Cechy sztuki japońskiej, ewolucja, rodzaje i nie tylko

Jako kultura starożytna, Japonia pokazała swoją sztukę przez te wszystkie lata, ucz się z nami poprzez ten interesujący artykuł, wszystko o starożytności Sztuka japoński, rozwijany z biegiem czasu w różnych okresach i stylach. Nie przegap tego!

SZTUKA JAPOŃSKA

Sztuka japońska

Mówiąc o sztuce japońskiej, mówimy o tym, co ta cywilizacja notyfikowała na przestrzeni czasu w różnych fazach i stylach, które chwilowo rozwinęły się wraz z rozwojem społecznym i kulturowym Japończyków.

Wariacje, jakim podlega sztuka w Japonii, są konsekwencją jej rozwoju technologicznego, w którym możemy zdać sobie sprawę z wykorzystania surowca tego kraju w jej artystycznej ekspresji. Oprócz tak zwanej sztuki zachodniej, jej najbardziej emblematyczne przejawy były pod wpływem religii i władzy politycznej.

Jedną z głównych cech sztuki japońskiej jest jej eklektyzm, wywodzący się z różnych narodów i kultur, które z czasem przybyły do ​​jej brzegów: pierwsi osadnicy, którzy osiedlili się w Japonii – zwani Ainu – należeli prawdopodobnie do północnokaukaskiej gałęzi i Azji Wschodniej. przybył, gdy Japonia była jeszcze przyłączona do kontynentu.

Pochodzenie tych osadników jest niepewne, a historycy rozważają różne hipotezy, od rasy uralsko-ałtajskiej po możliwe pochodzenie indonezyjskie lub mongolskie. W każdym razie ich kultura wydawała się odpowiadać górnemu paleolicie lub mezolitu.

Następnie różne grupy rasy malajskiej z Azji Południowo-Wschodniej czy wysp Pacyfiku przybyły na wybrzeża Japonii, a także do Korei i różnych części Chin, stopniowo sprowadzane z południa, wypierając Ajnów. na północ od Japonii, podczas gdy w późniejszej fali do Japonii przybyły różne grupy jednoetniczne z Chin i Korei.

SZTUKA JAPOŃSKA

Do tej mieszanki rasowej należy dodać wpływy innych kultur: z powodu wyspiarskiego charakteru Japonia była odizolowana przez większość swojej historii, ale czasami znajdowała się pod wpływem cywilizacji kontynentalnych, zwłaszcza Chin i Korei, zwłaszcza od V wieku.

W ten sposób japońska kultura przodków, która wyłoniła się z kolejnych placówek imigracyjnych, dodała obcych wpływów, tworząc eklektyczną sztukę otwartą na innowacje i postęp stylistyczny.

Warto również zauważyć, że znaczna część sztuki produkowanej w Japonii jest oparta na religii: do typowej dla regionu religii Shinto, powstałej około I wieku, buddyzm został dodany około V wieku, tworząc fuzję religijną, która trwa do dziś. pozostawił także swoje odbicie w sztuce.

Sztuka japońska jest konsekwencją tych różnych kultur i tradycji, interpretując na swój sposób formy sztuki importowane z innych krajów, które osiąga zgodnie ze swoją koncepcją życia i sztuki, dokonując zmian i upraszczając jej poszczególne cechy.

Podobnie jak wyszukane chińskie świątynie buddyjskie, które w Japonii przeszły metamorfozę polegającą na konieczności porzucenia pewnych elementów swojej sztuki i połączenia ich z innymi, wyraża to unijny charakter tej sztuki, tak że zawsze w naturalny sposób czerpie ona coś z innej kultury innych krajów.

SZTUKA JAPOŃSKA

Sztuka japońska ma w kulturze japońskiej wielkie poczucie medytacji i wzajemnych relacji między człowiekiem a naturą, reprezentowaną również w otaczających ją przedmiotach, od najbardziej ozdobnych i wyrazistych po najprostsze i codzienne.

Widać to w wartości nadanej niedoskonałości, efemeryczności rzeczy, humanitarnym wyczuciu, jakie Japończycy nawiązują ze swoim otoczeniem. Podobnie jak w ceremonii herbacianej cenią sobie spokój i wyciszenie tego stanu kontemplacji, który osiągają prostym rytuałem, opartym na prostych składnikach i harmonii asymetrycznej i niedokończonej przestrzeni.

Dla nich spokój i równowaga kojarzą się z ciepłem i wygodą, które z kolei są prawdziwym odzwierciedleniem ich koncepcji piękna. Nawet w porze posiłku nie liczy się ilość jedzenia ani jego prezentacja, ale zmysłowa percepcja jedzenia i estetyczne znaczenie, jakie nadaje jakiemukolwiek działaniu.

Podobnie artyści i rzemieślnicy z tego kraju mają wysoki stopień związku ze swoją pracą, czując, że materiały są istotną częścią ich życia i komunikacji z otaczającym ich środowiskiem.

Podstawy sztuki japońskiej

Sztuka japońska, podobnie jak cała jej filozofia - czy po prostu sposób widzenia życia - podlega intuicji, braku racjonalności, emocjonalnej ekspresji oraz prostocie działań i myśli. często wyrażane symbolicznie.

SZTUKA JAPOŃSKA

Dwie charakterystyczne cechy sztuki japońskiej to prostota i naturalność: wypowiedzi artystyczne są odzwierciedleniem natury, a więc nie wymagają skomplikowanej produkcji, wszystko to prowadzi do tego, że artyści chcą, aby to, co nakreślone, zasugerowane, zostało później rozszyfrowane przez widza.

Ta prostota spowodowała w malarstwie tendencję do linearnego rysunku, bez perspektywy, z dużą ilością pustych przestrzeni, które jednak harmonijnie integrują się w całość. W architekturze materializuje się w liniowych projektach, z asymetrycznymi płaszczyznami, w połączeniu elementów dynamicznych i statycznych.

Z kolei ta prostota w sztuce japońskiej łączy się z wrodzoną prostotą relacji między sztuką a naturą, która jest częścią ich specyfiki, która znajduje odzwierciedlenie w ich życiu, a doświadczają tego z delikatnym uczuciem melancholii, niemal smutku.

Jak przemijanie pór roku daje im poczucie przemijania, w którym widać ewolucję, która istnieje w przyrodzie ze względu na efemeryczny charakter życia. Ta prostota odzwierciedla się przede wszystkim w architekturze, która harmonijnie wtapia się w otoczenie, na co wskazuje użycie naturalnych materiałów, bez pracy, ukazując swój surowy, niedokończony wygląd. W Japonii natura, życie i sztuka są ze sobą nierozerwalnie związane, a osiągnięcia artystyczne są symbolem całego wszechświata.

Sztuka japońska dąży do osiągnięcia uniwersalnej harmonii, wykraczając poza materię, aby znaleźć rodzącą zasadę życia. Japońskie ornamenty poszukują sensu życia poprzez sztukę: piękno japońskiej sztuki jest synonimem harmonii, kreatywności; jest impulsem poetyckim, drogą zmysłową prowadzącą do realizacji dzieła, które nie ma celu samego w sobie, ale wykracza poza.

To, co nazywamy pięknem, jest kategorią filozoficzną, która odsyła nas do istnienia: polega na dochodzeniu do sensu całością. Jak wyraził Suzuki Daisetsu: „piękno nie jest w formie zewnętrznej, ale w sensie, w jakim jest wyrażone”.

Sztuka nie zaczyna się od swojego zmysłowego charakteru, ale od swoich sugestywnych atrybutów; Nie musi być dokładny, ale pokazywać dar, który prowadzi do pełni. Ma na celu uchwycenie tego, co istotne poprzez tę część, która sugeruje całość: pustka jest dopełnieniem istniejącego japońskiego.

SZTUKA JAPOŃSKA

W myśli wschodniej istnieje jedność między materią i duchem, która dominuje w kontemplacji i komunii z naturą, poprzez wewnętrzne przywiązanie, intuicję. Sztuka japońska (gei) ma znaczenie bardziej transcendentne, bardziej nieuchwytne niż pojęcie sztuki użytkowej na Zachodzie: jest to każda manifestacja umysłu, rozumianego jako energia życiowa, jako esencja ożywiająca nasze ciało, która w rzeczywistości rozwija się i ewoluuje, urzeczywistniając jedność między ciałem, umysłem i duchem.

Sens sztuki japońskiej rozwijał się z biegiem czasu: od jej początków, w których istniały pierwsze ślady sztuki i piękna, sięgają one czasów starożytnych, kiedy to ukształtowały się twórcze zasady kultury japońskiej i te, które znalazły wyraz w najważniejszych dziełach literatury kraju:

Kojiki, Nihonshoki i Man 'yōshū, powyższe to publikacje, pierwsze dwie dotyczą pierwszych dzieł w historii Japonii, a ostatnia dotyczy wierszy pisanych w pierwszym tysiącleciu, w tym czasie dominowała myśl Sayashi („czysta , oczywiście świeże”), nawiązując do pewnego rodzaju piękna charakteryzującego się prostotą, świeżością, pewną naiwnością, jaką daje użycie światła i naturalnych materiałów, takich jak Haniwa Figura Land czy drewno w architekturze.

Sanktuarium Ise możemy zaklasyfikować jako najlepsze przedstawienie tego stylu, wykonane z drewna cyprysowego, które od VIII wieku jest odnawiane co dwadzieścia lat, aby zachować jego szczerość i świeżość. Z tego pojęcia wyłania się jedna ze stałych sztuki japońskiej: wartość przypisywana ulotnemu, ulotnemu, ulotnemu pięknu, które rozwija się w czasie.

W Man yōshū sayakeshi przejawia się w uczuciach bycia wiernym i wypróbowanym, a także w opisie, w jaki sposób składniki, takie jak niebo i morze, dały mu poczucie wielkości, które przytłacza człowieka.

Sayakeshi jest związane z koncepcją Naru ("stawania się"), w której czas jest ceniony jako energia życiowa, która zbiega się w stawaniu się, w kulminacji wszystkich działań i wszystkich żyć.SZTUKA JAPOŃSKA

Umieszczając się w epoce Nara i Heian, artystyczny aspekt sztuki szybko ewoluował dzięki pierwszym kontaktom z kulturą chińską, a także nadejściem buddyzmu. Głównym pojęciem tej epoki było sumienie, emocjonalne uczucie, które przytłacza widza i prowadzi do głębokiego poczucia empatii lub litości.

Wiąże się to z innymi terminami, takimi jak okashi, ten, który przyciąga swoją radością i przyjemnym charakterem; omoshiroi, właściwość promiennych rzeczy, które przyciągają uwagę blaskiem i przejrzystością; yūbi, pojęcie łaski, elegancji; yūga, cecha wyrafinowania piękna; en, atrakcyjność uroku; król, piękno spokoju; yasashi, piękno dyskrecji; i ushin, głęboki zmysł artystyczny.

Opowieść Murasaki Shikibu o Genji, która ucieleśniała nową koncepcję estetyczną zwaną mono-no-świadomością (termin wprowadzony przez Motōri Norinagę), która wyraża poczucie melancholii, kontemplacyjnego smutku wywodzącego się z przemijania rzeczy, ulotnego piękna, które trwa przez chwilę i pozostaje w pamięci.

Ale przede wszystkim jest to uczucie delikatnej melancholii, która może prowadzić do głębokiego smutku, gdy głęboko odczuwamy wydychane piękno wszystkich istot natury.

Ta filozofia „idealnego dążenia” do piękna, stanu medytacyjnego, w którym spotykają się myśl i świat zmysłów, jest charakterystyczna dla wrodzonej japońskiej delikatności dla piękna i jest widoczna na festiwalu Hanami, celebrowaniu wiśni w kwitnąć.

W japońskim średniowieczu, epoce Kamakura, Muromachi i Momoyama, gdzie cechą charakterystyczną była militarna dominacja w całym społeczeństwie feudalnym kraju, pojawiła się koncepcja dō („ścieżki”), która generowała rozwój sztuki na tamte czasy. , przejawia się w ceremonialnej praktyce obrzędów społecznych, o czym świadczą shodō (kaligrafia), chadō (ceremonia parzenia herbaty), kadō lub ikebana (sztuka układania kwiatów) i kōdō (ceremonia kadzenia).

W praktyce nie ma znaczenia wynik, ale proces ewolucyjny, ewolucja w czasie – znowu naru – oraz talent przejawiający się w perfekcyjnym wykonywaniu obrzędów, co oznacza zręczność, a także duchowe zaangażowanie w dążenie do perfekcji.

Decydujący wpływ na te nowe koncepcje miał wariant buddyzmu zwany Zen, który kładzie nacisk na pewne „zasady życia” oparte na medytacji, w których osoba traci samoświadomość. W ten sposób wszelka codzienna praca wykracza poza swoją materialną istotę, aby oznaczać duchową manifestację, która znajduje odzwierciedlenie w ruchu i rytualnym upływie czasu.

Ta koncepcja znajduje odzwierciedlenie również w ogrodnictwie, które osiąga tak duże znaczenie, że ogród jest wizją kosmosu, z wielką pustką (morze) wypełnioną przedmiotami (wyspami), ucieleśnionymi w piasku i skałach. i gdzie roślinność przywołuje upływ czasu.

Ambiwalencja zen między prostotą a głębią transcendentnego życia nasyca ducha „prostej elegancji” (wabi) nie tylko w sztuce, ale także w zachowaniu, relacjach społecznych i bardziej codziennych aspektach życia. . Mistrz Sesshū powiedział, że „Zen i sztuka to jedno”.

SZTUKA JAPOŃSKA

Ten Zen jest przedstawiony w siedmiu ozdobnych faktach: fukinsei, sposób na zaprzeczenie optymalizacji, aby osiągnąć równowagę obecną w naturze; kanso , wyjmij to, co zostało, a to, co wyjmiesz, sprawi, że odkryjesz prostotę natury.

Kokō (godność samotności), cecha, którą ludzie i przedmioty nabywają z biegiem czasu i nadają im większą czystość ich istoty; shizen (naturalność), która łączy się ze szczerością, naturalność jest autentyczna i nieprzekupna; yūgen (głębokość), rzeczywista istota rzeczy, która wykracza poza ich prostą materialność, powierzchowny wygląd.

Datsuzoku (oderwanie), wolność w praktykowaniu sztuk, których misją jest uwolnienie umysłu, a nie kontrolowanie go – sztuka obywa się więc bez wszelkiego rodzaju parametrów i reguł –; seiyaku (spokój wewnętrzny), w sytuacji bezruchu, spokoju, niezbędnego do upływu sześciu poprzednich zasad.

Jest to szczególnie ceremonia parzenia herbaty, podczas której japońskie pojęcie sztuki i piękna jest mistrzowsko syntetyzowane, tworząc autentyczną religię estetyczną: „teizm”. Ceremonia ta reprezentuje kult piękna w opozycji do wulgarności codzienności. Jego filozofia, zarówno etyczna, jak i estetyczna, wyraża integralną koncepcję człowieka z naturą.

Jego prostota łączy małe rzeczy z kosmicznym porządkiem: życie jest wyrazem, a działania zawsze odzwierciedlają myśl. Doczesność równa się duchowości, małe jest wielkie.Koncepcja ta znajduje się również w herbaciarni (sukiya), efemerycznym produkcie budowlanym impulsu poetyckiego, pozbawionym ozdób, gdzie niedoskonałe jest czczone i zawsze coś pozostawia. niedokończone, co dopełni wyobraźnię.

Charakterystyczny jest brak symetrii, ponieważ Zen uważa, że ​​dążenie do perfekcji jest ważniejsze niż samo. Piękno może odkryć tylko ten, kto swoim rozumowaniem uzupełnia to, czego brakuje.

SZTUKA JAPOŃSKA

Wreszcie w epoce nowożytnej, która rozpoczęła się wraz z okresem Edo, choć dotychczasowe idee przetrwały, wprowadzane są nowe klasy artystyczne, które są związane z pojawieniem się innych porządków społecznych, które powstają wraz z modernizacją Japonii: sui jest pewnym duchowym przysmakiem, odnalezionym głównie w literaturze Osaki.

Myśl Iki jest dostojną i bezpośrednią łaską, szczególnie obecną w kabuki; Karumi to koncepcja broniąca lekkości jako czegoś pierwotnego, dzięki czemu uzyskuje się „głębię” rzeczy, co znajduje odzwierciedlenie w szczególności w poezji haiku, gdzie Shiori jest nostalgicznym pięknem.

„Nic nie trwa, nic nie jest kompletne i nic nie jest doskonałe”. Byłyby to trzy klucze, na których opiera się „Wabi sabi”, japońskie wyrażenie (lub rodzaj wizji estetycznej) odwołujące się do piękna niedoskonałego, niepełnego i zmiennego, choć odnosi się do piękna skromny i skromny, niekonwencjonalny. Filozofią „wabi sabi” jest cieszenie się teraźniejszością i odnalezienie spokoju i harmonii w naturze i małych rzeczach oraz spokojne zaakceptowanie naturalnego cyklu wzrostu i upadku.

U podstaw wszystkich tych elementów leży idea sztuki jako procesu twórczego, a nie jako materialnego osiągnięcia. Okakura Kakuzō napisał, że „tylko artyści, którzy wierzą w wrodzone wypaczenie swojej duszy, są w stanie wygenerować prawdziwe piękno”.

Periodyzacja sztuki japońskiej

W tym artykule użyjemy segmentacji na duże okresy pod względem znaczących zmian artystycznych i ruchów politycznych. Wybór generalnie różni się w zależności od kryteriów autora, a wiele z nich można również podzielić. Istnieją jednak również różnice dotyczące początku i końca niektórych z tych okresów. Weźmiemy ten wykonany przez archeologa Charlesa T. Kelly'ego, który przedstawia się następująco:

Sztuka japońska w sztukach plastycznych

W okresie mezolitu i neolitu pozostawał odizolowany od kontynentu, więc cała jego produkcja była własna, choć mało ważna. Były to społeczeństwa pół-siedzące, żyjące w małych wioskach z domami wkopanymi w ziemię, czerpiące swoje zasoby pokarmowe głównie z lasu (jelenie, dzik, orzechy) i morza (ryby, skorupiaki, ssaki morskie).

SZTUKA JAPOŃSKA

Towarzystwa te miały skomplikowaną organizację pracy i zajmowały się pomiarem czasu, o czym świadczy kilka pozostałości po okrągłych kamiennych układach w Oyu i Komakino, które działały jak zegary słoneczne. Najwyraźniej mieli znormalizowane jednostki miary, o czym świadczy kilka budynków zbudowanych na podstawie niektórych modeli.

W niektórych miejscach odpowiadających temu okresowi znaleziono artefakty z polerowanego kamienia i kości, ceramikę i figury antropomorficzne. Należy zauważyć, że ceramika Jōmon jest najstarszą ceramiką wytwarzaną przez człowieka: najwcześniejsze ślady szczątkowej ceramiki pochodzą z 11.000 XNUMX pne, w małych, ręcznie robionych naczyniach z polerowanymi bokami i dużymi wnętrzami. , z funkcjonalnym wyczuciem i surową dekoracją.

Te szczątki odpowiadają okresowi zwanemu „prejōmon” (11000 7500-7500 pne), po którym następuje „archaiczny” lub „wczesny” Jōmon (2500-XNUMX pne), gdzie wytwarzana jest najbardziej typowa ceramika Jomon, wykonywana ręcznie i dekorowana. z nacięciami lub śladami liny, na podstawie czegoś w rodzaju głębokich naczyń w kształcie słojów. Podstawową ozdobą były odbitki wykonane sznurkami z włókien roślinnych, które przed wypaleniem dociskano do ceramiki.

W kilku obszarach nacięcia te osiągnęły wysoki stopień dopracowania, z doskonale wyrzeźbionymi krawędziami, rysując serię bardzo skomplikowanych abstrakcyjnych linii. W rzadkich przypadkach znaleziono pozostałości scen figuratywnych, głównie rysunków antropomorficznych i zoomorficznych (żaby, węże), podkreślających scenę polowania obecną w wazonie znalezionej w Hirakubo, na północ od Honsiu.

Wreszcie, w „Późnym Jomon” (2500-400 pne), naczynia powróciły do ​​bardziej naturalnej, mniej skomplikowanej formy, z misami i naczyniami okrągłodennymi, amforami z wąską szyjką i miskami z uchwytami, często z prętami. lub podwyższona podstawa. Zabytki ceramiki Jōmon to: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Matsushima, Kamo i Okinohara na wyspie Honsiu; Sobata na wyspie Kius; oraz Hamanasuno i Tokoro na wyspie Hokkaidō.

Oprócz wazonów, różne figurki w postaci ludzi lub zwierząt zostały wykonane z ceramiki, wykonane w kilku częściach, tak że nie ma wielu pozostałości całych kawałków. Te w formie antropomorficznej mogą mieć cechy męskie lub żeńskie, znaleziono również niektóre ze znaków androgynicznych.

SZTUKA JAPOŃSKA

Niektórzy mają spuchnięte brzuchy, więc mogą być kojarzone z kultem płodności. Warto zwrócić uwagę na precyzję detali, które pokazują niektóre postacie, takie jak staranne fryzury, tatuaże czy ozdobne suknie.

Wydaje się, że w tych społeczeństwach zdobienie ciała było bardzo znaczące, głównie w uszach ceramicznymi kolczykami różnych manufaktur, zdobionymi czerwonawymi barwnikami. W Chiamigaito (wyspa Honshū) znaleziono ponad 1000 takich ozdób, co sugeruje lokalny warsztat do opracowania tych produktów.

Z tego okresu pochodzą również różne maski, oznaczające zindywidualizowaną pracę na twarzach. W ten sam sposób wytwarzano różne rodzaje zielonych paciorków jadeitowych, które znały pracę z laki, o czym świadczy kilka zapięć znalezionych w Torihamie. Znaleziono także pozostałości mieczy, kości czy poroża z kości słoniowej.

Okres Yayoi (500 p.n.e.-300 n.e.)

Okres ten oznaczał definitywne powstanie społeczeństwa agrarnego, które spowodowało wylesienie dużych poszerzeń terytorium.

Ta transformacja doprowadziła do ewolucji społeczeństwa japońskiego w dziedzinie technologii, kultury i społeczeństwa, z większym rozwarstwieniem społecznym i specjalizacją pracy oraz spowodowała wzrost konfliktów zbrojnych.

SZTUKA JAPOŃSKA

Archipelag japoński był usiany małymi państwami utworzonymi wokół klanów (uji), wśród których dominował Yamato, co dało początek rodzinie cesarskiej. Potem pojawił się sintoizm, mitologiczna religia, która doprowadziła do upadku cesarza Amaterasu, bogini słońca.

Ta religia promowała prawdziwe poczucie czystości i świeżości sztuki japońskiej, z preferencją dla czystych materiałów i bez dekoracji, z poczuciem integracji z naturą (kami lub nadświadomością). Od I wieku p.n.e. C. zaczął wprowadzać cywilizację kontynentalną ze względu na stosunki z Chinami i Koreą.

Kultura Yayoi pojawiła się na wyspie Kyūshū około 400-300 p.n.e. C. i przeniósł się do Honsiu, gdzie stopniowo zastąpił kulturę Jōmon. W tym okresie rozbudowano rodzaj wielkiego grobowca z komnatą i kopcem ozdobionym terakotowymi walcami z postaciami ludzi i zwierząt.

Wioski otaczały rowy, pojawiały się różne narzędzia rolnicze (m.in. kamienne narzędzie w kształcie półksiężyca służące do żniw), a także różnorodna broń, jak łuki i strzały z polerowanymi kamiennymi końcówkami.

W Ceramice specjalnie produkowane były następujące przedmioty: Słoiki, Wazony, Talerze, Filiżanki i Butelki z pewnymi szczegółami. Miały polerowaną powierzchnię, z prostą dekoracją, głównie nacięciami, kropkowanymi i zygzakowatymi serpentynami, najczęściej używanym przedmiotem było szkło o nazwie Tsubo.

SZTUKA JAPOŃSKA

Podkreślał prace z użyciem metali, głównie brązu, takich jak tzw. dzwonki dotaku, które służyły jako przedmioty obrzędowe, zdobione spiralami (ryusui) w postaci płynącej wody, czy płaskorzeźby zwierząt (głównie jelenie, ptaki, owady i płazy), a także sceny myślistwa, rybołówstwa i prac rolniczych, zwłaszcza związanych z ryżem.

Wydaje się, że jeleń miał szczególne znaczenie, być może związane z pewnym bóstwem: w wielu miejscach znaleziono wiele łopatek jelenia z nacięciami lub znakami wykonanymi ogniem, który podobno jest związany z rodzajem rytuału.

Inne przedmioty dekoracyjne znalezione na stanowiskach Yayoi to: lustra, miecze, różne koraliki i magatama (kawałki jadeitu i agatu w kształcie nerkowca, które służyły jako klejnoty płodności).

Okres Kofuna (300-552)

Ta era oznaczała konsolidację Cesarskiego Państwa Centralnego, które kontrolowało ważne zasoby, takie jak żelazo i złoto. Architektura rozwijała się najlepiej na cmentarzu, z typowymi grobowcami komorowymi i przejazdowymi zwanymi kofun ("stary grobowiec"), na których wznosiły się duże kopce ziemi.

Pochówki cesarzy Ōjin (346-395) i Nintoku (395-427) są uderzające, gdzie znaleziono wiele różnych przedmiotów, wśród których były; biżuteria, figurki wykonane z różnych materiałów, zwłaszcza figurki z terakoty.

SZTUKA JAPOŃSKA

Te statuetki miały około sześćdziesięciu centymetrów wysokości, praktycznie bez wyrazu, tylko kilka szparek w oczach i ustach, chociaż są bardzo aktualnym przykładem sztuki tamtych czasów.

Zgodnie z ich ubiorem i sprzętem, w tych postaciach wyróżniają się różne zawody, takie jak rolnicy, milicjanci, mnisi, prowincjonalne kobiety, minstrele itp.

Pod koniec tego okresu pojawiły się również postacie zwierząt, w tym jeleni, psów, koni, dzików, kotów, kur, owiec i ryb, świadczące o znaczeniu ówczesnej osady wojskowej, której cechy stylistyczne nawiązują do kultury Silla z Korei, a także rodzaj ceramiki zwanej Sueki, która jest ciemna i bardzo cienka, z brzęczącymi dodatkami.

Zróżnicowanie społeczne doprowadziło do izolacji klas rządzących w ekskluzywnych dzielnicach miast, takich jak Yoshinogari, do trwałej segregacji w odizolowanych dzielnicach, takich jak Mitsudera czy kompleksy pałacowe Kansai, Ikaruga i Asuka-Itabuki.

Jeśli chodzi o architekturę religijną, wczesne świątynie Shinto (jinja) były wykonane z drewna, na podwyższonej podstawie i odsłoniętych ścianach lub przesuwanych ściankach działowych, z podstawami podtrzymującymi spadzisty dach.

SZTUKA JAPOŃSKA

Jednym z jego charakterystycznych elementów jest torii, czyli łuk wejściowy, który wyznacza wejście do miejsca sakralnego. Warto zwrócić uwagę na sanktuarium Iseia, które od VIII wieku było przebudowywane co dwadzieścia lat.

Główny budynek (Shoden) ma podniesioną podłogę i dwuspadowy dach o dziewięciu bazach, do którego prowadzą zewnętrzne schody. Jest w stylu shinmei zukuri, który odzwierciedla późny styl Shinto, przed pojawieniem się buddyzmu w Japonii.

Inną mityczną świątynią o niepewnym pochodzeniu jest Izumo Taisha, niedaleko Matsue, legendarna świątynia założona przez Amaterasu. Jest w stylu taisha zukuri, uważany jest za najstarszy z sanktuariów, główną atrakcją jest elewacja budynku na pilastrach, ze schodami jako głównym wejściem i prostym drewnianym wykończeniem bez malowania.

Według znalezionych rękopisów pierwotne sanktuarium miało wysokość 50 metrów, ale w wyniku pożaru zostało odbudowane do wysokości 25 metrów. Budynki to Honden („wewnętrzne sanktuarium”) i Hayden („zewnętrzne sanktuarium”). Kinpusen-ji, główna świątynia shugendō, ascetycznej religii łączącej Shinto, buddyzm i wierzenia animistyczne, również należy do tego okresu.

W tym okresie odnajdujemy pierwsze próbki malarstwa, jak na Królewskim Pogrzebie Ōtsuka i grobowcach Kieś w kształcie dolmenów (V-VI w.), ozdobionych scenami uwięzionej ofiary, bitew, rumaków, ptaków i statków lub spiralami i koncentryczne okręgi.

SZTUKA JAPOŃSKA

Były to malowidła ścienne wykonane z czerwieni hematytu, sadzy, żółci ochry, bieli kaolinowej i zieleni chlorytu. Jednym z charakterystycznych projektów tego okresu jest tzw. chokomon, składający się z linii prostych i łuków narysowanych na przekątnych lub krzyżach, obecnych na ścianach grobowców, sarkofagów, posągów Haniwa i luster z brązu.

Okres Asuki (552-710)

Yamato wymyślił scentralizowane królestwo na wzór chiński, ucieleśnione w prawach Shōtoku-Taishi (604) i Taika z 646. Wprowadzenie buddyzmu wywarło wielki wpływ artystyczny i estetyczny w Japonii, z wielkim wpływem sztuki chińskiej.

Potem nastał panowanie księcia Shōtoku (573-621), który faworyzował buddyzm i kulturę w ogóle i był owocny dla sztuki. Architektura była reprezentowana w świątyniach i klasztorach, w większości uległa zatraceniu, zakładając zastąpienie prostych linii sintoistycznych wspaniałością pochodzącą z lądu.

Jako najwybitniejszą budowlę tego okresu należy wymienić świątynię Hōryū-ji (607), reprezentującą styl Kudara (w Korei Paekche). Został wykonany na terenie świątyni Wakakusadera, wzniesionej przez Shōtoku i spalonej przez jego przeciwników w 670 roku.

Zbudowany w planie osiowym, składa się z zespołu budynków, w których znajduje się pagoda (Tō), Yumedono („sala snów”) i Kondō („złota sala”). Jest w stylu chińskim, po raz pierwszy zastosowano dach z dachówki ceramicznej.

SZTUKA JAPOŃSKA

Jedną z cech tego niezwykłego przykładu jest świątynia Itsukushima (593), wykonana na wodzie w Seto, gdzie znajdują się Gojūnotō, Tahōtō i różne hondeny. Ze względu na swoje piękno w 1996 roku został wpisany na Listę Światowego Dziedzictwa UNESCO.

Rzeźba o tematyce buddyjskiej została wykonana z drewna lub brązu: pierwsze figury Buddy sprowadzono z kontynentu, ale później duża liczba artystów chińskich i koreańskich osiedliła się w Japonii.

Obraz Kannona, japońskiego imienia bodhisattwy Avalokiteśwary (po chińsku Guan Yin), rozprzestrzenił się pod nazwą Bodhisattwa Kannon, dzieło koreańskiego Tori; Kannon znajdujący się w świątyni Yumedono w Hōryū-ji; i Kannon z Kudary (VI wiek), autorstwa nieznanego artysty. Innym ważnym dziełem jest Triada Sâkyamuni (623), wykonana z brązu, autorstwa Tori Busshi, zainstalowana w świątyni Hōryū-ji.

Generalnie były to dzieła surowego, kanciastego i archaicznego stylu, inspirowane koreańskim stylem Koguryŏ, co widać w pracach Shiba Tori, które wyznaczały „oficjalny styl” okresu Asuka: Wielki Budda Asuka (świątynia Hoko -ji, 606), Budda Yakushi (607), Kannon Guze (621), Triada Shaka (623).

Innym artystą, który podążał za tym stylem, był Aya no Yamaguchi no Okuchi Atahi, autor Czterech niebiańskich strażników (shitenno) Złotej Sali Hōryū-ji (645), który pomimo bardzo starego stylu przedstawia bardziej zaokrągloną ewolucję wolumetryczną, z większą wyraziste twarze.

SZTUKA JAPOŃSKA

Obraz inspirowany motywami chińskimi, wykonany tuszem lub barwnikami mineralnymi na jedwabiu lub papierze, na pergaminowych zwojach lub zawieszony na ścianie. Oznacza wielkie wyczucie rysunku, z dziełami o wielkiej oryginalności, takimi jak relikwiarz Tamamushi (Hōryū-ji), z drewna kamforowego i cyprysowego, z brązowymi filigranowymi paskami, przedstawiający różne sceny w oleju na lakierowanym drewnie, w technice zwanej mitsuda -i z Persji i związane z chińskim malarstwem dynastii Wei.

U podstawy relikwiarza znajduje się jataka (opis przeszłych wcieleń Buddy), ukazująca księcia Mahasattwę konsekrującego własne ciało głodnej tygrysicy. Mniej więcej w tym czasie zaczęła zyskiwać na znaczeniu kaligrafia, której przypisywano ten sam poziom artystyczny, co obrazom figuratywnym.

Odnotowano również jedwabne gobeliny, takie jak Mandala Tenkoku wykonana dla Shōtoku (622). Ceramika, która mogła być glazurowana lub nie, miała niewielką produkcję lokalną, będąc najbardziej cenionym chińskim importem.

Okres Nara (710-794)

W tym okresie założono stolicę w Nara (710), pierwszą stałą stolicę mikado. W tym czasie sztuka buddyjska była u szczytu, kontynuując z wielką intensywnością wpływy chińskie: Japończycy widzieli w sztuce chińskiej harmonię i doskonałość zbliżoną do europejskiego gustu klasycznej sztuki grecko-rzymskiej.

Nieliczne przykłady architektury z tego okresu to monumentalne budowle, takie jak Wschodnia Pagoda Yakushi-ji, świątynie Tōshōdai-ji, Tōdai-ji i Kōfuku-ji oraz Cesarski Magazyn Shōso-in w Nara, w którym zachowano wiele artefaktów ze sztuki czasów cesarza Shōmu (724-749), z pracami z Chin, Persji i Azji Środkowej. Miasto Nara zostało zbudowane zgodnie z układem siatki, wzorowanym na Chang'an, stolicy dynastii Tang.

SZTUKA JAPOŃSKA

Pałac cesarski miał takie samo znaczenie jak główny klasztor Tōdai-ji (745-752), zbudowany zgodnie z symetrycznym planem w dużym ogrodzeniu z bliźniaczymi pagodami i zawierający Daibutsuden, „wielką salę Buddy”. «. z dużym 15-metrowym brązowym posągiem Buddy Vairocana (Dainichi po japońsku), ofiarowanym przez cesarza Shōmu w 743. Odbudowany w 1700, Daibutsuden jest największym drewnianym budynkiem na świecie.

Inną ważną świątynią jest Hokkedō, w której znajduje się kolejny wspaniały posąg, Kannon Fukukenjaku, ośmioramienny lakierowany bodhisattwa o wysokości czterech metrów. wysoki i Tang wpływ, który jest widoczny w pogodzie i spokoju rysów twarzy.

Natomiast Wschodnia Pagoda Yakushi-ji była próbą odnalezienia własnego stylu przez japońskich architektów, odchodząc od wpływów chińskich. Wyróżnia się wertykalnością, z naprzemiennymi osłonami o różnych rozmiarach, co nadaje mu wygląd znaku kaligraficznego.

W swojej konstrukcji wyróżniają się okapy i balkony, utworzone przez zazębiające się drewniane pręty, w kolorze białym i brązowym. Wewnątrz znajduje się wizerunek Yakushi Nyorai ("Buddy Medycyny"). Jest wpisany na Listę Światowego Dziedzictwa pod nazwą Historyczne Zabytki Starożytnej Nary.

Tōshōdai-ji (759) miał ten sam stopień narodowej asymilacji, wykazując wyraźny kontrast między Kondō („złota sala”), z jej solidnością, symetrią i wertykalnością pod wpływem chińskim, a Kodō („sali wykładowej”) ”), o większej prostocie i horyzontalności, które wyznaczają tradycję aborygeńską.

SZTUKA JAPOŃSKA

Innym wystawcą była Kiyomizu-dera (778), której główny budynek wyróżnia się ogromną balustradą wspartą na setkach filarów, która wystaje na wzgórzu i oferuje imponujące widoki na miasto Kioto. Świątynia ta była jednym z kandydatów na listę Nowych Siedmiu Cudów Świata, chociaż nie została wybrana.

Ze swojej strony Rinnō-ji słynie z Sanbutsudō, gdzie znajdują się trzy posągi Amidy, Senjūkannona i Batōkannona. Jako świątynia Shinto wyróżnia się Fushimi Inari-taisha (711), poświęcona duchowi Inari, szczególnie nazwana na cześć tysięcy czerwonych torii, które wyznaczają drogę wzdłuż wzgórza, na którym stoi świątynia.

Reprezentacja Buddy osiągnęła wielki rozwój w rzeźbie, z posągami o wielkiej urodzie: Sho Kannon, Budda Tachibany, Bodhisattwa Gakko z Tōdai-ji. W okresie Hakuhō (645-710) stłumienie klanu Soga i konsolidacja cesarstwa doprowadziły do ​​końca wpływów koreańskich i zastąpienia ich przez Chińczyków (dynastia Tang), tworząc szereg dzieł o większej wspaniałości i realizmie, z bardziej okrągłymi i bardziej wdzięczne formy.

Ta zmiana jest zauważalna w części posągów z pozłacanego brązu Yakushi-ji, utworzonych przez siedzącego Buddę (Yakushi) w towarzystwie bodhisattwów Nikko („Światło słoneczne”) i Gakko („Światło księżyca”), którzy wykazują większą dynamikę w swojej pozycji kontrapostu. i większa wyrazistość twarzy.

W Hōryū-ji kontynuowano styl Tori pochodzenia koreańskiego, jak w Kannon Yumegatari i triadzie Amida medalionu Lady Tachibana. W świątyni Tōshōdai-ji znajduje się seria dużych posągów, wykonanych z wydrążonego wysuszonego lakieru, podkreślających centralną Buddę Rushanę (759), która ma 3,4 metra wysokości. Istnieją również przedstawienia duchów opiekuńczych (Meikira Taisho), królów (Komokuten) itp. Są to prace w drewnie, brązie, surowej glinie lub suchym lakierze, o dużym realizmie.

SZTUKA JAPOŃSKA

Obraz jest reprezentowany przez dekoracje ścienne Hōryū-ji (koniec VII wieku), takie jak freski Kondō, które są podobne do tych z Ajantā w Indiach. Pojawiły się również różne typologie, takie jak kakemono („obraz wiszący”) i emakimono („malowanie wałkiem”), historie namalowane na rolce papieru lub jedwabiu, z tekstami wyjaśniającymi różne sceny, zwane sutrami.

W Nara Shōso-in znajduje się wiele obrazów o tematyce świeckiej, z różnymi typami i tematami: rośliny, zwierzęta, krajobrazy i metalowe przedmioty. W połowie tego okresu szkoła malarstwa z czasów dynastii Tang stała się modna, co widać na malowidłach ściennych w grobowcu Takamatsuzuka, datowanych na około 700 lat.

Dekretem Taiho-ryo z 701 r. zawód malarza jest regulowany w korporacjach rzemieślniczych. kontrolowany przez Departament Malarzy (takumi-no-tuskasa) przy Ministerstwie Spraw Wewnętrznych. Stowarzyszenia te zajmowały się dekorowaniem pałaców i świątyń, a ich struktura przetrwała do ery Meiji. Ceramika niezwykle ewoluowała dzięki różnym technikom importowanym z Chin, takim jak użycie jasnych kolorów nałożonych na glinę.

Okres Heian (794-1185)

W tym okresie miał miejsce rząd klanu Fujiwara, który ustanowił scentralizowany rząd inspirowany rządem chińskim ze stolicą w Heian (obecnie Kioto). Powstali wielcy feudałowie (daimyō) i pojawiła się postać samuraja.

Mniej więcej w tym czasie pojawiła się grafologia zwana Hiragana, która dostosowała chińską kaligrafię do wielosylabowego języka używanego w Japonii, używając chińskich znaków do fonetycznych wartości sylab. Zerwanie stosunków z Chinami zaowocowało bardziej wyrazistą sztuką japońską, gdzie obok sztuki religijnej pojawiła się sztuka świecka, będąca wiernym odzwierciedleniem nacjonalizmu dworu cesarskiego.

Ikonografia buddyjska przeszła nowy rozwój wraz z sprowadzeniem z kontynentu dwóch nowych sekt, Tendai i Shingon, opartych na buddyzmie tybetańskim tantrycznym, który zawierał elementy Shinto i wytworzył charakterystyczny dla tamtych czasów synkretyzm religijny.

Architektura uległa zmianie w planie klasztorów, które wzniesiono w odizolowanych miejscach, przeznaczonych do medytacji. Najważniejsze świątynie to Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) i pagoda-pagoda Murō-ji. Enryaku-ji, położony w pobliżu góry Hiei, jest jednym z zabytków starożytnego Kioto, wpisanym na Listę Światowego Dziedzictwa w 1994 roku.

Została założona w 788 przez Saichō, który wprowadził buddyjską sektę Tendai do Japonii. Enryaku-ji miało około 3.000 świątyń i było w swoich czasach wielkim ośrodkiem władzy, a większość jego budynków została zniszczona przez Oda Nobunagę w 1571 roku.

Z części, która przetrwała, wyróżnia się Saitō („sala zachodnia”) i Tōdō („sala wschodnia”), w której znajduje się Konpon chūdō, najbardziej reprezentatywna konstrukcja Enryaku ji, w której przechowywany jest posąg Buddy wyrzeźbiony przez samego Saichō, Yakushi Nyorai.

Rzeźba uległa nieznacznemu spadkowi w porównaniu do poprzednich czasów. Ponownie wyobrażenia Buddy (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai ze świątyni Jingo-ji w Kioto; Amida Nyorai z klasztoru Byōdō-in), a także niektórych bogiń Shinto (Kichijoten, bogini szczęścia, odpowiednik Indii Lakshmī) .

SZTUKA JAPOŃSKA

Nadmierna sztywność religii buddyjskiej ogranicza spontaniczność artysty, który ogranicza się do sztywnych kanonów artystycznych podważających jego swobodę twórczą. W 859 i 877 powstaje styl Jogan, wyróżniający się obrazami o niemal zastraszającej grawitacji, z pewną introspekcyjną i tajemniczą atmosferą, jak Shaka Nyorai z Murō-ji.

W okresie Fujiwara, szkoła założona przez Jōchō w Byōdō-in zyskała sławę, z bardziej eleganckim i smukłym stylem niż rzeźba Jogana, wyrażającym doskonałe kształty ciała i świetne wyczucie ruchu.

Warsztat Jōchō wprowadził techniki yosegi i warihagi, które polegały na podzieleniu figury na dwa bloki, które następnie zostały połączone, aby je wyrzeźbić, unikając w ten sposób późniejszego pękania, jednego z głównych problemów przy dużych figurach. Techniki te umożliwiają również montaż seryjny i zostały opracowane z wielkim sukcesem w szkole Kei okresu Kamakura.

Malarstwo Yamato-e rozwija się szczególnie na ręcznie pisanych zwojach zwanych emaki, które łączą sceny obrazkowe z elegancką kaligrafią Katakana. Zwoje te opowiadały historyczne lub literackie fragmenty, takie jak Opowieść o Genji, powieść Murasaki Shikibu z końca X wieku.

Chociaż tekst był dziełem znanych skrybów, obrazy były zazwyczaj wykonywane przez dworskie kurtyzany, takie jak Ki no Tsubone i Nagato no Tsubone, zakładając próbkę kobiecej estetyki, która miałaby wielkie znaczenie we współczesnej sztuce japońskiej.

SZTUKA JAPOŃSKA

W tym czasie rozpoczęto klasyfikację obrazów według płci, w której wyczuwalne było rozróżnienie między publicznością, w której męskość znajdowała się pod wpływem chińskim, a kobiecą i bardziej estetyczną była artystycznie japońska.

W onna-e, oprócz Historii Genji, wyróżnia się Heike Nogyo (Sutra Lotosu), zamówione przez klan Taira dla świątyni Itsukushima, gdzie są ucieleśnione w różnych zwojach o zbawieniu dusz głoszonych przez buddyzm.

Z drugiej strony, to Otoko-e było bardziej narracyjne i energiczne niż ona-e, bardziej pełne akcji, z większym realizmem i ruchem, jak w zwojach Shigisan Engi, o cudach mnicha Myorena; Ban Danigon E-kotoba, o wojnie między rywalizującymi klanami w IX wieku; oraz Chōjugiga, sceny zwierząt z karykaturalnym znakiem i satyrycznym tonem, krytykujące arystokrację.

Okres Kamakura (1185-1392)

Po kilku sporach między klanami feudalnymi, narzucono Minamoto, który ustanowił szogunat, formę rządu z sądem wojskowym. W tym czasie sekta Zen została wprowadzona do Japonii, co miało duży wpływ na sztukę figuratywną. Architektura była prostsza, bardziej funkcjonalna, mniej luksusowa i bogata.

Panowanie zen przyniosło tak zwany styl Kara-yo: miejsca kultu zen były zgodne z chińską techniką planimetrii osiowej, chociaż głównym budynkiem nie była świątynia, lecz czytelnia, a honorowego miejsca nie zajmował posąg. Buddy, ale przy małym tronie, na którym opat nauczał swoich uczniów.

SZTUKA JAPOŃSKA

Pięć wielkich kompleksów świątynnych Sanjūsangen-dō w Kioto (1266), a także klasztory Kennin-ji (1202) i Tōfuku-ji (1243) w Kioto oraz Kenchō-ji (1253) i Engaku-ji (1282). ) w Kamakurze.

Kōtoku-in (1252) słynie z dużego i ciężkiego posągu Buddy Amidy z brązu, co czyni go drugim co do wielkości Buddą w Japonii po Tōdai-ji.

W 1234 roku zbudowano Świątynię Chion-in, siedzibę buddyzmu Jōdo shū, wyróżniającą się kolosalną bramą główną (Sanmon), największą tego typu budowlą w Japonii.

Jednym z ostatnich przedstawicieli tego okresu była Hongan-ji (1321), na którą składają się dwie główne świątynie: Nishi Hongan-ji, w skład której wchodzą Goei-dō i Amida-dō, wraz z pawilonem herbacianym i dwoma scenami teatr Noh, z których jeden uważa się za najstarszy, który wciąż żyje; i Higashi Hongan-ji, dom słynnego Shosei-en.

Rzeźba nabrała dużego realizmu, znajdując dla artysty większą swobodę twórczą, o czym świadczą portrety szlachty i żołnierzy, jak choćby portret Uesugi Shigusy (autorstwa anonimowego), czternastowiecznego wojskowego.

SZTUKA JAPOŃSKA

Prace zen koncentrowały się na przedstawieniu ich mistrzów, w rodzaju posągu zwanego shinzo, takiego jak posąg mistrza Muji Ichien (1312, przez anonimowego autora), z polichromowanego drewna, który przedstawia mistrza zen siedzącego na tronie, w postawa medytacji zrelaksowana.

Szczególnie ważna dla jakości jej prac była Szkoła Kei z Nara, spadkobierczyni szkoły Jōchō okresu Heian, w której rzeźbiarz Unkei, autor posągów mnichów Muchaku i Sesshina (Kōfuku-ji z ​​Nary), również jako obrazy Kongo Rikishi (duchów opiekuńczych), takich jak dwa kolosalne posągi znajdujące się przy wejściu do 8-metrowej świątyni Tōdai-ji (1199).

Styl Unkei, inspirowany chińską rzeźbą z dynastii Song, był bardzo realistyczny, a jednocześnie uchwycił najbardziej szczegółowe studium fizjonomiczne z emocjonalną ekspresją i wewnętrzną duchowością przedstawionej osoby.

Ciemne kryształy zostały nawet osadzone w oczach, aby nadać większej wyrazistości. Prace Unkei zapoczątkowały japońskie portrety. Jego syn Tankei, autor Kannon Senju dla Sanjūsangen-dō, kontynuował jego pracę.

Obraz charakteryzował się zwiększonym realizmem i psychologiczną introspekcją. Krajobraz (wodospad Nachi) i portret Mnicha Myoe w kontemplacji, autorstwa Enichi-bo Jonina; zestaw portretów ze świątyni Jingo-ji w Kioto, autorstwa Fujiwary Takanobu; Opracowano głównie portret cesarza Hanazono autorstwa Goshina.

SZTUKA JAPOŃSKA

Tryb yamato-e trwał nadal, a obrazy zostały wyjaśnione w zwojach, z których wiele miało kilka metrów długości. Rękopisy te przedstawiały szczegóły życia codziennego, sceny miejskie lub wiejskie lub ilustrowały wydarzenia historyczne, takie jak wojna w Kioto z 1159 roku między rywalizującymi gałęziami rodziny cesarskiej.

Przedstawiono je w scenach ciągłych, w porządku narracyjnym, z podwyższoną panoramą, w linii prostej. Wyróżniają się ilustrowane zwoje wydarzeń z ery Heiji (Heiji monogatari) oraz zwoje Kegon Engi Enichi-bo Jonina.

Obraz związany z organizacją zen był bardziej bezpośrednio pod wpływem chińskim, z techniką bardziej prostych chińskich linii atramentu, podążającą za powiedzeniem zen, że „zbyt wiele kolorów oślepia oczy”.

Okres Muromachi (1392-1573)

Shogunat znajduje się w rękach Ashikagi, których walki wewnętrzne sprzyjają rosnącej sile daimyō, który dzieli krainę. Architektura była bardziej elegancka i typowo japońska, obejmująca okazałe rezydencje, klasztory, takie jak Zuihoji, i świątynie, takie jak Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji lub Złoty Pawilon (1397) i Ginkaku-ji. o Srebrny Pawilon (1489) w Kioto.

Kinkaku-ji została zbudowana jako wioska odpoczynku dla Shoguna Ashikaga Yoshimitsu, jako część jego domeny zwanej Kitayama. Jego syn przekształcił budynek w świątynię dla sekty Rinzai. Jest to budowla trzykondygnacyjna, z czego dwie pierwsze pokryte są czystym złotem płatkowym. Pawilon pełni funkcję sheriden, chroniącego relikwie Buddy.

SZTUKA JAPOŃSKA

Zawiera również różne posągi Buddy i Bodhisattwy, a na dachu stoi złoty fenghuang. Ma również piękny przylegający ogród, ze stawem zwanym Kyōko-chi, z wieloma wyspami i kamieniami przedstawiającymi buddyjską historię stworzenia.

Ze swojej strony Ginkaku-ji został zbudowany przez szoguna Ashikaga Yoshimasę, który starał się naśladować Kinkaku-ji zbudowanego przez swojego przodka Yoshimitsu, ale niestety nie mógł pokryć budynku srebrem zgodnie z planem.

Charakterystyczne dla architektury tego okresu jest również wygląd tokonoma, pomieszczenia przeznaczonego do kontemplacji obrazu lub kompozycji kwiatowej, zgodnie z estetyką Zen. Wprowadzono również tatami, rodzaj maty ze słomy ryżowej, która uprzyjemniła wnętrze japońskiego domu.

W tym czasie szczególnie rozwinęła się sztuka ogrodnicza, kładąc podwaliny artystyczne i estetyczne ogrodu japońskiego. Pojawiły się dwa główne tryby: tsukiyama, wokół wzgórza i jeziora; i hiraniwa, płaski ogród z grabionego piasku, z kamieniami, drzewami i studniami.

Najczęściej spotykaną roślinnością są bambusy oraz różnego rodzaju kwiaty i drzewa, zarówno zimozielone, jak japońska sosna czarna, jak i liściaste, takie jak klon japoński, cenione są również elementy, takie jak paprocie i pianki.

Bonsai to kolejny typowy element ogrodnictwa i wystroju wnętrz. Ogrody często zawierają jezioro lub staw, różnego rodzaju pawilony (zwykle na ceremonię parzenia herbaty) i kamienne latarnie. Jedną z typowych cech ogrodu japońskiego, podobnie jak w całej jego sztuce, jest jego niedoskonały, niedokończony i asymetryczny wygląd.

Istnieją różne rodzaje ogrodów: „spacerowe”, które można zobaczyć spacerując ścieżką lub wokół stawu; „salonu”, który można oglądać z ustalonego miejsca, zazwyczaj pawilonu lub chaty typu machiya.

Te (rōji), wokół ścieżki prowadzącej do herbaciarni, z płytkami bakdosin lub kamieniami wyznaczającymi ścieżkę; oraz „kontemplacja” (karesansui, „pejzaż górski i wodny”), czyli najbardziej typowy ogród zen, widziany z platformy znajdującej się w klasztorach zen.

Dobrym przykładem jest tzw. bezwodny pejzaż ogrodu Ryōan-ji w Kioto autorstwa malarza i poety Sōami (1480), który przedstawia morze zrobione z grabionego piasku, pełne wysp, które są skałami. , tworzące całość łączącą rzeczywistość i iluzję oraz zachęcającą do wyciszenia i refleksji.

Odnotowano odrodzenie malarstwa, oprawionego w estetykę zen, która przejęła chińskie wpływy dynastii Yuan i Ming, odzwierciedlone głównie w sztuce zdobniczej.

Wprowadzono technikę gwaszu, doskonałą transkrypcję doktryny zen, która stara się odzwierciedlić w krajobrazach to, co one oznaczają, a nie to, co reprezentują.

Wyłoniła się postać bunjinso, „intelektualnego mnicha”, który tworzył własne prace, badaczy i zwolenników chińskich technik tuszem monochromatycznym, krótkimi i rozproszonymi pociągnięciami pędzla, który w swoich pracach odzwierciedlał naturalne elementy, takie jak sosny, trzciny, orchidee, bambusy , skały, drzewa, ptaki i postacie ludzkie zanurzone w naturze, w postawie medytacyjnej.

W Japonii ta chińska technika tuszu nazywana była sumi-e. Opierając się na siedmiu estetycznych zasadach zen, sumi-e starało się odzwierciedlić najbardziej intensywne wewnętrzne emocje poprzez prostotę i elegancję, w prostych i skromnych liniach, które wykraczają poza ich zewnętrzny wygląd, aby oznaczać stan komunii z naturą.

Sumi-e było środkiem (dō) do odnalezienia wewnętrznej duchowości, z której korzystali mnisi. Specyfika atramentu, subtelna i rozproszona, pozwoliła artyście na uchwycenie istoty rzeczy w prostym i naturalnym wrażeniu, ale jednocześnie głębokim i transcendentnym.

To instynktowna sztuka szybkiego wykonania, niemożliwa do retuszu, fakt, który łączy ją z życiem, w którym nie można wrócić do tego, co zostało zrobione. Każda ścieżka niesie energię życiową (ki), ponieważ jest aktem tworzenia, w którym umysł zostaje uruchomiony, a proces ma większe znaczenie niż wynik.

Najważniejszymi przedstawicielami sumi-e byli: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei, a przede wszystkim Sesshū Tōyō, autor portretów i pejzaży, pierwszy artysta malujący za życia. Sesshū był Gaso, mnichem-malarzem, który podróżował do Chin w latach 1467-1469, gdzie studiował sztukę i krajobraz naturalny.

Jego pejzaże składają się z linearnych struktur, oświetlonych nagłym światłem, które odzwierciedla zen koncept transcendentnego momentu. Są to pejzaże z obecnością elementów anegdotycznych, takich jak świątynie w oddali czy małe postacie ludzkie, oprawione w odległych miejscach, takich jak klify.

Pojawił się także nowy gatunek malarstwa poetyckiego, shinjuku, w którym pejzaż ilustruje wiersz inspirowany naturalistycznie. Warto również wspomnieć o Szkole Kanō, założonej przez Kanō Masanobu, która stosuje technikę gwaszu do tradycyjnych przedmiotów, ilustrując tematy sakralne, narodowe i krajobrazowe.

Lakier został również zastosowany do malowanych ekranów i paneli drzwi przesuwnych fusuma, będących znakiem rozpoznawczym japońskiego wystroju wnętrz. W ceramice wyróżnia się szkoła Seto, a najpopularniejszą typologią jest tenmoku. Godnymi uwagi przykładami z tego okresu są również przedmioty z lakieru i metalu.

Okres Azuchi–Momoyama (1573–1603)

W tym czasie Japonię ponownie zjednoczyli Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi i Tokugawa Ieyasu, którzy wyeliminowali daimyō i doszli do władzy.

Jego mandat zbiegł się w czasie z przybyciem portugalskich kupców i misjonarzy jezuickich, którzy wprowadzili chrześcijaństwo do kraju, choć docierając do mniejszości.

Twórczość artystyczna tego czasu odeszła od buddyjskiej estetyki, kładąc nacisk na tradycyjne japońskie wartości, z wybuchowym stylem. Inwazja Korei w 1592 r. spowodowała przymusowe przesiedlenie do Japonii wielu koreańskich artystów, którzy mieszkali w odizolowanych od reszty ośrodkach produkcji ceramiki.

Również w tym okresie pojawiły się pierwsze wpływy zachodnie, odzwierciedlone w stylu Namban, rozwiniętej w rzeźbie miniaturowej, o świeckiej tematyce, dekoracyjnych przedmiotach porcelanowych i składanych parawanach zdobionych w stylu Yamato-e, w jasnych kolorach i złocie płatkowym, w scenach opowiadających o przybyciu Europejczyków na japońskie wybrzeże.

Techniki perspektywiczne, a także inne warianty malarstwa europejskiego, takie jak wykorzystanie malarstwa olejnego, nie miały oparcia w sztuce w Japonii.

W architekturze wyróżnia się budowa wielkich zamków (shiro), które zostały wzmocnione wprowadzeniem w Japonii broni palnej pochodzenia zachodniego. Dobrymi przykładami są zamki Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō i Fushimi-Momoyama.

Zamek Himeji, jedna z najważniejszych budowli tamtych czasów, łączy masywne fortyfikacje z elegancją pionowo wyglądającej konstrukcji, na pięciu piętrach z drewna i gipsu, z delikatnie zakrzywionymi kształtami dachów podobnymi do tradycyjnych japońskich świątyń.

Rozmnażały się również rustykalne wioski ceremonii parzenia herbaty, składające się z małych willi lub pałaców i dużych ogrodów, aw niektórych miastach zbudowano drewniane teatry do występów kabuki.

W dziedzinie malarstwa szkoła Kanō przejmuje większość oficjalnych zleceń, opracowując malowidło ścienne głównych japońskich zamków, nie zabrakło ważnych postaci o imionach Kanō Eitoku i Kanō Sanraku.

Dla zamków, słabo oświetlonych wąskimi otworami obronnymi, stworzono rodzaj przegród ze złotym tłem, które odbijały światło i rozpraszały je po całym pomieszczeniu, z dużymi malowidłami ściennymi ozdobionymi bohaterskimi scenami, takimi jak zwierzęta. takich jak tygrysy i smoki, czy krajobrazy z obecnością ogrodów, stawów i mostów, lub w czterech porach roku, dość powszechnym tematem w tamtych czasach.

Sitodruk również bardzo się rozwinął, zazwyczaj przy użyciu zużytych atramentów, zgodnie ze stylem sumi-e, co można zobaczyć w pracach Hasegawa Tōhaku (las sosnowy) i Kaihō Yūshō (sosna i śliwa w świetle księżyca). Podkreślono także postać Tawaraya Sōtatsu, autora dzieł o wielkiej dynamice, w zwojach rękopisów, ekranach i wachlarzach.

Stworzył liryczny i dekoracyjny styl inspirowany skryptem waka z epoki Heian, zwanym rinpa, tworząc dzieła o wielkim wizualnym pięknie i emocjonalnej intensywności, takie jak The Story of Genji, The Path of Ivy, bogowie piorunów i wiatru itp.

Produkcja ceramiki osiągnęła moment wielkiego rozkwitu, opracowując produkty do ceremonii parzenia herbaty, inspirowane ceramiką koreańską, której rustykalność i niedokończony wygląd doskonale oddają estetykę Zen przenikającą rytuał herbaciany.

Pojawiły się nowe wzory, takie jak talerze nezumi i koganowe dzbanki na wodę, zwykle z białym ciałem skąpanym w warstwie skalenia i ozdobionymi prostymi wzorami wykonanymi z żelaznego haka. Była to gruba ceramika o wyglądzie szkliwionym, z niedokończoną obróbką, która dawała poczucie niedoskonałości i wrażliwości.

Seto pozostał głównym producentem, natomiast w miasteczku Mino narodziły się dwie ważne szkoły: Shino i Oribe. Odnotowano również szkołę Karatsu i dwa oryginalne rodzaje ceramiki:

Iga, o szorstkiej fakturze i grubej warstwie glazury, z głębokimi pęknięciami; oraz Bizen, czerwonawo-brązowa nieszkliwiona ceramika, wciąż miękka, zdjęta z koła, aby wytworzyć małe, naturalne pęknięcia i nacięcia, które nadawały jej kruchy wygląd, nadal pozostając w zgodzie z estetyką niedoskonałości Zen.

Jednym z najlepszych artystów tego czasu był Honami Kōetsu, który celował w malarstwie, poezji, ogrodnictwie, wyrobach z laki itp. Wykształcony w tradycji artystycznej okresu Heian oraz w szkole kaligrafii Shorenin, założył kolonię rzemieślniczą w Takagamine, niedaleko Kioto, na ziemi podarowanej przez Tokugawę Ieyasu.

Osada była utrzymywana przez rzemieślników ze szkoły buddyjskiej Nichiren i wyprodukowała wiele wysokiej jakości dzieł. Specjalizowali się w wyrobach z laki, głównie przyborach biurowych, zdobionych inkrustacjami ze złota i masy perłowej, a także różnego rodzaju naczyniach i zastawach stołowych do ceremonii parzenia herbaty, podkreślających pełną miskę fujisan. czerwonawy pokryty czarnymi majtkami, a na wierzchu nieprzezroczysta lodowata biel dająca efekt opadów śniegu.

Okres Edo (1603-1868)

Ten okres artystyczny odpowiada okresowi historycznemu Tokugawy, kiedy Japonia była zamknięta na wszelkie kontakty zewnętrzne. Stolicę założono w Edo, przyszłym Tokio. Chrześcijan prześladowano, a kupców europejskich wypędzano.

Pomimo systemu wasalstwa, handel i rzemiosło mnożyły się, dając początek klasie burżuazyjnej, która rosła w siłę i wpływy, i poświęciła się promowaniu sztuki, zwłaszcza grafiki, ceramiki, wyrobów z laki i wyrobów. tekstylia.

Najbardziej reprezentatywnymi dziełami są Pałac Katsura w Kioto i Mauzoleum Tōshō-gū w Nikkō (1636), które jest częścią „Sanktuariów i Świątyń Nikkō”, które zostały wpisane na Listę Światowego Dziedzictwa UNESCO w 1999 roku.

Coś z gatunku unii Shinto-buddystów, to mauzoleum szoguna Tokugawy Ieyasu. Świątynia jest sztywno symetryczną konstrukcją z kolorowymi płaskorzeźbami pokrywającymi całą widoczną powierzchnię. Wyróżniają się barwnymi konstrukcjami i przeładowanymi ornamentami, odbiegającymi od stylistyki ówczesnych świątyń.

Wnętrza zdobią szczegółowe rzeźby z lakieru w jasnych kolorach i mistrzowsko pomalowane panele. Pałac Katsura (1615-1662) został zbudowany na asymetrycznym planie inspirowanym Zen, w którym zastosowanie prostych linii na zewnętrznej elewacji kontrastuje z zawiłością otaczającego go ogrodu.

Willa ze względu na swój warunek bycia siedzibą cesarskiej rodziny składała się z budynku głównego, kilku oficyn, herbaciarni i 70000-tysięcznego parku. Główny pałac, który ma tylko jedną kondygnację, podzielony jest na cztery aneksy zbiegające się na rogach.

Cały budynek ma pewne cechy tego, że jest zbudowany na filarach, a nad nimi szereg pokoi ze ścianami i drzwiami, niektóre z obrazami Kanō Tan'yū.

Charakterystyczne dla tego okresu są również herbaciarnie (chashitsu), zazwyczaj małe drewniane budynki z dachami krytymi strzechą, otoczone ogrodami w stanie pozornego opuszczenia, z porostami, mchami i opadłymi liśćmi, zgodnie z koncepcją zen. transcendentnej niedoskonałości.

Początek rozwoju artystycznego i intelektualnego

W tym okresie Japonia stopniowo studiowała zachodnie techniki i postępy naukowe (tzw. rangaku) ​​poprzez informacje i książki otrzymywane od holenderskich kupców w Dejima.

Najczęściej badane dziedziny obejmowały geografię, medycynę, nauki przyrodnicze, astronomię, sztukę, języki, koncepcje fizyczne, takie jak badanie zjawisk elektrycznych i mechanicznych. Nastąpił też wielki rozwój matematyki, w kierunku całkowicie niezależnym od świata zachodniego. Ten silny prąd nazwano wasan.

Największym osiągnięciem intelektualnym tego okresu był rozkwit neokonfucjanizmu. Studia konfucjanizmu były aktywne przez długi czas przez duchownych buddyjskich, ale w tym okresie ten system wierzeń przyciągał wielką uwagę do koncepcji człowieka i społeczeństwa.

Humanizm etyczny, racjonalizm i historyczna perspektywa konfucjanizmu były postrzegane jako model społeczny. W połowie XVII wieku konfucjanizm stał się dominującą filozofią prawa i bezpośrednio przyczynił się do rozwoju narodowego systemu nauczania, kokugaku.

Jego główną zaletą dla reżimu sioguna był nacisk na relacje hierarchiczne, uległość. na szczyt. i posłuszeństwo, które rozciąga się na całe społeczeństwo i ułatwia zachowanie systemu feudalnego.

Duże znaczenie nabrała sztuka tekstylna, głównie jedwabiu, który osiągnął poziom najwyższej jakości, dlatego też często w pokojach wieszano jedwabne suknie (kimono) w jasnych kolorach i wykwintnych wzorach. oddzielone, jakby były ekranami.

Stosowano różne techniki, takie jak farbowanie, haftowanie, brokatowanie, tłoczenie, aplikacja i malowanie ręczne. Jedwab był dostępny tylko dla wyższych sfer, podczas gdy ludzie ubrani w bawełnę, wykonaną w indonezyjskiej technice ikat, przędziono w odcinki i barwiono indygo na przemian z bielą.

Inną techniką gorszej jakości było tkanie nici bawełnianych o różnych kolorach, przy użyciu domowych barwników nanoszonych w stylu batiku za pomocą pasty ryżowej oraz gotowanych i aglomerowanych otrębów ryżowych.

Należy zauważyć, że tak jak na sztukę japońską w XIX wieku wpływ miała sztuka zachodnia, tak i egzotyka i naturalność sztuki japońskiej. Tak narodził się na Zachodzie tzw. japonizm, rozwinięty głównie w drugiej połowie XIX wieku, zwłaszcza we Francji i Wielkiej Brytanii.

Ujawniło się to w tzw. .

W malarstwie styl szkoły ukiyo-e był entuzjastycznie przyjmowany, a prace Utamaro, Hiroshige i Hokusaia były wysoko cenione. Artyści zachodni naśladowali uproszczoną konstrukcję przestrzenną, proste kontury, kaligrafię i naturalistyczną wrażliwość malarstwa japońskiego.

Czasy współczesne (od 1868)

W okresie Meiji (1868-1912) w Japonii rozpoczął się głęboki kulturowy, społeczny i technologiczny renesans, który otworzył się bardziej na świat zewnętrzny i zaczął uwzględniać nowe osiągnięcia dokonane na Zachodzie. Karta z 1868 r. zniosła feudalne przywileje i różnice klasowe, co nie doprowadziło do poprawy zubożałych klas proletariackich.

Rozpoczął się okres silnego imperialistycznego ekspansjonizmu, który doprowadził do II wojny światowej. Po wojnie Japonia przeszła proces demokratyzacji i rozwoju gospodarczego, który uczynił z niej jedną z wiodących światowych potęg gospodarczych oraz czołowy ośrodek produkcji przemysłowej i innowacji technologicznych. Po erze Meiji nastąpiły epoki Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) i Heisei (1989-).

Od 1930 r. postępująca militaryzacja i ekspansja w Chinach i Azji Południowej, aw konsekwencji wzrost środków przeznaczonych na budżet wojskowy, doprowadziły do ​​spadku mecenatu artystycznego. Jednak wraz z powojennym boomem gospodarczym i nowym dobrobytem osiągniętym wraz z uprzemysłowieniem kraju, sztuka odrodziła się, już w pełni zanurzona w międzynarodowych ruchach artystycznych w wyniku procesu kulturowej globalizacji.

Również dobrobyt gospodarczy zachęca do kolekcjonowania, tworząc wiele muzeów i centrów wystawienniczych, które pomogły w rozpowszechnianiu i zachowaniu sztuki japońskiej i międzynarodowej. Na polu religijnym ustanowienie w erze Meiji szintoizmu jako jedynej oficjalnej religii (Shinbutsu bunri) doprowadziło do porzucenia i zniszczenia buddyjskich świątyń i dzieł sztuki, co byłoby nieodwracalne bez interwencji Ernesta Fenollosa, profesora filozofia. z Uniwersytetu Cesarskiego w Tokio.

Wraz z magnatem i mecenasem Williamem Bigelowem uratował dużą liczbę dzieł, które wzbogaciły kolekcję sztuki buddyjskiej w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie i Freer Gallery of Art w Waszyngtonie, dwóch najlepszych kolekcjach sztuki azjatyckiej w świat.

Architektura ma dwa kierunki: tradycyjny (świątynia Yasukuni, świątynie Heian Jingu i Meiji w Tokio) oraz europejski, integrujący nowe technologie (Muzeum Yamato Bunkakan, autorstwa Iso Hachi Yoshida, w Nara).

Westernizacja doprowadziła do budowy nowych budynków, takich jak banki, fabryki, stacje kolejowe i budynki użyteczności publicznej, zbudowanych z zachodnich materiałów i technik, początkowo naśladujących angielską architekturę wiktoriańską. Niektórzy zagraniczni architekci pracowali również w Japonii, np. Frank Lloyd Wright (Hotel Imperial, Tokio).

Architektura i urbanistyka zyskały ogromny rozkwit po II wojnie światowej, ze względu na konieczność odbudowy kraju. Wtedy pojawiło się nowe pokolenie architektów.

Prowadzona przez Kenzō Tange, autora prac takich jak Muzeum Pokoju w Hiroszimie, Katedra Najświętszej Marii Panny w Tokio, Stadion Olimpijski na Igrzyska Olimpijskie 1964 w Tokio itp.

Studenci i zwolennicy Tange stworzyli koncepcję architektury rozumianą jako „metabolizm”, postrzegając budynki jako formy organiczne, które muszą być dostosowane do potrzeb funkcjonalnych.

Ruch założony w 1959 roku, myślał o stworzeniu centrum ludności, którego założeniem było stworzenie szeregu budynków zmieniających się wraz ze zmianami zewnętrznymi, jakby był organizmem.

Jej członkami byli Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe i Kiyonori Kikutake. Innym przedstawicielem był Maekawa Kunio, który wraz z Tange wprowadził stare japońskie idee estetyczne do sztywnych współczesnych budynków.

Ponownie używa tradycyjnych technik i materiałów, takich jak mata tatami i użycie filarów, tradycyjnego elementu konstrukcyjnego w japońskich świątyniach, lub integracja ogrodów i rzeźb w jego dziełach. Nie zapominam o zastosowaniu techniki próżniowej, badał ją Fumihiko Maki w relacji przestrzennej między budynkiem a jego otoczeniem.

Od lat 1980. sztuka postmodernistyczna ma silną pozycję w Japonii, ponieważ od czasów starożytnych charakterystyczne jest połączenie tego, co popularne, z wyrafinowaniem form.

Styl ten reprezentował głównie Arata Isozaki, autor Muzeum Sztuki Kitakyushu i sali koncertowej w Kioto. Isozaki studiował u Tange iw swojej pracy syntetyzował zachodnie koncepcje z typowymi dla Japonii pomysłami przestrzennymi, funkcjonalnymi i dekoracyjnymi.

Ze swojej strony Tadao Andō opracował prostszy styl, z wielką dbałością o wkład światła i otwartych przestrzeni do powietrza na zewnątrz (kaplica na wodzie, Tomanu, Hokkaidō; Church of the Light, Ibaraki, Osaka; Muzeum Dzieci, Himeji).

Shigeru Ban charakteryzował się wykorzystaniem niekonwencjonalnych materiałów, takich jak papier czy plastik: po trzęsieniu ziemi w Kobe w 1995 roku, które pozostawiło wiele osób bez dachu nad głową, Ban przyczynił się do zaprojektowania Delo, które stało się znane jako Dom Papieru i Kościół Papierowy, wreszcie Toyō Zbadał fizyczny obraz miasta w erze cyfrowej.

W rzeźbie jest też dwoistość tradycja-awangarda, podkreślająca nazwiska Yoshi Kimuchi i Romorini Toyofuku, obok abstrakcyjnego Masakazu Horiuchi i Yasuo Mizui, tego ostatniego mieszkającego we Francji. Isamu Noguchi i Nagare Masayuki połączyli bogatą tradycję rzeźbiarską swojego kraju w pracach, które badają kontrast między chropowatością a połyskiem materiału.

Malarstwo podążało również za dwoma nurtami: tradycyjnym (nihonga) i zachodnim (yōga), mimo istnienia obu, postać Tomioka Tessai pozostała na początku XX w. Podczas gdy styl nihonga został wzmocniony pod koniec od XIX wieku krytyk sztuki Okakura Kakuzō i pedagog Ernest Fenollosa.

Szukając w sztuce tradycyjnej archetypowej formy wyrazu japońskiej wrażliwości, choć ten styl również otrzymał pewne wpływy zachodnie, zwłaszcza prerafaelitów i romantyzmu. Reprezentowali go głównie Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison i Kobayashi Kokei.

Malarstwo w stylu europejskim zostało po raz pierwszy pielęgnowane technikami i tematami stosowanymi w Europie pod koniec XIX wieku, głównie związanymi z akademizmem, jak w przypadku Kurody Seiki, który studiował przez kilka lat w Paryżu, ale potem kontynuował różne nurty występujące w sztuce zachodniej:

Grupa Hakuba Kai przejęła wpływy impresjonistów; malarstwo abstrakcyjne miało Takeo Yamaguchi i Masanari Munay jako głównych bohaterów; Artyści figuratywni to Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen i Higashiyama Kaii. Niektórzy artyści osiedlili się poza swoim krajem, np. Genichiro Inokuma w Stanach Zjednoczonych i Tsuguharu Foujita we Francji.

W Taishō największy wpływ na nihonga wywarł styl jogi, chociaż coraz większe wykorzystanie światła i perspektywy europejskiej zmniejszyły różnice między tymi dwoma nurtami.

Tak jak nihonga w dużej mierze zaadoptował innowacje postimpresjonizmu, joga wykazywała skłonność do eklektyzmu, wyłaniając się z szerokiej gamy rozbieżnych ruchów artystycznych.

Na tym etapie utworzono Japońską Akademię Sztuk Pięknych (Nihon Bijutsu In). Malarstwo epoki Shōwa zostało naznaczone twórczością Yasuri Sotaro i Umehara Ryuzaburo, którzy wprowadzili koncepcje czystej sztuki i malarstwa abstrakcyjnego do tradycji Nihonga.

W 1931 roku powstało Niezależne Stowarzyszenie Artystyczne (Dokuritsu Bijutsu Kyokai), którego celem było promowanie sztuki awangardowej.

Już w II wojnie światowej rządowe regulacje prawne wyraźnie akcentowały wątki patriotyczne. Po wojnie artyści pojawili się ponownie w dużych miastach, zwłaszcza w Tokio.

Tworzenie sztuki miejskiej i kosmopolitycznej, która z oddaniem podążała za innowacjami stylistycznymi produkowanymi na całym świecie, zwłaszcza w Paryżu i Nowym Jorku. Po abstrakcyjnych stylach lat sześćdziesiątych, lata siedemdziesiąte powróciły do ​​preferowanego przez pop-art realizmu, co określa twórczość Shinohara Ushio.

Uderzające jest, że pod koniec lat 1970. wydarzyło się coś ciekawego, że nastąpił powrót do tradycyjnej sztuki japońskiej, w której widzieli większą wyrazistość i siłę emocjonalną.

Tradycja grafiki kontynuowana była w XX wieku w stylu „kreatywnych grafik” (sosaku hanga) rysowanych i rzeźbionych przez artystów preferujących styl nihonga, takich jak Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi i Munakata Shiko.

Wśród najnowszych trendów Grupa Gutai cieszyła się dobrą opinią w ramach tzw. sztuki akcji, która utożsamiała doświadczenie II wojny światowej poprzez działania nacechowane ironią, z dużym poczuciem napięcia i utajoną agresywnością.

W skład grupy Gutai wchodzili: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto i Katsuō Shiraga. Związanych ze sztuką postmodernistyczną kilku artystów, zaangażowanych w niedawne zjawisko globalizacji, naznaczone wielokulturowością wypowiedzi artystycznych.

Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Inni wybitni współcześni japońscy artyści to: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara71 i Takashi Murakami.

Jeśli zainteresował Cię ten artykuł, zapraszamy do zapoznania się z tymi innymi:


Bądź pierwszym który skomentuje

Zostaw swój komentarz

Twój adres e-mail nie zostanie opublikowany. Wymagane pola są oznaczone *

*

*

  1. Odpowiedzialny za dane: Actualidad Blog
  2. Cel danych: kontrola spamu, zarządzanie komentarzami.
  3. Legitymacja: Twoja zgoda
  4. Przekazywanie danych: Dane nie będą przekazywane stronom trzecim, z wyjątkiem obowiązku prawnego.
  5. Przechowywanie danych: baza danych hostowana przez Occentus Networks (UE)
  6. Prawa: w dowolnym momencie możesz ograniczyć, odzyskać i usunąć swoje dane.