Innovasjon er det maksimale uttrykket for hva den moderne perioden var. I seg selv førte denne bevegelsen med seg et av de største bidragene til det XNUMX. århundres kunst. Og det er derfor vi har bestemt oss for å fortelle deg hovedtrekkene i denne bevegelsen om kunst, spesielt på modernistisk maleri og mer.
Modernisme og modernistisk maleri
Moderne kunst er et begrep som brukes for å beskrive en periode med kunsthistorie som strekker seg omtrent fra 1860-tallet til 1970-tallet. Begrepet betegner stilen og filosofien til kunst produsert i løpet av den tiden. Dens røtter ligger i arbeidet til kunstnere fra slutten av XNUMX-tallet som Van Gogh, Cezanne og Gauguin, hvis trening og tidlige karrierer var basert på en tradisjonell malerstil.
På slutten av XNUMX-tallet begynte imidlertid mange kunstnere å bevege seg bort fra realistisk fortelling i emne og stil, og beveget seg mot en mer abstrakt malerstil som adresserte deres nye estetiske ideer, dette ville senere bli kjent som modernistisk maleri. Så begrepet "modernist eller moderne" er assosiert med kunst, og fjerner dette kunstneriske uttrykket fra tradisjonelt maleri.
Moderne kunstnere lekte med uutforskede måter å se motivene sine på og nye måter å bruke tradisjonelle malematerialer på. Disse utfordret ideen om at kunst skulle representere verden realistisk, og eksperimenterte med ekspressiv bruk av farger, nye teknikker og utradisjonelle materialer som nå anses som kjennetegnet for modernistisk kunst og maleri.
Begynnelsen av det XNUMX. århundre brakte enda mer eksperimentering. The Fauve artister (Fauvisme), de begynte å male uttrykksfulle «ville» landskap og kubistiske kunstnere begynte å dekonstruere motiver til solide former, og gjorde dem nesten abstrakte.
Disse kunstbevegelsene og de som fulgte dem frem til XNUMX-tallet, var basert på nye måter å tenke på, se og utforske kunst, og danne selve definisjonen av hva moderne kunst er. Der moderne kunst er et begrep som brukes for å beskrive en kunstnerisk bevegelse og en periode i kunsthistorien, er modernisme navnet på den filosofiske bevegelsen som vokste frem på samme tid.
Den industrielle revolusjonen, den raske veksten av urbane områder og nye former for transport bidro til utviklingen av modernismens filosofi som avviste tradisjonelle tankeformer, kunst, religion og sosial atferd. Modernisme og moderne kunst henger sammen og eksisterer side om side: modernismens teorier gir næring til kunstnernes tenkning, og moderne kunst fremmer filosofi i faktisk praksis.
Kjennetegn på det moderne i kunsten
Selv om det ikke er noe enkelt kjennetegn som definerer "moderne kunst", skilte den seg ut for en rekke viktige egenskaper, for eksempel følgende:
Nye typer kunst
Moderne kunstnere var de første som utviklet collagekunsten, ulike former for montering, en rekke kinetisk kunst (inkludert mobiler), ulike sjangere innen fotografi, animasjon (tegning pluss fotografi), landkunst eller voller og performancekunst.
Bruk av nye materialer
Moderne malere plantet gjenstander som avisutklipp og andre gjenstander på lerretene sine. Skulptører brukte funnet gjenstander, for eksempel Marcel Duchamps "readymades", som de skapte kunstverk fra. Samlingene ble produsert med de vanligste hverdagstingene, som: biler, klokker, kofferter, trekasser og andre gjenstander.
uttrykksfull bruk av farge
Strømmene innen moderne kunst som fauvisme, fargefeltmaleri og ekspresjonisme var de første som detonerte farger på en ganske betydelig måte.
Nye teknikker
Kromolitografi ble utviklet av plakatkunstneren Jules Cheret, automatisk tegning ble definert av surrealistiske kunstnere, på samme måte som Frottage og Decalcomania. Gestmalerne unnfanget actionmaling. I mellomtiden introduserte popartister "Benday dots" og silketrykk i kunst. Andre bevegelser og skoler for moderne kunst som også introduserte nye teknikker i utførelse og bearbeiding av maleri.
Modernistiske kunstbevegelser
Begynnelsen av modernistisk maleri kan ikke begrenses, men det er generell enighet om at det begynte i Frankrike på XNUMX-tallet. Maleriene til Gustave Courbet, Edouard Manet og impresjonistene representerer en dypere avvisning av den rådende akademiske arven og en søken etter en mer naturalistisk representasjon av det visuelle universet.
Etterfølgerne kan sees på som mer moderne i deres avvisning av tradisjonelle praksiser og temaer og i deres uttrykk for en mer abstrakt personlig visjon. Fra 1890-tallet dukket det opp en rekke forskjellige bevegelser og stiler, som er kjernen i samtidskunsten og representerer et av høydepunktene i vestlig visuell kultur. Disse moderne bevegelsene inkluderer:
- nyimpresjonisme
- Symbolikk
- Fauvisme
- Kubisme
- Futurisme
- ekspresjonisme
- Suprematisme
- konstruktivisme
- metafysisk maleri
- De Stijl
- Dada
- Surrealisme
- Sosial realisme
- Abstrakt ekspresjonisme
- Pop Art
- Op kunst
- Minimalisme
- nyekspresjonisme
Uavhengig av den enorme variasjonen man ser i disse bevegelsene, er mange av dem karakteristisk moderne i sin undersøkelse av potensialene som ligger i selve billedmediet for å uttrykke et religiøst svar på de varierte livsforholdene i det XNUMX. århundre og utover.
Disse forholdene inkluderer akselererende teknologiske endringer, veksten av vitenskapelig kunnskap og forståelse, den tilsynelatende irrelevansen til noen standardkilder til tro og verdier, og den økende bevisstheten om ikke-vestlige kulturer.
Kronologi og evolusjon
Utviklingen av moderne kunst i all dens representasjon (modernistisk maleri og mer), ble presentert og utviklet seg i verden gjennom forskjellige former og årsaker, som vil bli detaljert kronologisk nedenfor:
1870-1900
Selv om den siste tredjedelen av XNUMX-tallet var noe dominert av den nye impresjonistiske malestilen, var det faktisk flere banebrytende tråder innen moderne kunst og modernistisk maleri, hver med sin egen spesielle tilnærming. Disse inkluderte:
- Impresjonisme (nøyaktighet i å ta effekten av sollys).
- Realisme (innhold – tema).
- Akademisk kunst (ekte bilder av klassisk stil).
- Romantikk (sinnetilstand).
- Symbolikk (gåtefull ikonografi).
- Litografisk plakatkunst (dristige motiver og farger).
Det siste tiåret av denne perioden så en rekke opprør mot akademiene og deres salonger i form av løsrivelsesbevegelsen, mens på slutten av 1890-tallet så nedgangen av naturbasert kunst, som impresjonisme, som snart ville føre til en økning i flere seriøs budskapsbasert kunst.
1900-14
Nesten i alt var dette den mest imponerende tiden innen moderne kunst, da alt fortsatt var potensielt levedyktig og da "dingsen" fortsatt kun ble visualisert som en alliert av mennesket. Paris-kunstnere produserte en rekke nye stiler, inkludert: Fauvisme, kubisme og orfisme. Mens tyske kunstnere lanserte sin egen modernistiske ekspresjonistiske malerskole.
Alle disse progressive bevegelsene avviste tradisjonalistiske holdninger til kunst og forsøkte å forsvare sin egen spesielle agenda for modernismen. Dermed ønsket kubismen å prioritere maleriets formelle egenskaper, mens futurismen foretrakk å understreke maskinens muligheter, og ekspresjonismen forsvarte den individuelle persepsjonen.
1914-24
Blodbadet og ødeleggelsen av den store krigen endret ting fullstendig. I 1916 ble Dada-bevegelsen lansert, fylt av en nihilistisk trang til å undergrave verdisystemet som hadde ført til Verdun og Somme. Plutselig virket representasjonskunst uanstendig. Ingen bilder kunne konkurrere med fotografier av krigsdøde. Kunstnere hadde allerede i økende grad vendt seg til ikke-objektiv kunst som uttrykksmiddel. Datidens abstrakte kunstbevegelser inkluderte:
- Kubisme (1908–40)
- Vorticism (1914–15)
- Suprematisme (1913-18)
- Konstruktivisme (1914–32)
- Stijl (1917–31)
- Neoplastisisme (1918–26)
- Elementarisme (1924–31)
- Bauhaus (1919–33)
- Den senere St Ives-skolen
Selv de få figurative bevegelsene var tydelig avantgarde, som vist i metafysisk maleri (1914-20).
1924-40
Årene med fred mellom krigene forble preget av politiske og økonomiske vanskeligheter. Abstrakt modernistisk maleri og skulptur forble fremtredende, da kunst som var særegen for virkeligheten stort sett forble ute av moten.
Selv den realistiske fløyen til den surrealistiske bevegelsen, periodens største bevegelse, kunne ikke takle mer enn en fantasy reality-stil. I mellomtiden dukket det opp en mer uhyggelig virkelighet på kontinentet, i form av nazistisk kunst og sovjetisk agit-prop. Bare Art Deco, en ganske elegant designstil rettet mot arkitektur og brukskunst, uttrykte noen tillit til fremtiden.
1940-60
Kunstverdenen ble forvandlet av katastrofen under andre verdenskrig. Til å begynne med skiftet tyngdepunktet fra Paris til New York, hvor det har holdt seg siden. Nesten alle fremtidige verdensrekordpriser vil bli oppnådd i salgsrommene til Christie's og Sotheby's i New York. I mellomtiden hadde det usigelige fenomenet Auschwitz undergravd verdien av all realistisk kunst bortsett fra Holocaust-kunsten til de berørte.
Som en konsekvens av alt dette ble den neste store internasjonale bevegelsen, abstrakt ekspresjonisme, skapt av amerikanske kunstnere fra New York School. Faktisk, i de neste 20 årene vil abstraksjon dominere, ettersom nye bevegelser dukker opp. Disse inkluderte:
- Uformell kunst.
- Action maleri.
- Gesturalisme.
- Røyking
- Fargefeltmaling.
- lyrisk abstraksjon.
- Hard Edge Maling
- COBRA, en gruppe kjennetegnet ved sin barneikonografi og sine uttrykksfulle linjer.
I løpet av 1950-årene spiret andre mer dristige typer stiler, som: kinetisk kunst, Nouveau-realisme og Neo-Dada, som alle manifesterte en progressiv uro med den smale kunstindustrien.
1960
Eksplosjonen av populærmusikk og TV ble reflektert i Pop-Art-bevegelsen, hvis billedlige representasjoner av Hollywood-kjendiser og populærkulturikonografi feiret suksessen til masseforbrukerismen i USA. Den hadde også et friskt, moderne preg, som bidro til å fjerne noe av det tidlige 60-talls dysterhet knyttet til Cubakrisen i 1962. Som i Europa hadde drevet suksessen til Fluxus-bevegelsen ledet av:
- George maciunas
- joseph beuys
- Nam June Paik
- Ulv Vostell
Jordnær popkunst var også et kjærkomment motstykke til den mer lærde abstrakte ekspresjonismen, som allerede hadde begynt å falme. Men 1960-tallet så også fremveksten av en annen høyprofilert bevegelse kjent som minimalisme, en form for modernistisk maleri og skulptur renset for alle eksterne referanser eller gester, i motsetning til det følelsesladede språket til abstrakt ekspresjonisme.
Modernisme i den grafiske kunsten
På slutten av XNUMX-tallet begynte kunstnere å bli lei av tradisjonelle og konservative kunstformer. I Wien kalte en gruppe kunstnere ledet av Gustav Klimt seg Wien-løsrivelsen og avskåret seg fra kunstinstitusjonene i den østerrikske hovedstaden på den tiden.
Gruppen utforsket ukjente territorier i form, komposisjon og uttrykk, og utløste lignende eksperimenter i andre nærliggende land som Frankrike og Tyskland. Rike modernistiske malerstreker og realisme blir oversatt til flate farger og stilistisk typografi, uttrykk som ville bane vei for grafikk.
Da første verdenskrig begynte, ble grafisk design allerede brukt til kommersielle, bedriftsmessige og estetiske formål. Hans nye rolle ville være politisk, brukt i plakater og propaganda under krigen.
Fremskritt innen massefargeutskrift muliggjorde effektiv produksjon av meldinger for å samle inn penger, oppmuntre til verving og øke moralen. Uroen og utfordringene som ble møtt i begge verdenskrigene inspirerte til slutt den første bølgen av ekte modernisme innen grafisk design.
I Europa og Amerika hentet grafiske designere inspirasjon fra bredere kunstbevegelser som kubisme, futurisme, De Stijl og surrealisme. I Tyskland hadde Bauhaus-bevegelsen også en betydelig innvirkning på grafisk design. Med sine dristige linjer, primærfarger og forstyrrende hvite rom var den like slående i 2D-formatet som den er i arkitektur eller skulptur.
Til syvende og sist ble modernistisk design definert av abstrakt uttrykk, dristige typer og primære farger og former. Disse designerne nærmet seg arbeidet objektivt, og la vekt på det rasjonelle fremfor det ekspressive (og understreket den klassiske modernistiske troen på at form følger funksjon).
Da nazistene kom til makten på 1930-tallet, ble modernistiske eksperimenter i alle praksiser fordømt, og mange kunstnere, arkitekter og designere immigrerte til USA. Selv om modernistisk design ble avbrutt i sin vekst, er det fortsatt en av de mest virkningsfulle bevegelsene i grafisk designs historie.
Art Nouveau smykker, glass, keramikk, møbler og smijern
De modernistiske gullsmedene i USA som praktiserte håndverket sitt fra 1930- til 1960-tallet var ganske ettertrykkelig i sin avvisning av stiler som hadde kommet før. Viktorianske smykker ble avvist som for dekorative, art nouveau-stykker ble sett på som for krevende, og art deco-estetikk ble sett på som altfor stiv. Disse gullsmedene følte at de hadde mer til felles med datidens moderne malere, skulptører og andre kunstnere.
Hans ambisiøse mål var å lage unike kunstverk som folk kunne bruke. En av de tidlige forkjemperne og utøverne av formen var Sam Kramer, som, som mange av hans samtidige, bodde, jobbet og solgte kreasjonene sine i New York Citys Greenwich Village. Kramer jobbet først og fremst i sølv, men var også flink til å lage kobberringer, øredobber og pinner og fant gjenstander inkludert elgtenner, knapper, fossiler og gamle mynter.
Noen ganger brukte Kramer halvedelstener som granater eller opaler i sine surrealistiske, geometriske eller biomorfe stykker. En annen uoffisiell leder av den modernistiske smykkebevegelsen var Kramers nabo Art Smith. Smykkene hennes varierte fra enkle sølvhalsringer til biomorfe stykker som er basert på afrikanske motiver.
Mens Smith laget små biter som mansjettknapper og øredobber, var mange av hans beste verk store nok til å omslutte kroppen, som om den menneskelige formen bare var bakteppet for hans kreasjoner.
Hans vintage kobberarmbånd, spesielt "jazz"-håndjernene med musikknoter påført deres ytre overflater, er svært samlebare. Bumeranger, rette linjer som krysser kurver og atomalderformer er typiske for Ed Wieners arbeid.
Noen ganger ble et par sølvøreringer som så ut som skjeve timeglass prydet med en enkelt perle. Andre ganger ble en katteøyeagat plassert i midten av et stykke, som for å gi dens livløse gjenstander utseendet til et menneskelig ansikt.
En annen Greenwich Villager hvis vintage modernistiske smykker er høyt ansett var Paul Lobel, som designet søte sølvnåler og armbånd, samt glass, møbler og sølvtøy. Utenfor New York var det Betty Cooke, som jobbet i Bauhaus-modus i Baltimore.
Smykkene hennes var bygd opp av geometriske former og var preget av en sterk følelse av orden, som hun med vilje ville forstyrre ved skarp plassering av perler, små treblokker eller til og med uferdige steiner som kvarts.
En annen Bauhaus-akolytt var Margaret De Patta, hvis arbeid reflekterte den dype innflytelsen fra Bauhaus-mesteren László Moholy-Nagy, som hun studerte med. I mellomtiden, i San Francisco, så Peter Macchiarini til afrikanske masker og kubisme for inspirasjon. Messing, kobber og sølv var vanlige materialer, sammen med opaler, agater og tre.
I Skandinavia på 1940- og 1950-tallet fant en parallell bevegelse sted. Henning Koppel og Nanna Ditzel var to bemerkelsesverdige designere for Georg Jensen, hvis sølvtåre- og amøbekjeder kombinerte perfeksjonen til dansk gullsmedarbeid med interesse for naturlige, til og med primitive former.
Senere, i Finland på XNUMX-tallet, giftet Bjorn Weckstrom seg med solid sølv og biter av polert akryl for å lage ringer, armbånd og anheng som var både romalder og organiske. Andre områder som ble utforsket av modernistiske kunstnere var produksjon av keramikk, møbler, glass og metallurgi. Blant de mest fremragende artistene kan følgende nevnes:
- Louis Comfort Tiffany (designer)
- Émile Gallé (keramiker og glassmaker)
- Antonin Daum (glassmester)
- Lluís Masriera (juveler)
- Carlo Bugatti (møbeldesigner)
- Louis Majorelle (møbeldesigner)
- Gustave Serrurier-Bovy (møbeldesigner)
- Jacques Grüber (dekoratør og maler)
- Jules Brunfaut (arkitekt og dekoratør)
- Auguste Delaherche (keramiker)
- Georges de Feure (maler og dekoratør)
modernistisk maleri
Den moderne kunsthistorien var en stor tilskuer til nedbrytningen av tradisjonelle begrensninger, både når det gjaldt form (kunstens utseende) og innhold (fagstoffet). Dette skjedde i alle grener av kunsten, med maleri i spissen. Faktisk hadde malere ledet estetisk innovasjon i Europa siden slutten av antikken.
Den mest fremtredende nyvinningen i form var fremveksten av stadig mer forvrengte malerstiler, som kulminerte med fødselen av abstrakt kunst. Når det gjelder innhold, har modernistisk maleri en tendens til å presentere vanlige, hverdagslige scener, i motsetning til tradisjonelle "høye" emner (bibelske, mytologiske, historiske).
Fødselen til det modernistiske maleriet spores ofte til realismen, en fransk bevegelse som skildret scener fra hverdagen på en fysisk realistisk måte. Selv om realistiske scener i dagliglivet kan spores tilbake til renessansens lavlandsmaleri, tok Modern Realism-bevegelsen en ny tilnærming ved å fokusere på harde realiteter, inkludert: fattigdom, hjemløshet og arbeidsforhold. undertrykkende
Denne bevegelsen ble ledet av Gustave Courbet, hvis mest bemerkelsesverdige verk er "The Stone Breakers" og "Entierro de Ornans". Selv om forvrengning, ikke realisme, ville bli den dominerende trenden i modernistisk maleri, har realistisk kunst fortsatt å blomstre frem til i dag. Mye av denne kunsten er, som den opprinnelige franske bevegelsen, sosialt bevisst.
Den neste store fasen av modernistisk maleri var impresjonisme, en rask, skisseaktig stil som fanger helhetsinntrykket av en scene (i motsetning til presise detaljer). Spesielt forsøker impresjonismen å fange de øyeblikkelige effektene av lys, først og fremst gjennom tilstøtende penselstrøk med lyse, kontrasterende farger (som forsterker glansen til begge farger, og dermed produserer en glødende effekt).
Impresjonistene var den første gruppen av kunstnere som først og fremst malte på stedet, i stedet for å tegne på stedet og male i studio. Impresjonismens røtter ligger i verkene til Édouard Manet, som malte i en ganske realistisk stil. Imidlertid forårsaket Manet kontrovers ved bare å følge perspektivet løst, gjengi bakgrunner på en forenklet skjematisk måte og flate ut overflatene til objekter til områder med solid farge (i stedet for å modellere objekter med jevn skyggelegging).
Disse tendensene ble først tydelig tydelige i Luncheon on the Grass, Manets mest kjente tidlige maleri. De blir mer uttalt i hans senere arbeider, inkludert: "A bar at the Folies-Bergére", ofte betraktet som hans mesterverk. Forlengelsen av Manets stil førte til impresjonisme, da skarpe detaljer og realistisk modellering ble forlatt til fordel for raske penselstrøk og sprut av ensfargede farger.
Den mest fremtredende impresjonisten var Claude Monet, som først og fremst arbeidet med landskap og sjølandskap. Hans tidlige arbeider inkluderer mange sjømalerier rundt hjembyen hans Le Havre, inkludert "Impression, Sun Rising." Da dette verket ble kritisert som et "bare inntrykk", ble navnet på stilen sikret.
Noen ganger vendte Monet tilbake til et motiv flere ganger, til forskjellige tider eller årstider, for å fange et bredt spekter av lysforhold. Denne tilnærmingen kulminerte i den berømte Water Lily Series, som inneholder mange behandlinger av vannliljedammen utenfor huset som Monet trakk seg tilbake til.
Impresjonisme omfatter mange av de mest anerkjente navnene i maleriet. Sammen med Monet ble impresjonistisk landskapsmaleri ledet av Sisley og Pissarro. De mest fremtredende figurmalerne i den impresjonistiske stilen var:
- Renoir
- Morisot
- Av gass.
Impresjonistene, som litt uskarp og forenklet virkeligheten, ble fulgt av en gruppe kunstnere som tok forvrengningen mye lenger: postimpresjonistene, som oppdaget at slående nye emosjonelle effekter var mulig hvis virkelighetens former og farger ble forvandlet mer spektakulære.
Noen postimpresjonister forfulgte geometrisk forvrengning (hvor verden er komprimert til geometriske former, noe som skaper en følelse av stivhet og kontroll), mens andre utforsket flytende forvrengning (der verden er skjev på en flytende og organisk måte). Begge typer forvrengning (spesielt flytende) presenterer ofte dramatisk urealistiske farger.
Hovedpioneren innen geometrisk forvrengning var Paul Cézanne, som jevnt forenklet de fysiske egenskapene til en scene til geometriske former. Dette resulterte i landskap (hans foretrukne emne) med et noe stivt, blokkaktig utseende.
Den viktigste pioneren innen væskeforvrengning var Vincent van Gogh. (Andre viktige figurer inkluderer Gauguin, Munch og Toulouse-Lautrec.) Van Goghs stil er flytende og fargerik, med særlig vekt på gult. The Starry Night kan være hans mest kjente verk.
Mens Georges Seurat utviklet en veldig særegen form for postimpresjonisme: pointillisme, der scener er gjengitt i mange prikker i en enkelt farge. Det mest kjente pointillistverket er «Sunday Afternoon» som gjenspeiler øya La Grande Jatte.
modernistisk skulptur
Moderne skulptur er historisk definert som skulptur som begynner med arbeidet til Auguste Rodin og slutter med fremveksten av popkunst og minimalisme på 1960-tallet. Alex Potts' diskusjon fra 2001 om historiografien til moderne skulptur er omfattende for en forståelse av media, periode, og metoder brukt av sentrale kunstnere.
Mens det nå blir sett på som klisjé å starte den modernistiske bevegelsen innen skulptur med arbeidet til Rodin, begynner man i hans arbeid å se trender som vil bli karakteristiske for moderne skulptur, for eksempel en ny interesse for fragmentet, spesielt kroppen.
Samt en overflatebehandling og uttrykksfull overflatedetalj, en oppmerksomhet på bevegelse, en symbolsk fusjon av en figurs indre uttrykk og dens ytre representasjon, eller det Constantin Brancusi kalte "essens". Og en større betraktning av abstraksjon, fragmentering og ikke-representasjon i skulpturelle objekter, det vil si et bevisst avvik fra realisme og akademisk idealisme.
Skulptører i denne perioden la også vekt på design, form og volum over representasjonen av et spesifikt emne. Bruken av materialer som ikke tradisjonelt brukes i de endelige skulpturkonseptene ble tydeligere, som bruk av: klær, tekstiler og andre blandede medier. Som sett i "Lille fjorten år gamle ballerina" laget av Edgar Degas mellom årene 1878-1881, ligger den for tiden i National Gallery, Washington.
Sammensmeltingen av menneskelige og mekaniske elementer observeres i perioden av maskinalderen, som i verkene til Umberto Boccioni og Jacques Lipschitz, i tillegg til forvrengningen og skjørheten som vises i verk fra mellomkrigstiden, som i verkene av Medardo Rosso og Alberto Giacometti.
Påvirkningen av kunst utenfor den vestlige, det vil si europeiske, tradisjonen ble svært innflytelsesrik for billedhuggere ved århundreskiftet og kan sees i skulpturene til Paul Gauguin og Pablo Picasso. Kunstnere som Naum Gabo og Antoine Pevsner begynte å bruke materialer som ikke hadde blitt brukt til kunstskulptur i umiddelbar fortid og nyoppfunnet materialer som plast.
Materialene som hadde blitt brukt tidligere ble viktigere i moderne tid, som: aluminium med Isamu Noguchi, elektrisitet til lys i skulptur og for motorisert bevegelse av Camille Claudel, jern av Julio González, ledet av Aristide Maillol, stål og sveiset metaller av David Smith og Julio González, tre av Constantin Brancusi og funnet gjenstander av Louise Nevelson.
Selv om det er eksempler på bevegelige skulpturer laget av tidligere skulptører som: Antonio Canova og Lorenzo Bartolini. Som vi vil tenke på som kinetisk skulptur i dag, både antydningen om bevegelse i skulptur og faktiske bevegelige skulpturer ble mer fremtredende i løpet av første halvdel av XNUMX-tallet. Alexander Calder og László Moholy-Nagy implementerte en større bruk av bevegelsesteknologi i sine arbeider i andre halvdel av århundret.
Spenningen og reaksjonen mellom det positive bildet og det negative rommet rundt et kunstverk spilte også en betydelig rolle, og dette kan særlig sees i de tidlige arbeidene og "romtegningene" til Giacometti, Picasso og David Smith, samt i skulptur av Jean Arp, Henry Moore og Barbara Hepworth.
De ovennevnte kunstnerne, sammen med mange andre, inkludert: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens og Aristide Maillol, gjorde et betydelig brudd med skulpturen fra nær fortid, frigjort det fra deres avhengighet av anatomi og deres slaveri til arkitekturen, og de tok mediet lenger enn noen generasjon siden skulptørene fra den tidlige renessansen.
Moderne arkitektur
Moderne arkitektur vokste ut av avvisningen av vekkelser, klassisisme, eklektisisme og alle tilpasninger av tidligere stiler til bygningstypene i det industrialiserte samfunnet på slutten av XNUMX- og XNUMX-tallet. Videre vokste det ut av forsøk på å skape arkitektoniske former og stiler som kunne bruke og reflektere de nylig tilgjengelige bygningsteknologiene av strukturelt jern og stål, armert betong og glass.
Inntil spredningen av postmodernismen innebar moderne struktur også avvisning av den anvendte ornamenten og dekorasjonen som er karakteristisk for førmoderne vestlige bygninger. Drivkraften i moderne arkitektur har vært en streng konsentrasjon om bygninger hvis rytmiske arrangement av mennesker og former etablerer et geometrisk mønster i lys og farger.
Denne utviklingen var nært knyttet til de nye konstruksjonstypene som kreves av et industrialisert samfunn, for eksempel kontorbygg som huser bedriftsledelse eller statlig ledelse. En av de viktigste trendene og bevegelsene i modernistisk arkitektur er:
- Chicago-skolen
- funksjonalisme
- art Deco
- art Nouveau
- De Stijl, Bauhaus
- Den internasjonale stilen
- Den nye brutalismen
- Postmodernisme
moderne kunstnere
Historien om moderne kunst er historien til de største kunstnerne og deres prestasjoner. Moderne kunstnere har anstrengt seg for å uttrykke sine syn på verden rundt seg ved hjelp av visuelle midler. Mens noen har knyttet arbeidet sitt til tidligere bevegelser eller ideer, var det overordnede målet for enhver kunstner i moderne tid å fremme sin praksis til en posisjon med ren originalitet.
Enkelte kunstnere etablerte seg som uavhengige tenkere, og våget seg utover det som utgjorde akseptable former for "høy kunst" på den tiden, støttet av tradisjonelle statlige akademier og overklasse beskyttere av billedkunst. Disse innovatørene beskrev et emne som mange betraktet som utuktig, kontroversielt eller til og med direkte stygt.
Den første moderne kunstneren som sto i det vesentlige alene i denne forstand var Gustave Courbet, som på midten av 1849-tallet forsøkte å utvikle sin egen særegne stil. Dette ble i stor grad oppnådd med hans maleri fra 1850-XNUMX, Burial at Ornans, som sjokkerte den franske kunstverdenen ved å portrettere begravelsen til en vanlig mann fra en bondelandsby.
Akademiet brøt på skildringen av skitne gårdsarbeidere rundt en åpen grav, ettersom bare klassiske myter eller historiske scener var passende motiv for et så stort maleri. Courbet ble opprinnelig utstøtt for sitt arbeid, men han viste seg etter hvert svært innflytelsesrik for påfølgende generasjoner av moderne kunstnere. Dette generelle mønsteret av avvisning og påfølgende innflytelse har blitt gjentatt av hundrevis av kunstnere i moderne tid.
Nedenfor er en liste over noen av de mest fremtredende kunstnerne i den modernistiske formen for kunstnerisk uttrykk:
- Eugene Atget
- Hippolyte blancard
- Paul Cézanne
- Salvador Dalí
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Vincent van Gogh
- Hector Guimard
- Wassily Kandinsky
- Raoul Francois Larche
- Jacques-Henri Lartigue
- Fernand Léger
- Henri Matisse
- Joan Miró
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- franz klein
- Paul Klee
- Frantisek Kupka
- Paul strand
- charles sheeler
- Henrik av Toulouse
- Lautrec
- Edouard Vuillard
Hvis du fant denne artikkelen om modernistisk maleri interessant, inviterer vi deg til å nyte disse andre: