Dzieło sztuki to nie tylko obraz ukazujący określone obrazy, to także sposób na eksponowanie rzeczywistości, uchwycenie osobowości malarza w każdym pociągnięciu, a nawet wyrażenie mentalności i niepokojów danego czasu. W tym artykule odkryjemy całą tajemnicę, która kryje się za nim Dojarka Vermeera.
Identyfikacja i opis dojarki Vermeera
Mleczarka to olej na płótnie o wymiarach 45,5 x 41 cm autorstwa słynnego holenderskiego malarza Johannesa Vermeera z Delf. W tej pracy artystka uchwyciła ze wszystkimi szczegółami i bezpieczeństwem roztropność i determinację, z jaką gospodyni domowa wykonuje jedno z jej najczęstszych zadań: polewanie mlekiem ceramiki. Obraz znajduje się obecnie w Rijksmuseum w Amsterdamie w Holandii.
Malarze tamtych czasów przedstawiali w swoich pracach codzienne lub zwyczajowe czynności życiowe, takie jak na przykład prace domowe, więc gatunek costumbrista jest czymś bardzo charakterystycznym w tym dziele Vermeera, oprócz tego, że zastosowano holenderski styl barokowy wiele do reprezentowania bogactwa holenderskich rodzin w tamtym czasie. Chociaż dokładny rok ukończenia obrazu nie jest znany, eksperci ustalają, że został namalowany w latach 1658-1661.
- Autor: Jan Vermeer
- Oś czasu: 1658 - 1661
- Technika: olej na płótnie
- wymiary: 45,5 x 41 cm
- Płeć: Malarstwo gatunkowe lub kostiumowe
- styl: Holenderski Barok
- Aktualna lokalizacja: Rijksmuseum Amsterdam, Holandia
analiza malarstwa
Pierwszą rzeczą, którą widzisz w tej pracy, jest kobieta nalewająca mleko z glinianego dzbanka do garnka z tego samego materiału. Rozlane mleko staje się w centrum uwagi dzięki trikowi kompozycji; czyli konstrukcja dwóch wyimaginowanych przekątnych, które spotykają się na kobiecych nadgarstkach. Podczas gdy dzban jest pochylony do przodu (jak na tym obrazie) lub trzymany w jakiś sugestywny sposób, według wielu krytyków obraz nawiązuje do kobiecej anatomii.
Jest też stół nakryty zielonym obrusem, na którym wisi niebieski obrus. Na stole znajdują się również elementy martwej natury, takie jak kilka kawałków chleba, koszyk na chleb i niebieski ceramiczny dzbanek (ciekawe jest obserwowanie, jak malarz używał małych jasnych kropek na chlebie, jest to technika znana jako puntillés) .
Dojarka Vermeera, która sama jest służącą, prawdopodobnie robi owsiankę z chleba w garnku. Potężną sylwetkę kobiety olśniewa wpadające przez okno światło, tak skoncentrowała się na swoim zadaniu, by jej twarz odbijała się w jej myślach lub po prostu w przygotowaniu. Niektórzy obserwatorzy obrazu twierdzą, że jego myśli mogą być związane z fantazjowaniem o kimś, zauważając, że rumieniec na jego policzkach może potwierdzać ten pomysł.
Jako strój bardzo reprezentatywny dla współczesnych Holendrów z XVII wieku nosi biały lniany kapelusz, żółtą wełnianą marynarkę, zielono-niebieskie podwinięte rękawy, których nie ma w jej marynarce, niebieski fartuch i czerwoną spódnicę. W miejscu sceny światło słoneczne wpada przez okno po lewej stronie.
Podobnie można szczegółowo opisać koszyk na chleb, który wisi na ścianie po prawej stronie okna. Nad koszem wisi mały obraz o nieznanej zawartości, a na prawo od niego wisi metalowy pojemnik. Duża tylna ściana jest biała, gdzie widać obecność gwoździa i jego brak ze względu na małe otwory obecne w dziele, dodatkowo ta ściana jest oświetlona światłem słonecznym przez okno.
W dolnym segmencie tej ściany znajduje się seria charakterystycznych płytek Delft Blue. Awers tych kafli to rodzaj ogrzewacza do stóp z dziewięcioma otworami w górnej części i misą wypełnioną żarem w środku, przedmiot ten sugeruje uczucie ciepła i jego brak. Pod względem ikonograficznym powszechnie pisano, że symbolika tego oznacza przebudzenie w seksualności kobiety, ponieważ żar insynuuje, że nie tylko ogrzeje jej stopy, ale wszystkie inne części ciała ukryte pod spódnicą.
Ocieplacz do stóp mógł więc sygnalizować powszechną reputację służących domowych, zwłaszcza dojarek, jako dostępnych seksualnie, a z pragmatycznego punktu widzenia może wskazywać na ciężką pracę kobiet i potrzebę odpoczynku pomiędzy nimi.
Kontynuując obserwację obrazu, po lewej stronie grzejnika znajduje się płytka z postacią Kupidyna, natomiast płytka po prawej stronie grzejnika przedstawia mężczyznę z długą laską. Ta ostatnia wspomniana postać mogłaby również uprawomocnić to, co zostało wspomniane powyżej w odniesieniu do myśli kobiety, można więc powiedzieć, że postacią jej myśli jest nieobecny kochanek. Sąsiedni obraz kafelkowy po prawej stronie przedstawia obraz, który jest celowo nieczytelny.
Jakość materiału
Ta praca dojarki Vermeera przedstawia różne szczegóły, które wskazują na pewną spuściznę flamandzkiej szkoły malarstwa renesansowego z XV wieku, wśród najbardziej charakterystycznych dla tego dzieła są: szczegół wiklinowego kosza, gwóźdź, który jest na ścianie i grzałka zawierająca miskę wypełnioną rozżarzonymi węglami.
Kompozycja i poczucie przestrzeni
Pierwsze, co przykuwa uwagę „Mleczarki Vermeera”, to mocny trójkątny układ kobiety, chleba i stołu. Ten obszar zawiera większość kolorów, czynności i świateł na planszy. Ponadto istnieje dorozumiana linia tworzona przez pole widzenia kobiety, gdy patrzy na rozlane mleko. W pewnym sensie pomaga to skupić uwagę na tym trójkątnym obszarze: sprawia to, że chcesz zobaczyć, gdzie patrzy kobieta.
Poza wspomnianym obszarem w kompozycji znalazły się mniej istotne widoki: płytki Delft i ocieplacz na stopy w dolnej części ściany; wiszący kosz po lewej stronie; gwóźdź i małe dziury w ścianie; okno; i coś, co wygląda na ramkę na zdjęcie wiszącą w lewym górnym rogu.
Same w sobie nie są to kluczowe cechy obrazu, ale odgrywają ważną rolę w kształtowaniu sceny i zwracaniu uwagi na obraz. Malarz również dodaje element: im więcej patrzysz, tym subtelniejsze stają się szczegóły. Wreszcie można zauważyć, że wszystkie detale zastosowane przez malarza, w tym współgranie twardych, miękkich i brakujących krawędzi, przyczyniają się do niezwykłego poczucia realizmu w tym obrazie.
Warto zauważyć, że ostre krawędzie sugerują nagłe zmiany obiektu, takie jak zmiana materiału z jasnego na ciemny lub z żółtego na niebieski. Miękkie, utracone krawędzie wskazują na brak wyrazistości w obszarach zamaskowanych przez cienie.
Kolory, światło i faktura
Jeśli chodzi o kolory, Vermeer użył niewielkiej liczby pigmentów w porównaniu ze swoim współczesnym malarzem i producentem kolorów Rembrandtem, który używał ponad stu pigmentów. Jednak w pracach Vermeera wykryto mniej niż dwadzieścia pigmentów, a dziesięć z nich wydaje się być regularnie używanych.
Co ciekawe, w czasach Vermeera każdy pigment różnił się od siebie trwałością, czasem schnięcia i pracą. Trudność w malowaniu tymi pigmentami polegała na tym, że wiele z nich było często niekompatybilnych ze sobą i musiały być używane osobno. Chociaż jest mało prawdopodobne, że Vermeer miał wszystkie pigmenty na swojej palecie podczas tworzenia którejkolwiek ze swoich prac, możliwe jest, że miał niezbędne pigmenty do każdej części obrazu, nad którym pracował.
Malarz używał siedmiu różnych typów, takich jak: biały ołów, żółta ochra, cynober, szalona czerwień, ziemista zieleń, surowy bursztyn i czerń kości słoniowej. Godnym uwagi jest fakt, że w La Lechera są odcienie niebieskiego do malowania. Vermeer użył więc specjalnego pigmentu zwanego ultramaryną, który był droższy i delikatniejszy niż powszechnie stosowany azuryt.
Teraz, jeśli chodzi o analizę obrazu, zaczynając od twarzy kobiety, ważne jest skupienie się na świetle przenikającym przez okno i odbijającym się bezpośrednio na jej twarzy w cieniach i bladych łuskach, tworząc efekt trójwymiarowości. Malarka użyła małych plamek farby, takiej jak czerwonawo-brązowa, biała, jasna ochra i brąz, zmieszanych razem, aby namalować kształt jej twarzy.
Okno staje się jednym z centralnych punktów obrazu, wnosząc do portretu światło i świetlistość. Dlatego Vermeer przywiązuje największą wagę do każdego szczegółu obrazu; zwyczajny przedmiot, taki jak rustykalne okno, jest starannie pomalowany, zwracając uwagę na drobne szczegóły, takie jak kawałek potłuczonego szkła czy nieregularność ramy okiennej. Podobnie jak na tym i innych obrazach Vermeera, okna są tak geometrycznie stylizowane, że w niektórych przypadkach wydają się same w sobie abstrakcyjnymi dziełami sztuki.
Miedziany kosz i wiadro przy oknach elementów obrazu pomalowane są na biało, ochrę i czerń, które ostatecznie łączą się w wiklinowy kształt kosza. Teraz lekko porowata faktura ceramicznego dzbanka i kropkowanie, którym malowany jest chleb, nadaje obrazowi niezwykłego blasku i naturalności.
W odniesieniu do odzieży, która przez wielu uważana jest za zimową, ze względu na liczbę warstw, malarz nakładał szybkie i grube akcenty żółtego i brązowego pigmentu, aby nadać mu wymaganą szorstką fakturę.
Teraz sposób, w jaki Vermeer uwzględnił efekty światła słonecznego w tym obrazie, jest szczególnie niezwykły. Światło jest lepiej widoczne, gdy spojrzysz na ściany. Lewa ściana jest w cieniu, a tylna jest jasno oświetlona. Możesz również zobaczyć różne cienie na tylnej ścianie. Oczywistym jest cień metalowego pojemnika na lewo od tylnej ściany.
Kolejnym punktem do podkreślenia w odniesieniu do pracy światła jest okno, które jest tylko częściowo uwzględnione, tutaj możemy dobrze zorientować się w jego rzeczywistym rozmiarze, obserwując obecność lub brak cieni. Na przykład, gdy cień dojarki nie jest obecny, oznacza to, że okno nie rozciąga się daleko w lewo. W górnej części kadru (nad prawym ramieniem Mleczarki) widzimy jednak cień paznokcia, co wskazuje na to, że okno jest dość wysokie.
Zabawne fakty
Kiedy obraz został poddany promieniowaniu rentgenowskiemu lub nowoczesnym technikom analizy, można zauważyć, że obecny obraz ma wielką zmianę pentimento lub tła, czyli można zobaczyć obiekty, które Vermeer umieścił jako pierwszy, ale później postanowił zmienić wraz z innymi. przedmioty.
Malarz początkowo umieścił na białej ścianie obraz przedstawiający mapę świata. Ponieważ jednak obrazy były wówczas dość drogie, usunął je, aby stworzyć pustą ścianę, aby uprościć pomieszczenie. Po drugie, umieścił również kosz na bieliznę w prawym dolnym rogu czerwonej spódnicy kobiety, ale później również go usunął. Zapewne usunął ten koszyk, by położyć większy nacisk na główny temat obrazu i nie rozpraszać widza.
W odniesieniu do tożsamości kobiety niektórzy krytycy spekulują, że Tanneke Everpoel był sługą rodziny Vermeerów. I w pewien sposób ten portret kojarzy się z nią za sprawą dokumentów archiwalnych z 1663 r., z których wiadomo o jej istnieniu i charakterze.
Jeśli chodzi o fizyczny ruch malarstwa, istnieją informacje, że prawdopodobnie około 1674 dzieł Vermeera kupił jego patron z Delft, Pieter van Ruijven, gdy malarz zmarł w 21 roku. Kiedy te obrazy zostały sprzedane w posiadłości zięcia van Ruijvena, Jacoba Dissiusa w 1696 roku, Mleczarka Vermeera została określona jako „wyjątkowo dobra” i osiągnęła drugą najwyższą cenę na sprzedaży (słynny pejzaż Vermeera, Widok Delft ( który znajduje się w Mauritshuis w Hadze), był nieco droższy).
„Mleczarka Vermeera” została następnie sprzedana na aukcji w 1719 r., a następnie przekazana przez co najmniej pięć kolekcji amsterdamskich jednej z wielkich kolekcjonerek sztuki holenderskiej, Lukrecji Johannie van Winter (1785-1845). W 1822 wyszła za mąż za rodzinę kolekcjonerów Six i to za pośrednictwem spadkobierców dwójki dzieci Lukrecji Rijksmuseum w 1908 roku kupiło „Mleczarka” przy wsparciu rządu holenderskiego i Towarzystwa Rembrandta.
Kontekst, autor i inne prace
Mleczarka Vermeera była dziełem namalowanym w czasach wielkiego bogactwa i władzy w Holandii, kiedy handel, sztuka i nauka rozwijały się tak, że były jednymi z najsłynniejszych na świecie. W 1568 roku siedem prowincji, które podpisały Unię Utrechcką, rozpoczęło powstanie przeciwko Filipowi II z Hiszpanii, które ostatecznie doprowadziło do wojny osiemdziesięcioletniej. Zanim Hiszpania odzyskała Niderlandy, Anglia wypowiedziała wojnę Hiszpanii i zmusiła wojska hiszpańskie do zaprzestania marszu.
Wojna 80-letnia ostatecznie zakończyła się pokojem westfalskim w 1648 r., w którym Hiszpania i Zjednoczona Republika Siedmiu Niderlandów podpisały porozumienie pokojowe. Holenderska Kompania Wschodnioindyjska ustanowiła holenderski monopol na handel azjatycki, który panował przez dwa stulecia. Holendrzy zdominowali również handel między krajami europejskimi, do 1680 r. średnio prawie 1.000 holenderskich statków każdego roku przepływało przez Morze Bałtyckie.
Jeśli chodzi o status społeczny, ten w Holandii był w dużej mierze determinowany przez dochód. Przyniosło to nowe spojrzenie na klasy społeczne. Arystokracja sprzedała większość swoich przywilejów miastom, w których rządzili kupcy i ich pieniądze. Duchowieństwo nie miało żadnego wpływu, ponieważ Kościół rzymskokatolicki został stłumiony na początku wojny osiemdziesięcioletniej.
Kalwinizm był dominującym ruchem religijnym tamtych czasów i istnieją pewne pogłoski łączące Vermeera z wiarą kalwińską, chociaż nie jest jasne, czy został katolikiem po ślubie z żoną.
Prawda jest taka, że ze względu na silne nauki kalwinizmu ówczesnym artystom nie wolno było przedstawiać seksu na swoich obrazach. Jednak Vermeer wraz z innymi artystami tamtych czasów wiedział, jak obejść cenzurę, pozostawiając subtelne symbole, które przywołują pożądanie lub kobiecą seksualność, a to jest bardzo widoczne w dojarce Vermeera.
Kim jest Vermeer?
Johannes Vermeer urodził się w mieszczańskiej rodzinie w październiku 1632 roku, pochodził z holenderskiego miasteczka targowego Delft. Jego ojciec, Reijnier Jansz, za żywą tkaną tkaninę, został karczmarzem i wreszcie handlarzem dziełami sztuki. Jego matka, Digna Baltus, która prawdopodobnie była gospodynią domową, nie ma o niej zbyt wielu informacji.
Edukacja i formacja
Uważa się, że nastoletni Vermeer zapisał się jako uczeń malarza do swojego ojca w połowie lat czterdziestych XVI wieku, który był gotów zapłacić wysokie opłaty, aby zapewnić swojemu synowi świetlaną przyszłość. Z powodu braku dowodów empirycznych nie można określić, od kogo Vermeer uczył się, ale kilku historyków sugeruje, że gwiazdorski uczeń Rembrandta, Carel Fabritius, dał mu wczesną edukację. Inni uważają, że jego nauczycielem był malarz Pieter van Groenewegen, który urodził się w Delft i wychował w Gildii Świętego Łukasza.
W 1653 Vermeer poślubił Catharinę Bolnes, córkę zamożnej katolickiej rodziny z Delft. Chociaż obie pary rodziców sprzeciwiły się małżeństwu z powodu sprzecznych przekonań chrześcijańskich, ślub odbył się po nawróceniu Vermeera na katolicyzm.
Być może, aby zademonstrować swoje oddanie swojej nowej religii i teściom, Vermeer namalował Chrystusa w Domu Marty i Marii (1654-55), jego jedyne znane przedstawienie biblijnej narracji. Jego małżeństwo z Katarzyną pozwoliło Vermeerowi znacznie wspiąć się po drabinie społecznej i uważa się, że później nawet ograniczył kontakt z rodziną, mieszkając w budzącym grozę domu swojej teściowej.
W tym czasie swojego małżeństwa Vermeer kontynuował spuściznę ojca i zapisał się jako mistrz malarstwa w Gildii św. Łukasza, zapewniając mu szereg dogodnych wydarzeń, patronów i powiązań dla dalszej kariery. Jego wczesne prace pokazują wpływ takich mistrzów, jak Rembrandt, włoski Caravaggio i malarzy Caravaggisti z Utrechtu, takich jak Gerrit van Honthorst i Dirck van Baburen.
czas dojrzałości
W 1662 Vermeer został szefem gildii św. Łukasza, co oznaczało, że utrzymywał bliskie kontakty z licznymi mecenasami, artystami i kolekcjonerami Delft. Nowa pozycja uczyniła z niego szanującego się malarza, chociaż nieliczne obrazy, które istniały, skłoniły wielu badaczy do przekonania, że artysta tworzył tylko około trzech obrazów rocznie.
Co więcej, bogactwo rodziny jego żony umożliwiało Vermeerowi malowanie dla własnej przyjemności, a nie wspieranie rodziny, jak to było w przypadku większości innych malarzy, i nigdy nie zatrudniał nikogo jako studenta lub praktykanta.
Malarz był również znany z tego, że używał drogich pigmentów, takich jak lapis lazuli do spódnicy dojarki i głębokiego karminu do sukni dziewczyny z lampką wina. Chociaż niektórzy sugerują, że patron Vermeera, Pieter van Ruijven, kupił i dostarczył artyście te ekskluzywne składniki, być może nie jest zaskakujące, że mniej więcej w tym czasie malarz zaczął popadać w długi.
Późny czas i śmierć
W 1975 roku zmarł Vermeer, który pozostawił po sobie tyle długów, że jego rodziny nie było stać na jego nagrobek. W historii Holandii rok 1672 został nazwany „Rokiem Katastrofy” z powodu inwazji na Republikę Holenderską armii francuskiej, niemieckiej i brytyjskiej. Doprowadziło to do dramatycznego upadku gospodarczego niegdyś dobrze prosperującego kraju klasy średniej.
Rynek sztuki załamał się, a Vermeera ledwo było stać na utrzymanie siebie, żony, matki i ich jedenaściorga dzieci. Coraz bardziej popadał w długi, pożyczając tysiące guldenów, a nawet przyłapano go na trzymaniu pieniędzy teściowej.
W szczególności Vermeer zmarł 16 grudnia 1675 r., po napadzie szaleństwa i depresji. W aktach sądowych jego żona stwierdziła:
„…w czasie wyniszczającej wojny z Francją nie tylko nie był w stanie sprzedać jednego ze swoich dzieł, ale także znajdował się w bardzo niekorzystnej sytuacji z obrazami innych mistrzów, którzy w rezultacie i z powodu dużego ciężaru swoich dzieci nie mieli własnych środków , popadł w taki upadek i depresję, że potraktował siebie tak poważnie, jakby w ciągu półtora dnia wpadł w szał i przeszedł ze zdrowego rozsądku w martwy.”
Dziedzictwo
Ze względu na wielką lokalną sławę za życia, Vermeer wydawał się zniknąć ze świata sztuki aż do XIX wieku, kiedy francuscy artyści, tacy jak Édouard Manet; kiedy zaczął zwracać swój wzrok ku rzeczywistości i skromności. A ponieważ Vermeer był tak biegły w uchwyceniu momentów zwyczajnego piękna, wywarł taki wpływ na tych artystów, którzy ożywili świadomość dzieła mistrza.
Chociaż zachowały się tylko 34 (trzy najbardziej kontrowersyjne Vermeery) z jego dzieł, Vermeer jest dziś uważany za jednego z największych artystów złotego wieku Holandii. W XX wieku surrealista Salvador Dalí zafascynował się twórczością Vermeera i wyprodukował własne wariacje, w tym Duch Delft Vermeera, który może być używany jako stół w 1934 roku, oraz Koronkarz (wg Vermeera) w 1955 roku.
Inni artyści, tacy jak duński malarz Vilhelm Hammershoi, dostosowali spokojne wnętrza Vermeera do własnych XIX i XX-wiecznych motywów. Hammershoi unowocześnił „Kobietę w błękicie”, czytając list Vermeera, odwracając obraz i stonując paletę kolorów tak, że wydaje się, iż publiczność niemalże patrzy na stare zdjęcie duńskiego salonu.
Wśród wielu wysublimowanych obrazów Vermeera Dziewczyna z perłą uważana jest za „Mona Lisę z Północy”. Jego oszałamiający realizm i emocjonalna dwuznaczność inspirowały artystów, pisarzy i filmowców od dziesięcioleci. Niedawno anonimowy brytyjski artysta graffiti Banksy zreinterpretował i odtworzył obraz na budynku w Bristolu w Wielkiej Brytanii. Zamiast legendarnego kolczyka z pereł zastosowano alarm antywłamaniowy.
Osiągnięcia Vermeera
Ten artysta specjalizował się w scenach z życia domowego, gatunku, który pomógł katapultować barokowy leksykon. Wiele z jego obrazów zawiera te same meble lub motywy, jakie żył we własnej prywatnej pracowni, a jego modelkami były często kobiety, które znał lub krewni mecenasów.
Vermeer został również pośmiertnie odznaczony tytułem „Mistrza Światła” za wrażliwą uwagę, jaką przywiązywał do wyrażania, jak światło igrało ze skórą, tkaniną i klejnotami w jego pracy. Jego wiedza wywodzi się z zastosowania technik renesansowych, takich jak światłocienie, zmieszanych z jego własnym, charakterystycznym użyciem światła, cienia i koloru, aby wywołać fakturę, głębię i emocje.
Vermeer bardzo zainteresował się kolorami i pigmentami i był znany ze swojej wyjątkowej kombinacji eterycznych odcieni. Jego patron, Pieter van Rujiven, podobno zakupił i dostarczył artyście drogie składniki, takie jak lapis lazuli i karmin do tych przedsięwzięć. Być może nie jest zaskoczeniem, że właśnie w tym czasie malarz zaczął zadłużać się, kompulsywnie w stosunku do cennych materiałów.
Vermeer za życia odnosił skromne sukcesy, ale dziś przypisuje mu się tylko 34 obrazy (niektóre inne są wątpliwe), co oznacza na wpół lekkomyślne kierowanie przez artystę swoją karierą, co ostatecznie pozostawiłoby jego i jego rodzinę zadłużoną i zdesperowaną.
Ponieważ ekonomiczna niepewność, szaleństwo i depresja wzmocniły życie artysty, przypuszcza się, że cicha idylla Vermeera, słynąca z przedstawiania na malarstwie, odzwierciedlała świat, w którym sam mógł chcieć żyć.
Inne prace Vermeera
Wśród dzieł holenderskiego malarza Vermeera, które można podziwiać i oglądać publicznie, wymienić można:
- Chrystus w domu Marty i Marii w latach 1654-1656
- Prokurator z 1656 r
- Oficer i Roześmiana Dziewczyna z lat 1657-1660
- Dziewczyna z kieliszkiem wina, 1659
- Widok Delft z lat 1660-1661
- Kobieta na niebiesko czytająca list z lat 1662-1663
- Lekcja muzyki lub Dama na Virginals z dżentelmenem 1662-1665
- Dziewczyna z perłą, 1665
- Dama i Panna 1667
- Astronom z 1668 r
- Siedząca dama w Virginal, 1672
- Alegoria wiary z lat 1670-1674
Jeśli zainteresował Cię ten artykuł o obrazie „Mleczarka Vermeera”, zapraszamy do obejrzenia innych: