Nacisk kładziony jest na uczucia i emocje wewnątrz Malarstwo romantyzmu. Jest dużo miejsca na intuicję i wyobraźnię artysty. Dało to czasami niezwykłe dzieła sztuki o poetyckiej atmosferze podszytej sentymentalnością.
malarstwo romantyzmu
U schyłku XVIII i XIX wieku kultura europejska, a także amerykańska przeżywała narodziny zupełnie odmienne od okresu myśli i filozofii oświeceniowej - etapu romantyzmu. Stopniowo przenikając z Niemiec do kultury i sztuki Anglii, Francji, Rosji i innych krajów europejskich, romantyzm wzbogacił świat sztuki o nowe kolory, historie i zuchwałość aktu.
Ogólna charakterystyka romantyzmu
Romantyzm rozpoczął się jako ruch literacki w Niemczech, Anglii i Francji. Pod koniec XVIII wieku (wiek Rozumu) ludzie znudzili się racjonalistycznym myśleniem Oświecenia i akademickim klasycyzmem, w którym nieustannie starali się naśladować dawną klasykę.
W romantyzmie artysta nie był już naśladowcą sztuki klasycznej, ale sam stał się twórcą. Pracował z osobistych uczuć. Sztuka stała się „osobistą ekspresją indywidualnych emocji”. W tym podejściu do życia w XIX wieku punktem wyjścia było doświadczenie jednostki. Z negatywnego spojrzenia na własne czasy z przemysłem, racjonalizmem i materializmem przeszłość była postrzegana w sposób idealny.
To uczucie uważano za nadrzędne nad zdrowym rozsądkiem, ponieważ romantyk żył niezadowolony ze społeczeństwa: uciekał z tu i teraz do innych kultur, do przeszłości, w bajkach lub w naturze. Z melancholią ludzie pragnęli cofnąć się do średniowiecza, do idei, że wtedy życie było jeszcze czyste i autentyczne.
W sztukach plastycznych apogeum romantyzmu przypadło na lata 1820-1850. W wielu krajach europejskich nastąpiło odrodzenie zainteresowania mitami, sagami, baśniami i legendami własnego kraju oraz literaturą, która wychwala chwalebną przeszłość. W Anglii sir Walter Scott napisał ponad trzydzieści powieści historycznych, z których jedną był Ivanhoe. We Francji Victor Hugo napisał Notre Dame de Paris, średniowieczną opowieść, w której główną rolę gra Quasimodo, garbus.
Były przekłady tysiąca i jednej nocy, serii opowieści orientalnych. Kompozytorzy inspirowali się popularnymi pieśniami, balladami i legendami z przeszłości. Franz Schubert skomponował nie mniej niż sześćset romantycznych pieśni. Ludwig van Beethoven wybrał naturę jako punkt wyjścia dla swojego pasterstwa. W romantyzmie harmonię widziano w przyrodzie, przykładem były prawa natury. Niemiecki pisarz Goethe opracował metodę badania przyrody opartą na percepcji.
Goethe był również bardzo wpływowy poprzez swoją teorię kolorów, która za punkt wyjścia przyjęła uzupełniające się kontrasty, zwłaszcza niebieski i ciepły żółty. W baletach romantycznych i teatrze dominował melodramat. Im bardziej teatralny spektakl, z przerysowanymi kostiumami i fantastyczną scenografią, tym bardziej został doceniony.
Wielu artystów uciekało ze swoimi tematami w przeszłość lub przyszłość, w egzotykę, fantazję, „dziką” nieskażoną przyrodę lub żywiło romantyczną tęsknotę za niemożliwą miłością. Artyści romantyczni czasem dosłownie uciekają od rzeczywistości jako tęsknota za śmiercią, jako wyzwolenie od cierpienia.
Do wszystkich tych tematów artysta podszedł subiektywnie, zakładając, że indywidualne odczucie czy idea ewokuje uniwersalne uczucia i idee. Artysta był postrzegany jako arcykapłan przełożonego lub nadprzyrodzonego, jako koneser wzniosłości. Tylko artysta potrafił swoją wyobraźnią przekształcić osobiste uczucia w sztukę, intensywne doświadczenie wewnętrznego życia.
Nawet prekursorzy romantyzmu (Johann Heinrich Füssli i Francisco de Goya oraz pisarze ruchu literackiego Sturm und Drang) odwoływali się do uczuć jako źródła przeżyć estetycznych, choć nie wykluczali grozy i grozy, a także podziwu i zdumienia. , a tym samym współzałożyciel „Czarnego romantyzmu”.
Indywidualna wyobraźnia, wzniosłość i piękno natury zostały omówione jako nowe kategorie estetyczne. W drugiej połowie XIX wieku realizm kontrastuje z romantyzmem.
historia
Kiedy mówimy o romantyzmie, mamy na myśli okres historyczny od 1815 do 1848 roku, w którym całe społeczeństwo jest porwane wiatrem, który wieje już od końca XVIII wieku i będzie nadal wiać w następnym stuleciu i podkreśla nowe wartości społeczne.
Zapewne w duchu XVIII wieku zawierała już identyfikujące elementy romantyzmu, ale z tego, co dowiadujemy się z ówczesnych pism, uznano je za wartości negatywne, do tego stopnia, że zidentyfikowano je jako przejaw zaburzeń psychicznych przypisywanych „Zło stulecia” opisał szybko francuski lekarz i filozof La Mettrie (1709-51) w „De la folie”.
Do wielkich prekursorów ruchu romantycznego należy Francisco de Goya, który przezwyciężając rozpowszechnione idee neoklasyczne, zaakcentował figuratywny gust XVIII wieku, aby uzyskać nową swobodę ekspresyjną typową dla romantyzmu, z której śmiało antycypował najciemniejsze motywy fantastyczne.
Romantyzm jako zjawisko społeczne był początkowo teoretyzowany w Niemczech, ale miał szersze skutki we Francji, gdzie normy zachowań społecznych były tak silne, że romantycy żyli samotnie, uciskani głębokim poczuciem dyskomfortu i winy.
W malarstwie romantyzmu nawiązuje do nurtów kulturowych i filozoficznych, był on istotny w Ameryce i państwach europejskich w XVIII, XIX i XX wieku. Gatunek powstał w Niemczech, początkowo zamanifestował się w literaturze, następnie przeszedł do malarstwa i rozprzestrzenił się na Anglię, dotknął Francję, Hiszpanię i kilka innych krajów Europy i Ameryki.
Era romantyzmu przypada na okres historyczny między rewolucją francuską z 1789 r. a europejską burżuazyjno-demokratyczną rewolucją z 1848 r., punkt zwrotny w życiu narodów europejskich.
Gwałtowny rozwój kapitalizmu podkopał podstawy ustroju feudalnego i wszędzie, utrzymywane przez wieki stosunki społeczne, zaczęły się załamywać. Rewolucje i reakcje wstrząsnęły Europą, mapa została przerysowana. W tych sprzecznych warunkach nastąpiła duchowa odnowa społeczeństwa.
Romantyzm pierwotnie rozwinął się (lata 1790. XVIII w.) w filozofii i poezji w Niemczech, a później (1820 r.) rozprzestrzenił się na Anglię, Francję i inne kraje. Romantyzm stawia u podstaw postrzegania życia konflikt między ideałem a rzeczywistością, wzniosłymi uczuciami a codziennością.
Gatunek malarstwa romantyzmu kształtował się stopniowo, początkowo pojawił się romantyczny ideał heroiczny. Pod koniec XIX wieku trend zaczął się ujawniać. Główne cele i dogmaty: nacisk na spontaniczność, wiara w to, co najlepsze i poszukiwanie sprawiedliwości. Styl romantyzmu charakteryzuje się przewagą motywów mitologicznych, idealizacją minionych czasów, odrzuceniem dogmatów przeszłości oraz racjonalnej wizji i obrazów lirycznych.
Każdy artysta widział gatunek romantyzmu w malarstwie na swój sposób, więc temat, styl i detale są znacząco różne. Specyfika kierunku przyczyniła się do otwarcia kilku szkół, m.in. Norwich School of Landscape Painters, the Barbizon School itp. Podobnie styl miał pewną wartość w manifestacji symboliki i estetyki, a dzięki wkładowi najbardziej wpływowych artystów powstał ruch prerafaelitów.
Romantyzm w sztukach wizualnych w dużej mierze opierał się na ideach filozofów i pisarzy. W malarstwie, podobnie jak w innych formach sztuki, romantyków pociągało wszystko, co niezwykłe, nieznane, czy to dalekie kraje z ich egzotycznymi obyczajami i kostiumami (Delacroix), świat wizji mistycznych (Blake, Fryderyk, Prerafaelici), magia , sny (Runge) czy podświadomość ciemnych głębin (Goya, Füssli).
Dziedzictwo artystyczne przeszłości stało się źródłem inspiracji dla wielu artystów: starożytnego Wschodu, średniowiecza i protorenesansu (nazarejczyk, prerafaelici). W przeciwieństwie do klasycyzmu, który wychwalał wyraźną siłę rozumu, romantycy śpiewali namiętne i burzliwe uczucia, które pochwyciły całą osobę.
Jako pierwsze na nowe trendy odpowiedziały portret i pejzaż, które stają się ulubionymi gatunkami malarstwa romantyzmu.
Rozkwit gatunku portretowego wiązał się z zainteresowaniem romantyków błyskotliwą indywidualnością człowieka, pięknem i bogactwem ich świata duchowego. Życie ludzkiego ducha przeważa w romantycznym portrecie nad zainteresowaniem fizycznym pięknem, zmysłową plastycznością obrazu. Romantyczny portret (Delacroix, Gericault, Runge, Goya) zawsze ujawnia wyjątkowość każdej osoby, przekazuje dynamikę, intensywne pulsowanie życia wewnętrznego, buntowniczą namiętność.
Romantyków interesuje też tragedia złamanej duszy: bohaterami prac są często osoby chore psychicznie. Romantycy uważają, że krajobraz jest ucieleśnieniem duszy wszechświata; natura, podobnie jak dusza ludzka, wydaje się dynamiczna, nieustannie się zmienia.
Uporządkowane i uszlachetnione pejzaże charakterystyczne dla klasycyzmu zostały zastąpione obrazami natury spontanicznej, opornej, potężnej, ciągle zmieniającej się, odpowiadającej pomieszaniu uczuć romantycznych bohaterów.
Charakterystyka i trendy
Przez znaczną część XVIII wieku w malarstwie dominował nurt neoklasyczny, inspirowany głównie nakazami porządku, równowagi, racjonalności i przejrzystości. Dla ówczesnych malarzy reprezentowany temat nabiera fundamentalnego znaczenia, które zwykle jest katalogowane według kryteriów trafności i coraz mniej drugorzędnych gatunków.
Jednak w środku okresu romantyzmu jesteśmy świadkami wypaczenia wszystkiego, co wpłynęło na neoklasyczne dyktatury artystyczne na rzecz zupełnie nowych trendów. W rzeczywistości malarstwo staje się podatnym gruntem dla tego, co irracjonalne, dla uczuć, dla namiętności, dla energii, absolutu i tajemnicy.
W szczególności malarz przestaje odgrywać wcześniej ustaloną rolę społeczną związaną z pewnymi protokołami artystycznymi i staje się prostym i pospolitym mieszczaninem, jak wielu, którzy zamierzają uczynić kreatywność i wyobraźnię swoją własną figurą artystyczną.
To znaczy malarz zaczyna wskazywać na indywidualizm, na spontaniczną i swobodną ekspresję własnego geniuszu twórczego. W tej perspektywie więc absolutnie zabronione jest na etapie tworzenia wszelkie zasady i konwencje puszczające wodze podmiotowości malarza.
Jednak w epoce romantyzmu zmieniły się nie tylko zasady obrazowania, ale także artystyczny cel. O ile bowiem w pełnym neoklasycyzmie każde dzieło jest w istocie rzecznikiem celu dydaktycznego, oświatowego, o tyle w okresie romantyzmu (jak podkreślaliśmy wcześniej) dzieło sztuki jest jedynie wyrazem wnętrza malarza, który już nie wskazuje do naśladowania otaczającej natury, ale do reprezentacji konfliktu ze społeczeństwem, ego przeciwko naturze poza nim.
Z tego punktu widzenia podmiot malarski przestaje odgrywać dominującą rolę, ponieważ to, co naprawdę przekazuje przekaz artystyczny, staje się wybranym sposobem przedstawiania. Na przykład w Anglii malarstwo romantyczne było głównie pejzażem, ale brakowało mu uszlachetniającego detalu.
Pejzaż jest przedstawiany tak, jak się pojawia, bez fanaberii i konwencji jak na obrazach Constable'a lub pełen dramaturgii, z potężną siłą sugestywną, jak u Turnera, w której również zawarte są elementy nowoczesności, jak pociąg, maszyna, szybko ale wkomponowane w rozmyte, dynamiczne, napięte konteksty.
Z kolei w Niemczech malarstwo kieruje swój wzrok ku celom bardziej filozoficznym i religijnym, jak na przykład w obrazach Caspara Davida Friedricha, w których wątek romantyczny przebija się przez skupienie się na udręce człowieka, samotności, melancholia wyrażona dzięki wykorzystaniu nagiej i symbolicznej natury.
We Francji malarstwo romantyzmu zyskuje na sile, jest obciążone przemocą, walką, dramatycznym napięciem, wszystkimi elementami wypracowanymi przez Géricaulta w obrazie „Tratwa Meduzy”, w którym w jednym z najbardziej dramatycznych momentów wystawiany jest wrak statku.
Duch malarstwa romantyzmu
Romantyczny duch odrzuca akademicką dyscyplinę na rzecz regeneracyjnego powrotu do czegoś starszego i swobodniejszego, bardziej osobistego i egzotycznego. Odkrycie Herkulanum i Pompejów w XVII wieku obudziło w artystach tęsknotę za przeszłością, która skłoniła ich do ponownego odkrycia i przyswojenia nowych i starych form wyrazu.
Śródziemnomorski ideał plastiku, ucieleśniony przez greckiego lub rzymskiego bohatera, został stopniowo zastąpiony zamiłowaniem do cywilizacji nordyckiej, germańskiej, angielskiej, skandynawskiej i szkockiej. Malarstwo jest par excellence sztuką figuratywną romantyzmu i nabiera bardzo zróżnicowanych aspektów w zależności od terytorium, na którym zostało rozwinięte.
nastroje nacjonalistyczne
Tłem romantyzmu była wyrosła z Oświecenia Rewolucja Francuska. Zrodzona z oświeceniowego ideału „wolność, równość i braterstwo” stanowiły także podstawę heroicznych i szowinistycznych emocji. Romantyzm wyzwolił nastroje nacjonalistyczne, w których gloryfikowano kraj, język i historię oraz tradycyjne normy i wartości.
W procesie formowania się narodu i państwa w XIX wieku nacjonalizm pojawił się także jako ideologia polityczna. Treść dzieł sztuki porównywała te nacjonalistyczne nastroje do historycznej lub fikcyjnej mitologicznej przeszłości. Artystyczne atrakcje tamtej narodowej przeszłości również cieszyły się dużym zainteresowaniem w muzeach.
Chociaż malarze romantyczni często cofają się w czasie, Eugène Delacroix przedstawił rewolucję 1830 roku tego samego roku. Rewolucjonistom przewodzi Marianne, narodowy symbol Francji.
Jako alegoria wolności trzyma w ręku francuską flagę i karabin. Delacroix nie pokrył obrazu warstwą werniksu, więc zakurzone faktury i opary kurzu są na płótnie matowe. Brak błyszczącej warstwy sprawia, że wykonanie jest bardziej realistyczne.
Mimo zmagań artystów o samodzielne określenie treści swojej twórczości, nie ustępowało również zapotrzebowanie na prace w stylu klasycznym. Mimo Rewolucji Francuskiej malarze akademiccy wciąż mogli zarabiać na życie malując obrazy mitologiczne i religijne. Podczas Rewolucji Francuskiej kościoły ucierpiały, ale prawie wszystkie francuskie reżimy utrzymywały później związki z kościołem.
Nie chcieli też zranić uczuć religijnych większości ludności. Tradycyjni i konserwatywni malarze, tacy jak Delaroche, Lourens Alma Tadema i Bouguereau, odpowiedzieli na zapotrzebowanie na obrazy religijne i mitologiczne w tradycji akademickiej.
Miejsca egzotyczne
Wiek XIX był wiekiem ekspansji. To, co początkowo wydawało się odległe, zbliżyło się dzięki pociągowi i parowcom. Wystawy światowe prezentowały sztukę i przemysł z „obcych” kontynentów. Kolonializm sprowadził do Europy egzotyczne i „prymitywne” światy. Orientalizm i egzotyka w sztuce wyrosły z kolonializmu i światowych targów.
Obrazy akademickie Lawrence'a Alma-Tademy, takie jak „Śmierć pierworodnych”, były zafascynowane egzotyczną tematyką przedstawienia. Alma-Tadema działała w tradycyjnym, klasycznym stylu, ale jej występy podsycały romantyczną i egzotyczną wyobraźnię. Podczas swoich podróży artyści wykonali wiele studiów i szkiców, wcześniej postrzeganych jako nieistotne studia wstępne.
W malarstwie romantyzmu szkic stał się spontaniczną ekspresją sztuki, w której widoczna była osobista kaligrafia artysty.
Duch wojownika, który wyrósł wraz z imperialnymi ambicjami Napoleona, zapanował w świadomości wielu artystów. Ruch wojsk prowadził do wymiany między różnymi cywilizacjami, pogłębiania wzajemnej wiedzy, doceniano charakterystyczne style każdego kraju.
Kampanie napoleońskie na Bliskim Wschodzie wzbudziły zainteresowanie cywilizacją arabską i żydowską, a malarze tacy jak Gross i Auguste zaczęli kolekcjonować przedmioty orientalne, biżuterię i dywany, które przeszły na język obrazkowy dzięki Ingresowi, Delacroix i Chassériau
Malarstwo romantyczne w różnych krajach
Głębię własnych przeżyć i osobistych przemyśleń malarze przekazują poprzez swój artystyczny obraz, na który składają się kolor, kompozycja i akcenty. Różne kraje europejskie miały swoje osobliwości w interpretacji malarstwa romantyzmu. Wszystko to związane jest z nurtem filozoficznym, a także z sytuacją społeczno-polityczną, na którą sztuka była jedyną żywą odpowiedzią. Malarstwo nie było wyjątkiem.
Malarstwo figuratywne w romantyzmie nabiera bardzo zróżnicowanych aspektów w zależności od terytorium, na którym się rozwija. Wśród wielkich prekursorów ruchu romantycznego był Francisco Goya w Hiszpanii. We Francji i Anglii powróciło zainteresowanie niedawną narodową przeszłością, co sprzyjało zmianom w projektowaniu dekoracji i akcesoriów, aż do powstania „Stylu Trubadurów”.
Ten smak pojawił się już w 1770 roku, preferowany we Francji przez serię posągów zamówionych przez hrabiego d'Angiviller, upamiętniających znamienitych Francuzów. Wiersze Miltona i ponowne odkrycie sztuk Szekspira odegrały tę samą rolę w stymulowaniu powrotu do dawnych świetności.
Niemiecki romantyzm w malarstwie
Na terenie Niemiec styl objawił się wcześniej, artyści dążyli do idealizacji przeszłości - średniowiecza. Prace były często kontemplacyjne i pasywne, hołdujące romantyzmowi, specjalizując się w pejzażach i portretach. Otto Runge podkreśla m.in., że jego płótna łączą napięcie życia wewnętrznego z zachowaniem spokoju w zewnętrznych przejawach.
Runge narysował sceny dzikiej przyrody, używając żywych kolorów, podczas gdy często obecne były stworzenia z innego świata. Aktywnie studiował informacje na temat oddawania barw, pisał traktaty na ten temat, dzielił widmo na części i był w stanie osiągnąć wielki sukces w przepuszczaniu kolorów i światła. W swoich fantastycznych płótnach potrafił uzyskać poczucie przestrzeni i powietrza.
Malarstwo pełnego romantyzmu XIX i XX wieku znalazło odzwierciedlenie w twórczości Caspara Davida Friedricha, który specjalizował się w pracach pejzażowych. Jako główny temat swojej twórczości wybrał góry południowych Niemiec. Talent artysty pozwolił mu oddać urok okolicy w połączeniu z melancholijną przejrzystością wybrzeża morskiego. Często malował pejzaże przy umiarkowanym świetle księżyca.
Temat mitologiczny był bliski wielu artystom, w szczególności zaznacza się przewaga romantyzmu w malarstwie Carstensa.
Tworzył rysunki towarzyszące różnym książkom, malował rezydencje królewskie. Już podczas pracy w Rzymie aktywnie pisał w tym kierunku, często łącząc go z neoklasycyzmem. Artystce udało się oddać ukryte uczucia, dramat. Pod wieloma względami kierunek lokalnych artystów w niemieckim malarstwie romantyzmu przyczynił się do dalszego rozprzestrzeniania się stylu, odzwierciedlającego bardziej wewnętrzną percepcję niż prawdziwą istotę rzeczy.
Jedną z gałęzi jest gatunek romantyzmu w malarstwie zwany biedermeierem, odzwierciedlony w utworach kameralnych, zazwyczaj scenach codziennych. Styl był typowy dla malarstwa niemieckiego i austriackiego romantyzmu, w rysunkach preferowano sceny sielankowe. Styl ten reprezentowali Ludwig Richter, GF Kersting, Ferdinand Waldmüller i inni artyści.
Angielski romantyzm w malarstwie
W Anglii wyróżniono trzy nurty artystyczne: oniryczny wizyjny, wzniosły i malowniczy. Maksymalnymi wykładnikami każdego z nich byli odpowiednio William Blake, William Turner i John Constable. Poeta-wizjoner William Blake czerpał swoje prace malarskie z obrazów stworzonych przez jego poezję, ściśle związaną z chrześcijaństwem.
John Constable jako pierwszy odnowił swoimi kolorami radosne i swobodne uczucie natury, zapoczątkowane w poprzednim stuleciu przez Jean Honorè Fragonard, ale porzucone w epoce neoklasycznej, sublimując je. Poczucie historii i przyjemność ilustrowania malowniczości odczuwa się w Anglii, przykładem jest praca Blizzard, w której William Turner przedstawia Hannibala z żołnierzami przemierzającymi Alpy.
Podczas gdy Thomas Gainsborough miał czas na odkrycie tajemniczej magii kolorów z ich niemal schematycznymi, płynnymi, nieokreślonymi akcentami w odniesieniu do akademizmu i wykorzystania osobistej płynności i błyskotliwej mieszanki.
Na terytorium Anglii styl również doskonale się zakorzenił, malarstwo angielskiego romantyzmu jest najbardziej widoczne w pracach Johanna Heinricha Füssli. Faworyzował grafikę i malarstwo, utrzymując u podstaw romantyzm. Udało mu się połączyć idealizację obrazu w klasycznej formie z fantastycznymi fabułami.
Artysta pokazał ludzkie lęki, w tym lęk przed złymi duchami, które rzekomo duszą ludzi we śnie. Choć artysta urodził się w Szwajcarii, większość życia spędził w Anglii.
Dzięki jego wizji romantyzmu w Anglii obraz nabrał mistycznego charakteru. Z płócien patrzą na nas fantastyczne wizje i koszmary charakterystyczne dla milionów ludzi. Przez długi czas sprawa była niewypowiedziana i dzięki Füssli mogli debatować na szczeblu publicznym. Łączył bajki, folklor i halucynacje.
Istotę romantyzmu w malarstwie europejskim ujawnił też William Turner, zasłynął z przenoszenia światła w powietrze i odbijania cieni. Fabuła jest fantasmagorią, pokazywała huragany, burze, katastrofy. Stopniowo z prac artysty znikały ciemne odcienie, a główne miejsce w nich przypisano oświetleniu i powietrzu. Odzwierciedlał ruch, niuanse i specjalne oświetlenie.
Znanym przedstawicielem europejskiego malarstwa romantyzmu był William Blake, niektóre jego prace były pod wpływem dogłębnego studium Biblii, ale sztuka przyciągała artystę od dzieciństwa. Pracował temperą i akwarelami, twierdząc, że przychodzą do niego wizje. Widząc niesamowite rzeczy, odzwierciedlał swoją istotę w swoich pracach, wierząc, że wszyscy artyści pracują w ten sposób.
William Blake odniósł sukces dopiero w ostatnich dziesięciu latach swojego życia, kiedy znalazł ludzi o podobnych poglądach i zaczął z zyskiem sprzedawać swoje prace. W sztuce dominują wizerunki kobiet, bóstwa, różne zwierzęta i niestandardowe tematy.
John Constable miał styl malowania w reliefie, formował fakturę grubymi pociągnięciami, często unikając szczegółów. Malował portrety jako źródło utrzymania, a malarstwo pejzażowe uważał za swoje powołanie, poznawał piękno natury i prawa koloru, zanim spopularyzował kierunek wśród impresjonistów.
Artysta wolał malować angielskie piękności, tworząc wiele szkiców, aby uzyskać jeszcze większą kompozycję. Często szkice miały szczególny wyraz i energię, ale ostatecznie nie znalazły odzwierciedlenia w skończonej pracy.
Bardzo często dekoracje malowano z mistycznym nastawieniem. Choć istota dzieła przekazywana jest w stylu romantyzmu, starał się pokazać efekty atmosferyczne, wśród nich potrafił narysować wysoką wilgotność, ruch otoczenia. Wykorzystano do tego między innymi łamane linie, dotknięcia pędzlem z jasną farbą dla uzyskania efektu rozświetlenia.
Constable pokazał wściekłość żywiołów, często przedstawianych za pomocą tęczy, pięknych budynków, w tym katedr. Potrafił dodać detale tak, aby uzyskać szczególny zestaw niuansów, nadać lekkości i zwrócić uwagę na płótna.
Francuski romantyzm w malarstwie
We Francji romantyzm w malarstwie rozwijał się według innych zasad. Burzliwe życie społeczne, a także rewolucyjne wstrząsy przejawiają się w malarstwie z grawitacją malarzy, by przedstawiać tematy halucynacyjne i historyczne, także z nerwowym podnieceniem i patosem, co osiągnięto przez olśniewający kontrast kolorystyczny, pewien chaos, ekspresję ruchu. , a także spontaniczne kompozycje.
Pierwsze oznaki zmiany stylu można zobaczyć we Francji w latach 1810. Podczas panowania Napoleona Jacques-Louis David ukształtował malarstwo akademickie za pomocą portretów państwowych i obrazów historycznych.
Rozpoczynające się malarstwo historyczne przedstawia wyidealizowane, przeważnie małoformatowe kompozycje z okresu średniowiecza i renesansu, określane mianem stylu trubadurów. Treść jest zwykle intymna i anegdotyczna, ale zdarzają się też sceny bardzo dramatyczne.
Rekonstruowane są losy szanowanych artystów, takich jak Rafael czy Leonardo da Vinci, a także władców czy fikcyjnych postaci. Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Ingres, Richard Parkes Bonington, Paul Delaroche to najważniejsi artyści malarstwa romantycznego we Francji.
Ważny francuski autor Victor Hugo poświęcił się rysowaniu podczas pisania, dosłownie „między dwoma wersami”. Jego ponure pejzaże w sepii (ciemnobrązowy tusz) i czarnym tuszem oddają klimat jego powieści, nie odwołując się do nich motywicznie. Romantyczność można znaleźć głównie w motywach: gotyckie zamki, niszczejące ruiny, dzika przyroda, huczące morze ze statkami itp. André Bretón docenił już pracę Hugo nad nieoczekiwanymi, jego poszukiwanie tajemnicy.
William Bouguereau wybierał początkowo motywy mitologiczne i utwory rodzajowe, później głównie motywy religijne. Miał wirtuozowski styl, który pięknie odwzorowywał zmysłowość skóry i faktur. Chociaż jego styl jest bardzo akademicki, z kształtami, wyraźnymi liniami i kolorami neoklasycyzmu, wiele przedstawień jest zgodnych z sentymentem malarstwa romantyzmu.
Jego twórczość ilustruje także ucieczkę od rzeczywistości, eskapizm XIX wieku. Mistyka, kontemplacja i dramat w jego dziele przedstawiania świętych i postaci mitologicznych przemawiały do wielu ludzi, w tym do dam i panów portretowanych przez prerafaelitów w odpowiedzi na gwałtowne zmiany w społeczeństwie. Malarze tacy jak Dante Gabriel Rossetti również nie chcieli zapowiadać rewolucji obrazowej.
Dla Francuzów romantyzm oznacza także sens współczesnego życia oraz wysiłek zrozumienia i zilustrowania dzisiejszego dnia. Klasycyzm zostaje w ten sposób porzucony, Eugene Delacroix jest liderem francuskiego malarstwa romantycznego: jego słynny obraz „Wolność wiodąca lud” jest uważany za pierwszą część natury politycznej w historii sztuki nowoczesnej.
styl trubadura
Styl można uznać za aspekt romantyzmu, malarską wersję wierszy i powieści Waltera Scotta i został opisany jako „styl w stylu”. Popularni zwłaszcza we Francji malarze tego nurtu przedstawiają sceny inspirowane średniowieczem i renesansem, z kolorowymi ubraniami, romansami i rycerskimi wyczynami.
Obrazy w stylu trubadurów są zazwyczaj niewielkich rozmiarów, z naciskiem na szczegóły. Wielu ważnych artystów zmierzyło się z tym stylem, np. Jean-Auguste-Dominique Ingres w Śmierci Leonarda da Vinci (1818, Petit Palais, Paryż).
Artyści malarstwa romantycznego
Romantyzm został w pełni wyrażony w malarstwie. Widziane na arenie międzynarodowej, typowymi ikonami malarskimi „epoki romantycznej” 1790-1850 były: niemiecki malarz Caspar David Friedrich, Anglik John Constable i francuski malarz Eugène Delacroix. Różnice między nimi pokazują, jak różnorodny był w rzeczywistości ruch romantyzmu.
Eugeniusz Delacroix 1798-1863
Delacroix pozostawił po sobie bogaty dorobek, wykonał setki obrazów, akwarel, malowideł ściennych, rysunków, litografii i grafik. Czyniąc to, często wybierał przedstawienia o treści emocjonalnej lub dramatycznej, przedstawiające wydarzenia historyczne, mitologiczne i literackie. Udało mu się udramatyzować swoje występy mocnymi kontrastami światła-ciemności. W przeciwieństwie do akademickich malarzy neoklasycyzmu, Delacroix nie skupiał się na „fajnych” kształtach i liniach, ale na kolorze i atmosferze.
Choć kompozycje Delacroix są szczegółowo przemyślane, ważny był dla niego efekt koloru, omówił to z Constable'em i Turnerem. W swoich podróżach do Maroka wykonał m.in. liczne szkice i akwarele.
Delacroix wybrał również motywy egzotyczne, inspirowane głównie podróżami do Afryki Północnej. W 1824 wywołał sensację swoim czterometrowym obrazem Rzeź na Chios. Podtytuł brzmiał: Scena masowego mordu na Chios; Greckie rodziny oczekujące śmierci lub niewoli.
Przedstawił w nim straszliwą masakrę, która miała miejsce na wyspie Chios dwa lata wcześniej. Co więcej, pięćdziesiąt tysięcy Greków zostało zabitych przez Turków osmańskich i tyle samo zostało wziętych do niewoli. Delacroix, który dobrze znał Tratwę Meduzy Géricaulta, bo był jej wzorem, podobnie skonstruował kompozycję z figurami ułożonymi w trójkąty. Dzięki temu obrazowi Delacroix szybko został uznany za najważniejszego malarza epoki romantyzmu.
W 1827 roku Delacroix wystawił historyczny utwór Śmierć Sardanapala, historię starożytnego asyryjskiego monarchy. Po oblężeniu jego pałacu sułtan miał zabić swój harem i konie, a ich dobytek spalić przed popełnieniem samobójstwa. Obraz przedstawia dramatyczne egzekucje tych, którzy nie chcieliby pić trucizny, z głębokim uzupełniającym kontrastem między ciepłą czerwienią a ciemnymi cieniami, z których już unosi się dym.
Theodore Gericault 1791-1824
Również w Géricault zniknęła surowa linia i forma, tak charakterystyczne dla neoklasyków. Zajmował się kwestiami życia poprzez tematy historyczne, ale także przyglądał się codzienności. Najsłynniejsze płótno Géricaulta, Tratwa Meduzy, opiera się na prawdziwej historii.
Géricault zwrócił uwagę na najbardziej dramatyczny moment: w chwili, gdy tratwa ma się zatopić i prawie wszyscy ludzie na pokładzie „Meduzy” zginęli, niektórzy odkrywają statek na horyzoncie. To statek, który uratował tych ocalałych.
Francisco Goya 1746-1828
Jako malarz nadworny Goya malował portrety hiszpańskiej rodziny królewskiej. Goya przeżył w młodości wiele ubóstwa, a wnikliwemu obserwatorowi widać z tych portretów, że nadal żywił podejrzenia wobec arystokracji. Pokazał także strach przed wojną, uciskiem i przemocą na akwafortach i obrazach z makabrycznymi przedstawieniami.
Naród hiszpański zbuntował się po 1808 roku przeciwko francuskim wojskom Napoleona, które podczas okupacji dokonały straszliwych okrucieństw. W Hiszpanii nastał gwałtowny chaos. Te straszne wydarzenia determinowały pracę Goi do 1815 roku. Najbardziej znane dzieło z tego okresu to 3 maja 1808 roku, ukazujące egzekucję ludności cywilnej.
Goya również trafnie przedstawił rozpacz w serii czarnych obrazów. W ostatnich latach jego życia fantazja odgrywała ważną rolę, jego ciemne fantazje przedstawiają zdeprawowaną stronę człowieka. Goya zajmuje szczególne miejsce, jako dworzanin i portrecista musiał się nieco przystosować do elity, ale też pozostawił na płycie swoją niechęć do ludzkiego zachowania. Twórczość Goi nawiązywała więc do późnego baroku, ale też zapowiadała malarstwo romantyzmu.
Dante Gabriel Rossetti 1828-1882
W 1848 roku kilku angielskich artystów założyło Bractwo Prerafaelitów. Jednym z artystów tej grupy był Dante Gabriel Rossetti. Chcieli wrócić do natury i zdystansować się od akademickiej sztuki. Inspiracją dla jego malarstwa było wczesne malarstwo włoskie przed Rafaelem (prerafaelem). Pomyśl o malarzach takich jak Botticelli, Tycjan i Giorgione.
Celem prerafaelitów było stworzenie lepszego świata poprzez zatrzymanie trwającej mechanizacji, która ogarnęła wiktoriańską Anglię. W jego twórczości ważną rolę odgrywały elementy religijne i społeczne.
Caspara Davida Friedricha 1774-1840
Caspar David Friedrich był w malarstwie najważniejszym interpretatorem niemieckiego ducha romantyzmu. W swoich pracach malarz wyraża samotność, melancholię, udrękę człowieka wobec tajemniczej i symbolicznej natury, która nie zdradza tajemnicy śmierci. Przyrodę reprezentuje Fryderyk w całej swej nieskończoności, jakby wyrażał poczucie bezsilności człowieka, istoty skończonej wobec natury, manifestacji nieskończonej.
Przymiotnikiem często używanym do wyjaśnienia niemieckiego romantyzmu jest termin Sehnsucht, który można przetłumaczyć jako „pragnienie pożądania” lub „zło pożądania”, uczucie ciągłego niepokoju i przejmującego napięcia, uczucie, które dotyka podmiot i popycha do wyjść poza granice ziemskiej rzeczywistości, przytłaczającej i duszącej, aby schronić się wewnątrz lub w wymiarze wykraczającym poza czasoprzestrzeń.
Francesco Hayes 1791-1882
We Włoszech największym przedstawicielem malarstwa romantycznego był wenecki Francesco Hayez, znany portrecista i główny interpretator włoskiego malarstwa historycznego. Temat historyczny był dla Hayeza środkiem do przekazania faktów i aspiracji Risorgimento.
W przeciwieństwie do Delacroix, który przedstawiał aktualne wydarzenia polityczne w swojej ojczyźnie, Hayez czerpał swoje motywy z epizodów z minionej (zwłaszcza średniowiecznej) historii Włoch, którym przypisywał wartość współczesnych metafor. Jego dzieło Il bacio uważane jest za manifest włoskiej sztuki romantycznej.
Joseph MallordWilliam Turner 1775-1851
Anglik Joseph Mallord William Turner to jeden z najoryginalniejszych artystów współczesności. Turner zaczął kolorować ściegi i od 1789 studiował w Royal Academy w Londynie. Początkowo interesował się malarstwem pejzażowym.
Podczas podróży po Anglii i Walii wykonywał rysunki i akwarele starych zamków, katedr i nadmorskich krajobrazów. Pierwsze obrazy olejne stworzył w 1796 roku. W kolejnych latach tworzył pejzaże i pejzaże morskie, które często unosił do nierzeczywistości postaciami mitologicznymi i motywami dramatycznymi.
Obrazy pejzażowe Turnera są preludium do impresjonizmu, ekspresjonizmu i informalizmu. Uważany jest za odkrywcę nastrojowego pejzażu, dlatego jako pierwszy stworzył kierunek w malarstwie pejzażowym, który nie chce przedstawiać samych obiektów, ale wrażenie, jakie wywierają w określonych warunkach oświetleniowych. Widziany w ten sposób, jest prawdziwym prekursorem impresjonistów i jakieś dwa pokolenia przed Francuzami.
Obrazy Turnera wnoszą do dziewiętnastowiecznego malarstwa zupełnie nowe tryby i barwy. Malował swoje pejzaże, pory dnia, warunki pogodowe, formacje chmur z rozmytymi i rozmytymi konturami, z ostrymi detalami pomiędzy. Jego obraz z 1844 r. „Deszcz, para, prędkość” jest jednym z najwcześniejszych przedstawień kolei: żelazna maszyna parowa wyłania się z mglistej chmury kolorów; brzydota i wspaniałość świata zmienionego przez przemysł są atrakcyjne.
Emblematyczne obrazy romantyzmu
Jeśli chodzi o romantyzm, malarstwo jest niewątpliwie jednym z najlepszych sposobów na zrozumienie duszy tego intensywnego i kontrastującego okresu historycznego. Głównymi motywami artystów tego okresu były tęsknota, miłość i samotność, a także przerażająca, podświadoma, fantastyczna i pełna przygód, której my, ludzie, nie możemy się oprzeć. Romantyczne dzieła sztuki kształtowane są przez ducha indywidualizmu i często przekazują melancholijny, a nawet smutny nastrój.
Pocałunek Francesco Hayeza
(Pinacoteca di Brera - Mediolan) Nie można zacząć mówić o najpiękniejszych romantycznych obrazach, nie wychodząc od włoskiego arcydzieła Francesco Hayeza, włoskiego malarza silnie zaistniałego w Mediolanie, potrafiącego łączyć polityczne opowieści z niezwykle pięknymi scenami. To nie przypadek, że obraz ten stał się we Włoszech manifestem romantyzmu, a sam malarz zaproponował go w trzech różnych wersjach.
Jeśli na pierwszy rzut oka obserwujemy namiętny pocałunek dwojga kochanków, zdolnych opowiedzieć młodzieńczy zapał, w rzeczywistości kryją się tu znacznie głębsze znaczenia: zjednoczenie narodowe, patriotyzm, zaangażowanie polityczne i militarne, alegorycznie przedstawione w tym niesamowitym obrazie.
Tratwa Meduzy – Théodore Géricault
(Luwr – Paryż) Duży rozmiar Tratwa Meduzy autorstwa Théodore'a Géricaulta była pierwotnie przyczyną skandalu i królewskiego zamieszania. Obraz opowiada o tragicznym wydarzeniu, które miało miejsce naprawdę: wraku statku z 1816 roku, który kosztował życie setek żołnierzy. To wydarzenie zaszokowało cały naród, gdy na tratwę wsiadło sto pięćdziesiąt osób, ale tylko piętnastu zdołało przeżyć i zostać uratowanym.
Malarz, wówczas bardzo młody, opowiadał o tragedii z zaskakującym jak na tamte czasy realizmem, badając ciała bezpośrednio na żywo, w tym kostnicę. Od czasów neoklasycyzmu, który wciąż tak bardzo charakteryzuje sztukę we Francji, pogrążył się w intensywnym romantyzmie. Tak więc dzieło zostało w pełni zrozumiane dopiero przez lata, jak to często bywa z wielkimi artystami, ale kiedy wyszło, dominowała emocja odrzucenia.
Wędrowiec nad morzem chmur Caspar David Friedrich
(Hamburg Kunsthalle -Hamburg) Jest to obraz, który uosabia niektóre z głównych wartości malarstwa romantyzmu. Przedstawienie uwiecznia podróżnika za i przed wzburzonym morzem.
To, co opowiada ten wspaniały obraz, nie jest historią, jak to bywa w innych dotychczas widzianych obrazach, ale stanem emocjonalnym: pojęciem nieskończoności, wędrówki i niedoskonałości duszy i jej uczuć. Piechur nad morzem chmur to symbol niemieckiego romantyzmu, bardzo różniącego się od francuskiego i włoskiego.
Daredevil odholowany do swojej ostatniej koi w celu złomowania Williama Turnera
(Galeria Narodowa - Londyn) Poprzez swoje obrazy William Turner jest w stanie opowiedzieć stany emocjonalne, uczucia i romantyczne koncepcje, takie jak wzniosłość. To arcydzieło opowiada o ostatnim rejsie angielskiego statku Temeraire, niegdyś zwycięskiego w bitwie: odholowany do zniszczenia, przedstawiony z podniesioną białą flagą i zachodem słońca w tle, przedstawienie zdolne łączyć mieszane uczucia i polityczne znaczenia.
Siano Wain Johna Constable'a
(Galeria Narodowa - Londyn) John Constable to kolejny z najważniejszych malarzy angielskiego romantyzmu i, podobnie jak Turner, całkowicie poświęcił się przedstawianiu sielankowych pejzaży Dedham Vale, w pobliżu miejsca, w którym się urodził. Jego wielkim arcydziełem jest The Hay Wain, duże płótno, które w tamtym czasie wywołało skandal: zastosowana technika w rzeczywistości wydawała się niemal impresjonistyczna ze względu na małe pociągnięcia pędzla, które tworzą krajobraz.
Nowość, która w Londynie wydawała się lekceważąca i celowo prowokacyjna, ale we Francji bardzo ją pokochał, nawet Géricault. Natura była z pewnością bohaterką tego artysty, ale natury bardzo odmiennej od tej, którą reprezentował Friedrich.
Wolność wiodąca lud, Eugene Delacroix
(Luwr-Paryż) Reprezentuje wolność, która prowadzi do zjednoczonego ludu, przeciwko ciemiężcy, wielką koncepcję patriotyzmu. Tutaj klasa społeczna się nie liczy, Delacroix reprezentuje różne typy ludzi, co widać w ubiorze i dlatego zawsze był uważany za ikonę sztuki politycznej. Jeden z najwcześniejszych przykładów tego gatunku iz pewnością jeden z najbardziej lubianych obrazów w historii.
Dzieci Huelsenbeck – Philipp Otto Runge
(Kunsthalle-Hamburg) Ten artysta należy do niemieckiego romantyzmu i wyróżnia się przedstawieniami dzieci, dzięki czemu zyskał przydomek malarza bajek. Jest częścią romantyzmu ze względu na swoje alegoryczne znaczenia, jak w obrazie wybranym spośród najpiękniejszych: Dzieci Hülsenbeck.
Obraz przedstawiający na pierwszym planie portret dzieci koleżanki przy słonecznikach i prezentujący doskonałą kompozycję chromatyczną, wyraża alegoryczne znaczenie dzieciństwa, niewinności i straconego wieku, które romantyzm postrzega z melancholią.
Dido buduje Kartaginę autorstwa Williama Turnera
Jednym z przywilejów artystycznego romantyzmu było spoglądanie w przeszłość, często tęsknota za odległymi czasami i głęboka nostalgia. W Dido buduje Carthage Turner dobrze reprezentuje tę koncepcję.
Wielbiciel wcześniejszych artystów Nicolasa Poussina i Charlesa Lorraine'a, podobnie jak oni, angielski malarz posługuje się elementami antycznymi, poczynając od tematu samego dzieła, zaczerpniętego z Eneidy Wergiliusza. Ale aby uchwycić widza, jest aspekt naturalistyczny i wrażenia, które ta natura przekazuje. Spokojna i majestatyczna natura, która dominuje.
Wrak Nadziei – Caspar David Friedrich
Temat wraku powraca ponownie we Friedrichu, ale tym razem w morzu lodu. Najbardziej charakterystyczne dla malarstwa niemieckiego artysty jest wywoływanie silnych uczuć poprzez obrazy pejzaży i przyrody, które symbolicznie mają inne znaczenia.
Wrak statku w rzeczywistości reprezentuje nieustanną pielgrzymkę człowieka i wywołuje jego skrajną kruchość, ludzką kruchość. Człowiek, choć nieustannie poszukuje, jest zdany na łaskę wydarzeń i nie może nic przeciwko nim zrobić.
Katedra w Chartres – Jean Baptiste Camille Corot
Camille Corot, artysta krajobrazu przede wszystkim, jest jednym z romantycznych artystów ze względu na jego dbałość o naturę i relacje, które pielęgnuje z człowiekiem, co widać na tym pięknym obrazie: Katedra w Chartres. Obraz przedstawia obecność człowieka w naturalnym kontekście, na który składają się drzewa, chmury i łąki. Ludzka obecność jest odczuwana przez postacie na pierwszym planie w obrazowym stworzeniu, które stara się nadać równą wagę wszystkim różnym przedstawionym elementom.
Oto kilka interesujących linków: