras, Vasos, Pratos, Copos e Garrafas com algumas particularidades. Possuíam uma superfície polida, com uma decoração simples, principalmente incisões, flâmulas pontilhadas e em ziguezague, o objeto mais utilizado era um vidro cujo nome era Tsubo.
Destacou o trabalho com metais, principalmente o bronze, como os chamados sinos dotaku, que serviam como objetos cerimoniais, decorados com espirais (ryusui) em forma de água corrente, ou animais em relevo (principalmente veados, pássaros, insetos e anfíbios), além de cenas de caça, pesca e trabalhos agrícolas, principalmente os relacionados ao arroz.
O veado parece ter tido um significado especial, talvez ligado a uma certa divindade: em muitos lugares foi encontrada uma infinidade de omoplatas de veado com incisões ou marcas feitas com fogo, o que se diz estar ligado a um tipo de ritual.
Outros itens decorativos encontrados em locais de Yayoi incluem: espelhos, espadas, várias contas e magatama (pedaços de jade e ágata em forma de caju, que serviam como gemas de fertilidade).
Período Kofun (300-552)
Essa época marcou a consolidação do Estado Imperial Central, que controlava recursos importantes, como ferro e ouro. A arquitetura desenvolveu-se preferencialmente no cemitério, com túmulos típicos de câmara e passagem chamados kofun ("túmulo antigo"), sobre os quais foram erguidos grandes montes de terra.
São marcantes os sepultamentos dos imperadores Ōjin (346-395) e Nintoku (395-427), onde foi encontrada uma grande variedade de objetos, entre os quais havia; jóias, figuras feitas de vários materiais, especialmente figuras de terracota.
Estas estatuetas tinham cerca de sessenta centímetros de altura, praticamente inexpressivas, apenas algumas fendas nos olhos e na boca, embora sejam um exemplo muito relevante da arte desta época.
De acordo com suas roupas e utensílios, vários ofícios se destacam nesses personagens, como fazendeiros, milicianos, monges, mulheres provincianas, menestréis, etc.
No final deste período, surgiram também figuras de animais, incluindo veados, cães, cavalos, javalis, gatos, galinhas, ovelhas e peixes, denotando a importância do assentamento militar da época, cujas características estilísticas estão ligadas à cultura Silla . da Coréia, além de um tipo de cerâmica chamada Sueki, que é escura e muito fina, com acessórios tilintantes.
A diferenciação social levou ao isolamento das classes dominantes em bairros exclusivos das cidades, como Yoshinogari, para acabarem permanentemente segregados em bairros isolados como Mitsudera ou os complexos palacianos de Kansai, Ikaruga e Asuka-Itabuki.
Quanto à arquitetura religiosa, os primeiros templos xintoístas (jinja) eram feitos de madeira, sobre uma base elevada e paredes expostas ou divisórias deslizantes, com bases que sustentavam o telhado inclinado.
Um de seus componentes característicos é o torii, um arco de entrada que marca a entrada de um lugar sagrado. Observe o Santuário de Ise, que foi reconstruído a cada vinte anos desde o século VIII.
O edifício principal (Shoden) tem piso elevado e telhado de duas águas, com nove bases, ao qual se acede por uma escada externa. É no estilo shinmei zukuri, que reflete o estilo xintoísta tardio, antes da chegada do budismo ao Japão.
Outro templo mítico de origem incerta é o Izumo Taisha, perto de Matsue, um templo lendário fundado por Amaterasu. É no estilo taisha zukuri, é considerado o mais antigo entre os santuários, a principal atração é a elevação do edifício sobre pilastras, com escadaria como acesso principal, e acabamentos simples em madeira sem pintura.
De acordo com os manuscritos encontrados, o santuário original tinha 50 metros de altura, mas devido a um incêndio foi reconstruído com 25 metros de altura. Os edifícios eram Honden ("santuário interno") e Hayden ("santuário externo"). Kinpusen-ji, o principal templo do shugendō, uma religião ascética que combina o xintoísmo, o budismo e as crenças animistas, também pertence a esse período.
Neste período encontramos as primeiras amostras de pintura, como no Funeral Real de Ōtsuka e nos túmulos em forma de dólmen de Kyūshū (séculos V-VI), decorados com cenas de presas presas, batalhas, corcéis, pássaros e navios, ou com espirais e círculos concêntricos.
Eram pinturas de parede, feitas de vermelho hematita, negro de fumo, ocre amarelo, caulim branco e verde clorito. Um dos desenhos característicos desse período é o chamado chokomon, formado por linhas retas e arcos desenhados em diagonais ou cruzes, e presentes nas paredes de túmulos, sarcófagos, estátuas Haniwa e espelhos de bronze.
Período Asuka (552-710)
Yamato concebeu um reino centralizado no modelo chinês, consubstanciado nas leis de Shōtoku-Taishi (604) e Taika de 646. A introdução do budismo produziu um grande impacto artístico e estético no Japão, com grande influência da arte chinesa.
Depois veio o reinado do príncipe Shotoku (573-621), que favoreceu o budismo e a cultura em geral, e foi frutífero para a arte. A arquitectura estava representada nos templos e mosteiros, tendo-se perdido na sua maioria, assumindo a substituição de linhas simples xintoístas pela magnificência vinda do continente.
Como o edifício mais destacado deste período, devemos citar o templo de Hōryū-ji (607), representante do estilo Kudara (Paekche na Coréia). Foi feito no terreno do templo Wakakusadera, erguido por Shōtoku e queimado por seus oponentes em 670.
Construído com planimetria axial, é composto por um conjunto de edifícios onde se localizam o pagode (Tō), o Yumedono ("salão dos sonhos") e o Kondō ("salão dourado"). É em estilo chinês, usando pela primeira vez um telhado de telha cerâmica.
Uma das características deste exemplar extraordinário é o Santuário de Itsukushima (593), feito sobre a água, em Seto, onde se destacam o Gojūnotō, o Tahōtō e vários honden. Devido à sua beleza foi nomeado Património Mundial em 1996 pela ONU.
A escultura com tema budista era feita de madeira ou bronze: as primeiras figuras de Buda foram importadas do continente, mas depois um grande número de artistas chineses e coreanos se estabeleceram no Japão.
A imagem de Kannon, o nome japonês do bodhisattva Avalokiteśvara (chamado Guan Yin em chinês), proliferou sob o nome de Bodhisattva Kannon, obra do Tori coreano; o Kannon localizado no templo Yumedono de Hōryū-ji; e Kannon de Kudara (século VI), de um artista desconhecido. Outra obra importante é a Tríade de Sâkyamuni (623), em bronze, de Tori Busshi instalada no templo de Hōryū-ji.
Em geral, eram obras de estilo severo, angular e arcaico, inspiradas no estilo coreano Koguryŏ, como se vê na obra de Shiba Tori, que marcou o "estilo oficial" do período Asuka: o Grande Buda Asuka (templo Hoko - ji, 606), Buda Yakushi (607), Kannon Guze (621), Tríade Shaka (623).
Outro artista que seguiu este estilo foi Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autor de The Four Celestial Guardians (shitenno) do Golden Hall of Hōryū-ji (645), que apesar do estilo muito antigo apresenta uma evolução volumétrica mais arredondada, com mais rostos expressivos.
A pintura influenciada por motivos chineses, feita em tinta ou corantes minerais usados em seda ou papel, em rolos de pergaminho ou pendurados na parede. Denota um grande sentido de desenho, com obras de grande originalidade, como o relicário Tamamushi (Hōryū-ji), em madeira de cânfora e cipreste, com bandas de filigrana de bronze, representando várias cenas a óleo sobre madeira lacada, numa técnica denominada mitsuda -i da Pérsia e relacionado com a pintura chinesa da dinastia Wei.
Na base do relicário está um jataka (relato das vidas passadas do Buda), mostrando o príncipe Mahasattva consagrando sua própria carne a uma tigresa faminta. Nessa época, a caligrafia começou a ganhar destaque, recebendo o mesmo nível artístico das imagens figurativas.
Tapeçarias de seda também foram notadas, como a Mandala Tenkoku feita para Shōtoku (622). As cerâmicas, podendo ser esmaltadas ou não, tiveram pouca produção local, sendo as importações chinesas mais valorizadas.
Período Nara (710-794)
Durante este período, a capital foi estabelecida em Nara (710), a primeira capital fixa do mikado. Nessa época, a arte budista estava no auge, continuando a influência chinesa com grande intensidade: os japoneses viam na arte chinesa uma harmonia e perfeição semelhantes ao gosto europeu pela arte greco-romana clássica.
Os poucos exemplos de arquitetura do período são edifícios monumentais, como o East Yakushi-ji Pagoda, os templos Tōshōdai-ji, Tōdai-ji e Kōfuku-ji, e o Shōso-in Imperial Storehouse em Nara, que preserva muitos objetos da arte da época do imperador Shōmu (724-749), com obras da China, Pérsia e Ásia Central. A cidade de Nara foi construída de acordo com um layout de grade, modelado após Chang'an, a capital da dinastia Tang.
O palácio imperial recebeu a mesma importância que o mosteiro principal, Tōdai-ji (745-752), construído de acordo com um plano simétrico em um grande recinto com pagodes duplos e apresentando o Daibutsuden, o "grande salão do Buda". «. com uma grande estátua de bronze de 15 metros do Buda Vairocana (Dainichi em japonês), doada pelo imperador Shōmu em 743. Reconstruído em 1700, o Daibutsuden é o maior edifício de madeira do mundo.
Outro templo importante é Hokkedō, que possui outra estátua magnífica, Kannon Fukukenjaku, um bodhisattva lacado de oito braços com quatro metros de altura. influência alta e Tang, perceptível na serenidade e placidez dos traços faciais.
Em contraste, o East Yakushi-ji Pagoda foi uma tentativa dos arquitetos japoneses de encontrar seu próprio estilo, afastando-se da influência chinesa. Destaca-se pela verticalidade, com capas alternadas de diferentes tamanhos, o que lhe confere a aparência de um signo caligráfico.
Em sua estrutura, destacam-se os beirais e varandas, formados por barras de madeira entrelaçadas, nas cores branca e marrom. No seu interior está a imagem do Yakushi Nyorai ("Buda da Medicina"). Está listado como Patrimônio Mundial sob o nome de Monumentos Históricos da Antiga Nara.
O Tōshōdai-ji (759) teve o mesmo grau de assimilação nacional, mostrando um claro contraste entre o Kondō ("salão dourado"), com sua solidez, simetria e verticalidade de influência chinesa, e o Kodō ("sala de palestras") . ”), de maior simplicidade e horizontalidade que denotam a tradição indígena.
Outro expositor foi o Kiyomizu-dera (778), cujo edifício principal se destaca por sua enorme grade, sustentada por centenas de pilares, que se destaca na colina e oferece vistas impressionantes da cidade de Kyoto. Este templo foi um dos candidatos à lista das Novas Sete Maravilhas do Mundo, embora não tenha sido escolhido.
Por sua vez, Rinnō-ji é famoso pelo Sanbutsudō, onde existem três estátuas de Amida, Senjūkannon e Batōkannon. Como santuário xintoísta, destaca-se o Fushimi Inari-taisha (711), dedicado ao espírito de Inari, particularmente nomeado pelos milhares de toriis vermelhos que marcam o caminho ao longo da colina em que o santuário fica.
A representação do Buda alcançou grande desenvolvimento na escultura, com estátuas de grande beleza: Sho Kannon, Buda de Tachibana, Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. No período Hakuhō (645-710), a supressão do clã Soga e a consolidação imperial levaram ao fim da influência coreana e à sua substituição pela chinesa (dinastia Tang), produzindo uma série de obras de maior magnificência e realismo, com formas mais arredondadas e formas mais graciosas.
Essa mudança é perceptível em uma porção de estátuas de bronze dourado Yakushi-ji, formadas pelo Buda sentado (Yakushi) acompanhado pelos bodhisattvas Nikko ("Luz do Sol") e Gakko ("Luar"), que demonstram maior dinamismo em sua posição de contraposto, e maior expressividade facial.
Em Hōryū-ji, o estilo Tori de origem coreana continuou, como no Kannon Yumegatari e na Tríade Amida do medalhão Lady Tachibana. No Templo Tōshōdai-ji há uma série de grandes estátuas, feitas de laca seca oca, com destaque para o Buda Rushana central (759), que tem 3,4 metros de altura. Há também representações de espíritos guardiões (Meikira Taisho), reis (Komokuten), etc. São trabalhos em madeira, bronze, barro cru ou laca seca, de grande realismo.
A pintura é representada por uma decoração de parede de Hōryū-ji (final do século VII), como os afrescos de Kondō, que têm semelhanças com os de Ajantā na Índia. Surgiram também várias tipologias, como kakemono ("pintura suspensa") e emakimono ("pintura em rolo"), histórias pintadas em rolo de papel ou seda, com textos explicando as diferentes cenas, chamados sutras.
No Nara Shōso-in, há uma série de pinturas de temática secular, com diferentes tipos e temas: plantas, animais, paisagens e objetos metálicos. Em meados do período, a escola de pintura da Dinastia Tang entrou em voga, como pode ser visto nos murais da tumba de Takamatsuzuka, que datam de cerca de 700.
Pelo decreto Taiho-ryo de 701, a profissão de pintor é regulamentada nas corporações de ofício. controlada pelo Departamento de Pintores (takumi-no-tuskasa), subordinado ao Ministério do Interior. Essas associações se encarregavam de decorar palácios e templos, e sua estrutura durou até a era Meiji. A cerâmica evoluiu notavelmente através de várias técnicas importadas da China, como o uso de cores vivas aplicadas ao barro.
Período Heian (794-1185)
Nesse período ocorreu o governo do clã Fujiwara, que estabeleceu um governo centralizado inspirado no governo chinês, com capital em Heian (atual Kyoto). Surgiram os grandes senhores feudais (daimyō) e apareceu a figura do samurai.
Por volta dessa época, surgiu a grafologia chamada Hiragana, que adaptou a caligrafia chinesa à língua polissilábica usada no Japão, usando caracteres chineses para os valores fonéticos das sílabas. A ruptura das relações com a China produziu uma arte mais claramente japonesa, surgindo ao lado da arte religiosa uma arte secular que seria um reflexo fiel do nacionalismo da corte imperial.
A iconografia budista passou por um novo desenvolvimento com a importação de duas novas seitas do continente, Tendai e Shingon, baseadas no budismo tântrico tibetano, que incorporou elementos xintoístas e produziu um sincretismo religioso característico dessa época.
A arquitetura sofreu uma alteração na planta dos mosteiros, que foram erguidos em locais isolados, destinados à meditação. Os templos mais importantes são Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) e o templo pagode Murō-ji. Enryaku-ji, localizado nas proximidades do Monte Hiei, é um dos Monumentos Históricos da Antiga Kyoto, declarado Patrimônio da Humanidade em 1994.
Foi fundada em 788 por Saichō, que introduziu a Seita Budista Tendai no Japão. Enryaku-ji tinha cerca de 3.000 templos e era um grande centro de poder em sua época, com a maioria de seus edifícios destruídos por Oda Nobunaga em 1571.
Da parte que sobreviveu, destaca-se hoje o Saitō (“salão ocidental”) e o Tōdō (“salão oriental”), onde está localizado o Konpon chūdō, a construção mais representativa do Enryaku ji, onde se guarda uma estátua de Buda .esculpido pelo próprio Saichō, o Yakushi Nyorai.
A escultura sofreu um ligeiro declínio em relação às épocas anteriores. Novamente, representações do Buda (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai do templo Jingo-ji em Kyoto; Amida Nyorai do mosteiro Byōdō-in), bem como certas deusas xintoístas (Kichijoten, deusa da felicidade, equivalente a Lakshmī Índia) .
A excessiva rigidez da religião budista limita a espontaneidade do artista, que se limita a rígidos cânones artísticos que minam sua liberdade criativa. Durante 859 e 877, é produzido o estilo Jogan, distinguido por imagens de uma gravidade quase intimidante, com um certo ar introspectivo e misterioso, como o Shaka Nyorai de Murō-ji.
Durante o período Fujiwara, a escola fundada por Jōchō em Byōdō-in ganhou fama, com um estilo mais elegante e esbelto do que a escultura de Jogan, expressando formas corporais perfeitas e um grande senso de movimento.
A oficina de Jōchō introduziu as técnicas de yosegi e warihagi, que consistiam em dividir a figura em dois blocos que depois eram unidos para esculpi-los, evitando rachaduras posteriores, um dos principais problemas com figuras grandes. Essas técnicas também permitem a montagem em série e foram desenvolvidas com grande sucesso na escola Kei do período Kamakura.
A pintura Yamato-e prospera particularmente nos pergaminhos manuscritos chamados emaki, que combinam cenas pictóricas com a elegante caligrafia Katakana. Esses pergaminhos contavam passagens históricas ou literárias, como The Tale of Genji, um romance de Murasaki Shikibu do final do século X.
Embora o texto fosse obra de escribas renomados, as imagens eram tipicamente executadas por cortesãs da corte, como Ki no Tsubone e Nagato no Tsubone, assumindo uma amostra da estética feminina que teria grande relevância na arte japonesa contemporânea.
Nessa época, iniciou-se uma classificação das pinturas de acordo com o gênero, que marcava uma perceptível distinção entre o público, onde o masculino estava sob influência chinesa, e o feminino e mais estético era artisticamente japonês.
Em onna-e, além da História de Genji, destaca-se o Heike Nogyo (Lotus Sutra), encomendado pelo clã Taira para o santuário de Itsukushima, onde estão incorporados em diversos pergaminhos sobre a salvação das almas proclamados pelo budismo.
Por outro lado, este Otoko-e era mais narrativo e enérgico que o ona-e, mais cheio de ação, com mais realismo e movimento, como nos pergaminhos Shigisan Engi, sobre os milagres do monge Myoren; o Ban Danigon E-kotoba, sobre uma guerra entre clãs rivais no século IX; e a Chōjugiga, cenas de animais com signo caricaturado e tom satírico, criticando a aristocracia.
Período Kamakura (1185-1392)
Após várias disputas entre os clãs feudais, foi imposto o Minamoto, que instituiu o xogunato, uma forma de governo com corte militar. Nesta época, a seita Zen foi introduzida no Japão, o que influenciaria fortemente a arte figurativa. A arquitetura era mais simples, mais funcional, menos luxuosa e ornamentada.
A regra zen trouxe o chamado estilo Kara-yo: os locais de culto zen seguiam a técnica chinesa de planimetria axial, embora o edifício principal não fosse o templo, mas a sala de leitura, e o lugar de honra não fosse ocupado por uma estátua. Buda, mas por um pequeno trono onde o abade ensinava seus discípulos.
O complexo de cinco grandes templos de Sanjūsangen-dō, em Kyoto (1266), bem como os mosteiros Kennin-ji (1202) e Tōfuku-ji (1243) em Kyoto, e Kenchō-ji (1253) e Engaku-ji (1282) ) em Kamakura.
O Kōtoku-in (1252) é famoso por sua grande e pesada estátua de bronze do Buda Amida, tornando-o o segundo maior Buda do Japão depois de Tōdai-ji.
Em 1234, foi construído o Templo Chion-in, sede do budismo Jōdo shū, que se distingue pelo colossal portão principal (Sanmon), a maior estrutura do gênero no Japão.
Um dos últimos representantes deste período foi o Hongan-ji (1321), que consiste em dois templos principais: o Nishi Hongan-ji, que inclui o Goei-dō e o Amida-dō, juntamente com um pavilhão de chá e dois palcos de o teatro Noh, um dos quais afirma ser o mais antigo ainda vivo; e Higashi Hongan-ji, lar do famoso Shosei-en.
A escultura adquiriu um grande realismo, encontrando no artista maior liberdade de criação, como comprovam os retratos de nobres e soldados, como o de Uesugi Shigusa (de um artista anônimo), militar do século XIV.
As obras zen centraram-se na representação dos seus mestres, numa espécie de estátua denominada shinzo, como a do mestre Muji Ichien (1312, de autor anónimo), em madeira policromada, que representa o mestre zen sentado num trono, numa atitude de meditação relaxada.
A Escola Kei de Nara, herdeira da Escola Jōchō do período Heian, foi particularmente importante pela qualidade das suas obras, onde o escultor Unkei, autor das estátuas dos monges Muchaku e Sesshin (Kōfuku-ji de Nara), também como imagens de Kongo Rikishi (espíritos guardiões), como as duas estátuas colossais localizadas na entrada do templo Tōdai-ji de 8 metros de altura (1199).
O estilo de Unkei, influenciado pela escultura chinesa da dinastia Song, era altamente realista ao capturar o estudo fisionômico mais detalhado com a expressão emocional e a espiritualidade interior do indivíduo retratado.
Cristais escuros foram até embutidos nos olhos, para dar maior expressividade. O trabalho de Unkei marcou o início do retrato japonês. Seu filho Tankei, autor de Kannon Senju para Sanjūsangen-dō, continuou seu trabalho.
A pintura foi caracterizada pelo aumento do realismo e introspecção psicológica. Paisagismo (Cachoeira Nachi) e retrato Monge Myoe em Contemplação, de Enichi-bo Jonin; conjunto de retratos do Templo Jingo-ji em Kyoto, de Fujiwara Takanobu; O retrato de Goshin do imperador Hanazono, foram desenvolvidos principalmente.
O modo yamato-e continuou e as imagens foram explicadas em pergaminhos, muitos deles com vários metros de comprimento. Esses manuscritos retratavam detalhes da vida cotidiana, cenas urbanas ou rurais, ou ilustravam eventos históricos, como a Guerra de Kyoto de 1159 entre ramos rivais da Família Imperial.
Eles foram apresentados em cenas contínuas, seguindo uma ordem narrativa, com um panorama elevado, em linha reta. Destacam-se os pergaminhos ilustrados dos eventos da era Heiji (Heiji monogatari) e os pergaminhos Kegon Engi de Enichi-bo Jonin.
A pintura associada à organização zen foi mais diretamente influenciada pelos chineses, com uma técnica mais de linhas simples de tinta chinesa seguindo o ditado zen de que "muitas cores cegam os olhos".
Período Muromachi (1392-1573)
O xogunato está nas mãos do Ashikaga, cuja luta interna favorece o crescente poder do daimyō, que divide a terra. A arquitetura era mais elegante e essencialmente japonesa, apresentando mansões imponentes, mosteiros como Zuihoji e templos como Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji ou o Pavilhão Dourado (1397) e Ginkaku-ji. o Pavilhão de Prata (1489), em Kyoto.
Kinkaku-ji foi construído como uma vila de descanso para Shogun Ashikaga Yoshimitsu, como parte de seu domínio chamado Kitayama. Seu filho converteu o prédio em um templo para a seita Rinzai. É um prédio de três andares, os dois primeiros cobertos com folha de ouro puro. O pavilhão funciona como um sheriden, que protege as relíquias do Buda.
Ele também contém várias estátuas de Buda e Bodhisattva, e um fenghuang dourado fica no telhado. Ele também tem um belo jardim adjacente, com um lago chamado Kyōko-chi, com muitas ilhas e pedras representando a história da criação budista.
Por sua vez, o Ginkaku-ji foi construído pelo shogun Ashikaga Yoshimasa, que procurou imitar o Kinkaku-ji construído por seu ancestral Yoshimitsu, mas infelizmente não conseguiu cobrir o prédio com prata como planejado.
Também característico da arquitetura deste período é o aparecimento do tokonoma, uma sala reservada para a contemplação de uma pintura ou arranjo floral, de acordo com a estética zen. Também foi introduzido o tatami, uma espécie de esteira feita de palha de arroz, que deixou o interior da casa japonesa mais agradável.
Nesta época, a arte da jardinagem se desenvolveu em particular, lançando as bases artísticas e estéticas do jardim japonês. Dois modos principais surgiram: tsukiyama, em torno de uma colina e um lago; e hiraniwa, um jardim plano de areia raspada, com pedras, árvores e poços.
A vegetação mais comum é composta por bambu e vários tipos de flores e árvores, seja perenes, como o pinheiro negro japonês, ou caducifólias, como o bordo japonês, elementos como samambaias e espumas também são valorizados.
Bonsai é outro elemento típico de jardinagem e design de interiores. Os jardins geralmente incluem um lago ou lagoa, vários tipos de pavilhões (geralmente para a cerimônia do chá) e lanternas de pedra. Uma das características típicas do jardim japonês, como no resto de sua arte, é sua aparência imperfeita, inacabada e assimétrica.
Existem diferentes tipos de jardins: “caminhada”, que pode ser visto caminhando por um caminho ou ao redor de um lago; da «sala de estar», que pode ser vista de um local fixo, geralmente um pavilhão ou uma cabana do tipo machiya.
Te (rōji), ao redor de um caminho que leva à sala de chá, com azulejos ou pedras de bakdosin marcando o caminho; e “contemplação” (karesansui, “paisagem de montanha e água”), que é o jardim zen mais típico, visto de uma plataforma localizada em mosteiros zen.
Um bom exemplo é a chamada paisagem sem água do jardim Ryōan-ji, em Kyoto, do pintor e poeta Sōami (1480), que representa um mar, feito de areia raspada, cheio de ilhas, que são rochas. , formando um todo que combina realidade e ilusão e que convida à calma e à reflexão.
Notou-se um ressurgimento da pintura, enquadrada na estética zen, que recebeu a influência chinesa das dinastias Yuan e Ming, refletida principalmente na arte decorativa.
Foi introduzida a técnica do guache, transcrição perfeita da doutrina zen, que procura refletir nas paisagens o que elas significam, e não o que representam.
Surgiu a figura do bunjinso, o "monge intelectual" que criou suas próprias obras, estudiosos e seguidores das técnicas chinesas em tinta monocromática, em pinceladas breves e difusas, que refletiam em suas obras elementos naturais como pinheiros, juncos, orquídeas, bambus , rochas, árvores, pássaros e figuras humanas imersas na natureza, em atitude de meditação.
No Japão, essa técnica de tinta chinesa foi chamada de sumi-e. Com base nos sete princípios estéticos do Zen, o sumi-e procurou refletir as emoções internas mais intensas através da simplicidade e elegância, em linhas simples e modestas que transcendem sua aparência externa para significar um estado de comunhão com a natureza.
Sumi-e era um meio (dō) para encontrar a espiritualidade interior, isso era usado pelos monges. As particularidades da tinta, sutis e difusas, permitiram ao artista captar a essência das coisas, numa impressão simples e natural, mas ao mesmo tempo profunda e transcendente.
É uma arte instintiva de execução rápida, impossível de retocar, fato que a une à vida, onde é impossível voltar ao que foi feito. Cada desenho carrega energia vital (ki), pois é um ato de criação, onde a mente é colocada em ação e o processo importa mais do que o resultado.
Os representantes mais importantes do sumi-e foram: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei e, sobretudo, Sesshū Tōyō, autor de retratos e paisagens, o primeiro artista a pintar em vida. Sesshū era um Gaso, um monge-pintor, que viajou para a China entre 1467 e 1469, onde estudou arte e paisagem natural.
Suas paisagens são compostas por estruturas lineares, iluminadas por uma luz repentina que reflete o conceito zen do momento transcendente. São paisagens com a presença de elementos anedóticos, como templos ao longe ou pequenas figuras humanas, enquadradas em lugares remotos como falésias.
Surgiu também um novo gênero de pintura poética, o shinjuku, onde uma paisagem ilustra um poema de inspiração naturalista. Merece destaque também a Escola Kanō, fundada por Kanō Masanobu, que aplica a técnica do guache a temas tradicionais, ilustrando temas sagrados, nacionais e paisagísticos.
A lavagem também foi aplicada nas telas e painéis pintados das portas de correr fusuma, marcas registradas do design de interiores japonês. Na cerâmica, destaca-se a escola Seto, sendo a tipologia mais popular a tenmoku. Objetos de laca e metal também são exemplos notáveis desse período.
Período Azuchi-Momoyama (1573-1603)
A essa altura, o Japão foi novamente unificado por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Tokugawa Ieyasu, que eliminaram os daimyō e chegaram ao poder.
Seu mandato coincidiu com a chegada de mercadores portugueses e missionários jesuítas, que introduziram o cristianismo no país, embora atingindo apenas uma minoria.
A produção artística desta época afastou-se da estética budista, enfatizando os valores tradicionais japoneses, com um estilo explosivo. A invasão da Coréia em 1592 causou a realocação forçada de muitos artistas coreanos para o Japão, que viviam em centros de produção de cerâmica isolados do resto.
Também neste período, foram recebidas as primeiras influências ocidentais, refletidas no estilo Namban, desenvolvido em escultura miniaturista, com temática secular, objetos decorativos em porcelana e biombos decorados ao estilo Yamato-e, em cores vivas e folha de ouro, em cenas que contam a história da chegada dos europeus à costa japonesa.
As técnicas de perspectiva, bem como outras variantes da pintura européia, como o uso da pintura a óleo, não tinham apoio na forma de arte no Japão.
Na arquitetura, destaca-se a construção de grandes castelos (shiro), que foram fortalecidos pela introdução no Japão de armas de fogo de origem ocidental. Os castelos de Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō e Fushimi-Momoyama são bons exemplos.
O Castelo de Himeji, uma das principais construções da época, combina fortificações maciças com a elegância de uma estrutura de aparência vertical, em cinco andares de madeira e gesso, com formas de telhado suavemente curvas semelhantes às dos templos tradicionais japoneses.
Aldeias rústicas de cerimônias do chá, consistindo de pequenas vilas ou palácios e grandes jardins, também proliferaram, e teatros de madeira para apresentações de kabuki foram construídos em algumas cidades.
Na área da pintura, a escola Kanō capta a maioria das encomendas oficiais, elaborando a pintura mural dos principais castelos japoneses, existindo figuras importantes denominadas Kanō Eitoku e Kanō Sanraku.
Para os castelos, mal iluminados pelas suas estreitas aberturas defensivas, criou-se uma espécie de divisórias de fundo dourado que refletiam a luz e a difundiam pela sala, com grandes murais decorados com cenas heróicas, como animais. como tigres e dragões, ou paisagens com presença de jardins, lagoas e pontes, ou nas quatro estações, um tema bastante comum na época.
A serigrafia também se desenvolveu notavelmente, geralmente com tintas gastas, seguindo o estilo sumi-e, como pode ser visto nas obras de Hasegawa Tōhaku (floresta de pinheiros) e Kaihō Yūshō (pinheiro e ameixeira ao luar). Também foi destacada a figura de Tawaraya Sōtatsu, autor de obras de grande dinamismo, em pergaminhos de manuscritos, telas e leques.
Criou um estilo lírico e decorativo inspirado no roteiro waka da era Heian, que se chamava rinpa, produzindo obras de grande beleza visual e intensidade emocional, como A História de Genji, O Caminho da Hera, os deuses do trovão e do vento , etc
A fabricação de cerâmica atingiu um momento de grande boom, desenvolvendo produtos para a cerimônia do chá, inspirados na cerâmica coreana, cuja rusticidade e aparência inacabada refletem perfeitamente a estética zen que permeia o rito do chá.
Surgiram novos desenhos, como pratos nezumi e jarras de água kogan, geralmente com corpo branco banhado em uma camada de feldspato e decorado com desenhos simples feitos de um gancho de ferro. Era uma cerâmica grossa com aspecto vidrado, com tratamento inacabado, que dava uma sensação de imperfeição e vulnerabilidade.
Seto continuou sendo o principal produtor, enquanto na cidade de Mino nasceram duas importantes escolas: Shino e Oribe. A escola Karatsu e dois tipos originais de cerâmica também foram observados:
Iga, de textura áspera e espessa camada de esmalte, com fissuras profundas; e Bizen, faiança marrom-avermelhada não vidrada, ainda mole, retirada da roda para produzir pequenas rachaduras e incisões naturais que lhe davam uma aparência quebradiça, ainda de acordo com a estética zen da imperfeição.
Um dos melhores artistas desta época foi Honami Kōetsu, que se destacou em pintura, poesia, jardinagem, laca, etc. Formado na tradição artística do período Heian e na escola Shorenin de caligrafia, fundou uma colônia de artesãos em Takagamine, perto de Kyoto, com terras doadas por Tokugawa Ieyasu.
O assentamento foi mantido por artesãos da Escola Budista Nichiren e produziu uma série de obras de alta qualidade. Especializaram-se em artigos de laca, principalmente acessórios de escritório, decorados com incrustações de ouro e madrepérola, bem como diversos utensílios e louças para a cerimónia do chá, com destaque para a encorpada tigela fujisan. avermelhado coberto de calcinha preta e, por cima, um branco gelado opaco que dá o efeito de nevasca.
Período Edo (1603-1868)
Este período artístico corresponde ao período histórico de Tokugawa, quando o Japão estava fechado a todo contato externo. A capital foi estabelecida em Edo, futura Tóquio. Os cristãos foram perseguidos e os mercadores europeus expulsos.
Apesar do sistema de vassalagem, o comércio e o artesanato proliferaram, dando origem a uma classe burguesa que cresceu em poder e influência e se dedicou à promoção das artes, especialmente gravuras, cerâmicas, laca e louças. têxteis.
As obras mais representativas são o Palácio Katsura em Kyoto e o Mausoléu Tōshō-gū em Nikkō (1636), que faz parte dos “Santuários e Templos Nikko”, ambos declarados Patrimônio da Humanidade pela UNESCO em 1999.
Algo do gênero da união dos xintoístas-budistas, é o mausoléu do shogun Tokugawa Ieyasu. O templo é uma estrutura rigidamente simétrica com relevos coloridos cobrindo toda a superfície visível. Destacam-se suas construções coloridas e ornamentos sobrecarregados, que diferem dos estilos dos templos da época.
Os interiores são adornados com detalhadas esculturas em laca em cores vivas e painéis pintados com maestria. O Palácio Katsura (1615-1662) foi construído numa planta assimétrica de inspiração zen, onde o uso de linhas rectas na fachada exterior contrasta com a sinuosidade do jardim envolvente.
Devido à sua condição de ser a sede onde a família imperial descansaria, a villa era composta por um edifício principal, vários anexos, salões de chá e um parque de 70000 metros. O palácio principal, que tem apenas um andar, é dividido em quatro anexos que se encontram nos cantos.
Todo o edifício tem certas características de ser construído sobre pilares e acima deles uma série de salas com paredes e portas, algumas com pinturas de Kanō Tan'yū.
Também são características deste período as casas de chá (chashitsu), geralmente pequenas construções de madeira com telhados de colmo, rodeadas de jardins em aparente estado de abandono, com líquenes, musgos e folhas caídas, seguindo o conceito zen. da imperfeição transcendente.
Começo do desenvolvimento artístico e intelectual
Durante este período, o Japão gradualmente estudou técnicas ocidentais e avanços científicos (chamados rangaku) através de informações e livros recebidos de comerciantes holandeses em Dejima.
Os campos mais estudados incluíam geografia, medicina, ciências naturais, astronomia, arte, línguas, conceitos físicos como o estudo de fenômenos elétricos e mecânicos. Houve também um grande desenvolvimento da matemática, numa tendência totalmente independente daquela do mundo ocidental. Essa forte corrente foi chamada wasan.
O florescimento do neoconfucionismo foi o maior desenvolvimento intelectual do período. O estudo do confucionismo foi ativo por muito tempo pelos clérigos budistas, mas durante esse período esse sistema de crenças atraiu grande atenção para a concepção do homem e da sociedade.
O humanismo ético, o racionalismo e a perspectiva histórica do confucionismo eram vistos como um modelo social. Em meados do século XVII, o confucionismo tornou-se a filosofia jurídica dominante e contribuiu diretamente para o desenvolvimento do sistema nacional de ensino, o kokugaku.
Sua principal virtude para o regime xogunal era a ênfase nas relações hierárquicas, a submissão. para o topo. e obediência, que se estende a toda a sociedade e facilita a preservação do sistema feudal.
A arte têxtil adquiriu grande importância, principalmente na seda, que atingiu níveis da mais alta qualidade, razão pela qual vestidos de seda (quimono) em cores vivas e desenhos requintados eram frequentemente pendurados nos quartos. separados, como se fossem telas.
Várias técnicas têm sido usadas, como tingimento, bordado, brocado, relevo, aplique e pintura à mão. A seda estava disponível apenas para as classes altas, enquanto as pessoas se vestiam com algodão, feito na técnica indonésia de ikat, fiado em seções e tingido de índigo alternado com branco.
Outra técnica de menor qualidade foi a tecelagem de fios de algodão de diversas cores, com corantes caseiros aplicados no estilo batik utilizando pasta de arroz e farelo de arroz cozido e aglomerado.
Deve-se notar que, assim como a arte japonesa foi influenciada pela arte ocidental no século XIX, também foi influenciada pelo exotismo e naturalidade da arte japonesa. Assim nasceu o chamado japonismo no Ocidente, desenvolvido principalmente na segunda metade do século XIX, principalmente na França e na Grã-Bretanha.
Isso foi revelado nas chamadas Japoneries, objetos inspirados em estampas japonesas, porcelanas, lacas, leques e objetos de bambu, que se tornaram moda tanto na decoração da casa quanto em muitas roupas pessoais que refletem a fantasia e o decoralismo da cultura japonesa. .
Na pintura, o estilo da escola ukiyo-e foi recebido com entusiasmo, e as obras de Utamaro, Hiroshige e Hokusai foram muito apreciadas. Artistas ocidentais imitaram a construção espacial simplificada, contornos simples, estilo caligráfico e sensibilidade naturalista da pintura japonesa.
Tempos contemporâneos (desde 1868)
No período Meiji (1868-1912) iniciou-se no Japão um profundo renascimento cultural, social e tecnológico, que se abriu mais ao mundo exterior e passou a incorporar novos avanços feitos no Ocidente. A Carta de 1868 aboliu os privilégios feudais e as diferenças de classe, o que não levou a uma melhoria das classes proletárias empobrecidas.
Iniciou-se um período de forte expansionismo imperialista, que levou à Segunda Guerra Mundial. Após a guerra, o Japão passou por um processo de democratização e desenvolvimento econômico que o tornou uma das principais potências econômicas do mundo e um importante centro de produção industrial e inovação tecnológica. A era Meiji foi seguida pelas eras Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) e Heisei (1989-).
A partir de 1930, a progressiva militarização e expansão na China e no Sul da Ásia, com o consequente aumento dos recursos destinados ao orçamento militar, levou a um declínio do mecenato artístico. No entanto, com o boom econômico do pós-guerra e a nova prosperidade alcançada com a industrialização do país, as artes renasceram, já totalmente imersas nos movimentos artísticos internacionais devido ao processo de globalização cultural.
Da mesma forma, a prosperidade econômica incentiva o colecionismo, criando muitos museus e centros de exposições que ajudaram a difundir e preservar a arte japonesa e internacional. No campo religioso, o estabelecimento na era Meiji do xintoísmo como a única religião oficial (Shinbutsu bunri) levou ao abandono e destruição de templos e obras de arte budistas, o que teria sido irreparável sem a intervenção de Ernest Fenollosa, professor de filosofia. da Universidade Imperial de Tóquio.
Junto com o magnata e patrono William Bigelow, ele salvou um grande número de obras que nutriram a coleção de arte budista no Museu de Belas Artes de Boston e na Freer Gallery of Art em Washington DC, duas das melhores coleções de arte asiática do mundo. .
A arquitetura tem uma dupla direção: a tradicional (santuário Yasukuni, templos Heian Jingu e Meiji, em Tóquio) e a de influência europeia, que integra novas tecnologias (Museu Yamato Bunkakan, de Iso Hachi Yoshida, em Nara).
A ocidentalização levou à construção de novos edifícios, como bancos, fábricas, estações ferroviárias e edifícios públicos, construídos com materiais e técnicas ocidentais, inicialmente imitando a arquitetura vitoriana inglesa. Alguns arquitetos estrangeiros também trabalharam no Japão, como Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tóquio).
A arquitetura e o urbanismo receberam um grande impulso após a Segunda Guerra Mundial, devido à necessidade de reconstrução do país. Surgiu então uma nova geração de arquitetos.
Liderado por Kenzō Tange, autor de obras como o Museu Memorial da Paz de Hiroshima, a Catedral de Santa Maria em Tóquio, o Estádio Olímpico para os Jogos Olímpicos de Tóquio de 1964, etc.
Estudantes e seguidores de Tange criaram o conceito de arquitetura entendido como "metabolismo", vendo os edifícios como formas orgânicas que devem ser adaptadas às necessidades funcionais.
Movimento fundado em 1959, eles pensaram em fazer um centro populacional, cuja premissa era criar uma série de edifícios que mudassem de acordo com as mudanças externas, como se fosse um organismo.
Seus membros incluíam Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe e Kiyonori Kikutake. Outro representante foi Maekawa Kunio que, junto com Tange, introduziu antigas ideias estéticas japonesas em rígidos edifícios contemporâneos.
Novamente utilizando técnicas e materiais tradicionais como o tatame e o uso de pilares, elemento construtivo tradicional nos templos japoneses, ou a integração de jardins e esculturas em suas criações. Não esqueço de usar a técnica do vácuo, ela foi estudada por Fumihiko Maki na relação espacial entre o edifício e seu entorno.
Desde a década de 1980, a arte pós-moderna tem uma forte presença no Japão, desde a antiguidade é característica a fusão entre o elemento popular e a sofisticação das formas.
Este estilo foi representado principalmente por Arata Isozaki, autor do Museu de Arte Kitakyushu e da Sala de Concertos de Kyoto. Isozaki estudou com Tange e em seu trabalho sintetizou conceitos ocidentais com ideias espaciais, funcionais e decorativas típicas do Japão.
Por seu lado, Tadao Andō desenvolveu um estilo mais simples, com grande preocupação com a contribuição da luz e dos espaços abertos para o ar exterior (Capela sobre a água, Tomanu, Hokkaido; Igreja da Luz, Ibaraki, Osaka; Museu da Crianças, Himeji).
Shigeru Ban foi caracterizado pelo uso de materiais não convencionais, como papel ou plástico: após o terremoto de Kobe em 1995, que deixou muitas pessoas desabrigadas, Ban contribuiu projetando Delo que ficou conhecido como a Casa de Papel e a Igreja de Papel, finalmente, Toyō Itō explorou a imagem física da cidade na era digital.
Na escultura há também a dualidade tradição-vanguarda, com destaque para os nomes de Yoshi Kimuchi e Romorini Toyofuku, além dos abstratos Masakazu Horiuchi e Yasuo Mizui, este último residente na França. Isamu Noguchi e Nagare Masayuki reuniram a rica tradição escultórica de seu país em obras que estudam o contraste entre a aspereza e o polimento do material.
A pintura também seguiu duas tendências: a tradicional (nihonga) e a ocidental (yōga), apesar da existência de ambas, a figura de Tomioka Tessai permaneceu no início do século 20. Enquanto o estilo nihonga foi impulsionado no final do século XIX pelo crítico de arte Okakura Kakuzō e pelo educador Ernest Fenollosa.
Buscando na arte tradicional a forma arquetípica de expressão da sensibilidade japonesa, embora este estilo também tenha recebido alguma influência ocidental, especialmente do pré-rafaelita e do romantismo. Ele foi representado principalmente por Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison e Kobayashi Kokei.
A pintura de estilo europeu foi alimentada pela primeira vez por técnicas e temas em uso na Europa no final do século XIX, principalmente relacionados ao academicismo, como é o caso de Kuroda Seiki, que estudou vários anos em Paris, mas depois continuou as diferentes correntes que ocorreram na arte ocidental:
O grupo Hakuba Kai assumiu a influência impressionista; a pintura abstrata teve Takeo Yamaguchi e Masanari Munay como personagens principais; Artistas figurativos incluíram Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen e Higashiyama Kaii. Alguns artistas se estabeleceram fora de seu país, como Genichiro Inokuma nos Estados Unidos e Tsuguharu Foujita na França.
No Taishō, o estilo yōga que mais influenciou o nihonga, embora o uso crescente da luz e a perspectiva européia diminuíssem as diferenças entre as duas correntes.
Assim como o nihonga adotou amplamente as inovações do pós-impressionismo, o yōga exibiu uma propensão ao ecletismo, emergindo de uma ampla variedade de movimentos artísticos divergentes.
Para esta etapa, foi criada a Academia Japonesa de Belas Artes (Nihon Bijutsu In). A pintura da era Shōwa foi marcada pelo trabalho de Yasuri Sotaro e Umehara Ryuzaburo, que introduziram os conceitos de arte pura e pintura abstrata à tradição Nihonga.
Em 1931, a Independent Art Association (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) foi criada para promover a arte de vanguarda.
Já na Segunda Guerra Mundial, os regulamentos legais do governo enfatizavam claramente os temas patrióticos. Após a guerra, os artistas ressurgiram nas grandes cidades, principalmente em Tóquio.
Criando arte urbana e cosmopolita, que acompanhou com devoção as inovações estilísticas produzidas internacionalmente, especialmente em Paris e Nova York. Após os estilos abstratos dos anos sessenta, os anos setenta voltaram ao realismo privilegiado pela pop-art, como denota a obra de Shinohara Ushio.
É impressionante que algo interessante tenha acontecido no final da década de 1970, é que houve um retorno à arte tradicional japonesa, na qual eles viram maior expressividade e força emocional.
A tradição da gravura continuou no século XNUMX em um estilo de "gravuras criativas" (sosaku hanga) desenhadas e esculpidas por artistas preferencialmente no estilo nihonga, como Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi e Munakata Shiko.
Entre as últimas tendências, o Grupo Gutai teve boa reputação dentro da chamada arte de ação, que equiparou a experiência da Segunda Guerra Mundial através de ações carregadas de ironia, com grande senso de tensão e agressividade latente.
O grupo Gutai consistia em: Jiro Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto e Katsuō Shiraga. Ligados à arte pós-moderna, diversos artistas, envolvidos no recente fenômeno da globalização, marcado pela multiculturalidade das expressões artísticas.
Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Outros artistas japoneses contemporâneos proeminentes incluem: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 e Takashi Murakami.
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