Między końcem XV a początkiem XVI wieku w południowych Niderlandach pojawiła się grupa utalentowanych artystów, nazwana m.in. Prymitywne flamingi, który dał historii ludzkości nieskończony wkład kulturowy. Dlatego tak ważne jest posiadanie wiedzy na ten temat, więc zostań z nami i ciesz się tym pouczającym artykułem.
Czym są prymitywne flamingi?
Obrazy wykonane między XV a XVI wiekiem przez liczną grupę artystów z południowej Holandii nazywane są prymitywami flamandzkimi. Takiemu okresowi przypisuje się jeden z najbardziej transcendentalnych punktów w historii sztuki.
Innymi słowy, odnosząc się do tego wyznania, mówimy historiograficznie o mistrzach flamandzkiej szkoły malarstwa w jej pierwszych wiekach, od Jana van Eycka w pierwszej połowie XV w. do Pietera Bruegla Starszego w połowie XV w. XVI w.
W tej grupie, składającej się m.in. z Dieric Bouts, Hansa Memlinga, Rogiera van der Weydena, samego Jana van Eycka, jej przedstawiciele mieszkali i pracowali głównie w zamożnych miastach tworzących region, takich jak: Antwerpia, Brugia, Bruksela , Gandawa i Leuven.
Malarstwo flamandzkie zostało założone przez różne szkoły: włoskie i reakcyjne w XV i XVI wieku oraz kolorystę lub przyrodnika ze szkoły antwerpskiej, należącej do XVII wieku. Pierwsze dwa są częścią sztuki holenderskiej, która pojawiła się w okresie europejskiego renesansu.
Ogólnie rzecz biorąc, była to grupa artystów, którzy byli nieco odizolowani od tego, co było rewolucją renesansową, a dla niektórych, takich jak ci należący do szkoły reakcyjnej, przeciwko nadchodzącym włoskim wpływom artystycznym.
Dzięki mistrzostwu, które narodziło się w wyniku nowego medium, jakim jest malarstwo olejne, oraz jego wizji w zakresie detali, sztuka malarstwa mogła zostać doprowadzona do niespotykanego wcześniej punktu, w którym bieg historii sztuki został na zawsze zmieniony.
Był to po prostu czas, kiedy komisje pochodziły nie tylko z wyższych warstw społecznych i organizacji religijnych tamtych czasów, ale także od zwykłych obywateli i miast oddalonych od stolic. Po raz pierwszy od wielu lat malarzom przyznano ważne miejsce w społeczeństwie.
W tym czasie artyści zachowali jeszcze kilka oryginalnych cech stylu gotyckiego, zarówno technicznych, takich jak użycie płyciny zamiast płótna, jak i tematycznych, generalnie religijnych i duchowych. Jednak, jak już wspomniano, nastąpił również wzrost umiejętności szczegółowych.
Zainteresowania te promowały w szczególności empiryczne badanie i odkrywanie perspektywy, a także rewindykację krajobrazu jako tematu malarskiego oraz doskonalenie techniki portretowej, która zapewniała imponującą głębię psychologiczną i słuszność pejzażu jako tematu.
Dziś nadal można podziwiać wspaniałą spuściznę artystyczną prymitywów flamandzkich. Na przykład w regionie Flandrii znajdują się ważne Królewskie Muzea Sztuk Pięknych w Antwerpii i Brukseli oraz Muzeum Groeninge w Brugii. Podobnie znajduje się tam Muzeum Sztuk Pięknych w Gandawie, M of Leuven, Mayer van den Bergh i Sint-Janshospitaal.
Podobnie w Hiszpanii również znajdujemy niezliczoną ilość dzieł, ponieważ jej królowie byli wielkimi wielbicielami tego rodzaju malarstwa. Zdecydowanie wyróżniają się depozyty Museo Nacional del Prado, gdzie chroniony jest obraz utalentowanego Rogiera van der Weyden „Zstąpienie z krzyża” (1438).
Kontekst historyczno-geograficzny prymitywnej flamandzkiej
Często do tego typu malarstwa przywołuje się określenie prymitywów flamandzkich, co sprawia wrażenie dość surowego i prostego ruchu artystycznego, któremu nigdy nie udało się osiągnąć pełni swoich możliwości. Termin ten powstał, gdy za punkt odniesienia brano ogólnie sztukę renesansową, oprócz tego, że średniowiecze uważano przez długi czas za czas ciemności.
Oczywiście nic nie może być dalsze od prawdy, ponieważ kiedy powstała ta wspaniała szkoła, malarstwo w Holandii miało już za sobą długą i bogatą historię, która obejmowała wyjątkowe momenty ze stylami takimi jak romański i międzynarodowy gotyk.
Z drugiej strony nadal nazywa się go „flamandzkim”, mimo że Flamandzki Region Belgii, lepiej znany jako Flandria, to właśnie mały obszar Holandii. Wynika to z faktu, że przez cały XV wiek istniały dość sprzyjające okoliczności, które wpłynęły na powstanie transcendentnej szkoły malarstwa w tej północno-zachodniej części Europy.
We Flandrii widoczny był dobrobyt gospodarczy, który był ściśle związany z przemysłem i handlem tkaninami, a zatem spowodował wyjątkowy rozwój miast z rosnącego wzrostu jej burżuazji.
Rozkwit całego społeczeństwa i wartości burżuazyjne były czynnikiem decydującym o energicznym rozwoju nowej mentalności i wrażliwości artystycznej. Oka, ale który nigdy nie wyrzekł się swojej głęboko zakorzenionej religijnej pobożności.
W tamtym czasie najbardziej znanymi miastami na tym terytorium były Gandawa, Brugia i Ypres, z których każde tworzyło węzły łączące sieci handlowe odpowiedzialne za zjednoczenie Europy Północnej z resztą znanego Zachodu. Wspomniany region był częścią Księstwa Burgundii, którego władcy pełnili rolę mecenasów sztuki gotyckiej.
Oprócz tego charakteryzował się wysoką gęstością zaludnienia, jedną z najwyższych w całej Europie, której koncentracja miejska była również wyższa niż średnia europejska. Znajdowało się w nim kilka wybitnych miast o wielkim bogactwie, ważni kupcy i liczni rzemieślnicy.
W rzeczywistości taka była wewnętrzna spójność społeczeństwa, że bardzo szybko została przeniesiona na spokojne i zorganizowane życie. W społeczeństwie dominowały warstwy cywilne: kupcy, fabrykanci, bankierzy itp.
Do tego dochodzi fakt, że około 1380 roku, w wyniku wojny stuletniej, Paryż nie był już uważany za stolicę artystyczną świata, jak to było do tej pory. Dlatego też grupy społeczne, które kiedyś emigrowały, zaczęły pozostawać w swoim kraju i pracować dla burżuazji i wielkich kupców kontynentu.
Było to widoczne bardziej niż cokolwiek innego w społeczeństwie hiszpańskim i włoskim, które coraz bardziej doceniało własną sztukę. Wszystkie prace służyły publiczności mieszczańskiej, bardzo wrażliwej i bogatej kulturowo, do której dołączył Kościół katolicki i setki mecenasów artystów.
Klientelom bardzo zależało na tym, aby móc obserwować odbicie swoich twarzy i świata w obrazach, które zleciła wykonanie. Dodatkowo rozwój urbanistyczny umożliwił powstanie pierwszych uczelni, które wraz z wynalezieniem prasy drukarskiej stały się cennym źródłem rozpowszechniania i kreatorem kultury.
W tym okresie coraz bardziej ceniona była praktyczność, nawet religia nabrała pragmatycznego znaczenia. Dlatego jest znany jako całkowicie realistyczny okres. Od roku 1420 koncepcja, że duch Boży zawierał się w każdym drobiazgu, sprawiła, że przedstawienia nabrały wyższej transcendencji.
Większą popularnością cieszyła się zarówno rzeczywistość sensowna, jak i namacalna. Przedmioty przestały być elementami drugorzędnymi, wysuwając się na pierwszy plan jako bohaterowie. Kiedy to się stało, flamandzki malarz prymitywny, Robert Campin, mieszkał w mieście Tournai.
W tym samym czasie w stolicy prowincji Flandria Wschodnia, Gandawie, Hubert van Eyck dorastał ze swoim młodszym bratem, a także z jeszcze większym uznaniem Janem van Eyckiem. Studia historyczne twierdzą, że ci trzej byli największymi przedstawicielami rewolucji malarskiej.
Każdy na swój sposób doskonalił posługiwanie się olejem z wybitnymi konsekwencjami dla efektu końcowego, stosując doskonałej jakości kolory, uzyskując niesamowite efekty na glazurach itp. Na przełomie wieków, od XV do XVI, wszyscy artyści zaczęli dostrzegać reperkusje włoskiego renesansu.
W tym stuleciu, a konkretnie w 1477 r., księstwo, które cieszyło się całkowitym uznaniem ze względu na swoje znaczenie gospodarcze, stało się habsburską koroną austriacką. Dom Habsburgów miał hiszpańską gałąź od czasów Karola I, dynastii Habsburgów.
Z tego powodu hiszpańska sztuka renesansu i baroku miała ścisły związek z formami flamandzkimi. Jednak mimo postępującej akceptacji Renesansu, malarze pozostali wierni bogactwu tradycji, gdyż było to coś wciąż żywego i z możliwością tworzenia.
Niewielu było takich, którzy nie wyrzekli się dobrego rzemiosła, tego gustu w detalu, realizmu portretów i pejzażu, głównie jako bohatera jego prac. Portrety, obrazy grupowe i klimat kostiumowy współistnieją bez problemu z motywami religijnymi.
Charakterystyka techniczna prymitywnych flamingów
Generalnie malarstwo flamandzkie nie ma precedensów w dużych formatach, z wyjątkiem witrażu. Ma to jednak miejsce w miniaturach, na których ma bogatą tradycję niezwykłej jakości.
W rezultacie określono kilka cech sztuki flamandzkiej, takich jak użycie bardzo wyrazistych kolorów, które przypominają pigmenty użyte w oświetleniu miniatur. Dodaje się również zastosowanie detalu do małych arcydzieł, które przenoszą na różne obrazy wielkoformatowe.
Ta cecha w dużej mierze sprzyja postępowi technicznemu w stosunku do oleju, którego odkrycie zostało już dokonane, ale którego proces suszenia wciąż był niezwykle powolny, co nie zapewniało zbytniej praktyczności.
Z tego powodu należy podkreślić, że prymitywni malarze flamandzcy XV wieku nie wynaleźli techniki olejnej, a jedynie byli odpowiedzialni za jej systematyczne stosowanie, co przyczyniło się do jej utrwalenia i rozpowszechnienia w tym i następnym stuleciu.
Wykorzystano do tego płynne i transparentne tusze, nakładane za pomocą szkliw w celu uzyskania światła, delikatnego cieniowania i niuansów kolorystycznych teł. Malarze tego regionu stosowali mieszaną technikę temperową i olejną.
Dawniej pierwszą warstwą była tempera, w celu podkreślenia rysunku i modelowania za pomocą świateł, a także delikatnego oznaczenia koloru. Kolejna warstwa, warstwa olejna, miała za główną funkcję, że artysta poświęcił się wyłącznie przedstawieniu efektu chromatycznego.
Pomimo tego, że w innych obszarach, takich jak Wenecja, użycie płótna stopniowo stało się popularne, panel zawsze był zachowywany jako podstawowa podpora, która w późnym średniowieczu była najważniejsza ze wszystkich. Wyraźne wskazanie intymnego związku, jaki w tamtym czasie posiadały jeszcze koncepcje artysty i rzemieślnika.
Związek między szkołą flamandzką a renesansem
Szkoła malarstwa flamandzkiego renesansu jest często określana przez naukowców i krytyków sztuki jako „Ars Nova”, tłumaczona na język hiszpański jako Arte Nueva. Nie należy jednak mylić takiej nazwy z jej muzycznym imiennikiem.
Jego nazwa pochodzi od postępu technicznego i rzemieślniczego, który nie ma nic wspólnego z intelektualnym i refleksyjnym charakterem pierwszych podejść do renesansu, które miały miejsce równolegle w regionie Toskanii.
Artyści ze szkoły flamandzkiej nie traktowali starożytności jako wzoru uzdrowienia, nigdy nie stawiano na stole rzemieślniczej koncepcji handlu. Ci, oprócz wykonywania pracy na rzecz dworu, mieli także klientów wywodzących się z burżuazji oraz kupców rezydentów wpływowych miast.
Jego główni poprzednicy nie mieli skłonności do teoretyzowania na temat swoich różnych odkryć ani ich osobowości, jak kiedyś robili to włoscy współcześni. Podobnie kontynuowano prace w pewnych późnośredniowiecznych parametrach, z wyjątkiem kilku malarzy, takich jak Jan van Eyck.
van Eyck wraz z innymi kolegami zaczął mieć znacznie wyraźniejszą świadomość własnej sztuki i stworzył tendencję do podpisywania prac. Na razie nie było traktatów o malarstwie flamandzkim ani biografii jego głównych przedstawicieli.
Wspomniany brak opracowania teoretycznego może wynikać z powołania czysto duchowego. Podczas gdy włoscy autorzy próbowali odnowić całą wiedzę o świecie za pomocą ludzkich pomiarów, korzystając z nauk i rozumu, prymitywnemu Flamandowi wystarczyło żyć w obliczu niezwykłego religijnego eksperymentu widzialnego.
Przyjmuje perspektywę prymitywnych flamingów
W tej samej kolejności pomysłów, dokonując punktualnych porównań między Włochów i Flamandów, należy zauważyć, że jednocześnie odkryli perspektywę liniową i powietrzną, tylko ta ostatnia w sposób empiryczny i nie podąża za rozwojem matematycznym lub optycznym specyficzne.
Ogólnie rzecz biorąc, proces przejścia od planizmu do perspektywy linearnej Quattrocento był dość powolny, ponieważ ostatnie wieki średniowiecza były okresem, w którym przeprowadzono wiele prób, po omacku i niedokładnych eksperymentach, których głównym celem było przełamanie samolot obrazkowy i powrót do trzeciego wymiaru.
Wśród tych różnych prób jest system reprezentacji, który wykorzystuje ukośną projekcję równoległą, zwaną „Perspektywą rycerską” lub „Widokiem z lotu ptaka”, która zasadniczo polega na przedstawianiu scen, w których wydaje się, że malarz znajduje się w określonym punkcie widzenia. wzniesiony, jak osoba jadąca na koniu.
W ten sposób obiekty rzekomo najbliższe widzowi są umieszczane w dolnej części kompozycji na pierwszym planie, stamtąd wszystko inne nakłada się w pionie, ponieważ mają być bardziej odległe, skalując obraz do najwyższego punktu, gdzie linia horyzontu jest często rysowana.
Stąd sugestia trzeciego wymiaru zaczęła się bardzo nieśmiało, od powrotu malarstwa do świata przyrody. Te eseje o „perspektywie dżentelmeńskiej” uogólniły się w okresie malarstwa gotyckiego, któremu przypisano nazwę gotyku międzynarodowego lub dworskiego.
Każda z tych technik zapewnia wyraźną naturalistyczną reprezentację świata, nasyconą duchowymi symbolami. W XV wieku zarówno flamandzcy, jak i niemieccy malarze eksperymentalnie stosowali wszelkiego rodzaju systemy perspektywiczne w połączeniu z metodami empirycznymi, takimi jak wypukłe lustro, używane przez van Eycka w jego pracy „Małżeństwo Arnolfini”.
W ten sposób zostały przedstawione jako szeroki kąt obejmujący znacznie większą przestrzeń. Jednym z tekstów teoretycznych, które zestawia systemy perspektywy nordyckiej, jest „Perspektywa de Artificiali” Jeana Pelegrina, znana jako Viator i uważana za odpowiednik traktatu Albertiego o malarstwie renesansowym.
Ponadto dodaje się kolekcję innych systemów, takich jak „perspektywa cornuta”, powszechnie znana jako perspektywa kątowa lub ukośna, której funkcją miała być procedura stosowana przez prymitywnych malarzy flamandzkich przez większą część XV wieku.
Jednak reprezentacja, która budzi największe zainteresowanie w tym traktacie, to ta, która traktuje system z punktem odległości, bardzo podobnym do perspektywy liniowej Alberta, z tym wyjątkiem, że o bardziej uproszczonej formule z łatwym i przejrzystym wykonaniem, dochody poprzez założenie praktyki warsztatów malarstwa nordyckiego.
W przeciwieństwie do włoskiego malarstwa renesansowego, w którym światło jest odpowiedzialne za uwidacznianie obiektów i architektury, próbując podkreślić wartości wolumetryczne, w malarstwie flamandzkim perspektywa jest bliższa naturalnemu widzeniu.
Powietrze jest w nim namacalne zmysłowo, jakby było indywidualną rzeczywistością i jeszcze jednym elementem obecnym w kompozycji. Podobnie artyści wybierają gradację kolorów w kierunku nieco bardziej niebieskawych szarości dla odległych obiektów, tak jak robi to Leonardo da Vinci w swoich badaniach nad perspektywą z lotu ptaka.
Tematyczny
Podobnie jak w poprzednich okresach, na tym etapie przeważają tematy religijne, z których można by wspomnieć niekończące się odtwarzanie fragmentów biblijnych lub wzmianek o życiu świętych lub pustelników.
Niektórzy artyści, tacy jak Bosch lub Brueghel starszy, byli odpowiedzialni za tworzenie obrazów, które ilustrują grzechy i ich konsekwencje. Podobnie można je również uznać za proste filozoficzne koncepcje świata oparte na wielu wierzeniach lub popularnych powiedzeniach.
W realizacji tych wspaniałych dzieł pomogła im liczna fantazja elementów i kompozycji, które potrafią przekazać przesłanie za pomocą wysoce symbolicznego i wyrafinowanego języka. Jednak jego użycie było całkiem słuszne, jeśli wziąć pod uwagę, że jego ostatecznym odbiorcą była burżuazja regionu i instytucje religijne.
windykacja krajobrazowa
W malarstwie flamandzkim widać zainteresowanie absolutnie wszystkim, bo z taką samą precyzją i starannością, z jaką maluje się ludzką cechę, maluje się zwierzę, przedmiot, a nawet roślinę. Zdumiewające jest, jak w tym czasie krajobraz nabiera większego znaczenia.
W ten sposób prymitywni artyści flamandzcy wiernie oddawali środowisko, które było częścią ich otoczenia, tyle tylko, że nadało to pewien symboliczny charakter takiemu realizmowi. W konsekwencji przyczynia się do alegorycznego znaczenia użytych kolorów i wielu przedstawionych obiektów drugorzędnych.
To, co było zwyczajem w stylu gotyckim, złote i neutralne tła, całkowicie znikają i zostają zastąpione wszelkiego rodzaju naturalistycznymi pejzażami. Światło przestaje być kapryśne, a każdy przedmiot zaczyna mieć swój specyficzny cień, tak jak każde pomieszczenie ma swoją oprawę oświetleniową, każdy pejzaż bezpieczną tonację, a każdy element punktualność.
Krótko mówiąc, każdy obraz flamandzki zawsze w taki czy inny sposób odwołuje się do krajobrazu, albo przez okno, albo dlatego, że z pewnością dzieje się na zewnątrz. Te pejzaże zostały wykonane bez śladów natury, więc ich elementy były bardzo stereotypowe.
W tym miejscu moglibyśmy wymienić między innymi kształt jego skał, postrzępionych i pozbawionych roślinności, miasta położone w oddali, wysokie i kolorowe, drzewa o kształcie pióra, z cienkimi i długimi pniami. Postacie zostały rozmieszczone w sposób zrównoważony, centralnie, jeśli był tylko jeden i symetrycznie, jeśli było ich wiele.
Działania często miały być powstrzymywane, a ruch rzadko był dozwolony. Chociaż uczestnicy mogli dzielić się ze sobą, nigdy nie pozwolono im ukraść światła reflektorów głównemu bohaterowi, krajobrazowi.
Generalnie prace wykonywano w małym formacie na desce jako podporę, gdyż pomyślano, by mieściły się one w wielkich mieszczańskich i arystokratycznych rezydencjach, wnętrzach domowych, które z dużą swobodą nadawały obrazowi pobożność intymną i mieszczańską.
Ponadto deski często składają się z trzech arkuszy, stąd ich nazwa Tryptyk, dwa boki są zawiasowe i zamykają się na środku. Ze swojej strony, zewnętrzna strona jest zwykle pomalowana w odcieniach szarości i techniką grisaille, aby stworzyć wrażenie rzeźbiarskiego reliefu.
Portret
Należy zauważyć, że Flandrii przypisuje się miano jednego z prekursorskich regionów w zakresie wykonywania portretów z psychologiczną penetracją modela. Tradycyjne portrety flamandzkie, które zostały później przyjęte z ogromnym sukcesem w Hiszpanii, to takie, które ukazują ich bohaterów w średnim ujęciu.
Jednak nie tak, jak jest to obecnie znane frontalnie, ale raczej z lekką krzywizną obracającą się samoczynnie, zawsze na neutralnym tle o ciemnym kolorze i zawierającym twarz i dłonie jakiś symboliczny przedmiot.
Fakt, że postać jest przedstawiana w lekkim obrocie, sprzyja całkowitemu zaangażowaniu w przestrzeń, tak by przedstawienia nie odbywały się za pomocą sztuczek meblowych czy teł architektonicznych. Dopiero obecność uroczystej postaci, na zagubionym tle, jest insynuacją istnienia objętości i zajmowanej przestrzeni.
Z biegiem czasu, już w XVII wieku, w szkole antwerpskiej, kiedy miasto stało się artystyczną fortecą flamandzkiego baroku, ten rodzaj portretu zdołał wyewoluować do maksimum świetności w znacznie bardziej naturalistycznym i kolorowym stylu.
Główne wykładniki
Przed założeniem prymitywów flamandzkich istnieli pewni poprzednicy, tacy jak utalentowany nauczyciel Melchior Broederlam i bracia Limbourg Brothers, Paul i Johan. Jednak pierwszymi artystami, którzy uchwycili te innowacje na obrazie, byli Robert Campin oraz Jan i Hubert van Eyck.
Uważa się ich za formalnych założycieli prymitywnej szkoły flamandzkiej na początku XV wieku. Wśród jego najważniejszych dzieł możemy wymienić „Tryptyk Zwiastowania”, „Msza św. Grzegorza”, „Tryptyk Seilern”, „Dziewica kanonika Van der Paele i Dziewica kanclerza Rolina”, „Portret zaślubin Arnolfini” m.in.
Jak już wspomniał, zrezygnowano w nich ze złotego tła i zaczęto wykorzystywać technikę i malarstwo olejne jako główny materiał malarski. Podobnie moda na malowanie sztalugowe jest stworzona w swojej nowoczesnej koncepcji, tak aby została pomyślana do oglądania z bliska.
Jego faktura była niezwykle drobiazgowa i szczegółowa, z charakterem, który znacząco przyczynił się do intensywnego rozwoju miniatury kodeksów na dworze książąt burgundzkich, by dać przykład, do kogo należą te państwa w tym stuleciu.
Należy podkreślić, że w służbie tak skrupulatnej techniki zaznaczony był zmysł obserwacji, a zatem wrodzona naturalistyczna tendencja, dlatego osiągnięto doskonałość, która jest bardzo trudna do przezwyciężenia w odniesieniu do interpretacji jakości tkanin, wyrobów złotniczych (metale, szkło, skóra itp.) oraz w gatunkach portretowych i pejzażowych.
Oprócz tego, wśród malarzy, którzy pracowali w drugiej połowie XV wieku i pomogli skonkretyzować wiele cech szkoły flamandzkiej, znajdujemy wybitnego Rogiera van der Weydena, znanego również po prostu jako Rogier de la Pasture.
Ten Belg wykonał bardzo ważne i majestatyczne obrazy, takie jak „Zstąpienie z krzyża”, „Dyptyk Felipe de Croÿ z Dziewicą z Dzieciątkiem”, „Opłakanie i pogrzeb Chrystusa”, „Madonna Medici”, „Poliptyk Sądu Ostatecznego ”, „San Lucas rysujący Dziewicę” i wiele innych.
Już pod koniec wieku i na początku XVI wyróżniali się inni prymitywni artyści flamandzcy, którym udało się ocenić i zaakcentować pewne charakterystyczne cechy swoich prac, takie jak pejzaż. W efekcie w pewien sposób powtarzają się formy i kompozycje, które powstały już w przeszłości.
Widać to w twórczości Hansa Memlinga i Gerarda Davida, choć było też kilku, którzy unikali tego trendu z wyraźną chęcią reprezentowania swojej oryginalności, tak jak robił to Bosch. Przez cały ten wiek, u szczytu renesansu, wyróżniała się twórczość Pietera Bruegla Starszego i Joachima Patinira.
Wielki wkład do malarstwa flamandzkiego mieli także Hugo van der Goes, Petrus Christus, Dieric Bouts, Ambrosius Benson i Pieter Coecke. Dla Francji Jean Fouquet, Enguerrand Quarton, Nicolas Froment i Master of Moulins. Dla Niemiec Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein Starszy i Michael Wolgemut. Portugalia miała jedynie wkład Nuno Gonçalvesa.
W przypadku Hiszpanii artystów podzielono według korony. Ten z Aragonii z Luis Dalmau, Jaume Huguet, Jaume Vergós, Rafael Vergós, Pau Vergós, Jacomart, Joan Reixach, Bertomeu Baró, Pere Nisart i Bartolomé Bermejo. I Kastylii z Jorge Inglés, mistrzem Sopetrán, Juanem Rodríguez de Segovia, Sancho de Zamora, mistrzem monarchów katolickich, między innymi.
Jeśli ten artykuł Ci się spodobał, nie wychodź bez uprzedniego przeczytania: