W tym artykule podamy informacje o najbardziej prestiżowych surrealistyczne obrazy które stały się kamieniem milowym w historii sztuki XX wieku, ponieważ wielu artystów ustanowiło wzór w ruchu surrealistycznym, tworząc dzieła, które przykuły uwagę widzów. Czytaj dalej i dowiedz się wszystkiego!
Surrealistyczne obrazy
Obecnie istnieją obrazy surrealistyczne, które wyłoniły się z początków ruchu artystów, którzy rozwijali swoją technikę kulturową na kontynencie europejskim po kulminacji I wojny światowej i początkach znanego ruchu kulturowego Dada. Że jego główną cechą było przeciwstawienie się myśli rozumu, która ustanowiła pozytywizm.
Chociaż ruch surrealistyczny narodził się dokładnie 15 października 1924 roku, został zdefiniowany jako ruch kulturowy, artystyczny i literacki, który chce przezwyciężyć rzeczywistość i skupić się na myśleniu irracjonalnym i sennym, poprzez różne wyrażenia, które podświadomość myśli automatycznie.
Dlatego kiedy coś ma konotację, która jest poza wszelką logiką i jest irracjonalna aż do absurdu, jest określane jako surrealistyczne i odnosi się do znanego ruchu surrealistycznego, który narodził się we Francji dzięki pisarzowi André Bretonowi, który był inspirowany psychoanalizą. Wśród artystów, którzy najbardziej wyróżniali się w ruchu surrealistycznym, byli Salvador Dalí, Man Ray, Joan Miró i René Magritte.
W ten sposób surrealistyczne obrazy pełne są bardzo nieoczekiwanych elementów i zestawień. Dlatego artyści i pisarze należący do ruchu surrealistycznego będą określać malarstwo surrealistyczne jako wyraz filozoficzny. Ale jednocześnie obrazy surrealistyczne były bardzo rewolucyjne i kojarzone z różnymi ruchami, takimi jak anarchizm i komunizm.
Kiedy pisarz i poeta André Breton publikuje w Paryżu znany Manifest surrealistów. To wtedy to symboliczne miasto staje się siedzibą ruchu surrealistycznego i rozszerza się na cały kontynent europejski. Tam zaczęto wystawiać pierwsze realistyczne obrazy, przykuwając uwagę mas i krytyków sztuki.
Główne obrazy realistyczne
Będąc jednym z najbardziej znanych ruchów, który był obecny u kilku artystów, ponieważ oparli swoje realistyczne obrazy na fantazji, wyobraźni i przywołaniach świata snów.
Oprócz tego, że wielu artystów opierało swoje dzieła sztuki na improwizacji, dlatego w tym artykule szczegółowo przedstawimy szereg realistycznych obrazów, które przeszły do historii sztuki jako jedne z najlepszych dzieł ruchu surrealistycznego, wśród których wyróżniają się:
Trwałość pamięci, Salvador Dalí
Jednym z realistycznych obrazów, które najbardziej przyciągnęły uwagę publiczności, jest dzieło znane jako „Trwałość pamięci” wykonane przez malarza Salvadora Dalí w 1931 roku i umieszczone na wystawie w Galerii Pierre Colle w Paryżu we Francji. W następnym roku praca została pokazana w Stanach Zjednoczonych w Nowym Jorku w Galerii Julien Levy.
Praca Salvadora Dalí znajduje się obecnie w Museum of Modern Art w Nowym Jorku (MoMA), które przybyło do tego muzeum w 1934 roku. Jest to jeden z najmniejszych istniejących obrazów surrealistycznych, ponieważ jego wymiary to 24 cm wysokości i 33 cm szerokości. Krajobraz, który przedstawia praca jest bardzo prosty, obserwujący morze i formację skalną.
Jest to jeden z realistycznych obrazów, w którym obserwuje się kilka zegarów, które wydają się topnieć, podkreślając względność czasu. Dobrze znana teoria Alberta Einsteina, którą studiował wcześniej surrealistyczny malarz Salvador Dalí.
Słonie, Salvador Dali
Należy zauważyć, że surrealistyczne obrazy Salvadora Dalego miały powtarzający się w każdej chwili motyw, którym było malowanie słoni. Dlatego w 1944 roku zakończył pracę zatytułowaną „Słonie”, która jest jednym z obrazów realistycznych, które mają duże znaczenie, ponieważ będą przedstawiać siłę, władzę i dominację.
Chociaż malarz Salvador Dalí wypowiada się na temat tych zwierząt, umieszczając prawie niewidoczne owadzie nogi pożądania. Natomiast obeliski niesione przez zwierzęta będą reprezentowały wiedzę i siłę. Przedstawiono je na rzeźbie w Rzymie autorstwa Włocha Gian Lorenzo Berniniego.
Praca znajduje się obecnie w Muzeum Salvadora Dali i jest wykonana w oleju na płótnie, choć utrzymana w stylu surrealistycznym, praca jest identyfikowana jako pejzaż, który tworzy fantasmagoryczną atmosferę o następujących wymiarach: 49 cm wysokości i 60 cm szerokości.
Wielki Masturbator, Salvador Dalí
Jest to jeden z najsłynniejszych realistycznych obrazów, które istnieją dla tematu, którego dotyczy, będąc dziełem urodzonego w Hiszpanii malarza Salvadora Dalí, który został ukończony w 1929 roku, dzieło to zostało wykonane techniką olejną na płótnie z tkaniny, która ma następujące wymiary: 110 cm wysokości i 150 cm szerokości. Praca pozostaje na wystawie w Muzeum Królowej Zofii w Madrycie w Hiszpanii.
Jest to jeden z surrealistycznych obrazów, który ma wiele teorii psychoanalizy i nieświadomości. W tej pracy malarz eksponuje wiele symboli, których wielokrotnie używa do wyrażenia złożonej sceny seksualnej, w której wyróżniają się mrówki, homar i bardzo spokojny pejzaż morski. W tym czasie praca pozwoliła na wyeksponowanie działalności uznawanej za tabu.
Miękka konstrukcja z gotowaną fasolą (przeczucie wojny domowej), Salvador Dalí
Praca wykonana w 1936 roku i obecnie przechowywana w Filadelfijskim Muzeum Sztuki w Stanach Zjednoczonych, obraz ma wymiary: 100 cm wysokości i 99 cm szerokości. Ta praca jest jednym z realistycznych obrazów, które ukazują okropności hiszpańskiej wojny domowej.
Należy zauważyć, że jest to jeden z obrazów surrealistycznych, w którym historia, którą można obserwować, jest bardzo agresywna, ponieważ pokazuje horror, jaki doznał podczas hiszpańskiej wojny domowej. Tworząc tę pracę, malarz poświęcił na jej wykonanie sześć miesięcy i zaczął przed wybuchem wojny domowej. Dlatego Salvador Dalí zaczął malować rodzaj wieloczęściowej amorficznej osoby lub potwora, który dusił inne części jego ciała.
Tę figurę stanowiła noga i stamtąd rodzą się inne kończyny, które próbują rozerwać się na kawałki. W górnej części obrazu znajduje się głowa uśmiechnięta, ale oślepiona słońcem. Ta głowa jest związana ze słynnym obrazem Goi Saturn pożerający swoje dzieci, z powodu strachu, jaki wzbudza w widzach.
Zdrada obrazu (To nie jest fajka), René Magritte
Jest to dzieło wykonane w 1929 roku przez artystę René Magritte'a, uważane za malarstwo sztuki konceptualnej. Ale jest to jeden z surrealistycznych obrazów, w którym artysta chce zaprzeczyć temu, co widoczne jest na oczach widzów. Tworzy bowiem dzieło sztuki i umieszcza napis zaprzeczający temu, co widać na obrazie.
Jest to dzieło stworzone po to, by słowami po prostu zaprzeczyć temu, co jest obserwowane, iw ten sposób język, rzeczywistość i przedstawienie zaczynają być kwestionowane. Bo kiedy obserwujemy, że jest to fajka, ale nie jest używana do palenia, po prostu tak nie jest. Dlatego artysta surrealista René Magritte odsłania otchłań, jaka istnieje, gdy oddzielamy to, co widzimy od rzeczywistości. Dlatego o pracy powiedziano:
„Słynna fajka. Jak ludzie mi to wyrzucają! A jednak, czy mógłbyś to wypełnić? Nie, oczywiście, to tylko reprezentacja. Gdybym napisał w pudełku „To jest fajka”, kłamałbym!”
W ten sam sposób dochodzi się do wniosku, że w pewien sposób będą również reprezentować oszustwo do tego stopnia, że chcą coś reprezentować, ponieważ artysta stwierdził w jednym z wywiadów, których udzielił:
„Moim celem w malarstwie jest uwidocznienie myśli”
Tę pracę można zobaczyć w prestiżowym Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles w Stanach Zjednoczonych. Oryginalny tytuł pracy to „Trahison des images” Technika zastosowana do namalowania dzieła to olej na płótnie o wymiarach: 63 cm wysokości i 93 cm szerokości.
Lampa filozoficzna — René Magritte
Kolejny obraz surrealistycznego malarza René Magritte'a, ukończony w 1936 roku, jest jednym z obrazów surrealistycznych, w którym istnieje bardzo bliski związek między wyobraźnią a filozofią życia, ponieważ malarz twierdzi, że osoba w obrazie jest zamknięta między swoimi wadami a myślami.
Innym ważnym elementem obrazu „Lampa filozoficzna” jest to, że świeca zamienia się w coś wiotkiego. Praca ta znajduje się obecnie w prywatnej kolekcji, dla której artysta stwierdził na jej temat:
„Rozmyślania filozofa i rozproszenia mogą sprawić, że pomyślimy o świecie mentalnym zamkniętym w sobie, jak tutaj palacz jest więźniem własnej fajki”
Syn człowieczy — René Magritte
Według krytyków dzieło „Syn Człowieczy” jest jednym z najbardziej znanych surrealistycznych obrazów artysty René Magritte'a, gdyż namalował je jako autoportret. Na tym obrazie widać osobę w średnim wieku ubraną w płaszcz z czerwonym krawatem i elegancki melonik. Osoba stoi, aw tle widać piękne morze i zachmurzone niebo.
Chociaż w pracy wyróżnia się to, że jest to autoportret artysty. Ale jego twarz jest zakryta zielonym jabłkiem, które odsłania tylko niewielką część jego oczu. Jest to również jeden z obrazów surrealistycznych, który powstał w niezliczonych parodiach, dzięki czemu zyskał wielką sławę.
Obraz znajduje się obecnie w zbiorach prywatnych. Artysta stworzył go w 1964 roku w technice płótna, a wymiary prezentowane przez obraz to: 116 cm wysokości i 89 cm szerokości.
Godzina obserwatorium – Kochankowie, Man Ray
Będąc jednym z artystów, którzy zaczynali w ruchu dadaistycznym, a następnie zapuszczali się w sztukę surrealistyczną, jego prace nabierają ogromnej wartości dzięki temu, że chce pokazać swojej publiczności różne punkty widzenia rzeczywistości. Dlatego w roku 1934 ukończył swoją słynną pracę zatytułowaną Kochankowie, znaną również jako Godzina Obserwatorium.
W różnych realistycznych obrazach Man Raya praca ta wyróżnia się wszystkimi elementami erotycznymi. Posiadają również wiele cech, które opisuje psychoanaliza Freuda. Dlatego tę pracę wykonaną w oleju na płótnie widać w pejzażu obserwatorium miasta Luksemburg, a na niebie pojawiają się usta, które przedstawiają wiecznego kochanka.
Obecnie praca znajduje się w prywatnej kolekcji, ponieważ nabywca zapłacił za nią ok. 750 tys. dolarów na aukcji w nowojorskich galeriach. Bycie jednym z najdroższych obrazów surrealistycznych od czasu poprzedniego obrazu surrealistycznego Salvadora Dalí jest trzy razy mniej.
Równanie Szekspira, Twelfth Night, Man Ray
W 1948 roku surrealistyczny artysta Man Ray namalował obraz inspirowany sztukami Williamsa Szekspira, zwłaszcza w znanym dziele (Twelfth Night) The Twelfth Night, znanym również jako Noc królów.
Praca składa się z kilku obiektów, które nie mają ze sobą żadnego związku. Podobnie jak postacie w sztuce, z których żadna nie jest powiązana z drugą, a przez całą sztukę powstają złożone i dramatyczne wątki. Na obrazie najbardziej wyróżniającymi się obiektami są strusie jajo i rodzaj fallicznego obiektu nawiązujące do twórczości surrealistycznego artysty Man Raya.
Dzieło ma 86 cm wysokości i 75 cm szerokości i jest stale eksponowane w słynnym Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution.
Ja i wieś — Marc Chagall
Wprawdzie jest to dzieło wykonane przez malarza Marca Chagalla, w którym artysty tego nie da się zaszufladkować w żadnym nurcie artystycznym, to jednak prezentowana praca jest jednym z najbardziej znanych obrazów surrealistycznych, jakie istnieją ze względu na ilość bardzo kreatywnych i onirycznych elementów.
Jest to również obraz z 1911 roku, który zwraca uwagę widzów, ponieważ obserwowana jest twarz krowy, która jest matczynym symbolem na zielonym polu z postacią innej twarzy. Ponadto obraz jest uzupełniony różnymi symbolami codziennego pochodzenia w swoistym klimacie o wielu kolorach. Praca znajduje się obecnie w prestiżowym nowojorskim Museum of Art.
Celebes autorstwa Maxa Ernsta
Artysta Max Ernst jest również znany jako kolejny z artystów, których nie można zaliczyć do jednego ruchu artystycznego, ponieważ używał różnych technik z różnych nurtów, z których wyróżniają się dadaizm i surrealizm.
Będąc dziełem znanym jako ja i wieś jeden z surrealistycznych obrazów, w którym tworzony jest kolaż, w którym można utożsamiać się z różnymi fakturami różnych materiałów użytych przez artystę. Chociaż wielu krytyków sztuki twierdziło, że artysta dokonał kilku przypadkowych skojarzeń, aby nadać obrazowi surrealistyczne przedstawienie.
Praca ma wymiary 125 cm wysokości i 107 cm szerokości, gdzie główną postacią obrazu jest kształt przypominający słoń, ale o wielu seksualnych konotacjach. W ten sam sposób pojawia się rodzaj wieży, która przypomina falliczny symbol.
Kataloński krajobraz (Łowca), Joan Miró
Jest to jedno z dzieł surrealistycznego malarza Joana Miró, który zaczął go malować w 1923 roku, a ukończył w 1924 roku. Wykonany jest w technice olejnej na płótnie z tkaniny o wymiarach: 64 cm wysokości i 100 cm szerokości.
Będąc jednym z najważniejszych obrazów surrealistycznych ze względu na styl, w jakim malarz Joan Miró jest jednym z najwybitniejszych dzieł, a także podkreśla zestaw elementów, które obejmują katalońskiego myśliwego, trójkąt z okiem, wąsem i brodą, fajkę , barretina i ucho.
Pozostałe elementy zawarte w pracy pokazują nam, że jest to bardzo suchy, ale kataloński krajobraz, który nawiązuje do pochówku sardynek. Obecnie praca ta znajduje się w prestiżowym Museum of Modern Art w Nowym Jorku (MoMA).
Niewidzialni — Yves Tanguy
Artysta urodzony we Francji Yves Tanguy. Syn emerytowanego kapitana marynarki wojennej, który podczas pobytu w Paryżu obserwuje jeden z obrazów malarza Giorgio de Chirico i był tak zafascynowany, że postanowił poświęcić się malarstwu, dlatego zaczął studiować wszystko, co związane z dziełami sztuki i w W roku 1927 wykonał swoją paletą barw jeden z najbardziej przyciągających uwagę publiczności surrealistycznych obrazów pt. „Mamo, tata jest ranny!”.
Obecne malowidło o szarawych barwach, z różnokolorowymi przebłyskami, to obcy pejzaż pełen abstrakcyjnych postaci i innych kanciastych, wyglądających jak roztrzaskane pryzmaty. Całość wygląda nieco intrygująco.
Nieco samotny kaktus dzieła i masa dymu, wszystko to obdarzone jest cieniem projekcji światła, który zostanie zaakcentowany w pustym pejzażu dzieła, tworząc dla publiczności rodzaj tajemnicy tego, co wydarzyło się w dziele ...
Obecnie surrealistyczny obraz znajduje się na stałej ekspozycji w Museum of Modern Art w Nowym Jorku (MoMA) w Stanach Zjednoczonych i ma wymiary: 92 cm wysokości i 73 cm szerokości.
Niewidzialni — Yves Tanguy
Podobnie francuski malarz maluje kolejny z najsłynniejszych obrazów surrealistycznych, znany jako „Niewidzialni”, w roku 1951 po zakończeniu II wojny światowej i tym samym wyjechał do Stanów Zjednoczonych, aby żyć.
Chociaż ten malarz zawsze inspirował się kolekcjami innych artystów, aby tworzyć własne surrealistyczne obrazy, ta jego praca była pomysłem poety i pisarza André Bretona o idei, że istnieją niewidzialne stworzenia.
Francuski malarz zaczął malować abstrakcyjne formacje o organicznym wyglądzie, przylegające do różnych ostrych struktur. Tło surrealistycznego obrazu przedstawia mgliste i groźne niebo. Zdaniem krytyków sztuki jest to dzieło fantasmagoryczne, rozgrywające się na bezwładnym tle, ewokujące byty z innych światów, choć nie ma racjonalnego wyjaśnienia.
Praca ta znajduje się obecnie na stałej wystawie w Tate Modern Museum w Londynie w Anglii, jest wykonana w oleju na płótnie z tkaniny o wymiarach 98 cm wysokości i 81 cm szerokości.
Autobiografia zarodka — Eileen Agar
Artysta pochodzenia brytyjskiego, urodzony w Buenos Aires w Argentynie. Wykonuje pracę zwaną „Autobiografią embrionu” opartą na zestawie surrealistycznych technik, za pomocą których zaczyna dzielić płótno na cztery części, a także stosuje techniki ze sztuki greckiej.
W ten sam sposób w malarstwie surrealistycznym koncentruje się również aluzje do sztuki greckiej i renesansu.W skrócie, to, co zrobił znany artysta, ewokuje wiele kultur, czyniąc to dzieło jednym z najsłynniejszych obrazów surrealistycznych przywołujących dziedzictwo kulturowe zgodnie z definicją różnych krytyków sztuki.
Obraz znajduje się obecnie w Tate Modern w Londynie w Anglii i ma następujące wymiary: 91 cm wysokości i 213 cm szerokości. W tej pracy można również zobaczyć kilka postaci, które przypominają komórki i elementy świata biologicznego.
Co przyniosła mi woda, Frida Kahlo
To jedna z prac wykonanych przez Meksykankę i artystkę Fridę Kahlo, gdzie maluje wannę, która jest biała z niebieskimi cieniami, a woda staje się trochę mętna ze względu na dużą ilość umieszczanych przez nią pierwiastków i to, co najbardziej się wyróżnia. dziełem są jego stopy i to, jak odbijają się w wodzie.
W ten sam sposób artystka umieszcza duży korek pośrodku nóg lub nieco wyżej, podczas gdy jej palce są pomalowane na czerwono, ale duży palec u nogi odprowadza krew, która dociera do martwego ptaka. We wszystkich pracach chcemy pokazać wszystko, czego doświadczył meksykański artysta.
Obecnie praca ta znajduje się w Paryżu i należy do prywatnej kolekcji Daniela Filipacchi. Należy zauważyć, że praca została wykonana przez artystę w 1938 roku i ma następujące wymiary: 91 cm wysokości i 73 cm szerokości.
Złamana kolumna — Frida Kahlo
To kolejny z najsłynniejszych obrazów surrealistycznych, namalowany przez malarkę pochodzenia meksykańskiego w wieku 37 lat i próbującą opowiedzieć wszystko, co wydarzyło się w jej życiu po wypadku, którego doznała, gdy była jeszcze nastolatką w 1925 roku.
W tym wypadku malarka Frida Kahlo doznała złamania kręgosłupa w trzech częściach i musiała stawić czoła kilku operacjom, które musiała znosić przez całe życie.
W pracy będącej autoportretem Fridy Kahlo opowiada o wszystkim, co wycierpiała i dlatego płacze, przedstawia podzieloną na trzy części kolumnę jońską z niewygodnym szwem. Ponadto umieszcza serię gwoździ pokazujących cały ból, jaki odczuwa w każdej części swojego ciała.
Tę pracę można zobaczyć w Muzeum Dolores Olmedo w Mexico City w Meksyku. Jest to również jeden z najmniejszych istniejących obrazów surrealistycznych, mierzący 30 cm wysokości i 39 cm szerokości.
Wykwintne zwłoki
Ta praca narodziła się z gry, w którą grali artyści ruchu surrealistycznego od lat dwudziestych XX wieku, ci artyści spotkali się, aby zagrać w bardzo dziwną grę, którą nazwali „Konsekwencją”, w której każdy artysta już wnosi element do dzieła sztuki. zgodnie z zasadą należy umieścić czasownik, a następnie przymiotnik, co dało początek znanemu utworowi „The Exquisite Corpse”
Każdy z uczestników wykonał rysunek, schował go i przekazał drugiemu uczestnikowi gry. Pod koniec gry papier został odsłonięty, podając w ten sposób postać wykonaną przez wszystkich artystów, a to miało odsłonić to, co kryło się w podświadomości.
Oczy na stole, Remedios Varo
Obraz ukończony w 1935 roku, namalowany przez artystę Remedios Varo, który był pod wpływem ruchu surrealistycznego. Ta praca jest przedstawiana jako gra dla wyobraźni, ponieważ oddziela oczy od okularów z rzęsami, a wszystko to znajduje się na stole, który wydaje się unosić.
W ten sposób widz obserwuje surrealistyczny obraz, w którym oczy wydają się spoglądać spoza soczewek, aby skorygować defekt. Podczas gdy widzowie to widzą, są to nierealne okulary z rzęsami. Praca wykonana techniką gwaszu na papierze.
Haftowanie ziemskiego płaszcza, Remedios Varo
Praca wykonana w 1961 roku, będąca kolejną pracą hiszpańskiego meksykańskiego Remedios Varo, w której artysta wykonuje scenę znaną jako W stronę wieży i lotu. Ta scena jest uosobieniem, gdy artysta spędzał czas na tkaniu w klasztorze, podczas gdy ktoś inny coś czytał.
W scenie próbuje się pokazać, że wiele kobiet tkało, ale nić wyrosła z tajemniczego źródła. Obecna praca surrealistyczna została wykonana w oleju na masonicie. Praca jest utrzymana w bardzo fantazyjnej fabule, która była godna dużej wrażliwości.
Jeśli uważasz ten artykuł o malarstwie surrealistycznym za ważny, zapraszam do odwiedzenia poniższych linków: