Vet hva postmoderne kunst består av

Oppfattet av sine skapere og tilhengere som en bred trend innen kunst som gjenspeiler søken etter nye betydninger av samtidskunstnere, postmoderne kunst  er svaret i denne søken på krisen i klassisk kultur.

POSTMODERN KUNST

postmoderne kunst

Det antas at på XNUMX-tallet fant den såkalte "death of the super fundamentals" sted: Gud, menneske og forfatter. Det religiøse grunnlaget ble med andre ord rystet, en krise med humanistiske ideer oppsto, og skaperne gikk fra å skape en ny til å tenke nytt om den gamle.

Postmodernisme i kunst er en del av en global trend som har blitt omfavnet av verdenskultur og filosofi. Postmodernismen er ikke en enkelt stil, men et kompleks av retninger, forent av et felles ideologisk grunnlag. Mange av dem kjemper til og med mot hverandre.

Postmodernisme er et begrep som stammer fra det franske språket (postmodernisme). Dette navnet gjenspeiler betydningen av retningen som erstattet kunsten fra modernismens æra (ikke å forveksle med modernisme). På slutten av XNUMX- og begynnelsen av XNUMX-tallet ga modernistiske (eller avantgarde) bevegelser et tungt slag for klassisk kunst. Men gradvis sluttet skaperne å være fornøyd med modernistiske tilnærminger.

Parallelt med en mengde nye teknologiske utviklinger har postmodernismen ført til kunstneriske eksperimenter med nye medier og nye kunstformer i nesten fem tiår, inkludert konseptuell kunst, ulike typer performance og kunstinstallasjoner, og datastrømmer som dekonstruktivisme og teknologi. .

Kjennetegn på postmodernismen

Jean-François Lyotard og andre teoretikere beskriver modernitetens åndelige grunnlag som en urokkelig tro på en jevn fremgang av stadig mer detaljert komprimerbarhet av verden og gradvis tilnærming til perfekt kunnskap. De totalitære systemene på XNUMX-tallet diskrediterte permanent den absolutte karakteren til slike modeller.

POSTMODERN KUNST

Her er årsakene til behovet for å definere postmodernisme som et bevisst brudd med moderniteten. Postmodernismen avviser ikke bare den moderne fremskrittstroen, men også eksistensen av en forståelig objektiv virkelighet. Postmoderne teori og estetikk antar at all kunnskap, all persepsjon og hvert område av bevissthet og eksistens er underlagt relativitet. Et nøkkelbegrep for postmodernisme er pluralitet.

Modernitetens ønske om å stadig skape noe nytt, og de kunstneriske virkemidlene som brukes for å oppnå det, blir sett på som automatisert, etablert og foreldet i postmodernismen. Prinsippet om at ikke noe nytt kan skapes, gjør bruk av sitater til et vesentlig stiltrekk ved postmoderne kunst.

Kravet om åpenhet i kunstbegrepet og det individuelle kunstverket åpner for nesten ubegrensede muligheter på den ene siden: postmodernismen åpner for en rekke nye uttrykksformer ved å krysse sjangerens grenser.

En ofte brukt teknikk i den postmoderne tiden er collage. Dette begrepet, laget på begynnelsen av XNUMX-tallet for Dada-klistremerker, er mye bredere i den postmoderne tiden. Det inkluderer for eksempel storstilte installasjoner, filmteknikker eller musikalske komposisjonsprosesser.

Forfattere som Umberto Eco (Rosens navn), arkitekter som Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Wien) og kunstnere som Keith Haring prøver å bygge bro mellom elitistisk kunstforståelse og massekultur; også dette er et vesentlig aspekt ved postmoderne estetikk.

Mange postmoderne verk, spesielt innen scenekunst, ønsker ikke å bli forstått som et perfekt resultat, men som et eksperimentelt arrangement. Presentasjonen vil være fragmentarisk (litteratur: Roland Barthes, Fragments of a language of love) eller et arbeid som pågår (danseteater: William Forsythe, Scotts skuespill) på ulike stadier av utviklingen.

POSTMODERN KUNST

Kunstkritikere gir ulike svar på spørsmålet om hva som er postmodernisme i maleriet, siden postmoderne kultur er et mangefasettert fenomen og ikke har en klar ideologisk plattform. Postmodernister skapte ikke en universell kanon, dessuten nektet de å lage en i prinsippet. Kanskje den eneste grunnleggende verdien erklært av tilhengere av denne trenden er uendelig ytringsfrihet.

Postmodernismen er ikke en bevegelse, men en generell måte å tenke på. Derfor er det ingen enkelt liste over egenskaper som definerer «postmoderne kunst». Imidlertid er det en rekke kjennetegn som er karakteristiske for postmoderne kunst:

  • Ubegrenset og absolutt frihet for kunstneren i valg av metoder for selvuttrykk.
  • Tenk på tradisjonelle bilder på nytt, inkludert dem i en ny kontekst (derav den brede distribusjonen av nyinnspillinger, tolkninger, kunstneriske sitater, lån, hentydninger).
  • Synkretisme, det vil si sammensmeltingen av heterogene elementer til en enkelt helhet, som noen ganger til og med motsier hverandre (for eksempel bruken av forskjellige stiler av kunstneren i et maleri, eller til og med en kombinasjon av maleri med andre typer kunst).
  • Dialog, det vil si et blikk på motivet fra ulike vinkler, fra posisjonen til ulike «stemmer», som til slutt skaper en polyfon «symfoni».
  • Presentasjonsform av verket, invitasjon av betrakteren til å bli med i arbeidet med meninger.
  • Sjokkerende kreativitet.
  • Forfatterens ironi og selvironi. Kunstnere er nå mye mer skeptiske til «store ideer» (f.eks. at all fremgang er god).
  • Postmodernisme er et uttrykk for en utbredt misfornøyelse med livet og kraften til eksisterende verdisystemer og/eller teknologier for å få til positiv endring. Som et resultat har autoritet, erfaring, kunnskap og motivasjon falt i vanry.
  • Moderne kunst ble ikke bare sett på som elitær, men også som hvit (i betydningen hudfarge), mannsdominert og uinteressert i minoriteter. Dette er grunnen til at postmoderne kunst tar til orde for kunst av tredje verdens kunstnere, feminister og minoriteter.

POSTMODERN KUNST

Postmoderne, samtids- og senmoderne kunst

Som hovedregel brukes postmoderne kunst og samtidskunst mer eller mindre synonymt. Men fra et teknisk synspunkt betyr postmoderne kunst «etter moderniteten» og viser til en fast periode som begynner rundt 1970, mens samtidskunsten hovedsakelig refererer til den skiftende perioden på rundt femti år rett før XNUMX-tallet.

For tiden faller disse to periodene sammen. Men i år 2050 kan postmoderne kunst (f.eks. fra 1970-2020) ha blitt avløst av en annen æra, men samtidskunsten dekker da perioden frem til det året.

I billedkunst refererer begrepet senmoderne til bevegelser eller trender som avviser ett aspekt ved moderne kunst, men som ellers forblir i modernitetens tradisjon. Stiler som abstrakt ekspresjonisme (1948-65) ble praktisert av en rekke radikale moderne kunstnere, inkludert Jackson Pollock og Willem De Kooning, som motsatte seg mange av de formelle konvensjonene innen oljemaleri.

Og likevel, verken Pollock eller de Kooning kunne ha produsert noe som Rauschenbergs Erased De Kooning Drawing, ettersom de begge var sterkt troende på begrepene autentisitet og mening.

Postmoderne kunsts historie

Den første betydningsfulle kunststilen etter renessansen var akademisk kunst, undervist av professorer ved akademiene. I akademisk kunst går mange stiler og strømninger sammen, som klassisisme og romantikk. Fra 1870, med impresjonismens ankomst, dukket moderne kunst opp. De første trekkene dukket opp rundt 1970, som nå oppsummeres som postmoderne kunst.

POSTMODERN KUNST

Moderne kunst er for det meste assosiert med 1870-1970-tallet, fra impresjonisme til popkunst, for eksempel. Til tross for ulike globale katastrofer (første verdenskrig, influensa, Wall Street-krakket og den store depresjonen) som undergravde mange av datidens moralske sikkerheter, opprettholdt moderne kunstnere generelt en tro på de grunnleggende vitenskapelige naturlovene, fornuft og rasjonell trodde.

Generelt, som de fleste vestlige på den tiden, trodde de at livet hadde mening. At vitenskapelig fremgang automatisk var positiv, at det kristne vesten var resten av verden overlegen, at menn var kvinner overlegen. Modernismen trodde også på kunstens betydning, relevans og fremgang, spesielt kunst og arkitektur.

I fotsporene til Leonardo og Michelangelo trodde de på høy kunst, kunst som løfter og inspirerer den utdannede betrakteren, og ikke «lav kunst» som bare underholder massene. De tok en progressiv tilnærming og så på kunst som noe som burde være i konstant utvikling, guidet av en ledende gruppe avantgarde-kunstnere.

Andre verdenskrig og Holocaust snudde opp ned på alt. Paris ble plutselig erstattet av New York som hovedstaden i kunstverdenen. I etterkant av krigens grusomheter virket plutselig all figurativ kunst irrelevant, så moderne malere vendte seg til abstrakt kunst for å uttrykke seg.

Overraskende nok fremmet New York School, med maleriene til Jackson Pollock og det roligere fargefeltmaleriet til Mark Rothko, en midlertidig gjenopplivning i kunsten på begge sider av Atlanterhavet på 1950-tallet. Avantgarde-malere lyktes i å redefinere grensene for abstrakt maleri, men holdt seg innenfor modernitetens grenser. De trodde på å skape autentiske, ferdige kunstverk med betydelig innhold.

POSTMODERN KUNST

Men moderniteten gikk uunngåelig mot slutten. De økende avsløringene av Shoah, atombombetestene, Cubakrisen og Vietnamkrigen gjorde folk stadig mer desillusjonert over livet og kunsten.

Jasper Johns og Robert Rauschenberg hadde allerede produsert de første postmoderne verkene til Neo-Dada og Pop Art på midten av 1950-tallet. Snart ville mainstream popkunst innlede postmoderne kunst selv, ettersom amerikanske TV-nettverk fokuserte på Tet-offensiven i 1968 og den kaotiske Demokratisk nasjonalkonvensjon av 1968.

Fra denne tidens gang i kunsthistorien kan også holdningen til kunst fra kunstnerens og publikums side etableres. Nåtidens kunstnere og seere bestemmes ikke av de gamle ideene til undervisnings- og giverinstitusjoner om hva kunst er og hva kunst kan være. Kunstens muligheter og anvendelser har blitt mer mangfoldige uten å måtte tvinge deg inn i et bestemt korsett.

Moderne arkitektur ble påvirket av ønsket om å skape en helt ny stil for det moderne mennesket. Arkitektene ønsket å fjerne alle historiske referanser og skape noe helt nytt. Dette førte til den internasjonale stilen (ca. 1920-1970), en minimalistisk design av regularitet.

Heldigvis, rundt 1970, begynte postmoderne arkitekter å revitalisere det XNUMX. århundres arkitektur ved å designe strukturer med interessante trekk hentet fra populærkulturen og mer tradisjonelle arkitektoniske stiler. Strukturer som ser ut til å unngå tyngdekraften er også blitt muliggjort av nye datastyrte muligheter innenfor rammen av dekonstruktivismen.

Den postmodernistiske bevegelsen tok form på 1960- og 1970-tallet, men forutsetningene for dens fremvekst er knyttet til en verdensbildskrise som oppsto lenge før. Blant dem: Spenglers avhandling om Europas forfall; kollaps av offentlig bevissthet på grunn av første verdenskrig; opptreden i vitenskapen av ideer om inkonsekvensen og tvetydigheten i verdensordenen (fra ikke-euklidsk geometri til kvantefysikk).

Begrepet postmoderne var allerede i bruk på slutten av 1950-tallet og deretter i økende grad på begynnelsen av 1970-tallet, men først på 1979-tallet i betydningen dets nåværende betydning. På slutten av XNUMX-tallet bidro to forfattere hovedsakelig til å etablere begrepet som en fast inventar: Jean-François Lyotard med sitt verk La Condition postmoderne (Postmodern Knowledge, XNUMX) og Charles Jencks med essayet The Rise of Postmodern Architecture. .

Med introduksjonen av begrepet postmoderne blir modernismen for første gang definert som en lukket historisk epoke (som antikken eller middelalderen før den). Postmoderne har blitt etablert som et stilistisk begrep, spesielt innen arkitektur.

Postmodernister konkluderte med at den moderne verden ikke kan beskrives innenfor rammen av klassiske tilnærminger til filosofi, vitenskap og kultur. Følgelig er de klassiske kunstmetodene ikke tilstrekkelige til å beskrive den.

Bruk av teknologi

Tiden med postmoderne kunst falt sammen med introduksjonen av flere nye visuelle teknologier (som TV, videoer, Internett, blant andre) og drar stor nytte av dem. Det nye utvalget av video- og fotoformater har redusert betydningen av tegnekunsten, og manipulering av nye teknologier har gjort det mulig for kunstnere å forkorte de tradisjonelle prosessene med å skape kunst, men likevel skape noe nytt.

POSTMODERN KUNST

Postmoderne kunstbevegelser og stiler

Så langt har det ikke vært noen store internasjonale kunstbevegelser innen postmoderne kunst. I stedet så æraen fremveksten av en rekke smale, lokaliserte bekker, samt flere helt nye kunstformer, som video og ordmaleri.

I tillegg har det vært dusinvis av kunstfraksjoner, samt et anti-postmoderne senter eller to hvis medlemmer har forsøkt å produsere den typen kunst som Michelangelo eller Picasso ville vært stolte av.

Siden nydadaismen har postmodernister likt å blande ting sammen, eller bringe nye elementer til tradisjonelle former, for å skape nye kombinasjoner. Fernando Botero maler primitive bilder av overvektige figurer, Georg Baselitz maler figurer opp ned.

Gerhard Richter kombinerte kamerakunst og maleri i sine fotografiske malerier fra 1970-tallet, mens Jeff Koons kombinerte forbrukerorienterte bilder med sofistikerte skulpturteknikker for å lage sine rustfrie stålskulpturer.

Andreas Gursky kombinerer fotografi med datagenererte bilder for å lage verk som Rhein II, mens Jeff Wall bruker digitalt bearbeidede fotomontasjer i sine postmoderne bildekreasjoner.

Det er ingen konsensus blant kunstkritikere om hvilke kunststiler som kan klassifiseres som postmoderne kunst: for eksempel er noen stiler samtidig klassifisert som avantgarde og postmoderne. Likevel kan følgende liste over bevegelser og stiler innen postmodernisme skilles:

dadaisme

Dadaister mente at brutaliteten under første verdenskrig som rystet Europa, og brakte smerte og lidelse til millioner av mennesker, var et produkt av logikk og rasjonalisme. Av denne grunn fremmet de med sin kreativitet ødeleggelsen av estetiske kanoner, kynisme, systematikk, irrasjonalitet.

POSTMODERN KUNST

Collage ble den viktigste kreative metoden til dadaistiske kunstnere. Lerretet eller papiret fungerte som bakteppet som kunstneren skapte en collage ved å bruke tøyrester, papirrester og andre materialer.

Dada eksisterte i relativt kort tid: fra 1916 til 1923. Dette skyldes det faktum at dens ideologiske plattform var pasifistisk patos som motarbeidet realiteten i første verdenskrig. På 1920-tallet fusjonerte Dada med ekspresjonismen i Tyskland og med surrealismen i Frankrike.

Pop Art

Pop art (pop art) er en stil som overførte forbrukerkulturen til kunstfeltet og lærte menneskeheten å se skjønnhet i trettitre bokser med suppe. Popkunst må ikke forveksles med populærkultur. Forfatterne betraktet massekultur som et objekt, akkurat som en portrettist ser på en modell eller en landskapskunstner: i naturens favn.

Temaet massekultur, som kunstnerens blikk falt på, ble forvandlet til noe originalt: et kunstobjekt brutt gjennom kunstnerens tolkning. Fra et kunstnerisk synspunkt appellerte denne stilen til materialitet, objektivitet, i motsetning til en annen populær trend, abstraksjonisme. Popkunst ble født i kampen mot kreativiteten til abstraksjonistene og innvarslet en retur til visningen av spesifikke objekter på lerretet.

I seg selv er appellen til hverdagslige ting ikke ny for maleriets historie. Stilleben er tross alt en kunstners syn på objektene rundt. Faktisk er det ikke stor forskjell på Caravaggios vase og Warhols grønne Coca-Cola-flasker. Men popkunsten hadde sitt eget konseptuelle særpreg: kunstnere tok ikoniske gjenstander og bilder fra massekulturen, som de nå ville kalle «memes».

POSTMODERN KUNST

I tillegg ga de oppmerksomhet ikke bare til objekter, men også til bilder; et typisk eksempel er Warhols Marilyn Diptych. Det er ikke å nekte for det faktum at popkunst bidro til å bekrefte den amerikanske drømmen, legitimere forbrukersamfunnet og den tilsvarende livsstilen. Samtidig la det grunnlaget for en kritikk av forbruksfilosofien, som senere skulle få styrke.

Word Art

Begrepet Word Art beskriver en kategori av postmoderne tekstbasert kunst av ulike samtidskunstnere som har vært tilstede siden 1950-tallet. En enkel definisjon av tekstbasert kunst kan være "kunst som inkluderer ord eller uttrykk som en kunstnerisk komponent."

Tekstbaserte bilder som inneholder ord og uttrykk har blitt publisert i en rekke medier, inkludert maleri og skulptur, litografi og silketrykk, samt brukskunst (t-skjorter, krus). Det dukker også opp i de nyeste formene for samtidskunst, som projeksjonskartlegging.

Konseptuell kunst

Konseptualisme (fra det latinske konseptet: tanke, representasjon) er en postmoderne strømning i kunsten, som forkynner overherredømmet til ideen om et verk over formen til dets kunstneriske uttrykk. Tilhengere av konseptualismen er overbevist om at deres malerier, skulpturer, installasjoner og forestillinger ikke skal fremkalle følelser hos betrakteren, men et ønske om å tenke intellektuelt om det de så.

Konseptualisme er ikke en kommersiell kunst, i den kan gjenstandene for kreativitet være alle husholdningsartikler, naturlige materialer og til og med deler av det menneskelige miljøet. Den konseptuelle kunstneren søker ikke å skape et ferdig verk, men prøver å formidle ideene sine til betrakteren, å engasjere seg i et slags intellektuelt spill.

POSTMODERN KUNST

Konseptkunstverk har særpreg. Disse verkene kan identifiseres ved følgende egenskaper: påvirke ikke den emosjonelle, men den intellektuelle oppfatningen til betrakteren; hyppig bruk av forklarende tekst til arbeidet; kunstnerens bevisste avvisning av formens betydning til fordel for betydningen av verkets mening (ide); lage kunstobjekter fra ethvert objekt som er tilgjengelig for forfatteren.

Performance Art og Happenings

Happenings er en avantgardistisk kunstform, en type kreativt uttrykk, nært knyttet til performancekunst, som har sitt grunnlag i teoriene om konseptuell kunst på 1896-tallet, i stor grad hentet fra demonstrasjonene av Dada-representanter. , så vel som Tristan Tzara (1963-XNUMX). I praksis er det ikke lett å skille mellom Performance Art og Happenings.

Begge er nøye planlagte former for underholdning (om enn med elementer av spontanitet) der artisten fremfører (eller styrer) en kunstnerisk teatralsk begivenhet. Noe lettere å se enn å beskrive med ord.

Uansett er en Happenings et spontant stykke performancekunst som faller et sted mellom drama og billedkunst og vanligvis inviterer og utløser sterk respons fra publikum.

På grunn av sin Dada-stil med forgjengelighet, ble den opprinnelig tenkt som et radikalt alternativ til tradisjonelle håndverksprinsipper og som et "permanent kunstobjekt". En fullstendig forklaring på denne nye postmoderne kunstformen kan leses i Michael Kirbys bok 'Happenings' (1965).

Denne typen kunstbegivenheter ble spesielt assosiert med kunstscenen i New York rundt 1960 og er fortsatt omtalt i de beste samtidskunstgalleriene rundt om i verden.

POSTMODERN KUNST

Abstrakt kunst

Abstraksjonisme er en stil av maleri og kunst generelt, som avviser den realistiske gjengivelsen av omverdenen. Hans tilhengere representerer enkle og komplekse former, leker med farger, bruker linjer, fly og andre objekter, og kombinerer dem for å skape visse følelser hos betrakteren. Dette er hvordan hans tilnærming skiller seg fra den som brukes av mestere som holder seg til klassisisme og mange andre stiler.

Ved første øyekast kan et maleri av en abstraksjonist virke som et kaotisk virvar av linjer, former og flekker. Ved nærmere undersøkelse blir det klart at kunstneren har skapt en hel komposisjon designet for å vekke bestemte tanker eller stemninger hos betrakteren.

Abstraksjonismen, slik den utviklet seg, ble stratifisert i flere retninger, som hver hadde sine egne representanter. Det var stiltyper som:

  • Geometrisk. I verkene til kunstnere utført i denne stilen råder klare former og linjer, mange av dem skaper en illusjon av dybde.
  • Mestere som følger denne retningen jobber aktivt med farger og deres kombinasjoner; det er gjennom dem de formidler følelsene de ønsker å skape hos publikum.
  • Essensen av denne malerretningen er i fullstendig fravær av referanser til virkelige objekter og ekstremt begrenset bruk av farger, former og linjer.
  • Kunstnere som jobber i denne retningen streber etter å bringe dynamikk, bevegelse til verkene sine, der de formidler følelser og sensasjoner. Samtidig forsvinner skygger, linjer og former inn i bakgrunnen.

montering

Assemblage er en dekorativ og anvendt kunstteknikk der kunstneren lager et relieffbilde ved å lime tredimensjonale deler eller gjenstander til en flat base. I monteringsteknikken er det også tillatt å bruke maling for et billedlig tillegg til en kunstnerisk komposisjon.

Assemblage, i motsetning til dens relaterte collage, er en type teknikk for å feste tredimensjonale, snarere enn todimensjonale (flate) elementer til frontoverflaten av bildet. Takket være bruken av volumetriske detaljer er bildet så realistisk og visuelt effektivt som mulig.

Profesjonelle kunstnere bruker ofte husholdningsrester og søppel for å lage sine egne originale kunstverk. I mesterens hender blir et stort antall spredte hverdagsobjekter til en kunstnerisk komposisjon full av dypt estetisk innhold.

I dag tiltrekker verk laget ved hjelp av assemblage-teknikken alltid oppmerksomheten til kjennere av samtidskunst. De forårsaker ofte voldsom kontrovers blant kritikere, men de lar ingen være likegyldige, og gir derfor et stort bidrag til utviklingen av verdenskulturen.

Fluxus

Fluxus var en løst organisert gruppe kunstnere som spredte seg over hele verden, men som hadde en spesielt sterk tilstedeværelse i New York City. George Maciunas er historisk sett ansett som hovedgrunnleggeren og arrangøren av bevegelsen, som beskrev Fluxus som en fusjon av Spike Jones, Vaudeville, Cage og Duchamp.

POSTMODERN KUNST

I likhet med futuristene og dadaistene før dem, avviste Fluxus-kunstnerne kunstmuseenes autoritet til å bestemme verdien av kunst. De antydet også at det ikke er nødvendig å ha spesialutdanning for å se og forstå et kunstverk.

Fluxus ønsket ikke bare at kunst skulle være tilgjengelig for massene, de ville at alle skulle skape kunst hele tiden. Det er ofte vanskelig å definere Fluxus, da mange av dets egne artister har hevdet at selve handlingen med å definere bevegelsen allerede er for begrensende og reduktiv.

I motsetning til tidligere kunstbevegelser prøvde Fluxus å endre verdenshistorien, ikke bare kunsthistorien. Det seige målet til de fleste kunstnere har vært å utrydde enhver grense mellom kunst og samfunn.

En sentral grunnsetning i Fluxus var å forkaste og latterliggjøre eliteverdenen av "høy kunst" og finne alle mulige måter å bringe kunst til massene, i tråd med det sosiale klimaet på 1960-tallet. Fluxus-artister brukte humoren til å uttrykke sin hensikt og , sammen med Dada, var Fluxus en av få kunstbevegelser som var i stand til å gå på stram tau.

Til tross for deres lekne oppførsel, var Fluxus-kunstnere seriøse med ønsket om å endre maktbalansen i kunstverdenen. Hans mangel på respekt for høy kunst hadde innvirkning på museets oppfattede autoritet som autoritet for hvem og hva man skulle anse som kunstnere.

Fluxus engasjerte betrakteren og stolte på tilfeldighetselementet for å forme det endelige resultatet av kunstverket. Tilfeldighetenes bruk ble også brukt av Dada, Marcel Duchamp og andre datidens performancekunstnere. Fluxus-artister var sterkt påvirket av ideene til John Cage, som mente at man burde nærme seg et stykke uten anelse om sluttresultatet. Det som var viktig var skapelsesprosessen, ikke sluttproduktet.

POSTMODERN KUNST

Videokunst

Video er et av de mest allsidige mediene som finnes. En videofilm kan være selve kunstverket og/eller en registrering av hvordan kunstverket ble laget; det kan også være et element i en installasjon og/eller en del av et multippelvideoarrangement. Video gjør kunst mer dynamisk og livlig. Siden slutten av 1980-tallet har både video og animasjon vært avhengig av bruk av dataprogramvare for å manipulere bilder.

fotorealisme

Fotorealisme er en sjanger av maleri som dukket opp på slutten av 1960-tallet som svar på den økende populariteten til abstraksjon. Siden den gang har fotorealistiske malerier med sin enorme oppmerksomhet på detaljer gitt optiske illusjoner som bare kan konstateres på nært hold som malte bilder av den fotografiske originalen.

I stedet for å observere og representere det som skjedde i virkeligheten, ble fotorealismen inspirert av fotografiet. Visuell informasjon fanget av et kamera brukes til å lage illusjonistiske malerier, tegninger og andre kunstverk. Kunstnere projiserer ofte bilder på lerret slik at bildene kan gjengis med presisjon og detaljer.

Povera Art

Arte Povera (fra det italienske uttrykket for "fattig kunst" eller "fattig kunst") var en av de viktigste og mest fremtredende avantgarde-kunstbevegelsene som dukket opp i Sør-Europa på slutten av XNUMX-tallet.

Dette inkluderte arbeidet til et dusin italienske kunstnere hvis viktigste kreative trekk var bruken av hverdagslige materialer som minner om en førindustriell tid. Smuss, steiner og klær var spesielt populære: «avfall» eller billige materialer som de brukte til kunsten sin. Denne tilnærmingen til kunst angrep rådende forestillinger om verdi og korrekthet og kritiserte subtilt industrialiseringen og mekaniseringen av Sør-Europa på den tiden.

POSTMODERN KUNST

Arbeidene hans markerte en reaksjon på det abstrakte maleriet av modernismen som hadde kontrollert europeisk kunst i det foregående tiåret, som han skilte seg fra ved å fokusere mer på skulpturelt arbeid enn maleri.

Noen av gruppens mest betydningsfulle verk ble skapt gjennom kontrasten mellom råvarer og samtidige referanser til fremveksten av forbrukerkultur. Overbevist om at moderniteten truet med å utrydde kollektiv arv, forsøkte Arte Povera å sette det nye i kontrast til det gamle.

I tillegg til å avvise den teknologiske konkurransen, avviste kunstnerne knyttet til Arte Povera det de oppfattet som vitenskapelig realisme. I motsetning til en metodisk tilnærming til romlige forhold, fremkalte de en myte hvis hemmeligheter ikke var lett å forklare.

Kunstnerne presenterte absurde og lekne sammenstillinger, ofte av det nye og det gamle eller det høyt bearbeidede og det førindustrielle. Ved å gjøre det har de illustrert noen av effektene av modernisering som bidrar til ødeleggelse av steder og minner etter hvert som den beveger seg lenger inn i fremtiden.

Arte Poveras interesse for dårlige materialer kan knyttes til flere andre kunstbevegelser på 1950- og 1960-tallet. For eksempel delte de noen teknikker med bevegelser som Fluxus og Nouveau Réalisme i deres kombinasjon av lett tilgjengelige materialer med en underskjæring. funksjon.

postminimalisme

I post-minimalistisk kunst, et begrep som først ble brukt av kunstkritiker Robert Pincus Witten, skifter fokus fra ideens renhet til formidlingen. Som et eksempel kan du se verkene til den tysk-amerikanske kunstneren Eva Hesse.

feministisk kunst

En kunstnerisk bevegelse som tar for seg spesifikke kvinnespørsmål som fødsel, vold mot kvinner, kvinners arbeidsforhold og mye mer. Deltakende artister inkluderer Louise Bourgeois og den japanskfødte performancekunstneren Yoko Ono.

dekonstruktivisme

Dekonstruktivisme er en av de mest visuelt imponerende kunstformene som noen gang er unnfanget. Hans sære, men intenst kreative stil med arkitektur fra det 80. århundre dukket opp på slutten av XNUMX-tallet, først og fremst i Los Angeles, men også i Europa.

Som en del av postmoderne kunst muliggjort ved bruk av designprogramvare for romfartsindustrien, står dekonstruktivistisk arkitektur i kontrast til geometriens ordnede rasjonalitet og favoriserer en fremmed tilnærming til design som typisk forvrenger det ytre av en struktur samtidig som det undergraver elementene. modernitetens verdier .

Noen historikere mener at dekonstruktivistisk filosofi også er i motsetning til postmoderne kunst, selv om de praktiske konsekvensene av dette er uklare. Tross alt må en dekonstruktivistisk arkitekt følge de moderne og postmoderne vitenskapens lover, enten han liker det eller ikke.

Den mest kjente representanten for dekonstruktivistisk arkitektur er den kanadisk-amerikanske Pritzker-prisvinneren Frank O. Gehry. Andre kjente dekonstruktivister inkluderer Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi og Peter Eisenman. Ekstraordinære dekonstruktivistiske bygninger inkluderer: Dancing House (Praha), Guggenheim-museet (Bilbao) og Vitra Design Museum i Weil am Rhein.

Dekonstruktivistisk arkitektur er preget av overflatemanipulasjon, fragmentering og ikke-lineære former som forvrenger og overstyrer arkitektoniske konvensjoner for struktur og overflate. Ved å gjøre det, blir elementer som ser ut til å motsi hverandre, bevisst kontrastert for å utfordre tradisjonelle ideer om harmoni og kontinuitet.

kynisk realisme

Kinesisk samtidskunstbevegelse som dukket opp etter nederlaget til Den himmelske freds plass (1989). Kyniske realister brukte en figurativ malestil med en hånende fortelling. De tilbakevendende motivene er figurer, skallede menn og fotografiske portretter. Stilen hånet Kinas politiske og sosiale status, og siden dette var en ny daggry for kinesiske kunstnere, ble den godt mottatt av vestlige kunstsamlere.

Postmoderne litteratur og film

Kjennetegn ved postmoderne litteratur inkluderer en gjennomtenkt håndtering av det som finnes i form av siteringer og hentydninger og lek med litterære sjangre. Også karakteristisk er konstruksjonen av mange nivåer av handling og relasjoner, ofte ødelagte.

Den trolig mest kjente postmoderne romanen er Rosens navn av Umberto Eco.Med en svært kompleks litterær struktur på samme måte som en kriminalroman klarte Eco å bygge bro mellom såkalt høykultur og massekultur. Historiske, litterære og kunsthistoriske sitater og referanser gjør boken til en pedagogisk roman eller til og med en litterær konkurranse. Men selv de som ikke er interessert i det kan glede seg over Ecos arbeid som en spennende thriller.

På samme måte kombinerte Peter Greenaway den historiske filmsjangeren med thrilleren i sin film The Cartoonist's Contract fra 1982, men i motsetning til Echo, løser det ikke gåten. Selv om handlingen gir mange klassiske ledetråder, fører de ingen vei.

visuell kunst

Bruken av begrepet postmoderne avvises av mange teoretikere og kunstnere, spesielt innen billedkunst, gitt det brede spekteret av uttrykksformer. Avvisningen av den modernistiske troen på innovasjon er også et av grunnlagene for postmoderne estetikk innen kunst. Postmodernismen er knyttet til historiske kategorier av kunst som ble forkastet av moderniteten, som narrative og mytologiske strukturer.

Dette begynner allerede med Andy Warhols skildringer av ikoner fra det 1950. århundre, fra Elvis til Jackie Onassis. Popkunst markerte også bruddet med moderniteten på XNUMX-tallet ved å si farvel til abstraksjonen. På XNUMX-tallet understreket billedkunsten, i likhet med datidens arkitektur, viktigheten av sensuelle, emosjonelle og tradisjonelle aspekter fremfor teori og konsept.

På XNUMX-tallet brøt kollektivet New Wild (Neue Wilden) dominansen til den minimalistiske og konseptuelt flittige avantgarden med sitt ekspressive og representative maleri. Det var lignende trender i USA og Italia.

Etter at virvelvinden satte seg rundt New Savages, tok trender tak som fokuserte på refleksjon over maleriets medium og sensuell eksperimentering med billedmedier (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), maleri representativt overvekt av den minimalistiske og konseptuelle arbeidsavant- garde. Det var lignende trender i USA og Italia.

Karakteristisk for tiden er to kunstnere hvis arbeid inkorporerer subkulturens og massekulturens estetikk: Keith Haring og Jeff Koons. Haring klarte å kombinere elementer av graffitikunst, tegneserier, datategnspråk, barntegning og tidlig historiemaling til et svært poetisk tegnspråk som er forståelig på tvers av mange kulturer. Jeff Koons gjorde seg bemerket på begynnelsen av 1990-tallet med undersåttenes provoserende banalitet.

Materialet som brukes er vanligvis av høy kvalitet, men overflatedesignet fremkaller en verden av nips og kitsch, som den delvis gullbelagte porselensfiguren i naturlig størrelse av Michael Jackson med sjimpansen hans Bubbles.

Postmoderne estetikks krav om pluralisme, subjektivitet, et trekk bort fra abstraksjon, inkludering av massemedier, utvisking av kjønnsgrenser, og aksept av sitat som et kunstnerisk medium har brakt farge og bevegelse til landskapet, kunstnerisk og museum.

Den eventuelle anerkjennelsen av fotografi og film som et kunstmedium kan godt sees på som et varig resultat av postmoderne trender. Midlertidig høydepunkt: Sommeren 2002 vil Museum Ludwig i Köln vise alle fem filmene fra Matthew Barneys nylig fullførte «Cremaster Cycle» som en del av en stor utstilling.

Arkitektur

På midten av 1970-tallet introduserte Charles Jencks begrepet postmodernisme i arkitektonisk diskurs. På denne måten nådde den postmoderne diskursen for første gang allmennheten. Stilprinsippene for postmoderne arkitektur hadde allerede klart dukket opp på dette tidspunktet.

Det var nødvendig med et demokratisk og kommunikativt arkitektonisk språk, hvis estetikk ikke bare skulle baseres på funksjon, men også på vesentlig innhold. Det ble også bedt om inkludering av fiktive elementer, for eksempel gotikken, som så et bilde av det himmelske Jerusalem i katedralen.

Samtidig økte trenden med å bevare og redesigne historiske bygninger. Det mest fremtredende eksemplet var Gare d'Orsay i Paris, som åpnet som Musée d'Orsay i 1986. Slike historiske bygninger påvirket språket i postmoderne arkitektur, som fra starten var sterkt bestemt av sitater.

For å unngå en ny historisisme var mottoet at eklektisisme, som kom til uttrykk for eksempel ved bruk av søyler, vinduer og gitterverk, ironisk nok skulle brytes. Spekteret av postmoderne arkitektur utviklet seg spesielt i museumsbygningen på XNUMX- og XNUMX-tallet.

I tillegg til Hans Holleins Abteiberg-museum (Mönchengladbach), regnes James Stirlings statsgalleri (Stuttgart) som et vellykket og karakteristisk produkt av postmodernismen. I Stirlings design er mange hentydninger til historisk arkitektur, fra Egypt til klassisk modernisme, smeltet sammen med popkulturfarger og typiske regionale materialer av sandstein og travertin for å skape en sammenhengende, moderne form.

I nyere tid, når det gjelder museumsbygging, har opplevelsens karakter kommet mer og mer frem enn utdanningskravet.

I stedet for å tenke på meditativ kunst, kreves iscenesettelse, og selve arkitekturen er iscenesatt med fantastisk utsikt og teatralske effekter. De første offentlige besøkene skjer i økende grad før maleriene henges opp slik at arkitekturen kan oppleves.

Postmoderne fokus på populærkultur

Kunstkritikere bruker ofte begrepet "høykultur" når de prøver å skille kunsten å male og skulptur (og annen visuell kunst) fra populærkulturen til magasiner, TV og andre masseproduserte produkter. Modernismen og dens innflytelsesrike tilhengere som Greenberg (1909-94) så på disse kulturformene som mindreverdige. Derimot ser postmodernister, som foretrekker en mer demokratisk kunstoppfatning, «høykultur» som mer elitær.

Popkunst, den første postmoderne bevegelsen, gjorde vanlige forbruksvarer til kunst. Popartister og andre gikk enda lenger i sine forsøk på å demokratisere kunsten ved å trykke sin "kunst" på krus, papirposer og t-skjorter: en metode som for øvrig eksemplifiserer postmoderne begjær, originalitet og autentisitet, undergraver kunsten.

Postmoderne kunstnere har forlatt forestillingen om at et kunstverk bare har én iboende betydning. I stedet mener de at betrakteren er en like viktig kilde til mening. Cindy Shermans surrealistiske fotografi, for eksempel, understreker ideen om at et kunstverk kan tolkes på mange måter.

Faktisk lar noen artister, som performancekunstneren Marina Abramovic, til og med seerne delta i kunsten deres, eller til og med krever publikumsinnspill for å fullføre arbeidet sitt.

Fokuser på showet

I fravær av ekte mening i livet, spesielt når vi blir utsatt for radio- og TV-reklamer dag og natt, har postmoderne artister foretrukket å begrense seg i stil og skuespill, ofte ved å bruke reklameverktøy og teknikker for å oppnå større effekt. Denne tilnærmingen er eksemplifisert i den kommersielle trykkeprosessen som bruker plakatlignende bilder av popartister som Roy Lichtenstein og James Rosenquist.

Fokuset på overflaten er et vanlig trekk ved postmoderne kunst og kommer noen ganger i forgrunnen med teatralske, strålende, svært virkningsfulle bilder. Siden 1980 har bruken av datamaskiner og andre teknologier revolusjonert multimediekunst (f.eks. animasjon) og skapt spesifikke muligheter innen områder som arkitektur.

Hvor viktig det er å fange publikums oppmerksomhet i postmodernismen viser sjokktaktikken til en gruppe studenter ved Goldsmiths College, kjent som Young British Artists, i London på slutten av XNUMX- og XNUMX-tallet. YBA-ene ble gjort kjent for tre show, og ble kritisert for sin dårlige smak, men flere av dem ble Turner-prisvinnere, mens andre oppnådde betydelig beryktethet og formue.

Møt forbrukernes behov

Fremveksten av forbrukeratferd og den umiddelbare nytelseskulturen i de siste tiårene av XNUMX-tallet har også hatt en sterk innflytelse på billedkunsten. Forbrukerne ønsker nå innovasjon. De ønsker også rekreasjon og moro. Mange postmoderne kunstnere, kuratorer og andre profesjonelle grep muligheten til å gjøre kunst til et produkt av moro.

Introduksjonen av nye former for kunst som performance, arrangementer og installasjoner, så vel som nye temaer, inkludert døde haier, gigantiske isskulpturer, mange av nakne kropper, bygninger som ser ut til å være i bevegelse, en samling på trettifem tusen terrakottafigurer, malte kropper, skumle projeksjoner på offentlige bygninger (og mange flere) - de har gitt seerne en rekke nye, noen ganger sjokkerende, opplevelser.

Hvorvidt disse nye kunstformene faktisk er «kunst» er fortsatt et spørsmål som skaper mye diskusjon. Postmoderne konseptualister hevder at det er det, mens tradisjonalister nekter å betrakte det som det.

prinsipper for postmoderne kunst

For spesialister består postmoderne kunst av tre grunnleggende prinsipper som vil styre den på en generell måte uten å være totalt begrensende:

umiddelbar mening

Ikke flere falmede oljemalerier som skildrer hårreisende hendelser fra gresk mytologi for å fremkalle et vitende smil fra den kultiverte observatøren. Fra begynnelsen i Pop Art-bevegelsen har postmoderne maleri og skulptur vært dristig, strålende og umiddelbart gjenkjennelig.

Temaer og bilder ble først og fremst hentet fra høyprofilerte forbrukerprodukter, magasiner, reklamefilmer, TV, filmer, tegneserier og tegneserier. For første gang forsto alle kunsten som ble vist. Selv om postmodernismen har utviklet seg fra popkunst, forblir ett hovedmål med mening umiddelbart åpenbart.

Kunst kan lages av alt

Bygger på tradisjonene til Marcel Duchamp, hvis urinal med tittelen Fountain (1917) var det første berømte eksemplet på en vanlig gjenstand omgjort til et kunstverk (et annet eksempel: The Story of the Ready-made), og kunstkunstnere postmodernister laget det deres virksomhet for å lage kunst fra de mest uvanlige materialer og rusk. Tanken bak er å demokratisere kunsten og gjøre den mer tilgjengelig.

Ideen er viktigere enn selve kunstverket

Frem til 1960-tallet trodde kunstnere generelt at uten et ferdig produkt ville det ikke være noe. Det ble lagt stor vekt på kvaliteten på det ferdige kunstverket og det håndverket som kreves for det. I dag er ting annerledes.

Postmodernister har en tendens til å tro mer på konseptet bak sluttproduktet enn på selve produktet, og det er derfor mye av «postmoderne kunst» kalles «konseptuell kunst» eller «konseptualisme». Andre former for konseptualisme inkluderer installasjoner, scenekunst, happenings, projeksjonskunst og noen få andre.

Bemerkelsesverdige postmoderne kunstnere

Siden vi er samtidige med postmoderne kunst, er det vanskelig å skille tidens ikoniske navn. Først etter en tid vil det være mulig å si hvilke kunstnere som satte et uttrykksfullt preg på maleriets historie, og hvis berømmelse bare var en hyllest til moten. Men siden postmodernismen har utviklet seg i mer enn et halvt århundre, kan vi nevne noen av navnene som allerede er skrevet inn i historien. Disse inkluderer for eksempel:

  • Dadaist, surrealist og grunnlegger av konseptualismen Marcel Duchamp
  • Andy Warhols popkunstleder
  • Forsamlingens pioner César Baldaccini
  • Den anerkjente konseptualisten Bruce Nauman
  • Robert Rauschenberg, Remedios Varo Uranga, Francis Bacon, Damien Hirst, Jeff Koons.

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (født 28. juli 1887 – død 2. oktober 1968) var en mester innen avantgardekunst, kjent for sine ekstravagante kunstverk. Marcel Duchamps verk trosset etablerte tradisjoner og ble gjentatte ganger diskutert i den skandaløse kronikken på begge sider av havet.

I begynnelsen av karrieren malte han bilder i postimpresjonistisk stil, og hyllet kubismen og fauvismen, men så ga han opp maleriet og ble interessert i å lage installasjoner hvor han blandet teknikker og brukte materialer med ulike teksturer. De revolusjonerende ideene til kunstneren hadde stor innvirkning på utviklingen av konseptuell kunst på XNUMX-tallet.

Andy Warhol

Andy Warhol (født 6. august 1928 – død 22. februar 1987) var en ettertraktet amerikansk kunstner og gallerist fra det XNUMX. århundre. Han ga et stort bidrag til utviklingen av kommersiell popkunst. Andy Warhol regnes med rette som lederen av en slik trend som uomo universale.

Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg (født 22. oktober 1925 – død 12. mai 2008) titanen for amerikansk kunst på XNUMX-tallet ifølge avisen The New York Times, var en fremragende kunstner og skaper, representant for abstrakt impresjonisme, konseptualisme, ferdiglaget og grunnlegger av popkunst.

Robert Rauschenbergs malerier er collager og installasjoner, obelisker, husholdningsartikler og andre gjenstander som er vanskelige å klassifisere. Mesterens arbeid, i likhet med biografien hans, er sjokkerende, overraskende, ekkelt og sjarmerende, men etterlater ingen likegyldige. Brennende bifil, frustrert farmasøyt, motstander av alt som er klassisk og ordinært, han utfordret hele tiden seg selv og verden rundt seg.

Varo Uranga rettsmidler

Remedios Varo Uranga (født 16. desember 1908 – død 8. oktober 1963) er en spansk og meksikansk kunstner fra det XNUMX. århundre, en original representant for surrealismen. Remedios Varos verk går utover rammen av klassisk maleri: drømmer, filosofiske refleksjoner, magi, mekanikk, historie og det okkulte er flettet sammen i surrealistenes verk.

Samtidig er Remedios Varos malerier ettertrykkelig lyriske og feminine, fylt med middelalderstemning og refererer betrakteren til universets opprinnelse. Remedios Varos malerier er befolket med ekstravagante eventyrfigurer, mekaniske konstruksjoner og natur. I motsetning til klassisk surrealisme spores et plott tydelig i hvert av kunstnerens verk som leder betrakteren til visse konklusjoner.

Francis Bacon

Francis Bacon (født 28. oktober 1909 – død 28. april 1992) er en mester i britisk ekspresjonisme, en av de mest tvetydige og brutale kunstnerne på XNUMX-tallet. Francis Bacons arbeid er anerkjent for å være imponerende: de mest skremmende kreasjonene av menneskelig fantasi kommer til live i maleriene hans.

Francis Bacon fikk ingen akademisk utdanning. Samtidig er den utrolig etterspurt og populær. Mesterens malerier er den ultimate drømmen for både private gallerier og verdens mest kjente museer, som slett ikke er uvillige til å inkludere hans verk i samlingen. Noen av kunstnerens mesterverk er verdt titalls millioner dollar og er inkludert i listene over de dyreste kunstverkene.


Bli den første til å kommentere

Legg igjen kommentaren

Din e-postadresse vil ikke bli publisert. Obligatoriske felt er merket med *

*

*

  1. Ansvarlig for dataene: Actualidad Blog
  2. Formålet med dataene: Kontroller SPAM, kommentaradministrasjon.
  3. Legitimering: Ditt samtykke
  4. Kommunikasjon av dataene: Dataene vil ikke bli kommunisert til tredjeparter bortsett fra ved juridisk forpliktelse.
  5. Datalagring: Database vert for Occentus Networks (EU)
  6. Rettigheter: Når som helst kan du begrense, gjenopprette og slette informasjonen din.