Van Gogh creó una obra impresionante, aunque sufrió un profundo dolor emocional. Algunas de sus pinturas revelan mucho sobre su estado de ánimo y sobre su personalidad en general. Una pintura icónica que expresa tanto la agonía como el genio del artista es La Noche estrellada de 1889.
Noche Estrellada
Vincent van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en los Países Bajos. Más de siglo y medio después, el pintor holandés es considerado uno de los fundadores de la pintura moderna, y La noche estrellada es una de sus pinturas más famosas. Si bien la mayoría de los amantes del arte lo saben, es necesario reiterar que Van Gogh no fue un artista exitoso en su vida. A menudo se escuchó incluso que solo pudo vender una obra durante su vida.
Agotado por su constante miseria, el artista sufrió un colapso mental a fines de 1888, como consecuencia del cual se cortó la oreja izquierda. Unos meses después decidió ingresar voluntariamente en el hospital psiquiátrico Saint Paul de Mausole, que estaba ubicado en un antiguo convento. Fue allí donde se hizo La noche estrellada sólo un año antes de su suicidio, en un momento que se considera el más oscuro de su vida.
La noche estrellada fue adquirida a través de la propiedad de Lillie Bliss y ha estado en la colección permanente del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York desde 1941. A lo largo de los años, la pintura ha sido interpretada por varios eruditos e historiadores del arte y todavía se considera una de las obras maestras más importantes de la historia occidental.
Historia del artista
Vincent Willem van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot Zunder, un pequeño pueblo en el sur de Holanda en la familia de un pastor protestante. Los familiares describieron al niño como un niño aburrido y de mal humor con modales extraños. Sin embargo, fuera de la casa, a menudo se comportaba de manera pensativa y seria, y en los juegos mostraba buen carácter, cortesía y compasión.
En 1857 nació su hermano Theodorus, quien se convertiría en su mayor amigo y confidente. Tendrán una larga correspondencia y Theo proporcionará repetidamente ayuda financiera a su hermano. En 1864, Vincent fue enviado a un internado, donde estudió idiomas y dibujo. Sin embargo, ya en 1868 abandonó sus estudios, volviendo a su hogar paterno.
Desde 1869, el joven trabajaba como marchante en la galería de arte Goupil et Cie fundada por su tío en La Haya. Luego pasará por la sucursal de Londres y luego por la sucursal de París. Allí, el futuro artista comenzó a sentirse atraído seriamente por el arte, a frecuentemente visitaba el Louvre, el Museo de Luxemburgo, exposiciones y galerías. Pero debido a la decepción amorosa, perdió las ganas de trabajar y en cambio decidió convertirse en sacerdote como su padre.
Será predicador en un suburbio de clase trabajadora de Londres antes de emprender estudios en la facultad de teología en Ámsterdam. Abandonó esta enseñanza considerada demasiado difícil pero se mantuvo convencido de su vocación espiritual. Quiere convertirse en predicador laico. En 1879 obtuvo una misión evangelizadora en Bélgica. En 1878, Van Gogh participó en actividades educativas en un pueblo minero en el sur de Bélgica, asesorando a los feligreses y enseñando a los niños.
Acude a los mineros de Borinage y comparte sus extremadamente duras condiciones de vida. Tradujo este descubrimiento de la miseria humana en lúgubres pinturas como Los comedores de patatas. Sin embargo, la pintura siempre ha sido la única verdadera pasión de Vincent.
Argumentó que la creatividad es la mejor manera de aliviar el sufrimiento humano, que ni siquiera la religión puede superar. Pero esa elección no fue fácil para el artista: su implicación con los más modestos se considera excesiva por sus superiores y su cargo no se renueva, cayó en depresión e incluso pasó algún tiempo en un hospital psiquiátrico.
Dudando un tiempo entre la vocación artística y religiosa, opta por dedicarse a la pintura. Hoy podemos decir que tenía razón. Su estilo muy vistoso tiene una vitalidad y tensión particular que no han terminado de impresionar. De hecho, después de una fase de depresión, vuelve a la vida de artista.
En 1880, la marcha de Vincent Van Gogh a Bruselas marcó el inicio de su carrera artística. A los 27 años se matriculó en la Real Academia de Bellas Artes y empezó a trabajar en el estudio del pintor Anton van Rappard. Pero en 1881, después de otra discusión con su familia, se mudó a La Haya donde su primo Anton Mauve lo introdujo a la acuarela y luego a la pintura al óleo. A partir de entonces, Van Gogh se dedicó a la realización de paisajes y escenas campesinas y produjo su famoso cuadro Los comedores de patatas en 1885.
El mismo año se trasladó a Amberes donde descubrió la obra de Rubens, pero también Arte japonés que (1890). También fue durante su estancia en la capital flamenca cuando Van Gogh comenzó a componer su famosa serie de autorretratos. En 1886, se unió a su hermano Theo en París. Descubrió a los jóvenes pintores parisinos, el Louvre y los grabados japoneses.
Allí se integró rápidamente en el círculo de pintores impresionistas y neo impresionistas que ejercerían una influencia considerable sobre él. Conoce, entre otros, a Toulouse-Lautrec, Pissarro, Gauguin y Bernard. Al contacto y bajo su influencia, las pinturas de Van Gogh adquieren un poco de color. En contacto con ellos, Van Gogh diversificó su paleta de colores y dio a sus pinturas un toque vivo y exaltado visible en su serie de pinturas en el distrito de Montmartre o incluso en su Retrato de Père Tanguy en 1887.
Al año siguiente, su estado mental se deteriora y Van Gogh deja París para Arles. Fascinado por la luz de los paisajes de la Provenza, el pintor produjo cuadros famosos como la Habitación de Van Gogh en Arles, (1888), El sembrador al sol poniente, (1888) y especialmente sus famosos Girasoles, (1888). En 1889, el frágil estado de salud de Van Gogh lo obligó a ingresar en un manicomio en Saint-Rémy-de-Provence. Al pintar desde su ventana, produjo notablemente El dormitorio (1889-1890), así como su suntuosa Noche estrellada en 1889.
Aunque Vincent pudo hacer varias docenas de pinturas durante este tiempo, su estado mental estaba lejos de ser estable. De hecho, es cada vez más víctima de ataques de demencia. Entre 1886 y 1888, por ejemplo, Vincent Van Gogh realizó numerosos autorretratos, en forma de pinturas o dibujos simples. A lo largo de su trayectoria artística, estos autorretratos representan alrededor de cuarenta obras.
Sin embargo, el pintor holandés no se dio cuenta de nada de su estancia en Auvers-sur-Oise en un manicomio. Aún así, no dudó en representarse a sí mismo con una venda alrededor de su oreja mutilada en 1889. La historia de la oreja cortada de Vincent Van Gogh comienza en 1888. Soñando con vivir en una comunidad de artistas, invita a Gauguin a reunirse con él en Arles. Viven y pintan juntos, pero después de dos meses su relación se deteriora.
El 23 de diciembre de 1888, Vincent amenazó a Gauguin con una navaja. Esa noche Vincent, probablemente sufriendo un ataque de demencia, se mutila la oreja izquierda. Lo envuelve para ir a ofrecérselo a su amante Rachel, una prostituta. Fue hospitalizado al día siguiente. Después de un breve regreso a la Casa Amarilla, Van Gogh ingresó voluntariamente en un asilo cerca de Saint-Rémy-de-Provence en mayo de 1889. Continuó pintando, hizo algunas copias de pinturas de Millet y Delacroix, pero también obras propias como Trigos amarillos.
El pintor es víctima de violentas crisis que debilitan su memoria. Van Gogh decide regresar a la región de París, no lejos de la casa de su hermano, en Auvers sur Oise. Le sigue el doctor Gachet, amigo de los impresionistas. Este último lo cuida y aprecia su arte. Van Gogh también pintara su retrato. Creará más de ochenta pinturas en dos meses. El 27 de julio de 1890, el pintor, según la versión oficial, intentó acabar con su vida. Se disparó en el pecho y murió dos días después, luego a los 37 años.
La versión del suicidio casi nunca fue cuestionada por nadie. Después de todo, hizo que la leyenda de Van Gogh fuera más dramática. Esto sólo alimentó el interés en él y los precios de sus pinturas aumentaron. Pero esto es lo extraño. En los últimos meses de su vida, sus obras fueron una más positiva que la otra. Además, en Auvers, donde se mudó, su soledad se desvaneció. Aquí encontró muchos amigos. La gente empezó a interesarse por sus pinturas. Comenzaron a aparecer críticas favorables en la prensa.
Ahora se está considerando la versión del asesinato por negligencia (propuesta en 2011 por los escritores Naifi y White-Smith). Cuando Van Gogh regresó herido a su habitación, no llevaba pistola. Tampoco se encontraron su caballete y las pinturas con las que trabajó ese día. Al mismo tiempo, uno de los vecinos abandonó la ciudad con urgencia, llevándose consigo a dos hermanos adolescentes. En esta familia, se encontró la pistola.
Van Gogh se mostró reacio a responder a las preguntas de la policía sobre lo sucedido. Insistió en que lo hizo él mismo. Parecía que Van Gogh decidió cargar con toda la culpa para que el niño no terminara en la cárcel. Tal sacrificio estaba bastante en su espíritu. Esto es lo que hizo una vez cuando era pastor asistente. Le dio su última camiseta a un pobre. Cuidó a los pacientes con tifus sin pensar en el riesgo de infección.
Fue enterrado en el cementerio de Auvers en presencia de su hermano Théo, el doctor Gachet y el pintor Bernard. A pesar de la grave confusión interna, Van Gogh casi nunca dejó de pintar. En ocho años, produjo cerca de novecientas pinturas y mil dibujos. Su obra postimpresionista será tomada como fuente de inspiración por el fauvismo y el expresionismo.
La vista desde la sala del sanatorio
Durante su estancia en Arles, Vincent van Gogh creó algunas de sus obras maestras más famosas, como los iris y el autorretrato azul. La fecha exacta de creación de la deslumbrante noche estrellada fue el 18 de junio de 1889, lo que se puede verificar a través de una correspondencia con su hermano Theo. Otro aspecto importante contenido en las cartas de los hermanos es una descripción de cómo Vincent percibió la vista de la noche de forma aislada:
“A través de la ventana de celosía de hierro puedo ver un cuadrado de trigo en un recinto, sobre el cual puedo ver el amanecer en todo su esplendor por la mañana”.
Van Gogh pintó la vista antes del amanecer desde la ventana orientada al este de su habitación en el sanatorio, de modo que su fascinación por la noche estrellada era un efecto de la condición de Van Gogh en la que buscaba un tipo diferente de orden. Esta composición refleja su lucha interior por la supervivencia y por su razón. Cada elemento está involucrado en una tremenda amalgama de pinceladas, con la excepción del pueblo en primer plano con sus elementos arquitectónicos.
Aunque este cuadro de paisaje está lleno de estrellas, con líneas suaves que irradia un ambiente tranquilo, el cielo se presenta revuelto, como si refleja un desorden más profundo. Unos meses antes, los pensamientos suicidas y las alucinaciones de Van Gogh se habían intensificado radicalmente.
La noche estrellada es testimonio de su interior y de las turbulentas noches durante su estancia en la clínica. Van Gogh estaba fascinado por el cielo nocturno y no miraba las estrellas por primera vez. En el otoño de 1888 había pintado la noche estrellada sobre el Ródano, con toda su dulce belleza que hace soñar. La característica principal de esta pintura icónica es el examen preciso de su entorno, cuyos detalles están determinados por sus influencias internas.
En preparación, el artista estudió diferentes momentos del día y diferentes condiciones climáticas desde su visión de la institución. Los dibujos a tinta más comunes de Van Gogh se hicieron en papel en su habitación, ya que el personal del hospital le prohibió pintar en las salas comunes. El elemento pictórico unificador de todo este trabajo preparatorio es la línea diagonal que corre de derecha a izquierda, que delinea los magníficos cerros de las sierras.
Van Gogh escribió varias cartas, pero apenas mencionó La noche estrellada. Mencionó la pintura casualmente en una carta a Theo el 20 de septiembre de 1889, refiriéndose a ella como un estudio nocturno, que se incluyó en una lista de imágenes que envió a su hermano en París. En este contexto, también es importante mencionar que Van Gogh estuvo en constante debate con Emile Bernard y Paul Gauguin sobre si se debe pintar de la naturaleza o de la propia imaginación. En una carta a Bernard en 1888, Van Gogh recordó un período de tiempo viviendo con Gauguin:
“Cuando Gauguin estaba en Arles, me engañaron una o dos veces, como saben… Pero eso fue un engaño, querido amigo, y pronto te encuentras con una pared de ladrillos… Sin embargo, una vez más me engañaron para buscar estrellas que son demasiado grandes, otro fracaso, y estoy harto de eso”.
Independientemente de esta impresión de los vórtices expresionistas que dominan la parte alta de la noche estrellada, el artista declaró un año después en una carta al pintor Émile Bernard que el cuadro había sido un fracaso.
Interpretación de La noche estrellada
Muchos interpretan el significado simbólico de La noche estrellada de diferentes maneras. Algunos se inclinan a ver en la imagen una cita directa del Antiguo Testamento o del Apocalipsis. Alguien considera que la excesiva expresividad de la pintura es el resultado de la enfermedad del maestro. Todos están de acuerdo en una cosa: al final de su vida, el maestro solo aumenta la tensión interna de su trabajo.
El mundo se distorsiona en la percepción del artista, deja de ser el mismo, en él se descubren nuevas formas, líneas y nuevas emociones, más fuertes y precisas. El maestro atrae la atención del espectador hacia aquellas fantasías que hacen que el mundo que los rodea sea más brillante y menos común.
Varios historiadores del arte han examinado La noche estrellada en profundidad y algunos de ellos interpretaron el cuadro como una visión alucinante. Por ejemplo, el historiador de arte Meyer Schapiro enfatiza que la pintura fue creada como una imagen visionaria inspirada en un sentimiento espiritual mientras alude al contenido oculto de la obra y se refiere al Libro del Apocalipsis del Nuevo Testamento. Las formas giratorias en el cielo coinciden con las observaciones astronómicas publicadas de nubes de polvo y gas conocidas como nebulosas.
Sven Lovgren afirma que la pintura se hizo en un estado de gran emoción. Él caracteriza La noche estrellada como una imagen infinitamente expresiva que simboliza la unión última del artista con el cosmos. El historiador de arte Albert Boime enfatiza que la pintura muestra no sólo los elementos topográficos de la vista de la ventana de Van Gogh, sino también los elementos celestiales, ya que no solo se muestra Venus sino también toda la constelación de Aries.
Equilibrada y expresiva a la vez, la composición está estructurada por su ordenada ubicación del ciprés, el campanario y las nebulosas centrales, mientras que sus innumerables pinceladas cortas y pintura densamente aplicada ponen su superficie en movimiento turbulento. Tal combinación de contrastes visuales fue generada por un artista que encontró belleza e interés en la noche, que, para él, era «mucho más viva y rica en colores que el día»
Hay innumerables interpretaciones de La Noche estrellada, comenzando por el número de estrellas representadas. Hay once de ellas, en términos de brillo y saturación, se asemejan a la Estrella de Belén. Pero aquí está la discrepancia: en 1889 a Van Gogh ya no le gustaba la teología y no sentía la necesidad de la religión, pero la historia del nacimiento de Jesús influyó mucho en su cosmovisión.
El cielo estrellado
La luna es cegadoramente brillante como el sol. Pero esta luz se limita a una habitación bastante pequeña. No hay proyección de la luz de la luna nocturna, el cielo pintado parece absorberla. El cielo cobra vida en tonos azules, igualmente impresionantes y terroríficos. Esto forma un marcado contraste con los amarillos dorados de las estrellas y la luna. En total, son once las estrellas que componen este cielo nocturno sobre Saint Rémy de Provence. Van Gogh escribió en una carta a su hermana en el otoño de 1888,
“que ciertas estrellas son de color amarillo limón, otras son de color rosa, verde, azul, nomeolvides. No quiero entrar en más detalles, pero es obvio que de ninguna manera es suficiente poner puntos blancos sobre un negro azul si quieres pintar un cielo estrellado».
El autor logró separar el cielo de la Tierra. Uno tiene la impresión de que el movimiento activo en el cielo no afecta de ninguna manera lo que está sucediendo en la tierra. Abajo hay una ciudad adormecida, lista para quedarse dormida en un sueño tranquilo. Arriba hay corrientes poderosas, estrellas enormes y un movimiento incesante. La luz en la obra proviene precisamente de las estrellas y la luna, pero su dirección es indirecta. El resplandor que ilumina la ciudad por la noche parece aleatorio, separado del poderoso vórtice general que reina sobre el mundo.
El cielo se ondula y fluye como un río, cautivando al espectador con su energía humana. Ciertamente, hay un aspecto espiritual en La Noche Estrellada, que se refleja en las cartas de Van Gogh a su hermano en ese momento, donde habla de una “terrible necesidad de religión. Así que por la noche [él] sale a pintar las estrellas”.
Por tanto, el cielo se convierte en un medio para que Van Gogh comprenda y explore una de las creencias que más le preocupa; vida después de la muerte. Esta preocupación se destaca en la elección del color de Van Gogh, donde polvorientos malvas y tonos azul-negros llenan el cielo, una elección que se corresponde con sus otras obras como Terraza de café por la noche y Noche estrellada sobre el Ródano.
Los astrofísicos han establecido que la luna y las estrellas representadas en el cielo de Van Gogh coinciden con las observaciones astronómicas publicadas en Saint Rémy de Provence el 25 de mayo de 1889. Capella era particularmente brillante cuando Van Gogh pintó el cielo en 1889, razón por la cual podemos vea una estrella mucho más grande y luminosa en su obra.
La luna como la estrella también produce una enorme cantidad de luz, que se acentúa en la pintura debido al uso de círculos concéntricos. Sin embargo, la luz permanece en el cielo, no se extiende a los bordes de la pintura ya que el suelo permanece oscuro.
La espiral
En medio de todos los arabescos que componen su cielo nocturno, Van Gogh concentró toda circularidad en el centro del lienzo. La más importante de las espirales puede interpretarse como la escalada de su enfermedad. El artista hizo de las grandes estrellas expresivas y la luna los elementos principales del paisaje. Al pintar el cielo nocturno, utilizó una técnica especial, gracias a la cual esta pintura se convirtió más tarde en una de las obras más famosas de Van Gogh.
Los trazos largos que representan estrellas dibujan cuidadosamente espirales en las que la luz de la luna y las estrellas giran, por así decirlo. Gracias a esto, parece que se mueven por el firmamento, llevando su asombrosa luz a través de él. Van Gogh se inspiró en el arte japonés, especialmente en los grabados, en los que no solo se encuentran zonas planas de color, sino que también aparecen regularmente espirales que se cierran sobre sí mismas.
La luna y las estrellas son simplemente increíbles, se recuerdan durante mucho tiempo: rodeadas de enormes halos en forma de esferas de varios tonos: dorado, azul y blanco misterioso. Los cuerpos celestes parecen emitir luz cósmica, iluminando el cielo en espiral azul.
Es interesante que el ritmo ondulante del firmamento capture tanto la luna creciente como las estrellas más brillantes; todo es como en el alma del propio Van Gogh. La espontaneidad de La Noche estrellada es realmente ostentosa. La pintura está pensada y compuesta con mucho cuidado: parece equilibrada gracias a los cipreses y la armoniosa selección de la paleta.
Este es sin duda el primer aspecto del cuadro que capta nuestra atención. La enorme espiral giratoria envuelve la pintura como una ola. Atrae la mirada del espectador dejándolo mareado y aturdido, ofreciendo una visión de las profundidades de la delicada mente de Van Gogh. Sin embargo, ¿podría ser que esta espiral estuviera simplemente inspirada por el estudio cada vez más popular de la astronomía en el siglo XIX?
Van Gogh estaba enamorado de la astronomía y leía regularmente la revista «L’Astronomie» (La Astronomía), que fue editada por su amiga Camille Flammarion. Para representar su psique atribulada, imitó reproducciones científicas de nebulosas. Por tanto, la espiral no fue una creación inducida por la locura, sino más bien un estudio de uno de los principales intereses de Van Gogh.
El ciprés desatado
El mareo se ha apoderado de este árbol típico del sur de Francia. Sus ramas se mueven como olas, fuera de la quietud del lugar nocturno parecen funcionar como un eco del tortuoso entorno. Estos cipreses, que se elevan hacia el cielo como llamas, son una adición personal de Van Gogh.
El árbol es importante para el autor, es el único capaz de transmitir toda la energía celestial a quienes viven en la tierra. El ciprés aspira al cielo, su aspiración es tan fuerte que parece en un segundo que el árbol se separará de la tierra para unirse con el cielo. Como si lenguas de llama verde fueran ramas seculares dirigidas hacia arriba.
Considerado simbólicamente, el ciprés podría verse como un puente entre la vida, representada por la tierra, y la muerte, representada por el cielo, comúnmente asociado con el cielo. Los cipreses también se consideraban árboles del cementerio y del luto.
«Pero la vista de las estrellas siempre me hace soñar», escribió una vez van Gogh. “¿Por qué, me digo a mí mismo, deberían ser menos accesibles para nosotros los puntos de luz en el firmamento que los puntos negros en el mapa de Francia? Así como tomamos el tren para ir a Tarascón o Rúen, tomamos la muerte para ir a una estrella”
El ciprés es una característica importante de la obra y posiblemente una de las más significativas. Grueso, atormentado y elevándose como una llama, une las dos mitades de la pintura: el cielo y la tierra. La decisión de Van Gogh de colocarlo en primer plano fue significativa. El ciprés es tradicionalmente un árbol asociado con la muerte y, según Van Gogh, era la única forma de acceder a una vida más allá de la tierra.
El pequeño pueblo
A la derecha, al pie de la colina, Van Gogh representó un pequeño pueblo. Los techos de las casas reflejan la profundidad azul del cielo y las luces amarillas son visibles en las ventanas aquí y allá. A pesar de la supuesta hora tardía, se pueden ver fuentes de luz desde las casas.
Detrás de las casas hay una iglesia cuyo campanario tiene que soportar las mismas batallas que otros elementos del lienzo. El campanario de la iglesia se parece a los comunes en su Holanda natal, no en Francia. La aguja parece ser absorbida por las espirales celestiales. El campanario y la iglesia permiten a Van Gogh acentuar el poder místico y cósmico del cielo. Más allá del pueblo de Saint-Rémy-de-Provence, pintado por Van Gogh, se elevan los Alpilles, una cadena montañosa que Van Gogh vio desde la ventana de su clínica.
Según el diseño del asilo en Saint Rémy de Provence, Van Gogh solo podía ver una pequeña parcela de tierra desde su habitación. A diferencia de las estrellas, el campanario y el pueblo no fueron observados directamente por el artista, sino que fueron recreados a partir de su imaginación. Estos dos elementos están al final de la obra, ocupando solo un tercio del espacio. Han sido manipulados hasta el punto de que parece que se están moviendo, mientras que las casas rodeadas de oscuridad le dan a la pintura una calidad de vidriera.
Técnica
En esta pintura al óleo Van Gogh pintó con toques gruesos, muy visibles y algo entrecortados. Podemos suponer que el pintor construyó su pintura sobre varias capas de pintura antes del resultado final. Con esta obra quiso, como en muchas de estas pinturas, expresar un sentimiento a través de los colores y el movimiento de sus pinceles.
Podemos ver que esta pintura está dominada por tonos de azul, que representan la noche. Los verdes oscuros se utilizan para dibujar los árboles y las casas. Los únicos colores cálidos y bastante amarillos de la obra fueron pintados con pequeños toques para las luces de las ventanas, las estrellas, la luna y la voluptuosidad del cielo.
La luz principal proviene de la luna, que se encuentra en la parte superior derecha de la pintura. Realmente no hay sombras ya que el cielo mismo está iluminado por varias estrellas y el pueblo todavía tiene algunas casas iluminadas, a pesar de la hora aparentemente tardía
La técnica de realizar el cielo nocturno, la transferencia de todos los tonos necesarios al mismo tiempo, aún no se dominaba en este período. Vincent Van Gogh fue prácticamente un pionero en este campo del arte. El artista holandés utiliza una combinación de azul oscuro, diferentes tonos de amarillo, mientras agrega tonos verde oscuro, celestes y marrones. La combinación de colores impresiona por su singularidad. Todos los colores se unen y se complementan, a la vez que enfatizan la sutileza y profundidad de la imagen.
Su combinación de colores no puede dejar de sorprender con una mezcla única de azul oscuro intenso (incluso el tono de la noche marroquí), azul intenso y celeste, con el negro del verde, marrón chocolate y agua. Hay varios tonos de amarillo, que el artista toca lo mejor que puede, representando los rastros de las estrellas. Tiene el color de los girasoles, mantequilla, yema de huevo, amarillo pálido. Y la composición de la imagen en sí: árboles, una luna creciente, estrellas y una ciudad en las montañas está llena de energía verdaderamente cósmica.
Las estrellas parecen realmente no tener fondo, la luna creciente da la impresión del sol, los cipreses son más como lenguas de fuego y los rizos en espiral parecen insinuar la secuencia de Fibonacci. Cualquiera que sea el estado de ánimo de Van Gogh en ese momento, La Noche Estrellada no deja indiferente a ninguna persona que haya visto al menos su reproducción.
¿Locura de la noche estrellada?
Si bien todos los elementos de la pintura sugieren que su incesante movimiento expresa el sufrimiento de Van Gogh, podríamos ver la obra de manera diferente. Con el azul como símbolo del poder del espíritu y la tranquilidad, el amarillo como el color de la alegría y la calidez, ¿no podría esta obra ser también característica de la liberación del pintor?
Poco antes de que se creara el cuadro, Van Gogh escribió en una carta al pintor Émile Bernard: “¿Cuándo finalmente haré este cielo estrellado en el que siempre tengo que pensar?” Más allá de la locura, el dominio y control de la obra es evidente, emana de él. Todo está calculado hasta el más mínimo detalle.
Otras obras emblemáticas de Van Gogh
El pintor holandés, pionero del expresionismo, es hoy considerado una de las figuras más trascendentes de la historia del arte. La mayor colección de sus obras se puede encontrar en su Holanda natal, en particular en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, pero muchas de sus pinturas se exhiben en los museos más importantes de París, Londres y Nueva York.
Los girasoles, 1888
Este óleo es uno de los cuadros más representativos de Van Gogh, pero también uno de los más reproducidos en todas sus formas: platos, carteles, material de oficina y más. Los girasoles pertenece a una serie de pinturas sobre la misma temática, fueron pintadas después de que el artista recogiera estas flores en un campo de Arles y las dibujara a medida que se marchitaban. Se dice que Van Gogh obtuvo los característicos tonos amarillos de los pétalos como resultado de las alucinaciones visuales provocadas por el café. Era adicto a la cafeína.
La Habitación de Van Gogh en Arles, 1888
Durante el período que Van Gogh pasa en la ciudad de Arles, está en la habitación representada en este cuadro. El artista quiso representar la sencillez y tranquilidad de su habitación a través de una paleta de colores claros, que son un homenaje a la sobriedad de Japón. Hay tres versiones de esta pintura, que se describen en las cartas de Van Gogh. Podemos diferenciar las tres versiones mirando los pequeños cuadros sobre la cama.
Se dice que a causa de su epilepsia vio los colores distorsionados, lo que explicaría la abundancia de tonos amarillos y verdes en esta obra. También parece que el artista pintó la Habitación de Van Gogh en Arles bajo la influencia de una planta llamada digitalis purpurea que le ayudó a mantener el impulso.
Café en la terraza por la noche, 1888
Aquí hay otro cuadro al óleo pintado durante su estancia en Arles. El café representado en la pintura, La Terrasse, Place du Forum, tomó el nombre de Café Van Gogh. La obra está dominada por los colores cálidos (símbolo del optimismo del pintor, feliz de haber llegado al sur de Francia en busca de calma e inspiración) en contraste con las casas a la sombra y el cielo estrellado de fondo.
Autorretrato con sombrero de paja, 1887
Van Gogh pintó más de treinta autorretratos, incluido Autorretrato con sombrero de paja, en el que los tonos son claramente amarillos. La pintura también se caracteriza por la luz típica del impresionismo. Este autorretrato fue creado en un momento en que Van Gogh se sentía abrumado en París.
A menudo confundido después de beber litros de alcohol en una ciudad frenética como la capital francesa, necesitaba escapar a un lugar tranquilo (y eligió Arles, gracias a la influencia de Gauguin) para el que hizo él su retrato con sombrero de paja y una mirada comunicando la opresión que deseaba acabar.
Los comedores de patatas, 1885
Los comedores de patatas es considerada la primera obra importante de Van Gogh. Artista en gran parte autodidacta, Van Gogh quería crear una obra maestra para demostrar que se ha convertido en un buen pintor de personajes. Por lo tanto, eligió deliberadamente una composición compleja.
Tal y como el propio pintor explicó en una carta a su hermano Theo, en este cuadro pintado en la localidad holandesa de Nuenen, quiso representar a verdaderos campesinos comiendo las patatas que cultivaban con sus propias manos para transmitir honestamente la dura vida en el campo. Entonces en la pintura podemos ver a un grupo de cinco modestos campesinos en la oscuridad, a punto de cenar.
La silla de Van Gogh, 1888
La silla de Van Gogh va de la mano con La Silla de Paul Gauguin. Ambos cuadros fueron hechos por Van Gogh durante su estancia en la Maison Jaune de Arles, donde se reunió con su amigo Paul Gauguin. Fue luego de una discusión con él que Van Gogh se cortó el lóbulo de la oreja y Gauguin regresó a París. El artista decidió más tarde plasmar las diferencias entre ambos hombres pintando las dos sillas. La suya, una sencilla silla de paja con pipa y un poco de tabaco, hecha a través de duras pinceladas y tonos ocres y azules, evoca la pena que sintió en ese momento.
Descanso al mediodía, 1890
Inspirado por La Siesta de Millet, Van Gogh pintó este cuadro en el sanatorio Saint-Rémy en un momento en el que no tenía temas propios. Reinterpreta la obra de Millet reinventando una escena de descanso en el campo con sus característicos colores y pinceladas, sin dejar de ser fiel a la composición original.
El Molino de la Galette, 1886-1887
El paisaje y los molinos de Montmartre son el tema y la inspiración de una serie de pinturas de Van Gogh. El Molino de la Galette fue el escenario de un baile al aire libre que se ubicó entre dos molinos en Butte Montmartre y cerca del apartamento que compartió con su hermano pequeño, Theo, entre 1886 y 1888. El Molino de la Galette acogió e inspiró a muchos artistas de la época, como Corot, Toulouse Lautrec y Renoir.
Jarrón con quince girasoles, 1888
Uno de los cuadros de girasoles que Van Gogh pintó en Arles en agosto de 1888. Utilizando un amplio espectro de amarillos que fue posible gracias a la invención de nuevos tintes, Van Gogh presenta girasoles en cada etapa de su vida (de floración a marchitez). Van Gogh quería decorar el dormitorio de su amigo, Paul Gauguin, en la casa amarilla, una casa que alquilaba en Arles. Van Gogh y Gauguin trabajaron juntos en la casa amarilla entre octubre y diciembre de 1888.
Rosal en flor, 1889
Van Gogh vio estas rosas en el jardín del manicomio de Saint Rémy de Provence, donde fue internado en mayo de 1889, tras su paso por Arles. Las distintas e intensas pinceladas de este cuadro estarán presentes en las obras que realizará hasta el final de su vida.
El viñedo rojo cerca de Arlés, 1888
Realizado en Arles en noviembre de 1888, este cuadro representa la cosecha en el campo de Arles. Se dice que La El viñedo rojo cerca de Arlés es la única pintura vendida públicamente por Van Gogh durante su vida, pero este es un hecho actualmente en disputa.
Los Lirios, 1889
Los Lirios es uno de los muchos estudios florales que Van Gogh realizó durante su estancia en el manicomio de Saint Rémy de Provence. A pesar de que Van Gogh consideraba esta pintura como un estudio, su hermano Theo entendió que era una pintura importante. Por lo tanto, lo presentó a la exposición anual de la Société des Artistes Indépendants en septiembre de 1889.
Retrato de Camille Roulin, 1888
El retrato de la joven Camille Roulin forma parte de una serie de retratos modernos que Van Gogh realizó durante su período en Arles entre 1888 y 1890. Camille era la hija menor de Joseph Roulin, cartero de la ciudad y amigo de Van Gogh. En lugar de crear retratos realistas o fotográficos, Van Gogh empleó colores vivos y líneas expresivas para provocar las emociones del espectador.
Ramas de almendros en flor, 1890
El cuadro fue pintado por Van Gogh como regalo a su hermano, que tenía un hijo. Fue nombrado en honor a su tío Vincent. Van Gogh quería que los padres jóvenes colgaran el cuadro sobre la cama. Las almendras en flor significan el comienzo de una nueva vida. La imagen es muy inusual. Es como estar debajo de un árbol y mirar las ramas. Que se extienden contra el cielo.
La pintura es decorativa. Pero esto es lo que Van Gogh se esforzó en muchas de sus obras. Los creó para decorar las casas de la gente común con medios modestos. Apenas imaginaba que sus pinturas estarían disponibles solo para los muy ricos. Seis meses después de la realización de Ramas de almendros en flor, Van Gogh morirá. Según la versión oficial, fue un suicidio.
A continuación le dejamos algunos enlaces de su interés: