Umysł artysty jest w stanie tworzyć rzeczy niewyobrażalne, wiele trendów i stylów na świecie tego udowadnia, ale dla wielu, być może żaden, a także Ekspresjonizm. Zagłęb się w ten fascynujący styl artystyczny, który powstał pod koniec XIX wieku.
Czym jest ekspresjonizm?
Ekspresjonizm to styl artystyczny, który stara się reprezentować nie obiektywną rzeczywistość, ale rzeczywistość subiektywną. Intencją jest odzwierciedlenie emocji i reakcji, które przedmioty i zdarzenia wywołują w człowieku. Tę subiektywną rzeczywistość artystce udaje się uchwycić poprzez zniekształcenie, przerysowanie, prymitywizm, fantazję, a także poprzez jaskrawe, wstrząsające, gwałtowne czy dynamiczne stosowanie elementów formalnych.
Ekspresjonizm to bardzo osobista i intensywna forma sztuki, w której twórca stara się przekazać w swoich spektaklach swoje intymne uczucia i myśli, odchodząc od tradycyjnego przedstawiania rzeczywistości. Cechą tego nurtu jest jego decydujący wpływ na malarstwo, w którym stara się osiągnąć maksymalny wpływ na widza, poświęcając lub zniekształcając precyzję przedstawienia, generalnie na rzecz mocnych konturów i wyrazistych kolorów, choć nie we wszystkich przypadkach jest to regułą .
Kompozycje są zazwyczaj proste i bezpośrednie, często stosuje się gęstą, pastowatą farbę, luźne pociągnięcia pędzla nanoszone są w bardzo swobodny sposób i okazjonalną symbolikę, z najważniejszym przesłaniem.
Ekspresjonizm jest jednym z głównych nurtów artystycznych, które rozwinęły się między końcem XIX wieku a początkiem XX wieku, o cechach wysoce subiektywnego, osobistego i spontanicznego wyrażania siebie, typowego dla szerokiej gamy współczesnych artystów i ruchów artystycznych.
Można to postrzegać jako stały nurt w sztuce germańskiej i nordyckiej od co najmniej europejskiego średniowiecza, zwłaszcza w czasach przemian społecznych czy kryzysu duchowego, będący w tym sensie nurtem przeciwstawnym do racjonalistycznego i klasycystycznego, co było doceniane we Włoszech i nie tylko. wieczór z Francji
Na początku XX wieku ten artystyczny nurt ogarnął Europę, napędzany oporem wobec kultury burżuazyjnej i żarliwym poszukiwaniem świeżej, młodej kreatywności. Artyści ekspresjonistyczni i sztuka ekspresjonistyczna podkreślają jaźń, psychikę, ciało, seksualność, naturę i ducha.
Ekspresjonizm jako styl lub ruch inny niż ówczesny trend skupia się na szeregu artystów niemieckich, austriackich, francuskich i rosyjskich, którzy stali się popularni w latach przed I wojną światową i pozostali tacy przez większą część okresu międzywojennego. .
We Francji Holender Van Gogh pogłębiał i ujawniał swoją niezwykłą, niespokojną i barwną psychikę, z kolei w Niemczech Rosjanin Wassily Kandinsky badał duchowość w sztuce jako antidotum na alienację we współczesnym świecie, a w Austrii , Egon Schiele i Oskar Kokoschka walczyli z moralną hipokryzją społeczeństwa, poruszając takie kwestie, jak seksualność, śmierć i przemoc.
Edvard Munch w końcu wywarł wpływ w Norwegii i całej Europie dzięki swojej dzikiej i intensywnej ekspresji środowiska, siebie i swojej psychiki. Artyści ci wspólnie zmierzyli się z bardzo surowymi, prawdziwymi i ponadczasowymi pytaniami, tematami i walkami, które wiły się pod powierzchnią i są nam znane do dziś.
Być może dlatego ekspresjonizm w sztuce trwał w wielu różnych postaciach nawet po tych artystach iw tym konkretnym okresie, co pozwala powiedzieć, że ekspresjonizm jest nadal żywy.
Początki
Na początku XX wieku w Europie Zachodniej społeczeństwo rozwijało się w szybkim tempie, intensywna industrializacja niemal szturmem opanowała kontynent, wraz z innowacjami w świecie produkcji i komunikacji, często wywołując poczucie złego samopoczucia na świecie. publiczny.
Zawrotny rozwój technologii i urbanizacja dużych miast przyniosły ze sobą poczucie izolacji i odłączenia od świata przyrody. Zrozumiałe jest, że te emocje i lęki zaczęły się pojawiać, a raczej krwawić przez ówczesną sztukę. Dwie grupy artystów, które stworzyły ekspresjonizm, jaki znamy dzisiaj: Die Brucke y Der Blaue Reiter, oba powstały w Niemczech na początku XX wieku.
Czterech studentów architektury w Dreźnie stworzyło gminną grupę artystyczną pod nazwą Most (Most). Fritz Bleyl, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff i Ernst Ludwig Kirchner próbował być most w przyszłość sztuki, wywołując intensywne reakcje emocjonalne za pomocą nienaturalnych kształtów, kolorów i kompozycji inspirowanych współczesnym światem.
Jego prace były bardzo podobne do ruchu fowizmu we Francji, kierowanego przez: Henri Matisse, zwłaszcza w użyciu jasnych kolorów i nietypowych kształtów, z zamiarem przekazania wielu emocji. Most miał być młodzieńczą i nowatorską opozycją i odpowiedzią na wieki realizmu w sztuce. W 1906 r. złożyli swój manifest w drzeworycie, który wyrażał:
„Dzięki wierze w ciągłą ewolucję, w nowe pokolenie twórców i wielbicieli, łączymy wszystkich młodych ludzi. A jako młodzi ludzie, którzy niosą przyszłość, zamierzamy zdobyć dla siebie swobodę poruszania się i życia w opozycji do starych i ugruntowanych sił. Kto w sposób bezpośredni i autentyczny wyraża to, co skłania go do tworzenia, jest jednym z nas” Kirchnera (1906)
Poprzez to wezwanie do działania, młodzi artyści z Europy Zachodniej otrzymali trudne zadanie zbudowania nowego ruchu artystycznego: ekspresjonizmu.
Artyści ruchu Most koncentrowali się przede wszystkim na zobrazowaniu ogromnego chaosu nowej nowoczesności, industrializacji i urbanistyki, które ich otaczały. Malowali miejskie pejzaże z przerysowanymi, postrzępionymi szczytami i żywymi kolorami.
Po pokonaniu granic znacznie bardziej niż Fauves, Most włączył do swoich występów podziemną niemiecką kulturę klubów nocnych, dekadencję niższej klasy oraz wszystkie emocje i dyskomfort, nie zaniedbując własnej wizji i znaczenia.
To nieformalne stowarzyszenie zbuntowało się przeciwko temu, co uważali za powierzchowny naturalizm akademickiego impresjonizmu. Chcieli ponownie tchnąć w niemiecką sztukę duchowy wigor, którego im brakowało, i starali się to zrobić poprzez elementarną, wysoce osobistą i spontaniczną ekspresję. Do pierwotnych członków Die Brücke wkrótce dołączyli Niemcy Emil Nolde, Max Pechstein i Otto Müller. Ekspresjoniści byli pod wpływem swoich poprzedników z lat 1890. XIX wieku.
Interesowali się również afrykańskimi rzeźbami w drewnie oraz dziełami północnoeuropejskich artystów średniowiecznych i renesansowych, takich jak Albrecht Dürer, Matthias Grünewald i Albrecht Altdorfer. Drzeworyty, z ich grubymi, poszarpanymi liniami i ostrymi kontrastami tonalnymi, były ulubionym medium niemieckich ekspresjonistów.
Prace artystów Die Brücke pobudziły ekspresjonizm w innych częściach Europy. Oskar Kokoschka i Egon Schiele z Austrii przyjęli jego udręczone pociągnięcia pędzlem i kanciaste linie, a Georges Rouault i Chaim Soutine we Francji opracowali style malarskie nacechowane intensywną ekspresją emocjonalną i gwałtownymi zniekształceniami figuratywnej tematyki.
Pod silnymi wpływami ekspresjonizmu pracowali także malarz Max Beckmann, grafik Käthe Kollwitz oraz rzeźbiarze Ernst Barlach i Wilhelm Lehmbruck. Wiele z ich prac wyraża frustrację, niepokój, wstręt, niezadowolenie, przemoc iw ogóle rodzaj frenetycznej intensywności uczuć w odpowiedzi na brzydotę, surową banalność oraz możliwości i sprzeczności, które dostrzegali we współczesnym życiu.
Druga grupa, znana jako Der Blaue Reiter (The Blue Rider), założony w Monachium w 1911 roku. Nazwany na cześć obrazu Wassily'ego Kandinsky'ego, kolektyw ten składał się z rosyjskich emigrantów Kandinsky'ego, Alexeja von Jawlensky'ego i Marianne von Werefkin oraz niemieckich artystów Franza Marca, Augusta Macke i Gabriele Munter.
Obraz Kandinsky'ego został wybrany jako imiennik grupy ze względu na przedstawienie postaci na koniu z rzeczywistości do sfery duchowej i emocjonalnej, i to właśnie artyści Der Blaue Reiter fascynowało ich przedstawianie raczej duchowej niż fizycznej strony.
Choć jego style były zróżnicowane, jak pokazują jego spektakle, w jego pracach dominowały zainteresowania prymitywizmem i pejzażem emocjonalnym. Bardzo różne przez Die Brucke, Niebieski jeździec był wielką siłą w rozwoju ekspresjonizmu abstrakcyjnego.
Ekspresjonizm i sztuka abstrakcyjna odrzucają realizm, cały czas starając się przekazać emocje, jednak ekspresjonizm zachowuje poczucie formy i symboliki, podczas gdy sztuka abstrakcyjna porzuca rozpoznawalne obrazy.
Der Blaue Reiter połączył te idee, tworząc całkowicie nową gałąź ekspresjonizmu, która wciąż ma duży wpływ na sztukę współczesną. Kiedy wybuchła I wojna światowa, Most y Der Blaue Reiter rozwiązali się, ale ich dziedzictwo żyje dalej, ponieważ ekspresjonizm wciąż zyskuje na popularności i jest nadal praktykowany w XXI wieku.
Korzenie niemieckiej szkoły ekspresjonistycznej można odnaleźć w twórczości Vincenta van Gogha, Edvarda Muncha i Jamesa Ensora, z których każdy w latach 1885-1900 wypracował bardzo osobisty styl malarski.
Artyści ci wykorzystywali ekspresyjne możliwości koloru i linii, eksplorując dramatyczne i naładowane emocjami tematy, z zamiarem oddania cech strachu, grozy i groteski lub po prostu, by celebrować naturę z oszałamiającą intensywnością. Zerwali z wieloma schematami, nie reprezentowali dosłownie natury, by wyrazić bardziej subiektywne perspektywy czy stany psychiczne.
Niemieccy ekspresjoniści wkrótce rozwinęli styl wyróżniający się surowością, śmiałością i intensywnością wizualną. Użyli postrzępionych i zniekształconych linii, szybkiego i ostrego malowania pędzlem, nie wspominając o jaskrawych kolorach, które pomogły im przedstawić miejskie sceny uliczne i inne współczesne motywy w gorączkowych, zatłoczonych kompozycjach, znanych z niestabilności i naładowanej emocjonalnie atmosfery.
Artyści należący do grupy zwanej Der Blaue Reiter bywają uważani za ekspresjonistów, choć ich sztuka jest generalnie liryczna i abstrakcyjna, mniej jawnie emocjonalna, bardziej harmonijna i bardziej zajęta problemami formalnymi i obrazowymi niż artyści Die Brücke.
Ekspresjonizm był również dominującym stylem w Niemczech w latach bezpośrednio po I wojnie światowej, gdzie pasował do powojennej atmosfery cynizmu, wyobcowania i rozczarowania. Niektórzy z późniejszych praktyków ruchu, tacy jak George Grosz i Otto Dix, rozwinęli ostrzejszą, bardziej krytyczną społecznie mieszankę ekspresjonizmu i realizmu, znaną jako Neue Sachlichkeit (Nowa Rzeczowość).
W dwudziestym wieku
Jak widać z etykiet takich jak abstrakcyjny ekspresjonizm i neoekspresjonizm, spontaniczne, instynktowne i wysoce emocjonalne cechy ekspresjonizmu były wspólne dla różnych kolejnych ruchów artystycznych XX wieku.
Ekspresjonizm jest uważany za bardziej międzynarodowy trend niż spójny ruch artystyczny, który był szczególnie wpływowy na początku XX wieku. Obejmuje kilka dziedzin: sztukę, literaturę, muzykę, teatr i architekturę.
Artyści ekspresjonistyczni starali się wyrażać przeżycia emocjonalne, a nie rzeczywistość fizyczną. Znane obrazy ekspresjonistyczne są Krzyk przez Edvarda Muncha, Niebieski jeździec Wassily'ego Kandinsky'ego i Kobieta siedząca z podniesioną lewą nogą przez Egona Schielego.
Spadek ruchu
Upadek ekspresjonizmu został przyspieszony przez niejasność jego tęsknoty za lepszym światem, przez użycie wysoce poetyckiego języka i ogólnie przez intensywnie osobisty i niedostępny charakter jego prezentacji. Wielu ekspresjonistycznych artystów straciło życie podczas lub w wyniku I wojny światowej z powodu traumy i choroby. Tak było w przypadku Franza Marca, który zmarł w 1916 roku i Egona Schielego, który zmarł podczas epidemii grypy w 1918 roku, wielu innych odebrało sobie życie po zawaleniu się w traumie wojny.
Częściowe przywrócenie stabilności w Niemczech po 1924 r. i rozwój jawnie politycznych stylów, na które duży wpływ miał socrealizm, przyspieszyły upadek ruchu pod koniec lat 1920. XX wieku.
Ekspresjonizm zmarł definitywnie wraz z dojściem do władzy nazistów, którzy doszli do władzy w 1933 roku i określili pracę niemal wszystkich ekspresjonistów jako zdegenerowaną i wulgarną. Ich prześladowania i nękanie były intensywne i nadmierne, zabraniając tym przedstawicielom wystawiania, publikowania, a nawet pracy, z których większość udała się na wygnanie do Stanów Zjednoczonych i innych krajów jako bardziej drastyczny środek.
To był koniec ery niemieckiego ekspresjonizmu, który wymarł wraz z nazistowską dyktaturą i był odpowiedzialny za etykietowanie niezliczonych artystów tamtych czasów, w tym Pabla Picassa, Paula Klee, Franza Marca, Ernsta Ludwiga Kirchnera, Edvarda Muncha, Henri Matisse'a, Vincenta van Gogh i Paul Gauguin, jako zdegenerowani artyści, usuwający swoje ekspresjonistyczne dzieła z muzeów i konfiskując je w sposób nadużycia.
Jednak ekspresjonizm nadal inspirował i żył w późniejszych artystach i ruchach artystycznych. Na przykład ekspresjonizm abstrakcyjny rozwinął się jako główny ruch awangardowy w powojennej Ameryce w latach 1940. i 1950. Ci artyści unikali figuracji i zamiast tego eksplorowali w swojej sztuce kolor, gestykulację pędzlem i spontaniczność.
Później, pod koniec lat XNUMX. i na początku XNUMX., neoekspresjonizm zaczął się rozwijać jako reakcja na ówczesną sztukę konceptualną i minimalistyczną.
Neoekspresjoniści w dużej mierze czerpali z przedstawicieli niemieckiego ekspresjonizmu, którzy ich poprzedzili i często przedstawiali tematy z grubsza za pomocą ekspresyjnych pędzli i intensywnych kolorów. Do najbardziej kultowych artystów tego ruchu należą Jean-Michel Basquiat, Anselm Kiefer, Julian Schnabel, Eric Fischl i David Salle.
Na świecie
Ekspresjonizm to złożony i obszerny termin, który oznaczał różne rzeczy w różnych czasach. Jednak gdy mówimy o sztuce ekspresjonistycznej, wielu zwraca uwagę na nurt artystyczny, który pojawił się w odpowiedzi na impresjonizm we Francji lub ruch, który ujrzał światło w Niemczech i Austrii na początku XX wieku. Termin jest tak elastyczny, że może pomieścić artystów od Vincenta van Gogha po Egona Schielego i Wassily'ego Kandinsky'ego, wystawiających się w bardzo szczególny sposób w każdym kraju.
francuski ekspresjonizm
We Francji głównymi artystami często kojarzonymi z ekspresjonizmem byli Vincent van Gogh, Paul Gauguin i Henri Matisse. Chociaż Van Gogh i Gauguin działali w latach poprzedzających, co uważa się za główny okres ekspresjonizmu (1905-1920), z pewnością można ich uznać za artystów ekspresjonistycznych, którzy malowali otaczający ich świat nie tylko tak, jak się wydawało, ale z głębokiego subiektywne ludzkie doświadczenie.
Matisse, Van Gogh i Gauguin używali ekspresyjnych kolorów i stylów pędzla, aby przedstawić emocje i doświadczenia, odchodząc od realistycznych przedstawień swoich obiektów i skupiając się na tym, jak się czuli i postrzegali.
niemiecki ekspresjonizm
W Niemczech ekspresjonizm jest szczególnie związany z grupami Brücke i Der Blaue Reiter, jak wspomniano powyżej. Niemiecki ruch ekspresjonistyczny był inspirowany mistycyzmem, średniowieczem, epoką prymitywną i filozofią Fryderyka Nietzschego, którego idee były wówczas niezwykle popularne i wpływowe.
Der Brücke powstał w Dreźnie w 1905 roku jako artystyczny kolektyw artystów ekspresjonistycznych, którzy sprzeciwiali się burżuazyjnemu porządkowi społecznemu w Niemczech. Czterema członkami założycielami byli Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel i Karl Schmidt-Rottluff, z których żaden nie otrzymał formalnego wykształcenia artystycznego.
Wybrali nazwę Der Brücke, aby opisać swoje pragnienie zbudowania pomostu między przeszłością a teraźniejszością. Nazwa została zainspirowana fragmentem „Tako rzecze Zaratustra” Fryderyka Nietzschego. Artyści próbowali uciec od duszącego, nowoczesnego życia mieszczańskiego, eksplorując w swoich pracach intensywniejsze operowanie kolorem, bezpośrednie i uproszczone podejście do formy oraz swobodną seksualność.
Der Blaue Reiter został założony w 1911 roku przez Wassily'ego Kandinsky'ego i Franza Marca i w obliczu rosnącej alienacji, jakiej doświadczali w związku z modernizacją świata, starali się wyjść poza codzienność, dążąc do duchowej wartości sztuki.
Ponadto jego celem było przełamywanie granic i mieszanie sztuki dziecięcej, sztuki ludowej i etnografii. Nazwa Der Blaue Reiter nawiązuje do powracającego motywu Jeźdźca na koniu z okresu Kandinsky'ego w Monachium oraz zamiłowania Kandinsky'ego i Marca do koloru niebieskiego, który miał dla nich duchowe walory. Głównymi artystami związanymi z Der Blaue Reiter są Kandinsky, Marc, Klee, Münter, Jawlensky, Werefkin i Macke.
austriacki ekspresjonizm
Egon Schiele i Oskar Kokoschka to dwie wiodące postacie austriackiego ekspresjonizmu, na które szczególny wpływ wywarł ich poprzednik Gustav Klimt, który również był zaangażowany w rozpoczęcie ich kariery, z wystawami, które stworzył, prezentując to, co najlepsze we współczesnej sztuce austriackiej.
Obaj ekspresjoniści żyli w pełnym sprzeczności Wiedniu na przełomie XIX i XX wieku, gdzie represje moralne i hipokryzja seksualna odegrały ważną rolę w rozwoju ekspresjonizmu.
Schiele i Kokoschka unikali tego, co postrzegali jako fałsz i moralną hipokryzję, i przedstawiali takie tematy, jak śmierć, przemoc, tęsknota i seks. Kokoschka stał się znany ze swoich portretów i umiejętności ujawniania wewnętrznej natury swoich poddanych, a Schiele ze swoich surowych, niemal brutalnie szczerych przedstawień seksualności, które były postrzegane jako powściągliwe i zdesperowane.
norweski ekspresjonizm
Innym ważnym artystą tego czasu, który wywarł wielki wpływ na niemiecką i austriacką scenę ekspresjonistyczną, był Norweg Edvard Munch, znany w Wiedniu z wystaw Secesja i Kunstschau w 1909 roku.
Był uważany za najwyższego przedstawiciela swojego kraju w tym ruchu i kluczowego prekursora. Ściśle związany z symboliką, Munch jest najbardziej znany z Krzyku, tego obrazu przedstawiającego postać na moście, zachodzącego za nim słońca i wydającego się wydawać mrożący krew w żyłach, desperacki krzyk, demonstrujący niespokojnego ducha artysty.
Kultowe dzieła sztuki ekspresjonistycznej
Podobnie jak w innych nurtach artystycznych, ekspresjonizm ma swoje ważne postacie, które wyznaczały w swoim czasie przed i po, tworząc niepowtarzalne i nieśmiertelne próbki artystyczne, takie jak te przedstawione poniżej:
Krzyk Edvarda Muncha (1893)
Ta seria obrazów znana jako Krzyk (Skrik) została zainspirowana chwilowym doświadczeniem, które jego twórca E. Munch miał podczas pobytu we Francji, z których najsłynniejszy znajduje się obecnie w National Gallery of Norway i został ukończony w 1893 roku. Jego własnymi słowami:
Szedłem drogą z dwoma przyjaciółmi. Słońce zaczęło zachodzić. Poczułem nutkę melancholii. Nagle niebo stało się krwistoczerwone. Zatrzymałem się, oparłem się o balustradę śmiertelnie zmęczony i spojrzałem na płonące chmury, które jak krew i miecz wisiały nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem.
Moi przyjaciele szli dalej. Stałem tam, drżąc ze strachu. I poczułem silny i niekończący się krzyk przenikający naturę. Ekspresjonizm, Ashley Bassie, s. 69
Postać przekazuje strach, rozpacz, jej krzyk całkowicie ją otacza i przenika zarówno otoczenie, jak i umysły tych, którzy ją obserwują. Obraz utrzymany w ekspresjonistycznym stylu wykonany jest w technice olejnej, temperowej i pastelowej na tekturze, o wymiarach 91 x 74 cm.
Der Blaue Reiter Wassily Kandinsky (1903)
Der Blaue Reiter czyli Niebieski Jeździec to jedno z pierwszych ekspresjonistycznych dzieł Kandinsky'ego, które podziwiano za niesamowitą obróbkę koloru i światła, uważane jest za pomost między postimpresjonizmem a ekspresjonizmem. Przedstawia jeźdźca w stroju na niebiesko galopującego przez pola. Nazwa tego dzieła została również użyta jako nazwa grupy ekspresjonistów, założonej w 1911 roku przez jej autora i Franza Marca.
Niebieski jeździec jest prawdopodobnie najważniejszym artystycznym pokazem Kandinsky'ego początku XX wieku, zanim w pełni rozwinął swój abstrakcyjny styl. Obraz przedstawia jeźdźca ubranego na niebiesko, jadącego przez zielonkawy brąz.
Abstrakcja obrazu jest zamierzona i prowadzi wielu teoretyków sztuki do odtworzenia ich osobistych reprezentacji na obrazie, na którym niektórzy widzieli nawet dziecko w ramionach niebieskiego jeźdźca. Umożliwienie widzom włączenia się w dzieło sztuki było techniką, którą malarz często iz powodzeniem stosował w późniejszych pracach, które w miarę rozwoju kariery stawały się coraz bardziej abstrakcyjne.
Niebieskie konie Franza Marca (1911)
Franz Marc był jednym z założycieli Der Blaue Reiter, artysty, który dla wielu nadawał emocjonalne i psychologiczne znaczenie kolorom, których używał w swojej pracy, tworząc dzieła o wspaniałych kolorach i bogactwie.
Niebieski był przez niego używany bardzo często, zwłaszcza do reprezentowania męskości i duchowości, fascynowały go także zwierzęta i ich wewnętrzny świat, traktując się nawzajem w sposób głęboko emocjonalny.
Siedząca kobieta z podniesionymi nogami (1917), Egon Schiele
Egon Schiele namalował swoją żonę Edith Harms w 1917 roku, przedstawiając ją siedzącą na podłodze, opierając policzek na lewym kolanie. Jego ogniste rude włosy kontrastują w szczególności z zielonym kolorem jego koszuli, uważanym za odważny i sugestywny portret, z bardzo dobrze zdefiniowanymi i odważnymi niuansami erotycznymi jak na tamte czasy. Autor tej akwareli charakteryzował się erotyzmem jako jednym z głównych tematów w swojej twórczości.
pionierzy ekspresjonizmu
Chociaż wielu koneserów w tej dziedzinie twierdzi, że nigdzie ekspresjonizm nie był lepiej wykonany niż w Niemczech, w ciągu dekady poprzedzającej I wojnę światową wielu artystów stworzyło mnóstwo niezapomnianych obrazów i zapoczątkowało ekspresjonizm, który jako taki jest pamiętany do naszych czasów:
Van Gogha (1853-90)
Ten wybitny malarz uosabia ekspresjonizm, z szeroką gamą dzieł autobiograficznych, które poprzez kompozycję, kolory i każde pociągnięcie pędzla opowiadają widzowi jego idee, uczucia, a przede wszystkim równowagę psychiczną. Jego obrazy były odzwierciedleniem jego uczuć, kiedy je tworzył i od tego czasu niewielu artystów dorównuje lub zbliża się do jego intensywności i oryginalności, jeśli chodzi o wyrażanie siebie.
Urodzony w bardzo religijnej rodzinie, jego ojciec był pastorem protestanckim, od najmłodszych lat wykazywał wielki talent do rysowania, ale dopiero znacznie później, w wieku około 27 lat, w końcu kontynuował swoje prawdziwe powołanie jako artysta.
W 1878 r. zamanifestował swoje powołanie kapłańskie, rozpoczął studia teologiczne, ale nie ukończył go z powodu nadmiernie mistycznej determinacji, by podążać śladami Chrystusa. Jego pragnienie ratowania dusz i pomocy biednym doprowadziło go do pracy jako ewangelista w jednym z najbiedniejszych obszarów górniczych w Belgii, z którego został wydalony w 1880 roku.
W tym samym czasie postanowił zostać malarzem, a karierę rozpoczął od moralnego i ekonomicznego wsparcia brata Theo, z którym przez całe życie utrzymywał stałą korespondencję. Jego głównymi źródłami inspiracji były fragmenty Biblii i dzieła Emila Zoli, Victora Hugo i Charlesa Dickensa, a także obrazy Honoré Daumiera, a przede wszystkim realizm Jean-Francois Mijo. Życie zawodowe rozpoczął jako pracownik Galerii Sztuki Goupil.
Van Gogh doświadczył bólu i smutku, przyniesionych przez świat, który bardzo kochał, ale nigdy nie sądził, że otrzymał to samo. W odpowiedzi na to nieustanne uczucie, stworzył ze sztuki własny świat, w którym nie zabraknie koloru i ruchu, w którym eksponuje wszystkie swoje emocje, stając się jednym z wielkich malarzy ekspresjonistycznych XIX wieku. Jego unikalny styl malarstwa ekspresjonistycznego można zobaczyć w Muzeum Van Gogha w Amsterdamie i Kroller-Muller Museum w Otterlo.
Paul Gauguin (1848-1903)
Jeśli Van Gogh zniekształcił formę i kolor, aby przekazać swoje wewnętrzne uczucia, ten francuski artysta polegał na kolorze przede wszystkim, aby wyrazić swoje emocje. Posługiwał się również symboliką, ale to jego kolor farby naprawdę go wyróżniał. Urodzony w Paryżu podczas rewolucji 1848 r., był synem liberalnego dziennikarza, który po zamachu stanu z 1851 r. uciekł na emigrację, zabierając ze sobą rodzinę.
Jednak zmarł w drodze, w Panamie, gdy rodzina udała się do Limy w Peru, gdzie przez cztery lata radzili sobie sami. Matka Gauguina była córką francuskiej socjalistycznej pisarki i aktywistki Flory Tristán, chociaż jej przodkowie byli peruwiańską szlachtą.
Należy zauważyć, że młody Gauguin od dzieciństwa był naznaczony wyobraźnią i mesjańską atmosferą swojego rodzinnego kręgu, pokazując przez całą swoją karierę, że kolory i obrazy Peru będą miały silny wpływ. W wieku 7 lat rodzina wróciła do Francji i przeniosła się do Orleanu, aby zamieszkać z dziadkiem. W młodości pracował jako czeladnik w marynarce handlowej, pływając między Ameryką Południową a Skandynawią, w Paryżu i zachęcony przez ojca chrzestnego rozpoczął bardzo udaną karierę u maklera giełdowego Bertina.
Ale Gauguin interesował się sztuką od dziecka iw wolnym czasie zaczął malować. Jego ojciec chrzestny, Arosa, był kimś w rodzaju kolekcjonera sztuki, a jego przykład i przyjaźń, jaką Gauguin nawiązał z impresjonistą Camille Pissarro, zachęciła tego miłośnika do odwiedzania galerii sztuki i kupowania dzieł wschodzących artystów, w tym licznych obrazów impresjonistów.
Odwiedził teraz słynną wystawę impresjonistów w 1874 w Paryżu i był tak zainspirowany, że postanowił zostać artystą na pełen etat, więc zaczął malować i rzeźbić jako amator. Współpracował z Bouillotem i malował w stylu Bonvina i Lepine'a. W 1876 wystawił obraz w Salonie.
Szczególny wpływ wywarł na niego Pissarro, który pomógł mu w początkach malarstwa i zachęcił go do poszukiwania stylu odpowiadającego jego temperamentowi. Pissarro przedstawił go Cézanne'owi i był tak urzeczony jego stylem, że Cézanne zaczął się obawiać, że ukradnie jego pomysły.
Trzej mężczyźni pracowali razem przez pewien czas w Pontoise, ale wraz z rozwojem swojej sztuki Gauguin postanowił przenieść się do własnej pracowni i brał udział w wystawach impresjonistów w latach 1881 i 1882. Ich sukcesy i kryzys finansowy skłoniły go do porzucenia kariery. w 1883 roku, aby całkowicie skoncentrować się na malarstwie.
Zamieszkał w Pont-Aven w Bretanii w 1885 roku, gdzie wykuł nowy styl, ponieważ był niezadowolony z ograniczeń impresjonizmu i starał się wyrażać stan wewnętrzny, a nie powierzchowny wygląd.
Ten nowy styl wymagał bardziej pracy z pamięcią i obrazami wewnętrznymi niż z naturą, zrywając z teorią impresjonistyczną. Stało się to największą innowacją i wkładem Gauguina w malarstwo artystyczne, używając żywej palety kolorów do wyrażania emocji, a nie odzwierciedlania naturalnego tonu. Oprócz ekspresjonizmu w czasie pobytu w Pont-Aven wpłynął także na rozwój syntetyzmu i kloisonnizmu.
Edward Munch (1863-1944)
Innym wielkim pionierem ekspresjonizmu był temperamentny i neurotyczny norweski malarz i grafik, który pomimo wielkich emocjonalnych blizn we wczesnym życiu, zdołał dożyć lat 80. Prawie wszystkie jego najlepsze obrazy zostały namalowane przed załamaniem nerwowym w 1908 roku.
Urodzony w Loten w Norwegii, syn lekarza, miał życie pełne trudnych chwil. Gdy artysta miał pięć lat, jego matka zmarła na gruźlicę, chorobę, na którą kilka lat później zmarła również jego starsza siostra.
Te pierwsze tragiczne wydarzenia sprawiły, że w przyszłości śmierć stała się integralną częścią jego sztuki. Towarzyszyło mu wspomnienie umierającego ciała na poduszce, przyćmione światło obok łóżka i martwa szklanka wody oraz autorytarny ojciec, który bez końca powtarzał swoim dzieciom, że jeśli zgrzeszą, zostaną skazani na piekło bez litości. wiele lat.
W tym scenariuszu i zgodnie z oczekiwaniami rodzina bardzo ucierpiała. U jednej z młodszych sióstr w młodym wieku zdiagnozowano chorobę psychiczną, a sam Munch często czuł się chory. Z jego pięciu braci tylko jeden ożenił się, ale zmarł kilka miesięcy po ślubie.
W 1881 Munch dołączył do Królewskiej Szkoły Sztuki i Projektowania w Kristianind i wziął lekcje modelowania i rysunku. Jego nauczycielami i wczesnymi wpływami byli norweski rzeźbiarz Julius Middelthun i naturalista malarz, pisarz i dziennikarz Christian Krohg.
Chociaż Munch w swoim studenckim życiu malował tradycyjne tematy, szybko odkrył swój własny, niepowtarzalny styl. W 1882 roku wynajął wraz z kilkoma innymi artystami własną pracownię i choć z tego okresu nie zachowało się wiele jego dzieł, to te znane są wysoko cenione, jak na przykład Poranek (1884).
Ten artysta zapisał całą swoją pracę miastu Oslo, kolekcji składającej się z ponad tysiąca obrazów, piętnastu tysięcy rycin oraz czterech tysięcy rysunków i akwarel. W 1963 roku w Oslo otwarto Munch-Museet, muzeum, w którym znajdują się wszystkie jego prace, a on sam stał się pierwszym zachodnim artystą, który wystawiał swoje obrazy w Galerii Narodowej w Pekinie.
W 2004 roku niektóre z najsłynniejszych obrazów Muncha, Krzyk i Dziewica, zostały skradzione z muzeum przez uzbrojonych rabusiów, ale kilka lat później zostały odnalezione przez policję. Oprócz Muncha-Muzeum i Narodowej Galerii Sztuki w Oslo, wiele jego obrazów i grafik można oglądać w najlepszych muzeach sztuki w Europie.
Ferdynand Hodler (1853-1918)
Wielki przedstawiciel sztuki ekspresjonistycznej, szwajcarski malarz-symbolista Ferdinand Hodler urodził się w Bernie w 1853 r. w rodzinie poważnie dotkniętej ubóstwem. Jego ojciec był stolarzem, a kiedy zmarła jego matka, ożenił się ponownie z malarzem i dekoratorem, który uczynił go swoim uczniem, a następnie został wysłany do Thun do pracy z miejscowym artystą. Jego pierwszą specjalnością było konwencjonalne malarstwo pejzażowe, piękne alpejskie widoki, które sprzedawał turystom.
W wieku 18 lat postanowił zmienić miejsce zamieszkania i udał się do Genewy, miasta, w którym spędził większość swojego dorosłego życia i gdzie zaczął kształtować powolną karierę profesjonalnego artysty. Ostatecznie rodzice i rodzeństwo Ferdinanda Hodlera zmarli z powodu chorób, sytuacji, które miały wymierny wpływ na życie i karierę artysty, odzwierciedlając jego bliski związek ze śmiercią w jego pracach.
James Ensor (1860-1949)
Malarz urodzony w Ostendzie w Belgii, syn drobnych kupców, który od najmłodszych lat odczuwał skłonność do sztuki. Jego rodzice byli właścicielami sklepu na targu, w którym turystom oferowano pamiątki, takie jak maski i maski karnawałowe, wachlarze, ceramikę, zabawki i ciekawe przedmioty. Ekstrawaganckie maski karnawałowe i antytwarze używane później przez Ensora w swoich przedstawieniach były wspólnym elementem lokalnych grup i parad we wtorek zapusty.
Kiedy miał zaledwie piętnaście lat, rozpoczął edukację artystyczną u kilku lokalnych przedstawicieli, studiował także w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli, gdzie około 1877 poznał Fernanda Khnopffa. Po raz pierwszy wystawił pracę w 1881 roku, później wrócił do swojego domu, w którym mieszkał do 1917 roku, w domu ojca. Jego wczesne prace pokazują dość klasyczny i nieco mroczny styl, co widać w Russian Music, The Rower i The Drunkards.
W 1887 roku jego paleta wyraźnie się rozjaśniła, zmiana ta zbiegła się ze śmiercią jego ojca alkoholika, jego poddani stali się nieco surrealistyczni, malując karnawały, maski, szkielety i lalki, zwykle ubrani w kostiumy w jasnych i wyrazistych kolorach.
Prace Jamesa Ensora wpłynęły na ruch dadaistyczny i surrealizm, w szczególności twórczość Jeana Dubuffeta. W 2009 roku Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku znane jako MoMA zorganizowało dużą retrospektywę jego twórczości. Dziś jego obrazy można oglądać w jednych z najlepszych muzeów sztuki na świecie, zwłaszcza w Muzeum Sztuk Pięknych w Antwerpii.
Ekspresjonizm w innych sztukach
Ekspresjonizm był ruchem kulturowym, który powstał w Niemczech pod koniec XIX wieku i osiągnął swój szczyt w XX wieku. Choć ekspresjonizm był znacznie bardziej doceniany w malarstwie, przejawiał się również w innych dyscyplinach, takich jak m.in. literatura, kino, muzyka, rzeźba, fotografia, architektura.
ekspresjonizm w muzyce
Podczas gdy niektórzy klasyfikują kompozytora Arnolda Schoenberga jako ekspresjonistę ze względu na jego wkład w almanach der Blaue Reiter, ekspresjonizm muzyczny wydaje się znaleźć najbardziej naturalne ujście w operze. Wśród najwcześniejszych przykładów tego rodzaju ekspresjonistycznych dzieł znalazły się wielkie operowe prezentacje dramatu Kokoschki Mörder, Hoffnung der Frauen (Morderca, Nadzieja kobiet) (1919) Paula Hindemitha oraz Sancta Susanna (1922) Augusta Stramma, podejmujące problematykę seksualności.
Jednak najbardziej godnymi uwagi ekspresjonistycznymi operami są dwie Albana Berga: Wozzeck, wystawiona w 1925 roku i Lulu, wystawiona w całości dopiero w 1979 roku, obie z głęboką i charakterystyczną skłonnością do dramaturgii.
ekspresjonizm w filmie
Pod silnym wpływem ekspresjonistycznej sztuki scenicznej, wielu artystów stara się przekazać w filmie, poprzez dekorację, subiektywny stan umysłu bohatera. Najsłynniejszy z tych filmów to film Roberta Wiene'a, Gabinet dr Caligari (1920), w której szaleniec opowiada o swoim pomyśle i punkcie widzenia, jak dostał się do azylu. Zniekształcone ulice i budynki na planie są projekcjami własnego wszechświata, a pozostałe postacie zostały wyabstrahowane poprzez makijaż i ubrania w symbole wizualne.
To film, w którym ewokuje grozę, grozę, niepokój i dramat, a oświetlenie cieni i dziwne ansamble stały się wzorem stylistycznym dla filmów ekspresjonistycznych dla kilku głównych niemieckich reżyserów.
Wersja Paula Wegenera Golem (1920), przez FW Murnau z Nosferatu: Symfonia grozy (1922) i Fritz Lang z niemą produkcją Metropolis (1927) m.in. przedstawiają pesymistyczne wizje upadku społecznego czy zgłębiają złowrogą dwoistość natury ludzkiej i jej zdolność do potwornego zła osobistego.
ekspresjonizm w rzeźbie
W rzeźbie polegała ona głównie na drastycznych zmianach w sposobie wykonywania rzeźby tradycyjnej, a nie na określonej i jednolitej stylistyce. Ekspresjonizm był również popularny w rzeźbie, a godnymi uwagi przedstawicielami byli rzeźbiarze w drewnie Ernst Barlach i Wilhelm Lehmbruck. Około 1920 r. wywodziło się to przede wszystkim z abstrakcjonizmu, poszukując wyzwolenia form, które zapewniłyby pełnię artystycznej ekspresji.
Jeśli chodzi o rzeźbę w ekspresjonizmie abstrakcyjnym, kilku rzeźbiarzy było również integralną częścią ruchu, w tym David Smith, Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Philip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois i Louise Nevelson, również uważany za ważnych członków ruchu.
Podobnie jak abstrakcyjne malarstwo ekspresjonistyczne, prace rzeźbiarskie tego ruchu były pod silnym wpływem surrealizmu i jego nacisku na spontaniczną lub podświadomą kreację. Abstrakcyjna ekspresjonistyczna rzeźba była bardziej zainteresowana procesem niż produktem, co może utrudniać wizualne rozróżnienie dzieł związanych wyłącznie z estetyką, dlatego ważne jest, aby zastanowić się, co artysta ma do powiedzenia na temat ich procesu.
Przykładem są rzeźby Davida Smitha, który starał się wyrazić dwuwymiarowe tematy, które do tej pory nie były opracowywane w trzech wymiarach. Można powiedzieć, że jego prace zacierają granice między rzeźbą a malarstwem, często posługując się raczej pięknymi i drobiazgowymi maswerkami niż solidnymi formami, o dwuwymiarowym wyglądzie, zrywającym z tradycyjną ideą rzeźby w kole.
ekspresjonizm w literaturze
Ekspresjonizm w literaturze powstał jako innowacyjna reakcja przeciwko materializmowi, samozadowoleniu burżuazyjnemu dobrobytowi, dominacji rodziny w europejskim społeczeństwie przed I wojną światową oraz szybkiej mechanizacji i urbanizacji.
Był to dominujący ruch literacki w Niemczech podczas i bezpośrednio po I wojnie światowej. Ekspresjonistyczni pisarze starali się przekazać swoje idee i społeczny protest w nowym stylu.
Zajmowali się raczej prawdami ogólnymi niż konkretnymi sytuacjami, w swoich pracach badali trudności reprezentatywnych typów symbolicznych, a nie w pełni rozwiniętych zindywidualizowanych postaci.
Nacisk położono nie na świat zewnętrzny, który jest jedynie zarysowany i ledwie zdefiniowany w miejscu lub czasie, ale na wnętrze, na stan umysłu jednostki, dlatego w dramacie ekspresjonistycznym interesuje się przywoływaniem nastroje.
Główny bohater ekspresjonistycznego dzieła często wyraża swoje nieszczęścia w długich monologach wyrażanych skoncentrowanym, eliptycznym i zwięzłym językiem, który bada duchową marazm młodych, ich bunt przeciwko starszemu pokoleniu oraz różne rozwiązania polityczne lub rewolucyjne, które są poszukiwane. Wewnętrzny rozwój głównego bohatera eksplorowany jest poprzez szereg luźno powiązanych tableau, podczas których buntuje się on przeciwko tradycyjnym wartościom i poszukuje wyższej duchowej wizji życia.
August Strindberg i Frank Wedekind byli godnymi uwagi prekursorami dramatu ekspresjonistycznego, ale pierwszym uznanym dziełem ekspresjonistycznym był Reinhard Johannes Sorge, der Bettler (The Beggar), napisanej w 1912 i wystawionej po raz pierwszy w 1917. Innymi czołowymi dramaturgami w tym ruchu byli Georg Kaiser, Ernst Toller, Paul Kornfeld, Fritz von Unruh, Walter Hasenclever i Reinhard Goering, z których wszyscy byli Niemcami.
Ekspresjonistyczny styl w poezji pojawił się obok swojego dramatycznego odpowiednika, w tym samym niereferencyjnym stylu i eksplorującym wzniosły i cudowny liryzm, podobnie jak hymn. Ta uproszczona poezja, wykorzystująca dużą liczbę rzeczowników, kilka przymiotników i czasowników bezokolicznikowych, zmieniła narrację i opis, próbując dotrzeć do istoty uczucia.
Do najbardziej wpływowych poetów ekspresjonistycznych należą Niemcy Georg Heym, Ernst Stadler, August Stramm, Gottfried Benn, Georg Trakl i Else Lasker-Schüler oraz czeski poeta Franz Werfel. Tematem najczęściej poruszanym w ekspresjonistycznych wersetach był horror miejskiego życia i apokaliptyczne wizje upadku cywilizacji.
Niektórzy poeci byli bardzo pesymistyczni i zadowoleni z wyśmiewania wartości burżuazyjnych, podczas gdy inni byli bardziej zainteresowani reformą polityczną i społeczną, otwarcie wyrażając nadzieję na nadchodzącą rewolucję. Poza Niemcami dramaturgami, którzy używali ekspresjonistycznych technik dramatycznych, byli amerykańscy autorzy Eugene O'Neill i Elmer Rice.
ekspresjonizm w architekturze
Ekspresjonistyczna architektura została stworzona i zaprojektowana tak, aby wywoływać skrajne uczucia i emocje. Budynki stworzone w tym stylu robiły wówczas wrażenie i wyróżniały się na tle otaczających budowli.
Architekci często wykorzystywali nietypowe, zniekształcone formy i stosowali całkowicie oryginalne techniki konstrukcyjne, wykorzystując materiały takie jak cegła, stal i szkło. Niektórzy osiągnęli wielki sukces i wyróżniali się w swoim czasie, wśród których można wymienić Waltera Gropiusa i Bruno Tauta, którzy zaprojektowali imponujące budynki ekspresjonistyczne.
Niestety wiele konstrukcji nigdy nie zostało zbudowanych i istnieje tylko na papierze. Spośród tych, które zdołały się zmaterializować, niektóre były tymczasowe, a inne nie przetrwały do dziś, jednak kilka uderzających przykładów architektury ekspresjonistycznej można dziś zobaczyć, zwłaszcza w Niemczech.
Style inspirowane ekspresjonizmem
Ekspresjonizm nie był do końca jednolitym nurtem czy ruchem, ponieważ grupował wiele różnych stylów, co z kolei dał początek lub wpłynęło na wiele innych, również bardzo ważnych ruchów w sztuce i kulturze.
Abstrakcyjny ekspresjonizm
Gdy Nowy Jork zastąpił Paryż jako epicentrum innowacji w sztuce współczesnej, ekspresjonistyczny styl odrodził się jako abstrakcyjny ekspresjonizm na początku lat XNUMX. XX wieku.
W Stanach Zjednoczonych zyskała na sile dzięki tak zwanym malarzom akcji, kierowanym przez Jacksona Pollocka i Willema De Kooninga oraz malarzom pola kolorowego, takim jak Mark Rothko, Barnett Newman i Clyfford Still. Ta nowa szkoła, znacznie bardziej abstrakcyjna niż ekspresjonistyczna, miała niewiele namacalnego związku z ekspresjonistycznym stylem początku XX wieku.
ekspresjonizm figuratywny
Chociaż powojenna sztuka amerykańska i europejska była zdominowana przez abstrakcję, ekspresjonizm przedstawiający był nadal popularny w Australii w latach 1940. i 1950. XX wieku, czego przykładem są prace takich artystów jak Russell Drysdale i Sidney Nolan.
Jest ściśle związany ze światem nordyckim i germańskim, wywodzący się ze starożytnego świata narodu niemieckiego i ruchu romantycznego XIX wieku. Spróbuj przedstawić rzeczywistość z innej i osobistej perspektywy
neoekspresjonizm
Ostatnie odrodzenie ruchu ekspresjonistycznego miało miejsce w latach 1970. w Stanach Zjednoczonych, Wielkiej Brytanii, Niemczech, Włoszech i Francji pod nazwą neoekspresjonizmu. Postrzegana przede wszystkim jako reakcja na minimalizm i sztukę konceptualną lat XNUMX., jej czołowi przedstawiciele to:
- Philip Guston i Julian Schnabel (USA)
- Paula Rego i Christopher Le Brun (Wielka Brytania)
- Neoekspresjonistyczna szkoła znana jako Neue Wilden (Nowe Fauves), w skład której weszli: Georg Baselitz, Gerhard Richter, Jorg Immendorff, Anselm Kiefer, Ralf Winkler i inni. (Niemcy)
- Transavanguardia (Beyond the awangarda) i występowali tacy artyści jak Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicolo de Maria i Mimmo Paladino. (Włochy)
- Figuration Libre, założona w 1981 roku przez Remi Blancharda, Francois Boisronda, Roberta Combasa i Herve de Rosa. (Francja)
Jeśli spodobał Ci się ten artykuł, zapraszamy do zapoznania się z innymi bardzo ciekawymi na naszym blogu: