Wpływy greckie są obecne w całej jego sztuce, ale jego własne odciski narzucają bardzo charakterystyczne style malarstwo rzymskie: sceny z życia, sceny mitologiczne, pejzaże, martwe natury, a nawet dekoracje trompe l'oeil. Dekoracja architektoniczna była bardzo popularna wśród Rzymian.
malarstwo rzymskie
Tak jak sztuka grecka została wprowadzona przez cywilizacje przed-helleńskie Krety i Myken, tak sztuka rzymska znalazła wylęgarnię w cywilizacji etruskiej i greckiej. Około roku 1000/800 pochodzą ze wschodniego regionu Morza Śródziemnego, prawdopodobnie z Lidii, w Azji Mniejszej, etruskich plemion we Włoszech. Na szczęście w ten sposób uzupełniają rdzenną populację; do serca Włoch przynoszą kawałek dziedzictwa kulturowego ze Wschodu.
Ponieważ Etruskowie podbili prawie cały półwysep włoski, wnoszą oni wiele do budowy cywilizacji rzymskiej: ich praktyczność i umiejętności techniczne pozostawiają głęboki ślad w sztuce rzymskiej. Grecy wywarli również znaczny wpływ na sztukę i cywilizację rzymską.
W okresie wielkiej kolonizacji, 800-550, roiło się na wybrzeżach Morza Śródziemnego. Czy osiedlają się też na Sycylii? i południowe Włochy, które dlatego nazywane są Wielką Grecją. Ci Grecy sprowadzają grecką cywilizację we wszystkich jej aspektach na italską ziemię i wpływają na sztukę rzymską bardziej niż ktokolwiek inny.
Wraz z powstaniem kultury rzymskiej epoka starożytna weszła w ostatni etap. Sztuka w Rzymie odgrywała zupełnie inną rolę niż ta w Grecji, w której była nierozerwalnie związana z życiem.
Greccy malarze, rzeźbiarze, architekci, filozofowie i poeci sami tworzyli historię. W starożytnym Rzymie zadanie to wykonywali władcy miast, generałowie, mówcy. Ich imiona są zapisane w annałach historii, ale nazwiska rzymskich malarzy i rzeźbiarzy do nas nie dotarły, choć byli równie utalentowani jak Grecy.
Koniec kultury etruskiej był początkiem sztuki rzymskiej. Prawdopodobnie wcześniej w starożytnym Rzymie byli artyści i rzeźbiarze, ale nie zachowały się żadne informacje o nich. Wpłynęło to również na to, że niemal do końca istnienia Rzeczypospolitej Rzym nieustannie prowadził wojny podbijając swoich sąsiadów, a wojna, jak wiadomo, nie przyczynia się do rozwoju sztuki.
Krajem wstrząsały także walki wewnętrzne: lud walczył przeciwko arystokratom, broniąc swoich praw; Włoskie miasta (gminy) domagały się równości z obywatelami Rzymu. Wojny trwały wieki, nie zatrzymując się ani na rok. Być może z tych powodów sztuka rzymska jako taka nie istniała aż do IV-III wpne Architektura jako pierwsza zadeklarowała się: najpierw w postaci mostów i budowli obronnych, a później - świątyń.
Często mówi się, że Rzymianie nie są prawdziwymi artystami. Takie wrażenie można odnieść porównując dorobek artystyczny Rzymian z na przykład Grekami czy Egipcjanami. We wczesnych wiekach historii Rzymu niewiele wskazuje na aspiracje estetyczne lub artystyczne; Rzymianie z pewnością nie tworzyli oryginalnej sztuki.
Jeśli jednak Rzym zajmuje poczesne miejsce w historii sztuki na przestrzeni wieków, to dlatego, że Rzymianie po zdobyciu militarnego panowania nad światem uznali także wartości duchowe i formy artystyczne innych narodów, zwłaszcza Greków. , miał wielką zdolność przyswajania i wiedział, jak przetwarzać w osobisty sposób.
Ogólna charakterystyka starożytnego malarstwa rzymskiego
Malarstwo rzymskie sprowadziło się do nas niemal wyłącznie w postaci malowideł ściennych. Pod tym względem większość dzieł sztuki wciąż znajduje się w miejscu, dla którego zostały stworzone i gdzie są przechowywane w często trudnych warunkach. Ważnym dowodem malarstwa rzymskiego są dekoracje grobowców i prywatnych domów, świątyń i sanktuariów w całym imperium.
Wpływy greckie dominowały również początkowo w malarstwie rzymskim. Specyficznie rzymskie stanowisko zostało znalezione w III wieku p.n.e. C. w tzw. obrazach triumfalnych. Aby uhonorować zwycięskich generałów, obrazy były przenoszone jako popularne reportaże w triumfalnej procesji, a następnie wystawiane publicznie. Niestety obrazy te nie zachowały się i są jedynie poświadczone w literaturze antycznej.
Zwyczaj malowania wewnętrznych ścian domów wkroczył do rzymskich miast w II wieku pne z greckich miast południowych Włoch, ale rzymscy malarze dekoratorzy, czerpiąc z greckich technik, twórczo rozwinęli swój bogaty system dekoracji ścian.
W rzymskim malarstwie ściennym z II wieku p.n.e. zwyczajowo rozróżnia się cztery style zdobnicze, które czasami nazywane są „pompejańskimi” (ponieważ takie malowidła odkryto po raz pierwszy w technice fresku podczas wykopalisk w Pompejach).
Wielki wkład w badania malowideł ściennych w starożytnym Rzymie wniósł niemiecki naukowiec August May, który był odpowiedzialny za zidentyfikowanie czterech stylów malarstwa pompejańskiego.
Podział na style malarskie jest dość arbitralny i nie pokrywa się z ogólnymi prawami ewolucji malarstwa rzymskiego jako całości.
Rzymskie malowidło ścienne można oglądać z różnych pozycji: po pierwsze, jako pojedyncza kompozycja malarska, która zdobi to lub inne pomieszczenia o określonej wielkości i przeznaczeniu. Po drugie, jako echo kompozycji greckich i hellenistycznych.
Po trzecie, jako poszukiwanie tego czy innego wzorca kulturowego, wzorca rzymskich gustów artystycznych z różnych epok. Po czwarte, jako reprezentant różnych nurtów artystycznych samego malarstwa rzymskiego, umiejętności techniczne jego twórców.
Techniki i style malarstwa rzymskiego
Wnętrza rzymskich budowli były często bogato zdobione odważnymi kolorami i wzorami. Malowidła ścienne, freski i stiuki do tworzenia efektów reliefowych powstały w I wieku p.n.e.
Jest używany w budynkach publicznych, domach prywatnych, świątyniach, grobowcach, a nawet instalacjach wojskowych w całym świecie rzymskim.
Projekty obejmowały zarówno skomplikowane, realistyczne szczegóły, jak i bardzo impresjonistyczne renderingi, często obejmujące całą dostępną część ściany, w tym sufit.
Przygotowanie tynku było tak ważne, że Pliniusz i Witruwiusz wyjaśniają w swoich pracach technikę stosowaną przez malarzy do malowania ścian: przede wszystkim należało wykonać dobrej jakości tynk, który również mógł składać się z siedmiu kolejnych warstw inny skład.
Pierwszy był bardziej chropowaty, potem pozostałe trzy zostały wykonane z zaprawy i piasku, a ostatnie trzy z zaprawy i marmurowego pyłu; Generalnie nakładano warstwy tynku o grubości około ośmiu centymetrów, pierwszy układano bezpośrednio na ścianie, aby dobrze przylegał, a najgrubszy (od trzech do pięciu cm) z piasku i wapna.
Rzymscy malarze ścienny preferowali naturalne kolory ziemi, a także ciemniejsze czerwienie, żółcie i ochry. Niebieskie i czarne pigmenty były również szeroko stosowane do prostszych projektów, ale dowody z malarni w Pompejach pokazują, że istniała szeroka gama odcieni.
W III i II wieku p.n.e. obrazy nie były malowane bezpośrednio na ścianie. W malowanym tynku imitowano prostokątne płyty marmurowe, stojące i leżące, różnego rodzaju kolorów, którymi pokryto ściany na dużych wysokościach. U góry dekorację tę zamknięto tynkową ramą, w ramach tych prawdopodobnie znajdowały się luźne płyciny. W Kampanii zachowało się kilka przykładów tego systemu dekoracji, m.in. dom Salustiusza w Pompejach.
Nastąpiło to zgodnie z modą, która rozprzestrzeniła się w całym świecie hellenistycznym. Dopiero na początku I wieku p.n.e. pojawiła się prawdziwa sztuka rzymska. Talerze nie były już tynkowane w plastikowym stiuku, lecz pomalowane, a ich kształt sugerowały pasy światła i cienia.
Później środkowa część ściany została pomalowana tak, jakby nieco się cofnęła, a w regularnych odstępach przedstawiono kolumny, które wydawały się stać na podium i najwyraźniej podtrzymywały dach. Szczyt ściany sugerował widok na inny pokój lub dziedziniec. Konstrukcje architektoniczne były również rozmieszczone symetrycznie wokół malowanego otworu, z drzwiami lub bramą pośrodku, jak w willi Publiusa Fanniusa Sinistora w Boscoreale, 50-40 pne
Tematami były portrety, sceny z mitologii, architektura trompe l'oeil, flora, fauna, a nawet ogrody, pejzaże i całe miasta, aby stworzyć spektakularne panoramy, które przenoszą widza z wąskich przestrzeni do nieograniczonego świata wyobraźni malarza porwany.
Najwspanialsze przykłady malarstwa rzymskiego pochodzą z fresków z okolic Wezuwiusza (Pompeje i Herkulanum), z egipskich tablic Fajum oraz z modeli rzymskich, niektóre wywodzące się z epoki paleochrześcijańskiej (obrazy z katakumb). Mamy dowody malarstwa rzymskiego w trzech technikach:
- Malowanie ścienne: wykonane we fresku, na świeżej limonce, a więc trwalsze; kolory zmieszano z jajkiem lub woskiem, aby pomóc im chwycić;
- Malowanie na drewnie lub desce: ze względu na charakter podłoża otrzymane przykłady są rzadkie. Słynny wyjątek stanowią nagrobki z Fajum (Egipt), szczęśliwie zachowane dzięki szczególnej sytuacji środowiskowej i klimatycznej;
- Malarstwo abstrakcyjne, nakładane na przedmioty, w celach dekoracyjnych. Zwykle charakteryzuje się sumarycznymi i szybkimi uderzeniami.
Na ogół obrazy wcześniejsze i bogatszych domów mają więcej warstw niż obrazy późniejsze i mniej zamożne budynki mieszkalne. Zaczynając od góry, na ścianę nakładano warstwy tynku, a następnie farby, a na dole wykańczano.
Mimo ogromnych różnic w szczegółach ściany zbudowane są według tego samego schematu. Zawsze istnieje strefa podstawowa, strefa środkowa i strefa górna. Strefa bazowa jest zwykle dość prosta, może być monochromatyczna, ale może też mieć imitację marmuru lub proste obrazy roślinne. Bardzo popularne są również wzory geometryczne.
W strefie środkowej natomiast rozkłada się środek ciężkości obrazu. W zależności od stylu można znaleźć wyszukaną architekturę lub proste pola, przy czym środek ściany jest zwykle szczególnie ciężki i ozdobiony obrazem.
Malowidła polowe, szczególnie rozpowszechnione w trzecim stylu (ozdobnym), składają się z naprzemiennie szerokich, monochromatycznych i wąskich pól, często bogato zdobionych roślinami, nierealną architekturą lub innymi wzorami.
Malowanie było już praktykowane przez Etrusków (malarstwa nagrobne), ale najstarsze dowody działalności malarskiej w Rzymie pochodzą z pierwszej połowy V wieku p.n.e.: w szczególności postać słynnego Fabiusa Pictora (koniec IV wieku p.n.e.) jest pamiętany, dekorator Świątyni Salusa.
Stawia się hipotezę, że już w tej najstarszej fazie malarstwo rzymskie wykazywało szczególną skłonność do odświętnego charakteru kolejnych stuleci, wyrażającego się w płynnej i klarownej narracji, jak we współczesnych płaskorzeźbach rzeźbiarskich. Bardzo znany jest tak zwany obraz pompejański, nazwany tak od malowideł znalezionych w Pompejach, Herkulanum i innych krajach dotkniętych erupcją Wezuwiusza (79 rne). Jest podzielony na cztery różne style:
pierwszy styl
III-II wiek p.n.e., zwany także „intarsjami”. Odpowiadał on życiu Rzymian z II wieku pne Styl ten jest imitacją kolorowego marmuru. Na ścianach wewnętrznych pomieszczeń wszystkie detale architektoniczne wykonano w kawałkach trójwymiarowych: pilastry, gzymsy, gzymsy, pojedyncze wsporniki murowane, a następnie wszystko pomalowano kolorem i wzorem naśladując kamienie wykończeniowe.
Tynk, na który nałożono farbę, został przygotowany z kilku warstw, przy czym każda kolejna warstwa była cieńsza.
Styl „intarsji” był imitacją wnętrz pałaców i zamożnych domów w miastach hellenistycznych, gdzie sale wykładano różnokolorowymi kamieniami (marmurami). Pierwszy styl dekoracyjny wyszedł z mody w latach 80. p.n.e. Przykładem stylu „intarsji” jest Dom Fauna w Pompejach. Użyte kolory, ciemna czerwień, żółć, czerń i biel, wyróżniają się czystością tonalną.
Freski w Domu Gryfitów w Rzymie (100 pne) mogą służyć jako etap przejściowy między pierwszym a drugim stylem zdobniczym.
Połączenie niebieskiej, liliowej, jasnobrązowej kolorystyki, subtelnej gradacji malarstwa królewskiego i wybitnego, płaskiego i wolumetrycznego obrazu, pomiędzy dekoracją ścian panelowych a niejako wystającymi ze ściany kolumnami, pozwala uwydatnić malowanie Dom Gryfów jako przejściowa droga od drobnej imitacji muru do aktywnego przestrzennego sposobu rozwiązania muru.
drugi styl
II-I w. p.n.e. Nazywana „perspektywą architektoniczną”, w przeciwieństwie do wcześniejszego stylu płaskiego, ma bardziej przestrzenny charakter. Na ścianach widoczne były kolumny, gzymsy, pilastry i kapitele z totalną iluzją rzeczywistości, a nawet oszustwem. Środkową część ściany pokryto wizerunkami pergoli, portyków, ukazanych w perspektywie, przy użyciu światłocienia. Za pomocą malarstwa dekoracyjnego stworzono iluzoryczną przestrzeń, prawdziwe ściany zdawały się oddalać, pomieszczenie wydawało się większe.
Niekiedy pomiędzy kolumnami i pilastrami umieszczano pojedyncze postacie ludzkie lub całe wielopostaciowe sceny lub pejzaże. Czasami na środku ściany znajdowały się duże obrazy z dużymi postaciami. Fabuły obrazów były w większości mitologiczne, rzadziej codzienne. Często obrazy drugiego stylu były kopiami dzieł starożytnych greckich malarzy z IV wieku pne
Przykładem malarstwa w drugim stylu zdobniczym jest malownicza dekoracja Willi Tajemnic w Pompejach. W małym pokoju z wysokim, przypominającym marmur cokołem, na tle jasnoczerwonej ściany z zielonymi pilastrami, pogrupowanych jest dwadzieścia dziewięć postaci naturalnej wielkości.
Większość kompozycji poświęcona jest tajemnicom ku czci boga Dionizosa. Przedstawiony jest tu także sam Dionizos, opierając się na kolanach Ariadny (żony). Pokazano tu starszych, młodych satyrów, menady i kobiety.
Bardzo ciekawa jest scena, w której stary silny mężczyzna, przedstawiony na jednej ze ścian pokoju, kieruje swój wzrok na młodą menadę, która jest przedstawiona na drugiej ścianie. W tym samym czasie Silenus drwi z młodego satyra z teatralną maską w dłoniach.
Ciekawa jest też inna scena malarska, ukazująca budzącą grozę boginię bijącą klęczącą dziewczynę długim batem na gołych plecach, próbującą stać się pełnoprawnym uczestnikiem tajemnic. Poza dziewczyną, wyraz jej twarzy, tępe oczy, splątane kosmyki czarnych włosów wyrażają fizyczne cierpienie i psychiczną udrękę. W tej grupie znajduje się również piękna postać młodej wakującej tancerki, która zdała już wymagane testy.
Kompozycja fresku opiera się nie tyle na proporcjach objętości w przestrzeni, ile na zestawieniu sylwetek na płaszczyźnie, choć przedstawione postacie są obszerne i dynamiczne. Cały fresk łączy w jedną całość gesty i postawy postaci przedstawionych na różnych ścianach. Wszystkie postacie są oświetlone delikatnym światłem spływającym z sufitu.
Nagie ciała są wspaniale pomalowane, kolorystyka ubrań jest niezwykle piękna. Mimo że tło jest jaskrawoczerwone, żaden szczegół nie znika na tym kontrastowym tle. Uczestnicy tajemnic są reprezentowani w celu stworzenia iluzji ich obecności w pokoju.
Osobliwością drugiego stylu są obrazy pejzażowe: góry, morze, równiny, ożywiane różnymi groteskowo wykonanymi postaciami ludzi, wykonywanymi schematycznie. Przestrzeń tutaj nie jest zamknięta, ale wolna. W większości przypadków krajobraz zawiera obrazy architektury.
W czasach Republiki Rzymskiej bardzo popularny był obrazowy portret sztalugowy. W Pompejach znajduje się portret młodej kobiety z tablicami do pisania, a także wizerunek Pompejusza Terencjusza z żoną. Oba portrety namalowane są z umiarem malarskim. Wyróżniają się dobrym przenoszeniem plastików twarzy. głębokie portrety.
trzeci styl
Trzeci styl pompejański (koniec I wpne – początek I wne) odpowiadał stylowi zdobniczemu.Zamiast malowniczych dekoracji, mających na celu wydzielenie i zastąpienie murów królewskich, są malowidła, które zdobią ścianę bez naruszania jej płaszczyzny.
Malowidła natomiast podkreślają płaszczyznę ściany, ozdabiając ją delikatnymi ornamentami, wśród których dominują bardzo zgrabne kolumny, przypominające bardziej metalowe żyrandole. To nie przypadek, że trzeci styl dekoracyjny nazywany jest również „żyrandolem”.
Oprócz tej lekkiej dekoracji architektonicznej, pośrodku ściany umieszczono niewielkie obrazy o treści mitologicznej. Martwa natura, małe pejzaże i sceny z życia codziennego są z wielką wprawą wprowadzane do dekoracji ornamentalnej.
Charakterystyczne są girlandy z liści i kwiatów namalowane na białym tle. Malowana biżuteria kwiatowa, ozdoby, miniaturowe sceny i martwe natury wymagają dokładnego obejrzenia. Malowanie trzeciego stylu podkreśla komfort i intymność pomieszczenia.
Ciekawa i różnorodna jest paleta artystów trzeciego stylu: czarna lub ciemnofioletowa podstawa, na której przedstawiano małe krzewy, kwiaty czy ptaki. W górnej części prezentowano naprzemiennie panele w kolorach niebieskim, czerwonym, żółtym, zielonym lub czarnym, na których umieszczano małe obrazy, okrągłe medaliony lub rozrzucone luźno pojedyncze postacie.
Artyści rzymscy opracowali greckie rozwiązanie scen mitologicznych zgodnie z panującym stylem. Poważna mimika, spokojna postawa i umiar gestów, posągowe postacie.
Większą uwagę zwrócono na wyraźny kontur, który wyraźnie wyznacza fałdy garderoby. Przykładem trzeciego stylu jest Willa Cycerona w Pompejach. Idylliczne krajobrazy pasterskie przetrwały w Pompejach i Rzymie. Zazwyczaj małe obrazy, nieco szkicowe, czasem malowane jednym lub dwoma kolorami.
czwarty styl
Czwarty styl zdobniczy wykształcił się w drugiej połowie I w. Czwarty styl jest wyrafinowany i żywiołowy, łącząc obiecujące konstrukcje architektoniczne drugiego stylu z dekoracjami zdobniczymi trzeciego stylu.
Ozdobna część malowideł nabiera charakteru fantastycznych kompozycji architektonicznych, a obrazy znajdujące się w centralnych partiach ścian mają charakter przestrzenny i dynamiczny.
Gama kolorów jest zwykle zróżnicowana. Fabuły obrazów są w większości mitologiczne. Mnogość nieregularnie oświetlonych postaci, ukazanych w szybkim ruchu, potęguje wrażenie przestronności. Obraz w czwartym stylu ponownie przełamuje płaszczyznę ściany, poszerza granice pomieszczenia.
Mistrzowie czwartego stylu, tworząc malowidła ścienne, przedstawiają na ścianach fantastyczny wspaniały portal pałacu, czy obrazy narracyjne, na przemian z „oknami”, przez które widoczne są fragmenty innych struktur architektonicznych.
Czasami w górnej części ściany artyści malowali galerie i balkony z postaciami ludzkimi, jakby przyglądali się obecnym w pomieszczeniu. Do malowania w tym stylu charakterystyczny był również dobór farb. Szczególnie w tym czasie reprezentują kompozycje o dynamicznych lub ostrych akcjach
W Pompejach zachowały się malowidła ścienne i czysto rzymski duch. Na przykład na Calle de la Abundancia, przy wejściu do warsztatu farbiarza Verecundo, na ścianie zewnętrznej znajdował się wykonany z precyzją i skrupulatnością obraz, który przedstawia wszystkie procesy farbiarza i jego pomocników. Przykładem czwartego stylu jest obraz pałacu Nerona w Rzymie (Złoty Dom), którego malowniczą dekorację wyreżyserował rzymski artysta Fabullus.
Był to styl najbardziej okazały, łączący fantastyczną i iluzjonistyczną architekturę drugiego stylu, fałszywe marmurowe panele i elementy zdobnicze trzeciego stylu (Dom Wettiuszów w Pompejach, Dom Dioscuri). W tym okresie istnieją majestatyczne przykłady architektury z efektem teatralnym i scenograficznym, które jednak przerabiają i łączą elementy zaczerpnięte z wcześniejszych stylów.
Wiele willi pompejańskich zostało urządzonych w tym stylu od przebudowy po trzęsieniu ziemi z 62 roku n.e. Przykładem jest Dom Wettiuszów, ozdobiony scenami z życia codziennego (np. walki kogutów), a przede wszystkim scenami z temat mitologiczny.
Oryginalność rzymskiego malarstwa ściennego z II-III wieku
Po zniknięciu Pompejów, Herkulanum i Stab w 79 rne Bardzo trudno prześledzić drogę rozwoju starożytnego malarstwa rzymskiego, gdyż zabytków z II-IV wieku jest bardzo niewiele. Z całą pewnością można powiedzieć, że malarstwo ścienne w II wieku stało się bardziej rozpowszechnione. W przeciwieństwie do czwartego stylu dekoracyjnego, gdzie stworzono iluzję dużej przestrzeni, podkreślono teraz płaszczyznę ściany. Ściana jest interpretowana liniowo przez poszczególne architektury.
Oprócz malowania przy dekorowaniu pokoju wykorzystano różne rodzaje marmuru oraz mozaiki umieszczone zarówno na podłodze, jak i na ścianach. Przykładem jest obraz przedstawiający willę cesarza Hadriana w Tivoli, niedaleko Rzymu. Pod koniec II i w pierwszej połowie III wieku techniki malarstwa dekoracyjnego uległy dalszemu uproszczeniu.
Płaszczyzna ściany, stropu, sklepienia nagrobka została podzielona ciemnymi pasami na prostokąty, trapezy lub sześciokąty, wewnątrz których (jak w ramie) namalowano głowę męską lub żeńską lub motyw. rośliny, ptaki i zwierzęta.
W III wieku rozwinął się sposób malowania, który charakteryzuje się pociągnięciami, które podkreślają tylko główne tomy i podążają za plastyczną formą. Gęste ciemne linie, dobrze zaznaczone oczy, brwi, nos. Włosy były zwykle traktowane masowo. Rysunki są schematyczne. Styl ten stał się szczególnie popularny podczas malowania chrześcijańskich katakumb i rzymskich grobowców.
Pod koniec III wieku szczególnie popularne są mozaiki. Figury mozaikowe wyróżniają się sztywnością póz, rysunkiem linii fałd odzieży, położeniem kolorystyki i ogólną płaszczyzną formy. Twarze przedstawionych postaci pozbawione są indywidualnych cech.
Szlachta często dekorowała ściany swoich willi i prywatnych domów i dlatego większość dowodów obrazowych, które do nas dotarły, wywodzi się z tego kontekstu. Bardzo ważne dla malarstwa rzymskiego były wpływy greckie, wywodzące się ze znajomości greckiej rzeźby i malarstwa, ale przede wszystkim z rozprzestrzeniania się greckich malarzy w Rzymie. Ze sfery hellenistycznej malarstwo rzymskie odziedziczyło nie tylko motywy dekoracyjne, ale także naturalność i reprezentacyjny realizm.
Fajumskie portrety pogrzebowe
Obok malarstwa rzymskiego i dzwonowego znajdują się słynne Portrety Fajum (I wiek pne – III wiek ne), które są serią egipskich tabliczek podobnych do portretów, które umieszczano na zmarłych podczas pochówku. Osoby były przedstawiane żywcem, z silnym realizmem twarzy, przedstawianych frontalnie i często na neutralnym tle. Cechą charakterystyczną tych tabletów jest wyjątkowa żywość obrazowa.
Ta grupa obrazów, będąca wzorowym przykładem integracji różnych kultur, znana jest jako Portrety Fajum, ze względu na miejsce ich odnalezienia. Istnieje około sześciuset portretów nagrobnych, wykonanych na drewnianych deskach techniką enkaustyczną lub temperową między I a III wiekiem, a zachowanych w doskonałym stanie dzięki suchemu klimatowi tego miejsca. Ludność, która tu mieszkała, była pochodzenia greckiego i egipskiego, ale była już mocno zromanizowana w jej zastosowaniach, dostosowując je do własnych tradycji.
Ten rodzaj obrazu na stole jest prawdziwym obrazem zmarłego i jest częścią lokalnych obrzędów pogrzebowych: koszt może być również bardzo wysoki, ponieważ portret mógł być ozdobiony złotymi liśćmi, aby imitować klejnoty i cenne przedmioty, został umieszczony pomiędzy bandaże mumii przez kilka dni podczas ekspozycji ciała w domu przed pogrzebem.
Ryt egipski, zwyczaj grecki, ale styl rzymski: ta społeczność została pod wpływem sztuki rzymskiej i skopiowała jej tematy i trendy; wszystkie portrety mają neutralne tło, ale są bardzo wiarygodne w oddawaniu rysów twarzy oraz detali ubiorów i fryzur.
W tej produkcji pojawiają się powtarzające się postacie, które były również szeroko rozpowszechnione w Rzymie: duże oczy, nieruchome spojrzenie i uproszczenie wolumetryczne (usunięcie płaszczyzn konturowych i ciała) znajdują się również w niektórych rzymskich portretach z okresu surowego i niedługo później.
Jako pierwszy przykład malarstwa biblijnego można zaliczyć obrazy Dura Europos (Syria), pochodzące z pierwszej połowy III wieku. Wynalezienie nowej ikonografii chrześcijańskiej jest tutaj wykazane pod silnym wpływem tradycji ikonograficznej hellenistyczno-żydowskiej: pierwsze ilustracje chrześcijańskie faktycznie wydobywają elementy i ikonografię z repertuaru żydowskiego i pogańskiego, nadając im nowe znaczenie religijne.
Ze względu na bliskie pokrewieństwa ikonograficzne i stylistyczne uważa się, że artyści pracowali jednocześnie dla klientów pogańskich i chrześcijańskich. Realizm, który zawsze charakteryzował malarstwo rzymskie, powoli zanikał w późnej starożytności, kiedy wraz z upowszechnieniem się sztuki prowincjonalnej zaczęto upraszczać i często symbolizować formy.
To nadejście malarstwa wczesnochrześcijańskiego, znanego przede wszystkim z malowideł katakumb, które łączą sceny biblijne, dekoracje, postacie z jeszcze pogańskiego kontekstu oraz bogaty repertuar symboli nawiązujących do postaci i treści chrześcijańskich (np. ryby, Dobry Pasterz). Najsłynniejsze przykłady pochodzą z katakumb Priscilli, Callisto i SS. Pietro i Marcellino (Rzym).
Mozaika rzymska
Oprócz mozaiki Aleksandra w Pompejach znaleziono mniejsze sceny, głównie kwadratowe, złożone z wielobarwnych kamieni, które zostały włączone jako środek prostszych podłóg. Tak zwane emblemata pochodzą z I wieku pne Podobne hellenistyczne mozaiki znaleziono na Delos. Obrazy, których tematem często jest Bachus na panterze lub martwe natury, przypominają obrazy.
Inaczej jest z czarno-białymi podłogami, które pojawiły się we Włoszech w I wieku pne Zostały one wykonane z marmuru i miały motywy geometryczne, stylizowane rośliny i kwiaty oraz uproszczone przedstawienia ludzi i zwierząt jako temat i w pełni pasowały do ich architektury funkcjonować. Ta czarno-biała mozaika, typowa dla Włoch, rozwinęła się dopiero w II wieku naszej ery, zwłaszcza w Ostii, gdzie powstały duże kompozycje stworzeń morskich.
Na północnym zachodzie imperium początkowo przyłączyli się do czarno-białej tradycji Włoch, ale od połowy II wieku n.e. ludzie zaczęli używać coraz więcej kolorów. Popularny był tam podział na kwadratowe i ośmiokątne płaszczyzny, na których układano różne wizerunki.
Sztuka mozaiki rozkwitła w Afryce Północnej, gdzie wielkie sceny mitologiczne i sceny z życia codziennego były przedstawiane w wielu kolorach na podłogach (willa Piazza Armerina na Sycylii). Mozaiki polichromowane zachowały się również w Antiochii. W I wieku ne mozaiki ścienne stosowano głównie tam, gdzie malowanie było mniej odpowiednie (np. na budynkach studni). Mozaiki ścienne i sklepienne z II i III wieku prawie całkowicie zaginęły.
Mozaika ścienna rozwinęła się w pełni dopiero w kościołach chrześcijańskich (IV wiek). Oprócz mozaiki stosowano również technikę zwaną opus sectile, w której figury i motywy składano z dużych kawałków wyciętych z różnych rodzajów marmuru. Ta technika była stosowana nie tylko do podłóg, ale także do ścian.
Ciekawostki
- Według Pliniusza, kolory zostały podzielone na „kwiatowe” (minium, armenium, cynober, chryzokola, indicum i purposorum), które musiały być kupowane bezpośrednio przez klienta, oraz „surowe”, które artysta włączył w ostatecznej cenie dzieła i ogólnie obejmowały żółtą i czerwoną ochrę, ziemie i egipski błękit
- Odkryto, że w cesarskiej willi w Pompejach malowidła na korytarzach, wszystkie należące do trzeciego stylu, zostały odrestaurowane na kilka lat przed erupcją i dopiero pięćdziesiąt lat po jej wybudowaniu, co świadczy o wielkiej wartości przypisywanej już w starożytności.
- Natura reprezentowana w malarstwie rzymskim jest zawsze i tylko ogrodowa: w ówczesnej mentalności spontaniczna natura łączyła się z barbarzyńskimi obyczajami i brakiem cywilizacji, tolerowane są jedynie przedstawienia dzikich zwierząt w scenach łowieckich o charakterze mitologicznym.
- W XV wieku w Rzymie przypadkowo odkryto „jaskinię” o całkowicie pomalowanych ścianach: był to Domus Aurea cesarza Nerona. Nadworny malarz Fabullus lub Amulius od 64 do 68 roku n.e. pracuje w Domus Aurea, malując freskami większość pomieszczeń w czwartym stylu pompejańskim.
kolory
Kolory zostały wykonane z pigmentów pochodzenia roślinnego lub mineralnego, a Vitruvio w De Architectura mówi o łącznie szesnastu kolorach, w tym dwóch organicznych, pięciu naturalnych i dziewięciu sztucznych. Pierwsze to czarne, otrzymywane przez kalcynowanie żywicy kawałkami żywicznego drewna lub wytłoków wypalanych w piecu, a następnie wiązane mąką oraz fioletowe, pochodzące z murexu, który był bardziej stosowany w technice temperowania.
Barwy pochodzenia mineralnego (odcienie białe, żółte, czerwone, zielone i ciemne) uzyskano przez dekantację lub kalcynację. Dekantacja to technika separacji polegająca na oddzieleniu dwóch substancji z mieszaniny ciało stałe-ciecz za pomocą siły grawitacji (w praktyce ciało stałe osadza się na dnie pojemnika, aż cała ciecz nad nim zostanie oczyszczona).
Kalcynacja to proces ogrzewania w wysokiej temperaturze, który trwa tak długo, jak trwa usunięcie wszystkich lotnych substancji ze związku chemicznego i jest stosowany od czasów starożytnych do produkcji pigmentów do farb, w tym ceruleanu. Dziewięć sztucznych uzyskano z kompozycji z różnymi substancjami, a wśród nich najczęściej używano cynobru (cynober) i cerulean (błękit egipski).
Cinnabar, pochodzenia rtęciowego, był trudny w aplikacji i konserwacji (ciemniał pod wpływem światła) i był bardzo drogi i bardzo poszukiwany. Przywieziono go z kopalń w pobliżu Efezu w Azji Mniejszej iz Sisapo w Hiszpanii. Cerulean został zrobiony z pokruszonego piasku nitro fleur zmieszanego z mokrymi opiłkami żelaza, które zostały wysuszone, a następnie wypalone na granulki.
Kolor ten sprowadził do Rzymu bankier Vestorius, który sprzedawał go pod nazwą Vesterianum i kosztował około jedenastu denarów. Prawo stanowiło, że klient dostarczył kolory „kwieciste” (najdroższe), a kolory „surowe” (najtańsze) zostały uwzględnione w umowie. Być może warsztat składał się z mistrza z jego pomocnikami.
Ci bardzo cenieni rzemieślnicy weszli w skład instrumentum sklepu, a gdy sklep został sprzedany innym właścicielom, oni również wraz z narzędziami pracy (poziomica, pion, kątownik itp.) i narzędziami zmieniali właściciela. Jego dzieło zaczynało się o świcie, a kończyło o zmierzchu i choć jego dzieła były odwiedzane i podziwiane, nie brano ich pod uwagę.
Oto kilka interesujących linków: