W tym poście przeprowadzimy Cię przez ten doskonały artykuł hiszpańskie malarstwo barokowe, cechy charakterystyczne, gatunki i wiele więcej na temat tego rodzaju sztuki, który powstał w XVII wieku i pierwszej połowie XVIII wieku, uważając go za złoty wiek hiszpańskiego malarstwa. Nie przestawaj go czytać!
Czym jest hiszpańskie malarstwo barokowe?
Hiszpańskie malarstwo barokowe wyróżnia nadmiar wyidealizowanego i zintegrowanego piękna z manierystycznymi deformacjami, pozwalającymi na narracyjny fakt bez utraty ornamentyki zgodnie z wymogami kościoła kontrreformistycznego.
Obejmuje rok 1610 naturalne modele artysty Caravaggia pochodzenia włoskiego, wraz z oświetleniem tenbrystycznym, określającym dominujący styl hiszpańskiego malarstwa barokowego pierwszej połowy XVII wieku, następnie przybycie Rubensa jest niezbędne pomiędzy latami 1603 i 1628.
Tam, gdzie demonstruje ogromną falę transmisji swoich dzieł wraz z przekazem swoich uczniów, wpływ ten jest zniuansowany dzięki niuansom Tycjana z jego luźną techniką pędzla, typową dla jednego z głównych przedstawicieli hiszpańskiego malarstwa barokowego, takiego jak Velázquez ...
Wpływy zakonu flamandzkiego łączą się w hiszpańskim malarstwie barokowym dzięki nowym prądom, które pochodzą z narodu włoskiego w odniesieniu do artystów ekspertów w sztuce fresku, takich jak Colonna i Mitelli w roku 1658, a następnie Luca Giordano w roku 1692 ...
Chociaż w tym okresie wybuchł ogólny kryzys, który dotknął naród hiszpański z powodu migracji dużej liczby mieszkańców na nowy kontynent w połączeniu z ofiarami spowodowanymi wielokrotnymi wojnami i wypędzeniem Maurów z narodu hiszpańskiego.
Oprócz różnorodności plag i epidemii, które dotknęły ludność Hiszpanii pomimo wszystkich tych perypetii, jest to złoty wiek w hiszpańskim malarstwie barokowym ze względu na wiele dzieł o doskonałej jakości i oryginalności wykonanych przez nich obrazów pierwszego rzędu.
Główne cechy hiszpańskiego malarstwa barokowego
Z myślą o tym, aby można było w praktyczny sposób zlokalizować najbardziej reprezentatywne cechy hiszpańskiego malarstwa barokowego, wyjaśnimy szczegółowo w tej sekcji wszystko, co wiąże się z tym interesującym tematem.
W stosunku do Klientów i Patronów
Główną klientelą był kościół, który zażądał dużej liczby dzieł artystycznych do dekoracji wielu świątyń religijnych i zażądał dużej liczby prac od artystów.
Wykazanie znaczenia hiszpańskiego malarstwa barokowego w kontrreformie kościoła, wykorzystującej sztukę jako broń na rzecz Kościoła katolickiego.
Dzięki nim malarze, którzy pracowali dla tego dogmatu, nie byli w stanie wyrazić sztuki jako takiej, ponieważ musieli przestrzegać wymogów religijnych, zwłaszcza przy wyborze tematów do malowania.
Ponadto kościół zażądał wykonania modeli i nadzorował, czy twórczość artystyczna hiszpańskiego malarstwa barokowego jest zgodna z oczekiwanymi przez nich zainteresowaniami.
Chociaż malarze pracujący dla Kościoła katolickiego cieszyli się znakomitymi dochodami ekonomicznymi oraz doskonałą opinią i renomą dzięki upublicznianiu wystawy swoich prac.
Innym klientem był Kortez, a konkretnie panowanie Filipa IV, którego faktycznie był patronem.Przykładem tego jest fragment listu Rubensa do przyjaciela, w którym stwierdza:
„…Tutaj poświęcam się malarstwu, jak wszędzie… Zrobiłem konny portret Jego Królewskiej Mości, który bardzo go ucieszył. To prawda, że malarstwo go zachwyca…”
"...moim zdaniem ten książę jest obdarzony wspaniałymi cechami, mam z nim osobisty kontakt... jak przebywam w pałacu przychodzi do mnie prawie codziennie..."
Jednym z przykładów hiszpańskiego malarstwa barokowego jest dekoracja nowego Palacio del Buen Retiro, która pozwoliła na zwiększenie znaczących dzieł artystycznych do zdobnictwa Salón de los Reinos, gdzie można zobaczyć doskonałe portrety.
Pojawiają się portrety konne wykonane przez Velázqueza, a także różnorodne artystyczne obrazy bitew wygranych przez wojska Felipe IV, a także cykl nawiązujący do Prac Herkulesa autorstwa Zurbarána.
W mieście Rzym poproszono o kilku artystów, wśród których Claudio de Lorraine i Nicolas Poussin wyróżniają się serią pejzaży, w których obserwuje się postacie dla Galerii Krajobrazów.
Podobnie artystom Giovanni Lanfranco, Domenichino i innym artystom zlecono wykonanie ponad trzydziestu czterech obrazów dotyczących historii Rzymu w Neapolu, wśród których wyróżnia się Walka kobiet autorstwa José de Ribera.
Wprowadzono zakaz przenoszenia dzieł artystycznych do innych pałaców królewskich, a ze względu na pośpiech Olivaresa z ukończeniem dekoracji trzeba było pozyskać prace od kolekcjonerów, by osiągnąć sumę 800 dzieł, które musiały zawisnąć na ścianach tej infrastruktury.
Wśród sprzedawców tych dzieł sztuki był artysta Velázquez, który w 1634 r. sprzedał królowi dzieło sztuki La Tunica de José i La Fragua de Vulcano, które namalował w narodzie włoskim, które jest dziełem reprezentującym hiszpańskie malarstwo barokowe.
Sprzedawał też inne dzieła, m.in. kopię Danae wykonaną przez Tycjana, a także cztery pejzaże, boskie dzieła alegoryczne do martwych natur oraz dwa inne prace malarskie związane z kwiatami.
Następnie należało udekorować Torre de la Parada, gdzie umieszczono dużą liczbę reprezentacyjnych dzieł hiszpańskiego malarstwa barokowego, w liczbie 1636 obrazów o motywach mitologicznych, które w XNUMX roku zamówiono u artysty Rubensa.
Malarz ten był odpowiedzialny za przekazanie projektów i zmonopolizował wykonanie czternastu prac malarskich w odniesieniu do pejzaży oraz widoków nawiązujących do rzeczywistych miejsc, wykonanych przez artystów pochodzenia hiszpańskiego, takich jak Félix Castelo, José Leonardo.
Oprócz Velásqueza, który wniósł dzieła związane z Ezopem i Menippusem, a także portret Marsa, będący jednym z wielkich przykładów hiszpańskiego malarstwa barokowego.
Alkazar otrzymał także wiele nowych dzieł nawiązujących do hiszpańskiego malarstwa barokowego, z podziwem dla jego tematów, a niektóre protesty zostały nawet sformalizowane, jak miało to miejsce w 1638 roku.
Z Rzymu przeniesiono prace malarskie Bachanalia Andrios i Ofiara Wenus, będące dwoma dziełami wielkiego podziwu artysty Tycjana. Wśród artystów miasta doszło do wielu protestów.
Ponadto wśród uczestniczących artystów konieczna była reorganizacja funduszy, a Velázquez, wielki przedstawiciel hiszpańskiego malarstwa barokowego, został postawiony jako priorytet pod względem kryteriów estetycznych.
Dlatego na parterze pałacu znajdują się tzw. Sklepienia Tycjańskie, w których wkomponowano trzydzieści osiem prac malarskich.
Oprócz poezji, o którą Felipe II poprosił samego Tycjana w połączeniu z Bachanałem i innymi dziełami sztuki weneckiego pochodzenia, takimi jak Trzy Gracje Rubensa, Eva autorstwa artysty Dürera.
Inne prace należące do Ribery, takie jak słynny Jordaens, oprócz Tintoretta, w którym wyróżniają się postacie kobiece, głównie odwołujące się do aktu i z zamiarem ukończenia tej serii obrazów, Velázquez musiał przenieść się do narodu włoskiego w 1648 roku.
Zlecając zakup rzeźb i wynajęcie profesjonalisty zajmującego się malarstwem fresków, wyróżniają się Angelo Michele Colonna i Agostino Mitelli.
Prace kontynuowano nad Alcazarem, aw 1649 Francisco Camilo zlecono wykonanie serii scen znanych jako Metamorfoza Owidiusza, które nie przypadły do gustu królowi.
W malarstwie hiszpańskiego baroku na uwagę zasługują także ornamenty scenograficzne nawiązujące do przedstawień teatralnych, jak widać w Buen Retiro, a w nich było kunsztem włoskich inżynierów Baccio del Bianco i Come Lotti.
Ci, którzy byli odpowiedzialni za wprowadzenie sztuki teatralnej oprócz gier w toskańskie przeróbki, będąc dyrektorem teatrów królewskich Francisco Rizi, do dziś zachowały się rysunki związane z zasłonami.
Uczestniczyli też inni artyści, jak choćby José de Cieza z Granady, który był malarzem perspektyw i dzięki temu uzyskał upragniony tytuł Malarza Króla.
W hiszpańskim malarstwie barokowym wyróżniają się efemeryczne dekoracje związane z łukami triumfalnymi i fasadami z odświętnymi intencjami, które były sponsorowane przez Radę Miasta lub przez cechy intelektualne, co było kolejnym źródłem dochodów artystów.
Jednak w tego typu pracach zauważono, że są to dzieła profanum, ale nie przestali przedstawiać hiszpańskiego malarstwa barokowego, wśród nich wyróżniają się wpisy w Madrycie Mariany Austriaczki, drugiej żony Filipa IV.
Oprócz dwóch żon Carlosa II, Marii Luizy de Orleans i Marii de Neoburgo, uczestniczyli artyści specjalizujący się w reliefie, tacy jak Claudio Coello.
O klienteli w sferze prywatnej, o hiszpańskim malarstwie barokowym, niewiele można powiedzieć ze względu na nieliczne dostępne dane, można mówić konkretnie o szlachcie, która była zainteresowana dekoracją swoich prywatnych kaplic.
Chociaż niektórzy członkowie wysokiej szlachty, zbliżeni do króla, pełniący funkcje w regionach Italii, a także we Flandrii, mieli możliwość stania się wierzycielami dużych zbiorów dzieł artystycznych.
Przykładem tego mogą być wicekrólowie Neapolu, którzy nabyli dzieła hiszpańskiego malarstwa barokowego Ribery, a następnie Alonso Cano, który stał się wierzycielem dzieł Olivaresa, będąc pierwotnymi mecenasami kolekcji dzieł w Europie.
Jeden z badaczy hiszpańskiego malarstwa barokowego, Carducho, komentuje, że w Hiszpanii było wówczas około dwudziestu kolekcjonerów o wielkim znaczeniu, takich jak markiz Leganés, który odczuwał silny pociąg do malarstwa flamandzkiego.
Można również wspomnieć Juana Alfonso Enríqueza de Cabrera, który był admirałem Kastylii i otrzymał od swojej matki Vittoria Colonna dużą liczbę dzieł religijnych, w których widoczne były oryginalne dzieła i niektóre kopie Rubensa, Correggio, Tintoretto i Tycjana.
Wiele z wysokiej klasy dzieł preferowanych przez artystów zagranicznych, co oznaczało, że praca wykonywana przez artystów kreolskich z Hiszpanii została zmniejszona.
Chociaż należy zauważyć, że wiele dzieł nie posiadało podpisu ich autora, a w chwili przenoszenia nie zawsze były własnością artysty, a raczej prymitywną kopią, jak w przypadku markiza del Carpio, jego kolekcja oscylowała wokół dwóch tysięcy egzemplarzy. .
Wśród tych dzieł wyróżniała się Wenus z lustra Velázqueza, wielkiego artysty hiszpańskiego malarstwa barokowego, a także dzieła innych artystów, takich jak Angelo Nardi i Juan van del Hamen.
Ponadto w jego inwentarzu znajdowały się również drugorzędne dzieła, takie jak Gabriel Terrazas, Juan de Toledo, a nawet kopie wielkich artystów, takich jak Rubens, Velázquez, Tiziano, które zostały wykonane z wielkim mistrzostwem przez Juana Bautisty Martínez del Mallet.
W kolekcji, którą nabyli książęta Benavente, zaobserwowano prace związane z malarstwem flamandzkim i włoskim, choć większość kolekcji stanowiły dzieła hiszpańskiego malarstwa barokowego Murillo, około czterdziestu prac malarskich.
Inną wyjątkową kolekcją o wyjątkowej urodzie była kolekcja admirała Juana Gaspara Enríqueza de Cabrera, który był protektorem Juana Alfaro z rozkazu jego funduszy na budowę muzeum.
Obrazy te były dystrybuowane w różnych salach tematycznych nawiązujących do narodów, a także martwych natur i pejzaży morskich. Podobnie widoczne są wielkie dzieła wpływowych mistrzów, jak w przypadku Rafaela, Rubensa, Ribery, Pedro de Orrente i Bassano.
Każdy artysta opracowujący własne dzieło podkreśla również w hiszpańskim malarstwie barokowym Sen Rycerza Peredy, a także prace innych artystów, takich jak Carreño i Antolinez.
Niewiele wiadomo, czy w innych warstwach społecznych można było dowiedzieć się, czy lubili kolekcjonować dzieła związane z hiszpańskim malarstwem barokowym, chociaż posiadanie prac malarskich w ramach domowego stroju było powszechne.
Zgodnie z zachowanym do dziś toledańskim zapisem inwentarzy z drugiej połowy XVIII w. można mówić o gatunku malowideł przechowywanych w domach innych warstw społecznych, w których większość należy do tematyki charakter religijny.
Artyści i ich znaczenie w społeczeństwie
Ważne jest, aby podkreślić niewielką wagę społeczną poświęcaną artystom, ponieważ uważali ten zawód za coś mechanicznego i dopiero w XVIII wieku zostali uznani.
Cóż, w poprzednim stuleciu byli niedoceniani, tak jest w przypadku żmudnego wysiłku ze strony Velázqueza o przyjęcie do zakonu Santiago w celu uzyskania uznania społecznego.
Warto zauważyć, że zwyczaj rozpoczynania zawodu w młodym wieku nie sprzyjał wykształceniu intelektualnemu, a niewielu artystom zależy na zdobyciu wykształcenia kulturowego.
Wśród wyjątków od tej reguły wyróżnia się w hiszpańskim malarstwie barokowym Francisco Pacheco, który był nauczycielem Velázqueza i który dbał o otoczenie się intelektualistami, z którymi utrzymywał komunikację poprzez listy.
Innym był Diego Valentín Díaz w mieście Valladolid, gdzie miał bibliotekę składającą się z pięciuset siedemdziesięciu sześciu (576) tomów.
Byli artyści całkowicie niepiśmienni, jak np. Antonio de Pereda, który według Palomino nie umiał czytać ani pisać, ale lubił, gdy czytano mu książki odnoszące się do kultury ogólnej.
Według Soboru Trydenckiego Kościół był odpowiedzialny za ustanowienie nowych zasad dotyczących moralności, które były znacznie bardziej wymagające.
Wśród nich akty były zakazane, więc opublikowano kilka traktatów o czystości, potępiających akt malowania aktów.
Obserwuje się, że w tym historycznym momencie hiszpańskiego malarstwa barokowego niektóre akty przedstawiały Ewę i Adama oraz innych świętych męczenników, a w kościołach na dworach zaobserwowano dużą liczbę aktów w pracach artystycznych.
Z tego powodu Fray Juan De Rojas y Auxa zaproponował, aby przykryć te dzieła artystyczne welonami, gdy panie były w obecności tych obrazów.
Dlatego to tabu w odniesieniu do aktu wpłynęło na twórczość niektórych artystów, takich jak Francisco Pacheco, który radził artystom, aby tylko naśladowali głowy i ręce modelek, a resztę robili przed odbitkami czy posągami.
Chociaż w połowie XVII wieku większość akademii artystycznych zachęcała do studiów artystycznych poprzez żyjący w większości przypadków model męski.
Przykładem tego mogą być Zasady studiowania szlachetnej sztuki malarskiej z 1693 roku stworzone przez José García Hidalgo.
Różne gatunki w hiszpańskim malarstwie barokowym
W sztuce zaobserwowano dużą różnorodność reprezentatywnych gatunków malarstwa hiszpańskiego baroku, a w tym interesującym artykule wyjaśnimy każdy z nich w następujący sposób:
malarstwo religijne
Według słów Francisco Pacheco dotyczących malarstwa religijnego jest to reprezentatywny gatunek hiszpańskiego malarstwa barokowego i wyraża:
„…głównym celem malarstwa było przekonanie ludzi do pobożności i doprowadzenie ich do Boga…”
Można więc wykazać realistyczny aspekt hiszpańskiego malarstwa barokowego w odniesieniu do sfery religijnej w pierwszej połowie XVII wieku.
Nurty naturalistyczne zostały szybko zaakceptowane, więc artysta czuje się wierny religii, gdy jest to częścią tego, że utrwala w pracach artystycznych.
Miejscem największego zaszczytu dla hiszpańskiego malarstwa barokowego był ołtarz główny sanktuariów zakonnych, choć w mniejszych ołtarzach prace umieszczono także w kaplicach i nawach bocznych.
Przykładem tego jest ołtarz El Escorial, który jest podzielony na ulice i korpusy w sposób mieszany, gdzie można zobaczyć malarstwo i rzeźby hiszpańskiego baroku.
Następnie, w drugiej połowie XVII w. obserwuje się nakładanie ogromnych ołtarzy, eliminując różnorodne sceny, by skupić się na scenie centralnej, będącej historycznym momentem malarstwa religijnego, a pod koniec stulecia spycha się ją jedynie do strych.
Główny korpus ołtarza jest wykonany z rzeźbionego drewna, będącego wielką sceną hiszpańskiego malarstwa barokowego, a dzięki wpływom Włocha Luki Giordano, który był w narodzie hiszpańskim, rozpoczęto malowanie fresków w podziemiach świątyń religijnych.
Dlatego hiszpańskie malarstwo barokowe przedstawia sceny triumfalne, takie jak Apoteoza San Hermenegildo autorstwa Francisco de Herrera, lepiej znanego jako El Mozo.
Kolejny przykład hiszpańskiego malarstwa barokowego w sferze religijnej, jak np. Święty Augustyn, autorstwa Claudio Coello, prace te znajdują się obecnie w Muzeum Prado.W tych pracach obserwuje się kompozycje, w których dominują ukośne linie i są pełne siły.
W tym samym warsztacie często pojawiały się wizerunki świętych, szczególnie tych najbardziej nabożnych w Kościele katolickim, o różnych rozmiarach i powtórzeniach, wśród ulubionych świętych są:
- Święta Teresa od Jezusa
- San Ignacio de Loyola
- pokuta
- San Pedro
- La Magdalena
- Święty Hieronim
- Organizacja charytatywna
- Jałmużna
- Św. Jan Boży
- Święta Elżbieta Węgierska
- Męczennicy (świadkowie wiary katolickiej)
W odniesieniu do kultu maryjnego, takich jak kult św. Józefa, który propagowany był dzięki słowom św. Teresy od Jezusa, nasilając kult w miarę, jak kościół protestancki walczył z wiarą katolicką.
Jako reprezentatywne obrazy hiszpańskiego malarstwa barokowego, wśród których wyróżnia się La Inmaculada w regionie hiszpańskim, głównymi nabywcami tych dzieł byli sporni monarchowie w obronie dogmatu, który nie został jeszcze skonceptualizowany przez papieża.
W związku z tym obrazy artystyczne nawiązujące do Eucharystii powstały w malarstwie hiszpańskiego baroku, o czym za sprawą artysty Claudio Coello w jego pracy artystycznej Adoracja Świętej Formy znajdującej się w El Escorial.
Z tego, co zaobserwowano, że hiszpańskie malarstwo barokowe zostało użyte do konfrontacji idei religii protestanckiej, przykładem tego jest Ostatnia Wieczerza, podczas której zachęca się do konsekracji Eucharystii.
Podobnie cuda Chrystusa odzwierciedlały różne dzieła miłosierdzia, co widać na serii obrazów wykonanych przez artystę Murillo dla Hospital de la Caridad w Sewilli, ukazujących wielkie znaczenie w malarstwie hiszpańskiego baroku.
Należy podkreślić, że nieliczne są alegoryczne obrazy Starego Testamentu, gdyż do tej lektury zgłaszano zastrzeżenia do wiernych wiary katolickiej, a podejmowane w pierwszej kolejności tematy odnoszą się do przyjścia Chrystusa lub są do nich alegoryczne. .
Jak w przypadku Ofiary Izaaka, gdzie znaczenie analogicznie objawia się męką Chrystusa i jest reprezentowane przez hiszpańskie malarstwo barokowe.
Gatunek bluźnierczy
Należy mieć świadomość, że w hiszpańskim malarstwie barokowym odnaleziono inne gatunki, choć ten najbardziej znany odpowiada tematyce religijnej.
Ponieważ kościół był jego głównym klientem, a zapłacone za niego pieniądze były bardzo satysfakcjonujące dla artystów tego ruchu artystycznego.
Możemy więc mówić o innych gatunkach malarstwa hiszpańskiego baroku, takich jak portrety i martwe natury. Chociaż od 1599 roku w dokumentach pojawia się określenie nawiązujące do malarstwa martwej natury.
Jedną z cech surowej hiszpańskiej martwej natury przeciwstawia się ostentacyjny stół kuchenny pochodzenia flamandzkiego i to za sprawą artysty Sáncheza Cotána określany jest jako gatunek składający się z prostych kompozycji, w których figury geometryczne, twarde linie i ponure oświetlenie są używane.
Taki był sukces tego gatunku artystycznego hiszpańskiego malarstwa baroku, że w tej formie malarstwa, która weszło na dwory królewskie, wspierali go inni artyści, między innymi o wielkiej renomie:
- Philip Ramirez
- Aleksander Loarte
- Francisco Burgos Mantilla
- Juan van der Hamen y Leon
- Bariera Franciszka
- Juan Fernandez lepiej znany jako Labrador
- Antonio Ponce
- Juana de Espinosa
- Franciszka Palaciosa
Szkoła sewilska pomogła również ukształtować walory gatunku martwej natury, którego głównymi przedstawicielami hiszpańskiego malarstwa barokowego byli Velázquez i Zurbarán.Należy podkreślić, że martwe natury nie były wolne od wpływu regionu włoskiego i flamandzkiego. .
Gatunek hiszpańskiej martwej natury uległ przemianie w połowie XVII wieku, kiedy dzięki wpływom flamandzkim przedstawione obrazy były bardziej ostentacyjne i złożone niż pierwotne, obserwuje się rozwój kompozycji w sposób teatralny z alegorią zawartość.
Przykładem tej formy hiszpańskiego malarstwa barokowego są obrazy kwiatowe wykonane przez Juana de Arellano, a nawet dzieło artystyczne Vanitas artysty Antonio de Pereda i innego wielkiego artysty Valdésa Leala.
Obcy wpływ obserwuje się, ponieważ ten gatunek hiszpańskiej martwej natury jest ujęty w surowość i trzeźwość jego form, które zmieniają się wraz z wpływami flamandzkimi i włoskimi.
Chociaż Velázquez poświęcił czas i uwagę hiszpańskiemu gatunkowi martwej natury, zyskał niewielu hodowców i został zdyskwalifikowany przez Carducho.Można wymienić niektóre prace Loarte i inne artystyczne obrazy przypisywane Pudze.
W połowie XVII wieku Murillo przedstawił w scenie hiszpańskiego malarstwa barokowego żebraków demonstrujących życie uliczne, rozpoczynając gatunek portretu w sposób daleki od elitarnej szlachty Europy.
W tej formie hiszpańskiego malarstwa barokowego przenikają się wpływy greckie, więc gatunek ten łączy swoje korzenie z włoską szkołą Tycjana oraz malarstwem hiszpańsko-flamandzkim reprezentowanym przez artystę Antonio Moro i Sáncheza Coello.
Pokazuje prostą kompozycję, mało zdobniczą, ale pozwalającą dostrzec ludzkie przeżycia jej bohaterów, nadając godności portretowi w przeciwieństwie do kontrreformacji, niekoniecznie muszą one być uchwycone w wizerunkach postaci o wielkiej renomie.
Otóż dziecko ulicy można przedstawić jako monarchę narodu w odniesieniu do gatunku portretu hiszpańskiego malarstwa barokowego, godnym przykładem tego artystycznego dzieła jest El pie varo znane również jako patizambo wykonane przez José de Ribera w roku 1642.
Jedną z cech, która najbardziej wyróżnia się w hiszpańskim malarstwie baroku w odniesieniu do gatunku portretu, jest jego surowość w porównaniu z innymi szkołami, ponieważ reprezentuje duszę postaci ludzkich uchwyconych na płótnie.
Pewien punkt nieufności i melancholii dostrzega się przed tym, co w życiu niesie ze sobą naturalny styl w momencie uchwycenia cech modela dalekiego od klasycyzmu, którego broniła większość ówczesnych teoretyków.
Jedną z cech kontrreformacji jest przewaga realnego nad ideałem i jest to gatunek portretu hiszpańskiego malarstwa barokowego.
Utrwalając się w XVII wieku z twórczością Velázqueza oraz dziełami nawiązującymi do portretów Ribery, Zurbarána, Juana Ribalty, ta jakość została utrzymana w twórczości Goi.
Jeśli chodzi o gatunek portretu w hiszpańskim malarstwie barokowym, niewiele jest dzieł związanych z dziedziną mitologiczną lub historyczną, a przykłady te były częścią kolekcjonerstwa.
W stosunku do XVI wieku wyróżnia się powstanie dzieł związanych z polem mitologicznym w wieku XVII, które nie tylko eksponowane były na ścianach pałaców, udostępniając całemu społeczeństwu szeroką gamę ikon.
W odniesieniu do obrazów związanych z pejzażem, które w hiszpańskim malarstwie barokowym określano mianem krajów, traktowano go mniej impulsywnie, ponieważ postać ludzka znajdowała się na szczycie sztuki.
Według krytyki Carducho pejzaże nadawały się na rezydencje na wsi lub w miejscach emerytury i były w większości wzbogacone jakimś obrazem sakramentalnym lub świeckim, który eksponował w swoim traktacie Dialogi malarstwa.
Ten punkt widzenia pokrywa się ze słowami wypowiedzianymi przez Pacheco w związku z jego badaniami Sztuka malowania, w których komentuje, że pejzaże zostały wykonane przez zagranicznych artystów.
Wśród nich wyróżniają się Cesare Arbasia, Muziano i Brill, który nauczył się tej techniki od wybitnego hiszpańskiego artysty Antonio Mohedano, wyrażając:
„… jest to część malarstwa, którą nie należy pogardzać… ale są to sprawy mało chwalebne i szanowane wśród starożytnych…”
Z przeprowadzonych śledztw wynika, że gatunek ten był bardzo ważny dla kolekcjonerów i w przeciwieństwie do Holandii w narodzie hiszpańskim nie ma autentycznych przedstawicieli, chociaż można wymienić następujące:
Ignacio de Iriarte, który działał w Sewilli, a także Francisco Collantes i Benito Manuel Agüero w Madrycie, są znani z malarstwa pejzażowego z postaciami lub bez, a także Antonio del Castillo z Kordoby.
Szkoły hiszpańskiego malarstwa barokowego
W pierwszej połowie XVII wieku zaobserwowano duże ośrodki produkcyjne związane z ruchem hiszpańskiego malarstwa barokowego, z których główne znajdowały się w mieście Toledo, Sewilli, Walencji i Madrycie.
Należy zauważyć, że w drugiej połowie XVII wieku szkoły w Toledo i Walencji spadły w hierarchii, podnosząc wartość dzieł hiszpańskiego malarstwa barokowego w Madrycie i Sewilli, ale zawsze byli artyści o pewnym znaczeniu w różnych regionach narodu hiszpańskiego.
Szkoła w Madrycie
Na początku XVII wieku, zarówno w Madrycie, jak i w Toledo, wielu artystów pod wpływem zagranicznych artystów z narodu włoskiego, którzy przybyli do narodu hiszpańskiego, aby pracować w wielkim klasztorze El Escorial, wśród nich Eugenio Cajes wyróżnia się w latach 1575-1634.
Oprócz artysty Vicente Carducho, w latach 1576-1638, w związku z budową tej zasłużonej świątyni religijnej, kształcili się wielcy artyści hiszpańskiego malarstwa barokowego.
Podobnie jak w przypadku Sáncheza Cotána, a także Francisco Ribalty pochłoniętych twórczością Orazia Borgianiego.
Oprócz prac malarskich Carlo Saraceni, które zostały zdobyte dla katedry w Toledo dzięki kardynałowi Bernardo de Sandoval y Rojas, który był kolekcjonerem i bardzo uważnym na wszystkie trendy artystyczne pochodzące z narodu włoskiego.
Nawiązanie do tematyki religijnej z dużym realizmem w hiszpańskim malarstwie barokowym bez eliminowania ornamentu, który w Rzymie wielu zarzucał wielkiemu artyście Caravaggio.
Wśród tych wyróżniających się wyróżnia się Juan van der Hamen w latach 1596-1631, który zajmował się fotografowaniem martwych natur oraz płócien religijnych.
Oprócz portretów typowych dla malarstwa hiszpańskiego baroku, podąża za nim wielki artysta Pedro Núñez del Valle, który nazywał siebie akademikiem rzymskim.
Który był pod wpływem klasycyzmu bolońskiego artysty Guido Reni, który inspirował się karawagizmem i był odpowiedzialny za uchwycenie pejzaży i tematów ze sfery religijnej.
Możemy również wymienić Juana Bautistę Maino z lat 1578-1649, który podczas podróży do Włoch był pod wrażeniem twórczości Caravaggia i artysty Annibale Carracciego, który charakteryzował się jasnymi kolorami i rzeźbiarskimi figurami.
Szkoła miejska w Toledo
Warto wiedzieć, że w mieście Toledo powstała artystyczna szkoła hiszpańskiego malarstwa barokowego, w której wyróżnia się Juan Sánchez Cotán (1560-1627), artysta eklektyczny i różnorodny, który podkreśla swoje martwe natury, gdzie są owoce i warzywa oczywisty.
Nie znał twórczości Caravaggia, tak jak Juana van der Hamena, którego gatunkowo charakteryzował gatunek podobny do holenderskich malarzy, takich jak Clara Peeters i Osias Beert.
Podobnie jak artyści pochodzenia włoskiego, tacy jak Fede Galizia, którzy byli współcześni i interesowali się oświetleniem tenbrystycznym.
Nie interesowały ich skomplikowane ilustracje martwych natur innych artystów pochodzenia holenderskiego czy flamandzkiego. Dlatego kompozycje Sáncheza Cotána w odniesieniu do martwych natur są proste, niektóre układy geometrycznie w przestrzeni płótna.
Mówi się, że Sánchez Cotán porządkuje swoje elementy według proporcji i harmonii według neoplatonizmu, chociaż nie znaleziono żadnych pism, które by do niego odnosiły.
Do uchwycenia używany jest wyłącznie naturalizm, czego dowodem jest praca Martwa natura z owocami, gdzie uchwycił martwą naturę zawierającą pigwę, melon, ogórek i kapustę, praca ta należy do Galerii Sztuk Pięknych w San Diego.
W tej pracy prostotę czterech owoców obserwuje się na geometrycznej ramie w dolnej części po lewej stronie, podkreślając czerń pośrodku płótna oraz w prawej połowie, podkreślając detale.
Jest to dzieło hiszpańskiego malarstwa barokowego, które przykuwa uwagę widzów oprawą architektoniczną, w którą mieszczą się owoce.
Podobnie jak prace nawiązujące do myślistwa, nawiązujące do kredensów typowych dla hiszpańskiego regionu tego historycznego momentu, wyróżnia się także iluzjonistyczną perspektywą, jaką nadaje dziełu.
Innymi hiszpańskimi malarzami barokowymi są Pedro Orrente i Luis Tristán, który był uczniem greckiego artysty, gdy przeniósł się do narodu włoskiego w latach 1606-1611.
Charakteryzuje się treningiem w stylu tenbrystycznego dworu osobistego oraz eklektycznym, podkreślając wśród swoich dzieł ołtarz główny kościoła Yepes z 1616 roku.
Jeśli chodzi o artystę, Orrente mieszkał również w narodzie włoskim w latach 1604-1612, gdzie kierował pracą w warsztacie Bassano w Wenecji.
Jego prace realizowane w miastach Murcji, Walencji i Toledo wyróżniały się tematyką religijną, podkreślając realizm postaci, przedmiotów i zwierząt.
Podobnie jak w przypadku św. Sebastiana w katedrze w Walencji w 1616 r., a także objawienia św. Leokadii w katedrze w Toledo w 1617 r.
Szkoła hiszpańskiego malarstwa barokowego w Walencji
W tej szkole wyróżniają się artyści stylu tenbrystycznego Francisco Ribalta (1565-1628) i José de Ribera (1591-1652), którzy są zaliczani do tej walenckiej szkoły od XVII wieku.
Artysta Ribalta przebywał w Walencji od 1599 roku iw tej miejscowości obraz miał cechy artysty Juana de Juanes.
Styl Ribalty sprzyjał kontrreformie, gdyż w jego pracach zaobserwowano prostą kompozycję skoncentrowaną na postaciach, które wyrażały ukryte emocje typowe dla hiszpańskiego malarstwa barokowego.
Wśród jego prac malarskich wyróżniają się Ukrzyżowany w objęciach św. Bernarda oraz św. Franciszek pocieszony przez anioła, które znajdują się w Muzeum Prado.
Innym z jego dzieł jest Święta Wieczerza z ołtarza Colegio del Patriarca, a także ołtarz Portacoeli, który znajduje się w Muzeum Walencji, gdzie wyróżnia się San Bruno.
Wśród jego wspaniałych uczniów wyróżnia się jego własny syn Juan Ribalta, który zmarł bardzo młodo, a także Jerónimo Jacinto Espinosa.
Jego dzieła wyróżniają się, takimi jak Cud Chrystusa ocalenia z 1623 r., a także Śmierć San Luis Beltrán w 1653 r. Pojawienie się Chrystusa w San Ignacio w 1658 r.
Warto zauważyć, że José de Ribera, choć zaliczany do szkoły walenckiej, od 1611 roku zawsze pracował w narodzie włoskim, nie przebywał w Walencji i podczas pobytu w Rzymie miał styczność z wpływem artysty Caravaggia, przyjmując tenebrist. naturalizm.
Jego prace malarskie podkreślają prostotę apostołów i filozofów, gdzie naśladował wyrażenia, w tym zmarszczki.Osiadł w Neapolu i miał kontakt z Velázquezem w sprawie światłocienia, osłabionego wpływami weneckiego klasycyzmu.
Wśród dzieł wyróżniających się na tle tego wielkiego artysty hiszpańskiego malarstwa barokowego znajduje się La Magdalena Penitente, przechowywana w Muzeum Prado.
Podobnie jak Męczeństwo San Felipe, El Sueño de Jacob, Santísima Trinidad, San Andrés i Inmaculada Concepción, dzieła te należą do Agustinas de Monterrey w Salamance.
Kolejnym z reprezentacyjnych dzieł hiszpańskiego malarstwa barokowego jest La Cartuja de San Martino w Neapolu, na Komunię Apostołów uwieczniono także niektóre płótna nawiązujące do pejzaży należących do kolekcji książąt Alba w Pałacu Monterrey.
Był również odpowiedzialny za uchwycenie tematów religijnych zleconych przez hiszpańskich wicekrólów w mieście Neapol, a także motywów mitologicznych, takich jak Wenus i Adonis, Apollo i Marsjasz, Wizyta bogów u ludzi, Silenus pijany, nie zapominając o serii portretów .
Tak jak w przypadku jeździectwa Don Juana José z Austrii i znanego portretu El pie varo, który szczególnie odpowiada gustowi chwili w hiszpańskim malarstwie barokowym, a także La Mujer Barbuda dla III księcia Alcalá.
Odnośnie szkoły andaluzyjskiej
Na początku XVII wieku w Sewilli modne było tradycyjne malarstwo dworskie z wpływami holenderskimi, którego najlepszym przedstawicielem był artysta manierystyczny Francisco Pacheco, teść i nauczyciel wielkiego Velázqueza (1564- 1654).
Był malarzem-erudytą, odpowiedzialnym za opracowanie traktatu zatytułowanego Sztuka malowania, który został opublikowany po jego fizycznej nieobecności.Należy wiedzieć, że duchowny imieniem Juan de Roelas (1570-1625) był artystą, który włączył koloryzm do weneckiego stylu artystycznego w mieście Sewilla.
Z tego powodu uważany jest za ojca hiszpańskiego malarstwa barokowego w Dolnej Andaluzji.Jego prace wyróżniają się jasnym i barwnym stylem barokowym, mającym swój poprzednik w malarstwie manierystycznym.
Wśród dzieł wyróżniających się od tego przedstawiciela hiszpańskiego malarstwa barokowego wyróżnia się Męczeństwo św. Andrzeja znajdujące się w Muzeum Sewilli.
Powinieneś wiedzieć, że to pierwsze pokolenie artystów reprezentujących malarstwo hiszpańskiego baroku kończy się na Francisco Herrerze, lepiej znanym jako El Viejo (1590-1656), który jest nauczycielem sztuki własnego syna Herrery El Mozo.
Według przeprowadzonych badań artysta o nazwisku Herrera miałby być częścią przejścia od manieryzmu do nurtu baroku.
Który był propagatorem dzięki swoim walorom artystycznym, takim jak przyprawiające o zawrót głowy pociągnięcia pędzla i realizm typowy dla malarstwa hiszpańskiego baroku.
Ważne jest, abyście zrozumieli, że Sewilla przeżywała pełny rozkwit gospodarczy dzięki handlowi z Ameryką, gdzie kształcili się wielcy artyści hiszpańskiego malarstwa barokowego, tacy jak Zurbarán, Velázquez i Alonso Cano.
W odniesieniu do Francisco de Zurbarána (1598-1664) jest on maksymalnym przedstawicielem hiszpańskiego malarstwa barokowego w sferze religijnej, z której znany był w swoim czasie jako malarz zakonny.
Jego martwe natury również wyróżniają się, chociaż od czasu do czasu poświęcał się im. Jedną z jego cech jest styl tenbrystyczny, w którym zawiera prostą i realistyczną kompozycję przedmiotów i ludzi, które uchwycił na swoich płótnach.
Podkreślają dużą serię prac artystycznych nawiązujących do różnych zakonów dogmatu katolickiego, wśród których wyróżniają się kartuzi z miasta Sewilli, a także hieronimici z zakrystii klasztoru Guadalupe. Wśród jego prac wyróżnia się:
- Brat Gonzalo de Illescas
- Nieskazitelny
- Brat Pedro Machado
- Msza św. Ojca Cabañuelas
- Św. Hugo w refektarzu kartuzów
- Wizja Ojca Salmerónu
- Kuszenie św. Hieronima
- Santa Catalina
Ze względu na innego wielkiego przedstawiciela hiszpańskiego malarstwa barokowego, Alonso Cano (1601-1667) uważany jest za założyciela szkoły baroku w Granadzie.W pierwszej kolejności był tenbrystą, potem zmienił ten styl.
Otóż poznał malarstwo weneckie w królewskich zbiorach, gdy został mianowany kamerzystą dzięki hrabiemu księciu Olivares. Ważne jest, abyś wiedział, że Alonso Cano i Velázquez byli przyjaciółmi i kolegami z klasy.
W warsztacie mistrza Francisco Pacheco, gdzie przyjmował formy zarówno wyidealizowane, jak i klasyczne, nie podobał mu się realizm współczesnych.
Do najbardziej reprezentatywnych dzieł tego artysty hiszpańskiego malarstwa barokowego należą płótna nawiązujące do Życia Matki Boskiej znajdujące się obecnie w katedrze w Granadzie.
Velázquez i jego wpływ na hiszpańskie malarstwo barokowe
W tym stuleciu maksymalna postać Diego Velázqueza jest jednym z wielkich geniuszy twórczych hiszpańskiego malarza baroku. Ten wielki artysta urodził się w Sewilli w 1599 roku i zmarł w Madrycie w 1660 roku.
Wykazał się wielkim mistrzostwem światła i ciemności, był wielkim portrecistą hiszpańskiego malarstwa barokowego, w swoich portretach uchwycił nie tylko królów i ich rodziny na płótnie, ale także inne postacie, np. nadwornych błaznów.
Z szacunkiem do tych postaci podkreśla je z wielką przyzwoitością i formalnością w swoim zawodzie, okazał się w swoim czasie wielkim artystą rozpoznawanym przez innych artystów o wielkiej renomie.
Tak jest w przypadku Vicente Carducho, choć zanurzony w klasycyzmie, naturalizm odrzucił jako sztukę drugorzędną.
W swoich początkach w Sewilli artysta Diego Velázquez był odpowiedzialny za rejestrowanie obrazów nawiązujących do scen rodzajowych, które inni malarze, tacy jak Francisco Pacheco i Antonio Palomino, nazywali lub katalogowali jako Martwe natury.
Tam wykonywali modele malowideł kuchennych, które tworzyli artyści pochodzenia flamandzkiego, tacy jak Beuckelaer i Aertsen z południa Holandii.
Że znajdowało się pod domeną Austriaków, więc nastąpił wielki gospodarczy boom handlowy między regionami Flandrii i Sewilli.
Będąc tymi obrazami, inicjały rozsławiające artystę, bo nie tworzył on prostych dzieł, ale sceny rodzajowe, o czym świadczą różne muzea narodu hiszpańskiego.
Podkreślając, jak fascynujące dla społeczeństwa europejskiego były te niezwykle efektowne kompozycje artystyczne, wyróżniają się wśród nich:
- Lunch stworzony w 1617 roku w Ermitażu
- Stara kobieta smażąca jajka z roku 1618, która znajduje się w National Gallery of Scotland
- Chrystus w domu Marty z 1618 roku w National Gallery of London
- Aguador de Sevilla utworzona w roku 1620 i znajduje się w Apsley House
W scenach tych widać detale nawiązujące do charakterystycznych martwych natur, w których prezentowane są słoje wykonane z takich elementów jak ceramika czy ryby.
Oprócz jajek z dużym realizmem na płótnie charakteryzującym się mroczną atmosferą gdzie używa palety z kilkoma kolorami.
Należy mieć świadomość, że ten artysta Diego Velázquez nie tylko tworzył prace artystyczne związane ze sferą religijną, ale także zajmował się fotografowaniem portretów dworskich oraz wątków historycznych, wśród których wyróżnia się Poddanie Bredy.
Wykazał się także znakomitą pracą w hiszpańskim malarstwie barokowym nawiązującym do motywów mitologicznych, gdzie wyróżniają się m.in. Triumf Bachusa, Bajka Arachne, Kuźnia Vulcano.
Wśród jego wielkiej twórczości znajdują się martwe natury i pejzaże, a także typowe dla tej sztuki kobiece akty, takie jak Wenus z lustra.
Ten wielki artysta hiszpańskiego malarstwa barokowego jest pod wpływem tenebryzmu Caravaggia, a także wielkiego Rubensa, pozwalając na połączenie tych nurtów, które wyróżniają się w tym dziele o wielkim realistycznym charakterze typowym dla Velázqueza.
Wykazał się dużą artystyczną pomysłowością twórczą w operowaniu światłem i przestrzenią w hiszpańskim malarstwie barokowym, przez co uważany jest za niezwykle istotną postać tenebizmu pierwszej połowy XVII wieku i ruchu barokowego drugiej połowy XVII wieku. ten sam wiek.
Jedną z jego głównych cech jest realistyczny efekt wielkiej głębi, ukazujący na płótnach atmosferę, w której między postaciami unosi się kurz.
To, że uchwycił na swoich płótnach, demonstruje świetne opanowanie niestabilnej perspektywy, jak podkreślono w jednym z jego wielkich dzieł Las Meninas.
Wśród dzieł Velázqueza są inni wielcy artyści, tacy jak malarz Juan de Pareja (1610-1667).
Oraz jego zięcia Juana Bautisty Martínez del Mazo (1605-1667), który po nauczeniu się stylu był jego asystentem i stał się niezależnym artystą.
https://www.youtube.com/watch?v=macuJDysm0k
Odnośnie drugiej połowy XVII wieku
Na tym etapie malarstwa hiszpańskiego baroku nie jest już pod domeną Caravaggia, ale widoczny jest raczej wpływ ruchu baroku flamandzkiego w stylu rubensowskim, a także baroku włoskiego.
Widoczne są inne rodzaje malarstwa, w których nie wyróżnia się światło i cień, ale uwzględnia się wnikliwą chromatykę nawiązującą do szkoły pochodzenia weneckiego.
Ponadto w hiszpańskim malarstwie barokowym występuje teatralność, co jest czymś bardzo wyjątkowym w tym hiszpańskim malarstwie barokowym.
Ten typ hiszpańskiego malarstwa barokowego służy do wyrażania triumfu Kościoła dzięki kontrreformacji, a jednocześnie jest używany do radzenia sobie z upadkiem hiszpańskiego imperium.
Uzupełnieniem tej sztuki są ozdobne freski na rozległych ścianach, a nawet na sklepieniach świątyń religijnych i na dworach cesarskich.
Obserwowane są efekty scen i złudzenia optyczne, motywy nawiązujące do vanitas wchodzą z zamiarem zademonstrowania widzom.
Próżność ziemskich przedmiotów odnosi się do kruchości życia i tego, jak krótkie może być jego istnienie, stąd tak ważne jest cieszenie się nim.
W przeciwieństwie do holenderskich vanitas, w hiszpańskim malarstwie barokowym sfera religijna zostaje wzmocniona poprzez wykorzystanie tematów nadprzyrodzonych dla uwagi wiernych Kościoła katolickiego.
Szkoła Madrycka
W hiszpańskim malarstwie barokowym obserwuje się przejście od tenebryzmu do pełnego baroku i wśród najlepszych przedstawicieli tej madryckiej szkoły.
Wśród artystów wyróżnia się Juan Andrés Rizi (1600-1681), a także Francisco de Herrera, lepiej znany jako El Mozo (1627-1685), syn Herrery El Viejo.
Jeśli chodzi o Francisco Herrerę el Mozo, od najmłodszych lat uczył się w warsztacie swojego ojca, który był odpowiedzialny za przekazanie mu pierwszych nauk hiszpańskiego malarstwa barokowego, następnie w sporym wieku przeniósł się do Włoch i ponownie wrócił do Hiszpanii w 1654.
Po powrocie rozpowszechnił to, czego dowiedział się o dekoracyjnym baroku włoskiego pochodzenia, co zostało podkreślone w pracy artystycznej San Hermenegildo znajdującej się w Muzeum Prado, jego wpływ był tak duży, że otrzymał stanowisko prezesa Akademii w Sewilli.
Trzeba koniecznie wiedzieć, że prezesowi tej Akademii przewodniczył Murillo, mimo że był pochłonięty pracą artystyczną w Madrycie w odniesieniu do hiszpańskiego malarstwa barokowego.
Innym z artystów reprezentujących w tym czasie hiszpańskie malarstwo barokowe był Antonio Pereda (1611-1678), który skupił się na sferze religijnej w różnych kościołach i klasztorach Madrytu.
Był odpowiedzialny za uchwycenie kilku vanitas, w których wyraża szybkość, z jaką kończą się ziemskie przyjemności, demonstrując cechy, które zbliżają go do gatunku martwej natury, czyniąc z niego podgatunek.
Pamiętaj, że martwa natura odnosi się do martwej natury, a jednym z tego typu obrazów hiszpańskiego baroku tego wielkiego artysty jest El Sueño del Caballero, który znajduje się w Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Tam, gdzie dżentelmen śpi w swoim otoczeniu, obserwuje się szereg próżności typowych dla tego świata, podkreślając insygnia, które dają władzę, takie jak kula ziemska i korony, a także wysoko cenione przedmioty, takie jak klejnoty, pieniądze i książki.
Wszystko to wokół czaszek i kwiatów, które wkrótce tracą swoją urodę i więdną, widać też światło do połowy zużytej świecy, pokazujące, że czas życia upływa, a anioł poświadcza to, bo nosi wstążkę, która ma o rysunkach i napisie:
„…ATERNE PUNGIT; CITE VOLAT ET OCCIDIT… Czas zawsze rani, leci szybko i zabija…”
To jakby przestroga dla widzów hiszpańskiego malarstwa barokowego, w którym artysta Antonio Pereda pragnie wyrazić poprzez sztukę:
„…Sława wielkich czynów zniknie jak sen…”
Innym przykładem, który można wykazać, jest praca artystyczna Alegoria marności życia, która znajduje się w Kunsthistorisches w Wiedniu.
Praca przedstawia postać ze skrzydłami, wokół której powtarzają się tematy z poprzedniej pracy, takie jak kula ziemska, czaszki, zegar, a także pieniądze.
Chociaż w innych reprezentatywnych dziełach hiszpańskiego malarstwa barokowego pod względem vanitas mogą one zawierać niewiele elementów, takich jak czaszki i zegar.
Jak widać w Muzeum w Saragossie, gdzie umieści je zgodnie ze swoją pomysłowością twórczą, pozwalając na złożone kompozycje.
Hiszpańskie malarstwo barokowe drugiej połowy stulecia reprezentuje kilku artystów, wśród których możemy wymienić:
- Francisco Rizi (1614-1685), który był bratem Juana Ricci
- Juan Carreño de Miranda (1614-1685) jako drugi najlepszy portrecista
- Diego Velázquez jest najlepszym portrecistą hiszpańskiego malarstwa barokowego, jego obrazy przedstawiające owdowiałą królową Marianę Austrii i Karola II są bardzo znane.
- Mateo Cerezo (1637-1666) uczeń Velázqueza i wielbiciel Tycjana oraz Van Dycka
Możemy wymienić innych reprezentatywnych artystów hiszpańskiego malarstwa barokowego, takich jak José Antolínez, który był uczniem artysty Francisco Rizi.
Wywarł wielki wpływ pochodzenia weneckiego i holenderskiego, był autorem różnych prac z zakresu religii, uwypuklających jego twórczość nawiązującą do Niepokalanego Poczęcia.
Wpływ Velázqueza obserwuje się w odniesieniu do palety kolorów stosowanej przy wyborze kolorów srebrnych. Możemy również opowiedzieć o Sebastianie Herrerze Barnuevo, który był uczniem artysty Alonso Cano.
Oprócz tego, że był architektem, był malarzem i rzeźbiarzem, wyróżniały się jego prace artystyczne związane z portretowaniem, nawiązujące stylem do szkoły weneckiej, jak Veronese czy Tintoretto.
Aby zakończyć szkołę madrycką, jednym z ostatnich przedstawicieli hiszpańskiego malarstwa barokowego jest urodzony w Madrycie artysta Claudio Coello (1642-1693), który specjalizował się jako malarz dworski.
Chociaż jego najlepsze prace artystyczne są związane ze sferą religijną, a także rysunkiem i perspektywą pod wpływem Velázqueza.
Do tego świetna teatralność nawiązująca do dzieł artystycznych Rubensa, takich jak Adoracja świętej formy czy Triumf św. Augustyna.
Szkoła Andaluzyjska
Hiszpańskie malarstwo barokowe, które reprezentuje artysta Murillo, a także inny wielki artysta, Valdés Leal, który był założycielem w roku 1660 Akademii Sewilli, zrzeszającej wielu malarzy.
Pełne imię i nazwisko tego wielkiego przedstawiciela hiszpańskiego malarstwa barokowego to Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682), szczególnie podziwiany za prace nawiązujące do Niepokalanego Poczęcia oraz przedstawienia z wielkim uczuciem Dzieciątka Jezus.
Choć w swoim historycznym momencie Murillo był wysoko ceniony dzięki scenom rodzajowym, tak jest w przypadku chłopców, którzy pokazują, jak żyć na marginesie, przykładem są: Dzieci jedzące owoce i Dziecko wyglądające przez okno.
Demonstruje transformację hiszpańskiego malarstwa barokowego, pozostawiając styl tenbrystyczny w odniesieniu do jego pierwszego okresu, rozpoznawane są następujące dzieła: La Sagrada Familia del Pajarito i Cykl klasztoru San Francisco w Sewilli.
Następnie dzięki jego pracom artystycznym widać, że pociągnięcie pędzla staje się lżejsze i wzbogacone o paletę kolorów, pozwalając na znacznie luźniejsze i bardziej zwinne pociągnięcie pędzla.
Obserwuje się, że Murillo uchwycił obrazy dostosowane do gustu mieszczańskiego społeczeństwa, gdzie płótna przedstawiają dzieła artystyczne o delikatnych motywach bez dramatyzmu, eliminując negatywne aspekty życia codziennego.
Jeśli chodzi o sferę religijną hiszpańskiego malarstwa baroku, Murillo wykonał wiele dzieł artystycznych, m.in. Męczeństwo św. Andrzeja, Dobrego Pasterza, Rebekę i Eliezera, św. Justę i Rufinę, Zwiastowanie, a także różne wersje nawiązujące do Niepokalane Poczęcie Poczęcie.
Ten ostatni obraz stał się emblematycznym modelem, który był kopiowany przez całe stulecie, nie zaniedbując połowicznych punktów, jakie zrobił dla sewilskiego kościoła Santa María La Blanca con el Sueño del Patricio, nie zapominając o bardzo eleganckich portretach podobnych do tych autorstwa artysty Van Dycka .
Wspomnieć można także artystę pochodzącego z Kordoby Juana de Valdés Leala (1622-1690), którego dwie prace są dziś dobrze znane, podobnie jak Dekadencje, które stworzył dla szpitala de la Caridad w Sewilli.
To doskonałe, złożone kompozycje, w których obserwuje się triumf śmierci nad życiem. Śmierć jest symbolizowana przez czaszki i szkielety, podczas gdy próżność jest reprezentowana przez księgi i zbroje.
Gdzie pokazuje, że śmierć nie czyni rozróżnień klasowych, jak to zostało powiedziane w dziele Tańce śmierci. Zauważa się, że styl Valdésa Leala jest dynamiczny, a nawet gwałtowny, kiedy to on jest odpowiedzialny za dawanie pierwszeństwa kolorowi nad narysowaną pracą.
W stosunku do XVIII wieku
W odniesieniu do pierwszych lat XVIII wieku można zauważyć, że hiszpańskie malarstwo barokowe utrzymywało się do czasu pojawienia się nowego ruchu artystycznego, znanego jako rokoko, który wywarł wielki wpływ na naród francuski.
W połowie XVIII wieku Burbonowie przybyli do narodu hiszpańskiego i byli odpowiedzialni za sprowadzenie na dwór hiszpański dużej liczby zagranicznych artystów, w tym Louisa-Michela Van Loo, Michela-Ange Houasse i Jeana Ranca.
Mimo to w różnych regionach narodu hiszpańskiego dzieło szkoły sewilskiej było kontynuowane, podobnie jak uczniowie artysty Murillo do roku 1750 i chociaż dwór dokonał przeobrażeń w malarstwie.
W świątyniach religijnych i regionalnej szlachcie pozostała wierna hiszpańskiemu malarstwu barokowemu, dlatego ciągłość tej sztuki obserwuje się aż do XVIII wieku.
Wśród postaci artystycznych reprezentujących przejście od hiszpańskiego malarstwa barokowego jest Acisclo Antonio Palomino (1655-1726), który był odpowiedzialny za wielką działalność artystyczną w XVII i XVIII wieku.
Najpierw rozpoczął zawód religijny, ale porzucił go zamiłowanie do hiszpańskiego malarstwa barokowego.W 1678 r. przeniósł się z rodzinnej Kordoby do Madrytu, gdzie pobierał lekcje u artystów Claudio Coello i Carreño.
Po dziesięciu latach studiów i praktyki w roku 1688 ten wielki artysta awansuje na stanowisko malarza króla, z tego powodu otrzymuje wśród swoich zadań malowanie sklepień kaplicy ratusza miasta Madrytu, które wykonuje przeprowadzono w latach 1693-1699.
Współpracował także z innym wielkim malarzem, takim jak Luca Giordano, który nauczył go wszystkiego, co dotyczy baroku pochodzenia włoskiego.
W latach 1697 i 1701 jest odpowiedzialny za wykonanie fresków kościoła Santos Juanes znajdującego się w Walencji, w innym okresie 1705 i 1707 otrzymuje zlecenie udekorowania klasztoru San Esteban w mieście Salamanka.
W odniesieniu do początków tego artysty jest on oprawiony w styl szkoły madryckiej pod wpływem artysty Claudio Coello, ale po interakcji z Gordano doprecyzował on paletę kolorów, której używał w malarstwie hiszpańskiego baroku.
Następnie zajął się tworzeniem wysublimowanych, skomplikowanych kompozycji, w których wykazał się doskonałą znajomością szkicu.
Możemy wspomnieć o innej postaci o dużym znaczeniu w hiszpańskim malarstwie barokowym tego historycznego momentu, jak Miguel Jacinto Meléndez, który mieszkał w Madrycie i zna Palomino.
W 1712 r. awansował na malarza do króla, a dzięki wpływom Claudio Coello i Francisco Riziego zlecono mu wykonanie portretów Filipa V i jego rodziny oraz sfery religijnej.
Dodając do swojego hiszpańskiego baroku wielką staranność i kolorystykę sugerującą wpływ rokoka, czego przykładem są następujące dzieła plastyczne Zwiastowanie wykonane w 1718 roku oraz Święta Rodzina w 1722 roku.
Wśród Walencji wyróżnia się artysta José Vergara Gimeno (1726-1799), który również przejął wpływy Palomino na malarstwo hiszpańskiego baroku.
Zwłaszcza w swoich rozległych i złożonych kompozycjach wykonanych techniką fresku, został zaktualizowany za pomocą formuł używanych przez innego wielkiego artystę, takiego jak Juan de Juanes y los Ribalta.
Był odpowiedzialny za tworzenie innych nowych stylów artystycznych, które pozwoliły mu wprowadzić go do neoklasycyzmu i był odpowiedzialny za założenie w 1768 r. Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w San Carlos.
W towarzystwie brata Ignacio i tej instytucji pozwoli mu oddać godność i szacunek normatywnym studiom hiszpańskiego malarstwa barokowego.
Zakończeniem tego wielkiego stulecia hiszpańskiego malarstwa barokowego jest kataloński artysta Antoni Viladomat, który współpracował z wielkim artystą włoskiego pochodzenia.
Będąc Ferdinando Galli Bibbiena w czasach, gdy miasto Barcelona było siedzibą dworu arcyksięcia Karola Austrii.
Kandydat do korony hiszpańskiej dzięki wpływowi na naród hiszpański zaobserwowano narodziny stylu artysty Antoniego Viladomata, w którym oscylował on w fuzji z naturalizmem szkoły sewilskiej i hiszpańskim malarstwem barokowym.
Wśród obrazów wyróżniających się tego artysty są te wykonane w kaplicy Los Dolores de Mataró w 1722 roku, seryjne sceny nawiązujące do życia San Francisco, które dziś znajdują się w Narodowym Muzeum Sztuki Katalonii w 1727 roku.
Kolejna z prac artystycznych, w których wyróżniał się ten wielki artysta, nawiązuje do martwych natur i scen rodzajowych, wśród których można wymienić Cztery pory roku znajdujące się w Narodowym Muzeum Sztuki Katalonii.
Hiszpańskie malarstwo barokowe w wicekrólestwach Ameryki
Jak widać na przykładzie hiszpańskich wicekrólestw na kontynencie amerykańskim, pierwszy wpływ, jaki zaobserwowano w hiszpańskim malarstwie barokowym, związany był z tenebryzmem szkoły sewilskiej.
Wśród tych, które się pojawiają, jest wpływ artysty Zurbarána, część jego prac artystycznych nawiązujących do hiszpańskiego malarstwa barokowego w narodach Meksyku i Peru jest do dziś widoczna.
Co widać w pracach artystycznych malarzy narodowości meksykańskiej, takich jak Sebastián López de Arteaga i José Juárez.
Możesz także docenić twórczość boliwijskiego artysty Melchora Péreza de Holguín. W odniesieniu do narodu peruwiańskiego, a konkretnie w mieście Cuzco, gdzie obserwowany jest wpływ szkoły sewilskiej, został on zinterpretowany w wyjątkowy sposób z użyciem tak cenionych materiałów, jak złoto.
Oprócz bardzo osobliwego stylu tubylców kontynentu amerykańskiego, który wzbogacił hiszpańskie malarstwo barokowe w stosunku do Cuzco School of painting, powstało ono dzięki urodzonemu we Włoszech malarzowi Bernardo Bittiemu w 1853 roku.
Dla których wprowadza manieryzm w Ameryce wśród dzieł malarskich, które wyróżniają się w tym historycznym momencie, Luis de Riaño był uczniem Angelino Medoro, który był odpowiedzialny za wykonanie malowideł ściennych w świątyni Andahuaylillas.
Inni artyści rodzimego pochodzenia, którzy wyróżniają się w malarstwie hiszpańskiego baroku to Basilio Santa Cruz Puma Callao, Diego Quispe Tito.
Jak Marcos Zapata, który był odpowiedzialny za wykonanie pięćdziesięciu obrazów o ogromnej objętości, które są odpowiedzialne za ubieranie wysokich łuków, które przedstawia Katedra w Cuzco.
W odniesieniu do XVIII wieku w stosunku do rzeźbiarskich ołtarzy wypierane są na kontynencie amerykańskim dzieła artystyczne hiszpańskiego malarstwa barokowego; sfera cywilna.
Szczególnie w gatunku portretów ówczesnego społeczeństwa arystokratycznego na kontynencie amerykańskim, a także Kościoła katolickiego, był znakomitym klientem artystów hiszpańskiego malarstwa barokowego.
Warto wiedzieć, że główny wpływ hiszpańskiego malarstwa barokowego wywodzi się z Murillo, aw niektórych przypadkach można zaobserwować wpływy innych artystów, jak np. Cristóbal de Villalpando, który swoje wpływy uzyskuje dzięki artyście z Valdés Leal.
W przypadku tego typu hiszpańskiego malarstwa barokowego tego historycznego momentu na kontynencie amerykańskim podkreśla się go emocjami, jego formy są słodsze, a wśród artystów wyróżnia się pochodzący z Kolumbii Gregorio Vázquez de Arce.
W stosunku do narodu meksykańskiego wyróżniają się wielcy artyści hiszpańskiego malarstwa barokowego, tacy jak Miguel Cabrera i Juan Rodríguez Juárez. Trzeba koniecznie zrozumieć, że moment największego rozkwitu tej sztuki nastąpił między 1650 a 1750 rokiem.
Kilku artystów o dużym znaczeniu w hiszpańskim malarstwie barokowym odbywa się jednocześnie w różnych regionach kontynentu amerykańskiego, wśród których wyróżniają się Boliwia, Kolumbia, Ekwador, Meksyk i Peru.
Ponadto hiszpańskie malarstwo barokowe na tym amerykańskim kontynencie zostało przesiąknięte sferą mitologiczną, w której wyróżniają się łuki triumfalne, budowane przy wejściu do rezydencji wicekrólów i innych postaci społeczeństwa szlacheckiego.
Nie zapominając o przewadze uchwycenia scen z Biblii, w których promowana jest kontrreformacja, przykładem tego było miasto Quito pod rozkazami dominikanów i jezuitów.
Dziedzictwo hiszpańskiego malarstwa barokowego
Należy koniecznie wziąć pod uwagę, że hiszpańskie malarstwo barokowe, dzięki swojemu wielkiemu wpływowi w regionie Hiszpanii, stanowi interesujący punkt w historii sztuki.
Nurt ten miał ogromne znaczenie na całym kontynencie europejskim w XVII wieku i części XVIII wieku, przy czym hiszpańskie malarstwo barokowe było nowym sposobem wyrażania sztuki.
W historycznym momencie, kiedy zaraza powoduje dużą liczbę zgonów, a Kościół katolicki staje w obliczu pierwszego kryzysu.
To, co próbuje rozwiązać dzięki kontrreformacji i dzięki hiszpańskiemu malarstwu barokowemu, ujmuje pasję wiary, pokoju i usług takich jak miłosierdzie, demonstrując wielką duchowość w sferze religijnej.
Tak więc Kościół katolicki próbował znaleźć w hiszpańskim malarstwie barokowym sposób na przekonanie wiernych do chrześcijańskiego dogmatu poprzez realistyczne podobieństwo tego, co zostało wyrażone w dziełach artystycznych.
Wprawdzie zaobserwowano przesadę w proporcjach obrazów wykonanych w hiszpańskim malarstwie barokowym, które służyło nadawaniu intencji ruchu dzięki złudzeniu optycznemu, dla którego później było ono niedoceniane przez sporą liczbę artystów.
W hiszpańskim malarstwie barokowym wyróżnia się użycie światłocienia, będącego kontrastem obserwowanym w jego pracach artystycznych, pozwalającym na fuzję.
Pomiędzy obszarami ciemnymi a obszarami w pełni oświetlonymi pamiętaj, że jest to praca z dużym luksusem w posługiwaniu się paletą kolorów.
Zastosowana kolorystyka jest intensywna i podkreśla użycie złota i srebra w scenie uchwyconej na płótnie za pomocą kontrastowych barw.
Tak jest w przypadku burgunda, fioletu i czerwieni, które są pełne przepychu i miłe dla oka, obecność czerni jest powszechna dla kontrastu hiszpańskiego malarstwa barokowego.
Wnioski
W połowie XVII wieku i pierwszej połowie XVIII wieku hiszpańskie malarstwo barokowe osiągnęło moment w historii przesycone geniuszem i kreatywnością, dlatego nazywane jest Złotym Wiekiem.
Dzięki różnorodności dyscyplin artystycznych, chociaż naród hiszpański przeżywa poważny kryzys gospodarczy i zdrowotny, wielkie szkoły hiszpańskiego malarstwa barokowego rozwijają się w różnych regionach kraju, takich jak Walencja, Madryt, Sewilla czy Toledo.
Jedną z głównych cech hiszpańskiego malarstwa barokowego jest realizm dzięki grze światła i cienia połączonej ze złożonymi kompozycjami, które pozwalają na złudzenie optyczne, generujące ruch w pracach uchwyconych na różnych płótnach.
Kościół katolicki, dzięki ruchowi kontrreformacji, wykorzystuje hiszpańskie malarstwo barokowe, aby zwiększyć wiarę wyznawców tego dogmatu, umożliwiając wzrost wiernych w stosunku do kościoła protestanckiego.
Niezbędne jest, aby wielu artystów narodu hiszpańskiego czerpało z wpływów Caravaggia i tenebrisa, aby uwiecznić na swoich płótnach wspaniałe dzieła artystyczne.
Warto wiedzieć, że Diego Velázquez jest największym przedstawicielem hiszpańskiego malarstwa barokowego, wśród dzieł, które najbardziej wyróżniają się z jego ciężkiej pracy, są Triumf Bachusa z 1628 roku, Wenus i Lustro opracowane w 1647 roku.
Za jego ważnymi dziełami podąża Las Meninas, który stworzył w 1656 roku, nie wspominając o wielkim dziele mitologicznym, takim jak Bajka o Arachne, którą stworzył w 1657 roku.
Po hiszpańskim malarstwie barokowym w drugiej połowie XVIII wieku z narodu francuskiego wyrósł nowy nurt, który rozprzestrzenił się na kontynencie europejskim, jak np. rokoko.
Jeśli zainteresował Cię ten artykuł, zapraszam do odwiedzenia poniższych linków: